La pintura al óleo en la época del impresionismo.

En la década de 1870, un grupo de artistas en París se llamaron a sí mismos la Sociedad Anónima

de Pintores y Escultores. Desafiaron las normas aceptadas de belleza estética y técnica. En 1874, la
pintura de Claude Monet Impresión: Amanecer, se puso en exhibición. Los críticos no sabían qué
hacer con esta pieza inusual. Un crítico llamó a esta obra, y al artista que la creó, impresionista.
Este término estaba destinado a ser un insulto; estas pinturas fueron consideradas inconclusas,
desordenadas, de pinceladas erráticas, líneas borrosas y manchas de pintura. Sin embargo, Monet
y sus contemporáneos abrazaron ese título.

IMAGEN AMANECER

Desde la época de Aristóteles, el arte se consideraba una imitación de la naturaleza y la realidad,

pero en el siglo XIX esta visión comenzó a cambiar. El impresionismo es un gran ejemplo del
cambio que se produjo en el siglo XX. Los artistas continuarían desafiando las tradiciones, la
estética e incluso las estructuras en la que se fundamenta el arte.

El impresionismo era una nueva forma de ver la realidad

Los eventos contemporáneos siempre se reflejan en cambios de pensamiento y sentimiento

estético. La revolución industrial en 1848 marcó el final de un régimen y el final de un estilo de
vida, cuyo timbre ya había sonado sesenta años antes en la Revolución Francesa de 1789. Sin
embargo, esta vez toda la civilización de Europa occidental estuvo involucrada en la catástrofe.

Durante los veinte años anteriores, la estructura económica de la vida había ido cambiando. Los
hombres habían aprendido a utilizar la energía que estaba latente en la naturaleza y a aplicarla a
las máquinas recién inventadas que se convertirían en la base de la industria. Los descubrimientos
científicos y su aplicación práctica durante la primera mitad del siglo hicieron posible una nueva
civilización.

El hombre ahora controlaba su propio destino y podía remodelar, reorganizar o convertir sus
herramientas para sus propios fines utilitarios. Todo esto tendría un gran impacto en la estética
contemporánea y en el desarrollo del arte en toda Europa. Los avances tecnológicos de la era
industrial también revolucionaron las técnicas y materiales de la pintura, marcando un hito en la
historia del arte contemporáneo.

Antecedentes de la pintura al óleo del impresionismo

Durante la Edad Media y el Renacimiento, el pintor compraba los pigmentos crudos en las tiendas
de boticarios (o los obtenía directamente de las canteras). Posteriormente el artista o, si eran
ricos, su aprendiz, trituraría, tamizaría y mezclaría el pigmento con aceite de nuez o de linaza para
preparar la pintura al óleo. Con la llegada de los coloristas, los artistas finalmente se liberaron de
la difícil tarea de abastecerse, fabricar, moler y probar todos sus pigmentos, tintes, superficies y
suministros.

El taller de los artistas

El conocimiento necesario para moler pintura se adquirió a través de la tradicional relación

maestro-aprendiz. Moler la pintura fue una de las principales tareas diarias del aprendiz. Delegar
tal tarea dejó al maestro mayor tiempo y energía para invertir en el acto creativo de pintar. Las
materias primas se podían adquirir de diversas fuentes. En el estudio, estas materias primas tenían
que prepararse adecuadamente para hacer pintura.

En el Estudio de los artistas de Platzer (1750), se muestra el interior del estudio de un artista. Se
puede detallar un asistente que utiliza un muller, en el extremo derecho, para preparar pintura al
óleo fresca para los pintores que trabajaban en este taller.

IMAGEN

En El Taller del Pintor (antes de 1790), Horemans El Joven pinta al asistente en el centro, aunque
parece estar distraído por su familia.

IMAGEN

Durante la década de 1700, un nuevo comercio se extendió por Europa: el colorista de los artistas.

El comercio del color

El colorista de los artistas puede haber sido un asistente experto en un gran taller. Este personaje
luego se daría cuenta de que podía ganarse la vida suministrando lienzos preparados, pinturas al
óleo preparadas y otros materiales a varios talleres más pequeños, individuos (que podrían ser
aficionados adinerados, quizás), y eventualmente incluso a talleres más grandes. Es así como
surgen medios de conservación, almacenamiento y trasporte de las pinturas al óleo.
Un problema que tenían que resolver era cómo conservar las pinturas al óleo, pues tendían a
secarse. En algún momento alguien descubrió que la pintura al óleo se mantendría fresca al estar
contenida en una bolsa pequeña, como la vejiga de un cerdo. A finales de la década de 1700, los
coloristas o mercaderes de toda Europa vendían sus pinturas al óleo en estas vejigas.

