LA ORQUESTA

LA ORQUESTA

A Dios por darnos las fuerzas y la bendición para

poder seguir con nuestros sueños, a nuestros
padres por ser el pilar fundamental en todo lo
que somos, en toda nuestra educación, tanto
académica, como de la vida, por su incondicional
apoyo perfectamente mantenido a través del
tiempo.

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INTRODUCCION
Esta guía didáctica pretende ser una herramienta para el trabajo en el aula, tanto para maestros y
alumnos. La orquesta ha evolucionado desde la pequeñas formaciones propias del barroco, con
gran protagonismo de los instrumentos de cuerda y teclado, hasta la orquesta sinfónica que
conocemos hoy en día. El desarrollo técnico de los instrumentos, la evolución estilística de las
formas musicales o las necesidades expresivas y sonoras de los compositores son alguno de los
aspectos que han propiciado esta evolución.

El repertorio del concierto, constituido por una selección de movimientos completos de obras de
diferentes épocas y autores, desde el Barroco hasta nuestros días, será interpretado por una
orquesta de cámara formada por 5 violines primeros, 4 violines segundos,2 violas,2 violonchelos y
un contrabajo, es decir, una pequeña orquesta de cuerda.

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La palabra orquesta procede del griego ορχήστρα, orchestra y significa lugar para danzar.
Esta definición se remonta alrededor del siglo V a. C., cuando las representaciones se efectuaban
en teatros al aire libre. Frente del área principal de actuación había un espacio para
los cantantes, bailarines e instrumentos. Este espacio era llamado orquesta. Hoy en día, el término
se refiere a un conjunto de instrumentos musicales y de los músicos que los tocan o ejecutan, sea
cual sea el género musical que interpreten (clásica, tropical, moderna, etc.).
El término puede aplicarse a cualquier tipo de agrupación instrumental, sea cual sea su origen,
desde la orquesta gagaku del Japón a las orquestas gamelan de Indonesia y Bali. En la música culta
occidental, hace generalmente referencia a la orquesta sinfónica, un conjunto integrado por
numerosos instrumentos de cuerda más una selección de instrumentos de viento-madera, metal y
percusión.
En la Edad Media el término pasó a hacer referencia al propio escenario. A partir de finales del siglo
XVII, se usó para denominar el conjunto de intérpretes, al igual que en la actualidad. Sin embargo, el
término aún denota también el conjunto de asientos colocados a nivel del suelo enfrente del
escenario en los teatros y salas de concierto.

DESARROLLO DE LA ORQUESTA
Con anterioridad a la época barroca, los compositores centraban la mayoría de sus esfuerzos en la
música vocal, considerándose la música instrumental un género menor. Aunque las líneas vocales
de la polifonía medieval y renacentista solían ser dobladas por instrumentos, esas agrupaciones

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instrumentales no se especificaban y, además, tenían un tamaño tan reducido que apenas se

parecían a las orquestas modernas.
La llegada de la época en torno a 1600 ayudo a concretar la instrumentación y a crear una
dependencia cada vez mayor de un gran número de instrumentos de cuerda, para aportar cuerpo y
equilibrio al viento y la percusión.
Aunque la orquesta nace como tal en el barroco (siglo XVII y principios de siglo XVIII), es en el
clasicismo (segunda mitad del siglo XVIII) cuando se establece la instrumentación y la forma con la
que la conocemos actualmente, si habrá que esperar hasta finales del siglo XIX para la llegada del
perfeccionamiento técnico de los instrumentos.
LA ORQUESTA BARROCA (SIGLO XVII Y PRINCIPIOS DEL SIGLO XVIII)

A lo largo del siglo XVII se da una gradual aceptación de la música instrumental, que se independiza
de la música vocal. En Italia comienzan a componerse más y más sonatas y conciertos. Fue la
época de máximo apogeo de los constructores de instrumentos italianos, los grandes luthiers, como
Stradivarius, Amati y Guarnieri.
Precisamente, la orquesta nace en el Barroco, en gran parte gracias a la perfección técnica que
alcanzan los instrumentos de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Estaba
constituida básicamente por esta sección y el bajo continuo, en el que destacaba el clave. Además,
se incluían instrumentos de viento madera (flauta, oboe y fagot), viento metal (trompetas y trompas)
y de percusión (timbales), en función de cada composición. Una formación media constaba de
alrededor de veinticinco músicos.

La figura del director también ha ido evolucionando desde estas primeras formaciones orquestales
hasta nuestros días. En el Barroco era el clavecinista quien dirigía desde su instrumento, que se
colocaba en el centro del conjunto, de forma que podía ser oído por el resto de músicos.

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J, vermeer (1632-1675)
Mujer sentada tocando el virginal
(h. 1675)
Óleo sobre tela. 51,5 x 45,5 cm.
National Gallery, Londres.

J.Ph.Remeau (1683- 1764): las indias galantes

Uno de los hechos decisivos en el desarrollo de la orquesta barroca fue el nacimiento de la ópera en
Italia en 1600. Pronto se extendió a otros países europeos, como es el caso de Francia, donde se
denominó tragédie en musique o tragédie lyrique, siendo su máximo exponente en el siglo XVII el
compositor Jean-Baptiste Lully. Poco a poco, el dramatismo cede ante la incorporación de danzas
o divertissements, gestándose en el siglo XVIII un nuevo género lírico denominado ópera-ballet. El
gran maestro de este género, que cultivó sin dejar de lado la tragédie lyrique,fue Jean-Philippe
Rameau.
Les indes galantes, con libreto de Louis Fuzelier, es la más conocida ópera-balletde Rameau y una
de sus obras maestras, estrenada en París en 1735. En sus cuatro actos se describen varias
aventuras amorosas acontecidas en diferentes países exóticos: Turquía, Perú (el imperio Inca),
Persia y Norteamérica.

