La textura

• La textura es la apariencia de una superficie.

• Como elemento plástico puede enriquecer la expresividad de un punto o de un plano, pero

también puede ser el elemento configurador de una composición.
– La textura de una superficie puede ser: lisa, rugosa, áspera o granulada.

• Como elemento de expresión:

– Una superficie de textura lisa y uniforme produce una sensación visual fría y estática
– Una superficie de textura rugosa e irregular produce una mayor sensación visual de
movimiento y calidez.
– La luz y el color puede incrementar o atenuar la sensación visual de una superficie texturada
en uno u otro sentido. Una iluminación frontal actúa atenuando la sensación de relieve de
una textura, con una iluminación lateral podemos potenciarla.

• La textura de una superficie puede ser.

– Táctil y visual, si puede percibirse mediante el sentido del tacto y de la vista. Posee relieve,
y puede ser suave, áspero o rugoso, homogéneo o discontinuo.
– O visual, por ser principalmente percibida por el sentido de la vista. La sensación de textura
se consigue mediante diferentes procedimientos gráficos y materiales (raspado,
transparencia, estarcido, estampación, lavado, etc.)

1
• Cada arte tiene sus propios medios para obtener texturas.

• En las artes bidimensionales, los efectos de calidad se logran por diversos procedimientos:
pincelada, raspado, frotado, barnizado, transparencias, etc. En general, los efectos texturales de
la pintura dependen:
– De la naturaleza del soporte (papel, cartón, madera, lienzo fino o muy granulado, etc.)
– Del espesor que se le da al pigmento. Es decir, de la técnica pictórica.
– Y del instrumento con que se aplica: pincel, espátula, trapos, esponjas, manos, etc.

• En el Renacimiento, y posteriormente, en las escuelas que se derivan de él, lo que se

pretendía era reproducir la calidad de los materiales:

– Que la seda pareciera seda, el terciopelo, terciopelo, la carne, carne, etc.

– El acabado que daban a la pintura dejaba la superficie perfectamente plana y tersa, para lo
cual solían hacer uso de trapos, muñecas y pinceles de pelo muy fino.

• En el Barroco, y más tarde, en el Romanticismo, el color se maneja contractivamente y se

emplea grueso, para obtener relieves y empastes de valor textural visual y táctil.

• La textura se hace importante medio de expresión, por sí misma, a partir del Cubismo, que
introduce en el cuadro materiales no pictóricos, como telas, papeles, cartones, maderas,
alambres, etc., haciendo lo que se llama "collage" es decir, un encolado.

• En las artes contemporáneas, que emplean un lenguaje muy directo, el uso de materiales
extraños se ha hecho común, y la textura toma el valor de elemento formal fuertemente
expresivo, al punto de constituir, en algunos casos, el único medio de expresión artística.

2
• Venus de Willendorf, piedra, Museo de arte natural de Viena.

1. Algunos sugieren que su corpulencia

representa un elevado estatus
social en una sociedad cazadora-
recolectora.

2. Además de la obvia referencia a la

fertilidad.

3. La imagen podía ser también un

amuleto o un símbolo de
seguridad, de éxito y de bienestar.

4. Sabemos que no eran objetos con

una utilidad práctica productiva;
también sabemos que han aparecido
en lugares de habitación y no en
lugares de enterramiento.

Gravetiense

3
• El conjunto respeta la ley de
frontalidad aunque la cabeza está
ligeramente inclinada hacia los senos
mamarios.

• Aunque las piernas son

anatómicamente muy acertadas, las
rodillas están juntas y los pies que
no han sido representados (o se han
perdido) estarían separados,
terminando la escultura a la altura de
los tobillos.

4
 Los padres del favorito real
Ramosés. Relieve sobre caliza.
Capilla funeraria de Ramosés
(1400 a. J.C.), Imperio Nuevo,
XVIII dinastía, Necrópolis de
Tebas.

• En la estatuaria egipcia y mesopotámica, la imitación del cabello y la barba del hombre, o

los pliegues de las vestiduras, son texturas visuales y táctiles, utilizadas con regularidad y
precisión geométrica.

5
• La antigua Mesopotamia es el territorio abarcado en la cuenca fluvial de los ríos Tigris y
Éufrates desde la prehistoria hasta la caída del último imperio mesopotámico – el imperio
caldeo o neobabilónico.