COLOCAR IMAGEN DE VEJIGA

Cuando los colorantes comenzaron a vender pintura al óleo premezclada, venderían

aproximadamente 1 onza de cada color atado en un pequeño trozo de vejiga de cerdo limpia. El
artista perforaría la vejiga con un alfiler y la exprimiría en la paleta.

Limitaciones de la pintura al óleo en vejigas de cerdo

La pintura al óleo en vejigas de cerdo se veía como un globo de juguete moderno muy pequeño
con un tapón grueso sujeto con algún tipo de cordel.

Las vejigas de cerdos eran una pesadilla para llevar, imposibles de cerrar correctamente después
de abrir y susceptibles de reventarse en cualquier momento. Estas limitaciones significaban que
los artistas se limitaban en gran medida a pintar en sus estudios. Sin embargo, las pinturas a
menudo se secaban antes de que pudieran usarse.

En la ingeniosa obra de Quadrone, Toda oportunidad es buena (1878), se nos permite un vistazo
detallado a la parafernalia del pintor, que incluye varias vejigas de pintura en la mesa baja detrás
del caballete y una en el piso. Aunque este cuadro se pintó bien después de la introducción de los
tubos de pintura, las vejigas continuaron siendo relativamente baratas y populares a fines del siglo
XIX.

IMAGEN

Artistas de pintura al óleo que influenciaron el arte impresionista

IMAGEN

John Constable y William Turner se destacan porque ambos tuvieron una profunda influencia en el
nacimiento del impresionismo. La forma en que rompieron las convenciones de la pintura
tradicional para tratar de capturar la frescura, el cambio y la realidad de la naturaleza ayudaron a
inspirar a los impresionistas y dieron a estos dos maestros del paisaje un lugar en el corazón de la
historia del arte moderno.
El pintor inglés Joseph Mallord William Turner (1775-1851) anticipó en sus últimas obras el estilo
impresionista de la pintura, donde las formas se disuelven en atmósferas de colores.

IMAGEN TURNER

En 1870, James Whistler comenzó a pintar sus primeras obras sobre el río Támesis inspirados en
obras similares de Turner, que llamaría "Nocturnos" a partir de 1872.

IMAGEN NOCTURNE 1

Whistler desarrolló un estilo único que tenía mucho en común con los impresionistas. Usaba
pinceladas muy sueltas y una huella creativa similar a la que usaron los impresionistas mucho más
tarde. Sin embargo, nunca hizo el mismo uso de colores brillantes, y pocos de sus cuadros son tan
ricos en luz. Fue fuertemente influenciado por el orientalismo o el japonismo, como más tarde se
hizo popular entre los impresionistas franceses. En este sentido, fue un pre-impresionista que
anticipó varias de las características clave del impresionismo.

IMAGEN NOCTURNE 2

Surgimiento de la pintura al óleo impresionista

La década de 1860 fue una década de enmiendas dinámicas en la pintura al óleo. Fue un período
en el cual la tradición y la innovación se fusionaron con el trabajo de importantes e
independientes artistas precursores como Edouard Manet (1832-1883) y Edgar Degas (1834-
1917). En la siguiente década, 1870, este movimiento se desarrolló y se estableció como el
impresionismo.

Bajo el Segundo Imperio de Louis Napoleón (1852-1870), la cara de París se transformó. Las
estrechas calles medievales y empedradas de las casas en el centro de la ciudad fueron arrasadas
para dar paso a los nuevos bulevares arbolados, diseñados por el arquitecto de Napoleón III, Baron
Haussmann (1809-1891). A lo largo de estas amplias avenidas, al igual que la rue de Rivoli, los
bulevares St. Germain y St. Michel y la avenue de l'Opera, los cafés con terraza proliferaron, y en
este entorno de paseos soleados, la vida del romántico artista francés tuvo un nuevo significado.

BUSCAR COLOCA UNA IMAGEN DE ESTOS CAFES DE PARIS PINTADA POR ALGÍN IMPRESIONISTA.

