Arte Tridimensional: Historia,

Características y Obras
El arte tridimensional se caracteriza por la creación de obras con tres dimensiones: alto, ancho y
largo. Al igual que el arte bidimensional, la creación tridimensional es tan antigua como el hombre
mismo. En la Prehistoria el hombre modeló objetos de arte con fines mágico-religiosos, y como
herramientas de trabajo y defensa.
Las expresiones más representativas son principalmente la escultura y la arquitectura, pero
también se encuentran representantes en la pintura gracias a la perspectiva y al manejo de las
sombras a través de la luz. En la escultura el arte tridimensional se presenta en forma de tallas
(piedra o madera), modelado (arcilla, cera), fundición y soldadura.

El Moisés de Miguel Ángel

También se aprecia en la producción de figuras
abstractas o figurativas, como el huecograbado, el
relieve o la ronda. En la arquitectura los primeros
monumentos de piedra construidos por las sociedades
primitivas son los antecedentes más lejanos del arte
tridimensional.
Dichos monumentos se construyeron con fines de abrigo
y culto religioso, después como símbolos de desarrollo,
poder y, desde luego, belleza.

Historia
Desde la Prehistoria el hombre ha construido monumentos de piedra para
celebrar sus ritos religiosos, como fue el caso de Stonehenge en Inglaterra.
También realizó el tallado de utensilios y herramientas de uso cotidiano
para cazar y defenderse.
Asimismo, el ser humano se valió de la arquitectura para construir
viviendas donde pudiera protegerse del frío y de los animales.

Los primeros objetos de arte prehistórico fueron creados en el Paleolítico

inferior. El hombre fabricó flechas (bifaz) y cuchillos de sílex utilizando
otras piedras; con estos utensilios podía defenderse. Estos instrumentos
también le permitían cazar, descuartizar y cortar la carne de los animales.
Escultura y arquitectura
La escultura, como arte tridimensional más representativo desde los
tiempos prehistóricos, tuvo como inspiración fundamental la figura
humana. En el hombre surgió el deseo de crear piezas de arte que
representaran y perpetuaran en el tiempo la fisionomía y la belleza de sus
semejantes.
Con el desarrollo de la civilización se fueron empleando más las figuras
humanas, femeninas y masculinas, que en ocasiones eran mezcladas con
animales. A través de estas se representaban dioses como los de
Mesopotamia o reyes, como fue el caso de los egipcios.
Después, con el dominio de las técnicas arquitectónicas, la geometría y la
ingeniería, fue posible la construcción de las primeras obras emblemáticas;
por ejemplo, los megalitos construidos principalmente en el período
Neolítico.

Más tarde fueron creadas las obras monumentales representativas del arte
tridimensional, como lo son las pirámides egipcias junto con la arquitectura
mesopotámica (sumeria), asiria, babilónica, etrusca y minoica. También se
desarrollaron las arquitecturas micénica, egea y persa.
En la Antigüedad clásica, la arquitectura y la escultura griega marcaron un
hito histórico en las artes por su perfección y belleza.
Luego se desarrolló el arte romano, hasta llegar a la Edad Media, cuando se
produjo una revolución en el arte tridimensional. Hasta entonces la pintura
bidimensional había sido la única forma de arte plástico conocido.

