Una de las maravillas más representativas de los últimos tiempos es la importancia

que ha adquirido el cine. El cine, tiene una trascendencia inmensa, marca pautas
de comportamiento social, y juega un papel determinante en la sociedad. Ha
significado una verdadera revolución en las artes, la cultura y el pensamiento de la
especie humana.

ZULEMA HANI CARLOS E. RODRÍGUEZ ARANGO

Coordinadora Programa Difusión Cultural Coordinador Centro de Arte y Cultura

Louis Le Prince, inventor de las
imágenes en movimiento
Louis Le Prince, proyectó las primeras
imágenes en movimiento en una película
de papel con una cámara de lente única.
Ha sido mencionado como “el padre de
la cinematografía”, desde el año 1930.
Cámara de proyector de
cine abierta. (Science
Museum, London, 1930).
Desapareció misteriosamente de un tren el 16 de
septiembre de 1890. Su cuerpo y el equipaje nunca
fueron encontrados.
La policía encontró´ una fotografía de un hombre
ahogado que podía haber sido él. La desaparición de
Le Prince permitió a Thomas Edison, conquistar el
crédito por la invención del cine.
 Le Prince filmó secuencias de
imágenes en movimiento:
“Roundhay Garden Scene” y
“Leeds Puente”, escena de la calle
con la sola lente de la cámara y la
película de papel Eastman.
Estas secuencias fueron elaboradas
antes que aparecieran los inventores
Auguste y Louis Lumière y Thomas
Edison.
Roundhay Garden Scene, es un cortometraje breve
filmado por el inventor francés Louis Le Prince el 14 de
octubre de 1888 en el jardín de la casa de sus suegros
en Leeds.

En 1888, la ciudad de Leeds, Inglaterra,

se volvió parte de la historia del cine
como el lugar donde las primeras
películas fueron realizadas. Fue el lugar
donde Louis Aimé Augustin Le Prince,
demostró con éxito su invención por
primera vez y realizo las primeras
imágenes en movimiento de la historia. Leeds Bridge.
Ilustración de Georges Méliès, similar a la reproducida por el autómata en el filme
El cine considerado una atracción
menor, cambió su imagen cuando
George Méliès usó todos sus recursos
para simular experiencias mágicas,
creando rudimentarios pero eficaces
efectos especiales.

El cine ha desarrollado el lenguaje

cinematográfico, creando los géneros
y surgiendo así distintos movimientos
cinematográficos.
La idea de capturar el movimiento por Fragmento de la versión coloreada a mano de la película
medios mecánicos es muy antigua. Le voyage dans la Lune

Existieron antecedentes en la cámara

oscura, o el taumatropo. La técnica
para captar la realidad por medios
luminosos había sido ya desarrollada
por los inventores del daguerrotipo y
la fotografía, a mediados del XIX.
Desde 1830, los experimentos
ópticos como el fenantiscopio,
el zootropo y el praxinoscopio,
se diseñaron para demostrar o
explotar el fenómeno físico de
la persistencia de la visión. John
Paris utilizó su taumatropo en
1824 para demostrar este
efecto en el Real Colegio de
Físicos.

El Zootropo fue inventado

por el matemático
William George Horner
(1786-1837) que ideó Thomas Alva Edison junto a uno de
una tira de papel con sus primeros fonógrafos en 1878.
dibujos que colocados en
el interior de un tambor
giratorio provisto de Thomas Alva Edison, inventor de la
pequeñas hendiduras lámpara incandescente y el
permitía ver los dibujos fonógrafo, estuvo muy cerca
en movimiento. también de inventar el cine, al
patentar el kinetoscopio creado en
su laboratorio por William Dickson,
el cual, sin embargo, sólo permitía
funciones muy limitadas.
 Méliès, un prolífico innovador en el uso
de efectos especiales, descubrió
accidentalmente la sustitución del stop
trick ("truco de parar"), en 1896, y fue
uno de los primeros cineastas en
utilizar múltiples exposiciones, la
fotografía en lapso de tiempo, las
disoluciones de imágenes y los
fotogramas coloreados a mano.

Fotograma de Le Voyage á Travers de L´Impossibe, 1904

Fotograma de el viaje a la luna (1902)

Gracias a su maestría para emplear y
transformar la realidad a través de la
cinematografía, Méliès es recordado
como un «mago del cine". Dos de sus
películas más famosas, “Viaje a la
Luna” (1902) y “El viaje imposible”
(1904), las cuales narran viajes
surreales y fantásticos, inspirados por
Julio Verne, son contempladas entre
las más importantes e influyentes del
cine de ciencia ficción.
Méliès fue también un pionero del cine
de terror con su temprana película
“Le Manoir du Diable” (1896).

Le Manoir du Diable (1896).


“La invención de Hugo” es un magnifico viaje
a la luna de los sueños cinematográficos que
actúa como una transcripción de la belleza de
contar historias y revivir las fantasías que
habitan en la mente.
La historia nos llevará por un
fantástico viaje a través de la
historia del cine y la literatura
para descubrir la identidad real
de George Méliès, el director de
cine francés, autor de “Le
Voyage Dans La Lune” (Viaje
a la Luna), de 1902.
Sin pretender desvelar ninguna intriga,
hay que referir que La invención de
Hugo comienza contando la vida de
Hugo Cabret, un niño que vive
escondido en los rincones
impenetrables de la estación de tren
de París y que busca las piezas
necesarias para arreglar un viejo
autómata, una figura mecánica que su
padre fallecido trágicamente, ha
dejado sin restaurar.

Hugo con el autómata

.

La película es una lección de cine con movimientos de

cámara y decisiones de montaje que aprovechan todas las
ventajas de la nueva técnica.

Hugo sobrevive robando comida y

escabulléndose del inspector jefe de la
estación hasta que conoce a Isabelle,
empedernida lectora y amante de la
aventura, que ayudará a Hugo a resolver
el enigma del autómata descrito en una
pequeña libreta que ha tomado su papá
La invención de Hugo es una dedicatoria al
George, el viejo y amargado propietario autor de la novela, Selznick, que Scorsese,
de la tienda de juguetes de la estación. evoca con maestría.
El 28 de diciembre de 1895, el cine
fue oficialmente inaugurado como
espectáculo en París, en el Salón
Indio del Grand Café, en el número
14 del bulevar de los Capuchinos de
París donde se proyectó la primera
película cinematográfica de la
historia.

Allí los escasos asistentes tuvieron
ocasión de admirar varias escenas
grabadas por los hermanos Lumière,
entre ellas la célebre “Llegada de
un tren a la estación Ciotat”.
El público que asistía por primera vez en la historia a
la magia cinematográfica salió corriendo por el
pánico al ver que se les lanzaba un tren encima. La
imagen de la locomotora en marcha, habría de
convertirse en una acertada metáfora del progreso de
un nuevo arte, que se encargaría de desmentir el frio
vaticinio de sus autores: "El cine es un invento sin
futuro".
 .

A partir de 1892, los hermanos Lumière

comenzaron a fotografiar imágenes en
movimiento.
Crearon el cinematógrafo, un aparato
“Salida de los obreros de la fábrica Lumière en
que servía como cámara y como Lyon Monplaisir”
proyector. Este proyector estudiaba el
efecto de las imágenes sobre el ojo
humano.
El 13 de febrero de 1894, fue patentado
y en el mismo año se rodó la primera
película, exhibiéndola al año siguiente
en París: “Salida de los obreros de la
fábrica Lumière en Lyon
Monplaisir”, en una sesión de la
Société d'Encouragement à l'Industrie
Nacional. El cinematógrafo Lumière abierto
 AUTOCHROME LUMIÈRE
En 1907 se pusieron a disposición del
público en general los primeros
materiales comerciales de película en
color. Consistían en unas placas de
cristal llamadas Autochrome Lumière en
honor a sus creadores, los franceses
Auguste y Louis Lumière. En esta época
las fotografías en color se realizaban
con cámaras de tres exposiciones.
. Fotograma de La llegada de un tren a la estación

El 28 de diciembre de 1895 en París, se

oficializa el inicio del cine en el Salón
Indien du grand café, donde se
proyectan las cintas “Llegada de un
tren a la estación de la Ciotat” o
“El regador regado”.

El cine comenzó su historia a modo de

documental, como testigo objetivo de
la vida cotidiana. Imagen por Louis Lumière, Autochrome 1907
 Después del estreno de la película “El
cantante de jazz”, las películas
habladas fueron cada vez más
habituales y diez años después, el
cine mudo prácticamente había
desaparecido.

Primera película con

diálogos sonoros que
utilizó el sistema sonoro
"Vitaphone" (grabación
de sonido sobre un
disco). A partir de ese
momento, el cine cambia
de manera radical,
Fotograma de “El Jardín de Roundhay”
excepto con algunos
La primera película muda fue creada directores de cine
nostálgicos de un cine
por Louis Le Prince en 1888. Era un mudo que, según ellos,
filme de dos segundos que mostraba se bastaba a sí mismo.
Desde entonces, las
a dos personas caminando alrededor comedias musicales se
de “El jardín Roundhay”. multiplicaron.
 El cine mudo no podía servirse de audio
sincronizado con la imagen para
presentar los diálogos, por esta razón,
se añadían títulos para aclarar la
situación a la audiencia o para mostrar
conversaciones importantes.
El escritor de títulos se convirtió en un
profesional del cine mudo, hasta tal
punto que a menudo se le mencionaba
en los créditos al igual que al guionista.

Intertítulo del film El nacimiento de una nación

(1915), de D.W. Griffith.
Los intertítulos constituyeron un recurso de primer
orden en el cine mudo donde fueron profusamente
utilizados para transcribir los diálogos.
El primer uso conocido de intertítulos data de 1901,
del film británico Scrooge, o el espectro de Marley.

El arte de la cinematografía alcanzó su

plena madurez antes de la aparición de Fotograma de El hombre de la cabeza de goma
las películas con sonido. (1901)
 Algunos órganos de teatro tales como
la famosa Rudolph Wurlitzer
Company, podía simular algunos
sonidos de orquesta junto con un
gran número de efectos sonoros.

También en ocasiones había un

narrador que, con voz en off, relataba
los intertítulos o describía lo que iba
En los comienzos de la industria ocurriendo.
cinematográfica la música era parte
esencial de las películas, para ambientar En los comienzos del cine mudo, las
la acción que transcurría en la pantalla. partituras utilizadas fueron a menudo
improvisadas o se utilizaba música
Los cines de ciudades pequeñas clásica o repertorio teatral.
normalmente tenían un pianista para
acompañar la proyección; los de Una vez los largometrajes se hicieron
ciudades grandes podían tener habituales, la música fue recopilada
organistas o incluso orquestas en la llamada Música de Photoplay,
completas, que podían añadir efectos de que estaba específicamente realizada
sonido. para acompañar a los films.
 Algunas películas dan la impresión
que los actores sobreactúan de
manera exagerada.
Debido en parte a esto, las comedias
mudas tienden a ser más populares
actualmente que los dramas, porque
la sobreactuación resulta más natural
en una comedia.

