Cristiano

Siqueira
“entrevista especial”
Pág. 9

3´50 €
c
Director
Juan José Calatayud Sánchez

Edición
Juan José Calatayud Sánchez

Dirección de arte
Juan José Calatayud Sánchez

Diseño
Juan José Calatayud Sánchez

Producción
Juan José Calatayud Sánchez

Colaboradores
Bernabé Gómez Moreno

Imagen portada revista

c CRISTIANO SIQUEIRA
Communion, illustrator and poser, 300pp, 2007

Impreso en Villena, Imprenta Fantasía, Primera Edición, 2016

Todos los derechos reservados
c Acho Magazine of Arts
SUMARIO
Entrevista artista del momento Pintura Poesía - Literatura Cómic
9. Entrevista artista del momento.
49. El tatuaje, tradición 83. Fernando Aramburu 117. Capitán trueno
Cristiano Siqueira

Teatro
50 El cuadro más triste 84. Mankell dice adiós 118. Robert Kirkman
21. Papeles que cuentan toda
una vida
52. Hiperrealismo , bañistas 124. 10 escenas que siempre ocurren
86. Rayden en mortadelo y filemon

23. Viajar con la imaginación

58. 10 curiosidades de Van Gogh

Videojuegos
90. 10 curiosidades de García Lorca

25. Shakespeare en mallas 127. Fenómeno E-Sports

Música Cine
61. Paco de Lucia 93. Cine 7D 128. Amor a los videojuegos retro
28. 10 curiosidades del teatro

Escultura - Arquitectura 66. Electrónica, también es cultura 94. El legado de Wes Craven 130. Virtuix Omni

31. Kazu, escultura hiperrialista

68. Nach 132. 10 juegos AR para android

98. 10 papeles de Johnny Depp

36. Esculturas de otro mundo

72. 10 curisosidades de Beethoven
Fotografía

103. Sally Man

40. Vestido de sal
Danza

42. Belleza abandonada 75. Ballet de Moscú 108. Profesional VS Amateur

44. Casas “Take a way” 76. Break Dance, estilo de vida 110. Aprende fotografía en la cárcel

46. 10 curiosidades del 80. 10 Curiosidades de la danza 114. 10 curiosidades de la

Cristo Redentor fotografía
 Entrevista especial

Cristiano Siqueira
“ Antes de la ilustración, la animación que hice y escenografía
para el teatro. ajuste texto de las páginas, recorte imágenes de
fondo, redibujé logotipos y tales ”

Cristiano Siqueira (o CrisVector, como se hace llamar en los medios sociales) es un ilus-
trador y diseñador gráfico brasileño, especializado en arte del vector.

Él creó recientemente los impresionantes carteles ilustrados de la Copa del Mundo de

2014 para ESPN. Pero esto está lejos de ser su mayor logro. Esto podría haber ayudado a
llegar a un público completamente nuevo y sin duda ha crecido su base de fans, pero an-
tes de que el proyecto de ESPN, Cristiano ha trabajado para clientes como Nike , Playboy
y The Wall Street Journal . Tomó arte vectorial a un nivel completamente nuevo, mez-
clando técnicas de pintura con formas dinámicas, en su propia, estilo fácil de detectar.

9

Cuéntame un poco acerca de cómo comenzó
su carrera. ¿Cuándo ha ocurrido y cómo?
Puedo decir que mi carrera comenzó, de he-
cho, en 1999, cuando empecé como pasan-
te en un estudio de diseño gráfico. Antes de
este tiempo, he tenido algunas experiencias
de trabajo con la animación y la escenografía
para el teatro.
Fui invitado por unos amigos que hicieron el
mismo curso técnico que yo y luego empecé
en el estudio haciendo algunas obras como:
ajustar el texto en páginas, corte de fondo
imágenes, logotipos y redibujar tales.
En este momento yo no estaba en el mundo
de la ilustración, ni siquiera estudiando para
ser un ilustrador. Acabo de recibir la opor-
tunidad de trabajar realmente con la ilustra-
ción los últimos años.
10 Imagen pág 8. Autorretrato, illustrator, 2006 Imagen pág 9. retrato fotografico de Cristiano Siqueira
¿Ha estudiado diseño gráfico, o estás auto-
didacta?
Yo estaba estudiando para convertirme en
un ilustrador o un pintor. Hice una carrera
técnica de diseño de la comunicación, pero
nunca pensé en trabajar con el diseño gráfico
... Yo quería ser como dibujante de cómics,
pintor, ilustrador (como Dave McKean, Bill
Sienkiewicz, Jonh J. Muth, George Pratt, sí!
Yo apuntaba demasiado alto!), así que me
centré solo en mis estudios para aprender
técnicas de pintura y no prestar atención a
la parte de diseño gráfico (tipografía, com-
posición, edición, envases ...) Creo que soy la
mitad, la mitad académica autodidacta . He
aprendido muchas técnicas de profesores,
pero siempre nos animaron a probar nuestra
propia manera. Cuando se elige un camino
para encontrar su propio estilo, es necesario
un cierto nivel de formación autodidacta que
seguir adelante. Con el software de gráficos
soy totalmente autodidacta.
Cuando se elige un camino para encontrar su
propio estilo, es necesario un cierto nivel de
formación autodidacta que seguir adelante
11

Tienes 6 años de experiencia como diseñador gráfico (de acuerdo con la sección acerca de su
sitio web). ¿Es mucho, o un poco más, para un artista gráfico? ¿Cuánto ha evolucionado a
través de los años, lo que ha aprendido?
Sí, creo que 6 años es un buen momento. En 6 años como diseñador gráfico que fuy capaz de
trabajar en dos estudios diferentes y funcionar para algunas diferentes áreas del diseño gráfico:
Publicaciones, Publicidad, Packaging, Diseño Web y, también, tuve el primer contacto con la
ilustración profesional, haciendo mis primeros trabajos para los clientes.
Yo estaba profundamente involucrado con el diseño gráfico de todos estos años y yo era ca-
paz de aprender muchas cosas, esencialmente, cómo tratar con clientes de diferentes áreas,
diferentes públicos y necesidades, percepciones de productos, estrategias de marketing, cómo
hacer frente a diferentes clientes, cómo mantener organizada y proteger mi trabajo también. En
resumen, la experiencia con el diseño gráfico me enseñó a trabajar realmente en este campo y
me dio herramientas para preparar el campo para ser ilustrador, más adelante.
12 Imagen. Madam Nature, Illustrator, serie “Temple”. 2007
¿Por qué el arte vectorial?
Bueno, fue una elección natural. Como he dicho anteriormente, todos mis estudios tienen la in-
tención de ser pintor, así que aprendí muchas técnicas tradicionales de la pintura (acrílico, óleo,
acuarela ..). Sin embargo, cuando empecé con el diseño gráfico, me di cuenta de la utilización de
las imágenes de esta zona era muy centrado en el producto y los recursos técnicos para repro-
ducir una obra de arte en una pieza de diseño gráfico tiene algunas limitaciones, especialmente
con colores (normas CMYK ).
Es decir, en la década de 2000 se podría producir una ilustración de super en cualquier techin-
que, una pintura o algo así, muy bonito en el original, sino estar en la pieza de diseño gráfico que
se debe analizar la pieza y tratar de retocar los colores de photoshop para ser casi a la original
y aceptar que la reproducción representaría al igual que el 60% de la calidad de su trabajo. Así,
empecé a pensar si podría producir una ilustración originalmente en alguna técnica digital y
obtener mejores resultados en las reproducciones.
En ese momento, yo estaba usando Macromedia Freehand todos los días, haciendo logotipos
vuelve a dibujar para un libro (patrocinadores logotipos que hemos tenido solamente una ver-
sión impresa, para estar en el libro que tenía que escanear estos logotipos y volver a dibujar en el
vector), cuando me di cuenta En realidad estaba ilustrando logotipos y yo era muy rápido y buen
hacer esto. Después del trabajo, en un poco de tiempo, empecé a utilizar las mismas técnicas es-
tadísticas para dibujar algunas historietas como una prueba, y yo vi que podía producir algunas
ilustraciones sin estar preocupado por materiales jadeantes (papel, lápiz, tintas) y la eliminación
de los pasos de escanear y retocar del proceso. Así que estaba produciendo ilustraciones de una
manera más barata y más rápida. Entonces me decidí a invertir más en el desarrollo de mi téc-
nica en el arte vectorial y mejorar mi trabajo para alcanzar la calidad que tenía con las pinturas.
13
 ¿Qué herramientas utiliza en su trabajo?
Hoy en día yo uso una tableta Wacom Intuos 4,
un iMac, Adobe Photoshop y Adobe Illustrator.
¿Cuál es su proceso típico para una pieza? ¿Es
el boceto, dibujar, colorear, y luego hacer el
arte vectorial, ¿cómo es posible?
Abro un archivo en Photoshop y hago algunos
bocetos digitales utilizando la tableta Wacom.
Una vez que consiga un buen boceto de po-
ses y composición, agrego más detalles, fija en
Photoshop. Con una línea de trabajo más de-
tallado, añado algunos colores básicos y luego
lo envío para su aprobación. Una vez aproba-
do, consigo este boceto y voy a Illustrator para
terminar el trabajo, a dibujar de nuevo la línea
de trabajo y la adición de los colores / finales
de sombreado / fondos.
14 Imagen pág. 13, Ilustracion Kobi Brayan para promocionar las nuevas camisetas de nike, 2009
Usted ha trabajado con un montón de gran-
des clientes como Nike, Playboy, Wall Street
Journal. ¿Cómo acabaste colaborar con ellos?
Con Nike, me encontraron ot Behance. Me
dieron un correo electrónico de uno de sus di-
rectores de arte preguntando si quería hacer
algunas ilustraciones para las camisetas de ba-
loncesto, por supuesto le dije que sí y la histo-
ria comenzó con Playboy (Brasil), tuve algunas
conversaciones con los diseñadores de la Edi-
tora Abril (que produce la Revista Playboy Bra-
sil) de las obras de mayor edad. Por lo tanto,
soy invitado por el editor de Playboy, que ya
conocía mi trabajo, para crear algunas ilustra-
ciones para su edición de aniversario, y luego
trabajó con ellos. The Wall Street Journal fue
resultado del trabajo duro de mi agente, Erika
Groeschel . Ella trajo esta oportunidad de oro
para mí y fue muy apreciada!
15
 ¿Cuál sería su consejo para otros artistas, a los que tal vez no son “ha llegado todavía”?

Sólo seguir intentando, seguir mejorando su propio trabajo y seguir mejorando su pro-
ceso de autoconocimiento. De esta manera usted puede saber más acerca de usted, lo
que están haciendo y dónde o con quién puede ayudar y ser útil. Donde puede ser un
gran colaborador y ser capaz de conseguir asociaciones sólidas y ser capaz de crear cosas
maravillosas!

Imagen pág. 17 Communion, serie “Temple”, illustrator and poser, 2007

16 17
19
 TEATRO

Papeles que cuentan toda una vida

David Serrano dirige una nueva versión teatral del clásico de A. R. Gurney
“‘Cartas de amor’”
Miguel Rellán y Julia Gutiérrez Caba protagonizan la obra

Casi medio siglo después de rodar Love Story, una obra de teatro ha vuelto a reunir a la pareja
protagonista del icónico filme de Arthur Hiller. Ali MacGraw y Ryan O’Neal se han subido juntos
este año a los escenarios, e, igual que en la película, han protagonizado una conmovedora historia
de amor ficticia. MacGraw y O’Neal han llevado de gira por Estados Unidos una adaptación del
clásico de A. R. Gurney Cartas de amor. David Serrano se encontró por casualidad con la función y
descubrió el texto. Le entusiasmó, y decidió traer la obra al otro lado del Atlántico. Este viernes, el
teatro Palacio Valdés de Avilés acoge el estreno de la adaptación del director y cineasta español.

Imagen. Julia Gutiérez Caba y Miguel Rellán protagonizan “Cartas de amor”. / JEAN PIERRE LEDOS
21
 Julia Gutiérrez Caba y Miguel Rellán dan vida a
la pareja de amantes, un reparto que para Se-
rrano constituye “un lujo”. “Ambos te atrapan
con cada palabra”, apunta. Sobre las palabras,
los dos personajes y la correspondencia que
mantienen durante toda una vida se sostiene
la función, un montaje sencillo e intimista:
“Esta obra tiene la peculiaridad de ser una
lectura, requiere más atención por parte del
público. Lo que importa es que el espectador
se deje llevar”.
Hoy por hoy, Cartas de amor es todo un clá-
sico teatral en EE UU, aunque cuando la es-
cribió hace 30 años, A. R. Gurney ya estaba
harto de las tablas y en su cabeza la historia
tomó forma como una novela, cuyo manuscri-
to envió al diario The New Yorker para probar
suerte. En cambio, el destino tenía preparado
para el texto un futuro... en los escenarios. El
longevo amor avivado por las cartas entre Me-
lissa Gardner y Andrew Makeplace brindarían
al dramaturgo estadounidense el mayor éxito
de toda su carrera y una candidatura al Pulit-
zer en 1990.
Desde entonces, el texto no ha parado de via-
jar por todo el mundo, y una década después
de su estreno en Broadway Martin Starger
22
compró los derechos cinematográficos de la
película en 1999, protagonizada por Laura
Linney y Stephen Weber y dirigida por Stan-
ley Donen.
En la adaptación de David Serrano, las refe-
rencias locales de la versión original se han
reducido al máximo, y, subraya el director, Viajar con la imaginación
han exprimido los toques de humor. Pero
el espíritu en la función se mantiene intac-
La oferta cultural madrileña para el final de las vacaciones vera-
to. “La vida pasa por muchas etapas, la obra
niegas oscila entre la nostalgia, el terror y la realidad virtual
también”, señala. “Es una historia de amor
muy especial, aunque al mismo tiempo muy
real, muy auténtica”. Las cartas recogen la
relación de Melissa Gardner y Andrew Make-
place, dos amigos que se conocen en la in-
fancia y que posteriormente se enamoran. Una de las mejores propuestas de la última muestra de creación escénica Surge Ma-
Durante más de medio siglo mantienen la drid fue No soy Dean Moriarty, de Jean Yago, dirigida por Gerard Iravedra. Basada en la
correspondencia, que leen ante el público novela En la carretera, escrita por Jack Kerouac, esta obra vuelve a partir del miércoles
desvelando sus amores, desamores, triunfos a la Sala Tú. En un garito de una ciudad sin nombre, dos jóvenes camareros (Fernando
y fracasos. En definitiva, resume David Serra- Tielve y Ferran Vilajosana) recogen y limpian el local mientras juegan a ser libres, me-
no, “es una obra que recorre todas las etapas tiéndose en la piel de Sal Paradise y Dean Moriarty, protagonistas de la mítica novela.
de la vida de una persona”. Para abandonar su tediosa vida, cada noche se imaginan estar en lugares diferentes.
Hoy, uno de ellos confiesa que ha llegado el momento de dejar todo atrás y convertir
Tras su estreno en Avilés, Cartas de amor lle- la ficción en realidad. El otro defenderá que él viaja cada noche, de verdad. Y ahí es-
gará a finales de septiembre a los Teatros del tallará el conflicto de esta tragicomedia que reflexiona sobre la libertad. ¿Viajarán a
Canal de Madrid, y más adelante emprende- algún sitio en algún momento o seguirán jugando eternamente a viajar desde ese bar
rá una gira por España. sin salir jamás de él?
Imagen. Fernando Tielve (izq) y Ferran Vilajosana protagonizan “No soy Dean Moriarty”. / ANTONIO CASTRO
23
 Rendidos a los clásicos

El estío ha consolidado una tendencia en la programación de los cines de verano: la mirada al

pasado. Realizada bien en clave nostálgica —como el lleno absoluto de La Princesa Prometida
en Cibeles de Cine, donde vuelven a emitirla el 6 de septiembre— bien en clave clásica. Así,
esta semana en el cine de los cascos programan El Apartamento (30 de agosto), Sabrina (28 de
agosto) y Jules et Jim (31 de agosto). En Conde Duque se rinden ante la imponente Metrópolis
(4 septiembre) y se regocijan con Trainspoting. Ante el estreno de la efectiva y eficiente Café So-
ciety, la dosis anual de Woody Allen, las salas estivales homenajean al director bien emitiéndola
(29 de agosto en Fescinal; 9 de septiembre en Conde Duque) bien reponiendo la maravillosa
Misterioso Asesinato en Manhattan (3 de septiembre en Cibeles de Cine). Para tener un clásico
final de verano.

