David Bowie

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David Bowie
David-Bowie Chicago 2002-08-08 photoby Adam-Bielawski-cropped.jpg
Información personal
Nombre de nacimiento David Robert Jones Ver y modificar los datos en Wikidata
Otros nombres Starman,1
Ziggy Stardust,1
The Chameleon of Rock,2
El Camaleón del Rock,
The Thin White Duke,1
The Halloween Jack,
Aladdin Sane,
Jareth, the Goblin King,3
Major Tom.3
Blackstar.
Nacimiento 8 de enero de 1947 Ver y modificar los datos en Wikidata
Brixton (Reino Unido) Ver y modificar los datos en Wikidata
Fallecimiento 10 de enero de 2016 Ver y modificar los datos en Wikidata (69
años)
Manhattan (Estados Unidos) Ver y modificar los datos en Wikidata
Causa de la muerte Cáncer hepático Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad Británica Ver y modificar los datos en Wikidata
Lengua materna Inglés Ver y modificar los datos en Wikidata
Familia
Cónyuge Angela Barnett (matr. 1970!; div. 1980!),
Iman (matr. 1992!; fall. 2016!)
Hijos Duncan Jones (1971),
Alexandria Zahra Jones (2000)
Educación
Educado en
Ravensbourne Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Ocupación Músico, productor, arreglista, compositor, actor
Años activo 1962-2016
Movimientos Glam rock, art rock, avant-rock, pop rock, Pop psicodélico, rock
alternativo, Plastic soul, new wave, ambient y Avant-garde jazz Ver y modificar los
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Seudónimo Starman,1
Ziggy Stardust,1
The Chameleon of Rock,2
El Camaleón del Rock,
The Thin White Duke,1
The Halloween Jack,
Aladdin Sane,
Jareth, the Goblin King,3
Major Tom.3
Blackstar.
Géneros
Rock,45[mostrar]
Instrumentos
Voz, piano, guitarra, bajo, saxofón, flauta, ukelele, sintetizadores,
teclados[mostrar]
Tipo de voz Barítono
Discográficas
Iso (record label)
Columbia Records
Decca Records
Deram Records
EMI
RCA
Virgin Records
RCA Records Ver y modificar los datos en Wikidata
Obras notables
All the Young Dudes
Labyrinth Ver y modificar los datos en Wikidata
Artistas relacionados Iggy Pop, Lou Reed, The Riot Squad, Tin Machine, Brian Eno,
Tony Visconti, Mick Jagger, Trent Reznor, Queen
Firma David Bowie signature.svg
Web
Sitio web
www.davidbowie.com Ver y modificar los datos en Wikidata
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David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947-Nueva York, 10 de enero de 2016),67
más conocido por su nombre artístico David Bowie (AFI: [ˈboʊ.iː]),8 fue un músico y
compositor británico de rock, quien ejerció a su vez como actor, productor
discográfico y arreglista. Figura importante de la música popular durante casi
cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de
la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su
obra.910

Nacido en Brixton, en el sur de Londres, Bowie mostró gran interés por la música en
su niñez, finalmente estudiando arte, música y diseño antes de embarcarse en su
carrera profesional como músico en 1963. A pesar de haber lanzado un álbum (David
Bowie) y varios sencillos antes, Bowie consiguió notoriedad en julio de 1969,
cuando su sencillo «Space Oddity» llegó al top 5 de la lista británica de
sencillos. Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación,
resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino álter
ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo «Starman» y el disco The Rise and
Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. David Buckley, su biógrafo,
describe el impacto de Bowie de esa época diciendo que «retó al núcleo de la música
rock de la época» y «creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura
popular».11 La relativamente corta vida de Ziggy probó ser solo una faceta de una
carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y
presentaciones visuales de todo tipo.

Bowie consiguió, en 1975, su primer éxito en Estados Unidos, gracias a su exitoso

sencillo «Fame», coescrito con John Lennon y a su disco Young Americans, del cual
dijo él mismo que era el disco definitivo del plastic soul (término acuñado por un
músico de raza negra para describir a un artista blanco interpretando música soul).
El sonido significó un cambio radical del estilo que le había hecho famoso en el
Reino Unido. Después de esto, confundió tanto a su discográfica como a sus
seguidores estadounidenses con el disco minimalista Low (1977), la primera de tres
colaboraciones con Brian Eno. Todos estos álbumes, conocidos como la «Trilogía de
Berlín», se entraron en el top 5 británico, además de recibir elogios de la
crítica.

Después de disparejos éxitos comerciales a finales de la década de 1970, consiguió

números uno en el Reino Unido con el sencillo «Ashes to Ashes» y su correspondiente
álbum, Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en el número uno de
las listas de venta «Under Pressure» para, poco después, volver a conseguir un
éxito comercial con su disco de 1983 Let's Dance, del que se extrajeron los
exitosos sencillos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». A lo largo de las
décadas de 1990 y 2000, Bowie siguió experimentando con distintos estilos
musicales, incluyendo blue-eyed soul, industrial, adult contemporary y jungle. No
salió de gira desde su gira musical entre 2003 y 2004 A Reality Tour y no se
presentó en vivo desde 2006. Su más reciente disco Blackstar salió al mercado el 8
de enero de 2016, apenas dos días antes de su fallecimiento.
Buckley dice de Bowie: «Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado
y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública».11 En la encuesta de 2002 de
la cadena televisiva BBC de los 100 británicos más importantes, se colocó en el
puesto número 29. Ha vendido, aproximadamente, 136 millones de discos a lo largo de
su carrera. Ha recibido nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el
Reino Unido y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. En 2004, la
revista Rolling Stone le posicionó en el puesto número 39 de su lista de los cien
artistas más importantes de todos los tiempos y en el puesto 23 de su lista de los
mejores cantantes de todos los tiempos.1213

Índice
1 Biografía
1.1 1947-1962: primeros años
1.2 1962-1968: de The Kon-rads a The Riot Squad
1.3 1969-1974: del folk psicodélico al glam rock
1.3.1 De Space Oddity a Hunky Dory
1.3.2 Ziggy Stardust
1.4 1974-1976: soul, funk y The Thin White Duke
1.5 1976-1979: Berlín
1.6 1980-1989: de estrella a superestrella
1.7 1989-1991: Tin Machine
1.8 1992-1999: música electrónica
1.9 1999-2013: neoclasicismo
1.10 2013-2016: retiro de los escenarios y últimos álbumes
1.11 Polémica
1.12 Fallecimiento
2 Carrera actoral
3 Orientación sexual
4 Estilo musical
4.1 Voz e instrumentación
4.2 Composiciones
5 Legado
5.1 Influencia
6 Premios y reconocimientos
7 Discografía
7.1 Álbumes de estudio
8 Notas aclaratorias
9 Véase también
10 Referencias
11 Enlaces externos
Biografía
1947-1962: primeros años
David Bowie nació como David Robert Jones en Brixton, Londres, el 8 de enero de
1947. Su madre, Margaret Mary «Peggy» (apellido de soltera Burns), de ascendencia
irlandesa, trabajaba como acomodadora de cine, mientras que su padre, Haywood
Stenton «John» Jones, era un dirigente de publicidad de la ONG Barnardo's. Vivían
en el 40 de Stansfield Road, situado cerca de los barrios del sur de Londres de
Brixton y Stockwell. Bowie asistió al Stockwell Infants School hasta los seis años
de edad, donde se ganó una reputación de niño superdotado y decidido, además de
rebelde y peleón.1415

En 1953, la familia se mudó a otro barrio cercano, Bromley, donde dos años después
Bowie inició clases en el Burnt Ash Junior School. Consideraron su voz «adecuada»
para el coro de la escuela y su manera de tocar la flauta se consideró por encima
de lo normal en cuanto a habilidades musicales.16 A los nueve años de edad, su
forma de bailar resultaba increíblemente imaginativa: los profesores dijeron de sus
interpretaciones que eran «vistosamente artísticas» y que su porte era
«sorprendente» para un niño de su edad.16 Ese mismo año, su interés en la música se
vio reforzado cuando su padre trajo a casa una colección de discos de vinilo de 45
RPM de artistas como Frankie Lymon, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley y
Little Richard.1718 Sobre el momento en que escuchó la canción «Tutti Frutti»,
Bowie dijo después que «había escuchado a Dios».19 El impacto que Presley produjo
en el niño fue grande: «Vi a una de mis primas bailar al ritmo de [...] "Hound Dog"
y nunca la había visto levantarse y moverse tanto por nada. Realmente me impresionó
el poder de la música. Justo después de eso comencé a adquirir discos».18 Para
finales del siguiente año había comenzado a tocar el ukelele y el bajo tea-chest
(fabricado con una sola cuerda y una de las cajas utilizadas para transportar té) y
comenzó a participar en sesiones de skiffle con algunos amigos y, además, a tocar
el piano; mientras tanto, sus actuaciones imitando a Presley y Chuck Berry, que
hacía como tributo a los artistas, para su grupo de boy scouts fueron descritas
como «fascinantes [...] como de otro planeta».18 Al suspender el examen final de
primaria en el colegio Burnt Ash Junior, Bowie se cambió al Ravens Wood School.20
Según el biógrafo Christopher Sandford, esta era una escuela un tanto inusual:

A pesar de su prestigio era, en la época en que llegó David en 1958, tan rica en
rituales arcanos como cualquier otra escuela pública británica. Tenía casas con
nombres de hombres de estado del S. XVIII como Pitt y Wilberforce. Usaban uniforme
y poseían un elaborado sistema de premios y castigos. Ponían gran énfasis en los
idiomas, la ciencia y el diseño, por lo que florecía una atmósfera universitaria
bajo la tutoría de Owen Frampton. Según David, Frampton priorizaba la personalidad
por encima del intelecto; sus compañeros de Bromley Tech no eran famosos por
ninguna de las dos e incitaban a los alumnos más talentosos a encaminarse a las
artes. Era un sistema tan liberal que Frampton animó a su propio hijo, Peter, que
buscase iniciar una carrera musical con David, una asociación intacta treinta años
después.20

Bowie estudió arte, música y diseño, como así también trazado y composición
tipográfica. Después de que Terry Burns, su hermanastro, le introdujese en el mundo
del jazz moderno, su entusiasmo por artistas como Charles Mingus y John Coltrane
llevaron a su madre a regalarle un saxofón alto de plástico en 1961; poco después
comenzó a recibir clases de un músico local.21 En 1962 tuvo un incidente en el
colegio cuando su amigo George Underwood, que tenía puesto un anillo en el dedo, le
propinó un puñetazo en el ojo izquierdo durante una pelea por una chica. Los
médicos temieron que fuese a perder la vista en ese ojo, por lo que tuvo que
ausentarse del colegio mientras le hacían una serie de operaciones durante una
hospitalización de cuatro meses.22 El daño no se pudo enmendar del todo, dejándolo
con una percepción de la profundidad defectuosa y una pupila dilatada permanente
(por lo que parece que tiene ojos de distinto color, aunque los dos iris tienen el
mismo tono). A pesar de sus rencillas, Underwood y Bowie siguieron siendo buenos
amigos, e incluso Underwood llegó a diseñar las portadas de los primeros discos de
Bowie.23