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LOS SALVAJES

En las óperas-ballet se buscaba el gran espectáculo, con imponentes decorados, lujosos vestidos y
sorprendentes efectos especiales producidos por las maquinarias teatrales de la época, además de
un gran número de escenas coreográficas y danzas.

G.ph. telemann (1681-1769): don quijote

Teleman, compositor alemán, fue contemporáneo de Johann Sebastián Bach y de Georg Fiedrich
Haendel, con quien mantuvo una gran amistad. Aunque ahora nadie duda de que Bach fue el gran
maestro del Barroco, a lo largo de su vida Telemann obtuvo mayor fama que él.

Desde la publicación de la primera parte de la gran novela de Cervantes en 1605, Don Quijote sirvió
de inspiración para numerosos compositores europeos, que crearon sobre todo obras de carácter
escénico, teatro lírico, ópera, ballet... A comienzos del siglo XVIII Tele Mann escribió la primera obra
de cámara importante sobre el personaje cervantino, su Suite burlesca sobre Don Quijote en Sol
mayor.
Se trata de una obra para orquesta de cuerda y clavicémbalo, la primera pieza instrumental de
carácter programático escrita sobre El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha. Consta de una
obertura y siete números, nombrados en función de las escenas descritas:
I. Obertura
II. El despertar de don quijote
III. El ataque a los molinos de viento
IV. Suspiros de amor por la princesa dulcinea
V. Sancho panza engañado
VI. El galope de rocinante
VII. El paso del burro de sancho
VIII. El sueño de don quijote

LA ORQUESTA CLASICA (1750 – 1815)

Durante el Clasicismo la orquesta vivió su mayor evolución y desarrollo. Stamitz estableció la

primera orquesta clásica como tal: la orquesta de Mannheim. Fue la primera orquesta que utilizó los
matices piano, crescendo, forte… Las cuerdas, además, exploran efectos como el pizzicato y las
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dobles cuerdas. Instrumentos que hasta entonces eran opcionales, como las flautas, trompetas o
timbales, se convierten en indispensables. En los vientos se introduce la configuración “a dos”, a la
vez que asumen papeles más importantes, convirtiéndose en autónomos melódica y
armónicamente. Las trompas no se limitan a intervenir en el primer y el último movimiento de las
sinfonías, como era habitual hasta entonces, sino que participan en toda la obra, salvo en el trío del
minueto. En la segunda mitad del siglo XVIII se realiza una espectacular innovación: la inclusión de
un nuevo instrumento, el clarinete. El piano aparece a menudo como solista con la orquesta.
Beethoven incluye en su Sinfonía nº 5 un instrumento utilizado hasta entonces únicamente en
música religiosa y ópera: el trombón.

Progresivamente va desapareciendo el clavecín de la orquesta, debido a que la línea del bajo se

independiza de la del contrabajo, los violonchelos y el fagot. En su lugar, el primer violín asume la
dirección del conjunto. Progresivamente, se va imponiendo la figura del director, presente al frente
de la orquesta. Algunos directores, sin embargo, continúan dirigiendo desde el clave en ocasiones.
En Milán, hacia 1770, existía la costumbre de que las tres primeras representaciones de una ópera
las dirigiera el compositor desde el clavicémbalo, mientras que del resto se hacía el cargo el primer
violín. Mozart dirigió varias de sus óperas desde el clave, al igual que hizo Haydn con sus sinfonías.

Retrato Boccherini tocando el violonchelo

Anónimo (c.1764-1767)
National Gallery of Victoria.
Melbourne, Australia

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L.BOCCHERINI (1743 – 1805): MUSICA NOCTURNA DE MADRID

Boccherini nace en la Toscana italiana en el seno de una familia de músicos. Elige como instrumento
el violonchelo, que también tocaba su padre, de quien recibe las primeras lecciones. Tras desarrollar
su carrera en Roma, Viena y Milán, llega a París, donde adquiere una fama por la que será
requerido por la corte española, instalándose en Madrid en 1769 como violonchelista y compositor
de la capilla real del infante Luis Antonio, hermano menor el rey Carlos III.

Enamorado de la música de cámara, escribió infinidad de duetos, tríos, cuartetos y quintetos para
distintas agrupaciones de cuerda, a las que añadía en ocasiones otros instrumentos, así como
música orquestal.
En el concierto escucharemos tres movimientos extraídos de uno de sus más conocidos quintetos de
cuerda, el Quinteto en Do mayor, Op. 30 nº 6 “Música nocturna de Madrid”, que se ha convertido en
habitual también en el repertorio para orquesta de cuerda, a la que se añade un tambor.

A.Mozart (1756 – 1791): Divertimento en RE mayor, KV 136

Mozarat escribió los divertimentos KV 136 a KV 138 en su ciudad natal, Salzburgo, en enero de
1772. Aunque contaba con tan solo 16 años, ya había compuesto anteriormente una docena de
óperas y misas, además de unas veinte sinfonías.

