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contemporanea-2171540

la danza
contemporánea

es un tipo de expresión artística

que está basada en la técnica

Su origen se remonta hasta finales

del siglo XIX. En los inicios se
buscaba una alternativa a la
estricta técnica del ballet clásico,
empezaron a aparecer bailarines
danzando descalzos y realizando
saltos menos rígidos que los
tradicionales en el escenario. Con
el tiempo, fueron apareciendo
variaciones en las que la técnica
clásica brillaba por su ausencia e
incluso se introducían movimientos
de otros estilos de baile, como
movimientos aflamencados,
movimientos tribales, acrobacias,
contacto físico. Hasta el final de
la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna,
pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a
partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas
modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no
dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice que en la danza
contemporánea (hoy día) "todo vale". del ballet clásico pero que conlleva menor
rigidez de movimientos. Surge como una reacción a las formas clá

sicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el

cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una
idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando
movimientos corporales propios del siglo XX y XXI.
Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea.

caracteristicas generales
En este tipo de danza, los movimientos se sincronizan con la cabeza tratando de
comunicar un mensaje. Amplía el rango de movimiento, y utiliza el espacio con
mayores
posibilidades.
Una
característica
distintiva es el
uso de
multimedia para
acompañar la
s coreografías,
como video e
imágenes usados
de fondo.
La danza clásica
tiene una
dramaturgia con
principio, clímax
y desenlace. La
danza
contemporánea
puede seguir esta
estructura o bien,
contar historias
de
una
forma no lineal.
La danza
contemporánea
puede hablar de
un concepto, proponer un ambi
ente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada,
no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a
través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza
contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de
acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza clásica busca el
preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo celestial; más
bien está ligada al concepto de lo apolíneo. La danza contemporánea busca la conexión
con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está
ligada al concepto de lo dionisíaco.

a continuacion un ejemplo de danza contemporanea

pioneros de la danza contemporanea

Isadora Duncan
Dio origen al movimiento a través de la escultura griega. Prefirió bailar descalza,
dejando de lado a las convencionales y clásicas zapatillas de ballet. Usaba una sencilla
túnica como atuendo. Localizó el origen del movimiento en el chakra del plexo solar y
creó danzas en las que se alternaba la resistencia y el abandono a la ley de gravedad.
Se cuenta de ella que a los cinco años anunció a su
familia que quería ser bailarina y revolucionaria. Y las
dos cosas las consiguió. Leyenda de la danza, Isadora
Duncan sentó las bases de un movimiento muy
particular alejado de todo clasicismo. Encontró en la
Grecia clásica una fuente inagotable de inspiración.
Estudió las danzas griegas y se cambió su nombre
original, Ángela, por el de Isadora. Su madre la
envolvió desde pequeña en un exquisito ambiente de
poesía, pintura y música contemporáneas. Y todo ello se
refleja en el hacer de Isadora Duncan, reacia a las
técnicas de enseñanza tradicional.
A los 19 años se marchó a Nueva York Con una vida dedicada casi exclusivamente a la
investigación del movimiento, Isadora Duncan se presenta como una pionera en la
danza moderna. Murió en 1927 en Niza, donde llevaba recluída unos años y donde
escribió su obra póstuma El arte de la danza, cuando conducía su coche y se le enredó
en él la bufanda que rodeaba su cuello. Otra obra de la bailarina es Mi vida, publicada
en 1926ció al dramaturgo Augustín Daly, que le brindó la oportunidad de poder actuar
en varios escenarios. El escándalo estaba servido. Una Isadora descalza, ataviada con
túnica y sin maquillaje, bailando apasionadamente, dejaba atónito a público y crítica.
Hubo asombro, pero también éxito. Y la joven revolucionaria de la danza comenzó un
periplo por teatros europeos que aumentó su fama y creó escuelas en Francia,
Alemania y Rusia. Fue para este país para quien realizó su danza The march slav,
inspirada en la revolución bolchevique.