Los ochenta, la realidad virtual y una ruta terrorífica Shakespeare en mallas

Los ochenta están de moda. Series como Stranger Things o la vuelta —en femenino— de Caza-
fantasmas demuestran que la década que alumbró también a Los Goonies sigue teniendo tirón.
Y en la sala de cine Artistic Metropol (Cigarreras, 6) lo atestiguan, además, con la proyección de
otra de estas joyas que, sin duda, hará las delicias de los nostálgicos: La historia interminable. El
próximo miércoles, Bastián volverá a tratar de impedir que el Reino de Fantasía desaparezca. La
cinta se proyecta a las 16.15 horas y la entrada vale 4,5 euros.
Para mí, educado en los curas, fue un trauma usar mallas; al
principio hasta me resultaba pecaminoso: el padre Murillo, que me
enseñó francés de niño, insistía en que ir apretado provocaba
impotencia y era malo, ‘mon chérie’, para la pureza (nunca supe si
la suya o la mía)

Otra realidad que parece que ha venido para quedarse es la virtual. Quienes saben de esto dicen
que será la tecnología protagonista del 2016. En el Espacio Fundación Telefónica (Fuencarral,
3) lo secundan con el denominado Espacio Realidad Virtual: un showroom en el que se podrán
probar de manera gratuita infinidad de gadgets y sentir también las experiencias más avanzadas
en este campo. Este espacio está en la cuarta planta y se puede visitar desde el próximo jueves
y hasta finales de año. Para participar es necesario reservar fecha y hora.
Y un plan terrorífico. Madrid Ghost Tour ofrece el próximo viernes una ruta por el lado más
oscuro de la capital. Se podrá conocer, por ejemplo, a algunos de los seres más fantasmagóricos
de la ciudad. Como la chica que llora en el Palacio de Linares, la muchacha del balcón que mira
desde la casa de las siete chimeneas o el hombre sin cabeza que se sienta frente a la Iglesia de
San Ginés. La ruta se hace con un guía y parte desde la estatua de Felipe III, en la Plaza Mayor. El
recorrido dura dos horas y cuesta siete euros (cuatro los menores de 12 años).
No podemos dejar pasar el 400 aniversario de la muerte de Shakespeare sin hablar de las mallas.
Las mallas, como sabrán, son las medias que llegan hasta la cintura y se usan para la danza, el
teatro y el circo, y quedan, si se es de género masculino y medianamente dotado, como un tiro.
Fueron el primer antecedente de los pantis y leotardos, esas prendas reveladoras, y su nombre
–no es broma– deriva del de un fabricante francés de vestuario teatral del siglo XIX llamado
Maillot, Monsieur Maillot. No puedo dejar de recordar aquí que se atribuye a otro francés, el
ingeniero automovilístico (!) Louis Réard (1897-1984), la creación de otro maillot, el de bain le
plus petit: efectivamente, el biquini, en el año de gracia de 1946.
Ah, las mallas: son para la parte de abajo del intérprete de Hamlet, por ejemplo, como la calave-
ra para la de arriba. El autor de estas líneas –yo, es lo que tiene el “ser o no ser”, que te confun-
de– ha sufrido mucha malla en su corta pero intensa vida teatral.

Imagen. Duelo de “Hamlet” dirigido por Laurence Oliver en 1948. /CORDON PRESS
24 25
 En el Institut del Teatre de Barcelona, la escuela oficial en la que estudié arte dramático, rama
interpretación, licenciándome con un sobresaliente en acrobacia y otro en expresión corporal
avanzada (materias en las que luego he ido a la baja), era rigurosamente obligatorio vestir ma-
llas en determinadas asignaturas, esencialmente las de actividad física y muy especialmente
en mimo, donde era importante que se te viera hasta el higadillo, para juzgar si te movías bien.

Para mí, educado en los curas, fue un trauma usarlas; al principio hasta me resultaba pecami-
noso –el padre Murillo, que me enseñó francés de niño, insistía en que ir apretado provocaba
impotencia y era malo, mon chérie, para la pureza (nunca supe si la suya o la mía)–. Me costaba
verme en mallas. En cambio, que las llevaran las chicas que estudiaban para actrices como Mont-
se Guallar me parecía estupendo, y que viva Monsieur Maillot.

Había compañeros que a diferencia de mí se las enfundaban tan a gusto. Abel Folk, sin ir más
lejos, al que ahora se ha visto tan respetable, casi patriarcal, como embajador de España en Ban-
gkok en la serie La embajada, no tenía empacho en pasearse por todas partes, hasta en el bar de
la esquina, con ese atuendo con el que más que marcar el paso lo marcas todo. ¡Y hay que ver el
empaque(te) que tenía Abel con sus célebres mallas!

Si dejamos de lado a los bailarines rusos y

los espadachines de Hollywood (sobre los
que hemos de volver en esta sección, no se
La escena del duelo a mí me sigue
preocupen), probablemente quienes hayan produciendo rubor. Te fijas más en
tirado más de malla sean los actores shakes- la entrepierna de Laertes que en
pearianos. la espada. Puro Soneto 151 con to-
das sus alusiones turgentes: “Pues
Romeo y Julieta es acaso la obra más apreta- la carne más no ansía”
da, se sea Capuleto o Montesco, Teobaldo o
Benvolio; sólo se salva Fray Lorenzo. El Mer-
cutio de Peter Finch en la versión de Zefirelli
dejó ahí una marca casi imbatible. Qué comprometido, ataviado así, soltar su famosa frase sobre
la pera poperina. Laurence Olivier también ha marcado lo suyo: su Enrique V, más que el Día de
San Crispín, parece celebrar el Día de San DIM.

Ya Edmund Kean puso de moda ir apretado por el castillo de Elsinore, pero el Hamlet que dirigió
e interpretó Olivier en el cine es una apoteosis shakespeariana de la malla. La escena del duelo a
mí me sigue produciendo rubor. Te fijas más en la entrepierna de Laertes que en la espada. Puro
Soneto 151 con todas sus alusiones turgentes: “Pues la carne más no ansía”.

Dicho todo esto, he de reconocer que aún conservo las mías. No las canónicas negras que enfun-
daba con dramatismo my nobler part, sino otras, más festivas –una pierna de cada color– con
las que compuse un Ricardo III que sería deforme pero alegraba la vista. Algunas noches, en la
intimidad, me enfundo en ellas con esfuerzo y, cuando recupero la respiración, declamo aquellas
sentidas líneas del Bardo: “Mi honestidad no debe empobrecer mi grandeza” [Telón].

26 Imagen, escena de “Hamlet”

 10
7. Una luz siempre encendida
principales supersticiones del 6. Las plumas de pavo real
Las plumas de este animal están mal vistas Nunca ha de dejarse el escenario comple-
mundo del teatro no solo en el teatro. Los coloridos dibujos
de estas aves, que pueden recordar a un
tamente a oscuras. La razón, los fantasmas.
En el mundo del teatro son innumerables
ojo diabólico, parecen tener la culpa de las historias y las leyendas sobre fantas-
El color amarillo, desear buena suerte o regalar clave- mas; la más famosa, la que recogió Gastón
ello: significan mal de ojo. Según la tradi-
les, son sinónimo de mal fario en los escenarios
ción, han ocurrido muchos sucesos desa- Lerroux en su novela «El fantasma de la
gradables y accidentes en escena con un Ópera». Para ahuyentarlos, siempre per-
denominador común: había en ella una manece una luz encendida en el escenario
1. El amarillo, color proscrito 2. Prohibido desear suerte pluma de pavo real. o entre cajas.
El color amarillo está proscrito en el mundo de Desear suerte el día del estreno es sinónimo
la escena, e incluso hay quien se pone nervioso de mala suerte. Para sustituirlo, se utilizan
si alguien del público lo lleva. Al parecer, nace expresiones como «Mierda». Popularizada
de la muerte en escena del dramaturgo frances en el teatro francés, parece referirse a los
Jean-Baptiste Poquelin, Molière. En febrero de excrementos que dejaban los caballos de los 8. Prohibido tejer lana 9. No a los espejos
1673, Molière estrenó «El enfermo imaginario», carruajes de los asistentes al teatro. Cuanto Los actores pasan en ocasiones muchos Que se rompa un espejo equivale, según
y vestía de amarillo. En plena representación se mayor era la «mierda» alrededor del teatro, tiempos muertos en sus camerinos, esperan- el acerbo popular, a siete años de mala
sintió indispuesto y pocas horas después moría mayor éxito suponía para la obra. do salir de nuevo a escena o aguardando en suerte, y no solo en el mundo de la escena,
en su casa. Desde entonces, se considera este los ensayos; y han de entretenerse con algo. donde son sinónimo de mal fario incluso
color gafe para el escenario. Pero tienen prohibido tejer algo con lana, enteros. De todos modos, y supersticiones
eso significa mala suerte para todo el repar- aparte, los espejos reales son elementos
4. Prohibido silbar to de la obra. peligrosos encima de un escenario, porque
3. Macbeth, la obra maldita presentan problemas técnicos con las lu-
Silbar en escena es sinónimo de mala suer-
Las gentes de la escena evitan decir la palabra ces, y pueden ser causa de distracción para
te. Por lo menos para quien lo haga, ya que
«Macbeth» en el teatro, y se refieren a ella algún actor o actriz poco concentrados y
la tradición exige que sea despedido. Todo
como «la obra escocesa». De hecho, existe con hinchazón de ego.
parece provenir de la época en que no ha-
incluso un ritual en el caso de que alguien la
bía otra forma de comunicación que la voz.
pronuncie para limpiar la maldición: salir del
Los técnicos trasladaban las órdenes dadas
teatro, escupir en el suelo, girar sobre sí mismo
por el director mediante silbidos codifica-
tres veces y pedir a gritos poder volver a entrar
dos. Si una persona ajena a ellos silbaba a
en la sala. Acerca del origen, tampoco está cla-
destiempo, podìa provocar una catástrofe
10. El libreto bajo la almohada
ro. Hay quien culpa a Shakespeare, por incluir Algunos actores, durante el período de ensayos,
en escena.
conjuros y maldiciones auténticos en el texto. dormían con el libreto bajo la almohada. No es
que se hubieran enamorado del texto o de su
personaje, sino que existía la creencia de que
así les sería más fácil aprenderse el papel; por
5. No regalar claveles el contrario, otros lo consideran signo de mala
Si ha pensado enviar flores al camerino de un suerte. En cualquier caso, siempre es más se-
actor o una actriz -algo que ellos agradecen mu- guro tratar de aprendérselo a base de estudio
cho-, no se le ocurra incluir claveles e el ramo. y repetición.
Esta superstición procede, al parecer, del siglo
XIX. Entonces, los teatros contrataban a los in-
térpretes por temporada y su manera de comu-
nicar la renovación del contrato a una actriz era
enviarle rosas. Si, por el contrario, le enviaban
claveles, era la sutil manera que tenía el empre-
sario de decirle que estaba despedida.

28 29
 Escultura-Arquitectura

Kazuhiro Tsuji
UN ARTISTA “RESUCITA” A PERSONAJES ILUSTRES CON SUS IMPRESIO-
NANTES ESCULTURAS HIPERREALISTAS

Sin palabras nos deja el artista japonés Kazuhiro Tsuji, que sorprende al mundo con su verdadero
arte. Su trabajo basado en el hiperrealismo, ha cautivado a sus miles de seguidores y a los es-
pectadores de sus obras, con su última pieza, una escultura de la famosa artista mexicana Frida
Kahlo bajo el lema “Viva la vida”. Kazuhiro Tsuji es un profesional de efectos especiales, conocido
también, por sus increíbles retratos hiperrealistas de Abraham Lincoln, Dick Smith, Andy Warhol
y Salvador Dalí.

Imagen. Kazuhiro Tsuji modelando una de sus esculturas

31
 La Frida de Tsuji está hecha de resina y silicona, sin
embargo, el artista no quiso mostrarla con las carac-
terísticas comunes de dolor y sufrimiento que la ma-
yoría lo hace, y en su lugar prefirió elevarla con dos
gigantes brazos dorados. El uso de resina, silicona
platino, y muchos otros materiales, Kazu construye
retratos tridimensionales en un tamaño de escala
dos veces la vida.

32 Imagen. Frida de Tsuji, resina y silicona

 Romain Langlois
ESCULTURAS DE BRONCE QUE PARECEN VENIR DE OTRO PLANETA

Romain Langlois es un escultor autodidacta que utiliza bronce estirado so-

bre piedra, aunque al principio de su carrera trabajó con materiales como
yeso y arcilla antes de pasar a materiales permanentes, sus primeras obras
se inspiran en la anatomía humana. Sin embargo, sus piezas contemporá-
neas buscan más inspiración en una naturaleza más alejada del hombre.

Con su arte pretende diseccionar los elementos naturales con los que traba-
ja, el bronce representa la energía interior y como resultado tenemos escul-
turas que dan como resultado algo parecido de otro planeta.

36 cantos rodados con bisecados, interiores extendidos de

bronce,
Romain Langlois en su taller, Francia
 Sigalit Landau
VESTIDO DE SAL, UNA OBRA MAESTRA FABRICADA POR EL MAR MUERTO

La escultora israelí Sigalit Landau siente una especial veneración por el

Mar Muerto. Desde su casa natal en una colina de Jerusalén, miraba ha-
cia los bancos de aguas salobres del norte, y visitaba esas costas los fines
de semana con su familia. Estas influencias se filtran ahora en su tra-
bajo creativo, tanto en su ambiente como en sus materiales, entrando
literal y simbólicamente en planos surrealistas y espirituales. “Es como
encontrarse con un marco temporal diferente, una lógica diferente, otro
planeta”, explica.

Su último proyecto, una serie de ocho fotos que se llama Salt Bride, re-
presenta una cautivadora colaboración única con la mística inherente a
la química del apreciado lago.

Landau sumergió un vestido negro en sus aguas en 2014 y regresó varias

veces durante tres meses para captar sus transformaciónes inducidas
por la salinidad, viendo como los relucientes cristales conquistaron gra-
dualmente la oscura tela. Para Landau, el vestido pronto aparecía “como
la nieve, como el azúcar, como el abrazo de la muerte” poético lenguaje
para describir un efecto que se manifiesta con una delicadeza que pare-
ce mágica, a pesar de su origen terrenal.

El concepto se inspiró en la obra de S. Ansky de 1916 titulada El Dibuk,

en la que una mujer joven hasídica es poseída por el espíritu de un
amante difunto, cuando está comprometida para casarse en una familia
acomodada. La historia está llena de romance y magia, lo que Landau
pretende emular.

La prenda original de Salt Bride es una réplica de la usada en la produc-

ción teatral en la década de 1920, mientras que la sal sirve para simbo-
lizar la fuerza sobrenatural que hechiza el tejido negro provocando la
aparición de un vestido de novia blanco.

Prosceso final de la transformacion del vestido de epoca (1920) en el mar muerto.

40
 Schönwalde, por ejemplo. Construido en
1933 por los nazis, las fuerzas soviéticas lo
abandonarían 60 años más tarde. Perdido
en un lugar inhóspito al norte de la ciudad,
el irlandés Ciarán Fahey fotografió hace
unos meses sus ventanas desvencijadas,
pasillos decrépitos y aura romántica.
El blog Abandoned Berlin recoge las imáge-
nes que Fahey captura en sus incursiones
por lugares que hace tiempo que dejaron
de interesar a la mayoría. El culto a la de-
cadencia de estos edificios define a los fa-
náticos de lo que denominan “exploración
urbana”. A este club pertenece Pablo Arbo-
leda, un arquitecto español que fue a Ale-
mania a estudiar y se quedó enamorado de
las fábricas, vías de trenes y otros espacios
desiertos que encontró en la capital. Influi-
do por el blog de Fahey, Arboleda estudió
el fenómeno en su trabajo de máster, que
ahora ha publicado la revista británica In-
ternational Journal of Heritage Studies.
“Mi objetivo era darle la vuelta al concep-
El orgullo de las ruinas to de patrimonio histórico inmutable. No
quería hablar de los tesoros de los centros
modernas históricos, sino ofrecer una idea alternati-
va, en la que el estado transitorio se convier-
te en lo esencial. Y explorar el componente
artístico de las ruinas”, asegura el joven ar-
quitecto. Para ello, se coló durante cuatro
meses en unos 20 edificios víctimas del de-
terioro del paso del tiempo; y los fotografió
con una cámara analógica montada por él
mismo. El resultado es una serie de imáge-
nes de estética similar, técnica imperfecta y
extraña belleza.
Arboleda se ocupa en su artículo de la polé-
mica que divide a los seguidores de la explo-
ración urbana: ¿deben estas ruinas perma-
necer ocultas, accesibles solo para los que se
arriesguen a entrar en territorios en teoría
prohibidos? ¿O son de agradecer iniciativas
como el blog de Fahey, que contribuyen a di-
vulgar estos monumentos a la decadencia?
“Se ha creado una subcultura hermética;
gente que desarrolla una sensación de per-
tenencia con los edificios abandonados. Que
no se conozcan estos lugares es una forma
de protegerlos. Me parece una digna mane-
ra de morir para estos lugares que se vayan
degradando con el tiempo”, responde el ar-
quitecto español.

Paseo por los edificios abandonados de la ca-

pital alemana bajo la mirada del arquitecto
español Pablo Arboleda

Los últimos cien años de la historia de Berlín pueden resumirse a través de sus aeropuertos.
El BER, bautizado con el nombre del canciller Willy Brandt y diseñado para centralizar con una
moderna infraestructura los vuelos de la capital alemana, ofrece una imagen reveladora del
presente. Este megaproyecto arrastra pérdidas milmillonarias, retrasos sin fin y una imagen
desastrosa. El penúltimo episodio del sainete llegó hace unos meses, cuando su portavoz soltó
en una entrevista perlas como: “Nadie que no esté bajo tratamiento médico puede dar garan-
tías por este proyecto”. Su destitución tardó pocas horas en llegar.