1962-1968: de The Kon-rads a The Riot Squad

Cuando pasó de su saxo de plástico a un instrumento real en 1962, Bowie formó su
primera banda a los quince años. Kon-rads, con una formación que variaba desde
cuatro hasta ocho miembros, entre ellos Underwood; tocaba rock and roll basado en
la guitarra, en reuniones de jóvenes y bodas.24 Cuando Bowie abandonó la escuela al
año siguiente, le comentó a sus padres su intención de convertirse en una estrella
del pop. Sin embargo, su madre le consiguió rápidamente un empleo como ayudante de
electricista. Frustrado por las pocas aspiraciones de sus colegas de la banda,
Bowie dejó Kon-rads para formar una nueva banda: King Bees. Escribió una carta al
nuevo empresario de éxito John Bloom para pedirle: «Haz por nosotros lo mismo que
ha hecho Brian Epstein para The Beatles, y de paso haz un millón más». Bloom no
respondió a la oferta, pero lo derivó al socio de Dick James, Leslie Conn, quien de
esta manera se convirtió en el primer mánager de Bowie.25
Bowie adoptó su nombre artístico en honor a Jim Bowie, creador del cuchillo Bowie.
Conn comenzó de inmediato a promocionar a Bowie. El sencillo debut del artista,
«Liza Jane», acreditado a Davie Jones and the King Bees, no tuvo ningún éxito
comercial. Insatisfecho con The King Bees y su repertorio de blues tipo Howlin'
Wolf y Willie Dixon, Bowie abandonó la banda menos de un mes después para unirse a
The Manish Boys, otro grupo de blues, que incorporaban soul y folk: «Solía soñar
con ser su Mick Jagger», recuerda Bowie.25 «I Pity the Fool» no tuvo más éxito que
«Liza Jane» y Bowie tardó poco en moverse nuevamente y unirse a Lower Third, un
trío de blues altamente infuenciado por The Who. «You've Got a Habit of Leaving» no
tuvo mejor recepción y significó el final del contrato con Conn. Declaró que iba a
abandonar el mundo del pop «para estudiar mímica en el teatro Sadler's Wells»,
pero, sin embargo, continuó un tiempo con Lower Third. Su nuevo mánager, Ralph
Horton, culpable en parte de su posterior traslado a artista en solitario, vio un
nuevo cambio de banda de Bowie, en esta ocasión a The Buzz, con quienes lanzó un
nuevo sencillo poco exitoso llamado «Do Anything You Say». Mientras tocaba con The
Buzz, Bowie también se unió a The Riot Squad; sus grabaciones, que incluían una
canción de Bowie y diverso material de The Velvet Underground, nunca vieron la luz.
Desde aquí, Ken Pitt, que presentó a Bowie por Horton, tomó las riendas de la
carrera como mánager.26

Insatisfecho con el nombre artístico de Davy (y Davie) Jones, que a mediados de la

década de 1960 invitaba a confusión con Davy Jones de The Monkees, Bowie decidió
cambiar su nombre y escogió Bowie en honor a Jim Bowie y el cuchillo que
popularizó.27 Su sencillo en solitario de abril de 1967, «The Laughing Gnome», en
el que utilizó una técnica de acelerar las grabaciones vocales al estilo de The
Chipmunks, tampoco entró en las listas de venta. Seis meses después lanzó su álbum
debut David Bowie, una amalgama de pop, rock psicodélico y music hall. Tuvo el
mismo resultado, por lo que significó su último lanzamiento en dos años.28

La fascinación de Bowie por lo bizarro se acrecentó cuando conoció al bailarín

Lindsay Kemp: «Vivía de emociones, fue una maravillosa influencia. Su vida diaria
fue lo más teatral que he visto jamás. Era todo lo que yo podía imaginar que
significaba ser bohemio. Me uní al circo».29 Kemp, por su parte, recuerda: «No le
enseñé realmente a ser un artista del mimo, sino a exteriorizarse más a sí mismo,
[...] Yo le permití liberar su ángel y demonio interiores».29 Estudiando arte
dramático con Kemp, desde teatro avant-garde y mímica hasta comedia del arte, Bowie
se sumergió en la creación de personajes que poder mostrarle al mundo. Satirizando
la vida en una prisión británica, Bowie compuso «Over the Wall We Go», canción que
se convirtió en un sencillo de 1967 interpretado por Oscar; al año siguiente, otra
composición de Bowie, «Silly Boy Blue», fue lanzada por Billy Fury.30 Después de
que Kemp asignase a Bowie con Hermione Farthingale para un minué poético, la pareja
comenzó a salir; poco después se mudaron juntos a un apartamento de Londres.
Formaron una banda juntos, donde ella tocaba la guitarra acústica y John
Hutchinson, el bajo; entre septiembre de 1968 y comienzos de 1969, cuando Bowie y
Farthingale rompieron, el trío hizo unos pocos conciertos en los que combinaban
folk, merseybeat, poesía y mímica.31

1969-1974: del folk psicodélico al glam rock

De Space Oddity a Hunky Dory
Debido a su poco éxito comercial, Bowie se vio forzado a intentar ganarse la vida
de otras maneras. Apareció en un comercial de helados Lyons Maid, pero fue
rechazado en un casting de Kit Kat.32 Con la intención de promocionar al cantante
se hizo una película de treinta minutos de duración con actuaciones de su
repertorio, llamado Love You till Tuesday. A pesar de que no salió a la venta hasta
1984, las sesiones de grabación se hicieron en enero de 1969 y significaron un
inesperado giro en la carrera del artista cuando Bowie le comentó a los
productores: «Tengo una nueva canción para esa película vuestra». Poco después
produjo un demo de lo que significaría su primer gran éxito, «Space Oddity»,
lanzado un año después y coincidió con la llegada del hombre a la luna.32 Bowie
rompió relaciones con Farthingale poco después de completar la película y se mudó
con Mary Finnigan como su inquilino.33 Continuando con la divergencia del rock and
roll y blues adquirida desde sus trabajos con Farthingale, Bowie unió fuerzas con
Finnigan, Christina Ostrom y Barrie Jackson para dirigir un club de folk los
domingos por la noche en el pub The Three Tuns de High Street, Beckenham,
Londres.33 Esto pronto se convirtió en el Beckenham Arts Lab y se hizo muy popular.
The Arts Lab organizó un festival gratuito en un parque local, hecho inmortalizado
en la posterior canción de Bowie «Memory of a Free Festival».34 «Space Oddity» se
lanzó el 11 de julio, cinco días antes del lanzamiento del Apolo 11 y entró
rápidamente en el Top 5 del Reino Unido. El segundo disco de Bowie, Space Oddity,
le siguió en noviembre; primeramente se lanzó en el Reino Unido bajo el título
David Bowie, pero causó confusión con su predecesor de mismo título, por lo que en
el lanzamiento estadounidense se le cambió el nombre a Man of Words/Man of Music.
El álbum repleto de letras post-hippies sobre la paz, el amor y la moralidad y con
música folk rock apoyado en canciones de rock más duro, no fue un éxito en el
momento de su lanzamiento.35

Bowie conoció a Angela Barnett en abril de 1969 y se casó con ella al año
siguiente. Este hecho tuvo gran impacto sobre él e influyó sobre todo en su
carrera, lo que minimizó la influencia de Pitt.36 Ya que se había establecido como
artista en solitario gracias a «Space Oddity», Bowie comenzó a sentir una carencia:
«Una banda completa y gente con la que grabar con quien pudiese relacionarse
personalmente».37 Su punto débil se recalcó debido a su rivalidad artística con
Marc Bolan, quién en ese momento era su guitarrista de sesión.37 Formó una banda
con John Cambridge, un batería al que Bowie conoció en el Arts Lab, Tony Visconti
como bajista y Mick Ronson como guitarrista. Después de un breve y desastroso
comienzo como The Hype, el grupo volvió a la configuración original en la que se
presentaba a Bowie como artista en solitario.37 Su primer trabajo de estudio se
estropeó debido a las diferencias entre Bowie y Cambridge sobre el estilo de
batería de este último; las cosas se terminaron cuando Bowie, muy enfadado, acusó a
este de estar «jodiendo su álbum». Debido a esto Mick Woodmansey reemplazó poco
después a Cambridge.38 Poco después, Bowie despidió a su mánager y lo reemplazó por
Tony Defries. Esto condujo a un largo litigio cuya consecuencia fue que Bowie debió
pagarle a Pitt una indemnización.38

Las sesiones de estudio continuaron y dieron como fruto el tercer álbum del
cantante, The Man Who Sold the World en 1970. Caracterizado por su sonido de hard
rock proveniente de su nueva banda de soporte, fue un cambio radical del rock
acústico y de folk de Space Oddity. Para promocionar el disco en Estados Unidos,
Mercury Records financió una gira de entrevistas de costa a costa en la que Bowie,
entre enero y febrero de 1971, concedió entrevistas a los medios y a las emisoras
de radio. Para aprovechar su aspecto andrógino, la portada original de la versión
británica mostraba al cantante ataviado con un vestido; Bowie llevó la prenda en la
serie de entrevistas que hizo, cosa que agradó a los críticos. John Mendelsohn, de
Rolling Stone le describió como «deslumbrante, casi una desconcertante
reminiscencia de Lauren Bacall». En la calle también provocó todo tipo de
reacciones, desde la risa hasta el ejemplo de un peatón que le sacó un arma y le
dijo: «bésame el culo».3940 Durante esta gira de entrevistas Bowie se fijó en dos
influyentes artistas estadounidenses proto-punk que le dieron la idea de lo que
después sería el personaje de Ziggy Stardust: una mezcla entre Iggy Pop y la música
de Lou Reed, lo que dio como resultado «el supremo ídolo del pop».39 Una de sus
antiguas novias le recordó «garabateando en una servilleta sobre una alocada
estrella del rock llamada Iggy or Ziggy», y que a su vuelta a Inglaterra declaró su
intención de crear un personaje «que pareciese que acabase de aterrizar de
Marte».39

Para Hunky Dory, álbum de 1971, Visconti, productor y bajista de Bowie, fue
sustituido en ambos roles por Ken Scott y Trevor Bolder, respectivamente. Significó
el regreso parcial del cantante de pop ligeramente loco de «Space Oddity» en
«Kooks», canción compuesta para su hijo, Duncan Zowie Haywood Jones, nacido el 30
de mayo.41 En otras partes, el disco exploró temáticas más serias y contiene
inusuales tributos a sus influencias con canciones como «Song for Bob Dylan», «Andy
Warhol» y «Queen Bitch», una imitación de Velvet Underground. En su momento no tuvo
gran éxito comercial.42

