Leonardo Melo Rodriguez

Cine y Filosofía.
Carrera Estudios Musicales.
Pontificia Universidad Javeriana Noviembre 14 de 2018

La influencia de los cue sheets en la evolución y estandarización de la

composición musical para el cine.

La música en el cine se ha utilizado para manejar de distintas maneras la manera en que la

audiencia percibe una película, un cortometraje o un ​film​. La principal función de la música
en una película es la de guiar a la audiencia en que sentir y cuando sentirlo, sin embargo es
importante tener en cuenta que las emociones generadas por una banda sonora son
subjetivas a cada persona. A pesar de esto a lo largo de la historia del cine se puede
observar la formación de ciertos ​clichés ​al momento de componer música, este
comportamiento se ha observado desde los inicios del cine.

Un importante aspecto para analizar este desarrollo, es la aparición de los cue sheets, los
kinotheks o compilaciones de música, utilizados especialmente para que en sus orígenes
existiera una guia de qué tipo de musica interpretar al momento de acompañar un film.
Estas maneras de sincronizar la música fueron evolucionando constantemente hasta
generar una forma estandarizada para componer. El objetivo de este ensayo es analizar
estas herramientas y su evolución, para entender cómo aportaron en los procesos de
estandarización de la música en el cine. Es importante aclarar que en este ensayo no se
hablará en específico del proceso de grabación ni producción, sino que se hablara
principalmente del proceso de composición y creación de la música. También es importante
aclarar que los cue sheets o listas de entrada como se conocen hoy difieren de sus
orígenes, ya que su función ha evolucionado a lo largo de los años, esto se mencionara
más adelante en el ensayo.

Las primeras proyecciones fílmicas de los hermanos Lumiere eran acompañadas por un
piano o un armonio1, los cuales se encontraban dentro del recinto donde fuera la
proyección. Una práctica común que surgió al final de la década de 1890, fue la de utilizar
piezas orquestales grabadas en un gramófono; estas piezas serían escogidas
especialmente para el film o para la escena que se deseaba acompañar, y el proyeccionista
o una persona que se ubicaba también en el puesto, dejaba caer la aguja en el gramófono
en la posición especificada para así acompañar el film, esta técnica se llamaba “​Needle
Drop” ​o caída de aguja. El primer registro de uso de esta técnica fue el film ​Pequeño Tich y
sus grandes botas, e​ sta técnica fue usada constantemente los primeros años de la primera
década del siglo XX. Es importante aclarar que para este entonces el cine seguía siendo
producido de manera artesanal, por lo que la música que acompañaba no tenía un
desarrollo especial y la escogencia de piezas acompañantes era hecha por los músicos,
directores o los mismos proyeccionistas.

1
Instrumento de origen Alemán de teclado, similar a un órgano sin tubos y de menor tamaño.
El primer registro de una obra comisionada específicamente para un film fue el cortometraje
“El asesinato del Duque de Guisa” en 1907, ​la música fue escrita por el compositor Camille
Saint-Saens, con un formato2 de piano, cuerdas y armonio. La obra fue dirigida al tiempo
que se realizaba la proyección, por lo que las entradas para acompañar las escenas las
marcaba el director. En este periodo de tiempo la práctica común con la música orquestal
que acompañaba, era que el director marcaba las entradas viendo el film, por lo que estaba
sujeto al error humano y muchas veces la sincronización era imperfecta.

Cuando los teatros de cine empezaron a surgir, muchos de estos tenían músicos
contratados los cuales acompañaban las proyecciones, estos podían ser desde un pianista
o un solo violinista, hasta grandes orquestas las cuales eran contratadas por los teatros más
grandes, alguno de estos teatros como el Roxy en Nueva York, podían considerarse
espacios de concierto, debido a la calidad profesional de sus músicos y orquestas.
Compositores y directores de gran importancia como Heitor Villa-Lobos o Eugene Ormandy
trabajaban componiendo y dirigiendo música para cine mudo, sin embargo muchas veces
tenían que componer una pieza diferente cada semana lo cual significaba una gran
dificultad. Por lo que los grandes teatros empezaron a utilizar librerias de musica que podían
utilizar para acompañar las proyecciones.