Estos minuetos originariamente instrumentados para cuarteto, hoy forman parte habitual del
repertorio de las orquestas de cuerda.

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Divertimento: esta denominación se aplicaba en la segunda mitad del siglo XVIII, especialmente en
Austria, a una gran variedad de piezas instrumentales para conjunto de cámara o solista. El término
era utilizado tanto para piezas ligeras de entretenimiento como para géneros más serios, como el
cuarteto de cuerda y la sonata para teclado.

LA ORQUESTA ROMANTICA (siglo XIX)

Destaca en esta época el perfeccionamiento técnico de las válvulas y mecanismos de los

instrumentos de viento metal, que mejoraron su flexibilidad, especialmente en el registro agudo,
cobrando un nuevo protagonismo. El trombón se establece como integrante de la orquesta. También
se refuerzan los graves con los nuevos prototipos de tubas. Se añade también el arpa, así como el
piccolo, el clarinete bajo, el corno inglés, el contrafagot, la celesta... El piano aparece
ocasionalmente como miembro de la orquesta, no únicamente como solista. La percusión es la
sección que más tardará en tomar su forma definitiva, utilizándose instrumentos como las
castañuelas y los platos para conseguir diversos efectos sonoros. El papel de director se
independiza definitivamente del primer violín, llegando finalmente a ser considerado un artista por
derecho propio, un intérprete cuyo instrumento es la orquesta.

La orquesta experimenta un gran desarrollo, sobre todo gracias a los avances de Hector Berlioz y
Richard Wagner. El número de instrumentistas sigue aumentando hasta el siglo XX, lo que obliga a
incluir más cuerdas, maderas y percusión, para conseguir un equilibrio tímbrico. Berlioz, por
ejemplo, llegó a componer obras para ser interpretadas por más de 500 músicos. En el siglo XX, los
compositores escribieron para orquestas de inmenso tamaño. Gustav Mahler compuso la que se
conoce como Sinfonía de los mil por el gran número de ejecutantes que precisa: gran coro y doble
orquesta sinfónica.

Edgar degas (1834-1917)

La orquesta de la Ópera
Hacia 1870
Óleo sobre lienzo 56,5 x. 45 cm.
Museo de Orsay, París

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F. Mendelssohn (1809-1847):
Octeto de cuerdas en Mi bemol mayor, Op. 20

Al igual que Mozart, Mendelssohn escribió la música programada en este concierto a la edad de 16
años, en 1825, un año antes de su famosa obertura de concierto El sueño de una noche de verano.
De hecho, ambas son las obras más famosas de su adolescencia.

La obra está compuesta para un octeto de cuerda, esto es, 4 violines, 2 violas y 2 violonchelos. Si
bien otros compositores utilizan este tipo de formación como dos grupos iguales que dialogan, en el
caso de Mendelssohn encontramos ocho instrumentos independientes, entre los que se reparten los
temas de manera variada.

En este concierto escucharemos el cuarto movimiento “IV. Finale”. Comienza con un vertiginoso
fugato con entradas sucesivas de todos los instrumentos de más grave a más agudo, que se van
estrechando progresivamente. Al llegar al violín primero, se detiene el fugato y aparece el primer
motivo importante, formado por intervalos de cuartas y sextas. Después llega un potente unísono de
todos los instrumentos, que aparecerá reiteradamente a lo largo de la pieza. Esto sucede en apenas
40 segundos de los cinco minutos y medio que dura este movimiento impregnado de un optimismo y
una creatividad desbordantes.

LA ORQUESTA MODERNA

Las enormes orquestas habituales antes de 1914 sufren una ligera reducción a causa de la Primera
Guerra Mundial y sus secuelas, por razones tanto económicas como estéticas. Se establece el
actual eje de la formación, con maderas a tres (con posible uso de piccolo, corno inglés, clarinete
bajo, saxofón y contrafagot), cuatro trompas (en ocasiones se dobla la primera), tres trompetas y
trombones, tuba, dos arpas, un intérprete de teclado (piano, celesta u órgano), timbales, tres
percusionistas y cuerda.

Uno de los principales cambios es el protagonismo de la percusión, así como la adaptación e

inclusión de instrumentos de origen no europeo, como los crótalos, las maracas, el gong o el güiro,
entre otros, que aportan una nueva dimensión sonora. Por otra parte, se utilizan ocasionalmente
instrumentos electrónicos o instrumentos acústicos amplificados electrónicamente.

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En cualquier caso, el tamaño y composición de la orquesta varía enormemente en función de los

requerimientos concretos de cada composición, pudiendo ir desde la orquesta reducida con un solo
intérprete por instrumento hasta la gran orquesta sinfónica, pasando por diferentes combinaciones
camerísticas.

Max Oppenheimer (1885-1954)

La orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Gustav Mahler, 1935
Óleo sobre tela
Oesterreichische Galerie, Viena

G. Hoslt (1874-1934): Suite St. Paul Op. 29 n° 2

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El británico Gustav Holst, compositor de la suite Los Planetas, trató siempre de liberar a la música de
su país de la influencia musical alemana.