• La historia de Mesopotamia se divide en tres periodos:

1. la etapa Sumerio-Acadia (3.000 a 2.000 antes de Cristo),

2. el Primer Imperio Babilónico (1.900 a 1.100 a. de C.),
3. y la etapa Asiria (1.000 a 539 a. de C.), que incluye el Segundo Imperio Babilónico
Caldeo (o Imperio neobabilónico o caldeo del I milenio a. C.)

Mesopotamia es un término de origen

griego y quiere decir “región entre
ríos”.

6
• Las creencias y prácticas religiosas en Mesopotamia forman una única corriente coherente de
tradición de origen sumerio.

• Modificadas poco a poco por los acadios (semitas que emigraron a Mesopotamia desde el oeste
a finales del IV milenio a. C.), cuyas creencias propias fueron asimiladas e integradas con las
tradiciones propias

• Y con las de otros pueblos que vivieron o convivieron en Mesopotamia, destacando los
babilonios o los asirios y más adelante, los arameos y los caldeos.

• Los mesopotámicos concibieron un sistema politeísta.

• La religiosidad de la Antigua Mesopotamia estaba principalmente constituida por un sentimiento

de temor, respeto y servilismo ante las divinidades.

• Los dioses eran representados, fundamentalmente, en forma antropomorfa cuyas necesidades,

los seres humanos, satisfacían con abnegación y generosidad.

7
 Istar (o Ishtar) , la diosa del amor y de la
fertilidad, era al mismo tiempo la diosa de
la guerra, lo cual habla de una divinidad que
en realidad es el producto de dos creencias
originales distintas: una sumeria, y otra
semítica.

• Terracota con restos de policromía Periodo de Isin-Larsa y Babilonia (2025-1594 a. C.) Época
paleobabilónica, 1792-1750 a. C. British Museum, Londres.

8
• Estatua sedente del príncipe Gudea,
escultura en diorita, 46 centímetros
de alto, excavado en Telloh (antigua
Girsu), Irak, período neo-sumerio,
año 2120 a. C., Museo del Louvre.

• Simplificaban y regularizaban las

formas naturales gracias a la ley
de la frontalidad (parte derecha e
izquierda simétricas) y al
geometrismo (figura dentro de un
esquema geométrico que solía ser
el cilindro y el cono).

9
• La estatua sustituye a la persona, la individualiza a través de la inscripción grabada del
nombre.
• Si se cambiara el nombre, por arte de magia la imagen pasaría a representar esa otra identidad.

• La imagen sustituye a la persona y no exige ninguna fidelidad al modelo.

• Cabeza y rostro desproporcionados respecto al cuerpo por este motivo, desarrollaron el llamado
realismo conceptual: simplificaban y regularizaban las formas naturales gracias:

– a la ley de la frontalidad (parte derecha e izquierda absolutamente simétricas)

– y al geometrismo (figura dentro de un esquema geométrico que solía ser el cilindro y el
cono).

• Las representaciones humanas se veían afectadas de una total indiferencia por la realidad.
• Los animales presentaban un mayor realismo.

10
• La escasez de piedra repercute en la escultura
sumeria, dimensiones mucho menores.

• La escultura de bulto redondo representa:

– Individuos, nunca grupos.
– Tendencia a la idealización.
– Espiritualidad y dignidad.
– Leyes de frontalidad.
– Cabeza y rostro desproporcionados
respecto al cuerpo.
– Las representaciones humanas se veían afectadas
de una total indiferenciación.

11
 • Toro androcéfalo, piedra, Palacio de Sargón, 722-705 a. C., París Louvre.
– La diferente textura de sus partes es necesaria para darle a cada una el grado de
interés conveniente.

• Los animales guardianes que protegían los

templos y palacios son una de las muestras de
mayor importancia de arte mesopotámico
asirio.

• Flanqueaban por parejas las puertas de los

grandes recintos.

12
• Generalmente su
altura dobla a la del
ser humano (león o
toro)

• Son relieves-
escultura
arquitectónica, no
exentos.

• Texturas visuales y
táctiles, utilizadas
con regularidad y
precisión
geométrica.

13
• Relieve asirio, León herido (detalle), Assurbanipal a la caza del león, bajorrelieve, alabastro
yesoso, Nínive, Palacio de Assurbanipal, 668-662 a J.C., Londres, Museo Británico.

• Textura entrelazada de la cabellera del león. Simetría.

14
• En el Renacimiento, y posteriormente, en las escuelas que se derivan de él, lo que se
pretendía era reproducir la calidad de los materiales:

– Que la seda pareciera seda, el terciopelo, terciopelo, la carne, carne, etc.

– El acabado que daban a la pintura dejaba la superficie perfectamente plana y tersa, para
lo cual solían hacer uso de trapos, muñecas y pinceles de pelo muy fino.