Ziggy Stardust
Con su siguiente empresa, Bowie, en palabras de su biógrafo David Buckley, «desafió
el núcleo de lo que se suponía que era la música rock de la época» y «creó,
posiblemente, el culto más grande de la cultura popular».11 Vestido con un
llamativo traje y el cabello tintado de rojo, Bowie puso en marcha su espectáculo
como Ziggy Stardust junto a The Spiders from Mars (Ronson, Bolder y Woodmansey) en
un pub llamado Toby Jug en Tolworth el 10 de febrero de 1972.43 El espectáculo fue
muy popular: le catapultó al estrellato durante su gira por el Reino Unido en los
siguientes meses y creó, como describió Buckley, un «culto a Bowie» que era «único;
su influencia duró más y ha sido más creativo que, quizá, ningún otro ente dentro
del pop».43 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars se lanzó
en junio de 1972 y combina elementos de hard rock de The Man Who Sold the World y
el rock/pop experimental de Hunky Dory. «Starman» salió a la venta como sencillo en
abril y fue la primera piedra del lanzamiento al estrellato de Bowie en el Reino
Unido: tanto el sencillo como el disco entraron rápidamente en las listas de venta
después de su actuación en julio en el programa musical Top of the Pops. El álbum,
que permaneció dos años en las listas de venta, pronto coincidió con Hunky Dory
(seis meses anterior), que se vio arrastrado por el éxito de The Rise and Fall of
Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. En el mismo momento, los sencillos «John,
I’m Only Dancing» y «All the Young Dudes» (que no fueron extraídos de ninguno de
sus discos), este último compuesto para la banda Mott the Hoople, se convirtieron
en éxitos. La gira Ziggy Stardust Tour continuó su camino hacia los Estados
Unidos.44

Bowie contribuyó con su voz (coros) en el disco que consolidó a Lou Reed en 1972,
Transformer, y coprodujo el disco junto a Ronson.45 Su propio disco de 1973,
Aladdin Sane, llegó al primer puesto de las listas británicas, siendo el primero en
conseguirlo. Bowie describió el disco como «Ziggy va a América» y contiene
canciones compuestas mientras viajaba por los Estados Unidos en la primera parte de
la gira de Ziggy, que después siguió en Japón para promocionar el disco. Aladdin
Sane engendró dos sencillos Top 5: «The Jean Genie» y «Drive-In Saturday».4647

El amor de Bowie por la actuación le llevó a meterse completamente en los

personajes que creaba para su música. «Fuera del escenario soy un robot. En el
escenario consigo emocionarme. Eso probablemente explica por qué prefiero
disfrazarme de Ziggy a ser David». A pesar de todos estos éxitos, su vida personal
encontró varias dificultades: al interpretar el mismo papel durante largos períodos
de tiempo, hizo que fuese imposible para él separar Ziggy Stardust, y después, The
Thin White Duke, de su propia persona. Bowie llegó a decir que Ziggy «no me dejó
tranquilo durante años. Aquí fue cuando todo comenzó a agriarse... Toda mi persona
se vio afectada. Se convirtió en algo peligroso. Realmente tuve dudas sobre mi
cordura».48 Sus actuaciones finales como Ziggy, que incluían canciones de Ziggy
Stardust y Aladdin Sane, eran ultra teatrales y repletas de momentos escandalosos
en el escenario, tales como desnudarse hasta quedar con un taparrabos de luchador
de sumo o simular sexo oral con la guitarra de Ronson.49 Bowie siguió de gira y dio
conferencias de prensa como Ziggy antes de un abrupto y dramático «retiro» en el
Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. Aparecen imágenes de este
concierto en la película de 1983 Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.50

Después de la separación de Spiders from Mars, Bowie intentó seguir adelante

alejándose del personaje de Ziggy. Su catálogo musical ya era bastante demandado:
The Man Who Sold the World se relanzó en 1972 junto con Space Oddity. «Life on
Mars?», de Hunky Dory, se lanzó en junio de 1973 y llegó al puesto número tres de
la lista británica de sencillos. «The Laughing Gnome» entró en la misma lista en
septiembre, alzándose hasta el puesto número cuatro.51 En octubre salió a la venta
Pin Ups, una colección de versiones de sus canciones favoritas de los años 1960 que
se posicionó en el puesto número uno de la lista británica de álbumes. Del disco se
extrajo el sencillo «Sorrow» que llegó al puesto número tres, haciendo de David
Bowie el artista con mayores ventas en el Reino Unido de 1973, llegando a tener
seis de sus discos en la lista de ventas al mismo tiempo.52 El 13 de febrero de
1974, en el programa holandés Top Pop interpretaría el sencillo «Rebel Rebel»,
perteneciente a su siguiente álbum Diamond Dogs.

1974-1976: soul, funk y The Thin White Duke

Bowie en una actuación el 11 de noviembre de 1974 en Washington D. C., durante su

gira de Diamond Dogs.
Bowie se trasladó a los Estados Unidos en 1974, donde se instaló primeramente en
Nueva York para después mudarse a Los Ángeles.53 Diamond Dogs, de 1974, dividido
entre el soul y el funk, es el producto de dos ideas distintas: un musical basado
en un salvaje futuro en una ciudad postapocalíptica, mezclado con la idea de
ponerle música a la obra de George Orwell 1984.54 El disco llegó al puesto número
uno en el Reino Unido y al puesto número cinco en Estados Unidos. Se extrajeron dos
sencillos: «Rebel Rebel» y «Diamond Dogs». Para promocionar el disco, Bowie comenzó
la gira Diamond Dogs Tour, visitando ciudades de Estados Unidos entre junio y
diciembre de 1974. La coreografía de la gira corrió a cargo de Toni Basil con
efectos especiales muy teatrales. Alan Yentob filmó un documental de alto
presupuesto, dando como resultado Cracked Actor, en el que se puede ver a un Bowie
escuálido y pálido: la gira coincidió con su paso de consumidor de cocaína a una
verdadera adicción, cosa que dio como resultado que estuviese débil, paranoico y
emocionalmente inestable.55 Después comentó que el álbum en directo que lo
acompañó, David Live, debió de titularse «David Bowie Is Alive and Well and Living
Only In Theory» (En teoría David Bowie está vivo y bien y viviendo). A pesar de
todo, David Live solidificó el estatus de Bowie como superestrella, llegando al
puesto número dos en el Reino Unido y al número ocho en Estados Unidos. Además, su
versión del éxito de Eddie Floyd, «Knock on Wood», entró en el Top 10 británico.
Después de un descanso en Filadelfia, donde Bowie grabó nuevo material, la gira
siguió con un nuevo enfoque hacia el soul.56

Bowie en 1975
El resultado de las sesiones de grabación de Filadelfia es Young Americans (1975).
El biógrafo Christopher Sandford escribió: «A lo largo de los años, la mayoría de
los roqueros ingleses habían intentado, de una u otra manera, convertirse en negros
por extensión. Pocos habían tenido éxito como lo tuvo Bowie en ese momento».57 El
sonido del álbum, que el cantante identifica como «plastic soul», significó un
cambio radical de estilo, cosa que sorprendió a muchos de sus devotos del Reino
Unido.58 Young Americans supuso el primer número uno de Bowie en Estados Unidos con
la canción «Fame», coescrita con John Lennon, quien además contribuyó cantando
coros, y Carlos Alomar. Fue uno de los primeros artistas blancos en participar en
el show de variedades de la televisión estadounidense Soul Train, donde Bowie cantó
haciendo sincronía de labios «Fame» y «Golden Years», sencillo lanzado en
octubre.59 Young Americans fue un éxito comercial tanto en Estados Unidos como en
el Reino Unido, y una reedición del sencillo de 1969 «Space Oddity» se convirtió en
el primer número uno británico pocos meses después de conseguir la misma gesta con
«Fame» en Estados Unidos.60

A pesar de su establecida fama, Bowie vivía al día. En palabras de su biógrafo

Christopher Sandford: «A pesar de todas sus ventas (más de un millón de copias solo
de Ziggy Stardust), subsistía esencialmente con dinero suelto».61 En 1975, en una
jugada similar a la que le había hecho deshacerse de Pitt hacía quince años, Bowie
despidió a su mánager. Al finalizar los meses de litigio, como describe Sandford,
vio como «millones de dólares de sus futuras ganancias se entregaban» en lo que fue
«un final muy generoso con Defries», para después «encerrarse en el West 20th
Street, donde por una semana se pudieron oír sus lamentos a través de la puerta
cerrada del ático».61 Michael Lippman, el abogado de Bowie en las negociaciones, se
convirtió en su nuevo representante; Lippman también se llevó una generosa
compensación cuando Bowie le despidió al año siguiente.62

Bowie como The Thin White Duke, 1976.

Station to Station, álbum de 1976, introduce un nuevo álter ego de Bowie, «The Thin
White Duke», sacado de la letra de la canción que da título al disco. El personaje,
visualmente, era una extensión de Thomas Jerome Newton, un extraterrestre que
interpretó ese mismo año en la película El hombre que vino de las estrellas.63
Station to Station desarrolla el funk y soul de Young Americans y es un avance del
krautrock y música con sintetizadores de sus siguientes lanzamientos. El punto al
que había llegado la drogadicción de Bowie se hizo público cuando Russell Harty
entrevistó al cantante para su programa London Weekend Television poco antes del
comienzo de la gira de promoción del disco. Poco antes de que comenzase la
entrevista se anunció la reciente muerte de Francisco Franco. Le pidieron a Bowie
que cediese tiempo para permitir difundir las noticias que se generasen al
respecto. Se negó, por lo que se comenzó con la entrevista, dejando para después
las noticias provenientes de España. En la subsiguiente conversación con Harty,
como describe el biógrafo David Buckley, «las palabras del cantante eran
prácticamente ininteligibles durante el tiempo que duró la larga entrevista. [...]
Bowie parecía estar completamente desconectado y era casi incapaz de decir una
frase coherente».64 Su cordura, según una posterior confesión propia, se había
enrarecido debido al consumo de cocaína; sufrió varias sobredosis ese año y su
aspecto físico comenzaba a ser alarmante.5565

Al lanzamiento en enero de 1976 de Station to Station le siguió una gira de tres

meses y medio por Europa y Estados Unidos. Con un escenario austero, el Isolar –
1976 Tour incluía canciones del disco, incluyendo la larga y dramática «Station to
Station», las baladas «Wild Is the Wind» y «Word on a Wing», y las más funky «TVC
15» y «Stay». La banda que reunió para el álbum y la gira (Alomar [guitarra
rítmica], George Murray [bajo] y Dennis Davis [batería]), siguieron con Bowie lo
que quedaba de década. La gira fue un gran éxito, aunque enfangado por
controversias de tipo político. Se dice que Bowie dijo en Estocolmo que «el Reino
Unido se beneficiaría con un líder fascista», y fue detenido en las aduanas ruso-
polacas por estar en posesión de parafernalia nazi.66 El tema aún dio más que
hablar cuando en mayo llegó a Londres y protagonizó lo que se conoce como el
«incidente del Victoria Station». Llegó en un Mercedes descapotable y saludó al
gentío en una forma que algunos interpretaron como un saludo nazi, capturado en
fotografía y publicado en la revista NME. Bowie alegó que simplemente el fotógrafo
le había cazado a mitad del saludo con la mano.67 Más adelante culpó de sus
comentarios profascistas de aquella época a sus adicciones y al personaje de Thin
White Duke.68 «Estaba fuera de mí, totalmente loco. Estaba muy metido en la
mitología... todo eso de Hitler y la derecha... Había descubierto al Rey
Arturo...».65 Según el dramaturgo Alan Franks en un artículo en The Times, «estaba
realmente "desquiciado". Tuvo unas muy malas experiencias con las drogas duras».69

1976-1979: Berlín

Bowie actuando en Oslo el 5 de junio de 1978.