En el aeropuerto de Schönefeld el líder de la Alemania socialista, Erich Honecker, abrazó con

una gran sonrisa al cubano Fidel Castro; y el de Tempelhof se convirtió sin quererlo en un sím-
bolo de la guerra fría al servir como solución al bloqueo de 1948. Todos estos son episodios
conocidos. Pero hay otros que permanecen ocultos.

imagen pág. 42, Fotografía del blog ‘Abandoned Berlin’, de Ciarán Fahey, que refleja el abandono actual del aeropuerto
42 Schönwalde. Imagen pág 43, Otra foto del blog ‘Abandoned Berlín’ del aeropuerto de Schönwalde.
 Alojamientos transportables
de Getaway
Wyatt Komarin, Addison Godine, Rachel Moranis y Emily Margulies,
un grupo de estudiantes recién graduados en la Harvard University
Graduate School of Design, han constituido la empresa Getaway
para diseñar, construir y alquilar pequeñas cabañas de madera
portátiles.

Oscilando entre los 15 y 20 metros cuadrados, los alojamientos actualmente se encuentran

cerca de Boston y Nueva York, en terrenos cedidos de manera temporal por los propietarios.
Construidos en cuatro semanas, los módulos son alargados y estrechos, facilitando su transpor-
te por carretera. Concebidos con el objetivo de maximizar el espacio disponible, los diferentes
modelos —Ovida, Lorraine, Clara, Salvatore, Maisie, Eleanor e Isidore, que toman el nombre de
los abuelos de los miembros de la compañía— comparten los mismos sistemas de fontanería,
electricidad y calefacción.

44
 10
curiosidades sobre la estatua
del Cristo Redentor
No cabe duda de que una de las imágenes que más se asocia con la ciudad de
Río de Janeiro es la de la monumental estatua del Cristo Redentor. La preciosa
escultura Art-Decó, que está situada en la cima del morro Corcovado se ha
convertido en una de las principales (sino la principal) atracciones turísticas
de la ciudad y su fama a nivel mundial es tan grande que en el 2007 fue consi-
derada una de las Siete Maravillas del Mundo Moderno.
Sin embargo, a pesar de que la estatua del Cristo Redentor es famosa a nivel
mundial y de que diario es visitada por miles de personas procedentes de
cientos de países diferentes, hay algunos detalles sobre su historia que no se
conocen tanto. Por eso hemos querido contarte diez curiosidades que quizá
no conocías.
1. El nombre original del morro del Corcovado fue Pico da Tentação
(Pico de la Tentación)
En el siglo XVI los primeros conquistadores portugueses le pusieron ese nombre, en honor a la
montaña donde, según la Biblia, Jesucristo fue tentado por el diablo. Un siglo más tarde el mo-
rro cambió de nombre por el de Corcovado, haciendo referencia a su forma que recuerda a una
corcova o joroba (en español).
2. Llevó más de medio siglo hacer realidad la idea
La idea original de levantar una estatua de Cristo sobre la cima del morro Corcovado fue del
religioso Pedro María Boss y contó con el apoyo de la princesa Isabel de Portugal. Sin embargo la
idea no se retomó hasta 1921, como parte de las celebraciones por los cien años de la indepen-
dencia de Brasil, iniciándose la construcción en 1926.
3. El tren que sube a la cima del Corcovado es mucho más antiguo
El tren no se creó para hacer posible la visita a la imagen del Cristo Redentor sino que fue inau-
gurado mucho antes, en 1884 convirtiendo al morro en uno de los principales miradores de la
ciudad. De hecho fue gracias a ese tren, que las partes de la monumental escultura pudieron ser
trasladadas y ensambladas en la cima.
4. La estatua no es como se diseñó originalmente.
La estatua original que diseñó el artista plástico Carlos Oswal y que ganó el concurso público,
consideraba que la imagen del Cristo debía sostener una cruz en la mano izquierda y el globo
terráqueo en la derecha, pero finalmente durante la ejecución de la escultura se prescindió
de ambos símbolos.
46
5. La estatua del Cristo Redentor fue construida en Francia
En el momento de su creación se pensó que Brasil no contaba con personas con la suficiente cua-
lificación como para desarrollar semejante obra de arte. La estatua, llegó a Brasil en cientos de
partes, sólo la cabeza estaba formada por 50, y fue montada en sentido inverso al que se podría
esperar, es decir desde la cabeza hasta los pies.
6. Durante la construcción de la estatua del Cristo Redentor no hubo
ninguna víctima mortal
Esto fue todo un logro para la época, sobre todo tomando en cuenta que se necesitaron más de
1000 toneladas de hormigón y que por la forma de la estatua, con los brazos extendidos al vacío,
el trabajo de montaje y revestimiento entrañaba un gran peligros.
7. El corazón de la estatua es la única parte que tiene una forma
perfecta tanto por fuera como por dentro
De hecho, en el interior del corazón hay una botella que contiene el árbol genealógico de Héctor
Levi, un judío que fuera el constructor responsable de la obra y que se convirtió al catolicismo
después de salvarse de morir en un grave accidente. De esta manera, el constructor simbolizó la
entrega de él y su familia al Cristo Redentor.
8. La estatua del Cristo Redentor sí tiene pies
Aunque no pueden verse desde abajo, los pies descalzos del Cristo Redentor se asoman por
debajo la túnica. Otra cosa que no es fácil de ver es que en la cabeza lleva una especie de corona
de espinas que en realidad hace las veces de pararrayos.
9. El brazo izquierdo del Cristo es 40 centímetros más pequeño
que el brazo derecho
Esta diferencia de tamaño se debe a que los brazos fueron diseñados como la vela de un barco, y
con estas medidas se consigue que la escultura pueda ser capaz de resistir vientos de hasta 150
kilómetros por hora.
10. La estatua del Cristo Redentor es completamente hueca, a excep-
ción de las manos
En el interior de la estatua hay una estrecha escalera metálica que permite llegar a las 4 salidas
que hay hacia el exterior, 2 en cada brazo y una en la parte superior de la cabeza. La entrada a la
escultura está en un lateral, bajo el brazo derecho del Cristo, pero para llegar a ella primero hay
que subir a la parte de arriba del pedestal donde está la capilla, curiosamente éste no tiene una
subida por su interior, así que la única forma de alcanzar la entrada a la estatua es colocando
por fuera una escalera de mano o un andamio que salve los 8 metros de altura del pedestal. En
cualquier caso la subida a la majestuosa estatua sólo está permitida a los encargados del mante-
nimiento y reparación o a unos pocos afortunados, con permiso expreso de la iglesia.
47
 Pintura

El tatuaje: tradición ancestral,

arte y polémica sobre la piel
Fuerte marca de identidad, indicador de estatus y distinción o de pertenencia a una determina-
da clase social, símbolo sagrado, estigma, ornamento personalizado, centro de polémicas... El
tatuaje es una de las formas de arte más antiguas de la historia y se ha practicado en culturas an-
cestrales de todo el mundo. Su popularidad en los países occidentales es sólo una consecuencia
de lo importante que ha sido siempre para el ser humano utilizar la piel como lienzo inseparable.

Ritos de pasaje, nivel social y protección Utilizando agujas o espinas, graban patrones en la piel
que varían de un clan familiar a otro. Los maoríes de Nueva Zelanda también han marcado desde
siempre su rostro con los Ta Moko, motivos que indican el nivel social y familiar del sujeto. En Tai-
landia existen los Sak Yan, de carácter sagrado, creados para protejer de la mala suerte y ayudar
al portador a llevar una vida moralmente impecable. A pesar de ser representativo de la cultura
nipona, el país los prohibió de 1870 a 1948 por su asociación con la yakuza, la mafia japonesa. En
los siglos XVIII y XIX, ilustraciones, dibujos y fotos de viajes despertaban la curiosidad occidental
sobre este arte, visto como exótico y misterioso. No florecería en Europa y en los EE UU hasta los
años anteriores a la I Guerra Mundial, era símbolo de buen gusto y las clases altas y miembros
de las familias reales europeas (como la alemana) se tatuaron.

Distinción y delincuencia Pero el siglo XX fue muy ambiguo, el dibujo sobre la piel representó la
distinción y también el estigma. Soldados y marineros dieron fe de sus experiencias con motivos
a veces eróticos y fantásticos, también los delincuentes plasmaron sus logros y aquellos testimo-
nios gráficos comenzaron a ser útiles para su identificación y detención. En la actualidad, existen
múltiples códigos entre convictos en Rusia o pandilleros en países de lationamérica. El artista
polaco Artur Zmijewski abre un controvertido debate en su vídeo 80064, en el que Josef Tarnawa
—de 92 años, superviviente del campo de concentración de Auschwitz— deja que le repasen el
número de identificación ya medio borrado que los nazis le tatuaron.

retrato de 1911 de Maud Stevens Wagner, artista de circo y primera mujer tatuadora de EE UU 49
 El cuadro más triste
Hace cuatro siglos Velázquez se adelantó a Tinder y a
‘Boyhood’, la película de Linklater

Se te encoge el corazón si piensas que la niña de Las Meninas está

enterrada en la Cripta de los Capuchinos de Viena. Sabemos que ha
llovido desde 1656, cuando Velázquez pintó esa obra, pero después de
verla millones de veces en medio de la escena, con su vestido blanco,
en tantos manuales de historia de arte, entradas del Museo del Prado,
versiones y reproducciones, se hace raro imaginar muerta a esa chiqui-
lla de cinco años. Y más raro aún pensar que murió con 21 después de
parir cuatro hijos. Era la emperatriz del todopoderoso Sacro Imperio
Romano Germánico, pero el último parto la mató.

Hay una forma de mirar los cuadros que no consiste en admirar la téc-
nica de los grandes maestros sino en pensar en los que los habitan:
qué fue de ellos antes y después de convertirse en óleo. Hace dos años
Richard Linklater estrenó Boyhood, la vida de un muchacho rodada du-
rante más de una década usando en la ficción la evolución física de su
protagonista, el actor Ellar Coltrane. Hace casi cuatro siglos Velázquez y
su yerno, Juan Bautista Martínez del Mazo, hicieron algo parecido con
la hija de Felipe IV. No fue por pretensiones realistas sino por la prosai-
ca intención real de emparejar a la infanta con la rama austriaca de su
propia familia. Y la pintura era el Tinder de la época.

En el Kunsthistorisches de Viena están los tres velázquez que retratan

a Margarita con tres, cinco y ocho años (el primero, puede que lo re-
cuerden, salía en la foto con la que los actuales Reyes felicitaron las
Navidades de 2013). En el Prado, a la izquierda de Las Meninas, hay
un lienzo en el que la niña, que viste un traje rosa, tiene ya 12 años.
Durante mucho tiempo se le dio categoría de icono: se decía que era
la última obra que pintó Velázquez. Ahora sabemos que la pintó su
yerno, el mismo que, poco más tarde, retrató a Margarita con 14 años,
de luto por el padre y a poco de casarse (por poderes) con un hombre
al que nunca había visto: su tío Leopoldo I de Austria. Fue en 1666. Le
quedaban siete inviernos de vida. Ese cuadro de Mazo es uno de los
más tristes del Prado. Está en la sala 16 A, a cien pasos de Las Meninas.
Extraño corredor de la muerte.

imagen Izquierda, fragmento meninas de Velázuqez. “Infanta Margarita de Austria”

50 Imagen derecha , Doña Margarita de Austria, de Juan Bautista Martínez del Mazo
 PINTURAS
HIPERREALISTAS DE
BAÑISTAS
Un artista ha llevado sus pinturas de
bañistas a la vida, posando con ellos ale-
gremente, crea la ilusión de estar a punto
de sumergirse en el agua.

Gustavo Silva Nuñez, un artista residente en Valencia,

Venezuela, crea pinturas increíblemente realistas de
personas bañándose en el agua, su uso de la luz y los
reflejos hacen que parezcan tridimensionales.

Para añadir realismo, posa junto a las pinturas de for-

mas sorprendentemente interactivas, haciendo que
parezca como si estuviera agarrando las extremida-
des de los nadadores o protegiéndose de sus salpi-
caduras.

52 Imagenes pág 53,54 y 56 Gustavo Silva interactuando con sus obras

 10
Curiosidades sobre Vincent 6. Durante uno de sus brotes de “locura”, Van Gogh atacó a su amigo
Paul Gauguin (también artista) con una navaja.
Van Gogh. Esto dio como resultado que Vincent se cortara su propia oreja, pero no entera, como todos
piensan.

Encarnación del artista torturado e incomprendido, Van Gogh no llegó a

vender más que uno de aquellos centenares de cuadros suyos que actualmen-
te alcanzan desorbitadas cotizaciones en las subastas. El reconocimiento de
su obra no empezó hasta un año después de su muerte, a raíz de una exposición
retrospectiva organizada por el Salón de los Independientes; en nuestros días,
Van Gogh es considerado unánimemente uno de los grandes genios de la pin- 7. Van Gogh creó su obra más famosa,
tura moderna. Su producción ejerció una influencia decisiva en todo el arte “La noche estrellada”, cuando estaba internado en un sanatorio en Saint-Rémy-de-Provence,
del siglo XX, especialmente en el fauvismo y el expresionismo; y tras más de un Francia, lugar en el que pasaría el resto de sus días.
siglo de experimentos artísticos, la pincelada tosca y atormentada del artis-
ta holandés, alimentada por el vigor de su pasión interior, conserva toda su
fascinante fuerza emotiva.

8. Van Gogh representaba visualmente las ‘turbulencias’ en sus cua-

dros durante un momento particularmente caótico de su vida.
1. Vincent Van Gogh nació el 30 de Marzo de 1853 en Holanda. El concepto de fluido turbulento, un principio matemático increíblemente complejo y aún sin
Le llamaron así por su abuelo y por su hermano… que murió todavía siendo un bebé un año resolver.
antes de que Van Gogh naciera.

2. Van Gogh tenía 27 años cuando pintó su primer cuadro,

llamado “Los comedores de patatas” 9. Vincent se pegó un tiro en un campo de trigo de Auvers, Francia,
pero no murió hasta dos días más tarde -a la edad de 37 años-. Su hermano Theo, a su lado
cuando murió, dijo que sus últimas palabras fueron “La tristesse durera toujours“, que significa
“la tristeza durará para siempre“.
3. Cuando Van Gogh empezó a pintar, usaba campesinos como modelo.
Después pintaría flores, paisajes y a sí mismo… ante todo porque era demasiado pobre como
para pagar a nadie que posara para él.

4. Van Gogh sufría de epilepsia del lóbulo temporal, 10. Vincent Van Gogh sólo vendió un cuadro durante toda su vida
una enfermedad neurológica crónica caracterizada por convulsiones recurrentes y sin causa apa- Se convirtió en un pintor famoso después de su muerte. (reconocido en una exposición retros-
rente. pectiva en su honor en 1890)

5. En un corto periodo de 10 años,

Van Gogh pintó aproximadamente 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas).

58 59
 Musica

Paco de Lucía
El genio “especial”
El algecireño Francisco Sánchez Gómez, más conocido
como Paco de Lucía (1947-2014), dejó una discografía
compuesta por 36 álbumes y un reguero de conciertos
ofrecidos por todo el mundo con los que elevó el fla-
menco a la altura que por derecho le correspondía.
Y consiguió, sin leer partituras ni saber composición,
convertirse en un genio de la guitarra casi desde el
inicio de su carrera. Silvia Cruz Lapeña lo despidió con
este artículo.

A Paco de Lucía lo intentó abortar su madre, cansada de pasar fatigas con tantas bocas a las que
alimentar, pero no lo consiguió. “Se bebió una mezcla de aguardiente, clavo y azafrán con la que
casi explota”, explica el crítico Manuel Bohórquez, refiriéndose a la portuguesa Luzia Gomes, la
mujer de quien tomó el nombre artístico el guitarrista. Pero el crío salió adelante demostrando
una resistencia que exhibiría muchas veces a lo largo de su vida y que sería la clave de su éxito.
¿Tenía talento? Sí. ¿Tenía una habilidad inconmensurable para tocar la guitarra? También. Pero
es en las miles de horas de práctica donde hay que buscar las claves de su brillantez, pues los
que lo conocieron saben que jamás bajó la guardia y que se encerraba días enteros tocando un
instrumento que solo se doma a base de ensayo. Su padre, Antonio Sánchez Pecino, le dejó muy
claro desde pequeño que para superar al fantástico trío que conformaban las bases del flamenco
–Ramón Montoya, Niño Ricardo y Sabicas– tendría que tocar hasta la extenuación.