Charles Chaplin, es recordado como un ícono del

cine mudo y universal.

El cine mudo requería mayor énfasis en

el lenguaje corporal y en la expresión
facial, para que la audiencia pudiera
comprender mejor lo que un actor Nosferatus el vampiro, una película muda de
estaba representando en la pantalla. 1922 dirigida por F.W. Murnau.
La mayoría de las películas en la etapa
del cine mudo entre 1895 y 1927
estaban rodadas en blanco y negro. En
1896, comenzaron los experimentos
pintando a mano, cada fotograma a
veces con cuatro colores distintos.

La tarea era complicada por el tamaño La proyección de Maxwell

reducido de los fotogramas y porque
una película normal, de menos de un
minuto empleaba unos 1.000
fotogramas. En 1905 Pathé acopló al
proceso de coloreado medios
mecánicos.
Los avances más importantes y definitivos se
lograron utilizando los descubrimientos de la
fotografía en color, basados en la teoría de Maxwell,
(1871). Era necesario superponer fotografías (roja,
azul y verde) y proyectarlas mediante tres lámparas
sobre una sola pantalla.
La compañía Technicolor comenzó a dar
sus primeros pasos en el rodaje a color
natural en la etapa del cine mudo, y así
estrenó su primer proceso de color en
1917, para la película “The Gulf
Between”, la primera película filmada
en color en Estados Unidos.

Sinfonías tontas

El primero en utilizar el nuevo

The Gulf Between
procedimiento fue Walt Disney para
sus “Sinfonías tontas” de 1932, y
siguió usándolo para muchos de sus
restantes dibujos animados. Se
considera que el primer largometraje
en verdadero technicolor fue “La
feria de la vanidad” (Beeky Sharp,
1935), de Rouben Mamoulian.
 Clásicos del cine mudo como “Los
diez mandamientos” (1923), “The
Phantom of the Opera” (1925) o
“Ben-Hur” (1925) contenían
escenas rodadas en color.
El proceso de Technicolor continuó
utilizándose más allá del cine mudo
durante los primeros años del cine
sonoro hasta que la gran depresión
redujo el número de rodajes al
mínimo y volvió a estandarizarse
Escena de El fantasma de la ópera de 1925 filmada
en Technicolor
durante algunos años más el blanco
y negro.

Ben- Hur de 1925

filmada en Technicolor

Los diez mandamientos (1923)

 En 1937, la enorme acogida que estaba
obteniendo Blanca Nieves y los 7
enanitos, de Walt Disney, animó a
Selznick a filmar con grandes riesgos
“Lo que el viento se llevó” en 1939.
En 1939 también Victor Fleming,
terminó “El Mago de Oz”, muy costosa
en su producción y que tampoco fue
ningún éxito comercial debido a los
grandes costos del technicolor.

El Mago de Oz,1939, realizada por

Blanca Nieves y los siete Enanitos (1937) Víctor Fleming.
 En los años cuarenta, los estudios
ignoraron las filmaciones a color y
Technicolor.
Los estudios para almacenar elementos
destruyeron los negativos de las
filmaciones, provocando que la mayoría
de películas a color de este periodo se
perdieran o sólo se conservaran copias
en blanco y negro.

Lo que el viento se llevó, novela escrita por la

Robín de los Bosques, realizada en 1938, costó más
de un millón y medio de dólares, en su mayor parte
en escenarios naturales.
,
autora Margaret Mitchell; es uno de los libros más
vendidos de la historia, un clásico de la literatura
de los Estados Unidos y debido a su adaptación al
cine es uno de los más grandes iconos o mitos de la
cultura popular contemporánea.
 Las cuatro plumas,1939, de Alexander Korda

La Segunda Guerra mundial afectó

gravemente la industria del cine a color,
sobre todo en Gran Bretaña, que había
producido varias películas de éxito como
“Las cuatro plumas” (The Four
Feathers, 1939), y “El ladrón de
Bagdag” (1940), de Alexander Korda.
El color volvió a ser masivo en la década
de 1950, buscando contrarrestar los
efectos de la televisión sobre los
El ladrón de Bagdag (1940), de Alexander
espectadores. Korda
 La historia toma lugar en Hollywood,
entre 1927 y 1932, y está enfocada en la
relación de una vieja estrella del cine
mudo y una exitosa actriz joven, cuando
el cine mudo pasó de moda y fue
reemplazado por el cine sonoro.

“El Artista” llamó la atención del mundo entero por

su original formato: cine blanco y negro y a su vez
es una película sobre el cine mudo. El Artista,
filmada en el 2011, con algunos elementos de los
pioneros años 20.

El Artista, película francesa de drama y
comedia romántica en el estilo de una
película muda en blanco y negro. Escrita
y dirigida por Michel Hazanavicius.
Los actores, desde Jean Dujardin hasta Uggie, el
perrito., logran equilibrar el estilo de actuación de
la época, con gestos exagerados y sobreactuados
para compensar la falta de sonido, pero sin perder
por ello la naturalidad en sus papeles.
Debido a la primera guerra mundial,
Europa sufre una decadencia que
marcó la pérdida de su dominio
internacional en el cine. Aun así, tras
la guerra, se crearon obras maestras
que iban a hacer escuela.
Hasta 1914, productoras como la
Gaumont, la Pathé o la Itala films,
dominan los mercados internacionales.

El expresionismo fue el movimiento

más importante en estos años, cuyo
punto de partida suele fijarse con la
película “El gabinete del doctor
Caligari” (1919), y cuya estética
extraña y alienada respondía a los
miedos de la Europa de la postguerra,
seguida después por “Nosferatus, el
vampiro” (1922).
 El lenguaje cinematográfico nace
con Griffith, en Estados Unidos, con
las películas “El nacimiento de
una nación” e “Intolerancia”.
En “El acorazado Potemkin”,
Sergéi Eisenstein, mezcla imágenes
imprevistas para estimular una
asociación emocional o intelectual en
el público.

La técnica de contar una historia en

imágenes sufre una gran evolución. A
medida que transcurre el tiempo, los
directores desarrollan técnicas con los
movimientos de la cámara, y en los
filmes históricos como “Quo Vadis” y
“Cabiria” se comienza a trabajar sobre
Fotograma del film Intolerancia de David Wark
escenarios tridimensionales. Griffith.
El cine, como expresión artística, cuenta
con movimientos o corrientes a lo largo
del siglo XX. Las escuelas rompen con
los estilos anteriores, y pronostican un
auge de los estilos antecesores.
El cine de Vanguardia rompe con la
narrativa del cine convencional y las Quo Vadis
corrientes vanguardistas cuestionan los
modos tradicionales de producción,
difusión, exhibición y consumo de los
objetos artísticos, y recurren a
cuestiones relativas a la modernidad.

El acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein

Poster oficial de la película,1926.
.
El cine impresionista confiere
importancia a la emoción y a la
narración psicológica, la expresión de
sentimientos y los estados de ánimo
de los personajes. Una de las películas
más representativas del movimiento
es “La Rueda” (1922) de Abel Gance.
Originario de la poesía y de las artes
plásticas, el cine surrealista mantiene
varias de sus características: creación al
margen de todo principio estético y
moral, la fantasía onírica, el humor
desaprensivo y cruel, el erotismo lírico,
la deliberada confusión de tiempos y
espacios diferentes.

Sus realizadores lo utilizan para

escandalizar y exterminar una sociedad
burguesa mezquina y sórdida.

Le otorgan a las imágenes un valor en sí

mismas, recurriendo a los fundidos,
acelerados, cámara lenta, uniones
arbitrarias entre planos cinematográficos
y secuencias.
También, en paralelo al movimiento surrealista
en pintura y literatura, surgió un cine surrealista,
cuyo exponente más célebre es Un Perro Andaluz
y La Edad de Oro, ambas dirigidas por Luis
Buñuel en colaboración con el pintor surrealista
Salvador Dalí.
 Se evidencia la crisis moral, toma
importancia el tema de la muerte,
aparecen personajes que ejercen algún
tipo de violencia física y moral, etc.
En las creaciones de la cinematografía La mayoría de los dramas psicológicos
expresionista predomina el tema de lo del expresionismo están ligados a la
fantástico y el drama social y crítica social, donde el pueblo es el
psicológico, donde se expresa una protagonista, lo que ayuda al
inestabilidad y angustia existencial. espectador a identificarse más
fácilmente con los personajes del film.

El gabinete del Dr. Caligari, (1919), de Robert Wiene,

abrió las puertas a una producción cinematográfica
artística casi inexistente en Alemania y que daría las
pautas estéticas y las temáticas que guiaran el camino
del resto de los realizadores expresionistas.

Cartel de El hombre de la cámara
El Cine-Ojo, es una teoría creada por el
documentalista soviético Dziga Vertov,
que será el fundador del noticiario Cine-
Verdad o Kino- Pravda.
El Cine – Ojo, consigue una objetividad
total e integral en la captación de las
imágenes. Rechaza el guión, la puesta
en escena, los decorados y a los actores
profesionales.
Fotograma de El hombre de la
cámara
El Cine-Ojo de Vertov es más una actitud filosófica
que una proposición técnica, que busca a través del
lente del cinematógrafo, captar las acciones de la
vida, utilizando los métodos más sencillos para el
rodaje, violando si es preciso, todas las leyes y
hábitos que requieren la construcción de un film.
Cinéma Pur, fue un movimiento
vanguardista nacido en París en la
década de 1920 y 1930.
El término fue acuñado por Henri
Chomette para definir un cine que se
centró en los elementos puros del arte
cinematográfico, como la forma, el
movimiento, la composición visual y el
ritmo, algo que realizó en sus cortos
“Reflets de Lumière et de vitesse”
(1925) y “Cinq minutes de Cinema
Pur” (1926).

Man Ray, pionero en la técnica de la filmación sin

cámara, exponiendo tramos de película a la luz luego U.S. photographer and filmmaker Man Ray
espolvoreándola con alfileres, granos de sal y otros (pictured here in 1934) was part of the Dadaist
objetos comunes. Emak Bakia se mantiene luego de “Cinema Pur" film movement, which influenced the
casi 80 años de su realización. development of art film
 El movimiento incluyo a muchos
artistas dadaístas, como Man Ray
(Emak Bakia, Retorno a la razón),
René Clair (Entreacto), Fernand
Leger (Ballet Mécanique), Marc
Allegret, Jean Gremillon, Dudley
Murphy, y Marcel Duchamp (Anémic
Cinéma).