Fue profesor de la Escuela femenina St. Paul en Hammersmith, Londres. Precisamente para la
orquesta de esta institución compuso su exitosa Suite St. Paul, en 1913. La suite consta de cuatro
movimientos, de los que escucharemos el primero “Giga” y el cuarto “Finale”. Este último es un
arreglo de una pieza anterior del autor, en concreto del cuarto movimiento de la Segunda suite para
banda militar “IV. Fantasie on the Dargason”.

LA MÚSICA DEL SIGLO XX

El siglo XX se ha permitido el lujo, después de la fastuosidad posromántica, de investigar y
profundizar en la esencia misma del timbre; el compositor ha descubierto que las cuerdas del violín
pueden ser frotadas -y hasta percutidas- con la madera del arco produciendo una sonoridad
distorsionada; que se las puede frotar normalmente en un extremo, casi encima del puente, lugar
donde la cuerda no vibra en toda su amplitud, dando como resultado un sonido metálico y
penetrante; que puede usar del trémolo labial en los instrumentos de viento, etc. Poco a poco se ha
conseguido una sonoridad siglo XX con una cantidad importante de recursos que amplifica y
prolonga los medios tradicionales.

El espectro tímbrico de la música es de tal riqueza que ha llegado incluso a desbancar a otros
elementos musicales, como la melodía o la medida del ritmo, que parecían de primer orden. Una
composición musical, desde hace tiempo, puede justificarse fundamentalmente por el color. Así, la
transmutación tímbrica de un acorde fijo que pasa por distintos instrumentos irisándose
paulatinamente -como sucede en la tercera de las Cinco piezas para orquesta, Op. 16
de Schönberg, que ostenta el título de «Colores».

El fenómeno del jazz, por ejemplo, ha sido uno de los más revolucionarios; una trompeta o un
trombón en labios de un virtuoso del jazz nada tiene que ver con la utilización que el pasado había
hecho de estos instrumentos. Stravinski supo aprovechar estas nuevas perspectivas, las hizo suyas
y las incorporó a sus siempre revolucionarias producciones. La aportación que la improvisación
jazzística ha hecho con los instrumentos clásicos ha permitido descubrir aspectos completamente
desconocidos de virtuosismo en la ejecución. Stravinski, por ejemplo, utilizará una escritura
orquestal siempre efectiva en su trazo virtuosista. Citemos, a título de ejemplo, "El pájaro de fuego".

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Béla Bartók explícito siempre hasta los más insignificantes detalles, como la distribución de los
ejecutantes, la colocación de los instrumentos de percusión, etcétera. En su obra,"Concierto para
orquesta", por ejemplo, da un paso al concepto de sonido estereofónico.

En la mayor parte de las obras del siglo XX -como ya habrá podido observarse- se ha concedido una
atención cada vez más importante al grupo de la percusión, el cual, al ampliar las relaciones
disonantes ha ido encontrando un mundo cada vez más a su medida, un mundo que le ha

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permitido, a su vez, amplificar extraordinariamente su gama de timbres como una prolongación

necesaria y lógica de la creciente evolución tímbrica de la orquesta.

TIPOS DE ORQUESTA
Durante este siglo, la orquesta de cámara experimentó un creciente impulso renovada. Hay
diferentes tipos de orquestas.

• ORQUESTA SINFÓNICA

La orquesta sinfónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias
familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una
orquesta sinfónica tiene, generalmente, más de ochenta músicos en su lista. Solo en dos casos llega
a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede
variar según la obra que va a ser ejecutada. El término «orquesta» se deriva de un término latino
que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para
bailar'.

ORIGEN
Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores y forjadores de la
sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Viena y Mannheim. En estas ciudades, más
que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos
excelentes medios materiales para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad
pudo apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la utilización de unos
recursos, como los llamados creciendo y disminuyendo Mannheim que, en realidad, no fueron
invención de los miembros de este grupo, la alta exactitud en la dirección y la precisión
interpretativa. Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57).

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INSTRUMENTOS MUSICALES DE LA ORQUESTA SINFONICA

Esquema orquestal

Los instrumentos orquestales se suelen dividir en tres grandes grupos, también

denominados familias orquestales:

 Instrumentos de cuerda (cordófonos):

o Cuerda frotad: violines I y II, violas, violonchelos y contrabajos.
o Cuerda pulsada: arpa.
o Cuerda percutida: piano.
 Instrumentos de viento (aerófonos):
o Viento madera: flautín o piccolo, flauta, oboe, corno inglés, clarinete, clarinete bajo,
fagot y contrafagot.
o Viento metal: trompa, trompeta, trombón y tuba.
o Viento en teclado: órgano.
 Instrumentos de percusión (idiófonos / membranófonos):
o Percucion de afinación determinada: timbales, xilófono, lira, campanólogo, celesta,
etc.
o Percusión de afinación indeterminada: caja, tambor, bombo, platillos, triángulo,
castañuelas, pandereta, caja china, etc.
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Distribución de instrumentos orquestales

DIRECTOR DE ORQUESTA
El director de la orquesta cumple con una función principal respecto a la orquesta sinfónica, puesto
que es el que la dirige e incluso da la formación musical. Es una persona que no solo mantiene el
tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente,
sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu
original de la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la
vida y obra de los compositores. El director no aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando
realmente se establecieron los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos.
Antes era el primer violín (concertino), el clavecinista u organista quien dirigía (continuista), y
actualmente se encargan de afinar el conjunto y de la colocación del director dentro del campo visual
de los intérpretes. El solista en las obras se sitúa junto al director.
• ORQUESTA DE CAMARA

