Música electrónica

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Para otros usos de este término, véase Música electrónica (desambiguación).

Música electrónica

Orígenes culturales Finales del siglo XIX, a

comienzos del siglo XX

Instrumentos Instrumentos musicales

comunes electrónicos

Popularidad Muy alta en todo el mundo

Subgéneros

Música electroacústica, música concreta, música industrial,

wonky, dub, ambient, bass, breakbeat, chiptune, trip hop,
downtempo, drum and bass, electro, electrónica, EDM,
EBM, IDM, glitch, hardcore, house, synth pop, techno,
 jungle dubstep, hardstyle, trance, electropop, reggaestep,
rock electrónico, chillstep,

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La música electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica para su producción e
interpretación. En general, se puede distinguir entre el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido
mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente
son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos
como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.

La música electrónica se asoció en su día exclusivamente a una forma de música culta occidental, pero desde finales del año 1960, la disponibilidad
de tecnología musical a precios accesibles propició que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la
actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta
formas populares como la música electrónica de baile o shuffle dance.

Índice
 1Finales del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX
 2Nueva estética de la música
 3Futurismo
 41920-1930
 51940-1950
o 5.1Música concreta
o 5.2Elektronische Musik
 o 5.3Música electrónica en Japón
o 5.4Música electrónica estadounidense
o 5.5Música estocástica
o 5.6Desde mediados hasta finales de 1950
 61960-1970
o 6.1Música por ordenador
o 6.2Electrónica en vivo
o 6.3Sintetizadores
 71970-1980
o 7.1Nacimiento de la música electrónica popular
o 7.2Nacimiento del MIDI
o 7.3Síntesis digital
 81980-1990
o 8.1Crecimiento de la música dance
o 8.2Avance en la música
 92000-2010
 10Véase también
 11Referencias
 12Bibliografía
 13Enlaces externos

Finales del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX[editar]

Telharmonium, Thaddeus Cahill, 1897.

La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la producción de música electrónica, aunque esta no sea absolutamente necesaria para ello. El
primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Podía grabar
sonidos visualmente, pero no reproducirlos de nuevo.1

En 1878, Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros
durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco en 1889. Otro invento significativo que posteriormente tendría una gran
importancia en la música electrónica fue la válvula audión, del tipo triodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica,
inventada en 1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio, la computación electrónica.

Con anterioridad a la música electrónica, ya existía un creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías emergentes en el terreno
musical. Se crearon multitud de instrumentos que empleaban diseños electromecánicos, los cuales facilitaron el camino para la aparición de
instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado
por Thaddeus Cahill entre los años 1898 y 1899. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca se llegó a adoptar. Se suele
considerar como primer instrumento electrónico el Theremin, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor de 1919–1920.2 Otro primitivo
instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila, por Olivier Messiaen. También
fue utilizado por otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.

Nueva estética de la música[editar]

En 1907, justo un año después de la invención del triodo audión, Ferruccio Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba
sobre el uso tanto de fuentes electrónicas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música,
posibles gracias al Dynamophone de Cahill: «Solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído,
puede hacerse de este material desconocido uno accesible y plástico para la generación venidera y para el arte».

Como consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, Busoni tuvo un profundo efecto en multitud de músicos y
compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.

Futurismo[editar]
Artículo principal: Futurismo

En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea de la filosofía futurista era la de valorar
el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados como musicales. El
Manifiesto Técnico de la Música Futurista de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: «Presentar el alma musical de las masas,
de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas
centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad».

El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto El arte de los ruidos (original en italiano, L'arte dei Rumori). En 1914,
organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos acústico
ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y
megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en París.

1920-1930[editar]
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos, así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El
primer instrumento, el Theremin, fue creado por Léon Theremin (nacido como Lev Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrado. Gracias a él se
realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de
ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpretada por primera vez por la Orquesta de
Cleveland y Leon Theremin como solista.

Además del Theremin, el Ondes Martenot fue inventado en 1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París.3 El año siguiente, Antheil compuso
por primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y amplificadores en su ópera inacabada Mr. Bloom.