Ballet Mécanique, fue originalmente escrita para

acompañar una película dadaísta del mismo nombre,
dirigida por Dudley Murphy y Fernand Léger con
fotografía de Man Ray., Aunque la película fue
prevista para usar la música de Antheil como banda
sonora, las dos partes no se unieron hasta los
noventas. Como una composición, Ballet Mécanique
es el trabajo más conocido y perdurable de Antheil.
Se mantiene famoso por su estilo e instrumentación
radical así como por su argumento. La película fue Anémic Cinéma, es una película dadaísta de
estrenada el 24 de Septiembre de 1924 en Viena y Marcel Duchamp. Consiste en una serie de
presentada por Frederick Kiesler, mas tarde un juegos de palabras con frases sin sentido escritas
famoso arquitecto. Mientras tanto, la música de alrededor de patrones de espirales que rotan
Antheil para Ballet Mécanique se transformo en una creando un efecto casi hipnótico.
pieza de concierto, estrenada por el mismo Anthiel en Anémic Cinéma, tuvo su estreno en un sala
París en 1926. privada de Paris.
El Neorrealismo italiano fue un
movimiento cinematográfico surgido en
Italia durante la posguerra de la
Segunda Guerra Mundial, cuyos
principales representantes fueron
Roberto Rossellini, Luchino Visconti y
Vittorio de Sica.
El neorrealismo es el movimiento del
cine italiano que ha conquistado mayor
fama en todo el mundo, y para muchos
críticos constituye la mayor contribución
de Italia a la historia y desarrollo de la
cinematografía mundial.
Los precursores más significativos del neorrealismo
fueron Toni, de Renoir, de 1935 y la película Napoli,
La fine dei Borboni, de Blasetti, realizada en 1934.
El neorrealismo adquirió resonancia mundial por
primera vez con Roma, città aperta, de Roberto
Rossellini (1945), primera película importante
realizada en Italia tras el fin de la guerra.
 Los orígenes del cine underground
estadounidense se sitúan en la
década de 1940, en la ciudad de
Nueva York, ya que Estados Unidos
era considerado la cuna del
modernismo, el desarrollo económico
y el liberalismo.
El cine underground es una clase de
cine artesanal, no necesariamente
narrativo, con una elevada
autoconciencia artística y con
recursos de distribución propios.
En este período se produjo una fuga
masiva de intelectuales y artistas de
Europa a Estados Unidos de América
que huían del nazismo.
El logo para la exposición del trabajo de Anger
celebrada en Londres, 2010.

El cine underground estadounidense es

una corriente cinematográfica inscrita Maya Deren
dentro de las vanguardias, directamente
opuesta al cine clásico de Hollywood.
 Su película más destacada es
“Meshes of the afternoon”, que
parte de lo onírico en el cine y la
pintura europea y hace de la mujer la
protagonista, interpretada por ella
misma.

Meshes of the afternoon, 1943

Maya Deren fue la primera directora de

cine estadounidense que visitó institutos
y universidades para dar a conocer el
cine experimental. La autora definía sus
propias obras con el término "películas
de cámara", puesto que sus películas no
llegaban a un público amplio, sino a un Meshes of the afternoon. Maya Deren fue la
público íntimo. No aspiraba a exhibirlas primera directora de cine underground de los
Estados Unidos y una de las grandes impulsoras
en los grandes cines, pero tampoco a la del cine experimental y vanguardista del
marginalidad. continente.
 Escena de Sueño de una Noche de Verano, 1935.
Otra gran directora fue Kenet Anger.
El cine de Anger se basa en las
alusiones directas del ocultismo, el
escándalo, el mal, la violencia y el
fascismo.
Su obra más importante es la película
“Fireworks”.
Otra de sus películas fundamentales
es “Scorpio Rising” (1964), en la
que hace referencia continua a
elementos fascistas y a experiencias
relacionadas con el satanismo y el
ocultismo.
 El cine de realidad a causa de las
ataduras entre su estilo y los
aspectos narrativos permite un
realismo subjetivo.

Pionero del cine independiente norteamericano y

Peter Falk y Gena Rowlands, en Una Mujer Bajo la precursor del cinema verité, John
Influencia Cassavetes (1929-1989) intentó siempre a lo
largo de sus películas encontrar la esencia de las
relaciones humanas una vez desposeídas estas de
El cine de realidad, es un estilo de cine las ceremonias sociales y los rituales de la vida
que encorsetan y automatizan al individuo.
que inició como una reacción hacia el John Cassavetes en el tráiler de Edge of the City
sistema clásico de hacer películas. (1957).
 Esto puede ser como una
construcción artificial de la realidad,
ya que nada que no ayude al
espectador a entender claramente lo
que esta ocurriendo será incluido en
la película.

Still of John Cassavetes and Robert

Taylor in Saddle the Wind

En la forma clásica de Hollywood, la

película es dictada por la narrativa, cada
situación que transcurre en una película
clásica hace avanzar la narrativa. Todos
los personajes presentados son agentes
causales en la narrativa, y los clásicos
son saturados con imágenes
redundantes, expresiones verbales o Alice es una película de 1990 escrita y dirigida por
símbolos para obtener el mensaje a Woody Allen y protagonizada por Mía Farrow, Joe
Mantegna y Alec Baldwin. Fue una de sus
través del espectador. películas más exitosas comercialmente.
Nouvelle vague es la denominación que
la crítica utilizó para designar a un
nuevo grupo de cineastas franceses
surgido a finales de la década de 1950.
Los nuevos realizadores reaccionaron
contra las estructuras que el cine
francés imponía hasta ese momento y
consecuentemente postularon como
máxima aspiración no sólo la libertad de
expresión, sino también libertad técnica
en el campo de la producción fílmica.

El apelativo Nouvelle vague surge cuando muchos de

los críticos y escritores de la revista especializada
"Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine) -fundada en
1951 por André Bazin- deciden incursionar en la
dirección de filmes hacia finales de los años cincuenta,
tras haber desempeñado la profesión de guionistas
durante los años precedentes. Tales son los casos de
François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette,
Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su
precursor Jean Pierre Melville.
La Nouvelle Vague comienza a tomar
forma en 1958, cuando Claude
Chabrol dirige dos películas. Serán las
obras de Truffaut “Los 400 golpes”
(1959) y Alain Resnais con
“Hiroshima Mon Amour” (1959).

Películas que despertaron la atención

y sentenciaron el advenimiento del
nuevo fenómeno cinematográfico.

Los jóvenes realizadores e impulsores

de la Nouvelle Vague se caracterizaron
por poseer un bagaje cultural
cinematográfico, obtenido en las
Escuelas de Cine y en la Cinemateca
Francesa, por forjar su estilo a través
de la crítica, por hacer referencias y
citas de homenaje a sus realizadores
más admirados, sobre los que incluso
han escrito libros.
 Por tratar en sus películas la condición
humana desoladoramente aislada en el
marco de la sociedad pequeño
burguesa de la posguerra y por
considerar el cine como una especie de
autoconocimiento personal, por lo que
en sus películas aparecen claras
referencias personales.

Por ser defensores de el cine

norteamericano de Howard Hawks, John
Ford, Alfred Hitchcock y Samuel Fuller,
así como también el cine realista y visual
de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques
Tati, Max Ophuls.

Por su preparación teórica y el deseo de

renovar el cine les impulsó a redescubrir
la “mirada” de la cámara y el poder
creador del montaje, pues se reconocían
férreos admiradores de Orson Welles.
Free Cinema fue un movimiento
cinematográfico británico que nació en
los años 1950 y se prolonga hasta la
década de 1960. Se caracteriza por
implementar una estética realista en el
cine de ficción y el documental. Realiza
historias creadas a partir de lo cotidiano,
Becky Sharp (1935) es una película americana de
se compromete con la realidad social y drama histórico dirigida por Rouben Mamoulian y
reacciona ante la artificialidad narrativa protagonizada por Miriam Hopkins. Se basa en la
obra homónima de Langdon Mitchell, que a su vez
de Hollywood y a la dramaturgia se basa en la novela de William Makepeace
británica. Thackeray Vanity Fair.
El Free Cinema busca, siguiendo la
línea del cine documental y del
neorrealista italiano, acercarse a los
seres anónimos de la sociedad,
mediante un tipo de cine rodado con
pequeños equipos y al margen de los
estudios, con un costo inferior al de un
simple noticiario y empleando la
música de jazz para sus bandas
sonoras.

Famosa escena del cine de terror Nosferatu

(1922).
Dada la proximidad cultura e idiomática de Gran Bretaña con Hollywood, éste fue el país europeo que más dejó
sentir la influencia del gigante americano en su cinematografía. El trasvase de actores, directores y guionistas
fue constante. Actores británicos e irlandeses, como Julie Christie, Albert Finney, Glenda Jackson, Richard
Harris, Peter O'Toole, Alec Guinness o Vanessa Redgrave se hicieron muy populares.

La industria del cine inglés sufrió las consecuencias de la arrolladora expansión de la

televisión en Europa. Ante este retroceso y con la imposibilidad de competir con los
colosos americanos, el cine inglés busca nuevas soluciones y una de ellas será la de
actualizar el cine de terror, esta vez con el empleo del color, que va a permitir crear
efectos cromáticos tenebrosos.
 “Together”, de Lorenza “O Dreamland”, de Lindsay “Momma don´t allow”, de
Mazetti” Anderson Karel Reisz y Tony
Richardson
Paralelamente a la Nouvelle vague, en
Gran Bretaña los jóvenes cineastas
sentían un deseo de renovación y vuelta
a la realidad. Los primeros títulos del
nuevo cine serán “Together”, de
Lorenza Mazetti, triste historia sobre
una pareja de sordomudos; “O
Dreamland”, de Lindsay Anderson,
estudio sobre los visitantes de un
parque de atracciones y “Momma
don´t allow”, de Karel Reisz y Tony
Los cineastas del Free cinema estaban más
Richardson, crónica de una velada en próximos a la realidad y reivindicaban cambios
un club de jazz por parte de un grupo sociales concretos; rechazaban el conformismo y la
hipocresía de la tradición monárquica inglesa.
de jóvenes.
El New Queer Cinema es un movimiento cinematográfico nacido dentro del cine
independiente de Estados Unidos a principios de los años 90.
Los directores de este movimiento se caracterizaron por su aproximación a la cultura
Queer y su cine pretendía ser un antídoto frente a las películas que buscaban dar
imágenes endulzadas de la homosexualidad, tales como “Maurice” (James Ivory,
1987), “El banquete de boda” (Ang Lee, 1993) o “Philadelphia” (Jonathan
Demme, 1993).
La expresión New Queer Cinema fue
utilizada por primera vez por la
periodista B. Rudy Rich en un artículo
publicado en 1992 en la revista británica
Sight & Sound. En dicho artículo se
analizaba la numerosa presencia de
películas con temática homosexual en
los festivales de cine del año anterior.
Algunos de estos films fueron “Young
Soul Rebels” (Isaac Julien, 1991),
“Poison” (Todd Haynes, 1990),
“Eduardo II” (Derek Jarman, 1992) y
“Swoon” (Tom Kalin, 1992).
 Algunos historiadores se remontan a
la prehistoria, en la que, mediante
pinturas rupestres, se intentaba
expresar movimiento.
Otros descubrimientos posteriores, en
Egipto y en Grecia corroboran esta
tendencia a representar diferentes
fases del movimiento en su arte.