El término orquesta de cámara abarca todo tipo de conjuntos instrumentales, con la única condición
de poseer tal tipo de orquesta un tamaño pequeño. Al igual que con la música de cámara, el
complemento de «cámara» se refiere al salón en la que se desarrollaban (en su origen los salones
de música de los palacios y grandes residencias del siglo XVII). Desde entonces significa «orquesta
reducida que cabe en un salón». No tiene una formación concreta de instrumentos

clasificacion
Las orquestas de cámara pueden clasificarse en:

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 Orquesta barroca: conjunto de instrumentos de cuerdas frotadas más o menos estándar y

reducido número, con intervenciones ocasionales de otros instrumentos, en especial como
solistas. Se forma a partir de las obras de Corelli, y va aumentando en la primera mitad del
siglo XVIII como se observa en las obras de Bach, Lully o Rameau. Debe tenerse en cuenta
que no entran aquí las orquestas de ópera barroca, que tienen una composición más
numerosa y variada.
 Conjuntos instrumentales indefinidos para música de cámara, como los necesarios para los
Divertimentos de Mozart, el Septimito de Beethoven, y obras semejantes que emplean
conjuntos reducidos y no estandarizados.
 Conjuntos contemporáneos que, aunque ya no son "para el salón", tienen una formación
instrumental reducida o poco común. Así para obras de Ígor Stravinski (Ebony concertó,
Dumbarton Oaks), Manuel de Falla (Concierto)
 Orquesta de Cuerdas: Integrada por violines, violas, violonchelos y contrabajos, más clave o
piano. Tal como en el período barroco y que interpreta muchas obras del período barroco,
clásico, romántico, moderno y arreglos de mucha música popular. En la actualidad muchas
orquestas de cámara tienen fama e interpretan obras de todo tipo.

 ORQUESTA DE JAZZ

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Son orquestas que suelen interpretar música de jazz, donde se toca instrumentos como la tuba, la
trompeta, el saxofón, el clarinete, el piano, la batería, el contrabajo, la tuba, el trombón, y en muchas
ocasiones hay un cantante.

CARACTERISTICAS

Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y

sincopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del
compás, pero mientras que la sincopa continua en la parte fuerte, las notas a contratiempo terminan
entes de comenzar la parte fuerte siguiente:

La improvisación. La forma más común de los temas de jazz clásico (anterior al free jazz, años 60)
es la forma canción ( AABA).cada una de las partes suele tener 8 compases. El músico de jazz al
improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo adornando las melodías existentes o creando
nuevas líneas por encima de las armonías dadas, que están en base de toda la composición.

El jazz es una música de raíz africana con elementos occidentales, esto se refleja en los
instrumentos que utiliza. Fundamentalmente se dividen en dos clases: los que marcan el ritmo
(rítmicos) y los que tocan la melodía (melódicos).

RITMICOS

BATERIA: se empezo a utilizar muy temprano pero como un instrumento secundario, que
acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más importantes de cualquier
formación.

CONTRABAJO: Tocado directamente con los dedos. A veces se sustituia por una tuba

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MELODICOS

PIANO: utilizado ya en el ragtime, paso al jazz como instrumento protagonista.

TROMPETA: Tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue reemplazada por el
saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.

SAXOFON: Se puso de moda con Coleman Hawkins y paso a convertirse en solista a partir de la
revolución de Charlie parke.

BAJO: era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se utilizó hasta los
años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.

• ORQUESTA JOVEN: Es aquella en la que los integrantes son estudiantes de la carrera de música
en el Conservatorio o en academias privadas. Suele haber una en cada capital de provincia
importante o en las regiones. En muchas ocasiones, estas orquestas sirven, para sus miembros, de
antesala a una orquesta sinfónica profesional.

• ORQUESTA QUE UTILIZA UNA FAMILIA DE INSTRUMENTOS: orquesta de cuerdas, orquesta

de vientos, orquesta de metales, orquesta de percusión.

• ORQUESTA QUE UTILIZA VARIAS FAMILIAS DE INSTRUMENTOS: orquesta de viento y

percusión (o banda de música), orquesta de viento, percusión y algunos instrumentos de cuerda (o
banda sinfónica).

También se denomina orquesta a otros conjuntos instrumentales de música popular, de baile, de

jazz, siempre que tengan un número considerable de miembros.

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LAS 10 MEJORES ORQUESTAS DEL MUNDO

Dieciséis críticos de prensa musical de todo el mundo fueron los encargados de realizar una
votación que sitúa a la Filarmónica de Berlín como la mejor orquesta del mundo. Los resultados son,
por supuesto, subjetivos y polémicos, con algunas sorpresas y ausencias notables.

Como ya lo mencionamos, el primer lugar lo ocupa la Berliner Philharmoniker; el nacimiento de

esta orquesta alemana se remonta a 1882. Entre su interminable lista de directores titulares
aparecen nombres tan afamados como Wilhelm Furtwängler, Sergiu Celibidache, Claudio Abbado y,
por encima de todos, Herbert Von Karajan. Su repertorio es inagotable y su sede, la Philarmonie
Saal, cuenta con una de las mejores acústicas del planeta.

