(MATERIAL RECOPILDO POR LUCIANO TREACHI)

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22 TRUCOS ESENCIALES DE MEZCLA

1. Ten en cuenta tu entorno: aunque los mejores productores tienen sus

estudios particulares a medida, no siempre es posible disponer de una sala
perfecta. Sin embargo, algunos trucos permiten mejorar tu entorno de mezclas.
No pongas los altavoces cerca de las paredes y trata de situarlos a la altura de
tus oídos, inclinados 30º hacia tu cabeza. Los sofás y las cortinas ayudan a
reducir reverberaciones no deseadas y aíslan el sonido. Además, procura
limitar el flujo de aire que entra y sale de tu habitación.

2. Conoce al máximo tus monitores: como imaginas, es más fácil conseguir

buenos resultados con altavoces de gama alta. No obstante, si tienes que
arreglarte con unos monitores baratos o unos altavoces hi-fi, lograrás mejores
resultados si los conoces a fondo. Escucha tanta música como puedas con
ellos para acostumbrarte a su sonido. Si tu tarjeta de audio está conectada a un
amplificador casero, desactiva las funciones que colorean su sonido - como los
realces de graves y la compensación de volumen.

3. Elige los mejores sonidos desde el comienzo: La clave secreta para crear
una gran mezcla es conseguir los mejores sonidos o los samples de mayor
calidad posibles. Ten a mano buenas librerías de sonidos. Mantenlas
ordenadas (creando distintas carpetas) para ganar tiempo. Conviene estar
satisfecho con cada elemento de tu track antes de llegar a la fase de mezcla,
¡No querrás empezar a retocar todo el material en ese momento!

4. Prueba mezclar en mono: en mono es más fácil ajustar la ecualización y

equilibrio de todos los canales. Además, se ocupa todo el espectro antes, de
forma que al volver al estéreo el sonido es más amplio y espacioso. Si se
realiza el proceso de mezcla en estéreo se corre el riesgo de sobrecargar la
mezcla. Una vez que hayamos ajustado los volúmenes y el espectro en mono,
se puede continuar en estéreo y hacer las correcciones pertinentes.

5. Mezcla con niveles bajos de volumen: si eres capaz de escuchar todos los
elementos a un nivel bajo, tu mezcla funcionará a un volumen más alto.
Mezclar a niveles altos de volumen de forma continua reducirá tu precisión en
la escucha en unos pocos minutos.

6. Utiliza un Analizador Espectral: utiliza un analizador espectral para

observar tu mezcla. Ejemplo: Voxengo SPAN es un analizador espectral
gratuito.

7. Separa tus drums en distintos canales: aunque tu batería pueda sonar

más gruesa cuando la comprimes, los elementos más intensos, como un gran
bombo, podrían disparar el compresor haciendo que las demás partes suenen
más flojas. Para evitarlo, coloca cada parte de la batería en su propio canal, y
comprime y ecualiza por separado: Kick, snare, claps, snaps, rides, crash, fills,
ton, hi hats, loops de percusión, etc.

8. Utiliza un número aceptable de pistas: preguntante si cada elemento o

pista que utilizas proporciona una contribución esencial al conjunto total de la
composición. Si no lo es, no dudes en eliminarlo en favor de más espacio
vacío.

9. Observa los efectos de cada canal: desactiva los efectos de inserción y/o
envío de cada canal - si un efecto no marca diferencias apreciables sobre un
sonido, quítalo. Del mismo modo, puede que algunos canales suenen mejor
desactivando ciertos efectos, o al menos limitándolos. En general, reducir el
número de efectos ayuda a que un tema suene más limpio y claro - y además,
limita el consumo de tu CPU.

10. Revisa los efectos de envío: comprueba que tienes los efectos de envío
al 100% de mezcla - eso permite mezclar con más precisión, sobre todo si
utilizas cadenas de efectos de envío, como delay y reverb. Si tu pista suena
turbia, baja un poco los envíos de delay y reverb, o reduce sus valores de
realimentación / duración. Eso ayudará a aligerar tu mezcla.

11. Ten cuidado con los efectos de los VST: muchos VST (ejemplo: Nexus,
Sylenth, Massive, Spire) incluyen secciones de efectos, y auque suelen dar
lugar a impresionantes presets, también pueden desubicar muchos otros
sonidos. Si eso sucede, desactiva los efectos del VST y utiliza efectos de envío
genéricos para acomodar tus sonidos en un entorno más normalizado.

12. Trabaja con EQ: la EQ es una herramienta muy útil para manipular la
presencia de cada pista en la mezcla. Realzando frecuencias altas o bajas
puedes hacer que una parte destaque mucho más. Sin embargo, si te pasas
con la EQ puedes hacer que un canal suene antinatural. Para compensarlo,
reduce las frecuencias no deseadas o las partes demasiado intensas del
sonido, distribuyendo y equilibrando el espectro.
13. Conoce a fondo los plugins de EQ y Compresión (dinámica): el objetivo
de la mayoría cuando mezcla, sobre todo si hace música dance, es lograr que
el tema final suene lo más alto posible. Sin embargo, los altos volúmenes
globales y los picos de frecuencia se “comerán” tu amplitud. Un buen uso de
plug-ins de EQ y dinámica permite resolver estos problemas, así que deberías
conocerlos a fondo.

14. Vigila las frecuencias del bass y el kick: A veces cuesta mucho
conseguir un gran bajo, sobre todo si utilizas altavoces domésticos con un
atenuador de graves o agudos. Eso dificulta la escucha de las frecuencias
bajas, y puede provocar una línea de bajo demasiado fuerte o floja. Usa
Sidechain para que el bajo no golpee y no interfiera con el Kick.

15. Vigila las frecuencias de los distintos sonidos: A veces surgen

problemas cuando dos sonidos compiten por la misma gama de frecuencias.
Por ejemplo, puedes ver que chocan una parte instrumental y una voz, o que el
bombo y la línea de bajo se interfieren. Para evitarlo puedes eliminar uno de los
dos sonidos, o mejor aún, ecualizarlos para suprimir las frecuencias
problemáticas, o también utilizar filtros. También podrías distribuir los sonidos
en el panorama estéreo para que no se solapen, es decir, colocar un sonido a
la izquierda y el otro a la derecha.

16. Headroom: no limites o sobre comprimas tus mezclas antes del mástering.
Si no dejas suficiente headroom (espacio dinámico para picos) en tu mezcla,
entonces se reducirán mucho las posibilidades del mástering. Cuando mezcles,
sólo centrarte en lograr el sonido que desees para tu tema. Deja al menos unos
3dB FS de headroom durante toda la mezcla.

17. Exporta tu mezcla cruda para poder analizar los picos o disparidades
de volumen: si crees que alguna parte de tu tema está dejando sin amplitud al
resto, exporta la mezcla cruda y cárgala en un editor de audio. Fíjate en la
intensidad del tema después de normalizarlo. Si la pista principal tiene un
volumen general bajo, presenta picos de nivel, o evidencia disparidades entre
secciones que deberían estar al mismo volumen (por ejemplo, dos estrofas
diferentes), entonces necesita algo. Vuelve a tu secuenciador, baja el nivel de
todas las partes molestas y repite el proceso hasta que consigas una
intensidad coherente con la normalización.