61
 Sobre la genialidad de Paco de Lucía se
ha dicho de todo. Y es posible que mu-
chos le atribuyan ese genio porque toda-
vía hay quien ve imposible que alguien
sin nociones de composición y que no
sabía leer una partitura fuera capaz de
tantas cosas. Es una atribución, esa del
genio, que también hacen algunos cuan-
do escuchan a un flamenco abrir la boca
y transformar, cuando no inventar direc-
tamente, unos versos que a cualquier
escritor le llevaría media vida componer.
La cultura, eminentemente oral, en la
que se criaron Paco de Lucía, su herma-
no Pepe o Camarón de la Isla resulta muy
lejana para la alfabetizada sociedad del
siglo XXI, pero en la parte del siglo XX en
la que ellos vivieron, así como en el lugar
donde crecieron, Cádiz, y las condiciones
sociales y económicas con que se hicie-
ron mayores, la formación del espíritu
pasa por las canciones, por los poemas
recitados de memoria y por dichos po-
pulares que suelen albergar no solo sabi-
duría, sino también nociones de métrica
y armonía. No es que en Andalucía se
pasen la vida cantando y bailando, como
les gustaba creer a los escritores román-
ticos que la visitaron en el siglo XIX, es
que se vive rimando porque aún es, en
parte y afortunadamente, una sociedad
oral, es decir, musical. Paco de Lucía po-
seía unas cualidades innegables para el
toque de guitarra, un oído finísimo para
la música, pero, sobre todo, un tesón in-
conmensurable que suplió las carencias
teóricas que pudiera tener al principio:
“En la composición, como dijo alguien,
hay un diez por ciento de inspiración y un
noventa por ciento de transpiración”, le
dijo a José Maria Gaztelu en una ocasión,
quizá un poco harto de que se le pregun-
tara una y mil veces por el origen de su
talento.
62
En poco tiempo De Lucía se convirtió
en bisagra. Con motivo de su muerte, el
periodista Arcadi Espada recordaba un
nombre fuera de la terna de guitarristas
antes citada: Diego del Gastor, un toca-
dor casi sin discos que apenas salió de
su pueblo, de estilo hondísimo y maes-
tro improvisador. Apuntaba Espada que
cuando en 1973 murió el de Morón de la
Frontera, Paco estaba en plena grabación
de “Fuente y caudal” (Philips, 1973), una
circunstancia que empuja a pensar en
una especie de relevo imaginario y silen-
cioso que llevaría la guitarra flamenca de-
recha al siglo XXI. Paco de Lucía tomó el
testigo casi sin saberlo, pero lo tomó para
transformarlo, algo nada fácil en un mun-
do, el del flamenco, al que le sobran guar-
dianes de la pureza. Y esa fue otra de las
cualidades, y no menor, de Paco de Lucía:
la necesidad de retar a sus mayores. Lo
hizo cuando aflamencó el cajón peruano
y cuando a palos tan serios como la ta-
ranta les metió un bajo eléctrico. Lo hizo
de nuevo cuando se atrevió con el jazz,
aunque las manos de Chick Corea y Al di
Meola, entre otros, lo bendijeron desde
el inicio, por lo que los retos que lanzaba
De Lucía parecían siempre dirigidos a sus
orígenes, a los cabales que abrían deba-
tes sobre lo jondo en los que Paco nunca
entraba. En 1991, el día que tocó el “Con-
cierto de Aranjuez” en el Teatro Bulevar
de Torrelodones, con el maestro Joaquín
Rodrigo presente, estaba nervioso como
un chiquillo. Fue el único en subir al esce-
nario sin partitura y, cuando al acabar la
pieza el anciano compositor lo abrazó, la
cara de Paco de Lucía era la de alguien so-
brepasado por las circunstancias. YouTu-
be nos brinda la oportunidad de ver la es-
cena: al acabar, no parecía Paco de Lucía,
sino más bien Francisco Sánchez Gómez,
su yo sin guitarra, el que solía confesar en
las entrevistas que no era consciente de
la repercusión que tenía lo que hacía.
 En esas entrevistas, Paco de Lucía demostraba ser un hombre parco en palabras, algo que se-
guramente le acercó de una forma casi mística a Camarón de la Isla. La relación de Paco y José
la intentaron mancillar unos cuantos a cuenta de los derechos de autor que decían que el payo
le había quitado al gitano. Retomaron su relación tras dos años sin hablarse y poco tiempo des-
pués Camarón se murió y lo dejó solo. A él le dedicó su Premio Príncipe de Asturias, pues sabía
de sobras que ese galardón no era solamente para él, sino también para el flamenco y para su
hermano perdido. Con él grabó trece discos espléndidos y se sintió acompañado en su deseo de
explorar nuevos territorios. Francisco Peregil explica en “Camarón de la Isla. El dolor de un prín-
cipe” (1993; Libros del K.O., 2014) que Paco le decía al cantaor: “Camarón, ten cuidado, no hagas
tonterías, que el día que tú te vayas me voy yo también”. Esta biografía recoge sus regañinas a
José por su mala vida; en ellas le pedía que se cuidara por el bien de ambos. Y esa frase, amante
y correctora, adquirió sentido con el paso de los años, pues algo de aquel Paco de Lucía quedó
anclado en su etapa camaronera. Él lo negó alguna vez, pero era obvio que en sus formaciones
contaba siempre con una voz “acamaroná”, reflejo de lo mucho que echaba de menos esa mane-
ra descarnada de cantar que tenía el de la Isla, aunque es posible que lo que añorara por encima
de todo fuera al propio Camarón.
64
Con otros guitarristas, Paco de Lucía fue siempre generoso. A pesar de que no quiso dar clases ni
escribir libros, nunca le negó un ratito a cualquier chaval, aficionado o profesional, que quisiera
enseñarle o preguntarle algo sobre el toque. “Tengo una gran responsabilidad, así que no puedo
hacer una guasa y orientarlos negativamente”, explicó al crítico Alfredo Grimaldos en 2004. Qui-
zá se acordaba de aquellos guitarristas viejos de los que intentó aprender y que, según él mismo
explicó más de una vez, “tocaban de espaldas alguna falseta para que no se las pudieran copiar”.
Paco de Lucía grabó 36 discos y se dejó uno en el tintero: “Canciones andaluzas”, que tenía
prevista la salida para el mes de abril y con el que exploraba la copla haciendo gala de otro don:
innovar cuando nadie lo pedía y volver a lo básico cuando le apetecía. A los nacidos en Algeciras
se les llama popularmente “especiales”, una cualidad que Paco ejerció practicando una liber-
tad absoluta, un rasgo que no abunda en la guitarra flamenca. “Todos parecen hijos del mismo
padre”, decía Paco Cepero, veterano tocador, quejándose no del algecireño, sino de la forma,
casi monoteísta, con que se ha copiado su estilo. Al conocerse la noticia de su muerte, Manuel
Bohórquez apuntó que la inmensa figura de Paco había taponado la salida de otros talentosos
guitarristas y decía que ninguno intentará ocupar su lugar: “Y si alguno lo hiciera, seguramente
sería para continuar su obra”, remataba el crítico, dejando claro que pasará tiempo hasta que
alguien se salga del todo de la senda marcada por el genio “especial”.
65
 La electrónica
también es cultura
La asociación Electrónica es Arte y Cultura
celebra el viernes unas jornadas gratuitas,
con sesiones y reflexiones, en el Centro Cul-
tural Conde Duque

Madrid siempre ha tenido una enorme tradición de es-

pacios en los que compatibilizar electrónica y cultura.
No solo desde el ámbito institucional, el que más se
suele reivindicar, sino también desde lo privado a través
de discotecas, clubes y colectivos que se han decidido
por una programación más inquieta. Un camino que ha
ayudado a que la capital conozca las últimas tendencias
musicales, apostando dentro de un género abierto al fu-
turo, pero con claras conexiones con el pasado.

La asociación Electrónica es Arte y Cultura (EAC) nace

con el fin de potenciar la música electrónica y a sus ar-
tistas locales, a través de diferentes actividades diurnas
de carácter lúdicocultural, vinculando el sector con una
actividad que va mucho más allá del ocio nocturno.
También se presentan como espacio de reunión y deba-
te para que los profesionales del sector puedan exponer
y defender sus derechos e intereses. Una apuesta por la
diversidad, en la que también se quiere ofrecer asesora-
miento especializado a las diferentes problemáticas que
puedan tener djs, productores, técnicos, programado-
res y demás especialistas.

La agrupación celebra mañana unas jornadas gratuitas

en el Centro Cultural Conde Duque (Calle Conde Duque,
9; entre las 17.00 y las 2.00). Para ello contarán con el
apoyo desinteresado de importantes artistas de la es-
cena madrileña, que presentarán sesiones y conciertos
alejados de la pista de baile más convencional. Figuras
vinculadas, durante las últimas dos décadas, al sonido
de esta ciudad: Leandro Gamez, HD Substance o Eles-
baan, que han preparado sets de ambient. También ha-
brá un hueco para los directos de D.Y.O.R., Anthonius y
Superama 3AM, marcados por la música de raíz expe-
rimental. Para cerrar cuentan con David Ponziano, que
se saldrá de la línea temática del encuentro, dejando
vía libre al baile y al hedonismo característico del fin de
semana.

66 Imagen promocional del DJ Superama

 NACH: “El rap actual es más
duro y oscuro, más macarra
que el de antes”
Sin apenas haber tenido tiempo de digerir su anterior disco de Slam Poetry, el
alicantino Nach recupera su versión más reconocible con “A través de mí” (Uni-
versal Music, 15). Un disco en el que el rap vuelve a ser el protagonista tanto
en las letras como en la música, donde une su inconfundible voz a las de otro
altos cargos como Sharif, Swan Fyahbwoy o Rayden
Antes de entrar en materia pongámonos en perspectiva. Presentas este disco un año después
de “Los viajes Inmóviles” aquel Lp en el que te desviaste un poco del guión del rap propiamente
dicho. ¿Qué tal fue la cogida de ese trabajo?.
Es verdad que era un disco diferente, que supuso un cambio tanto para mí como para la gente
que me suele escuchar. Y por eso ha habido de todo, gente que le gustó mucho y le entusiasmó,
otros que no lo entendieron o les aburrió,… Cuando la gente está acostumbrada a algo y le das
otra cosa diferente puede haber mil tipos de reacciones, pero yo estoy muy contento con el
resultado. Y en mi carrera tener un disco así es una bonita experiencia a nivel musical, me gusta
que haya algo que aporte un toque de color diferente como ese disco.
68
Y apenas un año después presentas un nuevo trabajo, “A través de mí”. Suponemos que la
grabación de estos dos discos tuvo que solaparse en algún momento.
Sí, este disco de rap ya lo tenía en mente y preparándolo hace más tiempo, pero cuando surgió
la oportunidad de “Los Viajes inmóviles” lo dejé un poco parado. Lo retomé hace unos meses y
seguí por la misma línea que tenía pensada porque tenía claro cuál era la idea que quería para él.
Como nombre has elegido “A través de mí”, dando a entender que quizá nos vayamos a encon-
trar con un Nach más introspectivo incluso que en sus anteriores discos. ¿Qué es lo que debe
ver a través de ti un oyente cuando escuche este disco?.
Bueno, cuando escribía este disco empecé a plantearme ya no sólo qué era lo que escribía, sino
porqué lo hacía. Empecé a verlo entonces como un mapa emocional de mi interior, en donde
había una serie de paisajes sobre cosas de mi infancia, de mi vida, que a su vez se conectaban
con las distintas partes de mi cuerpo. Era como conectar mi parte externa con mi parte interna,
y que a través de la letras y la música el oyente pudiese meterse en mi piel y entender esas cosas
que siento. Se me pasaron por la cabeza otros títulos más poéticos y evocadores, pero quería
algo directo y por eso me decidí por “A través de mí”.
¿Crees que estamos entonces ante un disco más personal o profundo que los anteriores?.
Eso no he podido valorarlo aún, porque cuando estas componiendo no lo comparas con los
anteriores, eso viene más tarde. Yo siempre me dejo llevar e intento hacer letras personales,
pero en este disco también hay temas cañeros, otros combativos, otros en los que hablo del rap
y el movimiento,… no ha quedado como un disco monotemático. Al final ha quedado un buen
mejunje en cuanto a letras se refiere, que es algo que buscaba.
69
 Con este, y si consideramos “Ars
Respecto a lo del movimiento que mencionas, en este disco hablas en varias ocasio- Magna-Miradas” como dos dis-
nes de la cultura hiphop, especialmente aquí en España. Una cultura y una música cos independientes, presentas tu
de la que llevas siendo partícipe y testigo prácticamente desde que nació. ¿Cómo octavo LP, una meta difícil de al-
ves, desde la perspectiva que te dan veinte años de carrera, el estado actual del rap canzar viendo como está el mundo
español?. de la música hoy en día. ¿En qué
momento está la carrera de Nach,
Hablando así en general lo veo bien, veo mucha gente haciendo cosas, auteditándose como resumirías tu camino hasta
y buscándose la vida. Muchos nuevos sonidos que están apareciendo y atraen a la aquí?.
gente, y gracias a internet podemos ver que el nivel de creatividad en el rap español
está en continuo crecimiento. Por otro lado el momento social que estamos atra- Creo que lo mejor para mí es que
vesando está sirviendo de inspiración a muchos grupos y quizá eso haya provocado a pesar del paso del tiempo sigo
que el rap actual sea más duro y oscuro, más macarra incluso que el de antes. Pero sintiéndome igual que al principio.
también veo que a la hora de mover su música y salir a flote, falta paciencia y expe- Con inquietudes nuevas y ganas
riencia. Internet es un océano demasiado grande lleno de miles de grupos de lo que de seguir en esto, pero sintiéndo-
no puedes depender, hay que trabajar duro y ser constante, montarte conciertos, me la misma persona pese a los
saber organizarte y no buscar el éxito con una sola canción, sino saber que este es un años. Aunque el tiempo te ayuda
proceso largo y lento. Los inicios son duros para todos, hay que aprender a sufrir y no a aprender ciertas cosas de las que
todos parecen dispuestos. te vas dando cuenta poco a poco.
Sentirte a gusto con lo que haces es
Encontramos incluso una canción titulada “Rap Español” en la que citas multitud de fundamental para no dejarte influir
artistas que han sido relevantes para el desarrollo de esta música. Pero sin embargo por el qué dirán y te da la tranquili-
no te has acordado de otros más actuales que también están logrando un notable dad para seguir haciendo lo que te
reconocimiento, dando la sensación de que esta canción es más un pequeño home- gusta y en lo que crees, aprendien-
naje a la vieja escuela que al rap en general. do a evadirte de esa presión exter-
na de la gente que todos tenemos
No, lo que ocurre es que con la canción no quería abordar lo que es el movimiento en al principio. La experiencia, como
general si no a aquellos artistas que han formado parte o han sido aportado algo a mi en todo, es vital en la música.
carrera o mi vida. No es que estos artistas nuevos no me representen o los reconozca,
ni mucho menos, es casualidad que la mayoría que cito sean más antiguos, pero en Y ahora toca lo que más motiva a
este tema quería mencionar personalmente a aquellos que han sido importantes de la mayoría de los músicos, salir a
alguna manera para mi música. los escenarios y demostrar cómo
suena este disco en directo.
En lo que se refiere al sonido del disco, vemos que el peso de la producción recae
fundamentalmente sobre Baghira, aunque también participan Pablo Cebrián, Khai- Sí, primero estaremos en Sudamé-
Beat, MagicBeats,… ¿Qué sonido buscabas para “A Través de mí”?. rica y luego ya vendremos a hacer
la gira aquí. Allí hay un montón de
Realmente no buscaba ninguno en particular, he confiado en productores que sé que gente que nos sigue y tenemos mu-
me gusta cómo trabajan y que además saben cuál es el estilo y la música que va más chas ganas de poder devolverles
conmigo, pero no les he puesto ninguna condición de antemano. Además he tenido todo ese cariño que nos dan, por lo
la suerte de encontrarme con Pablo Cebrián, un productor multidisciplinar que me que ya tenemos cerradas cosas allí.
ha ayudado a darle un empujón instrumental al disco. Es un hombre orquesta, que Y luego ya en España estaremos
domina varios instrumentos y le surgen muchas ideas. Y contar con alguien que no primero de festivales en verano y
se ciña estrictamente al rap y sepa de más músicas ha ayudado a enriquecer un poco a partir de septiembre ya empeza-
más musicalmente el disco. remos con la gira oficial, os iremos
informando.

Texto: Alfonso Gil / Fotos: Archivo

70
 6. Era muy extraño y desaliñado

10 curiosidades sobre Beethoven

¿Sabías Que? Beethoven con solo 17 años fue alabado por el gran músico y
Beethoven frecuentaba ir por la calle con ropa desaliñada y el pelo desarreglado, exclamando
las melodías que se le ocurrían a plena voz y escribiéndolas en un cuaderno que llevaba con él.

compositor Amadeus Mozart.