En segundo puesto, se encuentra la Boston Symphony Orchestra, que es una de las Big
Five estadounidenses. Entre otras cosas, por ese toque francés que conserva desde tiempos del

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director Pierre Monteux. En todo caso, el nombre más importante de la historia de esta formación es
el maestro de origen ruso Serge Koussevitzky, quien la convirtió en una de las mejores orquestas del
mundo. Además, la Sinfónica de Boston suele destacar por la gran calidad de sus directores
invitados.

Le sigue la Chicago Symphony Orchestra, que para muchos es la mejor orquesta del continente
americano, o al menos lo fue durante la época en la que su dirección corrió a cargo de Georg Solti,
en la década de los 80. Fue fundada en 1891 y entre sus grandes maestros aparecen, aparte del
citado Solti, nombres de la talla de Artur Rodzinski, Rafael Kubelik o Fritz Reiner.

En cuarto lugar, se encuentra la Cleveland Orchestra, considerada la más europea de las

orquestas americanas. Fundada en el año 1918, sus años de mayor gloria fueron los que
transcurrieron entre el final de la Segunda Guerra Mundial y 1970, cuando permaneció bajo la batuta
del gran George Szell. Aparte de su elevada precisión técnica, esa orquesta es reconocida por la
gran calidad de los profesores que la integran.

Debajo se sitúa la Concertgebouw, la orquesta más famosa de Amsterdam y toda Holanda,

fundada en 1888 en la espectacular sala de la que toma su nombre (conocida por su larguísima
escalinata). Gran parte de su éxito procede de su principal director, Willen Mengelberg, al que supo
relevar Bernard Haitink. Su sección de maderas es considerada como una de las mejores del
mundo.

La London Symphony Orchestra, está ubicada en el sexto lugar, siendo la primera orquesta de la
historia de Londres nacida en 1904 de la mano de Hans Richter. De su seno han salido
espectaculares músicos como Barry Tuckwell o James Galway. La orquesta es conocida por su
gran versatilidad, puesto que son capaces de variar el sonido que tocan en función del director y la
obra, además de su increíble suerte, ya que cancelaron a última hora su pasaje en el Titanic cuando
iban a protagonizar una gira por EE.UU. Entre sus directores titulares encontramos nombres
como Monteux, Colin Davis o Abbado.

En el siguiente escalón, se ubica la New York Philharmonic, que a diferencia de otras orquestas
neoyorquinas surgidas en el siglo XIX, ésta sí alcanzó el éxito y se consagró a nivel nacional e
internacional. Su origen se remonta a 1842, aunque uno de sus principales hitos tuvo lugar medio
siglo después, con el estreno mundial de la Sinfonía nº 9 (Del Nuevo Mundo) de Dvorak. La
consagración definitiva de esta orquesta se produjo a partir de 1909, con su profesionalización y la
llegada de Gustav Mahler a la dirección.

Debajo de ésta, se encuentra la Philharmonia (St Petersburg Philharmonic Orchestra), que fue la
principal orquesta de la antigua U.R.S.S. (conocida en aquella época como Filarmónica de
Leningrado). Nació en 1882, siendo también la formación más antigua de Rusia. Durante más de 50
años estuvo dirigida por el gran Evgeny Mravinsky , durante los que solía hacer espectaculares giras
por todo el mundo para dar a conocer a grandes compositores rusos como Tchaikovsky.

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En la novena posición, se ubica la Staatskapelle Dresden, que es por mucho, la orquesta más
vetusta del planeta. Su nacimiento data de 1548, por lo que ha acogido a algunos de los
compositores más conocidos de los últimos cuatro siglos. Entre ellos, Richard Wagner o Richard
Strauss, quien siempre estrenaba sus óperas con esta orquesta. Tras la Segunda Guerra Mundial
fue considerada la mejor orquesta de la República Democrática Alemana (RDA), con periodos en los
que fue dirigida por Karl Böhm o Herbert von Karajan.

Finalmente, se encuentra la Wiener Philharmoniker que para muchos es, sin discusión, la mejor
orquesta del mundo. Como muestra, los miles de millones de personas que cada Navidad siguen en
directo sus Conciertos de Año Nuevo. Es una de las orquestas más antiguas, ya que su origen data
de 1842, cuando fue fundada por Otto Nikolai. Entre sus peculiaridades destaca la ausencia de la
figura del director titular y las meticulosas pruebas de selección que deben superar sus integrantes.

MEJORES COMPOSITORES DEL SIGLO XXI

Según Anthony Tomassini, compositor y amplio conocedor de música clásica.

Los mejores compositores son:

1- Johann Sebastian Bach (1685-1750)

El lugar de honor va para Bach por su "incomparable combinación de manejar magistralmente la

ingeniería musical y una profunda expresividad".

Alguna de sus composiciones.

 Preludio (cello)
 Aria
 Tocata y fuga (órgano)
 Jesus bleibet meine freude (coro)

2- Ludwig van Beethoven (1770-1827)

"A pesar de no tener la técnica de Mozart [...] sus trabajos eran tan audaces e indestructibles que
pueden sobrevivir una mala interpretación".

