Forma musical

estructura musical como una tradición de

escritura

En música, forma musical en su sentido

genérico designa tanto una estructura
musical como una tradición de escritura
que permite situar la obra musical en la
historia de la evolución de la creación
musical. Añadidas a un título de una obra,
las diferentes formas musicales como
sinfonía, concierto, preludio, fantasía, etc.
designan entonces, tanto una estructura
que se ha construido a lo largo del tiempo,
como un género musical particular, una
composición musical que ha evolucionado
durante siglos: ópera, danza, etc. En
ambos casos, el concepto de forma alude
a la pertenencia a una categoría de obra
que posee uno o varios criterios más o
menos estrictos propios de una estructura
―número de movimientos, estructura
general, proporciones, etc.― que a lo largo
de la historia se han convertido en
prototipos, lo que no ha impedido que
hayan seguido evolucionando y olvidando
a veces los moldes del principio, ya que
los compositores trabajan, además de los
temas, el ritmo, la melodía y la armonía.
Se habla también de formalismo cuando
se hace uso de una cierta técnica de
composición ―[[ ]]― o de una categoría de
obra que respeta un cierto número de
usos, teóricos o históricamente inducidos.

Pero si el contenido de la música es

inefable, inmanente, su inscripción en la
trama temporal de nuestro presente le
imprime a la vez una estructura y una
forma, que operan en nosotros
transformaciones incontrolables por la
consciencia. La organización de la música
no es de orden intelectual salvo si se la
considera como una estructuración
consciente que la teoría podría paralizar.
Forma musical, estructura y
género
El concepto de forma no puede
aprenderse directamente. Solo la escucha
de la obra, su desarrollo en el tiempo,
permite la percepción. Históricamente, el
compositor que titulaba una obra
relacionándola con una forma precisa,
podía indistintamente hacer referencia a
sus aspectos genéricos (es decir, a su
destino), o a su estructura musical (es
decir, a su arquitectura), o incluso a los
dos a la vez, aspectos genéricos y
aspectos estructurales, ya que están a
menudo imbricados. Es lo que de modo
natural ha producido un deslizamiento
semántico, y que numerosos términos que
designan diferentes formas ―motete,
fuga, aria, rondó, etc.― se hayan revestido
de sentidos distintos, unas veces
cercanos al concepto de género musical,
otras veces cercanos al de estructura
musical.

Un ejemplo notorio es el del término

«sonata» que, según el contexto, puede
designar el «género sonata», o bien la
«forma sonata» presente en diversos
géneros, por ejemplo la sonata clásico-
romántica, el cuarteto o la sinfonía, que la
emplean en algunos de sus movimientos,
y por lo que son conocidos como "géneros
sonato-sinfónicos".[cita requerida]

Forma y estructura

La forma se distingue incluso de la

estructura musical, en el sentido de que
una misma forma puede de hecho ―según
la obra proyectada, según el compositor,
según los usos de la época, etc.― adoptar
tal o cual estructura.

Así, el «preludio», cuando designa la

forma introductoria de una ópera: el
preludio de Carmen de Bizet reviste la
«estructura» de un rondó (ABACAD),
mientras que el de El oro del Rin de
Wagner teje libremente un «decorado
sonoro» adecuado, sin seguir una
«estructura» particular. En su sentido
original, el preludio designaba
solamente lo que precedía a la parte
más importante de una obra ―cf. los
preludios y fugas de Bach―.
Los aspectos estructurales asociados a
una forma, deben de ser considerados
como constituyendo un simple
esquema no constriñente. El no respeto
de las reglas no excluye forzosamente
una obra de la forma tomada como
modelo.
Por ejemplo, la «sinfonía», forma
característica de los periodos clásico y
romántico, es tradicionalmente descrita
como la sucesión de los cuatro
movimientos siguientes: allegro, lento,
menuet y rondó. Ahora bien, es muy fácil
encontrar sinfonías en que el marco se
aleja poco o mucho de este «plan ideal»
―por ejemplo, la Sinfonía n° 34 en do
mayor K. 338 de Mozart no tiene más
que tres movimientos, mientras que la
Sinfonía Pastoral de Beethoven tiene
cinco―: a pesar de estas excepciones
estructurales, tales obras deben
evidentemente ser consideradas como
pertenecientes claramente a la forma
«sinfonía».
Desgraciadamente, es necesario señalar
que el término de «forma» es a menudo
empleado como sinónimo de
«estructura», lo que entraña fatalmente
algunas nuevas confusiones: por
ejemplo, «forma binaria» por «estructura
binaria».
Por ejemplo, si se dice que el segundo
movimiento de tal sinfonía está escrito
en «forma de lied», esto no significa de
ningún modo que se trata de la «forma
lied» ―que es una muestra a las claras
de música vocal y no de música
sinfónica―, sino más bien que «su
arquitectura sigue la estructura musical
habitualmente asociada a esta forma
vocal», a saber: A B A'. Se aprecia que
una expresión tal que «forma lied»
puede, según el contexto, aludir a una
verdadera forma, o bien a una simple
estructura.
Si el término forma es utilizada como un
puro sinónimo de «estructura musical»,
alude de hecho a la definición misma de
la estructura, organización de los
elementos constitutivos de una obra: su
arquitectura compositiva, su desarrollo,
la disposición de las ideas musicales,
sus imitaciones, sus reexposiciones,
etc.
De hecho, la célebre teoría de las
formas musicales, elaborada en el siglo
 XVIII por J. Mattheson, J.A. Scheibe,
Joseph Riepel y Heinrich Christoph
Koch, es de hecho una «teoría de las
estructuras musicales».