Bisonte de Altamira, (Cantabria), España.

La idea de recrear la ilusión del

movimiento con una serie de dibujos es
más antigua que el nacimiento del cine.
 Proyección de linterna mágica

El primer intento que se conoce de

una animación mediante la proyección
de imágenes data de 1640, cuando el
alemán Athanasius Kircher inventó el
primer proyector de imágenes, la
«linterna mágica», en la que,
mediante grabados en cristales, era
capaz de proyectar diferentes fases
consecutivas del movimiento,
cambiando los cristales de forma
Linterna mágica mecánica.

Phenakistoscopio
El primitivo mundo de la animación
estuvo estancado hasta 1824, cuando
Peter Mark Roget descubrió el principio
de persistencia de la visión, fundamento
en el que se basan todas las imágenes
proyectadas que conocemos hoy en día.
Demostraba que el ojo humano
retiene la imagen que ve durante el
tiempo suficiente para ser sustituida
por otra, y así sucesivamente, hasta
realizar un movimiento completo,
como se ve en su “taumatropo”.
Aunque fueron muchos los inventos
nacidos a la sombra del principio de
persistencia de la visión, ninguno
pasó de la categoría de juguete hasta
la llegada del «Phenakistoscopio» de
Joseph Antoine Plateau, en 1831, en
el que conseguía plasmar un
movimiento completo mediante el uso
de dibujos.
Entre las bases del origen de la
animación está el mismo juego de
sombras y la proyección de siluetas
de papeles recortados creados por la
cultura china.

Recreación de Émile Reynaud proyectando Pauvre
Pierrot
La animación apareció antes que el
propio cinematógrafo. En 1888 el francés
Émile Reynaud, padre del cine de
animación, inventó el praxinoscopio, uno
de los muchos juguetes ópticos de la
época, en el cual se utilizaba una técnica
pre-cinematográfica de animación.
Posteriormente lo perfeccionó con su
teatro óptico, que permitía proyectar
películas animadas dotadas de
argumento en una pantalla para un
público y, acompañadas de música y
efectos sonoros, mantuvo un
espectáculo de dibujos animados
desde 1892 hasta finales del siglo
XIX. De su producción, en la
actualidad se conserva “Pobre
Pierrot”, de 12 minutos de
duración.
Praxinoscopio
 “Fantasmagorie”, a still from the film

El siguiente pionero del cine de

animación fue el francés Émile Cohl, que
desde 1908 realizó los primeros
cortometrajes de dibujos animados,
entre los que se destaca
“Fantasmagorie”, de un minuto y
veinte segundos de duración. Otro
pionero fue George Méliès, el cual utilizó
en sus filmes abundantes efectos
realizados con técnicas de animación. Personajes de Autour d'une cabine (1895).
Durante la época del cine mudo y los primeros años del cine sonoro aparecieron las principales formas del cine
de animación.
Durante el cine mudo, las películas más
comerciales, destinadas al público
masivo, fueron las producidas por Walt
Disney o las que incluían personajes
como Popeye o Betty Boop, y la de los
artistas de vanguardia que contemplaron
la animación como una extensión de las
artes plásticas y realizaron obras
experimentales como Oskar Fischinger
y Len Lye.

Un Cel original de El hundimiento del Lusitania,

firmado por Winsor McCay.

Innumerables modalidades, desde los

cuentos tradicionales en adversos
muñecos animados por Ladislaw
Starewicz hasta el reportaje animado
sobre “El hundimiento del
Escena de la venganza del cámara (1911) Lusitania” de Winsor McCay.
El primer largometraje de animación fue
mudo y argentino “El apóstol” (1917)
de Quirino Cristiani. Otros largometrajes
tempranos fueron “Die abenteuer des
Prinzen Achmed”, (Alemania, 1926)
de Lotte Reiniger y Le roman de Renard
(Francia, concluida en 1930 pero
estrenada en 1937) de Starewicz.
Finalmente, en 1937 Walt Disney
estrenó “Blanca Nieves y los siete
enanitos”.

El Apóstol, es una sátira política dirigida al

entonces Presidente de Argentina, Hipólito
Las aventuras del príncipe Yrigoyen y tiene la peculiaridad de ser la primera
Achmed (1926). película animada en la historia del cine.
 Los soldados decoraban las bombas
y los aviones con dibujos de
"Ducktators".
Después de la Segunda Guerra
Mundial, sobrevino un importante
desarrollo de lo que ya era la
Industria del Cine de Animación.
Anteriormente a la II Guerra Mundial, la
animación era usada como arma política,
en la que se ridiculizaba a los grandes
dictadores de la época. Durante la
guerra, eran populares entre los
soldados americanos las proyecciones y
las tiras cómicas de "Ducktators", una
serie de cortometrajes de Warner
Brothers.
 La primera gran figura de este
desarrollo fue la del animador checo
de marionetas Jiri Trnka, un artista
popular.

Historia De Un Contrabajo (1949)

El Ruiseñor del Emperador (1949

En los países del bloque comunista, el

Estado promovió intensamente la
animación.
El Saltador y los
Esto permitió a muchos animadores Hombres de la
trabajar sin presiones comerciales y SS (1946)
crear obras de inmensa variedad y
riesgo.
 Fotograma de El Gato con Botas

Laugh-O-Gram Films dedicada a

realizar cortometrajes animados
basados en cuentos de hadas
La historia tradicional de la Cenicienta en la década
de 1920, creada por Walt Disney. populares y relatos para niños, como
“La Cenicienta” y “El Gato con
En 1922, Walt Disney, fundó la Botas”.
empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., Los cortos se hicieron famosos en la
teniendo como colaboradores a zona de Kansas City, pero sus gastos
Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, de producción excedían a los ingresos
Carmen Maxwell, y Friz Freleng. que proporcionaban.
 al mejor cortometraje de animación.
En 1935, realizan los cortometrajes a
color y comienzan a aparecer nuevos
personajes, como el Pato Donald,
Goofy y Pluto.

El 15 de mayo de 1928, en Plane Crazy,

aparece cinematográficamente el ratón
Mickey. En enero de 1930 fue adaptado
al cómic, en una tira de prensa con
guion de Disney y dibujos de Iwerks.
Walt Disney ,recibe el Oscar honorífico
por la creación del ratón Mickey, y, en Silly Symphonies fue una serie de cortometrajes
1932, estrena su primera película a animados producidos por Walt Disney Productions
entre 1929 y 1939. A diferencia de las series de
color, “Flowers and Trees”, de la serie Mickey Mouse, Silly Symphonies no usaba
"Silly Symphonies", obteniendo el Oscar personajes continuos.
Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs en el título original), es una película de
animación de Walt Disney basada en el cuento Blancanieves y los siete enanitos de los hermanos Grimm. Es el
largometraje nº 1 de la lista oficial de los clásicos animados de Disney.
“Blanca Nieves y los siete enanitos”
fue el primer largometraje animado,
sonoro, de dibujos animados a color en
la historia del cine y con mayor éxito de
taquilla en 1938, con unos ingresos de
8 millones de dólares en su estreno, lo
cual la academia le otorgó a Walt
Disney un Oscar honorífico y siete
estatuillas diminutas.
En 1940, los estudios produjeron otros
dos largometrajes: “Pinocho” y
“Fantasía”.

La Cenicienta.
Disney dominó la animación para cine.
A finales de esa década, el estudio
realiza la producción de “La
Cenicienta”, siendo el primer auténtico
largometraje producido por los estudios
Disney desde “Bambi”, en 1942.
Continuando con “Alicia en el país de
las maravillas” (1951) y “Peter Pan”
(1953).
Ambos filmes fueron muy criticados por
suavizar las obras originales —de Lewis
Carroll y James M. Barrie.

Ilustración del capítulo XII: cuando Alicia se levanta

para testificar en el juicio, derriba sin querer todo a su
alrededor.
 Pinocho es una película En los años 1960 y 1970, con la
animada de 1940 producida popularización de la televisión, los
por Walt Disney. Está
basada en la novela Pinocho cortometrajes de animación
de Carlo Collodi. Fue la desaparecieron definitivamente de los
segunda película animada
de Disney después de Snow cines. A pesar de ello, aparecen
White and the Seven Dwarfs numerosas escuelas de animación en
y fue estrenada
originalmente por RKO todo el mundo y el cortometraje
Radio Pictures el 7 de prosperó en otros canales de
febrero de 1940. La película
obtuvo dos premios Óscar, distribución.
en las categorías de mejor En Estados Unidos, Hanna-Barbera
banda sonora y mejor
canción original. dominó la animación para televisión y
Disney la animación para cine.
La primera serie de dibujos
animados para la televisión, de
The Huckleberry Hound,
Hanna – Barbera fue el Show de
fue el segundo dibujo
Ruff y Reddy. En 1958, HB tuvo
animado creado para la
su primer gran éxito con The
televisión de Hanna-
Huckleberry Hound. El programa
Barbera tras haber
fue un éxito de audiencia, y se
creado a Ruff y Reddy.
presentó una nueva generación
de estrellas de dibujos animados
para el público, en particular,
Huckleberry Hound y El Oso Yogi.
En los años 70 algunas alternativas
gozaron del favor del público, como
Ralph Bakshi, con sus primeras
películas pertenecientes al
movimiento underground “Heavy
Traffic”, “Fritz el gato caliente”
y posteriormente sus películas de
fantasía “El señor de los anillos”,
“Wizards” y “Tygra”.
Entre los directores de
cortometrajes se destacaron John y
Faith Hubley.
 Entre los muchos artistas importantes,
el más famoso es el checo Jan
Švankmajer, que utiliza el stop-motion
y la plastilina para crear mundos
surrealistas.
Otros nombres que se pueden
mencionar son los de Marcell
Jankovics, Sándor Reisenbüchler, Yuri
Norstein, Walerian Borowczyk y Jan
Lenica.

Alicia, por Jan Švankmajer

Las industrias de Europa del Este y la

Unión Soviética, se convirtieron en las
más poderosas del mundo: la
producción fue enorme en volumen y
variedad, desde las series de televisión
para niños hasta los cortometrajes Madame Tutli – Putli de Chris Lavis y Maciek
artísticos más vanguardistas y radicales. Szczerbowski
 Osamu Tezuka protagonizó la explosión
de los dibujos animados conocidos
como anime. Autor de historietas
prolífico, adaptó varias de sus propias
obras, consiguiendo el primer éxito con
la serie de televisión “Astroboy”, que
definió los rasgos habituales del anime:
rasgos faciales de los personajes,
animación limitada, narración
semejante al cine de imagen real,
vínculo entre la industria de la
animación y la del cómic.
Tezuka, un huracán creativo, realizó
largometrajes y cortometrajes
experimentales.

