Composicion David Prakel PDF

f.
Cómo formar una imagen mediante la unión

o la combinación de varios elementos,
partes o ingredientes
diosestinta.blogspot.com
Binette 12
Este retrato de Nana Sousa Dias tiene una composición muy sencilla para realzar los rasgos bellos
y llamativos de la modelo, así como la textura, la iluminación y la cualidad gráfica de la imagen.
Fotógrafo: Nana Sousa Dias.
Ficha técnica: Pentax 645, objetivo macro Pentax 135 mm, 1/60 s, f22, llford HP5 Plus, iluminación con flash
Multiblitz Magnolite 32 con caja de luz de 1 m.
Cómo consultar este libro
Introducción
Cuestiones básicas 10 Elementos formales 36 Organización

La composición 12 El punto 38 del espacio 92
Las reglas 18 La línea 44 El encuadre 94
El punto de vista 26 La forma 54 El equilibrio 112
La perspectiva 28 El volumen 60 La apariencia
La escala 34 La textura 66 del espacio 118
El dibujo 72
El tono 74
El color 80
Organización Aplicaciones 134 Originalidad 152
del tiempo 124 El paisaje 136 Cómo desarrollar
El paso del tiempo 126 El bodegón 138 un estilo propio 154
Momentos 128 El retrato 140 El constraste 160
El Instante decisivo 130 La fotografía El desequilibrio 162
Secuencias 132 documental 142 El recorte 164
El desnudo 144 El color 166
La fotografía de acción La fotografía digital 168
y deportiva 146
La fotografía artística 148
La fotografía
publicitaria 150
Conclusión 172
Direcciones de interés 173
Glosario 174
Agradecimientos y créditos 176
Los diferentes capítulos de este libro pretenden explicar la composición y sus elementos
formales, y cómo se organiza el espacio y el tiempo en las imágenes fotográficas. Está
ilustrado con imágenes clásicas de los maestros de la fotografía, así como con imágenes
creativas -algunas tomadas expresamente para este
libro- de fotógrafos contemporáneos. En los últimos capítulos se analiza cómo las
técnicas de composición se pueden aplicar en situaciones del mundo real y
cómo se pueden utilizar para crear un estilo personal. Todas los temas importantes se
tratan por separado y se analizan y explican dentro de un contexto determinado.
6_7
Las mejores fotografías combinan maestría técnica con una composición llamativa.
Aunque puede que no todo el mundo esté de acuerdo en los procesos de la composición
fotográfica, sí se suele coincidir en que una imagen tiene más fuerza si se ha pensado
en la composición. Puede que la técnica fotográfica sea compleja, pero su aplicación
es metódica y el resultado previsible. La composición, por el contrario, requiere criterio
y la aplicación del gusto personal.
La primera regla de la composición es que no hay reglas. Mientras que la técnica fotográfica
se puede considerar la aplicación de una serie de puntos que hay que tener en cuenta o
llevar a cabo (la elección de la película o del formato, el enfoque, la exposición, etc.), con la
composición esto no es posible. El método para crear una composición, es decir, lograr una
imagen con fuerza, no puede limitarse a una lista de indicaciones, sino que debe ser un método
holístico. Un elemento muy importante para entender la composición es saber que el ojo y la
cámara «ven» las cosas de manera muy diferente. Este libro analiza de qué modo esta certeza
se puede utilizar para desarrollar una visión fotográfica.
La función de la composición se explica mejor con una analogía con el mundo de la

música. La fotografía sería como el jazz -una forma musical improvisada donde la expresión
personal lo es todo, pero en la que dicha expresión está basada en una sólida estructura
de acordes aprendidos y en una progresión de acordes-. Cuando hablamos, no pensamos
conscientemente en la gramática de la lengua; de igual manera, hay que practicar
la composición hasta lograr que se convierta en algo natural. Esto se puede conseguir
experimentando con los elementos formales de forma aislada y observando el mayor
número posible de imágenes que tengan una buena composición.
Cuestiones básicas Organización del tiempo

