Breve presentación de algunas pinturas reconocidas

1. ¿Qué es el arte?

El arte se define como una forma de expresión creativa.

El significado del término se deriva de diversos acontecimientos a lo largo de la historia:

 En la Antigua Grecia, los filósofos reflexionaban sobre el concepto arte (tecné) entendido como las
actividades humanas con reglas propias y que se pueden aprender y perfeccionar. Para los griegos, las
artes se clasificaban en superiores y menores, dependiendo de los sentidos con los que se percibían las
obras, considerándose sentidos superiores a la vista y el oído, y menores al gusto, el olfato y el tacto.
 En la Antigua Roma, las artes ( ars ) se dividían en las actividades que requieren labor manual y las que no.
 Durante la Edad Media se utilizó la clasificación originada en la Antigua Roma, siendo llamadas artes
mecánicas las primeras y artes liberales las segundas.
 En el Renacimiento, la ciencia se separa del concepto del arte, dando origen a la idea de artes plásticas .
 La industrialización favoreció la secularización de la sociedad y en el siglo XVIII el arte se independiza de la
religión y el artista comienza a liberar su gusto y voluntad con un lenguaje propio.
 En contraposición al utilitarismo de la Revolución Industrial, se propone la autonomía del arte, e l arte por
el arte, y la búsqueda individual de la belleza por el artista aislado de la sociedad, dando origen a la
distinción entre el arte puro (las Bellas Artes) y las artes aplicadas.
 En el siglo XX, el gusto de la cultura de masas es muy influyente y cambiante. Los canales de consumo
tienen la capacidad de mitificar o ignorar a los artistas y su obra. Las nuevas técnicas de reproducción
industrial repercuten en el carácter único y original de la obra de arte. La idea y la realización del objeto
artístico adquieren el mismo valor.

 Lasso, S. (2018). El arte. Qué es, definición del concepto y significado. Junio 05, 2019, de About Español. Sitio web:
https://www.aboutespanol.com/el-arte-que-es-definicion-del-concepto-y-significado-180291
2. El arte definido por artistas distinguidos
“El arte es la perfección de la naturaleza. La naturaleza hizo un mundo y el arte otro”

Thomas Browne (escritor inglés)

Antoni Tapies, uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX, definió al arte como la filosofía que refleja
un pensamiento. En términos genéricos el arte proviene de la abstracción y la singularidad. Depende, en todos los
rincones del mundo, de los ojos que lo miren, los oídos que lo escuchen, las ideas que lo atraviesen. Cuando los
bolsillos que llevas se cargan y se llenan de experiencias predicen percepciones, describen lineamientos y
administran conductas y percepciones. Hablar de la filosofía que refleja un pensamiento establece una relación
con ese vínculo tácito que revuelve los antojos de una individualidad y la expresa a otro, o bien, la recibe.

Por otro lado, el pintor francés Marc Chagall afirmó que el arte es un estado del alma. El arte depende y siempre
depende, varía y fluctúa, pero tanto para el creador como para el espectador representa, es decir, materializa un
estado.

Hay quienes como Vincent Van Gogh creyeron que el arte es el hombre agregado a la naturaleza, dándole al misterio
de la vida y la forma en que ambos (naturaleza y hombre) interactúan, una solución mágicamente abstracta e
indescifrable, quizá indefinible en estricto rigor. La misma idea toma Leonardo Da Vinci cuando dice que la pintura
es poesía ciega, tratando de adaptar o transcribir al lenguaje ese fenómeno que ocurre cuando la expresión se
vuelve inexpresable y sólo puede ser transmitida a través de canales que se apartan de lo estricto y moldean la
ambigüedad: lo que se respira, se vive y no se contornea.

 Vidal, N. (2016). ¿Cómo definen el arte los grandes artistas? Junio 05, 2019, de Arte al límite. Sitio web:
https://www.arteallimite.com/2016/02/09/como-definen-el-arte-los-grandes-artistas/

3. ¿Qué es una obra de arte?

Es necesario definir etimológicamente los términos. Ambas palabras proceden del latín:

 Obra, en primer lugar, emana del vocablo opera, el cual puede traducirse como trabajo
 Arte es fruto de la evolución del término ars, que es sinónimo de obra de gran creatividad.

Recibe el nombre de obra todo aquello producido por el hombre. El término se utiliza para nombrar a la creación material.
 Por otra parte, el arte es la visión sensible del ser humano acerca del mundo real o imaginario. El arte es la expresión de
percepciones, emociones y sensaciones a través de diversos recursos lingüísticos, plásticos y sonoros.