Un problema que surgió con estas etapas tempranas de la música para cine fue la cantidad
de films diferentes que se proyectan en cortos periodos de tiempo, por lo que aunque fuera
un formato pequeño o grandes orquestas, las músicos se veían en el dilema de que tocar
para acompañar, además de tener que responder con una gran variedad de piezas
musicales diferentes en estos periodos de tiempo. Fue en este momento que surge una
solución la cual se llamó “​Cue sheets” ​, los ​cue sheets, o l​ istas de entrada, funcionaban
como guía para los músicos al momento de acompañar un film.

En 1909 la compañía Norte Americana Edison films publicó cue sheets ​para acompañar
sus estrenos, lista de entrada tenían sugerencias de música específica para cada ambiente
de la película, a veces tambien sugerencias de música clásica que podía acompañar o
generar la emoción deseada en una escena específica, además de información para saber
donde podían entrar estas obras así como sugerencias de interpretación. Esto se convertiría
rápidamente en una práctica común con el estreno de cada film, los músicos que
acompañaban la proyección la verían una vez antes del estreno, y tomarian decisiones de
cómo acompañar la película en base a las sugerencias dadas por el ​cue sheet. E ​ sta
práctica ayudaría a homogeneizar la música acompañante, ya que no estaría dispuesta
simplemente a la decisión de los músicos, sino que ya se generaría una intención específica
musical para el film. Sin embargo es importante aclarar que muchos compositores y
músicos decidian ignorar los cue sheets o usarlos a su manera.

En este punto ya es posible observar una manera en la que se estandariza el proceso de

composición para cine, ya que si se realiza una comparación con las proyecciones
anteriores a los ​cue sheets ​el proceso de composición era más libre para los compositores,
sin embargo esto requería recursos económicos y de tiempo, por lo que los ​cue sheets

2
En este caso se utiliza formato como término musical, el cual dice los instrumentos que componen
una pieza.
ayudaron a acelerar el proceso, además ya no dejaba la música para escogencia libre de
los proyeccionistas, los músicos o los directores de orquesta.

En 1913 se comienzan a publicar distintos volúmenes de compilaciones musicales usados

para el acompañamiento de los films dirigidos a los pianistas y directores musicales, la ​Sam
Fox Moving Picture company ​publica volúmenes de música del compositor J.S. Zamecnik,
otras publicaciones importantes fueron los ​kinothek de G. Beece y ​Motion Picture Moods
arreglados por E. Rapee. Estas publicaciones contenían música diseñada especialmente
para dar el “ambiente” deseado para cada escena, ya que venían con especificaciones
acerca del sentimiento que generan, es decir había música para un ambiente específico. ​“​los
autores completan las listas de atmósferas (siniestra, alegre, ligera) con categorías tales como
naturaleza, temas relativos al amor, luz atmósferas graciosas, elegíacas,” (Chion, 1997).

Esto se considera muchas veces como uno de los orígenes de los ​clichés de las bandas
sonoras, es importante anotar que la música o banda sonora de una película funciona
principalmente como un catalizador para que los espectadores se sientan de una manera
específica, y al ser estas publicaciones efectivas en generar estas emociones, se contribuye
a la construcción de estereotipos musicales en el cine. Se puede observar una reproducción
en la música, la misma obra o pieza comenzaba a ser utilizada de distintas maneras
dependiendo de los músicos que la interpretaban. Además era mucho más económico
utilizar estas compilaciones de música que comisionar obras originales para cada film, por lo
que las obras comenzaban a ser una reproducción de composiciones publicadas por
distintas compañías, además que muchos de los músicos que interpretaban las obras eran
eran anónimos o no tenían crédito por su creación.