➢ Texturas visuales.

15
• Andrea Mantegna,
(Italiano, 1431-1506),
Cristo Muerto, hacia
1480, óleo sobre lienzo,
66 x 81 cm., Pinacoteca
de Brera, Milán.

• Mantegna estudió las

esculturas antiguas, la
anatomía humana
representada en este
caso con una técnica
de perspectiva que se
llama escorzo.

16
la piedra de ungir

• Este es el escenario, el
momento en el que
Cristo muerto es
amortajado.

• Según la ley romana

con la crucifixión, se
perdía el derecho de
honrar a los muertos.
José de Arimatea rogó
a Pilatos la entrega del
cuerpo de Cristo.

17
• Alberto Durero, (Alemania, 1471-1528),
Autorretrato con abrigo de piel, 1500,
óleo sobre tabla, 67 x 49 cm., Alte
Pinakothek, Munich.

• Abierto a las corrientes humanistas de

su tiempo, se negó a ser un instrumento
anónimo.

• Llevó el autorretrato un paso más alto,

elevándolo a género.

18
• Esta posición frontal estaba
reservada para Jesucristo o para la
realeza.

• Yo, Alberto Durero, de Nuremberg,

me pinté así con mis propios colores
a la edad de veintiocho años.

19
 Composición racional y geométrica típica del Renacimiento.

• Durero nos ofrece una composición con cuidado equilibrio y proporción.

• El equilibrio no se rompe ni con el efecto de la suave luz que entra por un lado para moldear mejor el
rostro del artista, dejando sombreado el lado izquierdo de su cara.

• Se autorretrata sobre un fondo muy oscuro que nos obliga a concentrarnos en su figura.
• Su rostro, junto a la disposición de los cabellos que caen sobre su ropa, forman un triángulo
equilátero.

20
• La mano tiene un papel tan importante como el rostro, pues es uno de los pocos elementos que
hay en la composición.

• El gesto de sus dedos, acariciando el borde de su pelliza, hace que nos fijemos en el detalle con
que ha pintado cada uno de los pelos de las misma.

• Casi percibimos la suavidad del pelo, transmitiéndonos una sensación de tacto donde no la hay,
pues sólo estamos viendo una textura visual.

21
• En el año 1500, obsesionado por la teoría de la perspectiva y las proporciones humanas, se puso
en contacto con el pintor veneciano Jacopo Barbari para que le adiestrara en estos temas.

• El fruto de su trabajo es el impresionante Autorretrato frontal, en el que se identifica a sí mismo

con Cristo.

• Alberto Durero es uno de los artistas más destacados del Renacimiento y representa la
renovación fuera del territorio cultural de Italia (Alemania).

• Su vida corre en paralelo a la de dos personajes como Leonardo da Vinci (Italia) y el Bosco
(Paises Bajos).

22
• En la Edad Media, arte se entendía como abstracción y manifestación de belleza divina, donde
los rasgos no están definidos, no se plantean la semejanza a la realidad, sino una
esquematización de ésta presentada como símbolo.

• Se observa un marcado geometrismo y esquematización, lo que contrasta con la herencia de

la Antigüedad clásica.

• Las composiciones no son realistas, carecen de proporcionalidad y perspectiva.

23
• El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una
nueva concepción del mundo.

– Fue un proceso innovador, inspirado en la antigüedad clásica.

– Que supuso la consolidación de la importancia del hombre en la organización de la

realidad histórica y natural.

– Y que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI.

• El Renacimiento:

Planteó un cambio

teocentrismo medieval antropocentrismo.

• No carece de interés por la religión: su aspiración es la de unificar todas las religiones y para
ello rastreará los orígenes del cristianismo, el misticismo y los profetas de la antigüedad.

• El humanismo es, ante todo, una estética y una búsqueda del placer a través de la
sabiduría, la belleza y la trascendencia.

24
• El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma
progresiva entre los años 1730 y 1770.

• El color es luminoso, suave y claro.

• Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los

cuerpos desnudos, en el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos.

• Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria
y de las relaciones humanas.

• Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

25
• François Boucher, (Francia, 1703-
1770), Retrato de madame de
Pompadur, 1756, óleo sobre
lienzo, Museo de Louvre, París.

• Gran interprete de la sociedad

rococó, mediante el uso de la
pincelada y el color, reflejó el
esplendor de la madreperla, de
las ropas y del suntuoso
refinamiento de la corte.