Para evitar confusiones, parecería

preferible utilizar el término de
«estructura», más bien que hablar de
«forma lied», de «forma binaria», de
«forma sonata», etc. Se hablaría así de
«estructura lied», de «estructura binaria»,
de «estructura sonata», etc. En este
momento, el término «forma», tomado en
el sentido de «estructura», es empleado
todavía de forma muy frecuente.

Forma y género
La forma se distingue igualmente del
género musical. Sin embargo, se le
aproxima, con la condición de admitir que
el concepto de «género» puede
desplegarse de manera arborescente.

Por ejemplo, el género «música

instrumental» se divide en varias ramas: el
género música de cámara, el género
música concertante, el género música
sinfónica, etc. Este último género se
subdivide a su vez en varias sub-ramas: el
género sinfonía, el género obertura, el
género poema sinfónico, el género ballet,
etc. Son estas sub-ramas ―sinfonía,
obertura, poema sinfónico, ballet, etc.― las
que son tradicionalmente consideradas
como formas.

Se observa que según el contexto, varios

términos que sirven para designar
diferentes formas musicales, pueden
igualmente aludir al género musical
asociado.

Por ejemplo, si se dice «Richard Wagner ha

compuesto trece óperas», «Ayer tarde, Juan
ha escuchado una ópera», «Don Giovanni
es mi ópera preferida», las tres menciones
del término «ópera» aluden a la forma
musical, es decir a la «unidad» ―una obra
musical precisa, incluso no identificada―
pudiendo ser contabilizada y distinguida
dentro de un conjunto.

Por otro lado, si se dice «Johann Sebastian

Bach no ha escrito jamás para la ópera»,
«Juan escucha a menudo ópera», «Las
cantantes de ópera son casi siempre
divas», las tres menciones de la palabra
«ópera» aluden esta vez al género musical,
es decir a una «multiplicidad» de obras de
la misma naturaleza, constituyendo por
tanto elementos no contabilizables.

Por el contrario, no se puede decir «Ayer

tarde, Juan ha escuchado un bel canto»: el
término «bel canto» designa aquí
exclusivamente un género musical, y no
una forma. De la misma manera, no se dirá
nunca: «Juan escucha a menudo
concierto» ―sino más bien «Juan escucha
a menudo de la música concertante»― : el
término «concierto» designa aquí
exclusivamente una forma musical, y no un
género.

De manera esquemática, el «género»

designa el conjunto, mientras que la
«forma» designa un elemento de este
conjunto: el «género» corresponde a la
rama del árbol, la «forma» corresponde al
fruto; o dicho de otra manera, «la forma es
el elemento terminal del género». Sin
embargo la diferencia entre los dos
conceptos es extremadamente tenue.

La forma musical como

creadora de la unicidad de la
obra
Unidad de tiempo

La forma musical nos es revelada al

tiempo y a medida que sucede el
desarrollo de la obra musical: cada
instante es en potencia un momento del
porvenir, una proyección en lo
desconocido. Este es el sentido del muy
bello título de una obra de Henri Dutilleux
que propone sumergirnos en el misterio
del instante. El teólogo suizo Hans Urs von
Balthasar, para recordarnos la importancia
del tiempo, concibe esta metáfora
juiciosamente musical de la condición
humana:

«Demos confianza al tiempo. El

tiempo es la música; y el dominio
de donde ella emana, es el porvenir.
Compás tras compás, la sinfonía se
engendra ella misma, naciendo
milagrosamente de una reserva de
duración inagotable». («Faites donc
confiance au temps. Le temps c’est
de la música; et le domaine d’où
elle émane, c’est l’avenir. Mesure
 après mesure, la sinfonía
s’engendre elle-même, naissant
miraculeusement d’una réserve de
durée inépuisable»).

El tiempo se inscribe en la dirección de la

flecha del tiempo conceptualizada por Ilya
Prigogine. El orden que el compositor
pone en lugar constituye un sistema
abierto, basado tanto en la proporción
como en la aleatoriedad, tanto en lo
racional como en lo indescriptible. La
música crea sus propias reglas de
adaptación a la evolución.

Unidad de la obra
Inscrita en el tiempo, la forma musical no
puede, por su esencia, compararse a las
otras formas artísticas, pictóricas,
arquitectónicas u otras. La formalización
musical es de hecho ante todo una puesta
en relieve. Forma y estructura son incluso
difíciles de distinguir. La intervención
estructurante de la audición construye, de
una parte, una escucha interior en el
compositor y, de otra, una escucha activa
del oyente. Esta percepción está
circunscrita a la duración, lo que permite
darle una unidad formal a la obra musical.
La unidad es la condición primera, pero no
se elabora más que porque hay
redundancias, oposiciones,
comparaciones, conflictos... La
estructuración previa del material por el
compositor precede en el tiempo la etapa
de la formalización. Es un peldaño
metodológico de la creación ya que ella
procede a la vez del espíritu y de la poesía.
La forma musical revelará entonces en su
desarrollo una estructuración de la
percepción estética, que puede efectuarse
a partir de modelos teóricos (forma
sonata, etc.) o a partir del material mismo,
imponiéndose a las intuiciones inmediatas
del compositor.