Bowie se mudó a Suiza en 1976 y adquirió allí un chalet en las montañas al norte
del lago Lemán. En ese nuevo entorno, su consumo de cocaína aumentó; también creció
su interés por conseguir metas fuera de su carrera musical. Comenzó a pintar,
llegando a producir bastantes piezas posmodernas. Cuando estaba de gira dibujaba
bocetos en un cuaderno y fotografiaba todo lo que creía que después le serviría de
referencia para pintar. Visitaba galerías de arte en Ginebra y frecuentaba el Museo
Brücke de Berlín, por lo que, en palabras de su biógrafo Christopher Sandford se
convirtió en «un prolífico productor y coleccionista de arte contemporáneo. [...]
No solo se convirtió en un conocido cliente de arte expresionista, sino que
encerrado en Clos des Mésanges comenzó unos cursos intensivos de música clásica y
literatura, además de comenzar a trabajar en una autobiografía».70

Antes de finalizar 1976, el interés de Bowie en la floreciente escena musical

alemana, además de su adicción a las drogas, le llevó a mudarse a Berlín Oeste para
desintoxicarse y revitalizar su carrera. Compartía piso con Iggy Pop en Schöneberg
y comenzó a trabajar con Brian Eno, enfocándose en música ambiental y minimalista,
dando comienzo así al primero de tres álbumes, coproducidos con Tony Visconti, que
más adelante se conocerían como la «Trilogía de Berlín»717273 («Berlin Trilogy»).74
Durante esa misma época, Iggy Pop completó su álbum debut, The Idiot, con Bowie
como músico y coescritor, y su continuación, Lust for Life, y salió de gira por el
Reino Unido, Europa y Estados Unidos entre marzo y abril de 1977.75 Low (1977),
parcialmente influido por el sonido Krautrock de bandas como Kraftwerk y Neu!,
evidencia un cambio en la forma de componer de Bowie, cambiando de un método
narrativo a una forma musical más abstracta donde las letras son esporádicas y
opcionales. Cuando salió al mercado recibió críticas negativas; fue un lanzamiento
que RCA, ansiosa por mantener su empuje comercial, no recibió de buena gana, y que
el exmánager de Bowie, Tony Defries, quién aún tenía intereses financieros en los
asuntos del cantante, intentó impedir. A pesar de las predicciones, de Low se
extrajo el sencillo «Sound and Vision», que se posicionó en el número tres de la
lista británica. El álbum, en el Reino Unido, superó en ventas a su predecesor
Station to Station, llegando al puesto número dos de las listas. En 1992, el
compositor contemporáneo Philip Glass describió Low como la «obra de un genio» y lo
utilizó como base de su Symphony No. 1 "Low"; posteriormente, Glass usó el
siguiente disco de Bowie para su obra de 1996 Symphony No. 4 "Heroes".7677 Glass
elogió a Bowie y su facilidad para crear «piezas de música bastante complejas,
enmascaradas como piezas sencillas».78

El segundo disco de la trilogía, "Heroes", aunque contiene el concepto de música

minimalista e instrumental, incorpora más pop y rock, debido en parte a la
colaboración del guitarrista Robert Fripp. Al igual que Low, "Heroes" pone de
manifiesto el zeitgeist de la Guerra Fría, simbolizada en la dividida ciudad de
Berlín.79 Incorporando sonidos de ambiente de una variedad de fuentes incluyendo
ruido blanco, sintetizadores y un koto, el álbum volvió a ser un éxito, llegando al
número tres en el Reino Unido. La canción que da título al disco, a pesar de solo
llegar al puesto número 24 de la lista de sencillos británica, se ganó una duradera
popularidad, por lo que en pocos meses se habían lanzado versiones en alemán y en
francés.80 A finales de año, Bowie interpretó la canción en el programa televisivo
de Marc Bolan Marc, y dos días después en un especial navideño de Bing Crosby,
donde se unió a Crosby para cantar «Peace on Earth/Little Drummer Boy», una versión
de «The Little Drummer Boy» con un nuevo verso contrapuntual. Cinco años después,
esta versión a dúo se convirtió en un éxito, llegando al puesto número tres de las
listas británicas el día de Navidad de 1982.81

Después de terminar Low y "Heroes", Bowie pasó la mayor parte de 1978 con su gira
Isolar II, llevando la música de los dos primeros discos de la «Berlin Trilogy» a
casi un millón de personas en unos setenta conciertos en doce países. Llegado a
este punto había dejado de lado su problema con las drogas; el biógrafo David
Buckley escribió que Isolar II fue «la primera gira en cinco años en que Bowie no
se había anestesiado con copiosas cantidades de cocaína antes de subir al
escenario. [...] Sin olvidarse de los problemas que le habían causado las drogas,
ahora se encontraba en un estado mental lo suficientemente bueno para volver a
querer hacer amistades».82 Las grabaciones de esta gira dieron como resultado el
álbum en directo Stage, lanzado al mercado ese mismo año.83
La pieza final de lo que Bowie llamó su «tríptico», Lodger (1979), evita la
naturaleza minimalista y ambiental de los dos anteriores, añadiendo un retorno
parcial del rock de guitarra y batería de su época anterior a Berlín. El resultado
es una mezcla compleja de new wave y world music, incorporando también escalas
musicales orientales provenientes de la región del Hiyaz. Algunas de las pistas se
compusieron usando una baraja de Oblique Strategies (un juego de cartas con frases
que debían de seguir) creadas por Eno y Peter Schmidt: «Boys Keep Swinging» implicó
que los miembros de la banda tuvieran que cambiar sus instrumentos entre ellos,
«Move On» usa los acordes de la canción de Bowie «All the Young Dudes» tocadas al
revés, mientras que «Red Money» utiliza partes de «Sister Midnight», una canción
compuesta anteriormente con Iggy Pop.84 El disco se grabó en Suiza. Antes de su
lanzamiento, Mel Ilberman de RCA dijo: «Sería justo llamarlo el Sergeant Pepper de
Bowie [...] un álbum conceptual que describe al lodger («el inquilino») como un
trotamundo sin hogar, rechazado y victimizado por las presiones de la vida y la
tecnología». Christopher Sandford lo describe diciendo: «El disco era tan esperado
con sus elecciones tan dudosas, y la producción significó el final de la asociación
de Bowie con Eno, después de quince años». Lodger llegó al puesto número cuatro en
el Reino Unido y al veinte en Estados Unidos y arrojó dos exitosos sencillos en el
Reino Unido, «Boys Keep Swinging» y «DJ».8586 Hacia finales de año, Bowie y Angela
decidieron divorciarse, y tras meses de batallas judiciales su matrimonio terminó a
comienzos de 1980.87

1980-1989: de estrella a superestrella

«Under Pressure» surgió por casualidad, David vino a vernos al estudio, [...]
comenzamos a juguetear juntos con algo y todo salió de manera muy espontánea y
rápida. [...] Fue un verdadero placer trabajar con [él], posee un enorme talento.
—Freddie Mercury sobre su colaboración con Bowie en el sencillo.88
De Scary Monsters (and Super Creeps) (1980) se extrajo un sencillo número uno,
«Ashes to Ashes», que incluye el trabajo de texturas de guitarra-sintetizador
llevado a cabo por Chuck Hammer y que vuelve a utilizar el personaje de Major Tom
de «Space Oddity». La canción sirvió para mostrar en forma internacional el
movimiento new romantic underground de cuando Bowie visitó el club de Londres
«Blitz» (el sitio new romantic de moda) para contratar a algunos de los miembros
regulares (incluyendo a Steve Strange de la banda Visage) para actuar en el
videoclip de la canción, célebre por ser uno de los más innovadores de la época.89
Aunque para Scary Monsters utilizó algunos de los principios de los álbumes de
Berlín, los críticos lo consideraron mucho más directo musical y líricamente. La
parte hard rock del disco incluye llamativas contribuciones de guitarra de Robert
Fripp, Pete Townshend, Chuck Hammer y Tom Verlaine.90 A la vez que «Ashes to Ashes»
llegaba al número uno en el Reino Unido, Bowie comenzó un trabajo de tres meses
protagonizando la obra The Elephant Man en Broadway.91

Bowie se asoció con Queen en 1981 para colaborar en el sencillo «Under Pressure».
El dúo fue un éxito, convirtiéndose así en el tercer número uno de Bowie en el
Reino Unido. Ese mismo año, hizo un cameo en la película alemana Christiane F., una
historia real de drogadicción adolescente en la Berlín de los años 1970. La banda
sonora, repleta de música de Bowie, se lanzó con el título de Christiane F. pocos
meses después. Bowie también protagonizó la adaptación televisiva de la obra de
Bertolt Brecht Baal, hecha por la BBC en 1981. Coincidiendo con la retransmisión,
se lanzó un EP de cinco canciones de la obra, grabados en Berlín, bajo el título de
David Bowie in Bertolt Brecht's Baal. En marzo de 1982, un mes antes del estreno de
la película de Paul Schrader Cat People, se lanzó como sencillo la canción homónima
de Bowie, «Cat People (Putting Out Fire)», que llegó a ser un éxito menor en
Estados Unidos y entró en el Top 30 británico.92

Bowie en 1983 en la gira "Serious moonlight".

Bowie llegó a otro punto álgido de su carrera con el éxito comercial de Let's Dance
(1983), coproducido por el integrante de Chic, Nile Rodgers, que se convirtió en
disco de platino tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Sus tres sencillos
entraron en el Top 20 de ambos países, donde la canción que da título al disco
llegó al puesto número uno. «Modern Love» y «China Girl» llegaron al número dos en
el Reino Unido, acompañados de sus respectivos videoclips que, como describe el
biógrafo David Buckley, «eran totalmente absorbentes y activaron arquetipos claves
para el mundo del pop. «Let's Dance», con su poca narrativa enfocada en una joven
pareja de aborígenes, se centra en la juventud, mientras que «China Girl», con su
escena de amor (luego parcialmente censurada) playero con los culos al aire
(homenaje a la película From Here to Eternity), era lo suficientemente provocativa
sexualmente para garantizar que MTV la emitiese con frecuencia». Para 1983, Bowie
ya se había convertido en uno de los más importantes realizadores de videos
musicales de su época. Para promocionar Let's Dance se embarcó en la gira mundial
Serious Moonlight, en la que se hizo acompañar del guitarrista Earl Slick y los
coristas Frank y George Simms. La gira duró seis meses y tuvo una gran recepción.93

Tonight (1984), también enfocado al baile, contó con la colaboración de Tina Turner
y, una vez más, Iggy Pop. Contiene varias canciones versionadas, entre ellas el
éxito de 1966 de The Beach Boys «God Only Knows». Además, contiene el éxito
transatlántico «Blue Jean», inspiración para el cortometraje Jazzin' for Blue Jean,
por el que Bowie ganó un premio Grammy en la categoría de Mejor video musical.
Bowie actuó en el estadio de Wembley en 1985 como parte de Live Aid, una serie de
conciertos benéficos llevados a cabo en diversos sitios del mundo para intentar
paliar el hambre en Etiopía. Durante el evento se estrenó un sencillo con fines
benéficos a dúo con Mick Jagger, «Dancing in the Street», que llegó al puesto
número uno de ventas en su primera semana. Ese mismo año, Bowie se asoció con Pat
Metheny Group para grabar «This Is Not America», como parte de la banda sonora de
The Falcon and the Snowman. Lanzado como sencillo, la canción entró en el Top 40 en
Estados Unidos y el Reino Unido.94

Bowie actuando en el Glass Spider Tour de 1987.