El artista parisino de vanguardia ya no era el pintor al óleo de la vida agrícola o los campesinos,
sino de la vida urbana reciente: el sofisticado mundo de cafés, hipódromos, parques, conciertos, la
ópera y el ballet. Estos temas comenzaron a dominar el argumento principal de los artistas del
impresionismo desde principios de la década de 1860. Pero los nuevos temas, una representación
más directa de los temas modernos, exigían nuevas técnicas.
Nuevos métodos vanguardistas de pintura al óleo

A lo largo del siglo XIX, se establecieron métodos distintos para la reproducción de la luz solar, los
tonos sofisticados, los colores brillantes se aplicaron con un pincel cargado, al mismo tiempo que
las sombras se profundizaron y enriquecieron solo en las últimas etapas de las obras mediante la
adición de capas translucidas de color.

BUSCAR IMAGEN IMPRESIONISMO COLORES BRILLANTES

Los artistas del impresionismo rechazaron las sombras oscuras, los modelos sofisticados, los tonos
sombríos y los colores tierra del claroscuro académico. Los desarrollos tecnológicos en la década
de 1860 abrieron el camino para estos cambios, cada uno de los cuales también se asociará con las
nuevas características de la pintura al óleo, que diferían notablemente de aquellas que habían
hecho posible las técnicas de los Maestros Antiguos.

Durante la década de 1860, los artistas del impresionismo encontraron alternativas que fueron
más adecuadas para sus necesidades estéticas. Tres factores fueron de particular importancia: el
esmerilado mecánico, la invención del tubo de estaño, los aglutinantes y aditivos utilizados para
mantener la pintura con una consistencia homogénea en los tubos contenedores nuevos.

Del muller manual a la molienda mecánica de los pigmentos.

Tradicionalmente, los asistentes profesionales trituraban a mano los pigmentos para preparar la
pintura al óleo, empleando una desbrozadora en una losa plana hecha de piedra impermeable. La
molienda mecánica llegó a ser factible alrededor de 1800, cuando un inglés de apellido Rawlinson,
patentó un molino de molienda de un rodillo manual.

Al principio, se consideraba que el esmerilado mecánico era una fuente de pigmentos demasiado
gruesos para el trabajo de los artistas. A pesar de que en los primeros días de la molienda
mecánica una sustancia demasiado espesa fue producida para ser utilizada por los artistas, la
creciente sofisticación pronto resolvió este problema técnico y en cambio, la molienda extra fina
se convirtió en una práctica popular. La invención del moderno molino de tres rodillos contribuyó
a este hecho.

BUSCAR FOTO MOLINO RODILLOS

El único inconveniente fue que el artista quedó alejado del conocimiento íntimo de los materiales
que utilizaba para pintar, un oficio que era esencial para los antiguos maestros y las obras
maestras que producían.

Invención del tubo de pintura al óleo

El tubo de pintura al óleo fue patentado en 1811 por John Goffe Rand. Luego fue producido en
masa a partir de 1841. Esta nueva innovación sustituyó las vejigas de cerdos y las jeringas de vidrio
como la principal herramienta de transporte de pintura. Los artistas, o sus ayudantes, previamente
molieron cada pigmento a mano, mezclando cuidadosamente el aceite aglutinante en las
proporciones adecuadas.

IMAGEN DE PATENTE DE RAND

Las pinturas ahora podrían producirse a granel y venderse en tubos de estaño con una tapa. La
tapa podría volver a atornillarse y preservar las pinturas para su uso futuro, proporcionando
flexibilidad y eficiencia a la pintura al aire libre. Las pinturas fabricadas tenían una consistencia
equilibrada que el artista podía adelgazar con aceite, trementina u otros medios.

FOTO DE TUBO CON TAPA

Gracias a la invención del tubo de pintura al óleo, los artistas pudieron trabajar fácilmente al aire
libre por primera vez, permitiéndoles pintar en cualquier lugar y haciendo posible explorar el
efecto de la luz natural como nunca antes.

El impacto de esta simple tecnología fue profundo. Según Renoir: "Sin la pintura en tubos, no
habría Cézanne, ni Monet, ni Pissarro, ni impresionismo".

Desafíos técnicos de las pinturas al óleo en tubos

Los colores de los artistas se habían preparado tradicionalmente en el momento en que se

necesitaban, por lo que el almacenamiento a largo plazo presentaba pocos problemas. Sin
embargo, la rápida expansión de la molienda de pigmentos comercial en el siglo XIX dio lugar a
una necesidad apremiante de una vida útil más larga para el producto. Era necesario encontrar
métodos para asegurarse de que las pinturas al óleo conservaran una consistencia aceptable, y
que el pigmento permaneciera completamente disperso dentro del aceite.
En la década de 1860, los comerciantes de colores también justificaron la inclusión de cantidades
superiores de cera en el fondo, lo que hizo que los colores fuesen mejores para pintar al óleo con
un cuchillo de pintar. Manet utilizó la aplicación de color con cuchillo en la década de 1860,
especialmente para amplias áreas de fondo.