Pintura
Con el descubrimiento de la perspectiva por los artistas italianos Duccio y
Giotto (siglos XIII y XIV), el arte entró en su etapa tridimensional.
La pintura adquirió una nueva dimensión: la profundidad, a través del
manejo de la luz y el sombreado. Esta técnica se perfeccionó durante el
Renacimiento y continuó hasta la actualidad.
Características
– Las obras de arte tridimensional tienen tres dimensiones: alto, ancho y
profundidad, cuyas formas pueden ser geométricas y orgánicas.
– Pueden ser apreciadas desde cualquier ángulo o perspectiva, a diferencia
de las obras de arte bidimensionales, que solo pueden ser vistas de frente.
– El volumen de las obras es real, como es el caso de la escultura y la
arquitectura. La pintura es una excepción, puesto que el volumen y la
profundidad son simulados a través de sombras y luces.
– Las técnicas de arte tridimensional se aplican en cualquier superficie o
material que sirva para esculpir o construir una estructura. Con el
desarrollo de la industria cinematográfica ya es posible aplicarlas también
en las imágenes de cine: en las películas en 3D y en las imágenes digitales.
– En el caso de la escultura como arte tridimensional, uno de sus temas
principales ha sido la representación de la figura humana.
– Los materiales empleados para la creación de las obras son muy variados
en su textura y naturaleza: piedra, metales, cera, arcilla, pinturas, etc.
– El lenguaje plástico del arte tridimensional creado a través de la escultura
o la arquitectura es muy similar entre sí. Se diferencia de otras formas
tridimensionales de arte como la pintura en su expresión tridimensional o
bidimensional.
– Las obras tridimensionales en su mayoría carecen de fondo. En su lugar
tienen entorno y descansan sobre su propia superficie.
Obras destacadas
A continuación algunas obras muy significativas y destacadas del arte
tridimensional en distintas épocas de la historia del arte:
Stonehen
Este monumento megalítico de tipo
crómlech fue erigido a finales del período
Neolítico, hace unos 5 mil años. Está
situado a poca distancia de Amesbury, en
Wiltshire, Inglaterra.
Aun no se sabe a ciencia cierta las razones
de su edificación y posterior abandono,
pero se cree fue por motivos rituales.
Pirámides egipcia

Pirámides de Giza: Keops, Kefrén y

Micerino
Keops, Kefrén y Micerino son las
obras arquitectónicas más
importantes del arte tridimensional
egipcio. Están levantadas en la
meseta de Guiza, a las afueras de El
Cairo. Fueron construidas hacia el
año 2500 a. C., en una etapa anterior
a las pirámides clásicas, durante la
dinastía IV.
El Partenón

Es uno de los más importantes

templos griegos perteneciente al
orden dórico, que fue construido en la
acrópolis de Atenas entre el 447 a. C.
y el 432 a. C.
David de Miguel Ángel
 Es una escultura de mármol
blanco que mide 5,17 metros
de altura y pesa 5572
kilogramos. Fue esculpida por
el pintor y escultor italiano
Miguel Ángel Buonarroti entre
los años 1501 y 1504. Está
exhibido en la Galería de la
Academia de Florencia.
Figura reclinada de Henry
Moore

Esta obra, junto con Viento

norte (1928) y Virgen con el
Niño (1949), es una de las más
importantes del escultor inglés
Henry Moore (1898-1989).
El trabajo de Moore recibió diversas
influencias de estilos de arte,
desde el precolombino hasta el
surrealista. En su trabajo
destacan las obras abstractas y
figurativas, alternando el vacío
con formas geométricas planas, cóncavas y convexas
¿Qué es el arte abstracto?
El arte abstracto se define como un movimiento artístico, que tiene como punto
central el uso de la figuración. El objetivo principal del arte abstracto es realizar
una propuesta a una nueva perspectiva de la realidad que se basa en las formas y
los colores que los componen, sin embargo se desconecta de la realidad en la que
nos encontramos.

El arte abstracto representa una vista variada de quien observa la obra, esto
quiere decir que hace una simulación de multiplicidad de vistazos en un mismo
instante y de distintos ángulos por parte del espectador. Pero la abstracción de
este estilo de arte no expresan todo el tiempo esta característica de la misma
manera. Comúnmente lo abstracto casi no se percibe. En otras ocasiones, lo
abstracto es un poco más obvio y notable.

Este tipo de expresión artística no tiene la intención de ser perfecto en sus

representaciones, sino todo lo contrario, esconde el mundo real. En pocas
palabras, cualquier obra de arte que contenga una alteración a la realidad en
cuanto a la forma o el color, en algunos casos ambos, se puede considerar una
obra de arte abstracto.