18. Escucha tu mezcla en distintos sistemas de audio: Intenta escuchar tus

mezclas en distintos sistemas de audio, ya sean, distintas pc’s, tablets,
celulares, notebooks, headphones, auriculares, estereos de autos, etc. De esta
forma podrás darte cuenta si algo no esta bien. Vuelve a la mezcla y haz los
ajustes necesarios.

19. Compara: conviene tener a mano un tema bien producido y similar al tuyo
para compararlos. Ese tema debe tener la máxima calidad posible (es decir, no
sirve un MP3 a 128kbps) para poder escuchar con gran precisión sus
cualidades dinámicas y su espectro de frecuencias. Compara este tema con tu
mezcla y realiza los cambios necesarios. No desesperes si tu tema sale
malparado en la comparación; insiste en este proceso y sonará mucho mejor.

20. Guarda 4 o 5 versiones de la mezcla: una forma de darte opciones y

tiempo para decidir si un tema está terminado es guardar múltiples versiones.
Intenta tener varias versiones, con y sin efectos. Mantén o elimina partes
vocales adicionales o arreglos instrumentales para diferenciar un rango sonoro
repleto con algo más espaciado y abierto.

21. Descansa: descansa de vez en cuando entre largas sesiones de mezcla,

para evitar que tus oídos se “acostumbren” demasiado al tema que estés
creando.

22. Escucha música variada: escucha atentamente temas muy variados,

observando cómo los sonidos ocupan determinadas frecuencias y cómo
evoluciona su dinámica. Escuchando y prestando atención aprendes un
montón, y luego puedes aplicar algunas de estas ideas a tus mezclas.
MEZCLA EN MONO

Una mezcla estéreo sin comprobación mono puede engañarnos y causar un

resultado no deseado, como eliminación de frecuencias por desfase, por
ejemplo.

Una buena manera de realizar una mezcla es ajustar niveles con escucha en
mono y, posteriormente, pasar a estéreo abriendo panoramas y colocando los
diferentes sonidos en el espacio estéreo, una recomendación que parece muy
acertada.

Si suena bien en mono, el estéreo será grandioso

Es evidente que si nuestra mezcla suena correcta en mono, en estéreo sonará

aún mejor. Probablemente, en mono habrá frecuencias que enmascaren a
otras y que en estéreo no se quedarían enmascaradas, dada nuestra audición
biaural. Al igual que nos encontramos frecuencias ‘perdidas’, también tenemos
frecuencias ‘realzadas’.

El fin último es evitar situaciones como la siguiente: “Cuando tu canción se

reproduzca en mono - en una radio convencional, por ejemplo - si su
compatibilidad mono es inadecuada, se producirán desfases entre las señales
sumadas, y eso resultará en una pérdida de energía en las frecuencias graves,
con una desaparición lógica del equilibrio de tu mezcla”.

La escucha ajena de tu música en mono, aunque parece una posibilidad

remota, no lo es tanto: “Es más que probable que tu tema acabe sonando en
mono por algún lado…”

Métodos de verificación

Con tener las frecuencias graves y los elementos principales dentro de fase, la
esencia del track estará bien, tanto en mono como estéreo. Y si bien no
queremos quitar ni añadir nada a su propia técnica, sí que parece muy práctico
disponer de mecanismos que nos faciliten realizar dicha verificación de la
compatibilidad monofónica.

Casi todos los secuenciadores actuales aportan sistemas de diversa índole

para realizar la verificación de la compatibilidad monofónica.

Ejemplo: en FL Studio, en el Master, se encuentra la separación estéreo.

Simplemente gírenla toda hacia la derecha y tendrán el sonido en mono.
ECUALIZACIÓN - LAS FRECUENCIAS

Ecualizar es una poderosa herramienta que permite, entre otras cosas,

dar forma a la música, equilibrando y mejorando los niveles de cada
instrumento para obtener el máximo impacto.

 Las frecuencias

La frecuencia de un sonido se mide en función de las veces que su onda oscila

por segundo y se mide en ciclos por segundo o Hercios (Hz). Aprender a
diferenciar como suenan las diferentes frecuencias y el efecto que tienen en el
sonido de los distintos instrumentos, así como en la percepción humana, es
una habilidad invaluable.

Hay que tener siempre en cuenta que cada frecuencia juega un papel
importante, pero si hay excesos en alguna zona, todo sonará fuera de lugar y
poco natural, de tal modo que tener el equilibrio correcto en cada banda es
esencial para obtener un buen sonido.

Sin embargo, aunque el sonido general tiene que estar equilibrado, los sonidos
individuales no tienen porqué estarlo mientras funcionen en la mezcla.

Al restringir el rango de frecuencias de los instrumentos para que tengan

espacio en la mezcla, es importante también elegir sonidos complementarios, a
esto se le llama esculpir frecuencias.
No olvides que si algo suena bien y funciona en el track, no abuses del
ecualizador, podría tener un efecto contraproducente. Ya sabes, “MENOS ES
MÁS”.

 Las frecuencias que empeoran la canción

Cuando te dispongas a mezclar es importante, antes de empezar a subir

frecuencias con la Ecualización, detectar qué frecuencias problemáticas tienes
en el tema con la intención de reducirlas (ecualización sustractiva).

Todas las pistas de la canción contienen información que lo único que hace es
empeorar el sonido, por muy bien grabadas que estén. Ten en cuenta, por otro
lado, que no todas las pistas de la Instrumental contienen excelentes sonidos
producidos y que contendrán frecuencias que dañan el espacio global de la
Mezcla.

Puedes localizarlas añadiendo una fuerte Ganancia con una ‘Q’ estrecha y
moviéndote entre las Frecuencias mientras buscas algo que destaque y te
moleste. Pueden ser resonancias en los medios graves que ensucian el Track
o una frecuencia aguda muy concreta y molesta. Cuando escuches algo que te
moleste reduce la Ganancia. La idea en este punto es eliminar las Frecuencias
que dañan la Canción.
  Las frecuencias que no suman a la canción

Una vez has eliminado las frecuencias que dañan, puedes ir por las que
simplemente no aportan nada de Información valiosa al conjunto. Debes
preguntarte qué frecuencias no están sumando a la canción y, de nuevo,
reducirlas.

Un buen ejemplo de esto son las Frecuencias graves en los Sonidos que no
son bombos y bajos. La mejor forma de lograrlo es hacer uso de un Filtro Paso
Alto (High Pass) en todas y cada una de las pistas que no están aportando
nada en ese rango de Frecuencias. Lo único que hacen es comerse el valioso
Headroom que tenemos disponible y ocupar espacio para nuestros Bombos y
Bajos.

De la misma forma repasa la parte alta del espectro con un Filtro Paso Bajo
(Low Pass) que, básicamente, hace lo contrario al Paso Alto y reduce las
frecuencias por encima de un punto. De esta forma vuelves a dejar espacio
para los Sonidos que sí tienen importante Información Sonora en ese rango.