Esta técnica fue explotada en esta década y principios de la década de 1870, especialmente por
Camille Pissarro (1830-1903) y Paul Cézanne (1839-1906) en sus obras Still Life. Sin embargo, la
pintura con cuchilla atrae el aglutinante de aceite a la superficie de la pintura y, por lo tanto,
agrava el factor del amarilleo del óleo al acumularse en una película sobre la superficie. Este
inconveniente, junto a la creciente preferencia de los impresionistas por el cepillo asimétrico,
resultó en el abandono de la técnica en la década de 1870.

IMAGEN STILL LIFE

Reinvención moderna de la química y pinturas al óleo

La invención moderna de la química, a principios de 1800, dio lugar a una gran cantidad de
subproductos. Uno de ellos era la paleta moderna, un espectro de nuevos pigmentos como nadie
había visto antes. Esta nueva paleta de colores, hizo posible el impresionismo y las escuelas
luministas. Los pigmentos como el azul de cobalto, el verde de óxido de cromo, el amarillo de
cadmio, el amarillo de cromo, el amarillo de bario, el amarillo de cinc, el azul cerúleo, el azul de
ultramar (sintético), el blanco de cinc, el viridian y el violeta de cobalto eran estables y
relativamente asequibles.

IMAGEN VIRIDIAN IMPRESIONISTA

El desarrollo de pinturas al óleo pre-envasadas no se produjo sin algunos sacrificios de calidad.

Para utilizar los nuevos tubos de estaño e impartir una vida útil razonable a la pintura que
contenía, las pinturas al óleo tuvieron que reformularse. Las pinturas de aceite de linaza, más
deseables con su brillo y donde cada color se formuló para secarse a una velocidad similar para
permitir el enclavamiento adecuado de las películas de pintura, tuvieron que ser, en su mayor
parte, abandonadas a favor de una resina sintética.

Debido a la gran variación de los tiempos de secado entre los pigmentos, los secadores químicos
fueron necesarios para compensar la pérdida de resina, sin embargo, pueden ser más peligrosos
para una película de pintura e inconsistentes en su comportamiento. A lo largo de las décadas, los
fabricantes de pinturas de la más alta calidad han tratado de desarrollar recetas utilizando la
química moderna que impartiría esa calidad de "Maestros Antiguos" a las pinturas envasadas.
La técnica plein air
Plein air es un término francés que significa "al aire libre". Muchos artistas pintaron paisajes en
ambientes exteriores (observando lo real, no utilizando una fotografía como referencia).

Muchos pintores de este estilo realizaron una serie de bocetos rápidos hechos con pintura al óleo,
antes de desarrollar una pintura final en su estudio. El humor, el color y la atmósfera nunca se
pueden capturar completamente en una fotografía de la misma manera en que un artista los
experimenta sentado al aire libre, absorbiendo realmente su entorno.

Una vez que se inventaron los tubos de pintura en la década de 1800, pintar al aire libre se hizo
mucho más fácil y se convirtió en una tendencia entre los pintores que querían capturar la luz
natural y las escenas al aire libre.

La técnica de plein air es particularmente importante para la escuela Barbizon (Francia, c. 1830-
1870, pinturas de paisajes realistas) y los impresionistas (finales de 1800, más flexibles, más
enfocados en capturar la luz que el paisaje en sí). Algunos artistas notables de plein air incluyen:

Mary Cassatt, Camille Pissarro (Impresionismo); John Constable, Eugène Louis Boudin, Jean-
François Millet.

IMÁGENES

Otras publicaciones relacionadas al tema de este artículo:

El aceite de linaza refinado en la pintura al óleo

Secretos de la técnica de impasto en la pintura al óleo

Los impresionistas: el color y la atmósfera en la pintura de paisaje

En nuestro curso de pintura “La técnica pictórica de Monet” que se impartirá los días viernes 15 y
sábado 16 de marzo de 2019, podrás profundizar en la visión científica del color que los
impresionistas integraron en su pintura.

Conoce los detalles del Curso donde podrás aprender sobre los materiales y materias primas que
Monet empleó como parte esencial de su pintura en el siguiente link:
https://cursos.ttamayo.com/collections/cursos/products/la-tecnica-pictorica-de-monet
SEO

impresionismo 90500 42%

pinturas al óleo 9865 32%
Pintores impresionistas 18100 43%
Pintura al óleo impresionismo: palabra clave que engloba todas las anteriores