Para que el que observa una imagen la entienda, Por definición, la fotografía captura el mundo en
ésta debe estar bien compuesta. Este capítulo se movimiento en una imagen estática. El fotógrafo
ocupa de la necesidad de organizar y de plantear puede hacer una fotografía borrosa, donde se
ideas que provienen del arte y que han dominado aprecie el paso del tiempo, o congelar la acción.
la fotografía en el pasado. Estudiaremos la elección del momento clave para
Elementos formales disparar el obturador y las secuencias de imágenes.
Si la composición es la gramática del lenguaje visual, Aplicaciones
los elementos formales -una simple línea, los Los principales tipos de fotografía utilizan diferentes
contornos, el tono, las formas, las texturas, clases de composición. En este capítulo se hacen
los dibujos y el color- son su vocabulario. sugerencias sobre la fotografía artística, paisajística,
Organización del espacio de desnudos y de retratos, así como también sobre
La creación de una imagen fotográfica consiste la de reportaje, la publicitaria y la deportiva, donde la
en poner un marco al sujeto elegido. Las composición no se considere un principal factor.
proporciones de ese marco y el lugar donde Originalidad
se sitúa el sujeto influyen en la forma en Es importante plasmar la visión propia. En este capítulo
que se «lee» la imagen. Estudiaremos la peculiar se analizan diferentes maneras de desarrollar un estilo
característica de la fotografía para manipular personal y cómo «saltándose las reglas» se pueden
la apariencia del espacio. conseguir imágenes con mucha fuerza.
8_9
Alnmouth, Northumberland
Esta fotografía es la que tiene la mejor composición de una secuencia de imágenes tomadas
al mismo tiempo.
Fotógrafo: David Prákel.
Ficha técnica: Nikon D100, zoom Nikon 18-35 mm, 1/320 s, f9.
Hacer fotografías
Tanto si se escoge el motivo como si el motivo le elige a uno, el procedimiento para hacer
una fotografía ya ha empezado. La composición implica toda la creación de una imagen.
El proceso comienza con la valoración y el estudio del motivo, continúa con la selección,
el análisis y sólo termina cuando la mirada del observador se posa sobre la imagen acabada.
Dado que hay un número de imágenes potenciales, la composición ofrece un método de

trabajo para analizar el sujeto en términos de sus atributos visuales, comprenderlos según los
sentimientos propios y las motivaciones y, a continuación, colocar los elementos dentro de un
todo coherente, esto es, en una imagen única. La fotografía no sólo consiste en representar
o plasmar la realidad. Puesto que los fotógrafos han de seleccionar la parte del mundo real
que quieren enmarcar, la composición se convierte en la expresión de su personalidad.
10 11
La composición ha sido una de las principales preocupaciones de los fotógrafos

(profesionales y aficionados) desde los inicios de la fotografía, a mediados del
siglo xix. Las ideas del mundo de las bellas artes, basadas en una historia establecida
de la crítica de arte, ensombrecieron totalmente el desarrollo del nuevo oficio en
sus inicios. Muchos de los principios de la composición pictórica se aplicaron
en la fotografía. Los seguidores del movimiento fotográfico pictorialista abrazaron
este movimiento, pues para ellos esto suponía la legitimación de la fotografía como
arte por parte del mundo artístico. Sin embargo, algunos fotógrafos más arriesgados
consideraban la fotografía como algo único y se rebelaron contra las convenciones
de la composición pictórica.
En la actualidad, la fotografía se ha democratizado de una manera jamás vista. Todo el

mundo puede ser fotógrafo. La historia de la fotografía instantánea es tan larga como la
historia de la fotografía moderna. Muchas de estas instantáneas se han hecho con gran
entusiasmo, pero con poca sujeción formal a las reglas de la composición. En la moda
postmoderna, los fotógrafos se han apropiado con fines creativos de la fotografía instantánea.
La ubicuidad de la imagen fotográfica en los medios de comunicación y en la publicidad
deja a un lado las nociones históricas del arte y crea oportunidades para que surjan nuevos
tipos de composición, aunque bastante más estilizados que antes.
Las reglas de la composición proporcionan a los fotógrafos un principio de organización

y de poder, aunque también pueden actuar como una camisa de fuerza que inhiba la
creatividad y eso puede llevar a captar imágenes estereotipadas. Muchas de las llamadas
«reglas» de la composición están basadas, más que en experimentos científicos o estudios,
en un análisis de lo que las instituciones y los fotógrafos han considerado tradicionalmente
imágenes eficaces.
Este capítulo trata sobre la motivación y la psicología de la fotografía, y estudia la

diferencia entre una instantánea y una fotografía con una composición formal. También
aborda algunos de los conceptos artísticos que se siguen aplicando en la fotografía
y analiza cuáles son relevantes y cuáles no lo son.
Simplemente escalones (página anterior)