En este punto la idea, como ves, vuelve a ser eliminar Frecuencias.

HIGH PASS en Chords y

Leads.

LOW PASS en Bass y Efectos

de boom.
  Las frecuencias que hacen sonar genial a la canción

Tras eliminar las Frecuencias dañinas y las anodinas debes preguntarte cuáles
son las Frecuencias que realmente suman y hacen que la Canción destaque
(ecualización aditiva).

Puede que sea el aire en la Voz del cantante o cómo crujen los Medios del
Clap. Quizás sean los medios graves de un sinte que añaden peso y actitud.

Cuando decidas cuáles son, añade Ganancia en ellas con una ‘Q’ más ancha
para que siga sonando natural. Ten en cuenta que no quieres cambiar el
sonido de la producción, sino destacar lo que la hace brillar.

Este es el único punto en el que utilizas Ecualización Aditiva, es decir: cuando

hayas reducido ganancia en las Frecuencias que no, sube ganancia en las
Frecuencias que sí.

Repasa estos 3 Tipos de Frecuencias, identifícalos y moldéalos para conseguir

Mezclas más limpias y Profesionales. No olvides hacer un bypass a los
ecualizadores cada cierto tiempo para ser consciente de cuál era el
Sonido Original porque es muy fácil acostumbrarse al Sonido Ecualizado
y querer modificarlo en una espiral sin fin.
ENMASCARAMIENTO DE FRECUENCIAS:
QUÉ ES Y CÓMO EVITARLO EN TUS
MEZCLAS

Uno de los problemas más comunes e infravalorados en la mezcla es el

enmascaramiento de frecuencias - ya va siendo hora de enfrentarte a él y
aprender algunos trucos para evitarlo y mejorar tus mezclas…

Quizá alguna vez has experimentado, mientras trabajabas en una mezcla, que
mientras el balance general de elementos funcionaba bien, un par de
instrumentos parecía pelear entre sí por el mismo rango de frecuencias,
tapándose uno a otro. Este fenómeno psicoacústico es conocido como
enmascaramiento sonoro o auditivo. Esto ocurre cuando una señal distrae al
oído de otra señal que suena en el mismo periodo de tiempo.

Mezcla de Kick y bass

Un ejemplo clásico de este fenómeno aparece cuando trabajamos con la

relación entre un kick y el bass en la mezcla. Seguramente, al escucharlos
como elementos individuales, sonarán geniales, llenos de profundidad y
pegada. Pero al oírlos juntos, el kick parece perder fuerza. Así que necesitas
atenuar el volumen del bajo para volver a recuperar el sonido del bombo de
nuevo, entonces toda la zona de bajos de la mezcla pierde energía y fuerza,
con lo que los cimientos de tu tema se vienen abajo, perdiendo esa potencia
que sustenta al resto de armonías.

Un incontable número de ingenieros ha dedicado horas y horas intentando

solucionar problemas como este, por lo que una rápida comprensión de cómo
funciona el enmascaramiento, te ayudará a solucionar dichos problemas y
conseguir mejores mezclas y un sonido mejorado de inmediato.

Ecualiza el bass y el kick para evitar el enmascaramiento

Una de las razones por la que la pista de bass suele enmascarar al kick se
debe a que ambas pistas compiten por la parte baja de la mezcla - aquella que
contiene las frecuencias bajas, también conocida como ‘Low End’ en inglés. Un
kick suele tener también frecuencias medio-altas que ayudan a situarlo en lo
alto de la mezcla, pero, ¿cómo puedes lograr esa pegada necesaria que se
siente hasta en el pecho con tu bombo, sin sacrificar el sonido del bajo?

Un respuesta sería la ecualización complementaria o de apoyo. Es un proceso

simple de identificación de frecuencias que pueden estar peleando entre ellas.
En el caso del bombo, realzamos ligeramente esas frecuencias, mientras que
creamos un corte complementario en las mismas, en nuestra pista de bass. En
la ilustración de abajo, podemos ver más claramente esta técnica. A la
izquierda, la EQ del kick, a la derecha la EQ del bass…
Fíjate en que el Kick, tiene un realce en torno a 85Hz, y el bass una atenuación
en la misma zona. Sobre 200Hz, el kick tiene un corte mientras que el bass
mantiene una curva inversa. Ya te habrás percatado de que son unos ajustes
muy sutiles, pero un par de dB arriba y abajo suele ser normalmente lo justo y
necesario para evitar el enmascaramiento del bombo por el bajo.

Utiliza compresión ‘sidechain’

Otro factor a tener en cuenta y que complica el asunto en el ejemplo de arriba,

es que, generalmente las partes de bass tienen un sonido sostenido y continuo,
mientras que el kick es percusivo y rápido. Por este hecho, el oído tiende a fijar
su atención sobre el bass, y perder o enmascarar al kick. Este mismo efecto
puede ocurrir cuando se mezclan partes vocales, donde éstas pueden competir
con, por ejemplo, pistas dobladas de guitarras muy cargadas.

Mientras que algo de ecualización complementaria o de apoyo ayuda, la

compresión ‘sidechain’ puede utilizarse para contener las guitarras que
perjudican a nuestra pista vocal, volviendo a darles importancia de nuevo
cuando vuelve a sonar la parte instrumental. Además, podemos llevar más allá
este proceso mediante el uso de un compresor multibanda o una EQ dinámica,
con los que tan sólo aplicar compresión ‘sidechain’ en el área de frecuencias
que compite con la parte vocal. A menudo esta zona se encuentra en torno a
los 1 ó 4kHz, así que algo de compresión ‘sidechain’ o EQ dinámica en esa
parte pude ser la solución.

Otros consejos para evitar el enmascaramiento en tus mezclas

Utiliza el campo estéreo. Si una guitarra y un piano están compitiendo entre

ellos, intenta panoramizarlos en lados opuestos. O ve más allá y añade un
delay estéreo a la guitarra, de modo que el piano enmascare el ataque de la
nota, pero la guitarra mantenga un sonido sostenido y alargado con mucho
movimiento.
6 CONSEJOS PARA LOGRAR UN GRAN
SONIDO EN TUS TRACKS

1. Monitores y acústica de la sala: haz lo posible por trabajar con monitores

de respuesta plana y acondiciona la acústica de la sala donde mezclas, o al
menos, mejórala. Esos dos ingredientes son esenciales si deseas conseguir
unos resultados de buena calidad. Cuando compres unos monitores, dedica un
tiempo a descubrir su “propio sonido”, analizando cómo suenan los tracks
comerciales que más te gustan. Para comparar, conviene que escuches esos
mismos tracks (y tus propias mezclas) en dichos monitores constantemente.

2. Realce en los sonidos graves: cuando decimos que una pista de música
dance suena “grande”, en realidad nos referimos a su “intensidad”, sobre todo
fijándonos en las bajas frecuencias (sonidos graves). Nuestros oídos son
menos sensibles a las bajas frecuencias, así que un aumento de volumen
provoca un realce subjetivo desproporcionado en los sonidos graves,
transmitiendo la impresión general de que la pista suena “más grande”. Por lo
tanto no te olvides que tu pista sea rica en graves (pero no en exceso).