Significado
Con la intención de conocer mejor que es el arte abstracto, es necesario tener en
cuenta el término “abstracto”. La abstracción se entiende como la acción y lo que
resulta abstraer, que significa que no existe la capacidad de ser percibido por
medio de los sentidos, hace una exclusión a lo material y se distancia del mundo
real. En el momento que esta palabra se une al aspecto artístico, se encarga de
representar la idea de no crear seres u objetos concretos, expresándose con
formas, colores, estructuras o proporciones con una profunda interpretación.

Definición
El arte abstracto es una manera de expresión artística que desprecia cualquier tipo
de figuración y no se basa en elementos del mundo real, sino se basa en sentidos
no tan tangibles, como sentimientos, pensamientos o ideas.

En este tipo de expresión artística

destaca las ideas o conceptos en
deterioro de las representaciones
figurativas del mundo que nos rodea y
podemos percibir.

El arte abstracto es un tipo de arte

moderno que se muestra cómo el
contrario al realismo y a la fotografía, y
para su entendimiento se es necesario
la imaginación y la comprensión desde una perspectiva que va más alejado de la
lógica para poder disfrutar de una obra de arte abstracta.

En el campo de las artes visuales, esta expresión artística se le conoce por sus
representaciones en el área de las pinturas y las esculturas, pero también se
pueden apreciar otras formas del arte abstracto, como es el caso de obras
arquitectónicas, en artes escénicas como lo es la
danza y la música, y en el campo literario.

Características
 Estas obras no expresan los sentimientos
propiamente del autor. La intención del arte
abstracto consiste en expresar estados puros de
conciencia o inconsciencia.
 Los colores y formas de este estilo contiene
su propia expresión artística. Esto hace que los
rayos que se cruzan entre las distintas formas,
originan elementos espaciales que son usados en
el arte abstracto.

 Las figuras no poseen fuerza en este campo del arte. Esto hace que el
cuadro se convierta en único componente geométrico de toda la obra. Por
esta razón el arte abstracto se conoce como la simplicidad al extremo de las
formas.
 El significado de la obra hace el intento de ser percibido aunque no desea
transmitir la sensación del autor. De alguna manera, la obra quiere
encontrarse en un mundo externo a la realidad, llenando de
representaciones lo abstracto.
 A pesar de que el arte abstracto tiene aspectos parecidos al arte de la
Prehistoria, se considera un tipo de arte que rompe con los esquemas de la
concepción del arte que se había comprendido al respecto durante su
surgimiento. Por esta razón todavía gran parte de las personas no
consideran el arte abstracto como una expresión artística.
 Lo que intenta la abstracción pura es distanciarse lo más que se pueda del
mundo real hasta que lo único que se conserve de este mundo sea su
significado y belleza. De este modo, se quiere destacar la belleza de la obra
por sí sola.
 Los materiales que se usan en las obras abstractas llegan a poseer más
significado que su simple utilización.

 La localización de los elementos y las

técnicas utilizadas, y también los materiales
alternativos tienen la intención de expresar un
 significado o algo más profundo como ideas o sentimientos.
 El título de las obras que se realizan bajo este tipo de expresión artística
busca la atención inmediata de su público. De esta forma el título sirve de
gran apoyo para la interpretación de lo que el autor de la obra quería
representar. En algunos casos las obras carecen de título para alejarlo más
de la realidad.
Origen e historia
El primer artista que planteo su arte a un concepto muy similar a los elementos
que representan el arte abstracto, es McNeill Whistle, que al presentar su obra
titulada “Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket” en el año de 1872,
propuso una idea que se enfocaba más a las sensaciones visuales que en lo que
representan los objetos. De este modo forma, muchas pinturas de grandes artistas
de plen air como John Constable, J. M. W. Turner, Camille Corot y muchos otros,
enfocaron un interés objetivo.

A principios de la década de 1910, fueron desarrolladas varias tendencias

relacionadas a lo abstracto a través de los movimientos vanguardistas en distintos
países de Europa. Sus predecesores más cercanos se consideran dos
importantes movimientos de innovación, como lo son el impresionismo y el
fauvismo.