Ruth Saint Denis

Sus composiciones estuvieron basadas en el estilo de las danzas de la India, Egipto y
Asia.
Comenzó su carrera como bailarina solista, formando posteriormente la
compañía Denishawn con su marido Ted Shawn.
La danza del futuro ya no se interesará más en las
destrezas del cuerpo sin sentido. Si recordamos que en
realidad somos el microcosmo, el universo en miniatura,
el Baile Divino del futuro debería ser capaz de
transmitir con sus gestos más leves algún significado
importante del universo. En la medida que nos elevemos
en la comprensión de nosotros mismos, las
discrepancias nacionales y raciales se disolverán en el
ritmo universal de la Verdad y el Amor. Sentiremos
nuestra unidad con todas las personas que se mueven
con este glorioso ritmo.
Parrafo escrito por Ruth St. Denis en el libro no publicado The Divine Dance (1933)

Mary Wigman

Su coreografía estuvo inspirada en el mundo asiático y oriental. En sus trabajos, ya

fuesen en grupo o como solista, utilizó muchas veces
máscaras.
Los cuatro aspectos básicos de la danza de M. Wigman
son: expresionismo, espacio, la danza sin música y el
principio de tensión-relajación.
Martha Graham 1894 - 1991
Con una técnica basada en la relajación y contracción
de la respiración (inhalar y exhalar). Según su
concepción, la danza, como el drama hablado, debe
explorar la esencia espiritual y emocional del ser
humano.

Martha Graham.
Su técnica estuvo basada en la relajación y contracción de la respiración (inhalar y
exhalar). Sus primeros trabajos eran bastante abstractos ya que se centraban en
movimientos del cuerpo, como por ejemplo el iniciado en el torso. Creaciones
einterpretaciones posteriores narraron temas místicos y
psíquicos.
En 1926 Graham fundó su propia compañía, La
Compañía de Danza Martha Graham. Su estilo único de
danza moderna reflejaba el arte moderno de su época.
Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por
sus innovaciones en la danza moderna. El estilo de
Martha Graham es ampliamente reconocido por sus
características contracción y relajación, la caída al piso
controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de
imágenes que van con los movimientos.
En la Universidad de Bennington en 1932, Graham fundó el primer grado de bachiller
de las artes en danza. En 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard

ahora un pequeño ejemplo de la danza al estilo

Graham

tecnica

El punto de referencia central de la técnica es el acto de la respiración. Esta como

proceso fisiológico implica enteramente la parte central del cuerpo: tórax y abdomen.
 La región abdominal es fuente de energía en cuanto a zona de conexión de las dos
fuerzas fundamentales creadoras de
vida:
el sexo y la respiración. Es por esto que el cuerpo del bailarín para llegar a
ser plenamente expresivo debe hacer visible todo gesto proveniente de esa zona central,
rica en energía. De aquí que el ejercicio basal de esta técnica sea la contracción
(exhalación) y relajación (inhalación), movimiento de oposición de dos fuerzas
opuestas y c

omplementarias que simboliza el flujo de la respiración. El "contraction-release"

produce una curva cóncava de la parte final de la espina dorsal, mediante el empujón
de la pelvis hacia delante
. Se establece un circuito vital entre el muslo y la pelvis, que sube por el torso y se
cierra sobre sí mismo. No hay que olvidar que en la relajación no se pierde el dominio
del cuerpo. Justamente es el dominio de la zona abdominal lo que permite al bailarín
tener un eq
uilibrio en toda posición y un centro del cual se desprende toda la energía. Este centro
permite incorporarse de cada caída sin aparente punto de apoyo. Otra característica
del entrenamiento es el constante contacto con el suelo. El pie se estira desde el talón,
elemento que extrae de otras culturas, fundamentalmente indígenas. Otro movimiento
característico lo constituyen los espirales: el cuerpo se torsiona sobre sí mismo. Los
espirales, los cambios de dirección, los saltos: todo tiene su origen en el centro de
energía: la pelvis. Marta Graham tomó elementos del ballet y las danzas orientales
pero estos fueron fundidos y elaborados con originalidad y en relación a intereses
completamente alejados de la técnica clásica. Su técnica de movimiento se basa en la
antíte
sis: apunta al desarrollo de un cuerpo que pueda afirmar los contrarios en un
movimiento
periodos de la danza contemporanea
Su historia se puede definir en tres períodos:

• 1900: Período marcado por los movimientos libres de las bailarinas, quienes
buscaron darle a la danza un sentido más comunicativo, apoyándose en fuentes de
inspiración más antiguas a las de occidente.