La grabación de sonidos dio un salto cualitativo en 1927, cuando el inventor estadounidense J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación
que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una
empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los principios del
Telharmonium, junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación.

El método foto-óptico de grabación de sonido utilizado en el cine hizo posible obtener una imagen visible de la onda de sonido, así como sintetizar un
sonido a partir de una onda de el mismo.

En la misma época, comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos primeros exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt Schwitters y Filippo
Tommaso Marinetti entre otros.

1940-1950[editar]
Música concreta[editar]
Artículo principal: Música concreta

Desde aproximadamente el año 1900 se utilizaba el magnetófono de alambre magnético de baja fidelidad, y a comienzos de 1930 la industria
cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas.4 En esta época la
empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el Magnetophon K-1, revelado en el Berlin Radio Show en
agosto de 1935.5
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC Bias, que incrementó drásticamente la fidelidad de las
grabaciones magnéticas al añadir una alta frecuencia inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophon K4 hasta 10 kHz y mejoró
la relación señal/ruido hasta 60 dB, sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.

En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo.6 No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania
hasta el final de la guerra, cuando varios de estos aparatos fueron requisados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin. Estos sirvieron de base
para los primeros grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, entre ellos el Model 200 producido por la
empresa Ampex.

La cinta de audio magnética abrió un gran campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros. Esta era
relativamente barata y su fidelidad en la reproducción era mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Cabe señalar que, a
diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse
también físicamente e incluso pueden unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos, que reproducen continuamente determinados patrones de
material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron aún más allá las posibilidades de la cinta como medio de
producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de
ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco, produciendo así de modo complejo, controlable y con gran calidad, efectos de eco y
reverberación, lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos.

Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música
concreta. Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Las
primeras piezas de esta música fueron creadas por Pierre Schaeffer, con la colaboración de Pierre Henry. En 1950, Schaeffer dio el primer concierto
de música concreta en la École Normale de Musique de Paris. Posteriormente, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un homme
seul (1950), la primera obra importante de música concreta. Un año más tarde, RTF creó el primer estudio para la producción de música electrónica,
lo que se convertiría en una tendencia global. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y voces concretos.

Elektronische Musik[editar]
Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de WDR, Colonia, en 1991
Artículo principal: Karlheinz Stockhausen

Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952 y posteriormente, durante muchos años, en el Estudio de Música
Electrónica de la WDR de Colonia, en Alemania.

En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, inició actividades en la radio de la NWDR en 1951,
después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert convencieran al director de la
NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. En el mismo año de su creación fueron transmitidos los primeros estudios de música
electrónica en un programa de la propia radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo una demostración pública en la
sala de conciertos de la Radio de Colonia, donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas. Los compositores de los estudios electrónicos eran
Herbert Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger, Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen.

El programa comprendía las siguientes piezas:

 Karlheinz Stockhausen: Estudio II

 Herbert Eimert: Glockenspiel
 Karel Goeyvaerts: Composición No. 5
 Henry Pousseur: Sismogramas
 Paul Gredinger: Formantes I y II
 Karlheinz Stockhausen: Estudio I
 Herbert Eimert: Estudio sobre mezclas de sonido
En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar
música desde señales producidas electrónicamente. De esta manera, la Elektronische Musik se diferenciaba a gran escala respecto a la Musique
concrète francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del avant-garde o
vaguardismo, cuando se empezó ya a combinar sonidos generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. Ejemplos significativos
son Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen afirmó que sus oyentes decían que su música electrónica les daba una
experiencia de "espacio exterior", sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico".

Música electrónica en Japón[editar]

Aunque los primeros instrumentos electrónicos como el Ondes Martenot, el Theremin o el Trautonium eran poco conocidos en Japón con
anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Años
después, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a
los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical
que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las
siguientes décadas.

Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y
Minao Shibata, de modo independiente, escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los
años 1940. En 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiese traer "ruido" dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y
complejo tubo, una idea similar a la musique concrète que Pierre Schaeffer había aventurado en el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su
concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea
"manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony
desarrolló el magnetófono magnético G-Type.

En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental
utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros se encontraban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony,
empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para
mostrar sus magnetófonos. Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai
también estaban experimentando con música electroacústica entre 1952 y 1953. La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una
forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 90 la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la
música por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular.