Las tendencias más importantes del arte abstracto son originadas de un doble
matriz formal, que suele buscar un orden y una racionalidad que hace un
distanciamiento inmediato a la realidad, aunque simultáneamente se pueda
reconocer las fuerzas creativas del ambiente.

Una de las tendencias principales se

considera como un lenguaje que se basa
en las funciones de expresión y
significado de los colores, en el ritmo que
fluye debido a las analogías reciprocas de
las formas concretas. Esta tendencia
nace de las emociones, se es
influenciado por loa música, además de
los estudios psicológicos y los principios
de percepción realista.

Kandinsky realizo investigaciones en las

que se intentó basar en el desarrollo concreto con el grupo Der Blaue Reiter y Paul
Klee, que se puede apreciar públicamente en la Bauhaus, luego de terminar la
guerra.

La primera obra que se consideró bajo los fundamentos del arte abstracto, fue la
acuarela de Wasily Kandinsky en el año de 1910, que hoy en día se expone en el
Museo Nacional Moderno, Centre Georges Pompidou, ubicado en París.
Kandinsky fue el primer artista conocido con pirtar sin partir de algún resto de
figuración. La pintura se caracteriza por poseer un lenguaje vibrante de líneas con
colores diferentes y que cada color representa algo en el mundo real, como el azul
del cielo y el verde que simboliza la tierra, expresa racionalidad y emoción
espitualidad y pasión.

La otra tendencia principal de este tipo de expresión artística, es muy diferente a la

primera, debido a que se basa en lo matemático y se simplifica radicalmente en la
abstracción geométrica. Los primeros representantes conocidos de esta tendencia
son los que conformaban el grupo holandés De Stijl. Tambien se pueden apreciar
estas características en las obras realizadas por los artistas Francis Picabia y
Robert Delaunay.

Piet Mondriat elaboro una obra llamada “Composición A” en el año 1923 y que en
la actuaidad se encuentra en la Galleria d’Arte Moderna, localizada en Roma, y
representa una intensidad y una muy singular fortuna artística, que hace referencia
a la época que Mondriat se encontraba cercano a Theo Van Doesburg. Ambos
artistas crearon los fundamentos teóricos del arte abstracto geométrico y
constructivista, a través de su revista De Stijl.

Con la finalidad de formar un nuevo mundo estético basado en los principios de la

objetividad, se volvió a evaluar la obra de Malevich en el año 1914, titulada
“puesta a cero”, y así se buscó constructivamente todos sus elementos.

Kandinsky y el expresionismo abstracto

Kandinsky realizó los más relevantes pasos en
cuanto el expresionismo abstracto durante los
años de 1910 hasta 1914, periodo del Blaue
Reiter. Kandinsky no realiza su obra como los
cubistas suelen descomponer sus imágenes por
medio de líneas geométricas, sino que lo
descompone con un energético sentido del color.

En el año de 1914, Kandinsky se encontraba en

Moscú y formo parte de la Revolución Rusa,
siendo nombrado profesor de los talleres
artísticos, ininiando de este modo sus pasos
constructivistas. Su búsqueda termina afirmándose luego de su vuelta a territorio
alemán en 1922, cuando tuvo que ver en los trabajos de Klee y en la Bauhaus en
Weimar. Desde ese entonces, las obras de Kandinsky son inspiradas en una
envoltura geométrica pero sin abandonar el intenso lirismo del color.
Luego de hacer público su destacado libro, titulado “Punto y línea sobre plano” en
el año de 1926, el estrecho laso que unía a Kandinsky y la Bauhaus se rompe.
Desde ese momento el artista se dirige a París para seguir realizando sus pinturas
hasta su fallecimiento.

Música
Se puede considerar que el arte abstracto
tiene una relación con la música. La
música puede proveer un claro ejemplo de
un estilo de arte que utiliza algunos
elementos abstractos en sus sonidos y en
cómo se distribuyen sus tiempos.