 Moonlight sonata de Ludwig Van Beethoven

 Symphony nº9 de Ludwig Van Beethoven
 Ludwig Van Beethoven y la 5ta sinfonía

3- Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

"Poseedor de una facilidad técnica implacable, Mozart, uno de los dos más populares compositores,
acuñó un exquisito trabajo orquestal y, por si eso no bastase, tuvo una segunda innovadora carrera
en la composición de óperas".
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 LA ORQUESTA

 Sonata Para Piano 11

 Pequeña Serenata Nocturna
 Requiem
 Ópera Don Giovanni

4- Franz Peter Schubert (1797-1828)

"Tienes que amar a un tipo que murió a los 31 años enfermo, en la miseria y marginado por todos
excepto por un reducido grupo de amigos que le admiraban. Por sus cientos de solitarias
composiciones, Schubert es una figura central en la vida de los conciertos".

 Sonatensatz,
 Quartettsatz

5- Claude Debussy (1862-1918)

"Con un pionero lenguaje armónico, la sensual belleza de su sonido y su extravagante instinto

freudiano, fue el puente a través del cual la música continuó su camino hacia el siglo XX".

 Preludio a la siesta de un fauno

 Pelleas et Melisande
 Claire de lune
 Sonata

6- Igor Stravinski (1882-1971)

"El día que Stravinski murió fue como si el propio suelo de la música se desplomase"

 El Pájaro de fuego
 Petrushka.
 La consagración de la Primavera.
 Pulcinella.

7- Johannes Brahms (1833-1897)

"Por momentos se debatió entre su intento por ampliar la herencia Clásica con acercamientos
progresivos hacia nuevos terrenos. Y en lo que mejor hacía (sinfonías y conciertos, trabajos para
cámara y solos para piano) tienen la emocionante grandeza y extravagancia de Beethoven.

 Danza Húngara Nº 5
 Prometeo
 Sinfonía N. 4 Op 98
 Trio para piano y cuerdas N.3 Op 101

8- Giussepe Verdi (1813-1901)

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 LA ORQUESTA

"El hecho de que una nueva producción de una ópera de Verdi pueda provocar tan sentidas
pasiones entre audiencias alrededor del mundo es un testimonio de su perenne riqueza".

 Oberto (1839)
 Un giorno di regno (1840)
 Nabucco (1842)
 I lombardi alla prima crociata (1843)

9- Richard Wagner (1813-1883)

"El ciclo del Anillo se ha convertido en una carta de entrada para cualquier compañía de ópera que
desee ser respetada. Los últimos 20 minutos de Die Walküre pudiesen ser la música más
tristemente hermosa jamás compuesta".

 El holandés errante
 Tannhäuser
 La valquiria
 Tristán e Isolda

10- Béla Bartók (1881-1945)

"Enseñó otro camino, una amalgama de tonalidad, escalas poco ortodoxas y maravillas atonales".

Concierto para orquesta

Romanian folk dances

Mikrokosmos

El castillo de barbazul

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 LA ORQUESTA

LA ORQUESTA EN EL PERU
Eran años difíciles: en Europa, la guerra se consideraba solo cuestión
de tiempo. Y en Lima, durante el gobierno del mariscal Óscar R. Benavides, se organizaba la Octava
Conferencia Internacional Americana, un preámbulo de lo que sería una década más tarde la actual
Organización de Estados Americanos. Era diciembre de 1938, y entre los días 9 y 27 los
representantes discutían su papel en un mundo convulsionado. Dos días después de inaugurada la
cumbre, el
domingo 11, la primera orquesta oficial del país, creada por ley el pasado 11 de agosto, ejecuta un
"Concierto de gala en honor de las delegaciones de la VIII Conferencia Internacional Americana",
dirigida por el maestro Theo Buchwald.

La Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) había nacido entonces interpretando un programa que
incluía, además del himno nacional, la obertura de Die Meistersinger von Nürnberg de Richard
Wagner, la "Sinfonía Nº5", en do menor Op. 67 de Beethoven, parte de los nocturnos de Debussy, la
danza de "La vida breve" de Manuel de Falla y, para terminar, el bolero de Maurice Ravel,
compositor francés fallecido un año antes. La entrada en platea costó cinco soles de oro, y cuatro,
en la galería en el Teatro Municipal.

El director de aquel concierto conocía de cerca la tragedia que se avecinaba en Europa. Nacido en
un hogar judío, en Viena en 1902, Buchwald había aprendido composición y piano con los mejores
maestros. Su trabajo principal lo obtuvo en la Ópera Estatal de Berlín, una de las más antiguas de
Alemania, como ayudante del legendario director Erich Kleiber. Sin embargo, con el ascenso del
nazismo, empezó a cernirse sobre él el cerco antisemita. En 1933 fue expulsado de la orquesta de
Halberstadt y tuvo que volver a Viena, donde conoce a la pianista chilena Rosita Renard, en medio
de su gira europea. Enamorados, partieron a la capital chilena en 1935.

Fue en Santiago donde conoció a intelectuales peruanos como Carlos Raigada y César Arróspide,
quienes comparten con él el interés del Gobierno por organizar una orquesta sinfónica. Por
entonces, el ambiente musical limeño no alcanzaba el rango profesional. No existían elencos
sinfónicos estables y los músicos de nivel existentes eran convocados para algún concierto
esporádico o al iniciar la temporada de ópera o de zarzuela.

Buchwald ofreció su primer concierto limeño en 1936, impresionando

al público local. Dos años después, fue convocado para hacerse cargo de la flamante OSN, tarea a
la que dedicaría 20 años de su vida. Sin embargo, con el tiempo, el apoyo oficial a su trabajo fue
decayendo, y el músico fue resintiéndose por los desaires de los gobernantes de turno. Se retiró de
la institución en 1957, y víctima de la depresión y el abuso del alcohol falleció en 1960.