Black Jack, por Osamu Tezuka.

Durante los años 60 el anime fue continuo en las salas de cine, pero en la década
siguiente quedó limitado a la televisión. También hubo notables animadores
independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.
En Europa occidental los resultados fueron más puntuales: películas como “El
submarino amarillo” de George Dunning, “Allegro non troppo” de Bruno
Bozzetto o “El planeta salvaje” de Réne Laloux tuvieron repercusión.
En el cortometraje se destacaron artistas como Raoul Servais, Jean-François
Laguionie o Paul Driessen.
 El auge de la infografía ha llevado
a la compañía Pixar de John
Lasseter. a convertirse en la más
exitosa productora del mundo, con
películas tan bien acogidas como
los mejores Disney: “Toy Story”,
“Bichos”, “Monsters Inc.”, etc.

La bella y la bestia de Trousdale y Wise.

En Estados Unidos, Disney, a principios de

la década de 1990, con “La bella y la
bestia” de Trousdale y “Wise”, tuvo su
momento de esplendor.
También se han producido algunas
películas aisladas de gran calidad,
como “El gigante de hierro” de
Brad Bird, “Pesadilla antes de
Navidad” de Henry Selick, “Me
casé con un extraño” y
“Mutant aliens” de Bill Plympton.

Mutant aliens de Bill Plympton.

Me casé con un extraño Pesadilla antes de Navidad de Henry Selick

El anime japonés se ha convertido en
la industria más productiva del planeta,
extendiéndose en todo el mundo.
Las series de televisión son
considerables y siguen siendo la
atracción principal para millones de
aficionados. Los largometrajes para
cine, después de desaparecer
prácticamente durante los años 1970,
reaparecieron con una fuerza creativa y
comercial inusitada, principalmente a
partir de “Nausica del valle del
viento” de Hayao Miyazaki y Akira de
Katsuhiro Otomo.

Nausica del valle del viento de Hayao Miyazaki

 Se ha producido una expansión en la
variedad de los estilos y temáticas
que se tratan, con autores tan
diferentes como Mamoru Oshii,
Satoshi Kon o Isao Takahata,
mientras el citado Miyazaki se ha
convertido en un director de culto
internacional con el prestigio de los
grandes directores de imagen real.
Un animador independiente que ha
logrado reconocimiento en Occidente
ha sido Koji Yamamura.

Avalon, de Mamoru Oshii

En Francia se han destacado los
cortometrajes de la productora
Folimage; en largometraje, el éxito de
“Kirikú y la bruja” de Michel Ocelot
ha abierto el camino para un número
creciente de películas de ambiciones y
calidad notables: “Las trillizas de
Belleville” de Sylvain Chomet,
“Corto Maltese: La cour secrète
des Arcanes” de Pascal Morelli, “La
prophétie des grenouilles” de
Jacques-Remy Girerd, etc.
 se lanzó a la producción de
largometrajes con “Evasión” en la
granja del mismo director.

En el Reino Unido, la productora

Aardman Animations, dedicada
principalmente a la animación con
plastilina, se hizo popular a ambos
lados del Atlántico con sus
cortometrajes : “La Saga de
Wallace y Gromit”, de Nick Park, y
Nuevas generaciones de animadores
de los países del Este, han
mantenido viva su tradición en
cortometrajes, entre los que se
destacan: los rusos Garri Bardin,
Aleksandr Petrov y Konstantin
Bronzit; los checos Aurel Klimt y Jan
Svankmajer, con su largometraje
“Fimfárum”, el polaco Piotr
Dumala, los letones Priit Pärn y Priit
Tender y la Escuela Checa de
Animación, con Jiří Trnka a la
cabeza.
Dante Quinterno fue el productor y
director del primer dibujo animado a
color de la Argentina, con su prestigioso
cortometraje del personaje “Patoruzú”,
titulado "Upa en Apuros" en 1942.
Manuel García Ferré está considerado
como el mayor exponente de todos los
tiempos en la animación Argentina.
Las películas de García Ferré están plenamente
orientadas para los niños. Es el creador de famosos
personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus,
Larguirucho, Petete y Calculín, así como de tiras
animadas televisivas, largometrajes animados y la
revista Anteojito.
En Argentina el programa de televisión
“Caloi en su tinta”, presentado por
el dibujante Carlos Loiseau, se ha
mantenido en pantalla durante más de
diez años.
Juan Pablo Zaramella, es considerado
el más importante ilustrador argentino
contemporáneo. Su última producción
"Luminaris", ganó más de 200 premios
internacionales como Annecy 2011, y
fue preseleccionado al Oscar en la
categoría Mejor Corto Animado.
Colombia tiene una historia de la
animación que se remonta hasta 1938.
Aunque surgió como iniciativas artísticas
aisladas, el trabajo de Fernando Laverde
quien realizó los largometrajes “La
pobre viejecita”, “Cristóbal Colón” y
“Martín Fierro”, así como la obra de
animación experimental del artista
Carlos Santa “El pasajero de la
noche”, abrieron el terreno para los
creadores interesados en este arte.
En 1960 fueron creados en Cuba los
Estudios de Animación del ICAIC,
institución que hasta la fecha ha creado
innumerables series, cortometrajes y
largometrajes. Entre ellos el laureado
“Vampiros en La Habana”, del
director Juan Padrón.

Elpidio Valdés, largometraje animado de Juan

Padrón.
 Cabe mencionar los trabajos de Alfonso
Vergara Andrade y algunas de sus obras
como “Paco Perico en premier” de
1935 y “Los cinco cabritos y el lobo”
de 1937 cortometrajes realizados en
ava films, estudio que él mismo fundó.

“Los cinco cabritos y el lobo”, 1937

La animación mexicana, en sus

comienzos, intentó con varias
producciones siendo la mayoría
cortometrajes realizados por personas
que tenían la inquietud y el deseo de
involucrarse en ese ámbito artístico poco
explotado en el país. “Paco Perico en premier,1935.
 En la década de 1970 y principios de
los años 1980 se surgieron una serie de
largometrajes de animación mexicano:
“Los tres reyes magos” (1974), “Los
supersabios” (1977), “Roy del
espacio” (1983), “Katy la oruga”
(1984), una coproducción México-
española, “Las aventuras de Oliver
Twist” (1987), adaptación animada de
la novela de Charles Dickens realizada
por Fernando Ruiz.

Las aventuras de Oliver Twist (1987),

Charles Dickens. Adaptación animada Katy la
realizada por Fernando Ruiz. Los tres reyes magos ,1974. oruga,1984.
 Algunos experimentos habían
demostrado que las ondas sonoras se
podían convertir en impulsos eléctricos.
En el momento en que se logró grabar
en el celuloide la pista sonora, se hizo
posible ajustar el sonido a la imagen.

Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y

emprendedor de los cineastas hizo que se
impusiera el cine sonoro, acabando, no sin
dificultades y dejando a mucha gente en el
camino, con el cine mudo.

Cuando el cine sonoro demostró su

rentabilidad, las películas mudas, a
pesar de su arte, quedaron
condenadas a pasar a la historia.
El cine mudo había durado 35 años.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine
llegaron de la mano del físico francés Georges
Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía
parlante.
Hacia el año 1926, el cine mudo había
alcanzado un gran nivel de desarrollo en
cuanto a la estética de la imagen y
movimiento de la cámara. Había una
gran producción cinematográfica en
Hollywood y el público se contentaba
con las películas producidas. No se
exigía que los personajes comenzaran a
hablar, ya que la música aportaba el
dramatismo necesario a las escenas que
se proyectaban en pantalla.

El Circo, se convirtió en la séptima película muda

dirigida, producida y protagonizada por Charles
Chaplin. (1928). Se convirtió en la séptima película
Escena cumbre de "El hombre mosca“ muda de mayor recaudación en la historia del cine,
(1923) con unos ingresos de más de $3,8 millones en 1928.
La primera exhibición pública conocida
de cine sonoro proyectado ocurrió en
París en 1900, décadas antes de que la
sincronización confiable entre sonido e
imagen se hiciera comercialmente
práctica. La primera proyección
comercial de películas con sonido
completamente sincronizado ocurrió en
la ciudad de Nueva York, en abril de
1927.

El cantor de jazz de Alan Crosland.

La moviola, la máquina de montaje, que sin ella En los primeros años después de la introducción
hubiera sido imposible montar las películas del sonido, las películas que incorporaban diálogos
musicales que tanto influyeron en los primeros sincronizados fueron conocidas como "películas
momentos del sonoro. sonoras".
En los años 1930, las películas
sonoras eran un fenómeno global.
En los Estados Unidos, ayudaron a
asegurar la posición de Hollywood
como uno de los sistemas culturales
y comerciales más potentes del
mundo.
En Europa, el nuevo desarrollo fue
tratado con escepticismo por muchos
directores de cine y críticos a los que
les preocupaba que el centrarse en
los diálogos, perturbaría la principal
virtud estética del cine mudo.

En Japón, donde la tradición de cine

integraba cine mudo con
interpretaciones vocales en directo,
las películas sonoras prevalecieron
con gran lentitud.

En India, el sonido fue el elemento

que llevó a la rápida expansión de la
industria del cine del país, la más
productiva del mundo desde
principios de los años 1960.
 Esta tendencia al realismo sentó las
bases para futuros movimientos
cinematográficos, como el realismo
poético francés y el neorrealismo
italiano.

Tom pouce suit une femme, Charles Pathé, 1910.

(Pulgarcito persiguiendo a una mujer) En 1896, Pathé crea
una pequeña empresa
Charles Pathé fue el pionero de la dedicada a la
fabricación y venta de
industrialización del cine en Francia. fonógrafos, la Pathé
En sus películas aplicó la fórmula para Fréres, fundada junto
con sus hermanos
atraer a todo tipo de espectador con las Emile, Jacques y
llamadas "escenas dramáticas Escena de la casa de la
Théophile.

realistas“. colada

Kinematoscopio.
Coleman Sellers, diseño en 1861 un
proyector basado en el estereoscopio,
donde se podían ver dos imágenes poco
diferentes entre sí. En un salón
proyectaba las fotografías en una
pantalla y a una gran velocidad. A medida
que la velocidad de las emulsiones
fotográficas aumentó, fue posible
fotografiar un movimiento real en vez de
poses fijas de ese movimiento.
Vista interna del kinetoscopio con la película
arrollada en una banda sinfín, que circulaba entre
una fuente luminosa y el ocular de la parte superior.
En 1894, acudió a una feria donde se exponía
el famoso fonógrafo de Edison y tuvo la idea
de convertir a las audiciones de dicho invento
en un negocio. Interesado y fascinado por los
prodigiosos inventos de Edison (el
Kinematoscopio) y de los Lumière (el
Cinematógrafo), Pathé decidió probar fortuna
también en el campo de las imágenes en
movimiento: auxiliado por el mecánico Henri
Joly fabricó una cámara tomavistas similar a
la de los Lumière.
 El primer corto filmado por Pathé, fue
“La llegada del tren de Vincennes”
en el año de 1897, claramente
influenciado por “la llegada del tren” de
los hermanos Lumière.