3. Cuidado con la Compresión: a veces se utiliza la compresión para

aumentar la intensidad percibida, sobre todo en las partes de bombo y bajo de
muchos estilos de música dance. Sin embargo, ten en cuenta que la
compresión puede alterar el carácter de un sonido. Hasta podrías pensar que lo
has mejorado porque lo percibes más intenso, cuando en realidad ha ocurrido
lo contrario. Para estar seguro, comprueba que sigue sonando bien aunque
bajes el volumen de la mezcla. Y no te olvides de hacer bypass todo el tiempo.

4. Segmentar el espectro en diversas bandas de frecuencias: una de las

claves para conseguir un buen sonido es darle a cada parte musical un espacio
donde “vivir”, para lo cual se suele segmentar el espectro en diversas bandas
de frecuencias. De esta forma, todos los instrumentos importantes tendrán su
propio “espacio”. Por ejemplo, si quieres que la línea de bajo suene con
claridad, deberías cortar los graves de todos tus pads y/o leads. Del mismo
modo, no conviene que la línea de bajo contenga demasiados agudos que
pudieran interferir con un lead, así que conviene reservar un hueco en el
espectro de frecuencias para cada parte.

5. Prueba ajustar-editar los sonidos o cambia de presets: La ecualización

suele emplearse para delimitar cada instrumento en distintas bandas de
frecuencia, pero en la música electrónica se consiguen resultados parecidos o
mejores simplemente ajustando el sonido original del preset que utilizas. A
veces, sin embargo, es preferible utilizar otro preset distinto que no entre en
conflicto con los demás sonidos. En suma, editar el preset del sinte suele
resultar más fácil, rápido, limpio y efectivo que aplicar ecualización o un
compresor.

6. Prueba otros procesamientos: trata de probar otros procesamientos aparte

de la compresión y la ecualización. Por ejemplo, añade un poco de distorsión a
tus bajos y leads. Para engordar una parte, además de doblarla, podrías aplicar
un delay corto de unos pocos milisegundos, o un chorus con muy poca
modulación y a baja velocidad.
7 ERRORES EN LA MEZCLA Y CÓMO
EVITARLOS FRENTE AL MASTERING DE
TU PROYECTO

1. Exceso de graves: una cantidad desmesurada de contenido en la gama

baja de frecuencias es probablemente uno de los problemas más comunes que
se detecta en los proyectos de pequeños estudios. Por lo general, suele
estar relacionado con el entorno donde se ha llevado a cabo la mezcla: casi
siempre se trata de estudios caseros o salas con carencias en cuanto
a tratamiento acústico, y plagados de superficies reflectantes y enfrentadas que
potencian los graves. El resultado es una respuesta desigual en el espectro de
baja frecuencia, donde unas notas se exageran y otras quedan ocultas y
casi inaudibles. Todo se traduce en una pobre y mal acabada gama de graves
en la mezcla. Por eso es tan importante conocer tus monitores o alta voces, y
además probar tu track en distintos sistemas de audio para asegurarte de que
suene similar en todos.

2. Exceso de agudos: al otro extremo del espectro, las frecuencias agudas

también ocasionan sus propios problemas. En la mayoría de mezclas se
perseguirá la obtención de “brillo”. Al aplicar esta buena práctica, la sibilancia
se transforma en uno de los principales problemas. Hazte un gran favor y utiliza
un de-esser para tus pistas vocales, tal vez también un poco en los platos de
batería, incluso aunque no percibas inicialmente esto como un problema. Tu
técnico o ingeniero de masterización, o quizá tú mismo, lo agradecerás más
tarde. En último término, el mejor consejo es utilizar la ecualización con
prudencia y moderación.

3. Margen dinámico sin variaciones: este es quizá uno de los temas más
discutidos en conversaciones sobre mezcla de música moderna. Durante la
última década, más o menos, la radiodifusión ha fomentado una batalla por
llamar la atención del oyente, que ha acabado conociéndose como la Guerra
del volumen (o Loudness War) - la idea de esta percepción es que, cuanto más
fuerte suene un tema, mejor atrapará al oyente.

Esta mentalidad comenzó en el mundo de la Publicidad para Radio y TV - un

anuncio que suena más alto, llama más la atención. Después de todo, es una
consecuencia directa de la mejora en la tecnología de compresores dinámicos,
que también permite crear mezclas para Radio, donde todo suena alto, con
pegada y directo a tu cara.

El problema con la pegada aparente de volumen en tus producciones es que

implica la compresión del margen dinámico de tus mezclas. El
margen dinámico se define como la diferencia entre los niveles más fuertes y
más silenciosos de tu mezcla. Lo ideal es que los temas que hayas acabado y
pretendas masterizar, “piquen” en unos -3dB durante los pasajes más intensos,
mientras que el resto del programa se mueva entre -6 y -8dB. Esto resultaría en
diferencias momentáneas de unos 3 a 5dB en el margen dinámico.

El gran peligro que entraña comprimir el margen dinámico - o normalizar el

nivel relativo del tema completo -, es que dejarás sin ningún recurso a quien se
encargue del mastering. Un buen ingeniero de masterización se sirve de un
empleo meticuloso de la compresión multibanda - para imprimir pegada y
presencia a los graves, y/o claridad y brillo a los agudos. Y todo ello haciendo
un hábil uso de diferentes algoritmos de compresión para las diferentes bandas
del espectro de frecuencias.

Muchos productores inexpertos aplican plugins compresores de masterización

a su música, empleando pre-configuraciones que les brindan de inmediato una
gama de agudos brillante y agresiva, y un realce en graves - con el coste de
sumir todo en un fango de frecuencias. Así las cosas, la potencialidad
del mastering se queda en nada, porque no hay elementos sobre los
que enfatizar o restar importancia.
Cuando se diseñan capas en el proceso de limitación dinámica - comprimiendo
voces, bajo, snare y demás, de una forma individualizada - se prepara un
camino fácil hacia un mejor y más detallado pulimento de la producción final.

En contrapunto, evita un exceso de compresión sobre pistas individuales por

las mismas razones.

4. Falta de panorama: es importante que imprimas una sensación de espacio

a tu mezcla, equilibrando los diferentes elementos de un modo armonioso, y
con la amplitud que permite el sistema estéreo. Con demasiada frecuencia, se
tiende a panoramizar todo al centro o sin buscar los extremos, creando por
consiguiente un sonido confuso, desorientado y carente de definición. Mientras
que típicamente ciertos elementos han de sonar centrados (bombo, snare,
voces y bajo), por ejemplo la panoramización es un gran modo de aportar
personalidad a partes de guitarra, voces de apoyo (coros) y otros elementos de
una mezcla.

Siempre es bueno desplazar algunos elementos de la mezcla un poco hacia un

lado. Cuando tienes una mezcla de guitarras, metales, coros, si mantienes el
centro de la mezcla menos cargado, mantendrás abierta la opción para
que toda esa producción tan “molona” en la que has trabajado acabe sonando
con más claridad. De ese modo, incluso necesitarás menos ecualización y
efectos para realzar elementos de tu mezcla.