Gestalt
Según Boris de Schlœzer, teórico inspirado
por la Gestaltpsychologie, solo esta
cohesión formal de la obra, la totalidad
globalizante de su organización, le
proporciona un sentido intrínseco e
inmanente, en que la música significa ella-
misma y procura una cierta sensación
comunicativa a aquellos que la escuchan.
En realidad, la música se inscribe en un
tiempo “vivido” que da su sentido a la obra
musical. Si el contenido de la música es
inefable, inmanente, su inscripción en la
trama temporal de nuestro presente le
imprime una estructura y una forma.
Haciendo primar su concepción
gestaltista crítica, de Schlœzer viene a
distinguir estructura y forma de la manera
siguiente: la estructura reside en la
disposición de las partes concebida en
orden a constituir un todo, una unidad. La
forma, es este todo en tanto que tal, es
decir la manera en que la obra llega a la
unidad. Por esencia y por necesidad, la
obra musical sería así casi perpetuamente
reenviada del todo a sus partes y de las
partes al todo. Pero solo la unidad formal,
la armoniosa cohesión de los elementos
constitutivos opera este excedente de
expresión que manifiesta la esencia
misma de la obra, su unicidad. Esta
aproximación permite situar la creación
musical en la psicología de la percepción,
subrayando la importancia de esta
influencia reciproca del todo sobre las
partes.

El pensamiento consciente que encierra al

hombre en los límites de su propia
identidad, es sobrepasado por este todo
constituido de relaciones que conservan
todos los instantes, todas las facetas
―conscientes e inconscientes― que
forman la cualidad de una obra musical.
Así, esta se distingue por dos rasgos de su
creación formal que son, de una parte, el
proceso y de otra parte su estructuración.
Ningún compositor puede a sabiendas
congelar su expresión en un proceso
declaratorio previamente fijado, sin
limitarse a sí mismo. A partir del
contenido, de un material construido, la
estructura de la obra musical evoluciona
de la percepción hacia la recepción.

Procedimiento y procesos
La creación musical adopta estrategias
teóricas (genéricas), que han
evolucionado en la historia de la música,
estrategias destinadas a impulsar el
cambio, el movimiento, a partir de bases
colectivas. Estas reglas, estos sistemas,
pueden acercarse a una ley de
organización ―como se entiende el
término inglés «procedure»― o de una
semántica procesual, es decir no tanto
aquello que concierne al procedimiento
mismo, a la estrategia de cambio, sino
más bien a las fases de ese cambio, en
realidad el proceso. Esta noción de
proceso ha directamente suplantado a
otras nociones de estructuración de la
música, tales como aquellas que creaban
los objetos musicales, elementos
arquitectónicos de una estructura a definir.
De una dualidad objeto/estructura, se
pasó en los años sesenta a una dualidad
material/proceso.
¿Cómo se ha pasado sensiblemente de la
visión procedimental ―en que la forma es
preestablecida, confinada por la teoría― a
una visión que representa un proceso? Se
ha pasado por un juego de experiencias
sobre lo sonoro y sobre la vida, y por un
análisis de las relaciones del todo con las
partes. La observación del material
tradicional y de las representaciones
nuevas prueba que la música se sitúa
siempre en un movimiento estructurado
que fija el grado de estabilidad de tal o tal
momento, y la aparta de sus puntos de
anclaje con el conjunto de la obra.

Música contemporánea y
formas musicales

En la música contemporánea, el
compositor se enfrenta a un material
sonoro rico de su propia expresividad, de
su poder de inmanencia, es únicamente
llevada a coordinar la necesidad de una
formalización de los procesos y la
obligación de las relaciones que
desbloquean las leyes de la percepción de
los estratos informales de lo musical. La
relación función-forma no tiene
verdaderamente importancia a nivel de
una creación que sin cesar toma el riesgo
de lo nuevo. Solo la relación entre el
material ―modelo acústico, transposición
musical― y la función inducida ―por
naturaleza o por destino― proporciona los
criterios de una posible integración formal.
Crear nuevas organizaciones de las
funciones musicales que se dirigirán
menos directamente a la organización
jerárquica de la forma desarrollada que al
interés del oyente que en ella atrae su
recepción, se ha convertido en una nueva
noción traducida por la idea de material
musical. Todos estos conceptos que
dirigen esta búsqueda de una historia de
la recepción se han transformado en poco
tiempo en conceptos modernos básicos
para participar en la evolución de las
formas.
Esta integración de un nuevo material ha
suscitado una nueva dinámica de
búsqueda, basada a la vez en las
propiedades intrínsecas y extrínsecas del
material, y en las condiciones de la
percepción de lo musical. Es decir que ello
ha desmultiplicado las características
formales del material e incluso los
márgenes de maniobra de la
representación han aumentado. A la vez
nuevo en su visión y en la posibilidad de
su organización, este material interroga a
la consciencia artística de los
compositores (todo lo que expresa
virtualmente la teoría y que la práctica
busca realizar). La poética musical busca
hacer corresponder las verdades de la
representación con las profundidades de
lo imaginario. No puede acomodarse a los
límites psicosensoriales, sino que es
conducida a invitar a la diversidad de las
relaciones mantenidas al interior de lo
sonoro, a la construcción de funciones
perceptivas nuevas, y musicales.

Alejándose así de la jerarquía polarizada

alrededor de la función tonal, y
sobrepasando las combinaciones
paramétricas del serialismo de los años
1960, una dialéctica de la forma y del
fondo, de lo consciente y de lo natural, se
está así estableciendo y está destinada a
forjar nuevas dimensiones de la
representación, a construir una expresión
atípica, desprovista de relaciones
funcionales estrictas. El sentido musical y
el ordenamiento de la forma se
encuentran todavía más solidarizados;
como explica Lev Koblyakov:

“La unidad indisociable del

material y de la organización
significa que ambos son generados
juntos y que el menor cambio en el
material afecta también a la
organización.” (“L'unité
indissociable du material et de
l'organisation signifie que tous
deux sont générés ensemble et que
 le moindre changement dans le
material affecte aussi
l'organisation.”)