Una obra de arte, por lo tanto, es un producto que transmite una idea o una expresión sensible. Se trata de la creación que
plasma la intención de un artista.

Las obras de arte suelen atribuirse a la pintura y la escultura, sin embargo, las creaciones musicales, literarias y
cinematográficas también son obras de arte, ya que suponen producciones elaboradas por una persona con una intención
artística.

 Definición de. (s.f.). Definición de obra de arte. Junio 05, 2019, de Definición de. Sitio web: https://definicion.de/obra-
de-arte/

4. La joven de la perla

Johannes Vermeer. Países Bajos (1667)

BARROCO

 Título original ..................... Het meisje met de parel

 Museo ............................... Mauritshuis, La Haya (Países Bajos)
 Técnica .............................. Óleo

La Mona Lisa holandesa es considerada como una de las obras maestras de Vermeer. Se trata de uno de los retratos más
famosos de la historia del arte, a pesar de que no se sabe quién fue la modelo.

Se trata de un tronie, un género pictórico típico de la Holanda del siglo XVII que significa «rostro» o «expresión», y que consiste
en la simple representación de la cara de un personaje anónimo sin intención de ser un retrato identificable, su intención
simplemente era demostrar la pericia de un artista.

Vermeer disfrazó a esta misteriosa chica con estilo oriental y le puso esa famosa perla en forma de lágrima que aparece en
otros de sus cuadros.

El artista utilizó, entre otros colores, el azul ultramar, el pigmento más caro que existía en la época.

El rostro de la chica es una maravilla, parece estar viva en la tela. La joven de la perla tuerce la cara para mirarnos
directamente. Abre la boca como iniciando una conversación con el espectador y su pálida piel, junto a sus labios y el
pendiente, brillan intensamente sobre el fondo negro.
 Vermeer fue un maestro de la luz, y muestra de ello es la suavidad que reflejó en la cara de la muchacha, los destellos de sus
labios húmedos y la perla brillante. De igual manera se puede detallar su uso en los ojos y en el blanco del cuello de la camisa.
Es una pintura hecha luz.

En la pintura destaca la cristalina y típica tranquilidad característica de la mayoría de las obras del holandés; ésta transmite
alegría, esperanza y armonía.

El cuadro fue comprado por Arnoldus Andries des Tombe en una subasta realizada en La Haya en 1881. Su costo fue de tan
solo 2 florines y 30 céntimos, pues en ese momento su estado de conservación era muy malo. Al morir Des Tombe, sin dejar
herederos, esta obra y otros cuadros fueron donados al museo Mauritshuis en 1902.

Además, la obra de Vermeer sirvió de inspiración para Tracy Chevalier, quien escribió una novela ficticia sobre la joven y el
pintor. Posteriormente fue adaptada al cine por el director Peter Weber, contando con la participación de Scarlett Johanson
como Griet (la joven de la perla).

 Narváez, P. (2017). Maravillas del arte: La joven de la perla - Johannes Vermeer. Junio 05, 2019, de Culturizando.
Sitio web: https://culturizando.com/maravillas-del-arte-la-joven-la-perla-johannes-vermeer/
 Bolaño, E. (s.f.). La joven de la perla. Junio 05, 2019, de Historia Arte. Sitio web: https://historia-arte.com/obras/la-
joven-de-la-perla

5. El desesperado
Gustave Courbet. Francia (1845)

ROMANTICISMO
 Título original .................... Le Désespéré
 Colección particular
 Técnica .............................. Óleo

Un Courbet de 25 años mira fijamente al espectador, o quizá se mira al espejo...

Desesperación e impaciencia… Eso debía sentir el artista en ese momento y así lo transmite en este sensacional autorretrato.
Es uno de los autorretratos más famosos de Gustave Courbet, pintado cuando todavía era un jovencito de veintitantos años.

Courbet no se había convertido todavía en el gran abanderado del arte realista, en ese pintor controvertido que revolucionaría
el mundo del arte, de hecho, se muestra todavía alejado del realismo, sin embargo, se trata de una obra impactante y
magnífica, en la que el artista hace gala de su prodigiosa técnica pictórica, pero sigue siendo una obra romántica. La pintura
 es demasiado teatral, reivindicando al artista como centro de la obra. donde es posible apreciar su legendario egocentrismo,
el cual alimentaba continuamente con escándalos: «si dejo de escandalizar, dejo de existir».