• 1930: En este segundo periodo surguio una ola de bailarines modernos en Nueva
York. Para los cuales la fuente del movimiento era más interna que externa,
recurriendo a acciones naturales como el respirar o el caminar.

• 1945: Este período comenzó al finalizar la II Guerra Mundial y aún posee vigencia.
fusionaron técnicas provenientes de la danza social, el ballet y la danza moderna.

musica contemporanea

Con la llegada del siglo XX, la música, al igual que otras manifestaciones artísticas,
sufrieron grandes transformaciones para responder a las nuevas exigencias de
unasociedad que cambia radicalmente.
La música se enriquece pero también se complica; la voz
humana y los instrumentos se emplean de otra forma,
con técnicas nuevas como consecuencia de la evolución
tecnológica, entre otras cosas.

La música busca abrirse nuevos caminos a través de una

transformación de todos sus elementos (melodía,
armonía, timbre, texturas, ritmos,instrumentos, etc.

Se producirán cambios tan radicales que la música

contemporánea a medida que avanza el siglo XX, se irá alejando del gran público y se
convertirá en una música minoritaria, pero a pesar de todo, su huella se puede
reconocer en gran parte de la música de hoy en día, incluso en las músicas más
comerciales.

ahora un pequeño ejemplo de como es la musica

contemporanea
En los contextos de las música clásica europea, la música contemporánea es la que se
ha creado a partir de la retirada delmodernismo musical a mediados de la década de
los setenta, sin embargo en ocasiones se suele incluir de forma más amplia a todos las
formas académicas de música post-tonal luego de la muerte de Anton Webern y el
término de la segunda guerra mundial. Es materia de un arduo debate si el término se
debería aplicar a música de cualquier estilo, o si se le aplica exclusivamente a
los compositores de música de vanguardia.

movimientos en la musica contemporanea

Movimiento Moderno

Muchas de las figuras claves del Movimiento Moderno aún existen o han fallecido
recientemente, y en la actualidad existe un núcleo de compositores, intérpretes y
aficionados extremadamente activos que continúan llevando las ideas y formas
del modernismo. Elliott Carter, Pierre Boulez y Lukas Foss por ejemplo, está activos
aún. Si
bien grandes escuelas de composición moderna, como la
delserialismo, no son ya el centro de la discusión
teórica, el período contemporáneo está iniciando el
proceso de ordenación del conjunto de elementos del
modernismo en busca de obras suficientemente valiosas
para ser incluidas en los repertorios.
El modernismo también se encuentra en la superficie o
en obras de un gran número de compositores, ya que la
atonalidad ha perdido mucha de su habilidad para
aterrorizar a los auditorios, y puesto que hasta la
música de películas utiliza secciones de música claramente enraizadas en el lenguaje
de la música modernista. La lista de compositores modernistas activos incluye aThomas
Adès, Harrison Birtwistle, Alexander Goehr, Magnus Lindberg, Gunther
Schuller y Judith Weir.

Postmodernismo
 El postmodernismo es una influencia fuerte en la música
contemporánea. Un crítico señaló que una manera fácil
de encontrar es buscar la palabra «nuevo» o los
prefijos neo- o pos- en el nombre de algún movimiento.
Sin embargo, en una era de los medios, de las
presentaciones sistemáticas, y las relaciones de poder
siguen siendo la realidad dominante para la mayoría de
las personas nacidas en las principales naciones
industrializadas, el postmodernismo parece mantenerse
como el modo más común de la expresión artística.