1. Un nombre familiar lleno de tradición
La verdad es que el nombre de Ludwig Van Beethoven no fue el único que hubo en su familia. Su
abuelo y también su hermano fallecido a los pocos días de que naciera el compositor, tenían el
mismo nombre “Ludwig Van Beethoven”.
7. Era una persona enferma
No es que tuviera una enfermedad concreta sino que frecuentemente enfermaba por diferentes
motivos. Se especula con la posibilidad de que como apenas salía de su casa, sus defensas no
estaban lo suficientemente preparadas para afrontar una vida normal fuera de casa.
8. Jamás se casó y tampoco mantuvo relaciones perdurables

2. De niño practicaba hasta llorar
Advirtiendo su padre que podía convertirse en el nuevo Mozart, le obligaba a estudiar y practicar
música día y noche. De hecho, se cuenta que por las noches precisamente Beethoven, cuando
era niño lloraba desconsoladamente por las interminables horas que pasaba delante del piano.
Ludwig nunca se casó y en lo general fue muy infeliz en su vida, lo cual se acentuaba por sus
problemas de salud y las preocupaciones constantes de su sobrino Karl van Beethoven del cual
además era su tutor.

9. Y sí, era casi sordo

3. Fue excéntrico autodidacta
Beethoven no solo fue autodidacta dentro del mundo de la música, sino que, tan absorbido es-
taba en este mundo que no podía ir a la escuela. Un hecho que le obligó a formarse en el resto
de las materias en su propia casa con la única ayuda que era su facilidad para adquirir conoci-
mientos por su propia cuenta.
Esta es una de las mayores curiosidades de Beethoven. Pero no era sordo de nacimiento como
dicen muchos. Fue entre los 27 años cuando comenzó a escuchar un zumbido en el interior de
su oído que apenas le dejaba escuchar con facilidad. Sin embargo, esto no le impidió adaptarse
y componer algunas de las mejores obras musicales de la historia.

4. Wolfgang A. Mozart le alabó 10. Falleció durante una tormenta

Ludwig Van Beethoven falleció durante una tormenta eléctrica y la mayoría comparó este su-
El genial Mozart no se impresionaba fácilmente, pero cuentan las personas que presenciaron el
ceso con sus composiciones algo turbulentas. Su fallecimiento correspondió a sus numerosas
encuentro entre estos grandes personajes, que cuando Beethoven contaba con 17 años, impre-
enfermedades, pero la autopsia reveló que la principal causa fue un hígado descompuesto por
sionó tanto a Mozart, que este último no tuvo más remedio que alabarle.
el alcohol y una cirrosis en estado terminal.

5. Aprendió música con Haydn

A pesar de que casi siempre practicaba en solitario, se cuenta que fue Haydn una de las pocas
personas que le enseñó algo de música. Eso sí, tenían un carácter tan fuerte que la mayoría de
las clases terminaban con algún tipo de discusión.

72 73
 Danza

El Ballet de Moscú emociona al

público barcelonés con ‘Giselle’
La formación presenta en Barcelona por primera vez su visión del clásico

El Teatro Tívoli de Barcelona, ha vuelto a programar al Ballet de Moscú, una formación que visita
nuestra ciudad una o dos veces al año para bailar las principales obras del repertorio clásico, con
mayor o menor fortuna.

No se trata de una compañía virtuosa de primera línea, pero sí de una formación con un elenco
disciplinado y entregado. En esta ocasión, después de El lago de los cisnes, ha bailado Giselle,
obra que presenta por primera vez en nuestra ciudad. Este emblemático ballet romántico es her-
moso desde todos los puntos de vista. Su fascinante historia de amor entre la campesina Giselle,
y el príncipe, Albrecht y la depurada técnica que requiere su interpretación, le convierten en una
delicada y exquisita obra de arte. El Ballet de Moscú realizó una correcta ejecución, discreta en
el primer acto, pero brillante en el segundo. La compañía bordó el lírico y sobrenatural mundo
de las willis.

El ballet Giselle o Las Willis, con música de Adolphe Adam y coreografía de Jules Perrot y Jean
Coralli, se estrenó el lunes 28 de junio de 1841 en el Teatro de la Academia Real de la Música,
antigua Ópera de París, desaparecida por un incendió y sustituida por el actual Palacio Garnier
en 1875.

Morir de amor

La versión que presenta el Ballet de Moscú de esa obra está firmada por el director de esta
formación desde 1989, Timour Fayziev (Taskent, 1953), quien ha sido respetuoso con la original,
pero que se ceñido a las dimensiones del Teatro Tívoli, siempre pequeño para estas produc-
ciones, y al nivel de los componentes de esta formación. No obstante, Fayziev sale airoso de la
puesta en escena, y muy especialmente gracias a la bailarina protagonista, Cristina Terentiev,
discreta en el primer acto pero sublime en el segundo. Sus variaciones fueron ejecutadas con
una precisión asombrosa y su fuerte personalidad escénica, que exhibe frente al amor que la
enloquece, derritió al espectador.

Text: Carmen del Val / Foto: las bailarinas en plena actuación 75


El break dance,un estilo de vida
El break dance además de ser un género de baile es un estilo de vida, que deter-
mina una forma muy particular de ver el mundo.
Son conocidos como B-boys, su estilo de vida es el baile, su esencia es la
música y la gorra su fiel compañía. Son bailarines de break dance, uno de
los cuatro elementos que pertenecen a la cultura hip-hop, oriunda de Bronx,
Queens y Brooklyn, barrios populares neoyorquinos, receptores de ritmos lati-
noamericanos y africanos.
En 1960 nació este género, que pasó de ser escuchado entre los suburbios de
Estados Unidos para contagiar a niños y jóvenes de todos los continentes.
Lejos de ser un simple ritmo musical, el hip-hop se convirtió en una cultura,
que determina una forma de pensar, una manera de vestir y una visión muy
particular de la vida.
76
Una sana oportunidad
El break dance, como la expresión más popular, pero no peyorativa del hip-hop, es el espacio
para que cientos de jóvenes de todo el planeta hagan catarsis de la represión, inequidad e injus-
ticia social que padecen los barrios periféricos, en los que residen la población más vulnerable.
Por lo menos ese es el caso de Mauro Peruzzi, que esconde su verdadero nombre con el apodo
de Cico, y quien desde muy pequeño logró escaparse de las drogas y la violencia, refugiándose
en el baile.
“Cuando caminaba por las calles de Alemania en 1995, el país donde trabajaron mis padres
durante un tiempo, y conocí el break dance, me di cuenta que esa era la oportunidad para hacer
algo por mi vida. Diez años después estoy recorriendo el mundo bailando y replicando un men-
saje para los jóvenes”, afirma “Cico”, quien ostenta tres Guiness Records por la velocidad de sus
movimientos al momento de bailar.
Y el mensaje, según este artista, está precisamente dirigido a los jóvenes marginados y que
están expuestos a hacer parte de grupos delictivos o a la drogadicción. “Solo quiero replicar mi
historia de vida como un ejemplo para que los jóvenes, sin importar su condición económica,
entiendan que el arte, incluyendo cualquiera de sus manifestaciones como el baile, la música, la
pintura y el teatro, pueden ser una verdadera opción de vida”.
Con dedicación, compromiso y mucho esfuerzo, este italiano logró en poco tiempo pasar de ser
un simple espectador de las batallas de break dance a convertirse en el campeón mundial de
este género de baile.
77
 “Al principio es muy difícil avanzar en este género porque los
movimientos producen mucho dolor en los músculos, por eso
para el break dance se necesita un cuerpo fuerte y saludable,
acompañado de mucha actitud”, agrega “Cico”.

El Freestyle

Aunque el break dance, como modalidad de baile, no tiene un

modelo coreográfico establecido ni lineal, sí tiene algunos pa-
sos y figuras básicas que van de acuerdo al ritmo de la música.

En este sentido, el freestyle, que es bailar libremente sin te-

ner rutinas planeadas, le permite al bailarín expresar a través
de sus movimientos lo que siente y piensa. La creatividad y la
innovación hacen entonces la diferencia entre cada participan-
te de los torneos que en la actualidad congregan a artistas de
todo el mundo.

“Cuando escucho las pistas que utilizamos para bailar, que son
mezclas de ritmos como salsa, cumbia, hip-hop, reggae, dance
y electrónica; mi cuerpo de inmediato se empieza a mover y
llegan por inercia a mi mente pasos y posiciones muy parti-
culares”, explica Alex Díaz, conocido como “El niño”, quien es
oriundo de Boston, Estados Unidos.

“El niño” reconoce que su estilo lo ha construido con el tiempo

y se caracteriza por utilizar su descendencia latina para bailar
break dance, pues toma pasos de géneros musicales como la
salsa, la bachata y el capoeira para sus presentaciones.

“Cuando estoy en la pista me desprendo de mis problemas y

siento solamente el ritmo de la música. Eso es suficiente para
que mis manos y pies empiecen a mezclar pasos de géneros
latinos con la esencia del break dance”, indica este bailarín nor-
teamericano, que inició su carrera en 1995, motivado por sus
tíos que desde 1979 eran bailarines de Michael Jackson.

Estos dos bailarines, que se encuentran por estos días en Me-

dellín, coinciden en algo y es que lo más importante del break
dance es encontrarse a sí mismo, descubrir lo que realmente
cada persona quiere y disfrutar de cada uno de los movimien-
tos.

“El break dance es la expresión del cuerpo, de los sentimientos.

Lo puedes ver como el color, cuanto más color tenga en su inte-
rior, más lo puedes expresar”, afirma “Cico”.

78 Texto: Juan David Posada Garzón / Fotos: Banco de imagenes

 6-El nombre de “flamenco” proviene de la expresión andalusí “fellah min

10
Datos curiosos sobre gueir ard”, que significa “campesino sin tierra”.
la danza

Entendemos como Danza cualquier actividad corporal utilizada tanto por

el hombre como por la mujer, ya sea de forma individual o colectiva, que 7- Dos de las obras de ballet más famosas del mundo son dos cuentos
expresa y comunica estado de ánimos, sentimientos, ideas o pensamientos. La
danza implica preparación física y conocimiento de la técnica y le aporta
infantiles: El Cascanueces y La bella durmiente.
a su practicante destreza y habilidad. Además, mejora la aptitud social de
cada persona.

1-La danza
Fué el único arte moderno que Hitler no prohibió durante la II Guerra Mundial. 8- Con una sesión de ballet se pueden perder hasta 250 calorías.
Con una de hip hop 500 y con una de zumba intensa 800.

2-Se cree que el pole dance puede provenir de un deporte indio llamado
Mallakhamb, cuyo origen se remonta al 1135 DC. En sus inicios fue exclusivo para luchadores
y en el siglo XVIII empezó a ponerse en práctica por más gente.
9- El rey de Francia Luis XIV, conocido como el Rey Sol.
Fue un gran impulsor de la danza y el promotor de la primera academia profesional de este arte,
la Académie Royale de Danse.

3- El primer tutú se inventó en Europa sobre el 1820.

Hoy en día se puede tardar en hacer un tutú profesional entre 60 y 90 horas.

10- Cada vez que un bailarín salta en punta, soporta tres veces su peso corporal
con la punta de sus dedos.
4-La samba, es un excelente entrenamiento para los futbolistas.
Según el doctor Tomoyuki Yamamoto y su equipo de investigación del Instituto avanzado para
la ciencia y la tecnología, “bailar y ejercitar las caderas es esencial para mejorar la movilidad del
resto del cuerpo”. Por este motivo decidieron entrenar a un equipo de fútbol bailando samba.

5- El 26 de julio es una fecha supersticiosa para los amantes de la

danza. En esa fecha en 1862, la bailarina Emma Livry murió al incendiarse su tutú. Hoy en día
la ley exige que los tutús se creen con materiales ignífugos.
 Poesia - Literatura

Fernando Aramburu: “La derrota

literaria de ETA sigue pendiente”
El escritor charla en su casa de Hannover de ‘Patria’, una novela sobre la
historia reciente del País Vasco a través de dos familias rotas por la infamia
terrorista

De la convicción de que “la derrota literaria de ETA sigue pendiente” surgen las casi 650 páginas
de ­Patria (Tusquets), el tercer libro que el escritor Fernando Aramburu (San Sebastián, 1959)
consagra al “tema vasco”, tras Los peces de la amargura (2006), colección de relatos sobre el
desgarro de las víctimas, y Años lentos (2012), historia de tintes metaliterarios inspirada en el
origen de la banda terrorista, que le valió el Premio Tusquets de Novela.

Patria, escrita con “la técnica de un puzle”, narra la vida de dos familias íntimamente relacio-
nadas que acaban rotas por el terrorismo; la de un empresario asesinado, El Txato, y la de Joxe
Mari, miembro encarcelado del comando asesino. Cualquiera que viviera aquellos años ochenta
y noventa en Euskadi verá reflejado en el relato, que Aramburu sostiene con sensacional oído
para el habla coloquial y maestría técnica, todo aquello: el sobresalto, los funerales a hurtadi-
llas, la maquinaria de amedrantamiento, las pintadas de “Herriak ez du barkatuko” (el pueblo
no perdonará), la taberna en la que los muchachos aprendían a odiar juntos, las torturas en el
cuartelillo o las asfixiantes relaciones matriarcales.

“Barrunto que Patria [que llega a las librerías el martes seis de septiembre] puede tener una re-
percusión no estrictamente literaria, aunque es una novela”, explica el escritor en la habitación
en la que cada día se aplica con “ritualizada” dedicación a la literatura, una pulcra y silenciosa
estancia de un apartamento en Hannover, no lejos de la estación de tren, adonde se ha mudado
con su mujer —“La Guapa” de la dedicatoria de Viaje con Clara por Alemania— ahora que las dos
hijas de la pareja parecen listas para abandonar el nido.

Aramburu llegó por amor al país hace algo más de 30 años, arco temporal similar al de la novela.
Trabajó de profesor de español y disimuló su condición de poeta con pasado dadaísta. Como
miembro del Grupo CLOC de Arte y Desarte, que planteó sacar la literatura a la calle en los años
del plomo de ETA con el fórceps del surrealismo, emprendió acciones como “pintar el Peine del
Viento”, “reventar conferencias” o “publicar en Egin [periódico de la izquierda abertzale] la noti-
cia” de su “propio asesinato”. “Lo dejé cuando empecé a tener la sensación desagradable de que
por una broma éramos capaces de sacrificarlo todo”.

Texto: Iker Seisdedos / Imagen: Fernando Aramburu, el pasado julio en San Sebastián. - DANIEL MORDZINSKI
83

Mankell dice adiós con un
viaje a la orilla entre la
vida y la muerte
‘Botas de lluvia suecas’, última novela que el autor sueco escribió
poco antes de morir en 2015 a causa de un cáncer, llega a las libre-
rías la próxima semana en español
El adiós definitivo de Henning Mankell, una novela titulada Botas de lluvia suecas empieza con
un gran incendio que pesca desprevenido al protagonista y a punto está de apartarlo de la es-
cena. Welin Fredrik vive solo en una isla y ahora el fuego lo ha dejado sin casa, en pijama, sin
zapatos; circunstancia propicia para plantear la recurrente pregunta: ¿Qué llevarías a una isla
desierta para tenerlo todo? Fredrik responde pronto: los recuerdos. Y con ellos construye una
novela que viaja al pasado y al presente con el ritmo de las olas que van y vienen a la orilla de
su archipiélago.
Henning Mankell (Estocolmo, 1948-2015) escribió esta obra en los días más oscuros de su vida,
cuando combatía un cáncer que le llevó a la muerte un año y medio después de ser diagnostica-
do. Pero tuvo tiempo de verla editada en su país y el próximo martes, los lectores la encontrarán
en español de la mano de Tusquets. No se trata de una de sus famosas novelas negras, ni apare-
ce por ninguna parte el inspector Wallander para descubrir quién está detrás de un crimen, pero
el texto también incorpora delitos, culpables y policías que mantienen la inquietud del “género
nórdico”, como lo describe el editor Juan Cerezo, ese del que Mankell fue un adelantado y que
lo convirtió casi “en un subgénero de la novela negra”.
84
Botas de lluvia suecas, traducido también al catalán, agarra el hilo de un título anterior, Zapatos
italianos, de donde recupera al protagonista, un médico jubilado que acarrea el peso de un anti-
guo error profesional. Fredrik ha llegado a un momento de su vida en que es fácil echarse a morir
en soledad o abrir nuevos caminos, levantar de nuevo los cimientos de la casa o conformarse con
una caravana provisional. Para elegir la senda adecuada Mankell se apoya en los recuerdos, muy
propio también de una edad en la que es más cómodo repasar lo antiguo que edificar un futuro.
Y entre un viaje y otro, de la isla al continente, el autor va encendiendo algunas luces entre las
brumosas reflexiones.
Inevitable no hacer paralelismos entre el médico de 69 años y los 67 que contaba el autor cuan-
do escribía la historia para burlar a la quimioterapia y al insomnio. Son constantes sus reflexio-
nes sobre el fin de la vida, que nunca había visto tan de cerca. “La muerte es una anarquista
incurable. No sigue leyes ni reglas. No se entiende nunca”, se le oye decir a Fredrik, y otro de
los personajes rompe el silencio del frío embarcadero sueco para lamentarse: “No nos dejan
aprender a morir”.
No, no es esta última novela de Mankell una lectura alegre, pero tampoco está sumida en bru-
mas y nieblas, brilla aún el otoño cuando arranca la acción y la primavera buscará, más tarde,
abrirse paso entre los hielos del archipiélago. No está el protagonista ahogado en los recuerdos,
el presente le trae novedades de las que sacar provecho para seguir caminando.
Y tampoco echarán de menos los lectores los elementos más clásicos del universo que construyó
el autor sueco: una crítica que se cuela entre líneas a la más desalmada sociedad europea con-
temporánea, la que no tiene miramientos con los migrantes, la que castiga con más rigor a un
carterista de tercera regional que a un delincuente de guante blanco. Su disgusto por el destrozo
medioambiental que caracteriza a esta época, “las toneladas de basura nuclear” debajo de las
alfombras del siglo XXI. O que muestre sin pudor los resquicios de la miseria que también exis-
ten en sociedades idealizadas, como los países nórdicos, esas socialdemocracias que siempre se
ponen de ejemplo.
Entrañable y querido
Todas esas características hacían del autor sueco un personaje entrañable y querido, sin gusto
“por la pompa ni el protocolo, huidizo con las aglomeraciones”, opina Cerezo, y que tiraba de su
dominio del teatro para combatir las escenas en las que tenía que sobreponerse a un público
que, en ocasiones, le admiraba con demasiado calor. Pero toda esa humanidad, que también se
atisba en sus personajes —y toda la crueldad con que caracterizó a los malos— rompieron las
barreras de la comunicación y le hicieron universal. Sus obras, vendidas por millones en todo el
mundo, calaron fuerte también entre lectores de latitudes más cálidas, donde no sobran detecti-
ves, comisarios ni inspectores de buen comer.
Entre todos ellos dejó Mankell a su Kurt Wallander, desastrado y humano, del que se atisban
rasgos también en el protagonista que calza ahora las botas de agua.
Y el amor, también aparece en esta última entrega (póstuma en español) del autor sueco; el
amor como una palanca, como un remo para hacer un viaje, más de uno, entre la soledad y la
compañía, entre la isla y el continente.
Texto: Carmen Morán / Imagen: El escritor sueco Henning Mankell, retratado en Madrid en marzo de 2008. - CLAUDIO
ÁLVAREZ 85
 Rayden: el rap vuelve a
hacerse poesía

El rapero publica su segundo libro de poemas, en el que

muestra su necesidad de “vociferar” antes que de “cam-
biar las cosas”.