También existen teorías que afirman que en este autorretrato no se visualiza a un hombre realmente desesperado, sino que
se trata de una simple pose teatral con una iluminación lateral de lo más efectista: los ojos desorbitados, la boca entreabierta,
las manos mesándose el cabello. Es el prototipo perfecto de artista romántico en plena crisis existencial: joven, guapo, con
una bonita melena y una barba y bigote bien cuidados.

El gran acierto del cuadro es la ambigüedad que transmite. Aunque parece que está mirando al espectador, en realidad se
está mirando en un espejo. Los ojos se dirigen hacia el espectador, pero la mirada no llega, se queda por el camino o lo
sobrepasa, como si fuera invisible, como si no estuviera ahí.

 Fernández, M. (2016). Gustave Courbet - "Hombre desesperado". Junio 05, 2019, de El cuadro del día. Sitio web:
https://www.elcuadrodeldia.com/post/137677234638/gustave-courbet-hombre-desesperado-1843-1845
 Calvo, M. (s.f.). El desesperado. Junio 05, 2019, de Historia Arte. Sitio web: https://historia-arte.com/obras/el-
desesperado-autorretrato-de-courbet

6. Calavera con cigarrillo

Vincent Van Gogh. Países Bajos (1886)

POSTIMPRESIONIMSO
 Título original .................... Kop van een skelet met brandende sigaret
 Museo ............................... Museo Van Gogh, Amsterdam (Países Bajos)
 Técnica .............................. Óleo

Los riesgos del tabaco y una burla a las clases de dibujo.

Un esqueleto fumando. El cráneo aprieta un cigarrillo encendido entre los dientes, como burlándose de los demás esqueletos
presentes en las academias de dibujo para tomar lecciones de anatomía.

Se trata, quizá, del cuadro más cómico de la carrera de Vincent Van Gogh. Es un chiste, un comentario humorístico sobre las
prácticas académicas más conservadoras.

Al final, el cuadro viene a ser un memento mori (frase proveniente del latín que significa "Recuerda que morirás", en el sentido
de que debes recordar tu mortalidad como ser humano. Suele usarse para identificar un tema frecuente en el arte y la
 literatura que trata de la fugacidad de la vida), pero además entronca directamente con ciertos cuadros del barroco holandés
que criticaban el sucio hábito de fumar. Ese fondo oscuro y esos colores aluden bastante a los clásicos.

La figura está resuelta con total libertad creativa al obtener los huesos a través de manchas, apreciándose una especie de
línea rectora de color azul en la parte superior del cráneo. Por los tonos y el estilo empleados recuerda al periodo en el que
Van Gogh vivió y trabajó en Nuenen, aunque el asunto resulte más jocoso.

 Arte Historia. (s.f.). Calavera con cigarrillo. Junio 05, 2019, de Arte Historia. Sitio web:
https://www.artehistoria.com/es/obra/calavera-con-cigarrillo
 Lampkin, F. (s.f.). Cabeza de esqueleto con cigarrillo. Junio 05, 2019, de Historia Arte. Sitio web: https://historia-
arte.com/obras/cabeza-de-esqueleto-con-cigarro

7. El grito
Edvard Munch. Noruega (1893)

EXPRESIONISMO
 Título original .................... Skrim
 Museo ............................... Galería Nacional de Oslo, Oslo (Noruega)
 Técnica .............................. Óleo Pastel Temple

El grito más famoso de la historia del arte.

La figura que se halla en primer término expresa un terror inconmensurable. La angustia por la soledad, la desesperación por
no encontrar un sentido a la vida y su relación con los abismos quedan intensamente reflejados en la obra del pintor noruego.

Todos pueden sentirse identificados con su mensaje: el humano moderno en un momento de profunda angustia y
desesperación existencial. Es un mensaje universal, que trasciende de sexos, razas y nacionalidades, por ello El grito es
considerado uno de los cuadros más importantes de la historia del arte.

La escena donde se encuentra es un sendero con vallas que se aleja en perspectiva diagonal. En el fondo, se pueden apreciar
dos figuras con sombrero que parecen ajenas a lo que ocurre con la figura principal.

En el cuadro prevalecen los colores cálidos de fondo. En el cielo, fluido y arremolinado, predominan los tonos naranjas. El
sendero y el paisaje, por su lado, parecen iluminados por una luz semioscura. Las formas se retuercen y los colores están
dispuestos de una manera arbitraria. Antes que trasponer la realidad, los colores buscan expresar un sentimiento de angustia
y desesperación.
Munch se inspiró en su propia vida atormentada, una tragedia sobre un padre severo, una madre muerta y unas hermanas
enfermas, trastornos bipolares y depresión, alcohol y armas de fuego. El propio Munch nos cuenta de donde surgió la idea
en su diario de 1892:

Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un
estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho (...) Lenguas de fuego como sangre cubrían el fiordo
negro y azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un
grito interminable atravesaba la naturaleza.