Vasili Kandinsky también se le conoce una

faceta musical, por esta razón se inspiró a
que existiera la posibilidad de marcas y
color asociativo que resonaran en el alma.
Esta propuesta había sido obra de Charles
Baudelaire, que dice que todos nuestros sentidos dan una respuesta a diferentes
estímulos aunque los sentidos se encuentran unidos en un nivel estético más
profundo.

Esto quiere reflejar la idea de que el arte posee una dimensión espiritual y tiene la
capacidad de trascender la vida diaria, llegando a alcanzar un plano espiritual.

Bajo este contexto, muchos artistas, como Piet Mondrian, Vasili Kandinski y Hilma
af Klint, realizaron sus trabajos con el objetivo de alcanzar el “estado sin objeto”,
así que su interés se centró en la creación del objeto interior. Las formas
tradicionales que todo el mundo conocen se hallan en el espacio geométrico,
como lo es el círculo, el cuadrado, el triángulo, llegaron a formar parte de los
elementos del arte abstracto, además la utilización del color constituye un
elemento fundamental para ocultar la realidad de la vista.

Técnicas
El dominio de las técnicas para realizar obras abstractas se necesita mucha
práctica. Este tipo de arte genera muchas opiniones que lo convierte en muy
controversial. Muchas personas ven el arte abstracto como algo simple y que
cualquiera tiene la capacidad de pintar una obra de arte abstracto, aunque se
puede apreciar que cualquiera que haya hecho el intento de pintar un cuadro
abstracto ha notado que la elaboración de un cuadro abstracto de calidad se es
necesaria la práctica y el dominar la técnica.

No es de importancia la técnica de pintura abstracta que se trabaje, sino que se

basen tres puntos esenciales, que pueden comprenderse como la composición, el
color y la textura. Si se intenta elaborar un cuadro abstracto sin tener en cuenta
estos tres puntos se estará haciendo una pieza muy difícil y con altas posibilidades
de que sea una pieza poco estética y con mínima calidad artística.

Ahora se pueden apreciar varias técnicas de piezas abstractas que tienen el

objetivo de beneficiar a una pintura de calidad. Cabe destacar que la pintura se
puede ver como un juego y cualquier error puede ser enmendado.

Jugar con el lienzo y la gravedad

De todas las técnicas, esta se considera la más divertida. Se comienza pintando
algún elemento y se prosigue volteando al cuadro y volviendo a pintar otra cosa.
Se mantiene dando vueltas a la obra y al mismo tiempo se va pintando para así
darle un toque interesante con dimensiones variadas.

Jugar con el fondo de la obra

Al realizar las capas de pintura, se deja el lienzo parado para que se escurra la
pintura hacia la parte inferior del cuadro y así luego usar la imaginación con los
elementos que están alrededor debido a que estos suben las posibilidades de que
se obtenga maravillosos efectos en la obra, demostrando así que no los objetos
convencionales no son necesarios para crear atractivas pinturas, usando
únicamente la creatividad.

No hay reglas en el arte abstracto

El elemento más destacado de las técnicas de arte abstracto es la libertad y el
quebrantamiento de las reglas establecidas. Haciendo así que el momento se deje
fluir en la obra. En algunos momentos, las pinturas exigen un color exacto o una
forma exacta, ubicándose en algún lugar del lienzo.

De este modo no se debe temer a plasma la

idea que pasa por la cabeza del artista,
recordando siempre que los errores pueden
enmendarse en este tipo de expresión
artística, que en algunas ocasiones no
representan un error, sino todo lo contrario,
puede ser un elemento que le dé vibra a la
obra de arte.

Utilizar la música como guía

Para mayor inspiración se es recomendable
colocar la música favorita de quien realice la
obra. De este modo el ritmo de la música tiene la capacidad de controlar el
desenvolvimiento de la obra. Esta técnica le da un buen ritmo a la obra.