Música electrónica estadounidense[editar]

En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection
de Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido.

El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David
Tudor y Morton Feldman) y duró tres años hasta 1954. Durante esta época, Cage completó su Williams Mix, en 1953.

Música estocástica[editar]
Artículo principal: Iannis Xenakis

Un importante desarrollo lo constituyó la aparición de ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la manipulación o creación
de sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se conoce como musique stochastique o música estocástica, un método compositivo que emplea sistemas
matemáticos de probabilidad estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis
utilizó papel gráfico y una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para su composición orquestal Metástasis
(1953-1954), utilizando posteriormente ordenadores para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta.

Desde mediados hasta finales de 1950[editar]

En 1954, Stockhausen compuso Elektronische Studie II, la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.

En 1955 aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron notables la creación del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de
Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de
Sonología en 1960.
La banda sonora de Forbidden Planet, producida por Louis y Bebe Barron, fue compuesta únicamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en
1956.7

El primer computador del mundo en reproducir música fue el CSIRAC, diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático
Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías de música popular. No obstante, este computador reproducía un repertorio estándar y no pudo
utilizarse para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas.

El impacto de los computadores continuó durante 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, siendo
la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos
incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología del vocoder fue otro
importante desarrollo de esta época.

En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del estudio de Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel. Un
importante desarrollo tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert Moog.

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los primeros Theremin y Ondes Martenot, era difícil de usar, pues
requería una extensa programación y no podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA Mark II
Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el
Columbia-Princeton Electronic Music Center, donde sigue en la actualidad. Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante
por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.

1960-1970[editar]
Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la académica, sino también para algunos artistas independientes a medida que la
tecnología del sintetizador se volvía más accesible. En esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos que trabajaba con nuevos
sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. Durante estos años aparecen composiciones como Gargoyle de Luening para violín y
cinta, así como la premiere de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En esta última, Stockhausen abandonó la forma
musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento",
se recuerdan las técnicas de cinematic splice del cine de principios del siglo XX.
El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla, en 1963, siendo producto del esfuerzo del compositor de música concreta Morton
Subotnick.

El Theremin había sido utilizado desde los años 20, manteniendo una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas bandas sonoras de
películas de ciencia ficción de los años 50 (por ejemplo: The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante los años 60, el Theremin hizo
apariciones ocasionales en la música popular.

En el Reino Unido, durante este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más productivos y
renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de
este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de Doctor Who, compuesto por Ron Grainer y
reconocida por algunos como la pieza de música electrónica más conocida en el mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick
Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio
cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras, atmósferas, sinfonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.

El compositor israelí Josef Tal en el Electronic Music Studio de Jerusalén (~1965). A la derecha, el sintetizador Hugh Le Caine.

En 1961, Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en la Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su
Creative Tape Recorder en el centro.8

Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador, que fue creado mediante el RCA en el CPEMC. Las colaboraciones
se realizaban superando las barreras de los océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC),
siendo asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC, entre otros, inspiró a la creación en San Francisco del Tape
Music Center en 1963, por Morton Subotnick junto a otros miembros adicionales, como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y Anthony
Martin. Un año después tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica en Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de
Plzen.

Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos, y uno de los más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el
sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music introdujo
posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado, llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades,
haciéndose así muy popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach, de Wendy Carlos.

En 1966, Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música
electrónica. Su programación está estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la música
contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en tiempo real mediante
dispositivos electrónicos, interfaces de audio-vídeo y una plantilla de músicos y videoartistas nacionales e internacionales abiertos al uso de
tecnologías punta.

Música por ordenador[editar]

CSIRAC, el primer computador en reproducir música, realizó este acto públicamente en agosto de 1951.9 Una de las primeras demostraciones a gran
escala de lo que se conoció como computer music fue una emisión nacional pre-grabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de
1962. Un año antes, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad del Estado de Iowa para reproducir canciones sencillas y
reconocibles a través de un altavoz amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de diagnóstico.

Los años 50, 60 y la década de los 70 presenciaron también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis informática. En 1957, Max
Mathews, de Bell Labs, desarrolló el programa MUSIC, culminando un lenguaje de síntesis directa digital.