Para escoger la pieza musical apropiada para cada escena, el director musical vería la
escena con un cronómetro en mano, y basado en la duración de lo deseado a musicalizar
escogería la obra adecuada, posteriormente haría los arreglos necesarios en cuanto a
tempo3 dependiendo de la secuencia visual, podrían alterar la obra y variar el formato
musical. Esta es una manera bastante primitiva de sincronización audiovisual, pero se
puede ver como uno de los primeros pasos en este aspecto.

En la década de los 30’s cuando fueron los primeros años del cine sonoro, se vio un
resurgimiento del estilo sinfónico en las bandas sonoras para las películas, para este
entonces ya se había estandarizado el sistema de producción industrial en el cine, era la
época dorada de hollywood, y estaba establecido el ​studio system, ​en esta epoca ya no se
necesitaban estas colecciones de música, hacer composiciones originales para las películas
era una práctica común. Reconocidos compositores como Shostakovitch, Schoenberg,
Holst, Prokofiev, Copland, para nombrar algunos, compusieron para cine en esta época, la
cual tuvo mucha influencia en la música del siglo XIX, en base a compositores como
Wagner, Strauss, Verdi y Brahms. Muchas de las herramientas estándares de composición
para cine se establecieron en esta época, elementos como el desarrollo de materiales, el
estilo operático, el desarrollo orquestal, o el uso de los Leit motiv, f​ ueron prácticas
comunes, que se utilizan hasta hoy en día en el proceso de escribir música para cine.

3
Velocidad con la que se interpreta una pieza musical.
En este periodo es importante analizar el proceso de composición para las películas que
empleaban. Este proceso consistía en ver la secuencia o escena a musicalizar con un
cronómetro para calcular cuanto tendria que durar cada pieza, también anotaban las
características que necesitaba cada una de las obras, y la emoción que esta debería
producir en la audiencia, cambios de ambiente y el tempo necesario de la obra. Esta
información la anotada sería llamada “​Music Cue Sheet” o​ lista de entradas musicales,
nombre que se utiliza hoy en día todavía.

En las épocas tempranas del cine para mantener en sincronía la música con la proyección,
era común el tener un cronómetro en el atril del director, de esta manera podían medir el
tiempo de la obra, sin embargo esto era impreciso. Con la aparición del cine sonoro, ya no
era necesario acompañar la obra en vivo, por lo que estas nuevas ​cue sheets f​ acilitaron la
sincronización, ya que tendrían especificaciones de los puntos de entrada o los puntos
donde debería existir un cambio de tempo, carácter etc.. por lo general este punto era una
una imagen o escena por la cual el director se guiaría para dar la entrada, este podría ser
un beso, una explosión, un golpe o una caída entre muchas otras opciones, además se
diseñaron métodos para que el director viendo la proyección tuviera una señal de alerta que
le indicaría unos segundos antes la entrada.

Este proceso con el cual los compositores median el tiempo y luego determinaban el tempo
a seguir para su composición, era principalmente un proceso matemático, con el cual
determinaría la relación tempo y duración en segundos, este proceso se estandarizó hasta
el punto en que compositores, editores y directores de música para cine, publicarían tablas
con distintas especificaciones acerca del tiempo que tomaría en segundos para distintos
​ n las cuales anotarán
tempos y métricas, estas tablas se llamarían “​music click charts”, e
cuanto tiempo en segundos tomaría una cantidad específica de compases en distintas
métricas o cuántos pulsos ​tomaría para cumplir con una cantidad determinada de segundos,
estas tablas también serían de gran importancia para los editores porque podrían
determinar las marcas en la película y preparar todo lo necesario para el proceso de
grabación sonora en la pre-producción y para la edición de audio en la post-producción. .