Lev Koblyakov

Funcionalidades

El equilibrio formal consigue así

mantenerse gracias a un equilibrio
funcional anticipado por el compositor. El
análisis de las funciones perceptivas
macroscópicas y microscópicas
―percepción de la variación y de las
repeticiones, haces de índices
remanentes, control de la disonancia…― y
de la memoria ―motivada por las
articulaciones que actúan como los
recuerdos― permite intervenir
pertinentemente sobre la percepción de la
estructura global. Microestructura y
macroestructura poseen el mismo nivel de
ductilidad que la composición musical ha
sabido explotar. El fenómeno nuevo, y
esencial en la intuición estética
contemporánea, es que esta puesta en
relación puede encontrarse en la
naturaleza inmanente de cada sonido, al
mismo tiempo que en la estructura global
de la obra. Ello permite la toma en cuenta
de esta totalidad de reencuentros o de
oposiciones de los fenómenos
―armonicidad o inarmonicidad, textura,
equilibrio…―. Esta ambivalencia del
material musical impone dos lógicas: una
local, y otra global. En tanto que esta
prerrogativa dualista puede ser objeto de
organización, se intenta preservar las
figuras inconscientes de la intuición, a las
que reenvían todos los formalismos
musicales. Estos formalismos, tributarios
de ciertos aspectos materiales de la
música, se apoyan en las leyes acústicas y
los elementos constitutivos del sonido
tales como las duraciones, las alturas, las
intensidades o el timbre que se convierten
así en atributos formales. Las relaciones
entre estos parámetros precisa una
atención particular y a fondo de los
[atributos de la percepción de la forma.

Listado de formas musicales

Ver también: Formas musicales por
periodo, línea de tiempo
Lista de formas musicales
Forma
Época Definición
musical

Canto litúrgico monódico y a capella, que representa

Canto llano
una oración o plegaria. Uno de los cantos llanos más
Medieval (Canto
representativos es el Canto gregoriano, que se canta
gregoriano)
en latín

Forma musical y litúrgica propia de todas las

tradiciones litúrgicas cristianas. Consiste en una
melodía generalmente corta y sencilla, de estilo
Medieval Antífona silábico, utilizada como estribillo que se canta antes y
después de los versículos de un cántico, himno o
salmo, normalmente en latín, en varios servicios
religiosos del Oficio y de la Misa, como las Vísperas.

Forma poética muy antigua. En un principio fue una

composición coral en honor a un dios. Posteriormente
fue una composición musical revestida de solemnidad
usada para transmitir sentimientos como el
Medieval Himno
patriotismo, la religión o la superioridad de unos
países frente a otros o, incluso, las gestas realizadas
contra otros, si fueron escritos en los momentos
inmediatos a la independencia.

Elegante baile musical originario del siglo XII. Su

Medieval Vals característica más significativa es que sus compases
son de 3/4.

En música medieval, conductus es un tipo de

composición vocal de una a cuatro voces en verso
Medieval Conductus latino, usado en su forma inicial, monódica, en la
liturgia cristiana. Se componía para celebrar actos
históricos religiosos o profanos.

Medieval Clamores Canto propio de la Liturgia hispánica que se cantaban

después del Psallendum en algunas solemnidades,
formando un todo con él. Constaba de una primera
sección que concluía con la aclamación Deo gratias y
 un versículo. Después se repetía el estribillo del
Psallendum.

Término utilizado originalmente para designar los

cantos monódicos que tenían lugar en la liturgia de la
Iglesia Occidental. En el siglo XIV se distinguía entre
los cantos corales o eclesiásticos y los cantos
figurales. A partir del siglo XV se empezó a usar el
Medieval Coral término coral para referirse al himno eclesiástico de la
Iglesia Luterana, y ya en el siglo XVIII, se llamó corales
a los cantos de la Iglesia Protestante en general.
Desde el siglo XIX se utiliza el término para designar
piezas homofónicas, con melodías principalmente
diatónicas y ritmos sencillos.

Composición musical formada por más de una frase

melódica que se repiten dos veces, al menos una debe
Medieval Secuencia
repetirse; el texto si existe, siempre es independiente
de la melodía.

En la época medieval, se denominó tropo a una forma

musical que prolongaba y embellecía la liturgia
Medieval Tropo añadiéndole texto, música o ambos; mientras que en
el canto gregoriano el tropo consiste en añadir
palabras en los melismas.

Danza medieval, originaria de la Provenza, muy en

Medieval Estampie
boga desde el siglo XII.

El órganum es una forma de polifonía occidental

primitiva, que está basada en la repetición paralela de
Medieval Órganum la misma melodía, nota por nota, pero generalmente a
una distancia de cinco notas (una quinta justa) más
agudas.

Danza alegre que se desarrolló a partir de la gaillarde

Medieval Saltarello
de Nápoles, en el XIII en Italia.

Medieval Monodia Composición musical para una sola voz, una sola
melodía, que tuvo un gran desarrollo durante los siglos
VIII y XIII (canto gregoriano). Cuando cantaban varias
 voces lo hacían al unísono o con una octava de
intervalo. Generalmente, el término se refiere a toda
melodía para una sola voz, y se opone a polifonía.

Término italiano que significa literalmente canción. En

la época trovadoresca, se le conocía así al poema
lírico de 4 o 5 estrofas, de 8 versos cada una. En la
Italia de los siglos XV y XVI se encuentra un género
monódico, parecido a la frottola y al strambotto,
Medieval Canzona precursor de la villanella y del madrigal, llamado
canzona. Posteriormente se convierte en canción
polifónica derivada de la canción franco-flamenca de
Josquin des Prés, Clément Janequin, Thomas
Crecquillon y otros, con el nombre de canzona
francese.