Poliestilismo

John Zorn (1953), músico estadounidense de origen judío, poliestilista y ecléctico que
ha trabajado en diversos estilos dentro y fuera de la música académica.
Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicas
musicales, y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del
siglo XX y se acentúa en el siglo XXI. Es importante
distinguir entre la actitud ecléctica, que es la de quien
recolecta material de diferentes fuentes de modo pasivo
y la actitud poliestilista, que es la de quien fusiona las
fuentes de modo coherente, deliberado y propio. El
compositor poliestilista no emplea necesariamente su
canon de estilo y técnica en un solo trabajo sino que en
el conjunto su obra se advierte diferentes "estilos". Esta
corriente, pese a haber sido anticipada en una temprana
tendencia que unificaba elementos de folk o de jazz en
trabajos clásicos, se desarrolla realmente desde finales
del siglo XX, y mientras más y más estilos entran en juego en el nuevo siglo, el
movimiento se hace cada vez más importante y diverso. Los compositores poliestilistas
han usualmente comenzado su carrera en una corriente para moverse a otra a la vez
que guardando elementos importantes de la anterior.
Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William
Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg,Arturo
Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín
Silvestrov, Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa oJohn Zorn.

Conceptualismo

Cuando Marcel Duchamp colocó un urinario en un museo de arte, produjo el golpe

más visible del arte conceptual. Una obra conceptual es un acto cuya importancia
musical se obtiene del marco más que del contenido de la obra. La música conceptual
encontró a su mejor representante en John Cage. Un ejemplo puede ser la obra 4’
33” (John Cage, 1952) que consiste sólo de silencios, la cual presentó el famoso
pianista David Tudor que se sentó al piano sin tcarlo realmente en ningún momento
durante los 4 minutos y 33 segundos. Otra obra importante de este estilo es 56
Blows (de Alvin Singleton), una obra que tiene la particularidad de haber sido
mencionada en un debate en el Senado de EE. UU.

Postminimalismo

La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la nueva

composición. Philip Glass ha continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras
que On the Transmigration of Soulsde John Adams (una obra coral en conmemoración
de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001) ganó un Premio
Pulitzer. Steve Reich ha explorado la ópera electrónica
y Terry Riley ha continuado activo escribiendo música
instrumental. Pero más allá de mismos minimalistas,
los tropos de la armonía triádica no funcional son ahora
un lugar común, incluso en compositores que no son
reconocidos como minimalistas propiamente dichos.
Muchos compositores están expandiendo los recursos de
la música minimalista al incluir ritmos e instrumentos
propios del rock y la música étnica (World Music),
serialismo, y muchas otras técnicas. Kyle
Gann considera los Time Curve Preludes de William
Duckworth como la primera pieza «posminimalista», y considera a John Adams como
un compositor «posminimalista» y no minimalista. Gann define el «posminimalismo»
como la búsqueda de una mayor complejidad armónica y rítmica por compositores
tales como Mikel Rouse, Roberto Carnevale y Glenn Branca. El posminimalismo es
también un movimiento artístico en pintura y escultura que empezó a finales de los años
sesenta.

Neorromanticismo

El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que floreció en los primeros

años del siglo XX continúa en el período contemporáneo, aunque no se le considera
chocante o controvertido como tal. Compositores que trabajan en la vena
neorromántica son, por ejemplo, George Rochberg y David Del Tredici. En la parte
final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos un nuevo resurgimiento del
neorromanticismo en Europa.
Espectralismo

La musica espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el

descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral
del sonido musical, en el origen de la percepción del timbre. El espectralismo se
originó en Francia en la década de los setenta alrededor de un grupo de compositores
agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey,Tristan Murail, Hughes
Dufourt y Michael Levinas). En Alemania tuvo repercusión y se formó un grupo de
investigación liderado por los compositores Johannes Fritsch, Mesias
Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier, y Clarence Barlow. En Rumania existió un
movimiento importante de esta tendencia liderado por ?tefan Niculescu, Horatiu
Radulescu, y Iancu Dumitrescu.
Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua
Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien Lévy, Magnus Lindberg, y Kaija
Saariaho permanecen desarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve
Lehman ha introducido técnicas espectrales en el campo de la música improvisada. El
movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias
contemporaneas de composición y en muchos de los compositores más
jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc
Hervé, Fabien Lévy oThierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus
Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco
Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por citar algunos.