Utilizar otros objetos

En algunas ocasiones los artistas se limitan a usar solamente colores o pinturas
de un solo tipo. Para darle más vibración a la obra se recomienda utilizar otros
objetos que no sean los convencionales, como papeles o recortes, con esta
incorporación se puede agregar textura y dimensión a la obra.

Utilizar fotografías como referencia

Esta técnica es muy utilizada en el arte tradicional y también puede tener gran
utilidad en el arte abstracto. Se pueden usar fotografías sacadas de Internet o
fotografiar los objetos propios. Se puede recortar estas fotografías de diversas
maneras y de este modo darle una forma interesante que tiene la capacidad de
incorporar en su obra de arte.

No solo se utiliza pintura

Este tipo de expresión abstracta no se limita a solo el óleo o acrílico, se tiene la
libertad de utilizar pasteles, acuarelas, lápices, carbón, entre otros materiales. Lo
más importante del arte abstracto es la imaginación y no temerle a los cambios
drásticos.

Recordar que en el arte abstracto no hay

errores
Existe la posibilidad de que las formas o
colores que no son del agrado del artista
puedan ser solucionadas en este tipo de
arte. Aveces cuando se concluye una obra,
hay elementos que no son del total agrado
del artista y este lo soluciona pintando de
blanco nuevamente el lienzo, para volver a
empezar. El cuadro no siempre tiene que
ser perfecto, debido a que la perfección se
entiende como algo subjetivo en este tipo de
expresión artística.

Componentes de las técnicas del arte abstracto

Para elaborar una obra de arte abstracto de calidad, se deben tomar en cuenta
algunos componentes esenciales que se pueden explicar a continuación:

Composición
Cuando se refiere a la composición de una obra, entiende el sitio donde se hayan
ubicados los objetos en la pieza, convirtiéndose en el punto focal de la obra. La
composición comprende el tamaño, forma y distribución de los objetos en la
pintura

Textura
La textura tiene la capacidad de aumentar la calidad de una obra y hacerla
destacar. Hay gran variedad de maneras de originar texturas en una pieza, la
forma más fácil es utilizar una capa de pintura gruesa. Además existen varios
medios para crear diversos tipos de texturas.

Lo más esencial de las técnicas de piezas abstractas es que se mantiene una

textura consistente y no intenta exagerar las texturas. Algunos pintores utilizan
erróneamente las texturas exagerándolas innecesariamente, rompiendo la estética
de la obra y convirtiéndola en una pieza sucia. Lo que se recomienda a los artistas
principiantes en esta área es aplicar varios tipos de técnicas en una pintura y
elaborar una obra e práctica para empezar para de este modo conocer las
distintas texturas y saber cuál encaja mejor en tu idea.

Color
Uno de los errores más comunes de varios artistas es utilizar una gran cantidad de
colores sobre la obra sin darle un sentido. Antes de iniciar la pieza, se debe tener
ya concreto la paleta de colores que se usara en la obra abstracta. Se recomienda
usar una paleta limitada pero con el uso de la creatividad al máximo para poder
mezclarlos.
Escultura zoomorfa
Escultura ibérica esculpida en caliza de color beige
que representa a un animal, que se ha identificado con
un carnero. El carnero está compuestio por un bloque
rectangular de caliza en la que destaca el detallismo
de la cabeza del animal, en comparación con el resto
de la escultura. La cabeza está formada por un bloque
de caliza triangular en la que se representan los
rasgos fisonómicos mediante incisiones. La boca se
resume a una breve línea incisa, las fosas nasales a
través de dos pequeñlos orificios, los ojos adoptan
forma almendrada y destacan los rotundos cuernos; la
cornamenta está plegada a los laterales de la cabeza
retorcidas hacía el interior a modo de espiral, su
superficie es decorada mediante una serie de
pequeñas incisiones cruzadas. El resto del cuerpo del
animal solo han sido insinuado mediante un parco
trabajo de talla, en el que se puede apreciar las huellas
dejada por las herramientas. Las extremidades tanto
superiores como inferiores han sido representadas con
cuatro salientes de sección cúbica que sobresale del
bloque de la escultura.