Forma de composición musical de carácter polifónico

Medieval Canon basada en la imitación estricta entre dos o más voces
separadas por un intervalo temporal.

Forma poética medieval, frecuentemente musicada. Es

una de las tres 'formes fixes' y fue una de las métricas
Medieval Virelay
más comunes en Europa desde la segunda mitad del
siglo XIII hasta finales del XV.

Forma musical tradicional de la Gran Colombia

(Panamá, Venezuela, Colombia, Ecuador y Perú) en la
Medieval y renacentista Pasillo
época de la conquista y colonia española. Variante y
descendiente del Vals vienés.

La más importante forma vernácula de música sacra

en Italia en la baja Edad Media y en el Renacimiento.
Originalmente la lauda fue música solista y
monofónica, pero a partir del siglo XIV se desarrolló
Medieval y renacentista Lauda una forma polifónica. De ritmo regular y estructura
armónica sencilla, recibió la influencia de los
trovadores, ya que los primeros ejemplos muestran
similitudes rítmicas, en su estilo melódico y
especialmente en su notación.

Medieval y renacentista Frottola Comúnmente es una composición para tres o cuatro

 voces, con la voz más aguda conteniendo la melodía.
La frottola evita la complejidad del contrapunto,
prefiriendo texturas homófonas, ritmos claros y
repetidos, y un rango melódico estrecho.

Término francés, que en español se refiere a cualquier

canción con letra en francés y, más específicamente, a
piezas vocales de tema amoroso, y también a las de
crítica social y política, en particular las pertenecientes
al estilo de los cabarets. En este contexto se llama
chansonnier al intérprete de canciones de carácter
Medieval y renacentista Chanson humorístico o satírico. En un modo más especializado,
chanson es una pieza musical polifónica de la Baja
Edad Media y Renacimiento. Las chansons antiguas
tendieron a presentar una forma fija como balada,
rondó o virelay, aunque posteriormente muchos
compositores usaron la poesía popular en variedad de
formas musicales.

Composición musical nacida en el siglo XIII para

Medieval y renacentista Motete
cantar en las iglesias, de texto comúnmente bíblico.

Composición musical para la voz humana

Medieval, renacentista, (comúnmente acompañada por otros instrumentos
barroca, clásica y Canción musicales) y con letra. Típicamente es para un solo
romántica vocalista, aunque puede también ser para un dueto,
trío, o para más voces (música coral).

Composición musical para dos ejecutantes,

instrumentales o vocales. Cuando se trata de dos
instrumentistas se suele hablar de dúo (Dúo de
Medieval, renacentista,
violines), reservándose el término dueto (diminutivo de
barroca, clásica y Dúo
dúo) para las composiciones de dos cantantes.
romántica
Además de ser una composición musical, se conoce
por este nombre a la formación musical de dos
intérpretes.

Pieza musical para ser cantada por una voz solista,

Renacentista Aria habitualmente con acompañamiento orquestal y como
parte de una ópera o de una zarzuela.
Renacentista Ensalada Género musical polifónico emparentado con el
Quodlibet. Fue muy popular en la península Ibérica
durante el Renacimiento, especialmente en el siglo
XVI. Su estilo es madrigalesco y está formada por
elementos heterogéneos. La ensalada fue concebida
para diversión de los cortesanos y alcanzó gran fama
en las fiestas palaciegas.

Estilo de danza y forma musical del siglo XVI originario

de Francia en el que el movimiento principal es lateral,
Renacentista Branle
y se bailaba en parejas o en un grupo formando líneas
o círculos.

Un tipo de ajuste musical de la poesía francesa común

en los siglos XIV y XV. Ofrecía típicamente una voz
superior prominente, que era cantada, y dos voces
Renacentista Balada
más bajas que pudieron haber sido vocalizadas o se
realizaron con instrumentos. Guillaume de Machaut es
el compositor más famoso de baladas polifónicas.

Himno cantado de alabanza religiosa. Utilizado desde

Renacentista Cántico
mitad del XVI, es corto, sencillo y popular.

Danza de pareja de tres tiempos aparecida en

Lombardía hacia 1480. Frente a su solemnidad inicial,
Renacentista Gallarda en seguida gana popularidad y se convierte en una
danza de baile muy apreciada en el XVI, siguiendo
habitualmente a la pavana en las suites de danza.

Composición para varias voces, sin acompañamiento,

Renacentista Madrigal que intenta traducir las más delicadas inflexiones de
un poema.

Danza procesional común en Europa durante el siglo

Renacentista Pavana
XVI.

También llamada "corrente", "coranto" o "corant" es el

Renacentista y barroca nombre dado a una familia de danzas ternarias de
Courante
finales del Renacimiento y principios del período
Barroco.

Renacentista y barroca Quodlibet Pieza de música que combina diferentes melodías en

 contrapunto, usualmente temas populares, y a menudo
en forma sencilla. Un ejemplo muy conocido se
encuentra en el final de las Variaciones Goldberg,
Variación N.º 30, de Bach. Otro ejemplo es Galimathias
Musicum (KV 32), un quodlíbet a 17 partes compuesto
por Wolfgang Amadeus Mozart cuando tenía alrededor
de diez años de edad.

Pieza de música clásica para teclado, que

generalmente enfatiza la destreza del practicante.
Renacentista y barroca Toccata
Menos frecuentemente, se utiliza para referirse a
trabajos para múltiples instrumentos.