Artista “de la arteria” y de red social. Rapero y poeta. Rayden, ese

“sastre que cose sonrisas al pie de la letra”, como reza su descrip-
ción en Twitter, es muchas cosas pero, al mismo tiempo, sólo una.
TErminAMOs y otros poemas sin terminar (Espasa) es su nuevo
poemario, el segundo de su carrera y con el que David Martínez se
afianza en la prosa poética. Reconoce tener facilidad para vaciarse
en los libros y con éste busca “abrazar los varapalos o los cambios
de rumbo que te da la vida de una forma optimista, pero sin olvi-
dar el punto de vista crítico de las cosas”.

Herido Diario, su primer libro, fue el billete que le introdujo en el

mundo de la poesía, un mundo en el que quiso quedarse ya que
en él no hay ego, defiende. Su opera prima ya ha alcanzado la
octava edición y tiene preparada la siguiente en fábrica, pero, aun
así, David Martínez no espera nada, sólo “supurar tanto lo bueno
como lo malo”. Para él, los números se quedan en una anécdota
bonita que reflejan el cariño de la gente hacia su trabajo.

En TErminAMOs y otros poemas sin terminarvuelve a tachar el so-

brenombre de Rayden, realzando la firma de la persona, de David
Martínez. “Ya no hay personaje, pero sí me quito la necesidad de
intentar utilizar el arte como arte útil, como arma para cambiar
las cosas, como herramienta para cambiar el mundo que me ro-
dea y lo único que hago es plasmar una necesidad de vociferar,
aunque sea en voz baja, lo que siento. Entonces, ahí me da igual
el impacto de mis palabras, sólo necesito que estén fuera tanto
para bien como para mal, y por eso me gusta diferenciar”, explica
al respecto.

86
 Como el rap y la poesía, David Martínez y Rayden son uno, “dos hijos de una misma
madre, mellizos, y que no tienen nada que ver el uno con el otro, pero tienen muchas
cosas en común a su vez”.

Su bagaje poético aumenta al dar un salto de Frida Ediciones a una casa más grande,
Espasa, en la que busca crecer como artista. “Quería llegar a Centroamérica y Lati-
noamérica, porque tengo bastante público allí y mi intención era que no tuviesen que
pagar un ojo de la cara por adquirir algo tan bonito como es la poesía”, añade.

Sigue habiendo grandes pinceladas de cómo es David Martínez en su poesía, con la

añadidura de una mayor crítica social y política. Para él, lo peor de la sociedad es la
anti-meritocracia: “En España el éxito de primeras es sospechoso. No hablo sólo del
terreno artístico, hablo del terreno laboral, personal... España parece que está hecha
para no saber agradecer y valorar los triunfos de los demás”.

A punto de cumplir 15 años en la música, 140 caracteres se le quedarán pequeños

para celebrarlo. Según su opinión, las redes sociales democratizan, “ponen a cada
una de las personas a la misma altura”, pero confiesa tener una relación de amor-odio
con ellas.

¿Cuál es el siguiente sueño por alcanzar? “Hombre, por pedir... A mí las cosas que
me gustarían hacer son que me llamasen para hacer la canción de alguna película y
que estuviese nominada a los Goya; otra, hacer el himno del Madrid porque soy más
blanco que el merengue [risas] y lo más importante, que venga mi hijo algún día y se
sepa una canción mía. Oír de sus labios decir a viva voz una canción que he escrito.
Ahí explotaré y me quedaré flipado”. Por el momento, su mejor canción ha dejado de
ser la que queda por hacer: “Le he hecho una a mi futuro hijo que yo creo que es la
mejor. Todavía nadie la ha escuchado, pero sí, yo creo que no voy a hacer nada mejor
que eso”.

Texto: Sandra Sánchez / Imagenes: Álbumes Rayden

89

10 curiosidades sobre
Federico García Lorca
El 18 de agosto de 1936 era asesinado Federico García Lorca, uno de los me-
jores escritores españoles. Su vida está llena de curiosidades y anécdotas que
llevaron a enriquecer la obra del autor
1. Relación con Dalí
Federico García Lorca mantuvo una relación amorosa con el famoso pintor español, Salvador
Dalí. Dentro de la obra poética del escritor, se encuentra un poema titulado Oda a Salvador Dalí.
2. La Cabaña del desierto
Lorca solía comentar que la mejor anécdota que había vivido había sido la Cabaña del desierto.
“Un día nos quedamos sin dinero Dalí y yo. Un día como tantos otros. Hicimos en nuestro cuarto
de la Residencia un desierto. Con una cabaña y un ángel maravilloso (trípode fotográfico, cabeza
angélica y alas de cuellos almidonados). Abrimos la ventana y pedimos socorro a las gentes, per-
didos como estábamos en el desierto. Dos días sin afeitarnos, sin salir de la habitación. Medio
Madrid desfiló por nuestra cabaña”
3. Mojados por Buñuel
En alguna ocasión Albertí contó que eran habituales las bromas dentro de la Residencia de Estu-
diantes. Una de las más frecuentes ocurría a medianoche. Buñuel se levantaba, llenaba baldes
de agua y los echaba por las rendijas del dormitorio en el que dormían Dalí y Lorca.
4. ¡Olé!
Salvador Dalí exclamó ¡Olé! cuando le comunicaron que Lorca había sido asesinado, y Borges,
que lo despreciaba y lo consideraba un poeta de mera utilería, sostuvo siempre que sólo a ese
fusilamiento se debió su entrada en la posteridad.
90
5. Canciones populares
Cuando tenía dos años, los padres de Lorca descubrieron que su hijo tenía mucha facilidad para
aprender canciones populares. De este modo, el autor tuvo una gran fuente de inspiración des-
de edad muy temprana.
6. Su muerte
Lorca solía representar su propia muerte. Se tumbaba en la cama y descomponía su rostro. Era
metido en un ataud y lo llevaban al cementerio, donde “resucitaba”.
7. Amigos influyentes
En 1919 conoce a Luis Buñuel, Salvador Dalí, José Moreno Villa, entre otros escritores. Un año
más tarde se matricula en la Facultad de Filosofía y Letras e inicia la redacción de las Suites.
8. Aprendizaje
A pesar de su gran capacidad de memorización, Federico Garcia Lorca no empezó a caminar
hasta los 4 años y no destacó en la escuela. Aún así, estudiaría Derecho (aunque nunca llegaría
a ejercer como abogado).
9. Sagrado Corazón de Jesús
El nombre completo del poeta granadino es Federico Sagrado Corazón de Jesús García Lorca
10. El perro andaluz
Dalí criticaba fuertemente a García Lorca por el retorno a lo tradicional y popular en su poesía;
incluso Dalí y Luis Buñuel comenzaron a decirle al poeta “El perro andaluz”. Cabe mencionar
que este nombre “Le chien andalou” es el mismo que llevó la película -fundamental dentro del
surrealismo- que crearon Buñuel y Dalí. Lorca -puesto que así se habían referido anteriormente
a él- se sintió aludido por el título, pero Buñuel siempre lo negó, y sostuvo que era el nombre de
un libro de poemas que él tenía.
91
 Cine

cine 7d
el sistema del cine 7D, teatro de la simulación con la
nieve, lluvia, fuma el equipo de los efectos especiales

Las sillas del movimiento tienen características tales como agua, jet, vibración, barrido de la
pierna. El teatro ambiental de la simulación con la nieve, la lluvia, el relámpago, el humo y el otro
equipo de los efectos especiales dentro, y crean un ambiente constante de un efecto video del
contenido, immersive y el emocionar. La audiencia puede sentir el impacto visual. Comparado a
otros tipos de cine, con un tema prominente, una alta tecnología, efectos realistas, un entrete-
nimiento y otras características y ventajas.

el cine 7D, es hecho por de la película tridimensional y de la simulación circundante del ambien-
te que llamaron el espacio cuadridimensional. Se basa en la película 3d después añade efectos
especiales, los nuevos productos video formados en la simulación, el acoplamiento del canal al
contenido de la audiencia y de la película para estimular o para aumentar el efecto immersive.
Cuando la audiencia para ver la película estereoscópica, junto con el cambio del contenido de la
película y de la televisión, ellas sensación en tiempo real la tormenta, relámpago, lluvia, vibra-
ción, espray, las funciones del barrido de la pierna y así sucesivamente, cooperar con la imagen
tridimensional.

93

PESADILLA EN ELM STREET:
EL LEGADO DE WES CRAVEN
Se nos ha marchado uno de los directores más reconocidos de la historia
dentro del género del terror. Wes Craven, director de las extensas sagas
‘Pesadilla en Elm Street’ y ‘Scream’, padre de personajes como Freddy Krueger,
ha fallecido de un cáncer cerebral a los 76 años de edad apartándole de lo
que más amaba en su vida: su trabajo.
Wes Craven, el maestro del terror
Tras ser dueño de nuestras pesadillas y resucitar el género Slasher a través de una de sus sagas
más célebres, hoy recordamos al maestro del cine de terror analizando ‘Pesadilla en Elm Street’.
Gracias a su villano principal, Freddy Krueger, se ha convertido en una de las franquicias más
longevas y recordadas por los amantes del cine de terror.
La primera entrega de la saga ‘Pesadilla en Elm Street’ se estrenó en el año 1984 de la mano de
Wes Craven. La película fue todo un cúmulo de baches hasta llegar a hacerse realidad, ya que
el guión fue finalizado en el año 1981 y Craven tuvo que esperar hasta tres años para que una
productora le abriera las puertas; ninguna estaba dispuesta a invertir en una cinta de fantasía de
tal calibre con tantos efectos especiales necesarios en cada escena.
94
En su camino por encontrar el cielo, Craven tuvo la oportunidad de hablar con New Line Cine-
ma, un pequeño estudio independiente con un único estreno que había ido directamente al vi-
deoclub, sin pasar por las salas de cine. New Line Cinema y la financiación de 1 millón de dólares
de Smart Egg Productions fueron los que pudieron hacer realidad la historia de Wes Craven y su
‘Pesadilla en Elm Street’. Desafortunadamente, las cosas durante el rodaje se fueron complican-
do a cada paso que Craven intentaba dar con su nuevo proyecto, ya que Smart Egg echó marcha
atrás, dejando a New Line ante un verdadero problema económico, aunque finalmente pudieron
conseguir distribución con la compañía Media Home Entertainment, dándoles el dinero necesa-
rio para continuar con la producción.
El nacimiento de un icono
La cinta acabó siendo un verdadero pelotazo en todo el mundo, siendo Freedy Krueger la prin-
cipal atracción de una saga que se ha mantenido viva hasta el año 2010 con su primer reinicio.
Allí encontrábamos al bueno de Robert Englund, el actor que dio vida al asesino durante ocho
películas, sin contar que también hubo series, cómics, videojuegos y hasta crossovers con la saga
‘Viernes 13’.
Su inquietante premisa y su historia fueron una de las bazas por las que ‘Pesadilla en Elm Street’
consiguió llenar las salas de cine. En los iniciales minutos de la película conocíamos al asesino
en serie por excelencia, un hombre con la cara y el cuerpo quemado al que se le reconoce clara-
mente por su temible guante de garras afiladas, su sombrero y un jersey de rallas rojas y verdes
oscuras.
La historia del personaje es aún más cruda de lo que en representa su propio aspecto, ya que
Krueger es hijo de la joven monja María Helena, que fue encerrada por accidente con los presos
del psiquiátrico donde ella trabajaba, siendo violada por todos los pacientes. De ahí nació Fre-
95
 deric Charles Krueger, un niño que tampoco tuvo una dulce infancia, pues fue
maltratado desde su niñez. Con el paso de los años, Krueger acabó por secues-
trar y asesinar a los niños, pero tras ser descubierto por los vecinos del barrio,
fue quemado vivo en el lugar donde llevaba a sus victimas.
Antes de morir por las quemaduras, Freddy consiguió un pacto con los demo-
nios, dándole un poder inimaginable, y es el de entrar en los sueños de los
niños y acabar con sus vidas mientras duermen para así quedarse con todas sus
almas. Así pues, Freedy Krueger se ha convertido en uno de los asesinos más
originales y temidos del género, aunque con el paso de las entregas, Krueger
pasó a tener un aspecto más cómico que en las películas originales, marcándole
un estilo totalmente distinto al que originalmente diseñó Wes Craven.
El hombre de tus sueños
La película marcó una generación y aún en día es complicado encontrar un per-
sonaje que llegue a la altura de Freddy Krueger y sepa mantener su carisma
durante más de ocho entregas. Un verdadero icono de los 80 junto con Jason
Voorhees de ‘Viernes 13’. ¿Sabíais que Freedy Krueger es el nombre de un com-
pañero de clase de Craven que la hacía la vida imposible cada día? ¿Y que el
sombrero y las cuchillas le vinieron la idea de un vagabundo que vio en la calles?
En el reparto encontrábamos a la actriz Heather Langerkamp, que aunque no ha tenido un gran
futuro en el mundo de cine tras ‘Pesadilla en Elm Street’, su estupendo papel de Nancy acaba
metiendo al público dentro de su ambientación y su particular enfrentamiento contra un asesino
al que únicamente puede desafiar entre sueños. Para los más nostálgicos también recordarán
que entre el grupo de adolescentes encontrábamos a un joven Johnny Deep al que le esperaba
un futuro más que exitoso tras pasar por las garras del malvado Krueger. Y como no, el actor Ro-
bert Englund, el único hombre en el mundo que podrá dar vida al psicópata de nuestros sueños,
naciendo así el mito de Freedy Krueger, que le valió más de un elogio por parte de la crítica tras
interpretar al famoso personaje. Simplemente, nació para ese papel.
Adiós, Wes Craven
En resumidas cuentas, Wes Craven había conseguido desarrollar una de las mejores cintas de
terror de todos los tiempos, una especie de cuento de hadas sangriento que nos ha acompañado
a muchos de nosotros durante nuestra infancia. En su momento, a pesar de la poca creencia de
las productoras, el nacimiento de Freddy Krueger dio un soplo de aire fresco a todas aquellas
películas de terror de los 80 que ya habían agotado todos los tópicos del estilo PsychoKiller, tra-
tándose de un obligado visionado para todo aficionado al cine fantástico y de terror.
Nunca una pesadilla había sido tan agradable de disfrutar.

Durante una entrevista, Wes Craven afirmó que la historia del PsychoKiller de
Fred Krueger y su forma de matar le surgió a partir de un articulo de un periódi-
co en el que se relataba la muerte de varios individuos por terribles pesadillas,
que sin tener ningún tipo de enfermedad asociada, murieron sin causa aparente
tras negarse a dormir por un tiempo prologando.