Bowie obtuvo un papel en la película de 1986 Absolute Beginners. La película no fue
bien recibida por la crítica, aunque la canción que compuso para ella llegó al
puesto número dos de la lista de sencillos británica. También interpretó a Jareth,
Rey de los Goblins, en la película de Jim Henson Labyrinth, también de 1986, para
cuya banda sonora compuso cinco canciones.

Su último álbum de estudio de la década fue Never Let Me Down de 1987, en donde se
deshizo del sonido ligero de sus dos anteriores discos, ofreciendo en su lugar rock
más duro con puntos de industrial/techno. El disco se posicionó en el puesto número
seis de la lista británica. Se extrajeron los sencillos «Day-In, Day-Out» (su
sencillo número 60), «Time Will Crawl» y «Never Let Me Down». Bowie declaró después
que considera el álbum su «punto más bajo», diciendo que es «un disco horrible».95
Para promocionar Never Let Me Down, después de nueve shows para la prensa, comenzó
su gira Glass Spider el 30 de mayo, que constó de 86 conciertos. En esta ocasión
Bowie contó con Peter Frampton como guitarrista líder. La crítica difamó la gira
diciendo que estaba sobreproducida y que se hizo para complacer la moda de arena
rock con sus efectos especiales y bailes.96

1989-1991: Tin Machine

Bowie en un concierto en Chile durante su Sound+Vision Tour.

Bowie dejó de lado su carrera solista en 1989 para pasar a formar parte de una
banda por primera vez desde comienzos de la década de 1970. Surgió un cuarteto de
hard rock, Tin Machine, después de que comenzara a experimentar con el guitarrista
Reeves Gabrels. La formación se completó con Tony y Hunt Sales, a quienes conocía
desde finales de la década de 1970 por su participación (como batería y bajista,
respectivamente) en el álbum de Iggy Pop de 1977 Lust For Life.97
Aunque intentó que el grupo funcionara como una democracia, Bowie se imponía, tanto
en la composición de canciones como en la toma de decisiones.98 Su álbum debut, Tin
Machine (1989) fue inicialmente popular, aunque sus letras politizadas no
encontraron aprobación universal: Bowie describió una de las canciones como
«simplista, tímida, radical sobre la insurgencia de los neonazis». Desde el punto
de vista del biógrafo Cristian Standford: «Se necesita valor para denunciar las
drogas, el fascismo y la televisión [...] en términos que alcanzaron el nivel
literario de un libro de historietas».99 EMI se quejó de «las letras predicadoras»,
de las «melodías repetitivas» y la «producción minimalista o inexistente».100 Sin
embargo, el álbum alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido.99 La primera gira
mundial de Tin Machine fue un éxito comercial, pero empezó a aparecer cierta
reticencia (entre críticos y fanáticos) a aceptar a Bowie como un simple miembro de
una banda.101 Una serie de sencillos de la banda no llegaron a entrar en las listas
y Bowie, tras un desacuerdo con EMI, abandonó la discográfica.102 Como su público y
los críticos, el mismo Bowie comenzó a sentirse incómodo como integrante de un
grupo.103 Tin Machine comenzó a trabajar en un segundo álbum, pero Bowie puso en
espera la iniciativa y regresó a trabajar en solitario. Interpretando sus viejos
éxitos durante su gira de siete meses Sound+Vision Tour encontró nuevamente éxito
comercial y aclamación de la crítica.104

En octubre de 1990, una década después de su divorcio con Angela, un amigo en común
le presentó a la supermodelo somalí Iman. Sobre esto, Bowie afirmó: «Estaba
pensando en el nombre de nuestros futuros hijos la misma noche en que nos conocimos
[...] fue absolutamente inmediato». Se casaron en 1992.105 Tin Machine reanudó el
trabajo ese mismo mes, pero el público y los críticos, decepcionados por el primer
álbum, no mostraron ningún interés en el segundo. La publicación de Tin Machine II
fue marcada por una amplia campaña de publicidad y un gran conflicto acerca de la
portada: después de que la producción comenzara, Victory, su nueva discográfica,
consideró la imagen de los cuatro integrantes de la banda desnuda en poses
artísticas (que Bowie consideraba «de gusto exquisito») «una muestra de imágenes
obscenas y equivocadas», por lo que requirieron de un aerógrafo y parches para
ocultar el sexo de las figuras.106 La banda salió de gira una vez más, pero después
de que su álbum en directo Tin Machine Live: Oy Vey, Baby fracasara comercialmente,
la banda se separó y Bowie, aunque siguió colaborando con Gabrels, retomó su
carrera solista.107

1992-1999: música electrónica

Bowie en un concierto en Finlandia en 1997.

En abril de 1992, Bowie participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, en
honor al líder de Queen fallecido un año antes. Además de interpretar «Heroes» y
«All the Young Dudes», tomó parte en la interpretación de «Under Pressure» junto a
Annie Lennox, quien hizo la parte vocal que correspondía a Mercury.108 Cuatro días
después, Bowie se casó con Iman en Suiza. Con la intención de mudarse a Los
Ángeles, viajaron en busca de una propiedad adecuada, pero se vieron obligados a
permanecer confinados en su hotel, bajo toque de queda, debido al comienzo de los
disturbios de Los Ángeles ese mismo día. Finalmente, se establecieron en Nueva York
en su lugar.109

En 1993 salió a la venta su primer lanzamiento en solitario tras la separación de

Tin Machine, Black Tie White Noise, con influencias de soul, jazz y hip hop.
Haciendo amplio uso de instrumentación electrónica, el álbum, en el que Bowie se
reunió con el productor de Let's Dance, confirmó el regreso del cantante a la
popularidad, ocupando el primer puesto en las listas de álbumes británicas y
generando tres sencillos que llegaron a ocupar un puesto en el Top 40, incluyendo
la canción «Jump (They Say)».110 Bowie exploró nuevas direcciones con The Buddha of
Suburbia (1993), la banda sonora de la adaptación para una serie televisiva basada
en la novela de Hanif Kureishi. Contenía algunos de los nuevos elementos presentes
en Black Tie White Noise y significó un cambio hacia el rock alternativo. Recibió
críticas muy favorables, a pesar de solo posicionarse en el número 87 de las listas
de venta del Reino Unido.111

Reuniendo a Bowie con Brian Eno, el industrial Outside (1995) fue inicialmente
concebido como el primer volumen de una narración no lineal sobre arte y
asesinatos. Con personajes de una historia corta escrita por Bowie, el álbum tuvo
éxito en Estados Unidos y Reino Unido y contiene tres sencillos que entraron en el
Top 40 de la UK Singles Chart.112 En una decisión que provocó una reacción mixta
entre críticos y fanáticos, Bowie decidió que Nine Inch Nails lo acompañara en su
Outside Tour. La gira, en la que visitaron ciudades de Europa y Norteamérica
durante septiembre de 1995 y febrero del año siguiente, significó la vuelta de
Gabrels como guitarrista del cantante.113

Bowie ingresó en el Salón de la Fama del Rock el 17 de enero de 1996.114

Incorporando elementos de drum and bass, Earthling (1997) fue un éxito comercial en
Reino Unido y Estados Unidos y dos de sus sencillos entraron en el Top 40 en esta
primera región. La canción «I'm Afraid of Americans», compuesta para la película de
Paul Verhoeven Showgirls fue grabada de nuevo para el álbum y remezclada por Trent
Reznor para lanzarla como sencillo. La amplia difusión que tuvo su video
promocional contribuyó a que pasara dieciséis semanas en la lista estadounidense
Billboard Hot 100. La gira para promocionar el álbum tuvo lugar en Europa y
Norteamérica entre junio y noviembre de 1997.115 Bowie se reunió con Visconti en
1998 para grabar «(Safe in This) Sky Life» para The Rugrats Movie. Aunque el tema
se editó después del final cut, sería regrabada y lanzada bajo el título de «Safe»
como el lado B del sencillo de 2002 «Everyone Says 'Hi'».116 La reunión dio lugar a
otras colaboraciones, incluyendo una versión lanzada como sencillo de edición
limitada de la canción de Placebo «Without You I'm Nothing», coproducido por
Visconti, con las armonías vocales de Bowie añadidas a la grabación original.117 En
1998 Bowie grabó «A Foggy Day (In London Town)» con Angelo Badalamenti para el
disco compilatorio de Red Hot Organization Red Hot + Rhapsody, un tributo a George
Gershwin que recaudó dinero para varias organizaciones caritativas que buscan
concientizar sobre la problemática del SIDA y luchar contra la enfermedad.