La Misa, una forma musical sacra, es una composición

Renacentista, barroca,
Misa coral que traslada a la música secciones fijas de la
clásica y romántica
liturgia eucarística.

Género de música teatral en el que una acción

Renacentista, barroca, escénica es armonizada, cantada y tiene
Ópera
clásica y romántica acompañamiento instrumental, donde los actores
utilizan estilos poco comunes al cantar.

Danza alemana barroca (siglo XVIII) de compás

cuaternario o binario y simple. Término que también es
usado para denominar un elemento estándar de la
Barroca Alemanda
suite, normalmente el primer o segundo movimiento.
También se puede denominar Allemanda, Almán o
Almaín.

Desde la época barroca, la cantata es una

Barroca Cantata composición para una o más voces solistas que se
acompañan de instrumentos.

Popular forma de música barroca usada por un

conjunto musical que generalmente tenía de cuatro a
Concerto
Barroca seis movimientos, en los cuales el material musical
grosso
era pasado entre un pequeño grupo de solistas y una
orquesta completa.

Barroca Aria da capo Tipo de Aria que aparece en la música barroca que se
caracteriza por su forma ternaria, es decir en tres
 partes. Como las de las, también son interpretadas por
un solista acompañado por instrumentos,
normalmente en una orquesta pequeña.

Antigua forma musical (barroco alto) basada en el

procedimiento de la imitación. Forma contrapuntística
menos elaborada que la fuga, que es más tardía y
Barroca Ricercare
explota un tema generador de forma sistemática,
mientras que el ricercare encadena episodios
diferentes que pueden no tener ligazón temática.

Composición polifónica basada en el contrapunto

Barroca Fuga
entre varias voces. (siglo XVII).

Una de las muchas piezas básicas para componer una

suite. Es una danza francesa de los siglos XVII y XVIII,
pastoril, que tomó el nombre del instrumento con el
Barroca Musette
cual se ejecutaba: musette o cornamusa. También se
refiere a un estilo musical predominante en París,
donde el acordeón era el instrumento principal.

Forma musical tradicional del sur Italia. Conocida

desde el XVII, particularmente vivaz, acompañada de
una danza desenfrenada, era tocada en ceremonias
qui podían durar jornadas enteras, para curar a
Barroca
Tarantela quienes se creía víctimas de mordedura de una araña
legendaria, la tarántula. Las cualidades terapéuticas
que se le pretendían eran un pretexto a fin de
perpetuar las danzas paganas en la Italia católica
rigorista del XVII.

Danza popular francesa, muy popular en la corte de

Barroca Gavota Luis XIV de Francia, donde Jean-Baptiste Lully era el
principal compositor.

Barroca Giga Danza rápida o muy rápida, de origen probablemente

inglés (jig). Cronológicamente, fue la última danza en
ser integrada como elemento básico de la suite
baroque. Se toca en último lugar, después de la
zarabanda, pero con la posibilidad de intercalar entre
 ellas algunas danzas opcionales, como el minueto,
gavotta, bourrée, passepied, rigaudon, etc.

Danza en tres tiempos de origen hispanoamericano

que, a través de España, se difundió por Europa.
Durante el siglo XVII, la Chacona desarrolla un tema
melódico al que se aplicaba variaciones en el bajo
Barroca Chacona
(basso ostinato). Monteverdi y Frescobaldi utilizaron
ritmos más lentos del tipo zarabanda, muy del gusto
de Couperin y Lully, que la utilizaban en sus obras
escénicas.

Antigua danza tradicional de la música barroca

originaria de la región francesa de Poitou que alcanzó
su desarrollo entre 1670 y 1750. Fue introducida en la
Barroca Minueto
corte francesa por Jean-Baptiste Lully (1673) que la
incluyó en sus óperas y, a partir de ese momento,
formó parte de óperas y ballets.

Pequeña composición litúrgica para órgano que usa

una melodía de un coral como base. Fue una forma
Preludio predominante del barroco alemán y tuvo su
Barroca
coral culminación en la obra de J.S. Bach, que escribió 47
(el n.º 47, inconcluso) ejemplos de esta forma en su
Orgelbüchlein.

Pieza musical breve, usualmente sin una forma interna

particular, que puede servir como introducción a los
siguientes movimientos de una obra, usualmente más
grandes y complejos. Muchos preludíos tienen un
Barroca Preludio continuo ostinato debajo, usualmente de tipo rítmico o
melódico. También hay algunos de improvisación. El
preludio también puede referirse a una obertura,
particularmente a aquellos de una ópera, oratorio o
ballet.

Barroca Zarabanda Danza lenta, originaria de América Central, que se

popularizó en las colonias españolas, antes de cruzar
el Atlántico para llegar a España. Posteriormente, se
 convirtió en un movimiento tradicional en la suite
durante el Barroco.

Pieza musical compuesta por varios movimientos

breves cuyo origen son distintos tipos de danzas
barrocas. La suite está considerada como de las
primeras manifestaciones orquestales de tipo
Barroca Suite
moderno. Otras veces se presentaba un tema musical
en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este
género un antecedente de la forma sonata que se
origina en el siglo XVII.

Composición musical de corta extensión

Barroca Invención (normalmente para teclado) con una estructura
contrapuntística a dos voces.

Danza tradicional de parejas, de origen francés, siglo

XVI. La bourrée es una danza rápida que se utilizó en
Barroca Bourrée
la suite barroca y en los ballets y las óperas francesas
del siglo XVII y el siglo XVIII.