5. Problemas de fase: dado que la mayoría de DAW ofrece pistas ilimitadas, la

tentación de grabar todo en estéreo es fuerte - después de todo, una guitarra
acústica bien grabada en estéreo da profundidad y carácter a un tema. Pero
ten cuidado y comprueba la compatibilidad mono de tus mezclas para evitar
cancelaciones de fase, relacionados quizá con micrófonos mal colocados.
Pon las pistas estéreo en solo, y serás capaz de escuchar si ciertas frecuencias
desaparecen cuando los dos canales se suman a mono.

No sólo los instrumentos grabados en estéreo con micrófonos son víctimas de

las cancelaciones de fase. A menudo puedes acabar con un tema que
tenga elementos sonando en un ultra-amplio campo estéreo, y que logran ese
efecto de “fuera de los altavoces” metiendo un canal fuera de fase.

Simplemente, aprieta el botón mono y escucharás cómo ese alucinante

teclado, colchón de cuerdas, fondo vocal, o lo que sea, desaparecen por
completo. Incluso si la idea de la escucha en mono nunca estuvo en tu cabeza
¡haciendo esto verás que tus panoramas no son lo que pensabas!

Este mismo principio se aplica también a las reverberaciones. Es muy común

comprobar que una exuberante reverb hall que colocaste en la parte de
voces, simplemente desaparece en mono.

6. Planos rígidos de voz: es difícil ser objetivo acerca de la ubicación del

plano de voz en una mezcla, sobre todo si es tu propia canción. Después de
todo, tú conoces la letra, y es fácil olvidar que el resto de gente no. Tan sólo
recuerda que, en la mayoría de casos, un tema puede sonar igual de “correcto”
si la voz suena un poco más hacia adelante o atrás de la música.

Muchos profesionales mezclan dos o tres versiones alternativas de un mismo

tema, con la voz principal más presente, otra más desplazada hacia el fondo, y
quizá otra centrada. Si lo preparas de ese modo, ofrecerás todo un lujo de
elección que muchos ingenieros y técnicos de masterización recibirán con una
enorme gratitud.

7. Desconocimiento de tu entorno de escucha: siempre nos gusta empezar

nuestro proceso de mezcla escuchando discos que conocemos y amamos -
mejor si son del género en el que trabajaremos-, sentados en el mismo lugar
donde mezclaremos, y a través del mismo equipo. De ese modo, resulta más
fácil comparar “manzanas con manzanas”. Es importante saber cómo el
entorno en el que trabajamos influye sobre nuestra escucha, antes de tomar
cualquier decisión.

Como puedes imaginarte, hay un sinfín de otros obstáculos que pueden

hacerte tropezar durante tu mezcla y convertir cualquier trabajo posterior de
masterización en una odisea - sin duda, muchos más de los que podemos
enumerar en este post.

Como siempre, la recomendación final es que utilices tu oído, escuches con

atención, y aprendas las reglas antes de plantearte cómo romperlas. Si todo lo
demás falla, mantén los errores potenciales en mente, y estarás en el buen
camino hacia unos mejores resultados.
AGUDOS: 11 CONSEJOS Y TRUCOS
PARA MEJORARLOS

Unos agudos bien tratados harán brillar tus mezclas, pero esta área de la
producción esconde peligros ocultos. Te ofrecemos una guía para
ponerte a salvo de todo problema.

1. Baja la frecuencia: a veces, un sonido con unos agudos

cuestionables suena mejor si reduces su frecuencia de muestreo. Hazlo
guardando un archivo a 44,1kHz en forma de archivo a 32kHz o 22,05kHz, o
mediante un plugin dedicado. Un destacado ejemplo es D16 Group Decimort:
para reducción avanzada de bits es muy flexible e incluye
distorsión, bitcrushing y filtros. Si desactivas sus filtros, lo podrás usar para
crear tonos agudos, pero ten cuidado de no dejar esa zona muy desordenada.

2. Cambia el tono: cuando trabajes con una muestra, bajarle el tono disminuirá
su contenido de frecuencia. Eso creará espacio para que suban otros sonidos,
pero no siempre es una solución factible. Igualmente, subir el tono de una
muestra eleva el contenido en frecuencia y eso rellena partes del espectro a las
que antes esa muestra no llegaba. Toma una copia de un lead, sube su tono y
luego mezcla esa nueva versión con la señal sin procesar. Quizá debas
eliminar parte de las frecuencias graves de la capa más aguda.

3. Ruido blanco: muchos sintetizadores incluyen un generador de ruido

blanco. El ruido blanco es especial, pues en teoría usa todas las frecuencias
del espectro. No temas colocar un chorro de ruido blanco sobre una muestra
de charles y moldearla con ecualización para que rellene las frecuencias que
falten. Además, si quieres que un sinte solista destaque sobre todo lo
demás, empléate a fondo con su oscilador de ruido blanco.

4. Clicks al fondo: un problema a considerar en el área de agudos es el

de los clics de las altas frecuencias. Debes estar al tanto de aquellos sonidos
que deberían estar en el fondo, pero que dejan traslucir clics en el primer plano
de la mezcla. Usa envolventes, transitorios, fundidos, o filtros para ocultarlos y
devolver ese sonido al fondo de la mezcla.

5. Limpia el polvo: suele pasar que el contenido de agudos de un sonido lo

oculten unas embarradas frecuencias graves-medias. Quizá sólo debas cortar
entre las zonas de 200 y 800Hz para revelar el verdadero brillo de la señal.
Este problema lo causan las frecuencias fundamentales de las notas que son
reproducidas. Si usas un sintetizador, minimiza este problema usando un suave
filtro paso-alto con seguimiento de teclado.

6. Ensancha tus sonidos: en las frecuencias bajas, el oído humano percibe

con dificultad el emplazamiento de un sonido en el campo estéreo. Pero
conforme subes por el espectro, el campo estéreo se ensancha y aumenta el
tamaño percibido de un sonido. Es una buena idea mantener una zona amplia
de agudos. Panoramiza dos charles a izquierda y derecha y asegúrate de que
su contenido de frecuencia sea el mismo. Haz igual con las panderetas y
demás instrumentos percusivos agudos.

7. Otra capa: si quieres que una parte sea más brillante y se distinga mejor en
la mezcla, pero el procesamiento no funciona, añádele un sonido más brillante.
Quizá ese sonido solapado se oiga mejor una octava más alto, aunque eso no
es del todo necesario. Si apilas un sonido para darle brillo, intenta cortar todo lo
que creas que no encajará bien y mézclalo de forma suave.

8. Compresión multibanda: al igual que la distorsión multibanda, este tipo de

compresión otorga brillo a una señal al “apretar” la banda aguda y suprimir el
área inferior a ella. Minimizarás las partes duras o los agudos excesivos si
comprimes las bandas con un ‘Ratio’ elevado y
unos rápidos ‘Attack’ y ‘Release’.