1999-2013: neoclasicismo

Bowie durante una presentación de su Heathen Tour junto a Sterling Campbell en

2002.
Bowie creó la banda sonora de Omikron, un videojuego de 1999 en el que Iman y él
también figuran como personajes. Su álbum 'Hours...', lanzado el mismo año,
contiene canciones de este proyecto regrabadas y presenta además una tema de Alex
Grant, ganador de un concurso organizado por Bowie que trataba de encontrar la
mejor letra de canción para un videojuego.118 Haciendo amplio uso de instrumentos
en directo, el álbum significó su adiós a la música electrónica.119 En 2000
comenzaron las sesiones para el planeado Toy, en el que se intentaba presentar
nuevas versiones de sus primeras canciones, pero el álbum nunca llegó a salir al
mercado. Bowie y Visconti continuaron sus colaboraciones, en producción de un nuevo
álbum con canciones totalmente originales: Heathen, de 2002.120 Alexandra Zahra
Jones, hija de Bowie e Iman, nació el 15 de agosto de ese año.121

En octubre de 2001, Bowie abrió el concierto para la Ciudad de Nueva York, un

evento de caridad organizado para ayudar a las víctimas de los atentados del 11 de
septiembre, con una interpretación minimalista de la canción de Simon & Garfunkel
«America», seguida de una interpretación con banda completa de «Heroes».122 En 2002
se lanzó Heathen y durante la segunda mitad del año Bowie comenzó su gira Heathen
Tour. Abarcando Europa y Norteamérica, la gira comenzó en el festival londinense
Meltdown, en el que el cantante había sido elegido director artístico. Entre las
actuaciones que seleccionó para participar en el espectáculo estaban Phillip Glass,
Television y The Polyphonic Spree. Además de presentarse canciones del nuevo álbum,
en la gira también se interpretaron canciones de su etapa de Low.123 Después, se
publicó Reality, al que le siguió una gira promocional, A Reality Tour, que abarcó
Europa, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Australia y Japón.124 Se estima que tuvo una
asistencia total de más de 7 000 000 de personas, siendo la gira con más beneficios
de la primera mitad de 2004.125 Durante un concierto en Oslo, Bowie fue herido en
un ojo por una piruleta arrojada por un fanático; una semana más tarde sintió dolor
en el pecho mientras tocaba en el festival Hurricane en Scheeßel, Alemania.
Originalmente se creía que era un nervio inflamado, pero más tarde se le
diagnosticó una arteria obstruida que requirió una angioplastia de emergencia en
Hamburgo. Las catorce fechas de la gira restantes fueron canceladas.126

Bowie en 2009 con su hijo Duncan Jones en el estreno de su debut como director,
Moon.
Mientras se recuperaba de la cirugía, Bowie redujo sus presentaciones por primera
vez en varios años, haciendo breves apariciones en el escenario y en el estudio.
Cantó a dúo con Butterfly Boucher de su canción «Changes» para la película animada
Shrek 2, de 2004.127 Durante un relativamente tranquilo 2005, grabó las partes
vocales de «(She Can) Do That», co escrita con Brian Transeau para el filme
Stealth.128 Regresó a los escenarios el 8 de septiembre de 2005, presentándose con
Arcade Fire para el evento Fashion Rocks, televisado nacionalmente en los Estados
Unidos, y tocó con la banda canadiense por segunda vez durante la CMJ Music
Marathon.129 Contribuyó en los coros de la canción de TV on the Radio «Province»
para su álbum Return to Cookie Mountain, hizo un comercial con Snoop Dogg para XM
Satellite Radio y se juntó con Lou Reed para una colaboración en el álbum No
Balance Palace (2005) de la banda danesa Kashmir.130131132

Bowie durante una presentación en Chicago en 2002.

Bowie recibió un premio Grammy al logro de toda una vida el 8 de febrero de
2006.133 En abril, anunció: «Me tomaré un año sabático, no saldré de gira, no
grabaré álbumes».134 Hizo una presentación sorpresiva como invitado en el concierto
de David Gilmour el 29 de mayo en el Royal Albert Hall. Se grabó el evento y una
selección de canciones en las que habían colaborado fueron subsecuentemente
lanzadas.135 Volvió a tocar en directo en noviembre junto a Alicia Keys en el Black
Ball, un evento caritativo que tuvo lugar en Nueva York a beneficio de Keep a Child
Alive.136

Bowie fue elegido como coadjutor en el festival de 2007 High Line, donde seleccionó
artistas para este evento en Manhattan, y trabajó junto a Scarlett Johansson en el
álbum de versiones de canciones de Tom Waits Anywhere I Lay My Head.137138 En 2009,
para celebrar el cuadragésimo aniversario de la llegada del hombre a la luna por
primera vez en julio de 1969 (también aniversario del lanzamiento de «Space
Oddity») EMI puso a la venta las pistas de la grabación grabadas en ocho pistas y
creó un concurso con el fin de crear una remezcla.139 En enero de 2010, se puso a
la venta un álbum doble en el que se recopiló material de su gira de 2003, llamado
A Reality Tour.140

A finales de marzo de 2011 se filtró a través de internet Toy, un disco nunca

publicado de 2001 que contiene material usado para Heathen y la mayoría de sus
caras B, además de algunas nuevas versiones inéditas de su catálogo.141142

2013-2016: retiro de los escenarios y últimos álbumes

El 8 de enero de 2013, coincidiendo con su 66 cumpleaños, se anunció en su sitio
web oficial que en marzo saldría a la venta su nuevo disco titulado The Next Day;
el 8 de marzo en Australia, el 12 de marzo en los Estados Unidos y el día 11 de
marzo en el resto del mundo.143 Es su primer disco en una década y contiene catorce
canciones y tres pistas adicionales.144145 El productor discográfico Tony Visconti
comentó que disponían de 29 canciones para comenzar a trabajar en el disco. A la
vez que se hizo público el anuncio se publicó el primer sencillo, "Where Are We
Now?", compuesto y grabado por Bowie en Nueva York y producido por Tony
Visconti.146 Ese mismo día se lanzó un videoclip a través de Vimeo, dirigido por el
artista neoyorquino Tony Oursler.146 El sencillo llegó a lo más alto de la lista
británica de iTunes en cuestión de horas,147 y debutó en la UK Singles Chart en el
puesto número seis,148 siendo así el primer sencillo del artista en entrar en el
Top 10 en más de dos décadas; desde "Jump They Say" de 1993. El 25 de febrero se
publicó un segundo videoclip titulado "The Stars (Are Out Tonight)". La dirección
del mismo corrió a cargo de Floria Sigismondi y en él aparecen Bowie y Tilda
Swinton como marido y mujer.149 El 1 de marzo se puso a la venta el álbum completo
a través de iTunes.150 The Next Day debutó en el puesto número uno de la lista
británica de álbumes, el primero en conseguirlo desde Black Tie White Noise (1993),
y consiguió ser el disco más vendido del momento.151

El videoclip creado para la canción "The Next Day" creó cierta controversia; fue
retirada en un principio de YouTube por incumplir sus políticas y posteriormente
restaurado con el aviso de que para su visionado se debía tener más de 18 años de
edad.152

Según The Times, Bowie prometió no volver a conceder jamás una entrevista, por lo
cual el productor Visconti concedió la entrevista alegando que ahora él es "la voz
de Bowie en la tierra". Visconti reveló al periódico que Bowie no tiene intención
de salir de gira, diciendo que lo único que quiere "es seguir haciendo discos".153

En 2013 se presentó en el Victoria and Albert Museum una exhibición de artefactos

de Bowie, titulado "David Bowie Is".154 Para 2014 la obra comenzó a ser itinerante
haciendo paradas en São Paulo, Chicago, París, Melbourne y los Países Bajos.155

Además, Bowie aparece con un cameo vocal en la canción de Arcade Fire

"Reflektor".156 Por otro lado, en octubre de 2013, según una encuesta elaborada por
la BBC History Magazine, se nombró a Bowie el británico mejor vestido de la
historia.157 En los Premios Brit del 19 de febrero de 2014, Bowie se convirtió en
el ganador más longevo de la historia de los premios al recibir el premio al mejor
artista británico, el cual recogió de su parte Kate Moss. En su discurso dijo:
"Estoy encantado de conseguir un brit al mejor varón - pero lo soy, ¿verdad Kate?
Sí. Creo que es una gran manera de terminar el día. Muchas, muchas gracias y
Escocia, sigue con nosotros".158 Esta referencia al referéndum para la
independencia de Escocia de 2014 generó cierta repercusión en los medios.159160 El
18 de julio, Bowie desveló que pronto publicaría más música, aunque fue poco
preciso con los detalles.161

A principios de octubre de 2015, saltó la noticia de que Bowie había grabado, por
primera vez en veinte años, una canción para la serie de televisión «The Last
Panthers». Unas semanas después, John Giddings, su agente, aseguraba a un medio que
Bowie no volvería a actuar nunca más. A finales del mismo mes, el propio David
anunció en su página web el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, Blackstar,
que coincidiría con su cumpleaños, el 8 de enero de 2016.

Polémica
Gracias a la popularización del movimiento Me Too salió a la luz el testimonio de
Lori Mattix, una groupie de los años 70', alegando que había mantenido relaciones
sexuales consentidas con David Bowie, cuando ella tenía tan solo 14 años y él 25,
por lo que se encontraba por debajo de la edad legal de consentimiento.162
Mattix relata que:

"Él [Bowie] me dirigió hacia su habitación y el baño. Allí se quitó el kimono y se

metió en la bañera, que ya estaba llena de agua. Me pidió que lo bañase y eso hice.
Después volvimos a la habitación, me desvistió amablemente y me desvirgó. Aquella
noche fue mi primera experiencia sexual y mi primer trío."163

A pesar de que en aquel momento no lo vio como algo malo, en una entrevista de 2015
Mattix comparte que:

"No creo que chicas menores de edad deban acostarse con hombres adultos...No
querría esto para la hija de nadie. Mi perspectiva ha cambiado según he envejecido
y me he vuelto más cínica."164

Este testimonio ha sido puesto en duda debido a que supuestamente en aquel momento
ella mantenía una relación con Jimmy Page, a los cuales se les ve juntos en
numerosas fotos. En cambio, no existen fotografías de Mattix y Bowie, pero ella
relata que conoció a Page posteriormente.

Fallecimiento
El 10 de enero de 2016, dos días después de su 69 cumpleaños y la publicación de
Blackstar, murió de un cáncer de hígado en su apartamento de Nueva York.165 Se le
había diagnosticado dieciocho meses antes, pero no lo había hecho público.166 El
director de teatro belga Ivo van Hove, quien había trabajado con el cantante en el
musical Off-Broadway Lazarus, explicó que Bowie no pudo asistir a los ensayos
debido a la enfermedad. Comentó que Bowie siguió trabajando durante el proceso de
la misma.167

El productor de Bowie Tony Visconti comentó:

Siempre hacía lo que le daba la gana. Y quiso hacerlo a su manera y de la mejor

manera posible. Su muerte no fue muy distinta a su vida: una obra de arte. Hizo
Blackstar para todos nosotros, su regalo de despedida. Supe desde hace un año que
esto iba a ser así. De cualquiera de las maneras, yo no estaba preparado. Fue un
hombre extraordinario, lleno de vida y amor. Siempre estará con nosotros. Por
ahora, lo apropiado es llorar.168169

Después de su muerte, sus seguidores se reunieron en santuarios callejeros

espontáneos.170 En el mural que hay en Brixton, su ciudad de nacimiento, que le
muestra como su personaje creado para Aladdin Sane, sus seguidores dejaban flores y
cantaban sus canciones.171 Surgieron otros memoriales en Berlín, Los Ángeles y
frente a su apartamento de Nueva York.172 Después de la noticia de su muerte, se
dispararon las ventas de sus discos y sencillos.173 Bowie insistió en que no quería
un funeral y según su certificado de defunción fue incinerado el 12 de enero en
Nueva Jersey.174

Carrera actoral
Véase también: Filmografía de David Bowie
El biógrafo David Buckley observó: «La esencia de la contribución de Bowie a la
música popular se encuentra en su sobresaliente habilidad para analizar y
seleccionar ideas fuera de la música —del arte, la literatura, el teatro y el cine—
e incorporarlas a esta; de este modo, el pop se actualiza constantemente».175
Además, expresó: «Solo una persona llevó el glam rock a nuevas y enrarecidas
alturas e inventó personajes dentro del pop, uniendo el teatro y la música popular
en un poderoso todo sin costuras».176 La carrera de Bowie también estuvo marcada
por muchos papeles en producciones teatrales y cinematográficas, ganando cierto
prestigio como actor en su propio derecho.