Con todos estos impactantes ingredientes salidos de la mente de Craven, nos

faltaba un elenco de actores adecuado para abarcar un proyecto verdadera-
mente importante y darle una ambientación realmente tenebrosa. Para ello se
hizo uso de efectos especiales impactantes para los tiempos que corrían, como
la famosa escena de las garras de Krueger saliendo de la entrepierna de la pro-
tagonista mientras se daba un baño o la cama que expulsaba litros y litros de
sangre empapando toda la habitación.

Uno, Dos, Canta a viva voz

Tres, Cuatro, El hombre del saco.
Cinco, Seis Decid lo que veis.
Siete, Ocho, Cómete un bizcocho.
Nueve, Diez, ¿Dónde está Fred?
Uno, Dos, Freddie viene a por ti.
Tres, Cuatro, Cerra la puerta.
Cinco, Seis, Coge el crucifijo.
Siete, Ocho, Mantente despierta.
Nuevo, Diez, Nuncá más dormirás...

96 Texto: Iván Diez / Imagnes: Legado de Wes Craven, reportaje

 papeles más pintorescos

10 de johnny depp Jack Sparrow

Piratas del Caribe | Gore Verbinski | 2003

Johnny Depp vive en mundo del séptimo arte con un disfraz pegado. Desde que
empezó a transformarse en ‘Eduardo Manostijeras’ en 1990, Depp ha permaneci-
do oculto bajo excéntricos atuendos marcando su carrera artística gracias
a sus magníficas interpretaciones, en la que tuvo un papel fundamental Tim
Burton, llevándolo al camino de la fama con siete películas más. Sin embargo,
este no fue el único responsable de sus extraños cambios. Willy Wonka
Charlie y la fábrica de chocolate | Tim Burton
| 2005

Eduardo Manostijeras Sweeney Todd

Eduardo Manostijeras | Tim Burton | 1990 Sweeney Todd, el barbero diabólico de la
calle Fleet | Tim Burton | 2007

El Sombrerero Loco
William Blake Alicia en el país de las maravillas | Tim Burton
Dead Man | Jim Jarmusch | 1995 | 2010

Joe Pistone Barnabas Collins

Donnie Brasco | Mike Newell | 1997 Sombras Tenebrosas | Tim Burton | 2012

Ichabod Crane Toro

Sleepy Hollow | Tim Burton | 1999 El llanero solitario | Gore Verbinski | 2013

98 99
 Fotografía

SALLY MANN
JUVENTUD, DESNUDOS Y MUERTOS

Este artículo habla de desnudos y habla de muertos. Pero también de vida. Mu-
cha. La que infunde Sally Mann (Virgina, Estados Unidos, 1951) en sus fotogra-
fías. Esta artista está considerada una de las grandes fotógrafas de nuestro tiem-
po. Vive en ese particular Olimpo que ocupan también Cindy Sherman o Nan
Goldin, y desde hace cuatro décadas construye una propuesta artística ambicio-
sa, honesta y, muchas veces, arriesgada y controvertida. Pero todo lo ha hecho
a partir de una trascendente mirada sobre la arquitectura, los paisajes del sur
de Estados Unidos, las naturalezas muertas, los autorretratos o su propia familia

Precisamente se hizo conocida en el mundo del arte, y fuera de él, por las fotos
que recogen algunos momentos de la vida en su granja de Lexington (Virginia)
con sus tres hijos (Jessie, Virginia y Emmett), cuando no superaban los 12 años.
Son imágenes fechadas a finales de los ochenta y principios de los noventa. Y en
esas fotografías Sally Mann no oculta nada. O lo recoge todo, como quieran. Ahí
están los avatares propios de la infancia de sus niños. Los juegos, los enfados,
las heridas, los sueños y también (lo que trajo la polémica) los momentos más
íntimos.

La controversia
Detengámonos un momento en esta última lectura. Entre 1984 y 1994 trabaja
en esa serie. Se llama Immediate Family y, como hemos visto, se centra en la
vida de sus hijos antes de cumplir los 12 años en la granja familiar. Pronto se
convierte en un gran éxito. Instituciones como el MoMA o el Guggenheim de
Nueva York adquieren obra. Es un trabajo difícil, pero también de una profunda
sinceridad. Retrata lo más próximo. Grupos americanos conservadores protes-
tan, e incluso The Wall Street Journal censura una de las fotos de la serie. Era
Virginia a los 4 (ahora en la colección Guggenheim). Años más tarde, la polémica
alcanzaría a otros fotógrafos, como Nan Goldin o Andrés Serrano, que también
verían algunos de sus trabajos censurados o retirados de exposiciones por su
enfoque sobre la sexualidad o por el tratamiento de la religión.

Sin embargo, para Sally Mann, y así lo explica, estas fotografías son “na-
turales a través de los ojos de una madre, que ha visto a sus hijos en
todos sus estados: felices, tristes, bulliciosos, ensangrentados, enfadados
e incluso desnudos”.

Texto: Miguel Ángel García Vega 103

 PERSONAS SIN TÉCNICA FOTOGRÁFICA
VS. FOTÓGRAFOS
ESTE EXPERIMENTO MUESTRA LO DISTINTO QUE PARECE UN MISMO LUGAR

Recientemente, el usuario de Reddit 2manyToys subió unas imágenes que mostraban las diferen-
cias en las fotografías entre personas sin conocimientos técnicos y los fotógrafos profesionales.

Las imágenes muestran que los fotógrafos pueden hacer que un lugar ordinario tenga un aspecto
mucho más atractivo, con el empleo de la luz, ángulos concretos y, cómo no, edición digital. Lo
que es un bloque de apartamentos con un par de árboles al lado para cualquiera, puede ser un
misterioso bosque para un fotógrafo.

Podemos decir que cualquier fotografía es más potente tras ser procesada / editada digitalmen-
te, pero ni todos sabemos hacer esa edicón digital ni, más importante, todos tenemos ese ojo
artístico. esa manera especial de mirar y capturar la misma realidad.

108
 LA BONITA HISTORIA DEL HOMBRE QUE
APRENDIÓ FOTOGRAFÍA EN PRISIÓN
“Cuando era niño, fui testigo de una gran cantidad de episodios traumáticos”, nos
cuenta el fotógrafo de Nueva York Donato Di Camillo, “Vi morir a mi primer amigo
con nueve años, justo a mi lado.” Estabamos jugando con un balón en la calle, y fue
atropellado por un coche que pasaba y que no paró. Al crecer en Brooklyn a finales
de los 70 y los primeros 80, explica el artista, “tenías que aprender a pensar rápido y
a seguir tus instintos.”

Décadas más tarde, la institución penitenciaria en la que estuvo recluso varios años y las calles
de Nueva York le han convertido en un fotógrafo brillante y audaz. Di Camillo es un clásico neo-
yorquino con mil y una historias. Es cálido y abierto, utiliza palabras como “chavalote”, y parece
haber surgido de otra época, probablemente porque nunca se desprendió ni de un solo recuer-
do de su niñez.

“A veces siento que cogí la cámara en el momento equivocado en la vida”, confiesa el artista.
Recuerda los días en que los niños andaban libres y despreocupados por las calles, jugando y
explorando el mundo. También recuerda la primera vez que infringió la ley y fue encarcelado en
2006 por cargos federales.
No le gusta hablar sobre ello, no entra en detalles sobre los cargos. Tan solo comenta que el
tiempo que pasó en prisión lo dedicó mayormente a pensar, a leer y a devorar libros de foto-
grafía, tanto de fotografía artística como de técnica fotográfica. También dedicó ese tiempo a
estudiar psicología y el comportamiento humano.
Las personas Di Camillo fotografías son aquellos con los que se identifica. Está impulsado por
lo que él llama una “urgencia”, una necesidad de relacionarse de alguna manera y hacer algo
permanente de una interacción efímero, fugaz. Una mujer que conoció en el camino le invitó a
su casa, confiando en ella acerca de un marido abusivo.
El fotógrafo denomina a los protagonistas de sus imágenes y a si mismo como “la gente en los
márgenes de la sociedad”. Un día, éstaba en el calle haciendo fotos y, por pura casualidad, se
topó con Bruce Gilden. Lo reconoció de inmediato, y sus palabras fueron algo así como “¡La
hostia puta, eres el cabrón de Bruce Gilden!”

Cuando fue liberado seis años más tarde, en 2012, Di Camillo estaba en libertad condicional y
en arresto domiciliario, haciéndolo incapaz de alejarse a más de 40 metros de distancia de su
casa. Continuó sus estudios, su hambre voraz por aprender. Estaba fascinado mayormente con
las obras de Bruce Gilden y William Klein. La fotografía de la calle se convirtió, en sus palabras,
“en algo que sentí que tenía que hacer.”
Cuando le preguntó a Gilden por asesoramiento, por algún consejo, el veterano fotógrafo le dijo
simplemente, “Sencillamente dispara lo que sientes y procura ser tu mismo. Toma un poco de
cada uno de los que más te gustan y haz que sea tuyo propio.” Algo que Di Camillo había estado
haciendo todo el tiempo..

Imagen: “Su nombre es Rosario. Nació en Sicilia. Siendo un crío, fue abandonado por sus cuidadores después de que sus
110 padres muriesen trágicamente en un accidente de coche. Dice que el tejido de la cicatriz en su ojo es fruto una pelea que 111
tuvo en un orfanato en el que estaba de niño. En estos días, vive lo mejor que puede con trabajos ocasionales.”
 curiosidades sobre
10
la fotografía que
seguramente no sabías
El 19 de agosto de 1839 cambió la historia del arte. Aquel día, la Academia
de Ciencias y Bellas Artes de París anunció que el Gobierno de Francia cedía
al mundo los derechos del daguerrotipo, un proceso fotográfico inventado
por Louis Daguerre. Sin embargo, el nacimiento de la fotografía fue anterior
a esta fecha, pero, recién en 1991 la Sociedad Fotográfica Internacional de
la India propuso que sea el 19 de agosto la fecha de celebración del Día In-
ternacional de la Fotografía.
1. La fotografía más antigua. Nicéphore Niépce tomó en 1826 la primera fotografía
de la historia. Luego de ocho horas de exposición, el francés capturó desde su ventana la vista de
alguna parte de la comunidad francesa Le Gras.
2. La primera fotografía a color. El físico escocés James Clerk Maxwell fue el pri-
mero en tomar una fotografía con color permanente en 1861. Días después de aquella captura,
Maxwell presentó su proyecto en Londres y demostró que en la fotografía se podía obtener
cualquier color mezclando luces de los colores primarios (amarillo, rojo y azul).
3. La primera persona retratada. Louis Daguerre fue el responsable de la prime-
ra aparición de una persona en una fotografía. La imagen, titulada ‘Boulevard du Temple’, fue
tomada en 1838 y en ella, de lejos, se observa a un hombre limpiándose las botas en la esquina
inferior izquierda.
4. La cámara de fotos más grande y la más pequeña. ‘Mamut’ es conside-
rada la cámara de fotos más grande de la historia. La máquina, construida en 1900 en Estados
Unidos, medía más de cuatro metros de largo, pesaba 640 kilos y requería de quince funciona-
rios para manejarla. Además, su valorización superó los US$5.000. En tanto, la cámara de fotos
más pequeña fue el OV6920 Camera Chip, presentada por la empresa británica TDC, la cual
funcionaba a través de un chip de solo 2.135 x 2.265 mm.
114
5. La primera fotografía tomada desde el espacio. Una cámara de 35 milíme-
tros acoplada al cohete V-2 capturó en 1946 la primera fotografía de la Tierra desde el espacio.
En tanto, el astronauta Guerman Titov fue la primera persona en tomar fotos de nuestro planeta
desde el espacio con una cámara Konvas Avtomat y unos carretes de 300 milímetros.
6. La fotografía más grande. Una torre de control de la Marina de Guerra de Es-
tados Unidos protagoniza la foto más grande de la historia. Esta imagen, que medía 34 metros
de ancho y 9.8 de alto, se capturó desde un hangar transformado en cámara estenopeica. Para
revelarla se emplearon mangueras conectadas a hidratantes y el material fue expuesto durante
35 minutos.
7. La mayor colección de cámaras de fotos. El hindú Dilish Parekh ostenta desde
el 2013 el título de Récord Guiness a la mayor colección de cámaras de fotos. En total, cuenta
con 4425, siendo la más antigua una que data de 1907.
8. La fotografía más cara. Brad Pitt y Angelina Jolie protagonizan la fotografía más
cara de la historia. Se trata del retrato de ambos junto a Vivienne y Knox, sus bebes gemelos a
tres semanas de su nacimiento. Los cuatro aparecieron en una portada de la revista People de
1998, por la que recibieron la suma de 6.08 millones de dólares.
9. La fotografía más vista. ‘Bliss’, fotografiada por Charles O’Rear en el Valle de
Napa, California, en 1996, es la imagen más popular de la historia. Ello debido a que Microsoft
compró los derechos de la imagen para emplearla como fondo de pantalla predeterminado en
Windows XP.
10. La fotografía en las redes sociales. Más de 250 millones de fotos se publican
diariamente en Facebook, mientras en Instagram se suben 40 millones más. Este número supera
en 10.000 a la cantidad de fotos de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos que documenta
la historia de dicho país.
115
 Cómic

Y después, el relámpago
El personaje se convirtió en una leyenda del cómic que ha llegado a
varias generaciones de lectores y ha traspasado fronteras

El personaje se convirtió en una leyenda del cómic que ha llegado a varias generaciones de lecto-
res y ha traspasado fronteras. El guionista Víctor Mora y el dibujante Ambrós crearon El Capitán
Trueno, una obra innovadora y de gran éxito popular que se convirtió en una ventana abierta
al mundo en plena autarquía franquista. Mora reivindicó a su héroe que le dio fama y recono-
cimiento porque como él fue un luchador contra la opresión. La primera aventura del Capitán
Trueno tuvo lugar en las Terceras

Cruzadas, donde acababa convirtiéndose en un mediador de Paz entre Ricardo Corazón de León
y Saladino. Todo un canto al entendimiento entre civilizaciones y religiones, que nada tenía que
ver con las maniqueas visiones que habían dado de los musulmanes otras historietas de pos-
guerra.

El retorno a casa de nuestro héroe fue muy accidentado, tanto que se convirtió en una misión
imposible. A partir de ahí su vida y la de sus inseparables compañeros Goliath y Crispín fue una
aventura sin fin, por parajes exóticos, siempre luchando por la justicia contra la opresión. Los
explotados eran su causa y los tiranos sus adversarios eternos. Y también tuvo un amor, Sigrid,
una relación en la más larga distancia.

Los cuadernillos apaisados de El Capitán Trueno llegaron a tiradas de 350.000 ejemplares sema-
nales. Era un tiempo en que Bruguera, la editorial que publicaba los cómics, tenía una dimensión
comparable con las actuales es Marvel o DC salvando las distancias.

La calidad narrativa y gráfica de El Capitán Trueno nos siguen sorprendiendo hoy, como lo ha-
cen El Príncipe Valiente de Harold Foster, Flash Gordon de Alex Raymond o Tintín de Hergé. La
dimensión de Víctor Mora va más allá de su personaje de leyenda, dado que escribió cientos de
guiones para otras series cómo El Jabato, El Corsario de Hierro, Sunday o Dani Futuro. Formida-
ble novelista y persona comprometía con la lucha antifranquista, pasó por la cárcel y el exilio
cuando el PSUC lo era todo en Catalunya.

Víctor Mora era una persona culta y amable, gran conversador. Entrevistarlo cual Tribulete era
un placer porque siempre tenía interesantes anécdotas que contar. Le recuerdo como presiden-
te del Salón Internacional del Cómic de Barcelona en el Born sin reformar, bajo una lluvia torren-
cial que se filtraba a través de cientos de goteras en el antiguo mercado de abastos de Barcelona,
luciendo gabardina y buen humor. Mi último encuentro con él fue en el preestreno de la película
El Capitán Trueno. Iba en silla de ruedas, su salud se había deteriorado mucho, pero seguía
mostrando el buen humor de siempre. Estaba rodeado de su inseparable compañera Armonía
Rodríguez y de un buen número de amigos. Fue para él un sueño cumplido, ver a su héroe en la
gran pantalla. Lástima que la película no hiciera justicia al héroe de papel. La cultura ha perdido
a un genial guionista y escritor, y quienes tuvimos la suerte de tratarlo, a una gran persona.