9. Procesamiento en paralelo: es fácil “pasarse” con técnicas pesadas como

la distorsión y la reducción de la frecuencia de muestreo. Une cualquier
proceso que tenga un efecto perjudicial sobre el sonido a una copia sin
procesar o procesada de forma diferente. No funciona siempre, pero si quieres
un resultado más natural, pruébalo.

10. Divide y vencerás: obtén muchos efectos con procesamiento multibanda.

Toma dos copias idénticas de un sonido y usa un afilado filtro paso-alto en una
y otro paso-bajo en otra - ambas con la misma frecuencia de corte. Tendrás un
control individual sobre las dos bandas. Elimina el sobrante de la zona de
agudos con un suave phaser que haga que el sonido quede intacto.

11. Demasiado agudo: a veces, cuando usas mucho EQ alto o excitadores

para realzar cosas, puede sonar desagradable. Una alternativa para arreglar
este problema es poner un Reductor de Sonido / Bit crusher en el sonido-
instrumento que está causando el sonido “alto desagradable”. Esto reducirá la
dureza de los altos pero sin afectar la sensación terminada de toda la mezcla.
CÓMO EVITAR LA “PELOTA” DE GRAVES
EN TUS MEZCLAS

El problema típico en algunas mezclas “de aficionados” es

que los bajos pueden sonar muy bien en el estudio, pero cuando
pinchan esos temas en un club con el sonido reforzado en graves, todo
se enturbia y se forma una especie de “pelota” de graves que casi impide
escuchar las demás partes de la música.

¿Cuál es el término medio para realzar los graves con la ecualización, con
el fin de lograr pegada? ¿Y en qué consiste la mezcla a base de cortes de
graves en los sonidos? Vamos a contarte algunos trucos y
recomendaciones que llevan funcionando años…

El anhelado bajo con pegada y algunos errores comunes

Uno de los desafíos más complejos en la producción de audio consiste

en lograr un bajo con una buena pegada La situación que describíamos al
principio suele ser la consecuencia de aplicar al bajo un realce en escalón de
graves. Sin embargo, esa ecualización potencia todo el contenido por debajo
de una cierta frecuencia, lo cual incluye a todas las frecuencias turbias tan
graves que acaban afectando a todo el contenido en la gama baja del espectro
audible.

Es preferible aplicar un leve corte de graves (de sólo uno a 2dB) a partir
de 80Hz, y luego realzar ligeramente la banda comprendida entre 80
y 110Hz.

Damos por supuesto que las frecuencias exactas variarán de un tema a otro,
en función del sonido de tu bajo y de las notas que toque, pero ésa suele ser la
gama habitual de trabajo.

Recuerda que el realce que apliques ha de ser muy moderado, sólo de

uno a 2dB sobre una banda muy estrecha - suficiente para que destaque la
parte más rechoncha del espectro del bajo, sin potenciar las otras frecuencias
más turbias.

También deberías comprobar siempre que tu mezcla brille lo suficiente desde

el principio. Una mezcla apagada suele sonar enfangada de cualquier forma,
en especial si la comparas con las actuales mezclas superbrillantes
para clubes.

Por último, procura cortar graves a todos los sonidos que no los necesiten, así
de sencillo y drástico. Sigue todos estos consejos y pronto notarás la
diferencia. ¡Buena suerte!
CÓMO CREAR UNA SENSACIÓN DE
PROFUNDIDAD EN TUS MEZCLAS

Hay tres recursos básicos para crear sensación de profundidad en tus

mezclas: Reverb, Delay, y Ecualización.

Reverb

Reverb es la popular abreviatura de reverberación, y se refiere a los

variados efectos que genera la resonancia del sonido en un espacio, ya sea
éste real o imaginario.

Las reverbs son descritas por su “tamaño”, que se refiere a las dimensiones de
la habitación: cuanto más grande sea ésta, mayor será la duración de la
resonancia del sonido en dicho espacio. Los ajustes de bajas y altas
frecuencias también son comunes en la reverb, pues permiten que la
reverberación sea más brillante u oscura. Las reverbs oscuras tienden a
fusionarse mejor y a sonar más profundas, y potencialmente más realistas. Por
su parte, las reverbs brillantes se mantienen con más facilidad y son más
dramáticas. La mayor parte de reverbs artificiales disponen de un ajuste ‘Mix’
que determina la cantidad de señal original que se mezcla a la salida junto a la
señal procesada.

Siempre recomendamos que el procesamiento de reverberación se realice

desde buses auxiliares o envíos de efectos en lugar de usar puntos de
inserción (inserts). Así las cosas, emplea un ajuste ‘Mix’ del 100% y nivela los
controles de envío (‘send’) a tu gusto.

Recuerda que más reverberación hará que las cosas suenen distantes,
mientras que poca o ninguna les hará parecer más cercanas…

Una estrategia importante cuando deseas crear profundidad es no limitarte a

procesar todo con la misma reverb. Eso no te dará profundidad sino que tan
sólo difuminará tu sonido. La profundidad se crea mediante el contraste entre
espacios: pequeño, grande y “seco”. Nosotros solemos emplear dos o
tres reverbs diferentes en una misma mezcla: una oscura de habitación
mediana, una “room” pequeña y brillante, y una inmensa sala o catedral.

Las “room” son muy útiles para añadir cuerpo a los sonidos que fueron
grabados con poco ambiente, además de servir como “pegamento”. Usaríamos
también una reverb “room” mediana para elementos como baterías, y una
de habitación pequeña para guitarras y voces. La gran sala es útil para
distanciar de forma dramática a unos sonidos respecto a otros y para conseguir
que sean especiales. Esto funciona realmente bien cuando automatizas el nivel
de envío a la reverb o el retorno para añadir contraste.

El empleo de diferentes espacios te ayuda a ubicar los sonidos y provee

diferentes niveles de profundidad mientras mantienes una diversidad de
elementos.

Delay

El efecto delay consiste básicamente en un proceso de eco. Difiere de

la reverb en que el sonido se repite en lugar de resonar en un espacio. Hay
numerosas opciones para los delays: los de tipo analógico, por ejemplo,
suenan menos “hi-fi” que los de naturaleza digital. La modulación añade
variaciones al sonido; la realimentación puede modificar sustancialmente la
forma y temporización de los ecos tras la primera repetición.

Al igual que la reverb, los delays pueden ser ajustados en las frecuencias altas
o graves para alcanzar diferentes características tonales. Un beneficio del uso
de los delays es que “no ocupan” tanto espacio como las reverbs. También
proveen una separación estéreo más acentuada cuando los panoramizas un
poco.

Nos gusta emplear delay sobre las voces masculinas para suavizar un poco las
tonalidades. También pensamos que suenan muy bien sobre instrumentos que
poseen mucho sostenimiento, como algunos patches de sinte o partes de
guitarra con legato. Los delays ayudan a que los elementos parezcan más
integrados en una mezcla, al lograr que sus tonos interactúen en más niveles
de profundidad, y también fijan la atención de los oyentes.

Ecualización

Con toda probabilidad, una de las formas más pasadas por alto para crear
profundidad en las mezclas es una ecualización efectiva. Los sonidos más
oscuros suenan más distantes, mientras que los sonidos más brillantes tienden
a sonar con más presencia.