Canción folclórica cantada por los gondoleros

venecianos, o una obra musical escrita en aquel estilo.
Barroca, clásica y En la música clásica, las dos más famosas son la de la
Barcarola
romántica ópera Los cuentos de Hoffmann de Jacques
Offenbach, y la Barcarola en fa sostenido mayor, para
piano, Opus 60 de Frédéric Chopin.

Barroca, clásica y Introducción instrumental de una ópera u otra obra

Obertura
romántica dramática, musical o no.

Tipo de concierto donde los instrumentos de teclado

(piano, órgano, clavicémbalo, entre otros) son los
solistas. Es uno de los conciertos más importantes de
Barroca, clásica y Concierto
la música académica, especialmente a partir de la
romántica para teclado
segunda mitad del siglo XVIII, donde es ampliamente
cultivado entre los grandes compositores hasta
nuestros días.

Barroca, clásica y Concierto Forma musical en la que se compone una obra para un
romántica instrumento solista, o en algunos casos también con
 orquesta incluida, que usualmente es de tres
movimientos siguiendo un patrón de rápido - lento -
rápido.

Obra para orquesta, de ordinario dividida en cuatro

Barroca, clásica y
Sinfonía movimientos, cada uno con un tiempo y estructura
romántica
diferente.

Obra lírica de carácter narrativo, sin representación

escénica, formalmente bastante próxima a la ópera,
destinada en principio a ser interpretada en una iglesia
Barroca, clásica y
Oratorio o (en nuestros días) en concierto. Sus temas eran a
romántica
menudo religiosos: episodios sacados de la Biblía, de
la vida de Jesús o más raramente, de la vida de los
santos.

Forma musical que fue muy popular durante el siglo

XX, compuesta para un reducido número de
Barroca, clásica y instrumentos. De forma similar a la suite, y al igual que
Divertimento
romántica ésta, estaba formada por movimientos de danza,
aunque más cortos y simples, y más libres en su
conjunto.

Barroca, clásica y Obra musical que entra dentro de las composiciones

Marcha
romántica definidas por el movimiento o por el ritmo.

Forma musical libre que se distingue por su carácter

improvisatorio e imaginativo, más que por una
Barroca, clásica y estructuración rígida de los temas, que permite al
Fantasía
romántica compositor una mayor expresividad musical relajando
las restricciones inherentes a otras formas
tradicionales más rígidas, como la sonata o la fuga.

Canción o composición musical relacionada, de

acompañamiento o evocando al atardecer. Otra
Clásica y romántica Alborada manera de definirla es como un tipo de música matinal
interpretada al aire libre para festejar a alguien, en
oposición a la serenata.

Clásica y romántica Ballet Género dramático cuya acción es representada por

medio de pantomimas y danzas. El ballet cortesano
 francés, es contemporáneo de los primeros ensayos
de la monodía dramática de Florencia (los
intermedios, de finales del siglo XVI). De las
representaciones de los ballets de la corte nacen la
ópera-ballet y la comedia-ballet de Lully y de Molière.
El ballet intercalado, insertado en una ópera, es
específico del arte lírico francés, como se refleja en las
representaciones de las tragedias líricas de Lully y de
Rameau. La reforma de Noverre (ballet de acción) e
incluso las de Gluck.

Himno (estrictamente excluye a los Salmos) tomado

de la Biblia. El término es a veces usado para incluir a
Clásica y romántica Cántico
los antiguos himnos no bíblicos como el Te Deum y
ciertos salmos usados en la liturgia.

Breve composición hecha para practicar una destreza

Étude o
Clásica y romántica técnica particular en la ejecución de un instrumento
Estudio
solista.

Pieza, tradicionalmente pianística, que se caracteriza

por la continua improvisación. Se estructura
Clásica y romántica Impromptu
normalmente en tres partes ABA (forma tripartita). Fue
cultivada por autores como Schubert, Chopin y Fauré.

Composición que cabe entre otras entidades

musicales o dramáticas, como por ejemplo, actos de
Clásica y romántica Intermezzo
una obra teatral o movimientos de una obra musical
más extensa.

Término que se refiere a una composición, típica de

los países germánicos, escrita para un cantante con
acompañamiento de piano. Es característico la
Clásica y romántica Lied
brevedad de la forma, la renuncia al virtuosismo
belcantistico, la estrecha relación con el poema y la
fuerte influencia de la canción popular alemana.

Clásica y romántica Mazurca Danza animada de pareja, tradicional de Polonia, del

siglo XVI, algo más rápida que la polonesa.
Originalmente un baile de salón, se convirtió en una
danza popular. Se dio a conocer por toda Europa, junto
 con la polca (de estructura similar), durante la segunda
mitad del siglo XIX. Se parece al vals y al minué (de
origen francés, la más famosa danza durante el siglo
XVIII) en cuanto a su estructura y a su movimiento
moderado. Especialmente fue Frédéric Chopin el
precursor de esta forma musical en la música clásica
y de concierto.

Pieza de música vocal o instrumental, de melodía

dulce y estructura libre. Originalmente se le daba esta
denominación a una pieza tocada a momentos,
generalmente en fiestas de noche y después dejadas a
Clásica y romántica Nocturno un lado. Posteriormente, estas piezas no estaban
necesariamente inspiradas en la noche, ni hacían
evocación alguna a ella, pero habían sido escritas para
ser tocadas en la noche, como sucede con las
serenatas.

Danza polaca de movimiento moderado y en compás

de 3/4. En su origen (siglo XVI) era una marcha
solemne que daba principio y fin a las fiestas de la
nobleza; las parejas, tomadas de las manos y guiadas
por el dueño de la casa, atravesaban salas, galerías y
Clásica y romántica Polonesa
jardines, haciendo los más extravagantes
movimientos. Durante el siglo XVIII se produjo la
estilización de la polonesa. Es en esta época donde la
polonesa se entronca dentro de la Suite, tomando la
forma de Zarabanda o de Rondó.