Este método llegaría al punto de desarrollo que el editor de música para cine Carroll
Knudson publicaría en 1965, una guia detallada de este proceso para sincronizar la
composición con el tempo específico y deseado, este libro posee información detallada
acerca de cuadros, tempos, pulsos por minutos etc… y de cómo utilizarlos de manera
apropiada para la composición. Esta práctica fue utilizada por una gran mayoría de los
compositores hasta el desarrollo de la tecnología MIDI4 en los 80’s. Sin embargo esta
práctica era mucho más complicada en la época en comparación a hoy en día.

Este proceso de creación también tendría una gran cantidad de limitantes, ya que se
consideraba que frenaba la creatividad de los compositores, ya que las obras tendrían que
coincidir con exactitud con los tiempos deseados para las escenas, además las tablas
estandarizaron el proceso de creación y el proceso de composición se volvió

4
Musical Instrument Digital Interface
extremadamente especializado al tener que coincidir y encajar las obras por segundos y
hasta en décimas de segundos.

De esta manera se puede observar como el desarrollo de los ​cue sheets, ​entre otras
herramientas, fue paralelo a la estandarización en la composición de la música para cine, en
su origen los ​cue sheets​, ​kinotheks ​y compilados de música se utilizaron de guía para
facilitar el trabajo de los músicos, por lo que tuvieron una influencia fundamental en la
creación de los estereotipos musicales, ya que; a pesar de que la percepción y efectos de
una obra musical es algo subjetivo, se comenzó a generar un estereotipo de la música que
generaría ambientes, sensaciones y ambientes específicos, pues el cambiar el tipo de
musica podria tener un cambio significativo en cómo se percibe una escena. Los ​cue sheets
tardíos, servirán como un apoyo para la sincronización sonora con las películas, pero estos
también ayudaron volver la composición una labor altamente especializada y matemática,
hasta cierto punto, frenar los procesos creativos.

Hoy en día los ​cue sheets ​tienen distintas funciones en el proceso de composición, ya que
con el desarrollo de la tecnología digital y la tecnología MIDI, sincronizar la música con el
cine se volvió mucho más sencillo, a pesar de esto los procesos matemáticos se siguen
utilizando por muchos compositores. Los ​cue sheets hoy en día son muy distintos, son
listas con información detallada acerca de las obras utilizadas, las escenas y tiempo donde
aparecen además del nombre del compositor de estas obras, el año de composición, el
registro etc… y estas son utilizadas principalmente para poder pagar las regalías necesarias
a los compositores, editores y músicos que participan en la creación de las piezas.

Sin embargo, a pesar de su uso moderno, no se puede negar la importancia e influencia de

estos en la evolución de los procesos compositivos, los ​cue sheets, l​ os volúmenes de
música o las tablas de música y tiempo, ayudaron a estandarizar los procesos creativos. En
los orígenes la música del cine comenzó siendo una reproducción de otras obras, o de las
colecciones, con la evolución de las tecnologías sonoras, se especializó y evolucionó el
proceso de composición. De esta manera se puede observar la influencia que tuvieron estos
elementos dentro del desarrollo de la música para cine como la conocemos hoy en día.
Bibliografía.

- Chion, M. (2015) LA MÚSICA EN EL CINE. España: Paidos.

- Benjamin, W. (2003) LA OBRA DE ARTE EN LA ÉPOCA DE SU
REPRODUCTIBILIDAD TÉCNICA. México: Itaca.
- Art Phillips​. From ​Sounds Australian​ No 61, 2003. The History and Mechanics of
Screen Music: the Early Days. Recuperado de:
musicinaustralia.org.au/index.php?title=The_History_and_Mechanics_of_Screen_Mu
sic
- Cuadrado Mendez, J. (2013) LOS PROCESOS DE AURICULARIZACION EN EL
CINE. Revista Composición, Nº 11, Vol. 1. 2013, pp 24-39. Recuperado de:
https://www.researchgate.net/publication/272093520_Los_procesos_de_auriculariza
cion_en_el_cine