Un incremento o decremento en el rango de 5 a 10kHz conseguirá con

facilidad que los sonidos se acerquen o alejen en la mezcla sin los difuminados
y complejidades sonoras de las reverbs y delays. Usa la ecualización como tu
primer recurso para gestionar la profundidad y conserva los efectos cuando
quieras que ciertas cosas suenen de un modo “especial”.

Conseguir que estas tres herramientas trabajen de la mejor forma posible

requiere un dilatado proceso de aprendizaje y práctica; y cada cual tiene sus
propias preferencias y trucos. Resérvate algo de tiempo para experimentar y
muy pronto desarrollarás tus propias ideas y técnicas.
VOLUMEN = MÁS AMPLITUD

Si quieres una mezcla fuerte tienes que hacer sonar tu mezcla más amplia (con
paneos, ensanchamientos, delay, reverb, EQ). Esto asegurará que aún haya
espacio para todos los elementos en el track. También crea un poco más de
headroom y posibilidades de incrementar el nivel de sonido.

El Kick, Bass, Sub Bass y Vocal, en el centro.

Otros ingredientes tales como piano, guitarras, leads, claps, rides, hi hats,
snaps, algunos efectos, etc, deben ser más amplios para no interferir con esos
elementos en el medio

Veamos algunas maneras de ampliar algún sonido:

1. Stereo Delay: usa un delay stereo con un tiempo de delay corto (entre 2-10
ms).

2. Ecualización dividida: usa un ecualizador en el cual puedas ecualizar el

canal izquierdo y derecho por separado. Esto ensanchará ligeramente tu
sonido.

3. Stereo Enhancers: hay muchos plugin de stereo enhancers. Ejemplo: los de

Waves, Brainworks e Izotope.

4. Ecualización Mid/Side.

5. Panning: panea a la izquierda y a la derecha algunos elementos.

6. Delays paneados: coloca dos delays en tu canal, uno paneado todo a la

izquierda y otro paneado todo a la derecha.
7. Reverbs paneados: coloca dos reverbs en dos canales auxiliares distintos.
Coloca uno a la izquierda y otro a la derecha. Corta todos los graves del reverb.
Experimenta con los parámetros del reverb. A partir de ahí también se puede
poner un compresor después del reverb o sidechain para darle un poco más de
ventaja.

8. Distorsión + stereo enhancers: coloca algo de distorsión en un canal de

envío con un stereo enhancers en la parte superior y mezcla esto con el sonido
original.

Asegúrate de chequear la compatibilidad mono regularmente ya que estos

efectos pueden provocar un desastre si se aplican mucho. Por eso es muy útil
hacer muchos de estos ensanchamientos stereo mediante canales de envío
(Auxiliares).
PANORAMIZACIÓN: 10 TRUCOS PARA
MEJORAR TUS MEZCLAS

La panoramización ayuda a determinar cómo nuestra mezcla final acabará

sonando frente a los oyentes. Las técnicas de panning pueden ser
utilizadas para crear espacio, mejorar el ya conseguido y crear una
experiencia musical mucho más inmersiva en la audiencia.

Entonces, ¿cómo saber cuando y dónde aplicar panorama? En mucha de la

música actual, el ritmo central y la voz solista son el foco principal de la mezcla.
Por esto, el bombo, la caja y la voz cantante están ubicados en el centro -
normalmente denominado ‘C’ o ‘0’ en la mayoría de software DAW.

El resto de elementos en la mezcla es lo que habitualmente utiliza el ingeniero,

técnico o productor para crear una imagen estéreo del tema. Nuestros oídos
tienden a centrarse en los elementos de la mezcla que están o bien en el
centro, o panoramizados en los extremos izquierdo o derecho, mientras que el
resto queda más difuso.

En muchos casos esto significa que, si cierras los ojos y escuchas tu mezcla,
puedes ver a los músicos tocando sus instrumentos como si estuvieran
posicionados en el escenario. En otros casos, significa que intentas crear
movimiento y excitación haciendo aparecer nuevos elementos en tu campo
estéreo para mantener la atención de la escucha.

Viendo la anchura del campo estéreo

En la imagen de abajo, la mezcla tiene una panoramización muy estrecha, y la

herramienta Stereo Vectorscope nos sugiere que el oyente lo tendrá difícil
para experimentar una sensación de mucho espacio o amplitud…

Sin embargo, en la siguiente imagen, la mezcla tiene un panorama muy

amplio y puedes ver fácilmente el resultado. Durante la producción, se ha
logrado una mezcla mucho más espaciosa y sin necesidad de recurrir a ningún
procesamiento previo más allá de la sencilla panoramización de cada
elemento.
¿Cómo utilizar el panorama musicalmente?

No existen unas normas estrictas y rápidas para esto; tan sólo podemos
aportarte algunas directrices, junto a ciertos trucos y consejos prácticos - pero
es un comienzo y viene muy bien tenerlos a mano:

1. Guitarras dobladas: Al grabar guitarras dobladas (grabando la misma parte

dos veces en pistas separadas), si separamos una pista totalmente a la
izquierda y la otra totalmente a la derecha, conseguirás un sonido mucho más
lleno sin necesidad de saturar la totalidad del arreglo.

2. Panorama complementario: Si tienes dos instrumentos en tu mezcla que

ocupan un rango similar de frecuencias, intenta panoramizar cada uno opuesto
al otro. No hace falta que sea hacia los extremos. Por ejemplo, una guitarra
panoramizada un poco a la izquierda podría complementar a un teclado que
esté ligeramente a la derecha. Esto crea un mejor balance en tu mezcla, y el
oyente no percibe todos los instrumentos como si viniesen exactamente de la
misma posición - lo cual puede fatigar y hacer la escucha aburrida y confusa
para el oído.

3. La caja en el centro o fuera del mismo: Panoramizar la caja totalmente en

el centro hace que, automáticamente, suene con mucha más pegada. Mientras
que enviarla ligeramente hacia un lado, puede hacer que el oyente se centre
más en otros elementos, como la voz principal o el bombo.

4. Breaks y Build up cerrados, Drops amplios: Prueba con una imagen

estéreo más cerrada a lo largo de la mezcla durante los breaks y build up de
tus temas, pero aplica una imagen más abierta al panoramizar los elementos
propios de tu drop. Manteniendo ciertos elementos de esa manera - o
simplemente en momentos puntuales-, crearás interés en tus temas.

5. Escúchalo también en mono: Procura escuchar de vez en cuando tu

mezcla en modo monofónico para asegurarte de que no te estés perdiendo
pegada en el proceso. Es posible que hayas pasado mucho tiempo trabajando
en las panoramizaciones de todas las pistas, ¡sólo para darte cuenta después
de que tu mezcla sonaba mucho más impactante al principio!

6. Ten en cuenta los clubes: Si estás mezclando cualquier tipo de música

electrónica que sea susceptible de ser pinchada en un club, ten en cuenta que
muchos de esos sistemas suenan en mono. La disposición de señales de audio
idénticas panoramizadas a izquierda y derecha, podría provocar cancelaciones
de fase durante las reproducciones monofónicas, particularmente en la zona de
graves. Crea una buena y amplia mezcla estéreo, pero ve alternando a mono
para asegurarte de que no perderás nada al reproducir tu música en sistemas
monofónicos.