• La marquesa de Pompadour
favoreció el proyecto de la
Enciclopedia de Diderot y protegió
a los enciclopedistas (podemos
ver en su retrato, detrás, algunos
tomos de L'Enciclopedie).

26
• Jeanne- Antoinette fue presentada oficialmente en la Corte de Versalles en septiembre de 1745,
convirtiéndose en la "favorita oficial". Tenía 23 años.

• Fue la cuarta amante oficial del rey (Luís XV).

• Luís XV le otorga, los marquesados de Pompadour y de Ménars.

• Agasajada por el rey, la instaló en el Palacio de Versalles.

• Recibió posteriormente el título de duquesa, con derecho al escabel (sentarse frente a la reina)
pero nunca hizo uso de él y continuó utilizando el rango de Marquesa.

27
Madame de Pompadour preparaba todos los informes entre el rey y sus ministros, haciéndoles
ir a sus apartamentos.

• Se inicia un cambio social en

el papel de la mujer, que se
convierte en organizadora de
reuniones para hablar de
literatura, política, juegos de
ingenio o para bailar.

28
• La transición del Rococó, también conocido como el «estilo Luís XV», a nuevas formas y
expresiones artísticas, empezó con:

• Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su divulgación despertaron una
verdadera fascinación por el «gusto a la griega», embrión del que, una vez consolidado,
conoceríamos como Neoclasicismo y que coincide con el reinado de Luís XVI.

• Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre
de preocupaciones, o de novela ligera, no de batallas heroicas o figuras religiosas.

29
• François Gérard, (Francia, 1770-1837),
Cupido y Psique, 180 x 132 cm., óleo
sobre lienzo, 1789, París, Museo de
Louvre.

• «gusto a la griega», embrión del que,

una vez consolidado, conoceríamos como
Neoclasicismo.

El Neoclasicismo

Influencia del Renacimiento

italiano, la superficie de la
pintura es plana
reproduciendo la calidad de
los materiales.

30
• Turner,( Inglés, 1775 – 1851), Cabaña destruida por un alud en los Grisones, expuesto en 1810, óleo
sobre lienzo, 90 x 120 cm., Londres, Galería Tate .

• En el Romanticismo, el color se engruesa, para obtener relieves y empastes de valor textural

visual y táctil.

31
• Turner,( Inglés, 1775 – 1851), Cabaña destruida por un alud en los Grisones, expuesto en 1810, óleo
sobre lienzo, 90 x 120 cm., Londres, Galería Tate .

• En el Romanticismo, el color se maneja contractivamente y se engruesa, para obtener relieves

y empastes de valor textural.

• Turner,( Inglés, 1775 – 1851), La

nave de guerra Temeraire
remolcada a su último
amarradero para ser
desguazada, 1839, óleo sobre
lienzo, 91 x122 cm., The National
Gallery, Londres.

• Tuvo un papel importante en la

batalla de Trafalgar, que
garantizó la supremacía británica
durante otro siglo.

32
• El tema es importante, pero los
elementos formales también.

• Mayor carga cromática en el

desdoblamiento o reflejo superior del sol
que en el mismo astro.

33
 A partir del impresionismo el color se libera y la pincelada se maneja contractivamente,
para obtener relieves y empastes de gran valor textural visual y táctil.

• Van gogh, (1853-1890),

Autorretrato con la oreja cortada,
1889, óleo sobre lienzo, 60 x 49
cm., Londres.
• Postimpresionismo.

• La textura del trazo, del pincel.

34
• Personalidad difícil.

• Alcohólico, pasaba las noches en los prostíbulos. Económicamente ayudado por su hermano
Theo (marchante de arte).

• Admirado y defendido por Monet y Toulouse Lautrec. Sólo consiguió vender un cuadro en
su vida ( Viñedo rojo)

• Pissarro dijo de él:

“Este hombre se volverá loco o nos dejará muy atrás a todos los demás”

En lugar de “o” debería haber dicho “y”

35
• Van gogh, (1853-1890), La noche estrellada, 1889, óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm. Museo de Arte
Moderno, NY.
• La gruesa textura de la materia cromática dibuja la forma.

36
• La textura se hace importante medio de expresión, por sí misma, a partir del Cubismo, que
introduce en el cuadro materiales no pictóricos, como telas, papeles, cartones, maderas,
alambres, etc., haciendo lo que se llama "collage" es decir, un encolado.

• Picasso, Botella, vaso y violín, collage, 47 x 62 cm., Moderna Museet, Estocolmo.