Los comienzos de su carrera actoral anteceden su éxito como músico. Habiendo

estudiado teatro vanguardista y el arte del mimo bajo la dirección de Lindsay Kemp,
actuó en el papel de Cloud en la producción de Kemp de 1967 Pierrot in Turquoise
(convertida posteriormente en la película de televisión de 1970 The Looking Glass
Murders).177 En el cortometraje en blanco y negro The Image, encarnó a un niño
fantasma que emerge de un cuadro de un pintor bastante turbado para embrujarlo.178
El mismo año, apareció como extra en la película basada en la novela cómica de 1966
The Virgin Soldiers.178 En 1976, ganó prestigio por su primer papel protagónico,
encarnando a Thomas Jerome Newton, un extraterrestre de un planeta en vías de
extinción en El hombre que vino de las estrellas, dirigida por Nicolas Roeg. En
Just a Gigolo, una producción anglo-germana dirigida por David Hemming, Bowie actuó
en el papel protagónico del oficial prusiano Paul von Pryzgodski, quien, regresando
de la Primera Guerra Mundial, es descubierto por una baronesa (Marlene Dietrich) y
se convierte en uno de sus gigolós.

Bowie también trabajó en la producción teatral de Broadway The Elephant Man, y

recibió alabanzas por su expresiva interpretación. Interpretó su papel 157 veces
entre 1980 y 1981.91 En la película Christiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo, un
filme biográfico de 1981 que describe la drogadicción de una joven en el oeste de
Berlín, Bowie aparece en un cameo, interpretándose a sí mismo dando un concierto en
Alemania. En su banda sonora, Christiane F. (1981) figura mucho material de sus
discos de «Berlin Trilogy».179 Bowie figuró también en El ansia (1983), una
película de vampiros con Catherine Deneuve y Susan Sarandon. En el filme de Nagisha
Oshima del mismo año, Feliz Navidad, Mr. Lawrence, basada en la novela de Laurens
van der Post The Seed and the Sower, Bowie personificó a Jack Celliers, un
prisionero de guerra australiano en un campo de internamiento japonés donde la
homosexualidad y el choque cultural es el tema de fondo. Otro músico, Ryuichi
Sakamoto, interpretó al comandante que se sentía minado y a la vez atraído por el
comportamiento estrafalario de Celliers.180 Después, Bowie tuvo un cameo en
Yellowbeard, una comedia de piratas de 1983 creada por los miembros de Monty Python
y un pequeño papel como Colin, el sicario en la película de 1985 Into the Night.
Sin embargo, declinó interpretar al villano Max Zorin en la película de James Bond
de 1985 A View to a Kill.181

Absolute Beginners (1986), un musical de rock basado en la novela de Colin MacInne

de 1959 sobre la vida en Londres, cuenta con la música de Bowie y él mismo
interpreta un papel menor en ella. En el mismo año, actuó en Labyrinth, en el rol
de Jareth, el rey de los goblins.182 Dos años más tarde, actuó en el papel de
Poncio Pilatos en la película de Martin Scorsese La última tentación de Cristo.
Bowie encarnó a un descontento empleado de restaurante, junto a Rosanna Arquette en
The Linguini Incident (1991) y al misterioso agente del FBI Phillip Jeffries en la
película de David Lynch Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992). Interpretó un pequeño
pero fundamental papel como Andy Warhol en Basquiat (1996), una película biográfica
sobre Jean-Michel Basquiat dirigida por Julian Schnable y participó en spaghetti
western Il Mio West, interpretando al más temido pistolero en la región.183 Encarnó
al anciano gánster Bernie en Everybody Loves Sunshine (1999) y figuró en la serie
televisiva de terror The Hunger. En la película Boys don't cry (1999), de Kimberly
Peirce, aparece en la barra del bar donde Brandon Teena conoce a Lana. En Mr Rice's
Secret (2000) interpretó al vecino de un niño de doce años con una enfermedad
terminal y al año siguiente apareció interpretándose a sí mismo en Zoolander.
También hizo de sí mismo en un capítulo de la serie Extras escrita y dirigida por
Ricky Gervais.

Bowie actuó en el rol del físico Nikola Tesla, junto con Christian Bale y Hugh
Jackman en The Prestige (2006), un filme de Christopher Nolan basado en la novela
epistolar de Cristopher Priest sobre la rivalidad de dos magos a principios del
siglo XX. Dio voz al villano Maltazard en la película animada Arthur y los
Minimoys, como así a un personaje en el telefilme SpongeBob's Atlantis
SquarePantis. En el filme de 2008 August, dirigido por Austin Chick, obtuvo un
papel secundario como Ogilvie y trabajó junto a Josh Harnett y Rip Torn, con quien
había colaborado en El hombre que vino de las estrellas.184185

Orientación sexual
Buckley escribió: «Si Ziggy confundió tanto a su creador como a su público, gran
parte de esa confusión se centró en el tema de la sexualidad».186 Bowie se declaró
bisexual en una entrevista con Melody Maker el 22 de enero de 1972,187 movimiento
que coincidió con el inicio de su campaña al estrellato como Ziggy Stardust.49 En
una entrevista realizada en septiembre de 1976 para Playboy, Bowie dijo: «Es
cierto, soy bisexual, pero no puedo negar que he utilizado este hecho muy bien.
Supongo que es lo mejor que me ha pasado».188

Bowie con su esposa Iman.

En una entrevista de 1983 con la revista Rolling Stone, Bowie dijo que la
declaración pública de su bisexualidad fue «el mayor error que he cometido»,189
mientras que en otras ocasiones ha dicho que su interés por la cultura homosexual y
bisexual ha sido más un producto de los tiempos y de la situación en que se
encontraba que de sus propios sentimientos; según fue descrito por Buckley, Bowie
dijo que había sido guiado más por «una compulsión por burlar los códigos morales
que por un verdadero estado biológico y psicológico del ser».190David Buckley,
2005, p. 106

Blender lo interrogó en 2002, sobre si todavía creía que su declaración pública fue
el error más grande que jamás había cometido y Bowie contestó:

«Interesante. [larga pausa] No creo que fuera un error en Europa, pero fue mucho
más difícil en los Estados Unidos. No tenía ningún problema con que la gente
supiera que era bisexual. Pero no tenía ganas de portar ningún estandarte o ser el
representante de ningún grupo de personas. Yo sabía lo que quería ser, compositor e
intérprete, y sentí que la bisexualidad se convirtió en el titular desde ese
momento y por largo tiempo. Estados Unidos es un lugar muy puritano y creo que esto
se interpuso en el camino de muchas cosas que quería hacer».191

Buckley opinaba sobre este periodo en la vida de Bowie: «Un rompe tabúes y un
diletante [...] juega con la intriga sexual por su capacidad de sobresaltar»,192 y
que «probablemente sea cierto que Bowie nunca fue gay, ni siquiera activa y
consistentemente bisexual [...] lo hizo, de vez en cuando, como un experimento,
aunque solo fuera por un sentido de curiosidad y una alianza genuina con la
"transgresión"».193 El biógrafo Christopher Sandford dice que, de acuerdo con Mary
Finnigan, con quien Bowie tuvo un romance en 1969, el cantante y su primera esposa
Angie «vivían en un mundo de fantasía [...] y crearon sus fantasías bisexuales».194
Sandford cuenta cómo, durante el matrimonio, Bowie «hizo un fetiche positivo de
repetir la ocurrencia de que él y su esposa se habían conocido "jodiendo al mismo
hombre". [...] El sexo gay fue siempre una cuestión anecdótica y graciosa. Los
gustos reales de Bowie se inclinaban hacia otro lado evidentemente, a partir de un
recuento parcial de sus romances con mujeres».194

En la biografía David Bowie - A Biography, escrita por Marc Spitz y lanzada en

2009, Spitz revela que Bowie mantuvo muchas experiencias homosexuales en su
adolescencia, citando una frase que dijo Bowie en una entrevista a Playboy en 1976:
«Cuando tenía 14 años, el sexo de repente comenzó a ser muy importante. Realmente
no importaba con quien fuese, siempre y cuando fuese un encuentro sexual. Así que a
veces era un chico guapo de clase de un colegio u otro que me llevaba a casa y me
follaba en mi cama de arriba».188195 Pero el biógrafo también recalca que sus
comentarios públicos sobre el sexo no tenían otro propósito que no fuese hacer
marketing y así recibir más atención a su obra «transgresora».196

Estilo musical
Voz e instrumentación
Hombre de muchas voces, Bowie, a partir de la época de sus grabaciones iniciales en
la década de 1960, ejecutó una amplia variedad de estilos musicales. Sus primeras
composiciones e interpretaciones estuvieron fuertemente influidas no solo por
rocanroleros como Little Richard y Elvis Presley, sino también por el amplio mundo
del espectáculo. Particularmente se esforzó en emular al compositor, cantante de
comedia musical y actor británico Anthony Newley, cuyo estilo vocal adoptaba con
frecuencia, y que empleó prominentemente en su lanzamiento debut de 1967, David
Bowie (para disgusto del mismo Newley, que destruyó la copia que recibió del editor
de Bowie).28197 La fascinación de Bowie por el music hall siguió emergiendo
esporádicamente junto a diversos estilos como el hard rock y el heavy metal, el
soul, el psychedelic folk y el pop.198

La guitarra de Bowie en el Hard Rock Café de Varsovia.