7. Comprueba con auriculares: Escucha tu mezcla con auriculares para

asegurarte de que no suene inconexa o sin balance. Tus monitores de estudio
quizá sean excelentes, pero dado que en los auriculares no tendrás problemas
de diafonía (información del altavoz derecho interfiriendo en el oído izquierdo, y
viceversa), tu experiencia sonará diferente. Recuerda, ¡quizá la mayoría de tu
audiencia acabe por escuchar tu música a través de auriculares!

8. No sobrecargues: Intenta que los elementos que panoramices a izquierda o

derecha no sobrecarguen demasiado, rítmicamente hablando. Por ejemplo, al
mezclar dos instrumentos rítmicos que ocupen un rango similar en altas
frecuencias -como una guitarra acústica y un plato hi-hat-, puedes ubicar cada
uno en lados opuestos. Si esos dos instrumentos normalmente reproducen un
ritmo similar (compases 1/8 ó 1/16), mantenerlos en panoramas opuestos
creará una sensación rítmica similar en ambos altavoces. La panoramización
de demasiados elementos rítmicos en un solo canal, puede distraer demasiado.

9. Dale un aire vintage: Dicho esto, algunas viejas grabaciones -o mezclas

modernas hechas con nostalgia y métodos clásicos-, tienden a panoramizar la
batería prácticamente a la derecha del todo, mientras que el bajo se encuentra
en oposición, a la izquierda. Hacer esto quizá obligue a los oyentes a escuchar
con más esfuerzo y atención, pero podría resultar en texturas interesantes para
tu música.
10. Menos es más: Muchas veces, las mezclas más amplias no provienen de
panoramizar todo, sino de hacerlo sólo en ciertos elementos interesantes,
mientras se mantiene un centro balanceado y con pegada. Este tipo de mezcla
suele sonar correctamente en mono, también.

Prueba dar espacio y amplitud a un solo elemento de tu mezcla, como las

guitarras dobladas, una pista de piano o los aéreos de la batería, y deja el resto
alrededor del centro, cuidando los niveles y aplicando una ecualización con
juicio y mesura. Te sorprenderás de lo poderosa que puede ser esta técnica.
TRANSITORIOS / TRANSIENTS

Los transitorios son sonidos que producen una gran cantidad de energía en
poco tiempo. Por ejemplo: kicks, snares, claps, en general toda la percusión.
También otros sonidos tienen transitorios en su inicio, aunque luego tengan
cola. Instrumentos de cuerda como el bass y la guitarra también producen
transitorios.

Con un Transient Designer tú puedes darle forma a los transitorios de un

sonido. Usualmente manipulas el Ataque y el Sustain de determinados sonidos.

Digamos que tu Kick no tiene mucha pegada en tu mezcla. Si tú aumentas el

ataque en el Transient Designer inmediatamente escuchas la diferencia.

También se usa a la inversa. Digamos que hay un golpe potente en el ataque

de un sonido sampleado. Tú puedes fácilmente hacerlo desaparecer
disminuyendo el ataque en el Transient Designer.

También es útil cuando quieres cortar un poco de espacio. En ese caso puedes
acortar el sustain de un sonido para que suene más apretado.
También se puede usar cuando se hacen capas de sintes y cuando se quiere
asegurar que todos tengan un mismo ataque y sustain. Así suena más como un
solo sonido.

Sí, todo esto se puede lograr usando compresores y gates. Pero con Transient
Designer esto es más fácil.
EL RANGO MEDIO

El área que va desde los 250 Hz hasta los 4 Khz es conocida como el rango
medio y es muy importante para tu mezcla. Si está bien mezclado tú creas toda
la energía posible en tu track, lo cual se traslada bien a cualquier sistema.

Algunos consejos para prevenir suciedad en tu rango medio:

1. Corta las frecuencias altas de los sonidos bajos (Kick, bass, sub bass).
Tu bajo opera en el área de 20 a 400 Hz. Lo que significa que puedes cortar
todo lo que está arriba de 400 Hz, sin afectar el sentimiento total del bajo. Pero
de esta forma creas más espacio para las frecuencias medias.

2. Usa un buen sistema de Audio de referencia.

3. Trabaja con volumen bajo y trata de distinguir tu mezcla: pon tu volumen

abajo de manera que apenas puedas escuchar tu mezcla. Y luego trata de
escuchar si distingues todos los sonidos en tu mezcla, en este caso, el
espectro medio.
COMPRESIÓN:

Con compresión podemos reducir los niveles de picos y levantar los niveles
bajos. Entonces, se reduce el rango dinámico y así suena más grueso, gordo.

Cuidado con el hecho de sacar a relucir señales no deseados como ruidos de

la gama baja. Así que ten cuenta esto y ecualiza adecuadamente.

Puedes usar compresión en un sonido (batería, bajo, sinte, guitarra, vocal, etc.)
para hacerlo más presente y grueso en tu mezcla. Puedes usarla para cambiar
la envoltura de un sonido. Puedes usarla como limitador. Puedes usarla para
crear efectos, como envíos de compresión con reverb u otras cosas. Puedes
usarla para hacer sidechain.

Como sea, te recomiendo que no te excedas a menos que te refieras a un

efecto. Y ten cuidado en el hecho de que tus oídos se acostumbren al sonido
comprimido muy rápido. Así que comprara mientras mezclas o tu mezcla será
muy sucio.
MEZCLANDO VOCALES

Cuando mezclas voces en lo más alto de un drop, asegúrate de bajar el

volumen del lead unos pocos dB donde esté la vocal. De esta manera la vocal
siempre destacará, incluso en las partes más activas del track.

Algunos trucos a la hora de mezclar vocales:

De-essing: Si necesitas reducir hazlo manualmente. Usa volumen o técnicas

de fundido.

Pitches: si es necesario corrige algunos de los pitch con Melodyne o Variaudio.

Compresión: usa un poco de compresión para igualar el volumen de la vocal.

Por ejemplo, con Fabfilter Pro C podes ver la cantidad de compresión y cómo
los picos son comprimidos, lo que puede ser muy útil.

Eq: el cuerpo de la vocal se encuentra normalmente entre 200-500 Hz. Todo

debajo de 80 Hz puedes cortarlo. Puedes acentuar la gama alta.
Reverb: usa un reverb con un pre-delay que coincida con los bpm de tu track.
Utiliza un pre-delay que asegure que la vocal no se ahogue en tu mezcla. Para
calcular el pre-delay correcto puedes usar esta fórmula: 60000 dividido los
bpm. Para un track de 128 bpm sería 468,75ms. Si lo dividimos nuevamente en
4 nos da 117ms.

Delay: puedes usar la misma fórmula para calcular el tiempo de delay (o usa
un botón de sincronización). Por lo general, un poco de delay en la cuarta nota
da un buen flujo. Asegúrate de no poner el feedback muy alto.