37
 • En las artes contemporáneas, que emplean un lenguaje muy directo, el uso de materiales
extraños se ha hecho común, y la textura toma el valor de elemento formal fuertemente
expresivo, al punto de constituir, en algunos casos, el único medio de expresión artística.

• Manolo Valdés, Matisse as pretext, 1983, técnica mixta, 150 x 200 cm.
• Matisse, Desnudo rosa, 1935, The Baltimore Museum of Art.

38
• Manolo Valdés, Reina Mariana V, grabado con
collage, 170 x 100 cm.

• Manolo Valdés (1942) y Rafael Solbes (1940-1981),

Equipo Crónica, utilizaron una estética
figurativa con ligeros tintes de pop art,
analizaron tanto la situación política
española como la historia del arte.

• Transparencia, textura visual

39
• Retrato de Mariana de Austria, por
Diego Velázquez (1652). Óleo sobre
lienzo, 231 × 131 cm,
Kunsthistorisches Museum de Viena.

40
• Lucio Muñoz, (1929-1998), Papel 3
– 93, Técnica mixta sobre papel,
1993, 130 x 102 cm. Lirismo.

• El punto de partida es un velero,

cargado de sutiles texturas y
cromatismos.

41
https://vimeo.com/239953834, video recomendado.

42
• Fundación Bancaja presenta la exposición antológica Valdés.

• Una visión integrada por cerca de 150 obras que de modo retrospectivo recorren,

– la trayectoria en solitario del artista valenciano,

– desde sus comienzos a principios de los años 80
– hasta la actualidad,
– descubriendo al público una parte importante de obra inédita.

• La selección de obras, procedentes de colecciones particulares y de los fondos artísticos de la

Fundación Bancaja,

• Muestra por primera vez de forma conjunta todas las disciplinas en las que el artista se ha
expresado a lo largo de estos más de 35 años, desde la pintura y escultura hasta el
grabado o las artes decorativas.

43
– La exposición parte de un repaso a sus primeras obras matéricas.

– Para a continuación avanzar hacia otras miradas temáticas, especialmente de los últimos
diez años,

» como los retratos,

» los bodegones (las cartas de la baraja, los helados, las hojas de los
árboles, los periódicos, etc.),
» las máscaras africanas o
» la crítica a la propia historia del arte, con variaciones sobre temas
pictóricos anteriores.

44
Las señoritas de Avignon,
Picasso

45
• Tras la disolución en 1981 de Equipo Crónica, una de las manifestaciones de arte pop más
importantes de España en la época franquista, Valdés empezó en solitario sus revisiones
artísticas, con un acento más profundo en el soporte, en el uso del collage y del papel.

• Durante su trayectoria ha establecido un diálogo entre:

» el arte clásico y las vanguardias
» y la temática de su obra recorre el curso de la historia del arte, desde la
representación de caballos en la escultura china, pasando por imágenes del
Renacimiento a Matisse o Klee y al mundo pop o los iconos de la
publicidad.

46
Mickey Mouse y
Minnie, 1992, col.
particular

47
Jakie, 2017,
técnica mixta sobre arpillera

48
• Alambres V —2016. Acero laminado, varilla de hierro. Colección particular—. El artista valenciano
se detiene ante el contorno metálico de una cabeza de mujer.

"Le he quitado la materia y se ha quedado el puro dibujo".

Valdés, nacido en 1942.

Las últimas esculturas de Valdés son "como dibujar en el espacio".

49
• Alambres III, 2016, acero laminado varilla de hierro, col particular.
• Alambres IV, 2016, acero laminado varilla de hierro, col particular.
• Mesa, papel maché, col particular.
• Hojas azules, textil, col particular.

50
• Uno de los referentes de Manolo Valdés es:

– la figura femenina,
– en ocasiones se centra en la cabeza de la misma
– y lo hace muchas veces a través del tocado o del adorno cultural.

• Sintetiza los rostro, a penas insinúa rasgos anatómicos (la volumetría del ovalo de
cara).
• Y se recrea en las formas orgánicas o geométricas.

• Valdés incorpora elementos cotidianos, junto con otro pertenecientes a la tradición de la pintura
española y de la historia del arte en general.

• Valdés lleva a cabo sobre las líneas y las formas un proceso de depuración y deformación, que
roza lo abstracto, sin llegar a la pérdida de la morfología que las hace reconocibles.

51
Cabeza Blanca —2017. Cabeza blanca. Alabastro 52
• Máscara de aluminio, 2017, aluminio, col particular. 53
• Doble retrato Al I, 2017, col particular.

• Doble retrato Al II, 2017, col particular.

• Doble retrato Al III, 2017, col particular.

54