El musicólogo James Perone observa el empleo de Bowie de cambios de octava para
diferentes repeticiones de la misma melodía, ejemplificado en el sencillo
comercialmente sobresaliente «Space Oddity», y más tarde en la canción «Heroes»,
para efectuar un efecto dramático; Perone nota que «en la parte más baja de su
registro vocal [...] su voz tiene una riqueza casi parecida a la de un crooner».199

El instructor de voz Jo Thompson describe la técnica del vibrato vocal de Bowie

como «particularmente deliberada y distintiva».200 Schinder y Schwartz lo describen
como «un cantante de una extraordinaria capacidad técnica, capaz de entonar para un
efecto en particular».201 Aquí también, como en su técnica escénica y composición,
la naturaleza camaleónica del cantante es evidente: el historiógrafo Michael
Campbell dice que la lírica de Bowie «detiene nuestro oído, sin duda. Pero Bowie
continuamente cambia de persona a persona a la forma de entregarla [...]. Su voz
cambia dramáticamente de sección a sección».202

Bowie era multinstrumentista, tocaba entre otros guitarras eléctrica, acústica y de

doce cuerdas, saxofón alto, tenor y barítono, teclados, piano, sintetizadores,
mellotron, armónica, stylophone, xilófono, vibráfono, koto, batería, percusión e
instrumentos de cuerda como la viola o el violonchelo.203204205206

Composiciones
Las composiciones de Bowie están basadas en letras filosóficas y literarias.
Canciones como «The Width of a Circle», «Quicksand» y «The Superman» están
influidas por el budismo, el ocultismo, el misticismo y el concepto Übermensch de
Friedrich Nietzsche.207208 La primera de ellas, según distintas interpretaciones,
alude a un encuentro sexual con Dios o el Demonio u otro ser sobrenatural en el
Infierno.209210211 Sin duda, las composiciones de su etapa inicial está influidas
por la poesía y los escritos de Aleister Crowley, William Hughes Mearns y H. P.
Lovecraft,212 y «The Jean Genie» es una referencia a Jean Genet.213

Con estas influencias Bowie creó un mundo nuevo a través de su música. «Oh! You
Pretty Things» de Hunky Dory (1971) es un claro ejemplo de ello, utilizando
conceptos de ciencia ficción de homo superior de una manera «incuestionablemente
gay y burlona».214 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars es
otro ejemplo; el álbum trata una historia de ciencia ficción creada por Bowie.215
La canción «Five Years», por ejemplo, habla de forma desesperada sobre el fin del
mundo a cinco años vista,127 y es uno de los muchos ejemplos en los que Bowie
coquetea con el derrumbe de la sociedad. Diamond Dogs también se centra en una
visión postapocalíptica del mundo.216 Posteriormente, Outside, vuelve a retomar en
un álbum conceptual con historias y personajes creados por el mismo artista.217
Heathen refleja sus impresiones sobre los atentados del 11 de septiembre de 2001,
con letras enfocadas en la degradación de la humanidad. Finalmente, en su disco
Reality medita sobre su carrera y en la canción que da título al álbum canta: «I've
been right and I've been wrong/I look for sense but I get next to nothing/ Hey boy
welcome to reality»(«He acertado y me he equivocado / Busco un sentido pero no
consigo nada / Bueno, chico bienvenido a la realidad»).218

Legado
Las innovadoras canciones y la puesta en escena de Bowie llevaron una nueva
dimensión a la música popular de la década de 1970, influyendo sobre sus formas
inmediatas y su desarrollo posterior. Pionero del glam rock, Bowie, según los
historiadores de la música Schinder y Schwartz, es responsable, junto con Marc
Bolan, líder y vocalista de T. Rex, de haber creado el género.219 A la vez, inspiró
a los innovadores del movimiento punk. El historiador de la música Michael Campbell
lo llamó «una de [sus] influencias seminales». Mientras que los músicos de este
género destruyeron las convenciones del estrellato pop, Bowie siguió adelante,
creando un estilo más abstracto que luego se convirtió en una influencia
transformadora. Buckley comentó: «En los tiempos en los que el punk estaba
reclamando la canción pop de tres minutos de duración para mostrar su rebeldía,
Bowie abandonó casi por completo la instrumentación tradicional del rock».220221 Su
discográfica buscó transmitir su originalidad en la música popular con el eslogan:
«Está el old wave, está el new wave y está Bowie...».222 El musicólogo James Perone
le acredita el haber «brindado sofisticación al rock» y las reseñas de los críticos
frecuentemente reconocen la profundidad intelectual de su trabajo y su
influencia.219223224

Bowie entró a formar parte del Salón de la Fama del Rock en 1996.
Buckley escribió que en un mundo pop de principios de la década de 1970, descrito
como «inflado, presumido, revestido de cuero, satisfecho de sí mismo [...] Bowie
cambió las creencias fundamentales dentro del rock de su tiempo». Como John Peel lo
describe: «La característica fundamental del rock progresivo de principios de 1970
es que no progresaba. Antes de que Bowie llegara, la gente no quería demasiados
cambios». Buckley dijo que «subvirtió enteramente el concepto de lo que una
estrella de rock debe ser», con el resultado de que «después de Bowie no hubo
ningún ícono pop de su altura, porque el mundo pop que produce esos dioses del rock
ya no existe. [...] El feroz partidismo del culto a Bowie es también único; su
influencia duró más y fue más creativa que quizás ningún otro ente dentro del
fanatismo del pop». Buckley concluye: «Bowie es una estrella y un ícono. Su trabajo
[...] ha creado quizás la mayor adoración en la cultura popular. [...] Su
influencia ha sido única en la cultura popular: ha permeado y alterado más vidas
que ninguna otra figura comparable».11

Se incluyó a Bowie en el Salón de la Fama del Rock en 1996.114 Debido a su perpetua

reinvención, su influencia continúa ampliándose y extendiéndose: el crítico musical
Brad Flilicky expresó que a lo largo de las décadas, «Bowie empezó a ser conocido
como un camaleón musical, cambiando y dictando tendencias, alterando su estilo para
encajar», influyendo sobre la moda y la cultura pop en un grado «solo equiparable a
Madonna y Michael Jackson».225

Influencia

Bowie ha influido a muchas bandas y artistas. Pixies comenzaron a tocar juntos

después de que Joey Santiago (en la foto) le enseñase su música a Frank Black.
La influencia de Bowie continúa siendo inmensa, musical y socialmente.11226 Por
ejemplo, según muchos autores, al incorporar personajes andróginos como Ziggy
Stardust y Aladdin Sane en su etapa de glam rock de los años 1970, que comunicaban
un lenguaje sexual, Bowie creó una clase adolescente independiente al tiempo que
ayudaba a movimientos como la liberación gay, aunque sin participar de forma
directa en ellas.227 En esa etapa, también ayudó a crear un nuevo tipo de moda en
el rock y puestas en escena que todavía se siguen usando.228229 Además, fue votado
por más de cien estrellas del pop como el artista con más influencia en ellas en
una edición de la revista New Musical Express.226

Musicalmente, sus álbumes han sido muy influyentes. The Man Who Sold the World
(1970), por ejemplo, ha sido citado como una influencia para el rock gótico, el
dark wave y los elementos de ciencia ficción de artistas como Siouxsie and the
Banshees, The Cure, Gary Numan, John Foxx, Nine Inch Nails y Nirvana.230 En 1993,
la banda regrabó «The Man Who Sold the World» para su disco en directo MTV
Unplugged in New York. Tras su etapa glam produjo álbumes como Diamond Dogs (1974),
cuyas guitarras crudas y sus visiones de caos urbano, niños mendigos y amantes
nihilistas han sido citados como una anticipación a la revolución punk de bandas
como The Germs y Sex Pistols, que tendría lugar algunos años después.231 En 1976 se
publicó el alabado álbum Station to Station, descrito como «enormemente influyente
sobre el post punk» y que influyó a la banda Magazine.232233 En el año siguiente,
"Heroes" (1977) influyó el álbum Double Fantasy (1980) de John Lennon y Yoko
Ono.234235

Sus trabajos de la década de 1980, especialmente la canción «Ashes to Ashes» y su

video, mostrando la creatividad de Bowie, aportaron la base para un nuevo
movimiento musical en ese tiempo, llamado new romantic, influyendo artistas como
Blitz Kids, Keanan Duffty y Steve Strange.236237 De hecho, la crítica mencionó que
esta canción es considerada el himno de los músicos de este movimiento.238 Pixies
comenzó en 1986 cuando Joey Santiago mostró a Black Francis la música de Bowie y el
punk; luego comenzaron a improvisar juntos.239

La influencia de Bowie continúa hoy en día, pues algunos artistas de diversos

géneros y países han declarado ciertas influencias de él en sus trabajos. Algunos
ejemplos incluyen a Boy George, Groove Armada (especialmente su álbum Black Light),
Spacehog, Neïmo, Arckid, Stacey Q,240 Buck-Tick,241 Lady Gaga,242 y muchos otros.
Como sugiere el biógrafo Thomas Forget: «Debido a que ha tenido éxito en tan
dispares estilos musicales, es casi imposible encontrar un artista popular que no
haya sido influido por David Bowie».243

Premios y reconocimientos
Artículo principal: Premios y nominaciones de David Bowie
El primer éxito de Bowie, «Space Oddity» de 1969, le supuso el premio especial Ivor
Novello por su originalidad.244 Ganó, por su actuación en la película de ciencia
ficción de 1976 El hombre que vino de las estrellas, el premio Saturn en la
categoría de mejor actor.245 En las siguientes décadas recibió numerosos premios
por su música y sus videos de acompañamiento, recibiendo, entre otros, dos premios
Grammy246247 y dos BRIT Awards.248

En 1999, Bowie recibió el grado de Commandeur des Arts et des Lettres otorgado por
el gobierno francés.249 Ese mismo año recibió un doctorado honorífico de la Berklee
College of Music.250 Sin embargo, rechazó el KBEnota 1 de la Orden del Imperio
Británico en 2000 y un título de Caballero en 2003,251 diciendo: «Nunca aceptaré
algo así. Realmente no sé para qué sirve. No es por lo que me he pasado la vida
trabajando».252

A lo largo de su carrera vendió aproximadamente 136 millones de discos.253 En el

Reino Unido recibió nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata, mientras
que en Estados Unidos recibió cinco de platino y siete de oro.254255 En la encuesta
realizada en 2002 por la cadena BBC de 100 Greatest Britons, le situaron en el
puesto número 29.253 En 2004, la revista Rolling Stone le posicionó en el número 39
de su lista de Los 100 mejores artistas de rock de todos los tiempos256 y en el
puesto 23 de los mejores cantantes de todos los tiempos.257 Bowie ingresó en el
Salón de la fama del Rock el 17 de enero de 1996.114

El 18 de enero de 2016, luego de su fallecimiento, un grupo de astrónomos de

Bélgica determinó que un grupo de siete estrellas, Sigma Librae, Spica (Alpha
Virginis), Zeta Centauri, SAO 204 132, SAO 241 641, Beta Trainguli Australis y
Delta Octantis formen en lo sucesivo una constelación con la forma del rayo que
Bowie se pintaba en el rostro en su caracterización de Ziggy Stardust.258259

Discografía
Artículo principal: Discografía de David Bowie
Álbumes de estudio
1967: David Bowie
1969: Space Oddity
1970: The Man Who Sold the World
1971: Hunky Dory
1972: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
1973: Aladdin Sane
1973: Pin Ups
1974: Diamond Dogs
1975: Young Americans
1976: Station to Station
1977: Low
1977: "Heroes"
1979: Lodger
1980: Scary Monsters (and Super Creeps)
1983: Let's Dance
1984: Tonight
1987: Never Let Me Down
1993: Black Tie White Noise
1995: 1.Outside
1997: Earthling
1999: ‘Hours...’
2002: Heathen
2003: Reality
2013: The Next Day
2016: Blackstar
Notas aclaratorias
Caballero Comendador o Dama Comendadora (KBE or DBE) (Knight Commander or Dame
Commander) es la segunda orden militar en importancia otorgada por los monarcas
británicos desde 1917 y limitada a 845 Caballeros o Damas.
Véase también
Heteropoda davidbowie, araña nombrada en honor del músico
Referencias
Notas bibliográficas
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«http://www.rockambul.com/generos/rock/la-extravagancia-de-david-bowie.html».
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Enlaces externos
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Sitio web oficial
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Entrevista a Charlie Rose (1998)
Video ganador del concurso oficial por los 40 años de Ziggy Stardust por el
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Sterling Campbell: El baterista de David Bowie se despide del genio de la música