117
 Entrevista a Robert Kirkman
Con motivo del estreno de THE WALKING DEAD hemos tenido la oportunidad de
entrevistar a su creador, Robert Kirkman, que además de autor del cómic en
que se basa la serie, es productor ejecutivo de esta.
¿Quiénes son realmente “Los Muertos Vivientes”? ¿Los zombis o los supervivientes que vagan
entre la muerte?
El título “The Walking Dead” se aplica tanto a los vivos como a los muertos. Queríamos jugar con
ello. Como dices, los vivos están básicamente rodeados de muerte.
¿Hasta qué punto ha habido cambios en la serie respecto a tu cómic? ¿Ha habido alguno con
el que no estabas de acuerdo?
Hay cosas que no me gustan pero porque me hacen sentir avergonzado ya que no se me han
ocurrido a mi a la hora de hacer el cómic (risas). Hay cosas que Frank Darabont ha pensado y a
mi no, lo que me ha hecho tener celos de él
¿Te preocupaba que una obra como esta se convirtiese en algo “caricaturesco” a la hora de ser
una serie de televisión?
Desde luego es una trampa que hay que evitar. Es complicado tomarte en serio a los zombis y
118
especialmente cuando estás viéndolos por un gran periodo de tiempo. Entonces lo que intenta-
mos fue crear una visión fresca del género, especialmente en lo que respecta a los personajes
que están viviendo por primera vez algo así en sus carnes y hay que dar la sensación del peligro
real que ellos sienten.
Hay que tener en cuenta que si un día ocurriese algo así sería algo realmente terrorífico. Y por
tanto hemos tratado de plasmar eso y evitar cualquier parte cómica.
No obstante hay gente que piensa que los zombies en este cómic son puro atrezzo y que real-
mente los violentos son los seres humanos.
Es verdad que los zombis son amenazadores pero los humanos “saben manejarlos”, es decir,
pueden vivir teniéndolos cerca. Sin embargo, aquí los supervivientes tienen que relacionarse
entre ellos y hay gente de todo tipo: algunos violentos, otros que no lo soportan psicológicamen-
te... Por tanto es cierto que la amenaza real son otros humanos y no tanto los zombis.
Frank Darabont ha afirmado que quiere hacer con esta serie por los zombies lo que “Mad
Men” ha hecho por la publicidad...
(Risas) Es cierto que el tema de “Mad Men” pueda parecer aburrido si no conoces la serie, pero
al desarrollarlo ha demostrado que ha funcionado y su enorme calidad. Tengo esperanzas de
que “The Walking Dead” funcione aunque a priori de la sensación de que pueda no interesar a
mucha gente.
Así que queremos crear una serie con la suficiente calidad que enganche a las mismas personas
que ven otras series como la propia “Mad Men” o “Breaking Dad” y que el público en general
responda bien.
Imagen: Portada del nº 50 de “The Walking Dead”
119
 Respecto a Frank creo que ha traído su capacidad de contar
historias. Además ha sabido sacar detalles del material origi-
nal, elevarlas y convertirlas en algo mucho más interesante
en la serie.

¿Qué les dirías a los que comentan que el inicio de “The

Walking Dead” es una copia del de “28 Días Después”?

Es una casualidad desconcertante ya que si es cierto que “28

Días Después” comienza igual el primer cómic que hice hace
siete años. Pero la película se estrenó en Estados Unidos en
Junio de 2003 y nosotros estábamos ya a punto de lanzar el
segundo número del cómic.

Tuve la oportunidad de reescribir el primer número pero no

quise hacerlo ya que tras salir Rick del hospital, el desarrollo
de la historia es completamente diferente.

Evidentemente es algo en lo que se ha fijado todo el mundo

y que todavía me persigue. Así que gracias por recordármelo
(risas).

Bueno, en una entrevista que le hicimos a George Romero

nos dijo que para él “28 Días Después” no era una película
de zombis

¡Oh! Gracias a Dios (risas).

A medida que avanza el cómic se vuelve mucho más vio-

lento y más explícito. ¿Os habéis puesto algún límite con la
violencia a mostrar en pantalla en la serie?

Sinceramente no lo se, pero en vista de lo que nos han deja-

do hacer hasta ahora con la primera temporada de la serie
no creo que nos pongan muchos problemas. Hay muchas
cosas en el cómic que puede parecer difícil que se emitan
en televisión pero ya hemos rodado varias escenas y estoy
seguro que nos dejarán rodar muchas más.

Evidentemente quiero que la serie tenga la misma intensi-

dad que el cómic y que los personajes vayan a los mismos
sitios oscuros. Lo único es ver cómo se traslada eso a la pan-
talla.

Robert Kirkman en el rodaje de la serie vasada en el cómic

120
 ¿Te da más libertad trabajar para un canal de televisión por cable?

Sí, definitivamente. Las cadenas de cable te permiten hacer series con más continuidad y explo-
rar personajes. No tienes que limitarte a crear un episodio con un inicio, trama y un final como
ocurre en un canal convencional. Aquí podemos crear historias más complejos y con una mayor
profundidad.

¿Hasta qué punto has influido en la elección del reparto?

Si que estuve involucrado desde el principio en el casting pero nunca fui yo el que tuve que
tomar una decisión respecto a si un actor participaba o no en la serie. A veces Frank me pedía
una opinión y yo le podía decir “Pues a este no le veo en el papel o si me gusta”, pero nada más.

La verdad es que estoy encantado con el casting final de la serie. No creía que íbamos a conse-
guir uno tan bueno. Aunque de hecho nunca pensamos en coger a actores que se pareciesen
físicamente a los personajes del cómic, pero por una casualidad cósmica, ahora parecen todos
sean iguales a los personajes originales.

¿Qué papel tienes en la serie? ¿Hasta dónde llega tu control sobre el producto?

Desde el principio me senté con Frank Darabont para que me contase qué quería hacer con la
primera temporada de la serie. Ahí tuve mucho que decir y desde entonces a lo largo del proceso
he tenido que ir aprobando cosas.

También soy productor ejecutivo de la serie, lo que me hace estar muy involucrado con ella y
paso muchísimo tiempo en la sala con los guionistas. De hecho entre el tercer y sexto episodio
estuve trabajando muy de cerca con ellos y acabé escribiendo el guión del cuarto capítulo.

Es decir, tengo la mano bien metida en todo (risas).

¿Cuáles son tus películas favoritas de zombis?

Sin duda “Day of the Dead” de Romero ya que creo que tiene los mejores zombis de sus pelícu-
las, los mejores personajes, la mejor situación y la que está mejor escrita. Otra que también me
encanta es “Shaun of the Dead” que aunque mucha gente la tenga como una comedia, creo que
es una película muy muy oscura y con muy buenos personajes.

Hablando de Romero... ¿Qué hay de cierto en que pueda dirigir un episodio de la segunda
temporada?

Todavía no lo sabemos pero lo que si es cierto es que todos los que estamos involucrados en el
proyecto queremos que esto ocurra.

Para finalizar...¿Qué crees que aporta tu obra al género zombi con respecto a otros trabajos?

Probablemente lo que traigo al género en que estoy mucho más centrado en los personajes.
Yo creo que le doy un punto de “telenovela” al género. Pero no me avergüenzo en absoluto de
ello... (risas)

Portada del nº 1 de “The Walking Dead” DAYS GONE BYE

122
 10
escenas que pasan en 6. El medio de transporte que les asigna la T.I.A.
siempre les defrauda.
todas las historietas de
Mortadelo y Filemón
Francisco Ibáñez es uno de los referentes culturales más importantes de los
últimos cincuenta años. Somos muchos (y de varias generaciones) quienes he-
mos crecido con su humor absurdo y en ocasiones algo bruto, sobre todo
7. Mortadelo usa sus disfraces para huir de sus jefes.
leyendo las aventuras de sus dos personajes más populares: Mortadelo y Fi-
lemón, que en noviembre estrenan su álbum número 201, ¡Elecciones!. Además,
El País comienza a vender este domingo 40 volúmenes que recogen sus 120
mejores historietas. En la mayoría de estos títulos se repiten recursos y esce-
nas que forman la identidad y el estilo de Ibánez, y que le ayudan a crear ese
humor disparatado que ridiculiza nuestra sociedad. Aquí van 10 de ellas.

8. Cuando intentan proteger a alguien, este acaba peor

que si estuviera a merced de los criminales.
1. La entrada secreta es algún objeto cotidiano

2. Mortadelo y Filemón intentan, sin éxito, eludir sus 9. Se recuperan de todos sus males en una o dos viñetas.
responsabilidades.

3. Los inventos del profesor Bacterio nunca funcionan

como deberían.
10. En el segundo plano de las viñetas hay otro mundo.

4. Los insultos son gráficos. Literalmente.

5. Los comentarios aislados quedan invalidados por los

acontecimientos.

124 125
 Videojuegos

eSports, el fenómeno de masas de

la nueva generación digital
A buen seguro que esta keynote habrá abierto la mente a muchos profesionales acerca de un
fenómeno que ya es masivo, e increíblemente desconocido aún en España: el de los eSports
o deportes electrónicos, que brindan a las marcas una oportunidad de oro para alcanzar a un
target esquivo, el de la llamada “generación digital”. Un público formado por jóvenes que no
consumen apenas medios tradicionales, no conciben su ocio sin Internet, son capaces de filtrar
como nadie los mensajes publicitarios, pero también de implicarse con vehemencia con aquellas
marcas que les entienden.

Parece mentira que, recuerda Manuel Moreno, director de desarrollo de negocio de la empresa
de eSports ESL, que esta modalidad digital de entretenimiento no haya trascendido con fuerza
aún a la opinión pública, cuando en la actualidad mueve a 135 millones de usuarios a nivel
mundial y presenta datos de negocio y audiencia que dejan con la boca abierta al más pintado.

Para dimensionar, Manuel Moreno comparó los 26,3 millones de personas que visionaron a
través de distintos canales la final de la NBA del pasado año, frente a 35 millones de personas
que hicieron lo propio en un macro-evento de eSports que tuvo lugar en la ciudad polaca de Ka-
towice en 2014. Pero tal vez lo más relevante es que las previsiones apuntan a que este mercado
se quintuplicará de aquí a 2018 a nivel mundial.

A pesar de las arrolladoras cifras, según Moreno, en España hay que comenzar haciendo una
“función divulgativa” de este fenómeno, que tiene su origen en las LAN Parties – encuentros
de personas con ordenadores que se reúnen físicamente para jugar y ver videojuegos-. Esos
encuentros han evolucionado a “eventos que no tienen nada que envidiar a un partido de fútbol
de la máxima competición”, explicó. Y de hecho, “comparten muchos de los ingredientes bási-
cos de los deportes tradicionales: pasión, competitividad, juego en equipo, esfuerzo, jugadores
estrella…”.

Ya hay marcas, algunas que tienen que ver con lo tecnológico, aunque las hay también de otros
sectores, que están viendo un tremendo filón en este terreno. El directivo de ESL ha citado
como ejemplo a Redbull, que patrocina a jugadores de eSports; y resaltado los incrementos de
seguidores en redes sociales (38.000 youtubers y 48.000 seguidores más en Twitter, de media)
producidos tras un evento como el de Katowice, de tres días de duración, con 40.000 especta-
dores viendo en directo la final de una competición de eSports y millones a través de las redes.
Aparte, está la visibilidad que les reporta esta inversión a las compañías en una publicidad “que
no es intrusiva”, aclaró Moreno, y “está muy integrada dentro del evento”.

En España, los consumidores de estos contenidos son mayoritariamente hombres de entre 15 y

29 años, que pasan en Internet un promedio de cinco horas al día y no dudan en rascarse el bol-
sillo cuando se trata de alimentar su pasión. A nivel mundial, el gasto medio dentro de un evento
de deporte digital está entre 200 y 500 euros, según el director de desarrollo de negocio de ESL.

Texto: Circulo de Bellas Artes / Madrid

127
 Amor a los videojuegos retro:
¿Calidad o nostalgia?
En los últimos años hemos podido ver cómo muchos jugadores
decían aquello de que “los juegos de antes eran mejor”. ¿Es esto
cierto o es sólo el factor nostalgia?
A quienes ya llevamos cierto tiempo en el sector de los videojuegos, se nos hace un tanto com-
plicado hacer entender a jugadores más nuevos el valor que creemos que tienen algunos video-
juegos con más años. ¿Es quizás que los jugadores de ahora no están acostumbrados a jugar con
gráficos y controles menos logrados, o también influye nuestra nostalgia hacia determinados
juegos?
128
Por un lado, está claro que hay niños y niñas que no son capaces de coger un mando por la “mala
costumbre” de las nuevas tecnologías, las cuales hacen más fácil todo, aunque no por ello más
bueno. “No me gusta, no lo juego” puede ser una respuesta bastante común en jóvenes acos-
tumbrados a jugar ahora a Call of Duty, FIFA o Minecraft, juegos muy genéricos que obviamente
de por sí solos, no pueden aportar todo lo que ofrecen los diferentes géneros.
Por otro lado, tenemos el caso del buen recuerdo de algunos jugadores hacia ciertos juegos...
que no, no eran demasiado buenos. De hecho, lo más seguro es que pese a que hayan tenido ese
buen recuerdo, luego estos jugadores no se animen demasiado a jugar a esos títulos de antaño
que tenían controles ridículamente complicados y jugabilidad de risa.
¿En qué punto quedamos entonces? Pues en la frase de “los clásicos nunca pasan de moda”. Si
cogemos juegos como Tetris, Final Fantasy VII o Super Mario 64, básicamente no, no podemos
decir que los años les hayan pasado por encima. Siguen siendo tan disfrutables como el primer
día, pero obviamente otros juegos más menores como Battletoads, Kid Icarus o las típicas adap-
taciones de películas, a día de hoy se hacen un tanto “injugables” y aunque se recuerden, no se
hace con el mismo aprecio que se da a los verdaderos clásicos de los videojuegos.
129
 Virtuix Omni
, el complemento para movernos y sudar en
Realidad Virtual

Los avances en el campo de la realidad virtual parecen cons-

tantes, pero nunca cercanos a integrarse en nuestro uso
cotidiano. Como viene siendo norma, los videojuegos son
el mejor camino para presentar soluciones como la que os
traemos en esta noticia.

Virtuix Omni podríamos definirlo como un sistema de control

complementario a otros elementos como cascos de realidad
virtual, que en los últimos tiempos están evolucionando de
forma importante en coste y experiencia de uso. El primer
ejemplo de ello es Oculus Rift.

Omni encaja en el puzle ofreciendo un sistema para mover-

nos en el espacio con nuestro propio esfuerzo físico, cami-
nando, e incluso corriendo. La idea es la de poder movernos
en todas las direcciones libremente sobre una superficie, y
que el sistema reconozca nuestro movimientos y los inter-
prete en el juego.

Parece claro que esta forma de jugar quema calorías y man-

tenerse en forma al mismo tiempo que interactuamos es una
de las posibilidades de las que presumen los desarrollado-
res, que actualmente tienen el proyecto en fase de prototi-
po, y con Kickstarter como medio para buscar financiación.

Aunque todavía tienen pendiente recibir la patente de la

tecnología, llevan dos años desarrollando el prototipo, que
se basa en superficies de baja fricción con ranuras para favo-
recer la estabilidad, además de periféricos con sensores de
movimiento o el emparejamiento con cámaras estilo Kinect.
Es necesario por lo tanto utilizar un calzado especial, en el
siguiente vídeo podéis ver el último estado del prototipo:

El precio de Virtuix Omni parece que estará cerca de los 600

dólares. En una aproximación similar encontramos alternati-
vas como WizDish, también en búsqueda de financiación. En
este caso se apuesta por un precio inferior, alrededor de 300
dólares, pero sin el sistema de cinturones que otorga mayor
seguridad al conjunto

Individuo con todos los elementos de manera que se introduce en el

130 videojuego
 mejores juegos de realidad

10 aumentada para android

Hoy dia la realidad aumentada está en auge, y el mundo de los videojue-
6 Magical battle
Debes poner una carta en la mesa donde aparecera un torreon atraves de tu camara android, el
cual deberas defender.
gos en android a aprovechado esta oportunidad, aquí le dejamos los
10 mejores juegos que te harán vivir nuevas experiencias, únicamente
usando tu android.
7 Table zombies
Como el anterior, mediante una carta aparece un terreno de juego por tu camara, y debes acabar
con todos los zombies

1 Pokemon go
Pokémon GO es un videojuego de aventura de realidad aumentada desarrollado por Niantic, Inc. 8 Clandestine anomaly
para dispositivos iOS y Android. Es free-to-play, contiene microtransacciones, pero su descarga y Defiende el mundo real de una invasion alienigena atraves de tu android.
desarrollo son completamente gratuitos.

2 Ingress 9 Parallel kingdon

Ingress es un juego de rol online que utiliza realidad aumentada y depende de GPS creado por Parallel Kingdom es un videojuego de rol multijugador masivo en línea en realidad aumentada
Niantic Labs, una nueva empresa dentro de Google, originalmente para los dispositivos Androi- desarrollado por PerBlue.
d,y desde el 14 de julio de 2014 también disponible para iOS de Apple. El juego tiene una historia
de fondo de ciencia ficción compleja con una narrativa continua abierta

10 Spectrek light
Metete en la piel de los cazadores de fantasmas, capturando todos los que puedas en el mundo
3 Father io real.
El nuevo videojuego de tiroteos en primera persona pretende hacerle sombra a Pokémon Go.

4 Zombie run
Sólo unos pocos han sobrevivido a la epidemia zombi. Usted es un corredor de camino a uno de
los últimos puestos restantes de la humanidad. Necesitan su ayuda para reunir suministros, los
sobrevivientes de rescate, y defender su hogar.

5 Sky siege
Juego de aviones donde debes mirar por la camara de tu movil para manejarlos.

132 133