Esta impresión (o expresión) la acabó plasmando en este cuadro, que en principio iba a ser la figura de un hombre trajeado,
pero tras una visita a París donde vio una momia peruana de rasgos andróginos, decidió cambiar al protagonista para
universalizar aún más su mensaje existencialista. Finalmente optó por una figura andrógina, que está de frente y se lleva las
manos a la cabeza con una expresión de profunda angustia, que parece emitir (¿u oír?) un grito.

Por supuesto, se ven también las influencias de la obra de Van Gogh que Munch pudo ver en París.

En esta pintura se ha solido reconocer la angustia existencial del hombre moderno en la transición del siglo XIX, de grandes
avances tecnológicos, al siglo XX; su sentimiento de soledad y desaliento, su desesperación. Asimismo, se ha solido ver en
este cuadro la condición del artista como hombre profundamente atormentado.

La pieza original sería expuesta en 1893 como parte de un conjunto de seis pinturas titulado Amor, que representaba las
distintas fases de un idilio. El grito había sido concebido con la idea de colocarlo en la última etapa, la de la angustia y
desesperación.

La obra tuvo un enorme éxito de crítica. La gente iba a ver el cuadro en masa y hubo cierta controversia, incluso se aconsejó
a las mujeres embarazadas que no visitaran la exposición.

Al final, la obra de Munch se convirtió en uno de los cuadros más famosos de finales del siglo XIX (que evoca los futuros
horrores que se avecinaban en Europa) y hoy es considerada una especie de Mona Lisa moderna.

La imagen de El grito se ha convertido en un ícono cultural. Es una de las imágenes más reconocidas el mundo, incorporada
a la cultura popular, y ampliamente parodiada por artistas recientes.

 Imaginario, A. (s.f.). Cuadro El grito de Edvard Munch. Junio 05, 2019, de Cultura Genial. Sitio web:
https://www.culturagenial.com/es/cuadro-el-grito-de-edvard-munch/
 Bolaño, E. (s.f.). El grito. Junio 05, 2019, de Historia Arte. Sitio web: https://historia-arte.com/obras/el-grito
8. Las señoritas de Avignon
Pablo Picasso. España (1907)

CUBISMO
 Título original .................... Les Demoiselles d'Avignon
 Museo ............................... MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
 Técnica .............................. Óleo

Las señoritas de Avignon es en realidad Las señoritas de la calle de Avinyó, una calle de Barcelona donde abundaban los
burdeles. Picasso nos muestra en esta obra a cinco prostitutas barcelonesas y lo hace de un modo inédito hasta entonces: lo
hace al estilo cubista.

El artista estuvo estudiando la obra desde 1906, durante nueve meses, realizando 809 estudios.

Es evidente que el pintor quería dinamitar lo establecido y terminar con el realismo, omitiendo la profundidad espacial y la
anatomía humana. El cuerpo de la mujer desnuda se convierte ahora en un conjunto de planos angulares.

Muchos quieren ver en la progresiva deformidad de las mujeres de izquierda a derecha una clara advertencia sobre los
peligros de las enfermedades venéreas, un problema que afectó a un buen número de miembros de la comunidad artística
parisina de la época, y seguramente la intención de Picasso en un principio era moral, pero al darse cuenta de la potencia
visual que empezaba a aparecer en el lienzo decidió tirar por ahí.

Picasso comentó que las figuras alargadas de las señoritas están influenciadas por El Greco (pintor del final del Renacimiento).
Así mismo, su estructura ambiental recuerda a los Bañistas de Cézanne. Además, con esta obra, el genio malagueño inicia su
periodo africano marcado por las tonalidades marronáceas. Picasso, rompe con lo establecido, olvidando las perspectivas y
plasmando la figura femenina mediante planos angulares.

El economista de la Universidad de Chicago, David Galenson, ha planteado una teoría interesante acerca del valor de la obra.
Para él, los cuadros que más páginas ocupan en los libros de arte deberían ser los cuadros más valiosos. Según esta teoría,
Las señoritas de Avignon sería la obra con más valor del mundo, ya que aparece reproducida 28 veces por cada 33 libros de
arte. Sin embargo, Arthur C. Danto (crítico de arte y profesor de filosofía de los Estados Unidos) se posicionó en contra de
Galenson diciendo que las ilustraciones de los libros corresponden a las modas o a lo políticamente correcto.