Formación camerística constituida por cuatro

instrumentos. Habitualmente se refieren a cuartetos
de cuerda ―aunque existen también de otras
Clásica y romántica Cuarteto instrumentaciones― formados por dos violines, una
viola, y un violonchelo. Por extensión, el término
también se puede aplicar a las composiciones para
estas formaciones.

Clásica y romántica Réquiem El Réquiem o Misa de réquiem es un servicio litúrgico

de la Iglesia católica. Esta misa es un ruego por las
 almas de los difuntos y tiene lugar justo antes del
entierro o en las ceremonias de conmemoración o
recuerdo.

Forma musical basada en la repetición de un tema

musical. El tema principal (A) suele desarrollarse tres
Rondó o
Clásica y romántica veces o más. Era una forma muy atractiva para los
Rondeau.
compositores y los clavecinistas barrocos del siglo
XVII y principios del siglo XVIII, como Couperin.

Grupo de canciones diseñadas para ser ejecutadas

secuencialmente como una sola entidad. Usualmente
Ciclo de todas las canciones son del mismo compositor y
Clásica y romántica
canciones utilizan versos del mismo poeta. Un ciclo de canciones
mantiene su unidad al referirse al mismo tema o al
contar una historia.

Se desarrolló a partir del minueto, y gradualmente lo

fue sustituyendo en el tercer (o a veces segundo)
movimiento de la sonata, el cuarteto de cuerdas y la
Clásica y romántica Scherzo
sinfonía. Tradicionalmente conserva la forma ternaria
del minueto, pero es más rápido y casi siempre de
naturaleza alegre.

Forma musical concebida para orquesta de cuerda, de

viento, mixta o conjunto de cámara. Fue un
divertimento que alcanzó enorme popularidad durante
Clásica y romántica Serenata el siglo XVIII: La serenata se tocaba por la tarde, al
anochecer, y cuyo origen está en las baladas que los
enamorados cantaban frente a las ventanas de la
amada al atardecer.

La sonata clásica, la forma más difundida de esta

forma musical, es una obra que consta de tres o
cuatro movimientos, escrita para uno o más
instrumentos. Inicialmente predominaron las formas
Clásica y romántica Sonata
de tres movimientos, especialmente en la época
clásica, pero a medida que aumentaban tanto su
complejidad como duración se popularizaron las de
cuatro movimientos.
Romántica Bagatela Composición musical ágil y corta originaria del
movimiento romántico. Su forma suele ser ABA, con
Coda final, y normalmente se interpreta al piano.

Obra de origen musical, de carácter poético literario,

Poema cuya finalidad es mover sentimientos y despertar
Romántica
sinfónico sensaciones, o describir una escena mediante la
música.

Pieza musical característica del romanticismo

compuesta por diferentes partes temáticas unidas
libremente y sin relación alguna entre ellas. Es
Romántica Rapsodia
frecuente que estén divididas en dos secciones, una
dramática y lenta y otra más rápida y dinámica,
consiguiendo así una composición de efecto brillante.

Género musical de origen español, desarrollado en

varios países hispanoamericanos como Argentina,
Colombia, Cuba, Ecuador, España, México, Perú, Puerto
Romántica Bolero Rico, Venezuela, y otros. El ritmo del bolero es de un
compás de cuatro tiempos. Su forma de bailar tan
simple lo hizo popular en todo el mundo, en todos los
ambientes y entre todas las clases sociales.

Pieza corta, originaria del romanticismo, compuesta

generalmente con forma de Lied A-B-A. Su estilo no es
Momento
Romántica concreto, y suele adoptar formas muy diversas. Son
musical
célebres los Momentos musicales de Schubert para
piano.

Danza popular aparecida en Bohemia hacia 1830. Su

forma deriva directamente del minué, con una
Romántica Polka
instrucción que prepara la entrada del tema y una coda
que sirve de final a la obra.

Véase también
 Análisis musical
Armonía
Categoría:Géneros y formas musicales
Composición musical
Funciones Tonales
Música concreta
Textura musical

Referencias
Copland, Aaron: What to Listen for in
Music . Penguin, 2011 [1957]. Cómo
escuchar la música . Fondo de Cultura
Económica, 2008.
Kühn, Clemens: Tratado de la forma
musical . Idea Books, 2003.
Schönberg, Arnold: Fundamentals of
Musical Composition . Faber & Faber,
1967. Fundamentos de la composición
musical . Real Musical, 1994.
Toch, Ernst: Elementos constitutivos de
la música . Idea, 2001.
Wennerstrom, Mary: «Form in Twentieth
Century Music». Aspects of Twentieth-
Century Music . Prentice-Hall, 1975.
Saavedra, Rafael , Arquitectura de la
Música: Un tratado de análisis de
formas musicales, Mérida (Venezuela):
Ediciones Actual, 2013, 208 p. ISBN 978-
980-11-1624-0
 Saavedra, Rafael , Arquitectura de la
Música: Un tratado de análisis de
formas musicales, 2da edición,
Saarbrücken (Alemania), Editorial
Académica Española, 2017, 188 p. ISBN
978-620-2-24203-5

Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una
categoría multimedia sobre Forma
musical.
«A Practical Guide to Musical
Composition» Alan Belkin
«Study Guide for Musical Form» Robert
T. Kelley
Obtenido de
«https://es.wikipedia.org/w/index.php?
title=Forma_musical&oldid=114854397»

Última edición hace 15 días por Ser…

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