En 1877,Thomas Alva Edison, uno de los inventores

del cinematógrafo, logró grabar la voz humana en su
fonógrafo. Muybridge gravó la progresión del galope
de un caballo en 1972. Estos dos precursores sientan
las bases de los inventos posteriores. En el caso del
cine, el problema que no se conseguirá solucionar de
manera rentable y eficaz hasta después de la Primera El Zoopraxiscopio de Muybridge era la combinación
Guerra Mundial será la sincronización de sonido e de un disco con imágenes, una especie de obturador
imagen. y una linterna mágica.
 Al igual que Georges Méliès, Zecca
procedía del mundo de las variedades y
el espectáculo. Se caracterizaba por
sus comedias galantes, actualidades
reconstruidas, escenas fantásticas y
persecuciones cómicas. Junto a Pathé,
inventó el noticiario cinematográfico.

Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En

la misma época, León Gaumont desarrolló un sistema
de sonorización de películas, que presentó en la
Exposición Universal de París de 1902.

Su primer éxito como realizador es Historia de un

Pathé se rodeó de personas que se crimen, primer éxito de Zecca,(1901). La obra
hicieron cargo de la dirección de contiene un interesante flash-back. El condenado a
muerte rememora en sus últimos momentos el
películas, como Ferdinand Zecca. crimen por el que se condenó.
La mayoría de los noticieros eran
dramatizaciones de hechos importantes,
dada la imposibilidad de asistir al lugar
de la noticia. Este género gozó de una
gran acogida, porque gracias a su realce
tenían una gran capacidad de impacto
emocional. Además, durante la Primera
Guerra Mundial se convirtió en un
referente informativo fundamental.

Asistentes al Foto Drama de la Creación, New York,

1914

El Foto-Drama de la Creación, esta producción estaba

compuesta de diapositivas fotográficas y película
cinematográfica acompañadas de discos fonográficos
de discursos y música.
 La primera película de cine épica se
llamó “El Foto-Drama de la
Creación’” y aunque apareció 15 años
antes que se produjeran otras películas
sonoras, ofreció una combinación de
películas cinematográficas y fotografías
sincronizadas con un discurso grabado.
Se dividía en cuatro partes, duraba un
total de ocho horas y la vieron
aproximadamente 8.000.000 de
personas.

El cartel de la película : "El foto drama de la Creación"

En 1918, se patentó el sistema sonoro
TriErgon, que permitía la grabación
directa en el celuloide.

El invento definitivo surgió en 1923, el

Phonofilm, creado por el ingeniero Lee
de Forest, quien resolvió los problemas
de sincronización y amplificación de
sonido, ya que grababa sobre la
misma película; rodó 18 cortos para
promocionar la técnica, entre ellos uno
de 11 minutos de Concha Piquer, que se
considera la primera película sonora en
español.

No obstante, por falta de financiación el

invento se postergó hasta 1925, año en
que la compañía Western Electric Concha Piquer, se considera la primera película
negoció por él. sonora en español.

En 1927, los estudios Warner Bros se
encontraba en una situación financiera
critica y acordaron por integrar el nuevo
sistema de sonido Vitaphone, sistema en el
cual la banda sonora estaba presente en
discos sincronizados con la proyección. Se
incorporó por primera vez en una
producción comercial titulada “Don Juan”
(1926) de Alan Crosland, así como en otra
de sus películas, “Old San Francisco”
(1927).
En ésta producción incorporó por
primera vez ruidos y efectos
sonoros. Sin embargo la película
sonora más exitosa fue “El
cantante de jazz” (1927).
Ante el éxito, pronto todos los
grandes estudios montaron sus
propias películas sonoras, y el cine
mudo quedó olvidado. La aparición
del cine sonoro introdujo grandes
cambios en la técnica y expresión
cinematográfica.
La cámara perdió movilidad quedando
relegada a la posición fija del cine
primitivo y la imagen perdió su
estética cediéndole importancia al
diálogo. Los actores también se vieron
implicados en este cambio técnico.
Algunas grandes estrellas fílmicas de
Hollywood vieron naufragar sus
carreras ante su mala dicción, su
pésima voz o su excesiva mímica.
Debido a esto surgieron nuevos
actores en su reemplazo.
Una película que retrata esta
transición del cine mudo al sonoro es
el famoso musical "Cantando bajo
la lluvia" (1952).
 Así mismo, Eisenstein, Pudovkin y
Alexandrov publicaron un manifiesto en
1928 manifestando su negativa al cine
sonoro.

Quizás el único de los grandes del cine

mudo que siguió haciendo filmes sin
sonido fue Charles Chaplin como
“Tiempos modernos" (1936). A partir
de 1940 comienza a realizar películas
con sonido, la primera de las cuales es
"El gran dictador".
 Película polémica en su época, ha sido
reconocida en retrospectiva como uno
de los grandes hitos fílmicos de todos
los tiempos, y sumó todos los
experimentos conceptuales de la
época, cerrando caminos y abriendo
otros, razón por la cual figura
regularmente como una de las mejores
películas de todos los tiempos, en
listados y reseñas críticas.

Posiblemente la cúspide de las

posibilidades del cine de la época, en
términos de lenguaje cinematográfico,
haya sido alcanzada por el filme
Welles (izquierda) visitando a Mankiewicz
“Ciudadano Kane”, de Orson Welles, (centro) en el desierto de California durante
en 1941. el proceso del guión del Ciudadano Kane.
Sir Charles Spencer Chaplin, (1889 –1977) fue un
actor cómico, compositor, productor, director y
escritor británico. Adquirió popularidad gracias a su
personaje Charlot en múltiples películas del período
mudo. A partir de entonces, es considerado un
símbolo del humorismo y el cine mudo. Para el final
de la Primera Guerra Mundial, era uno de los
hombres más reconocidos de la cinematografía
mundial.
Con su personaje Charlot, debutó en
1914 en la película “Ganándose el
Pan” y durante ese año rodó 35
cortometrajes, entre ellos “Todo por
un Paraguas”, “Charlot en el Baile”
y “Charlot y el Fuego”.

Chaplin caracterizado como Charlot

 Desde mediados de la década de 1910
dirigió la mayoría de sus películas. En
1916 se encargó de la producción, y
desde 1918 compuso la música para sus
producciones.

En 1919, en colaboración con Douglas

Fairbanks, David Wark Griffith y Mary
Pickford, fundó la United Artists.

Sin embargo, las películas más

destacadas de Chaplin fueron “La
quimera del oro” (1925), “Luces de
la ciudad” (1931), “Tiempos
modernos” (1935) y “El gran
dictador” (1940). Sus técnicas al
momento de filmar incluían slapstick,
mímica y demás rutinas de comedia
visual.
Realizar películas con contenido artístico
se transformó para los círculos
culturales europeos, latinoamericanos o
asiáticos en una especie de estandarte
cultural, para oponerse a la cultura de
los Estados Unidos.

Esta línea divisoria, marcada en las

décadas de 1980 y 1990, se fue
disolviendo entrado el siglo XXI, porque
las nuevas posibilidades de los efectos
especiales por computadora y el cine
digital permitieron disminuir los costos
de las películas comerciales.

El cine arte nunca desapareció por

completo de Estados Unidos, como lo
prueba David Lynch en “Terciopelo
azul”, el cual, para muchas de sus
producciones debió recurrir a capitales
europeos.

La celebración, (1998), primera película del movimiento
Dogma 95. Es una película danesa, escrita y dirigida por
Thomas Vinterberg, sobre las turbias relaciones entre
los miembros de una familia. Las películas realizadas
con vocación de cine arte tendían a buscar
reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia.
Movimiento fílmico vanguardista iniciado
en 1995 por los directores daneses Lars
von Trier y Thomas Vinterberg, quienes
crearon la "Manifestación del Dogma
95" y el "Voto de Castidad". Esos
fueron reglas para hacer cine
establecido en valores tradicionales de
historia, actuación y tema, y excluyendo
el uso de elaborados efectos especiales
o tecnología.
Para cierto sector de la crítica, el cine
ingresó hacia la década de 1980 en el
postmodernismo. De ahí que se hablara
del agotamiento de las vanguardias, de
la imposición del concepto de
simultaneidad por sobre el de
continuidad, del reciclaje de viejos
materiales.

Hitos de este cine

postmoderno serían
filmes como Blade
Runner (1982) o Pulp
Fiction (1994), filmes
armados a partir de la
recreación de viejos El posmodernismo surge del desencanto por las
códigos fílmicos y ideas del modernismo y es el movimiento de la
literarios que han tolerancia y la diversidad. Precisamente por ello, es
perdido vigencia como la conjunción de movimientos que tienen en común
el rechazo a “la razón”, negando la posibilidad de un
tales, como por conocimiento total y objetivo. Para el
ejemplo el cine negro o posmodernismo la única verdad posible es la
el pulp. subjetividad.
 El Padrino II
Los cineastas ingleses y americanos
fueron los primeros en rodar las
primeras películas postmodernas.
En esta nueva era, después de los
turbadores años setenta, y con la
violencia y contenidos conservadores en
la pantalla, la seducción a través de la
imagen, los ritmos del montaje y la
violencia del color se anuncian como
distintivos de una nueva relación entre
el cine y su público.
La alquimia entre ingleses y americanos
ha aportado al postmodernismo su fino
sentido del humor y una poderosa
imaginación visual.
Elementos y características del lenguaje
cinematográfico a partir de los años 70
se encuentran desde el periodo mudo.

Por ejemplo, la ruptura intencionada de

la suspensión de incredulidad fue una de
las características más notables de los
hermanos Marx, por ejemplo con sus
continuas alusiones al espectador
hablando a la cámara.

La película muda italiana “Maciste”, de

1915, un espectador llama a Maciste y
éste sale de la pantalla, recurso que
posteriormente utilizaría Woody Allen en
“La rosa púrpura de El Cairo”.