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 LA ORQUESTA

COMPOSITORES PERUANOS
 MIGUEL HARTH BEDOYA

Harth-Bedoya estudió en el Instituto Curtis en Filadelfia. Más tarde asistió la

Escuela Juilliard en Nueva York, donde, entre otros, tuvo a profesores como Otto-Werner Mueller.
Se graduó en Juilliard en 1991 con un grado de Música y en 1993 con un máster en Música, ambos
en dirección de orquesta. Ha tenido también como maestros a Gustav Meier o Seiji Ozawa. En
su Perú natal, Harth-Bedoya ayudó a fundar la Orquesta Filarmonica de Lima y la Compañía
Contemporánea de Ópera, y trabajando con ambas formaciones de 1993 a 1998.

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 LA ORQUESTA

 FERNANDO VALCARCEL

Fernando Valcárcel nació en Lima el 6 de marzo de 1972. Proviene de una familia de ilustres artistas
y pensadores peruanos, entre ellos su tío abuelo, Theodoro Valcárcel, y su padre, Edgar Valcárcel,
dos de los más importantes compositores peruanos, el historiador Luis E. Valcárcel y el
poeta Alberto Valcárcel. Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de
Música (CNM) en 1989. En 1993 fue becado por el Curtis Institute of Music en Filadelfia,
graduándose en composición tres años más tarde. Realizó estudios de post-grado en la Universidad
McGill de Montreal.En agosto del 2007 se graduó en la Universidad Cristiana de Tejas, (Texas
Christian University - TCU) recibiendo el grado de Maestría en "Dirección Orquestal".
A lo largo de su carrera ha recibido distintas becas y reconocimientos como la beca especial Margot
Fonteyn de la Organización de Estados Americanos (OEA) y la beca Southern Perú en Lima; y
participado en festivales y seminarios como el Festival Domaine Forget en Canadá y el Instituto de
Dirección de la Fort Worth Symphony Orchestra en Tejas, Estados Unidos.
Ha enseñado cursos de teoría musical y de composición en la Escuela Regional de Música "Luis
Duncker Lavalle" en Arequipa (1998), en el Conservatorio Nacional de Música(2005, 2009-2011) y
en la Universidad Católica del Perú (2010).
Como director de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN)(de 2011 a la actualidad) ha trabajado
firmemente buscando darle versatilidad y proyección, aportándole dinamismo y enriqueciendo su
programación al impulsar la ejecución de obras de compositores peruanos contemporáneos,
incluyendo varios estrenos mundiales y obras del repertorio universal del siglo XX. En tres años de
gestión al frente de la orquesta, ha programado la ejecución de setenta y tres obras de compositores
peruanos, siendo veinticuatro de ellos estrenos absolutos, entre ellos la Ópera – Ballet Akas Kas, La
Promesa del Guerrero, de Nilo Velarde, con la cual Valcárcel inauguró oficialmente, en 2012, el Gran
Teatro Nacional (GTN), principal escenario peruano en la actualidad. Ha dirigido en el Perú, el
estreno de obras de los más importantes compositores del siglo
XX como Mahler, Lutoslawski, Penderecki, etc.

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 PABLO SABAT

Nacido en Lima, tuvo entre sus primeros profesores a Rodolfo Barbacci y Rosa América Silva. En
Venezuela recibió en 1992, en el Instituto Universitario de Estudios Musicales de Caracas – IUDEM-
la Licenciatura en Música cum laude en Ejecución Pianística. Después de ganar en 1995 la
Westminster Keyboard Competition en el Westminster Choir College en Princeton, New Jersey, se le
otorgaron varias becas y fue invitado a realizar estudios de postgrado en Piano con la maestra Ena
Bronstein-Barton, discípula de Claudio Arrau,. En Westminster también siguió cursos de
acompañamiento vocal con Glenn Parker y Dalton Baldwin, y recibió una Maestría con Distinción en
Piano.Gracias a una beca de la Organización de Estados Americanos, pudo completar los estudios
de su segunda Maestría, en Dirección Orquestal, en la Hartt School of Music de la Universidad de
Hartford. Tuvo como profesores de dirección a los maestros Harold Farberman y Gustav Meier.

Sabat ha sido Director Adjunto de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, fundador y Director
Titular de la Orquesta de Cámara Nacional y Director Artístico de la Orquesta de la Ciudad de los
Reyes. Ha dirigido distintas orquestas en América y Europa, y actuado junto a eminentes solistas de
la talla de Alina Pogostkina, Valentina Lisitsa, Joaquín Achúcarro, Sasha Rozhdestvensky, Maurice
Hasson, Emil Chudnovsky, Philippe Quint, Enrique Graf, Ronald van Spaendonck, Eddy
Vanoosthuyse y Kirsten Agresta, entre otros. Actualmente es Director Artístico de la Orquesta
Sinfónica Nacional Juvenil del Perú.

Ha dirigido la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Sinfónica de Guayaquil, la Orquesta

Filarmónica del Valle (Cali) y la Orquesta Filarmónica Nacional de Venezuela, entre otras. Asimismo,
ha sido invitado a dirigir próximamente la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas.

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