En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema informático Sogitec
4X,10 que incluía un revolucionario sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real. Répons (1981), obra para 24 músicos y 6 solistas de
Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces.

Electrónica en vivo[editar]
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primera vez en los años 60 por miembros del Milton Cohen's Space Theater en
Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban Gordon Mumma, Robert Ashley, David Tudor y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por los
nombrados anteriormente, incluyendo también a Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE, que mostraban música multimedia para teatro,
fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de
las primeras obras de electrónica en vivo.

Los compositores y músicos de jazz, Paul Bley y Annette Peacock, fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia
finales de 1960. Peacock hacía un uso regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de
estudio.

Sintetizadores[editar]
Véanse también: Minimoog y Korg.

Robert Moog (también conocido como Bob Moog), a finales de 1963, conoció al compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda
por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el Sintetizador Modular Moog.11

El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado a la sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob
hizo una demostración durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio, celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió
sus primeros pedidos y el negocio despegó.

La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose aún más conocida cuando Wendy Carlos editó el
álbum Switched on Bach. Bob diseñó y comercializó nuevos modelos, como el Minimoog (la primera versión portátil del Moog Modular), el Moog
Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el
MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.

Moog no supo gestionar bien su empresa y esta pasó de tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un solo pedido. Agobiado por las deudas
perdió el control de la empresa, la cual fue adquirida por un inversionista. Aun así continuó diseñando instrumentos musicales hasta 1977, cuando
abandonó Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin él, la Moog Music fue a pique poco después.
En 1967, Kato se acercó al ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de
Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado y, 18 meses después, Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió este
órgano bajo la marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés Organ.

Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60 y principios de los 70 pero, consciente de la competencia con los grandes
fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los
sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este instrumento, Keio presentó
diversos sintetizadores de bajo costo durante los años 70 y 80 bajo la marca Korg.

1970-1980[editar]
En 1970, Charles Wuorinen compuso Time's Encomium, convirtiéndose así en el primer ganador del Premio Pulitzer por ser una composición
completamente electrónica. Los años 70 también vieron cómo se generalizaba el uso de sintetizadores en la música rock, con ejemplos como: Pink
Floyd, Tangerine Dream, Yes y Emerson, Lake & Palmer, etc.

Nacimiento de la música electrónica popular[editar]

Véanse también: Rock progresivo, Escuela de Berlín, Krautrock, Space rock y Synth pop.

A lo largo de los años 70, bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de música experimental que incorporaba elementos de
música electrónica. Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo, mientras The Residents crearon sus propias
cajas de ritmos. También en esta época diferentes bandas de rock, desde Genesis hasta The Cars, comenzaron a incorporar sintetizadores en sus
arreglos de rock.

En 1979, el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más amplio con su hit pop Cars, del álbum The Pleasure
Principle. Otros grupos y artistas que contribuyeron significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo
electrónico fueron Kraftwerk, Depeche Mode, Jean Michel Jarre, Mike Oldfield o Vangelis.

Nacimiento del MIDI[editar]

Artículo principal: MIDI
En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz a través de la que diferentes instrumentos pudieran
comunicarse entre ellos y el ordenador principal. El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface). En agosto de 1983, la
especificación 1.0 de MIDI fue finalizada.

La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en un
micro ordenador, se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada
dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.

Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de 4X llamado Max, que posteriormente sería incorporado a Macintosh
para el control de MIDI en tiempo real, haciendo que la composición algorítmica estuviera disponible para cualquier compositor que tuviera un
mínimo conocimiento de programación informática.

Síntesis digital[editar]
Véase también: Sample

En 1979, la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sistema práctico de sampler polifónico
digital. En 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7, el cual utilizaba síntetis de modulación de frecuencia (síntesis
FM), probada por primera vez por John Chowning en Stanford a finales de los años 60.

1980-1990[editar]
Crecimiento de la música dance[editar]
Artículo principal: Música electrónica de baile
Véanse también: Música electro, Techno, Música house y Acid house.
Véanse también: Rave, Jungle, Drum and Bass, Música trance y Trance.

Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más
populares. Esta tendencia ha continuado hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo.
Avance en la música[editar]

En los años 90, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. Otro avance reciente es la composición
Begin Again Again de Tod Machover (MIT y IRCAM) para hyper chelo, un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del
chelista. Max Methews desarrolló el programa Conductor para control en tiempo real del tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico.

2000-2010[editar]
A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción musical se hace posible utilizando medios
que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utilizando
ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea
utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.

En las décadas de 1990 y 2000 surgieron diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que destacan productos como
Reason, de Propellerhead, y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen alternativas útiles y baratas para los
estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de elevada
calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical, incrementándose así masivamente y
estando disponible al público en internet.

El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos, antiguamente solo existentes como
hardware, estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plugins de los software. Algunos de los softwares más populares son
Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK.

Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos, que en su época facilitaron el acceso a instrumentos y tecnologías usadas solo por
músicos con grandes recursos económicos, han dado lugar a una nueva revolución en las herramientas electrónicas usadas para la creación musical.
Por ejemplo, durante los años 90, los teléfonos móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no solo para
generar los Ringtones de sus equipos, sino que permitieron a sus usuarios algunas herramientas de creación musical. Posteriormente, los cada vez más
pequeños y potentes computadores portátiles, computadores de bolsillo y PDA´s, abrieron camino a las actuales Tablets y teléfonos inteligentes que
permiten no solo el uso de generadores de tono, sino el de otras herramientas como samplers, sintetizadores monofónicos y polifónicos, grabación
multipista, etc. que permiten la creación musical en casi cualquier lugar.
Véase también[editar]
 Géneros de música electrónica
 Música clásica electroacústica
 Lista de teclistas que utilizaron el sintetizador Moog

Referencias[editar]
1. ↑ Rosen, Jody. 2008 "Researchers Play Tune Recorded before Edison" New York Times
2. ↑ Theremin, BBC
3. ↑ Entre los compositores que utilizaron el instrumento se incluyen Boulez, Honneger, Jolivet, Koechlin, Messiaen, Milhaud, Tremblay y Varèse. En 1937,
Messiaen escribió Fête des belles eaux para 6 Martenot, y escribió partes solistas para este instrumento en su Trois petites Liturgies de la Présence Divine
(1943–44) y en la Sinfonía Turangalîla (1946–48/90).
4. ↑ Tyson, Jeff. «How Stuff Works - "How Movie Sound Works"». Entertainment.howstuffworks.com. Consultado el 20 de octubre de 2010.
5. ↑ «Mix Online - 1935 AEG Magnetophone Tape Recorder». Mixonline.com. 1 de septiembre de 2006. Archivado desde el original el 8 de febrero de 2013.
Consultado el 20 de octubre de 2010.
6. ↑ «Friedrich Engel and Peter Hammar, A Selected History of Magnetic Recording (.pdf document), p.6» (PDF). Consultado el 20 de octubre de 2010.
7. ↑ Planeta Modular (ed.). «Louis & Bebe Barron – Forbidden Planet». Consultado el 18 de noviembre de 2010.
8. ↑ Gluck, Robert J.: Fifty years of electronic music in Israel, Organised Sound 10(2): 163–180 Cambridge University Press (2005)
9. ↑ Doornbusch, Paul. «The Music of CSIRAC». Melbourne School of Engineering, Department of Computer Science and Software Engineering. Archivado
desde el original el 29 de agosto de 2007.
10. ↑ Schutterhoef 2007.
11. ↑ Libro: In estéreo. La industria de la música actual:valor económico y social. el caso México.

Bibliografía[editar]
 Blánquez, J. Morera, O. (eds.). ¡Loops!. Una Historia de la Música Electrónica. Barcelona. Mondadori, 2002 (ISBN 84-397-0901-3).
 Eimert, Herbert y otros. ¿Qué es la Música Electrónica?. Buenos Aires. Ediciones Nueva Visión, 1973.
Enlaces externos[editar]
 Discovering electronic Music Documental de 1983, en inglés.
 El primer Estudio para Música Electrónica de la historia y su apasionante fundación - Future Music.
 Mil años de Música Electrónica: Musical Telegraph de Elisha Gray.
 El Fonógrafo de Thomas Edison.