El cine postmoderno, partiendo del primario

postmodernismo de Fry o Lyotard y de claras raíces
fílmicas en la nouvelle vague francesa, busca explorar
y excitar emociones, temas, situaciones, caracteres,
etc., yendo más allá de las convenciones del retrato
convencional de personaje y la lógica en la estructura
en el tiempo y espacio narrativo.
 en los múltiples y complejos procesos
experimentales de la creación. A finales
del siglo XIX, el cine en sus
presentaciones se manifestó a través de
las pinturas de los clásicos. El cine, en la
búsqueda de la plástica y la estética,
reprodujo pinturas para los filmes
inspirados en la vida o en las
composiciones pictóricas de los grandes
maestros del arte.

La literatura, la fotografía, la pintura, la

escultura, la arquitectura, la música, la
danza, la luz, el color, se han unido de
tal modo que el cine abraza a las artes Steven Spielberg
 La cinematografía es
considerada “el séptimo
arte”, sus antecesores
son la arquitectura,
escultura, pintura,
música, literatura y
danza. Cabe mencionar
que Rioccito Canudo, en
1991, fue el primero en
definir al cine como el
séptimo arte.

En el siglo XX, los directores de cine se

inspiraron en los artistas, tanto para
comprender las obras representadas y
crear ambientes para mostrar sus vidas
reviviendo sus formas de expresión.
Varios directores y fotógrafos
cinematográficos fueron pintores, tal es
el caso de John Houston en “El Molino
Rojo”, (1952), y artistas que
colaboraron con sus diseños y dibujos
como Salvador Dalí en “Destino”.
El cine, por otra parte, «ha contribuido a
re-encuadrar la pintura moderna»,
según José Luis Borau. Según Borau, las
aportaciones principales del cine a la
pintura han sido, la luz, el encuadre y el
movimiento.
Dalí consideraba que el cine estaba
sumergido de magia. Desde sus
guiones cinematográficos y su
colaboración con Luis Buñuel, en “Un
Perro Andaluz” (1929) y “La Edad
de Oro” (1930).

En 1945, Dalí conoció a Walt Disney y

firmó un contrato para un
cortometraje de animación de pocos
minutos de duración que debía
combinar ballet y dibujos animados.

El proyecto, titulado Destino, acabó

interrumpido por diversos problemas,
entre ellos la crisis económica que
siguió al final de la II Guerra Mundial.
Con la música del mismo título como hilo conductor,
compuesta por el mexicano Armando Domínguez e
interpretada por Dora Luz, este trabajo se convierte
en un bello retrato del amor imposible entre Cronos y
una mujer mortal.
 Fue en 1946 cuando Walt Disney
encargó a Salvador Dalí, junto al
animador John Hench, la realización de
un cortometraje del que sólo llegaron a
rodarse veinte segundos de prueba que
no cuajaron.
Pero muchos años después y partiendo
de los bocetos e instrucciones del genio
catalán, Roy Disney y Baker Bloodwort
consiguieron obtener este corto de seis
minutos que vio la luz en 2003.

Los dibujos y pinturas conservadas de Destino,

se han rescatado y terminado, siguiendo las
instrucciones y los esbozos de Dalí.
 Se recrea una ambientación de
Ámsterdam en la edad dorada del
mercantilismo como marco para la
presentación de personajes de todos los
estratos sociales.
Al igual que las obras de Rembrandt,
Korda maneja la iluminación y las
sombras, en las escenas, al que
representa en la oscuridad, la muerte
de su esposa y a la que ilumina la
fulgurante presencia de Gertie, a la luz
de una vela.
Alexander Korda reflejó en Rembrandt la
gloria y la miseria de un pintor genial
enmarcado en una época donde la
superficialidad y las apariencias eran lo
único que contaban.
 Los temas importantes en la vida de
Lautrec, son manejados por medio de
flash-backs, como su traumática infancia,
su deformidad, el apego a su madre y el
rechazo que produce la relación con la
bailarina de La Goulue. El color de la
película, Moulin Rouge, está inspirado en
el de los pintores impresionistas
franceses.

Toulouse-Lautrec, hundido por su

malformación física, únicamente encuentra
Zsa Zsa Gabor en Moulin Rouge
consuelo en su arte y en la botella.
(John Huston, 1952)
 Dirigida por Vincente Minnelli e
impregnada con colores del mar, el
campo y el cielo de Van Gogh, El Loco
del Pelo Rojo capta el éxtasis del arte y
la agonía de la vida de un hombre.

Kirk Douglas y Anthony Quinn en "El loco del pelo rojo

 Tras el éxito de Moulin Rouge (1952),
de John Huston, sobre la vida del
pintor impresionista Toulouse Lautrec,
MGM compró los derechos
cinematográficos de la obra de Irving
Stone para rodar la vida de Vincent
Van Gogh.

Para no caer en los errores de otras

películas sobre pintores, fotografiaron
los cuadros originales en placas de
gran tamaño y se proyectaban por
debajo de unas mesas con el tablero
traslúcido, daban pincelada a
pincelada, con gran minuciosidad.

Autorretrato de Van Gogh

 Su vida amorosa oscila entre el amor
de una joven pura e ingenua que ama
sin límites al artista y el de una rica y
poco escrupulosa escritora americana
que sólo busca en él la aventura,
aunque ayuda al pintor más de una
vez cuando entra en una de sus crisis.

Es una película biográfica sobre la

mísera existencia de uno de los más
famosos pintores del siglo XX:
Modigliani, obligado a vivir en la más
absoluta miseria malvendiendo sus
cuadros para sobrevivir de mala manera
y hundirse cada vez más en el alcohol. La Belle Romaine, de Amadeo Modigliani.
El realizador Carol Reed firma uno
de los grandes clásicos del cine
histórico.
El papa Julio II y Miguel Ángel,
viven entre el tormento y el éxtasis,
una de las peleas artísticas más
sonadas de la historia.
Basado en la biografía que escribió
Irving Stone, y en textos de Vasari
y de Giovanni Papini sobre el gran
artista florentino Miguel Ángel
Buonarrotti, presenta realista y
eficazmente el conflicto,
representado magníficamente por
Charlton Heston y Rex Harrison,
cuyas fuertes personalidades les
llevaban a entrar en continuo
conflicto.
Esta extraordinaria producción, calificada como una de las mejores películas de su época, es una
soberbia dramatización del conflicto detrás de una de las máximas obras de arte de la humanidad.

Aunque ni libro ni película tratan demasiado el contexto histórico de la Europa

de aquella época, ambos son imprescindibles.
Las escenas que muestran a Miguel Ángel sufriendo en lo alto del andamio, con
la pintura goteándole sobre la cara, es un momento de enorme emotividad para
los amantes del arte, al igual que los trabajos en «estarcido», ese dibujo
agujereado para poder traspasarlo con carbón sobre el yeso de la pared.
Andrei Rublev, pintor de iconos ruso del
s. XV, sirve a Tarkovski como reflexión
sobre la creación artística y la labor
social del artista frente al poder.

Nos muestra un mundo brutal, violento,

de religiosidad cuestionada; un mundo,
en Rusia, donde príncipes hermanos
luchaban por un trono y el pueblo se
mataba a sí mismo en guerra tras
guerra.

Se divide en tres partes de la supuesta

pasión según Andrei y cada uno de estos
a su vez se dividen en episodios de la
vida del pintor de iconos y de interiores
de iglesias y catedrales bizantinas rusas.

En el epílogo, con música coral, se ven una serie
de planos en que van mostrando diversas partes
de iconos costumbristas, historiados hasta llegar
con planos medios a mostrarnos la gran Trinidad
de Rublev, culmen de su arte
El monje pintor acude junto con sus
compañeros a Moscú para pintar los
frescos de la catedral de la Asunción del
Kremlin.
Fuera del aislamiento de su celda,
pronto comenzará a percatarse de las
torturas, crímenes y matanzas que
tienen aterrorizado al pueblo ruso.
Quebranta su fe y se sumerge en el
silencio, frustración que le lleva a dejar
de pintar. Sólo al encontrarse con un
niño constructor de campanas entenderá
que dejó que su dolor personal y su
soledad se antepusieran a su deber
creador como artista.
Así regresó a los pinceles y, mediante
sus iconos, sus imágenes sagradas, se
acercó a un Dios que nunca se muestra
plenamente.
De las películas que se han realizado
sobre Frida Kahlo, esta es la primera,
rodada completamente en México, con
escasos diálogos y largas secuencias
que, desde el reducido espacio de la
habitación en la que está confinada en
su lecho, ahonda en el interior de la
artista a través de sus recuerdos y
sueños y profundiza en la creación de su
obra artística.
Es un retrato magistral de la pintora ,de
su vida apasionada, de sus amores con
Diego Rivera, de su relación con Trotsky,
su militancia, su fiebre creadora, sus
altibajos sentimentales y su profunda
soledad.
Leduc, supo dar a sus fotogramas el aire
cercano y el color que caracteriza la
pintura de Frida.
La película viaja por la vida y obra de
Camille Claudel, hermana de Paul
Claudel, precoz e inteligente escultora,
amante de las artes en el sentido más
amplio y rico, y compañera durante más
de 10 años del también escultor,
Auguste Rodin.
Camille sintió desde muy niña gran
pasión por el arte y en especial por la
escultura a la que dedicó gran parte de
su vida. La película está basada en el
libro de Reine-Marie Paris, nieta del
hermano de Camille, el poeta y
diplomático Paul Claudel.
El escultor Auguste Rodin fue su
maestro y Camille se convirtió en su
inspiración, su musa, y con el que inició
una tormentosa relación protagonizada
por las numerosas crisis y rupturas. La
escultora tuvo una vida agitada
sentimentalmente y lo reflejó en su
obra, una vida en la que también
echaba un pulso a su propia libertad en
una sociedad que no se ajustaba a sus
ideas.
En sus últimos días vivió como una
mendiga y finalmente fue internada en
un psiquiátrico por sus problemas
mentales. El Vals
La historia sucede en la segunda mitad
del Siglo XVIII y comienzos del XIX.
Goya fue testigo de intrigas políticas y
románticas en los últimos años de la
invasión napoleónica en España. El exilio
en Burdeos y el comienzo de sus
pinturas oscuras y macabras, en sus
postreros años de su vida, son el
comienzo del film con un Goya sordo e
interpretado por Rabal.
Los recuerdos de su juventud y los
flashbacks en su narración hacia su hija
Rosario, muestran al joven artista en los
laberintos de la corte. Principalmente
sus recuerdos refieren a su persecución
de Cayetana, la Duquesa de Alba.
Recordará al Goya joven y ambicioso
que lucha por subir los resbaladizos
A los 82 años, exiliado en Burdeos junto a Leocadia
peldaños de la corte de Carlos IV, donde Zorrilla de Weiss, la última de sus amantes,
vivirá el reconocimiento y la fortuna, las Francisco de Goya, reconstruye para su hija Rosario
los acontecimientos que marcaron su vida, una vida
intrigas de palacio y el juego de la en la que se suceden convulsiones políticas,
seducción y la mentira. pasiones emponzoñadas y el éxtasis de la fama.
Cayetana de Silva-Álvarez de Toledo, retratada por
Goya en 1795.
También rememorará a su único amor, la Duquesa
de Alba, una mujer que redibujó su vida y la historia
de su tiempo, y cuya existencia quedará truncada
por el veneno de las conspiraciones. Saturno devorando a un hijo
Es la recreación de la vida de los
amantes y artistas contemporáneos
Jackson Pollock y Lee Krasner (de la
escena artística de Nueva York), que
escapan al campo para contraer
matrimonio y, muy pronto, Pollock
comienza a crear el arte que lo convirtió
en el primer pintor del modernismo
dentro de los Estados Unidos.
En la década de los cuarenta, ya
estaban en el centro de la escena
artística de Nueva York. Paralelamente,
la vida de los dos pintores tuvo sus
altibajos, mientras que Krasner deja a
un lado su trabajo para impulsar la
carrera de Pollock, él comienza a
revelarse emocionalmente, pues los
tormentos que marcaron la vida del
artista continuaron persiguiéndole.
Mientras lucha contra su falta de
confianza en sí mismo, en una batalla
entre la necesidad de expresarse y el
deseo de silencio, Pollock comienza a
recorrer una espiral hacia abajo que lo
llevará a destruir los fundamentos de su
matrimonio y su carrera.
En agosto de 1949, la revista Life publica el
siguiente titular: «Jackson Pollock: ¿el mejor
pintor vivo de los EE.UU.?» El artículo incluía
fotografías de Pollock en su famosa pose:
chaqueta negra y vaqueros azules, brazos
cruzados sobre el pecho y uno de sus lienzos
detrás de él. Conocido por entonces en el
círculo artístico de Nueva York, Pollock se
convirtió a partir de entonces en una de las
primeras estrellas del arte en EE.UU., y su
estilo radical de pintura consiguió cambiar el
rumbo del arte moderno.
 Esta película es la adaptación de la
novela de Tracy Chevalier, que a su vez
se basa en un cuadro de Johannes
Veermer. No es el cuadro, sino la chica
que lo inspira la que lleva el peso de la
historia a mediados del siglo XVII.