Neotonalismo

El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como reacción ante el

atonalismo. Dentro de este género se engloban compositores que utilizan de nuevo la
tonalidad después de que ésta fuese marginada en gran medida por las corrientes del
género atonal contemporáneo. El neotonalismo es un movimiento muy amplio que
unifica y mezcla estilos muy diferentes, entre los cuales se pueden citar como
subgéneros de éste, el eclecticismo (o poliestilismo) y
el neorromanticismo citados más arriba. Un mismo
compositor neotonal puede contar dentro de su
producción musical con obras neorrománticas,
electrónicas o ecléctricas. En este género también se
emplean técnicas modernas como la electroacústica y
aparecen influencias ajenas a la música clásica
tradicional como pueden serlo el jazz, la música de cine,
étnica, e incluso el propio atonalismo del siglo XX,
confiriendo no sólo una gran riqueza a este tipo de
composición sino una libertad de expresión que quedó
truncada con la imposición de lo puramente atonal en la segunda mitad del siglo.
Existen muchos compositores, quienes habiendo iniciado sus composiciones en el
ámbito atonal, han regresado a esta forma, incluyendo elementos tradicionales que son
de una mayor aceptación por el público. Baste como ejemplos de compositores actuales
neotonales los citados más arriba: John Corigliano, John Rutter, Arvo Pärt, Henryk
Górecki y Astor Piazzolla. Y los españoles Pedro Iturralde, Manuel Alejandre, Juan J.
Colomer yRomán Alís.
musica contemporanea en latinoamerica
En el desarrollo musical actual, hay cierta faceta que no deja de estar presente en
diversas composiciones: un neo nacionalismo. Esto es sólo una faceta de todo lo que
envuelve a las obras de nuestro siglo apuntadas al escape del sistema tonal, pero se
siente un gran desarrollo en muchas obras, recurriendo
a recursos étnicos de cada región para saber llegar a un
objetivo.
En Venezuela, año 200, se realizó el "Congreso
Venezolano de Musicología 2000", organizado por la
Fundación Vicente Emilio Sojo (Funves) y la Escuela de
Artes de la Facultad de Humanidades y Educación de la
Universidad Central de Venezuela. Este congreso se
centró en la utilización de la música como expresión del
nacionalismo, y fomentó un trabajo etnológico en el
desarrollo del arte musical. Prioritariamente se
fomentaba el uso de instrumento éticos en las composiciones para imprimir un “sentir
de pertenencia” en sus creaciones. Así, con la utilización de instrumentos regionales
típicos y no sinfónicos derivan un sentir especial de la música, imprimen en esta algo
más que la utilización del sistema dodecafónico. Con este congreso se logró que 26 de
89 compositores venezolanos incluyeran en sus obras instrumentos propios de la
región, lo que representa un 30% de la producción nacional de la música. Esto
determina que ya es una tendencia concreta y viva, adherida a la música presente. Aquí
podemos tener un ejemplo perteneciente a nuestro país reflejado en el compositor
Carlos Zamora, el cual posee obras para Tarka e instrumentos de cámara. Por otro
lado, la última tendencia es la de agrupar los instrumentos pertenecientes a toda
latinoamérica, fusionando los sonidos, pero no en búsqueda de un significado
unificador de “razas”, si no mas bien una experimentación timbrística

bibliografia
http://www.arrakis.es/~enricang/literaria/ball/danzacontemporanea.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Danza_contempor%C3%A1nea

http://www.academiatimbal.com/Bailes/Danza_Contemporanea.htm