 El Economista. (2016). Curiosidades de Las señoritas de Avignon de Picasso. Junio 05, 2019, de El Economista. Sitio
web: http://listas.eleconomista.es/arteycultura/13137-curiosidades-de-las-senoritas-de-avignon-de-picasso
 Iborio, E. (s.f.). Las señoritas de Avignon. Junio 05, 2019, de Historia Arte. Sitio web: https://historia-
arte.com/obras/las-senoritas-de-avignon
9. El beso
Gustav Klimt. Austria (1908)

SIMBOLISMO
 Título original .................... Der Kuß
 Museo ............................... Österreichische Galerie Belvedere, Viena (Austria)
 Técnica .............................. Óleo

Tesoro nacional austríaco. Una obra maestra del modernismo, El beso de Gustav Klimt es un engañoso y simple retrato sobre
la lujuria y el amor.

Se trata de la obra más conocida del artista y una de las estrellas del Österreichische Belvedere de Viena, donde miles de
personas se reúnen cada día para verlo cara a cara y quedar deslumbrados por esta magnífica creación del ser humano.

La obra representa a dos amantes a tamaño natural que están rodeados de oro. Es un ejemplo claro del «Periodo Dorado» de
Klimt, inspirado en los mosaicos bizantinos que habían impresionado al artista en su viaje a Rávena. Los dos amantes se
besan entre esa lluvia de oro y una naturaleza que los cubre de arriba a abajo. Flores y plantas proliferan en sus cabezas y a
sus pies, evocando que todo terreno es fértil si en él se besan como peces dos apasionados enamorados.

Es un poco inusual que el artista metiera a una figura masculina en una de sus obras, pero hay quien quiere ver
en este sujeto sin rostro un autorretrato de Klimt. Algunos historiadores del arte han teorizado que los amantes
no son otros que el pintor austríaco y su pareja de mucho tiempo, la diseñadora de moda Emilie Flöge, a la que
había representado previamente en un retrato.

La pose de los amantes representados en El Beso refleja las formas naturales favoritas del movimiento Art Nouveau. Sin
embargo, las formas simples con diseños llamativos de los mantos de la pareja muestran el impacto del movimiento Arts
and Crafts, mientras que el uso de espirales se remonta al arte de la Edad de Bronce.

En 2003, Austria emitió una moneda conmemorativa de 100 euros que tenía un grabado de El Beso por un lado y un retrato
de Klimt trabajando en su estudio en el otro.

 Cultura Inquieta. (2016). 15 Curiosidades sobre El beso de Klimt. Junio 05, 2019, de Cultura Inquieta. Sitio web:
https://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/8539-15-curiosidades-sobre-el-beso-de-klimt.html
 Bolaño, E. (s.f.). El beso. Junio 05, 2019, de Historia Arte Sitio web: https://historia-arte.com/obras/el-beso-de-
klimt
10. Los amantes
René Magritte. Bélgica (1928)

SURREALISMO
 Título original .................... Les Amants
 Colección particular
 Técnica .............................. Óleo

Dos personas sin identidad se besan tras dos velos húmedos.

¿Un amor secreto? ¿Un amor prohibido? ¿Dos desconocidos que se gustan sin conocerse? ¿Lo insensible de algunos amores?
¿El amor ciego? El surrealista Magritte no explica nada. Sólo nos deja esa sensación de asfixia, que es quizás un síntoma como
otro cualquiera para ilustrar el amor.

Nuevamente, el artista juega con la idea de interior-exterior: No sabemos si esa pared azul está pintada o es el cielo.

Con su pincel Magritte intenta plasmar una realidad diferente, algo que sorprenda al espectador.

Magritte también vuelve a uno de sus rasgos recurrentes: Los velos húmedos aluden al suicidio de su madre, ahogada en un
río. En la mente de un artista de 13 años quedó la imagen de la ropa húmeda tapándole la cara a su progenitora.

Un beso de amor es el sabor de la persona besada, el olor y, como no, el contacto de las lenguas o simplemente de los labios.
El trapo húmedo de Magritte destruye cualquier idea de beso al prohibir a los protagonistas de sensaciones.

 Bengoechea, E. (2010). Los amantes de René Magritte: Un amargo beso. Junio 05, 2019, de Revista Atticus. Sitio
web: http://revistaatticus.es/2010/03/23/los-amantes-de-rene-magritte-un-amargo-beso
 Calvo, M. (s.f.). Los amantes. Junio 05, 2019, de Historia Arte Sitio web: https://historia-arte.com/obras/los-
amantes-de-magritte