La película transpira arte por todos sus poros

Durante el film podemos observar diversos cuadros
del pintor holandés.
La película muestra su gran desafío al
transportar la atmósfera y el misterio
que inundan los lienzos del pintor al
celuloide, así como robar la mirada de la
actriz que encarna a la modelo del
cuadro como lo hiciera el que la
retratara con sus pinceles.

La relación entre el pintor y la reprimida muchacha va

ganando en intensidad al ir ella descubriendo su
pasión por la pintura y él encontrar la inspiración tan Esta joven se llama Griet y entra a servir en la casa
perseguida. del pintor, que pasa por una pequeña crisis.
Corre el año 1566. Creta ha sido
ocupada por los venecianos. Tras
huir de la isla a causa de una
matanza de sublevados cretenses, el
pintor Domenicos Theotocopoulos
«El Greco» llega a Venecia siguiendo
a su amante, Francesca da Rimi hija
del gobernador veneciano en Creta.
Allí encontrará trabajo en el estudio
de Tiziano, donde pronto destacará
sobre el resto de artistas y será En Madrid se enamora de Jerónima de las
descubierto por un cazatalentos del Cuevas, hija de un noble militar, con
gobierno de Felipe II. También en quien convive y con quien tiene un hijo.
Venecia trabará amistad con Niño de Se establecen en Toledo, donde el pintor
Guevara, un sacerdote español, con conoce un éxito fulgurante, codeándose
el que mantendrá una extraña con las más altas esferas políticas y
relación. religiosas.
Domenicos Theotokopoulos interpretado por Nick
Ashdon, junto al inquisidor Niño de Guevara
interpretado por Diego Botto
Después de ayudar a liberar a algunas de sus víctimas
y de pintar un retrato del Inquisidor donde lo muestra
como un ser despreciable y cruel, El Greco será
juzgado por herejía. La clave de su liberación o de su
condena está en manos de su mayor enemigo: Niño
de Guevara.

Sintiendo una profunda repulsión de los

actos cometidos por la Santa Inquisición, Niño de Guevara. En esa misma
El Greco, fiel a sus principios, no duda ciudad se reencuentra, años
en tomar partido en contra de ella, después, con su amigo Guevara,
ganándose la animadversión del propio ahora convertido en Gran Inquisidor.
 Estos dos artes tienen como objetivo
contar historias, y uno de sus elementos
básicos ha sido la palabra. El lenguaje
cinematográfico se desarrolló ante el
reto de narrar con claridad una historia
en un tiempo determinado, sintetizando
en una hora de proyección, cientos de
páginas que constituyen un guión.

Crimen y Castigo de La Guerra y la paz

Los Miserables de Victor Hugo Fedor Dostoievski de León Tolstoi
 El Retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde

A través de los años, el cine ha realizado

grandes obras de la literatura, han
evidenciado la difícil tarea de representar
para la pantalla, las imágenes literarias;
esto sin duda, ha resultado en aciertos y Los Tres Mosqueteros de Alejandro Dumas
decepciones, sin embargo, resulta
primordial reconocer, que si bien son dos El cine y literatura está íntimamente
unidas y condenadas a encontrarse. El
medios distintos, esto no los hace cine ha recibido de la literatura relatos,
incompatibles, sino complementarios. argumentos, formas y estilos.
La literatura, en todo el último siglo, va
recibiendo del cine diferentes modos de
mirar, una concepción narrativa distinta,
que acomoda en los autores literarios,
en ocasiones, su mirada y su estilo.

Cumbres Borrascosas de Emily Brontë El Mercader de Venecia por William Shakespeare

El 24 de enero de 1897, Gabriel Veyre
llevó el primer cinematógrafo a La
Habana desde México. La primera
presentación se llevó a cabo en el Paseo
del Prado #126, al lado del Teatro
Tacón, hoy llamado el Gran Teatro de La
Habana.

Cuatro cortometrajes fueron mostrados:

"Partida de cartas", "El tren", "El regador
y el muchacho" y "El sombrero cómico".
Las entradas costaron 50 centavos, 20
para niños y militares.

Poco después, Veyre protagonizó el

primer filme producido en la isla,
llamado "Simulacro de incendio", un
documental sobre los bomberos de La
Habana.
Gabriel Veyre, en 1896 viajó con Claude Ferdinand
Bon Bernard a Latinoamérica, mostrando los
primeros filmes realizados por los hermanos
Lumière y para explotar el cinematógrafo.
 En Cuba, películas como “Mambí" y
"Libertadores o guerrilleros" (1914), de
Enrique Díaz Quesada con el apoyo del
General Mario García Menocal se
destacan. Díaz Quesada adaptó a
película una obra española del novelista
Joaquín Dicenta en 1910, una tendencia
de la época, que adaptaba obras
literarias a películas, como también
imitaciones a Charles Chaplin, comedias
francesas y aventuras de vaqueros.
El período de producción de películas
mudas se extendió hasta 1937, cuando
la primera película completa de ficción
se produjo.

Mambí, película dirigida por Santiago Ríos y Teodoro

Ríos.
Antes de la Revolución cubana de 1959
el total de películas filmadas fue de
aproximadamente 80 películas
completas. Se destacaron, La Virgen de
Muchos actores cubanos también hicieron presencia
la Caridad protagonizada por Miguel en México y Argentina. Músicos como Ernesto
Santos y Romance del Palmar por Ramón Lecuona, Bola de Nieve o Rita Montaner también
actuaron o participaron en la banda sonora de
Peón. películas de diferentes países.
 Éste departamento fue el antecesor de
lo que se convertiría en el ICAIC
(Instituto Cubano del Arte y la Industria
Cinematográficos), fundado en marzo de
1959, como resultado de la primera ley
de cultura.

“Muerte de un burócrata”, de Tomás

Gutiérrez Alea

En los primeros días de 1959, el

gobierno de Fidel Castro creó un
departamento cinematográfico dentro de
la Dirección de Cultura del Ejército
Rebelde, la cual produjo documental
como "Esta tierra nuestra" de Tomás
El cine cubano ha establecido su aporte
Gutiérrez Alea, y "La Vivienda" de Julio innegable al legado cultural latinoamericano
García Espinosa. y universal.
La película más notable de la última
década del siglo XX fue Fresa y
Chocolate (1993) por Tomás Gutiérrez
Alea y Juan Carlos Tabío. Primera
película cubana nominada a los Premios
Óscar.

La película Memorias del subdesarrollo fue

seleccionada entre las 100 mejores películas de
todos los tiempos por la Federación Internacional de
Clubes de Cine.
Al período comprendido entre 1959 y
1969, muchos críticos cinematográficos
lo bautizaron como la época de oro del
cine cubano, generalmente por la
producción de Lucía (1969) por
Humberto Solás y Memorias del
subdesarrollo (1968) por Tomás
Gutiérrez Alea.
Éstos dos directores son por lo general
catalogados como los dos mejores
directores que ha tenido Cuba.

Esta época de inicios de cine

revolucionario también se destacó por
una fuerte censura a jóvenes
realizadores que su único delito era el de
mostrar un cine documental El cubano Humberto Solás, tuvo el privilegio
experimental o espontáneo, como el de dirigir “Lucía” (1968), la película
"free cinema", siendo el caso más paradigmática de la revolución cubana de
1959. Es un trabajo monumental dividido en
escandaloso el documental realizado por tres partes que corresponden cada una de
Orlando Jiménez Leal y Sabá Cabrera ellas, a etapas históricas de la nación
Infante. caribeña.

Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles
(2002).
El Cinema Novo fue un movimiento de la
historia del cine de Brasil al que
pertenecieron una serie de directores de
cine brasileños de los años cincuenta y
sesenta del siglo XX comprometidos con
su tiempo.
Ciudad de Dios, basada en hechos reales. Trata del
incremento del crimen organizado en los suburbios
de Río de Janeiro, desde finales de los años sesenta
hasta el comienzo de los ochenta, cuando el tráfico
de drogas y la violencia impusieron su ley en las
favelas.
Su lema era una cámara en la mano y
una idea en la cabeza, y en él había
influido tanto el Neorrealismo italiano
como la Nouvelle Vague francesa. Los
miembros del Cinema Novo fueron
Glauber Rocha, Nelson Pereyra Dos
Santos, Carlos Diegues y Joaquim Pedro
de Andrade.

Más tarde se unieron directores como

Walter Lima Júnior o Ruy Guerra. Su
cine trataba la realidad social del país,
su pasado histórico, y la pobreza, tanto
en las grandes urbes como en el
desolado Nordeste brasileño.

Su influencia llega hasta el cine

brasileño más reciente, y es palpable en
películas como Central do Brasil, de
Walter Salles (1998) o Ciudad de Dios,
de Fernando Meirelles (2002).