Esta fotografía de Estima que plasma un tramo de una escalera de piedra demuestra que
«no hay nada mejor que la sencillez». Esta imagen está organizada alrededor de una fuerte
línea diagonal colocada simétricamente, hecha con las formas repetidas de los escalones
y las sombras, que dividen la composición en dos planos. Ésta explora la textura y la sutileza
de una limitada paleta cromática, así como también las variaciones de un dibujo que se repite.
Fotótografo: Tiago Estima.
Ficha técnica: Nikon D100, con zoom Nikkor 70-300mm, 1/180 s, f4, 8, longitud focal 180 mm.
Cuestiones básicas
La composición a otros, generalmente se explican los

El ojo y la cámara no ven las mismas cosas. sucesos o momentos que se querían
Constantemente el cerebro procesa de plasmar y normalmente se suele decir:
forma activa la información que recibe «Había que estar allí».
de la vista y descarta los detalles que
no quiere, pero para la mirada pasiva de Pero la cámara no sirve para registrar
la cámara estos detalles tienen la misma lo inregistrable. El disparador se aprieta
importancia que el resto de elementos. en un intento de capturar un pensamiento
complejo o una reflexión personal de una
Piense en el número de fotografías que escena o de un evento. En otras palabras,
se hacen. El hecho de que alguien lleve la imagen no se organizado. Algunos
una cámara fotográfica significa que se elementos constitutivos que identifican
tiene intención de crear algún tipo de y dan sentido al mensaje de la imagen por
imagen. Lo que llama la atención depende alguna razón no se han logrado capturar,
enteramente de la motivación para llevar de manera que el significado de la imagen
la cámara: el interés en las personas no queda claro. Volveremos a hablar de
en el paisaje, en la fauna y la flora, etc. estos elementos constitutivos en el capítulo
Cuando algo atrae, la persona se para Elementos formales (véase pág. 36).
y se pone la cámara delante de los ojos.
El disparador se presiona en el momento Una de las lecciones fundamentales de
en que «ve» lo que le ha hecho parar. la fotografía consiste en aprender a captar
A veces, se pulsa el disparador en el lo que uno ve, no lo que uno piensa que ve;
momento en que se siente más emoción es demasiado fácil hacer una fotografía
por lo que se ve. Las imágenes, una que coincida con el estado mental en el
vez vistas, no se suelen imprimir y se momento en que se aprieta el disparador
abandonan en el disco duro del ordenador. y no con lo que hay en realidad delante
Si las imágenes se imprimen y se muestran del objetivo de la cámara.
Marinerito {derecha)
Instantánea. El joven cadete ruso en el centro de
la fotografía no está lo bastante diferenciado del
resto de marineros. Hay varios elementos que
distraen: sombras blancas en el fondo, el hombro
del marinero que está en primer plano, las
caras del extremo superior derecho y la cara
del marinero medio tapada por el gorro del niño.
Fotografía: David Prákel.
Ficha técnica: Nikon D100 con zoom Nikkor 70-300 mm,
1/250 s, f4,2, distancia focal 100 mm.
La composición 12_13
«Hay una gran diferencia entre tomar una fotografía

y hacer una fotografía.» Robert Heinecken (fotógrafo)
Marinerito (inferior)
Fotografía pensada y con una buena composición. Un ligero cambio del punto de vista hacia
la derecha y la utilización del zoom han permitido eliminar de la imagen los rostros de los
marineros del fondo que distraían la atención. La velocidad de obturación se ha sacrificado
por la abertura con objeto de recuperar la profundidad de campo, que se había perdido por
aumentar la distancia focal de 100 a 180 mm; pero la velocidad es todavía lo bastante rápida
como para captar la expresión del niño mientras escucha atentamente las órdenes del oficial.
Fotógrafo: David Prakel.
Ficha técnica: Nikon D100 con zoom Nikkor 70-300 mm, 1/180 s, f4,8, longitud focal 180 mm.
«Lo que se ve en una fotografía no es lo que se ve en el

momento de hacerla. La fotografía es, en realidad, la habilidad
de plasmar una mentira visual.» Terence Donovan (fotógrafo)
La composición 14J5
Dar forma a la imagen conmueve. Si no entendiésemos que

¿Cuál es el propósito de una imagen el objeto de la imagen es otro ser humano,
fotográfica? Hacemos fotografías para simplemente veríamos la fotografía
compartir experiencias, para mostrar a la como un estudio en rojo, rosa y caqui,
gente cosas que de otro modo no verían La composición es un procedimiento
y para decir algo acerca del mundo o sobre estructurado, pero, con la costumbre,
uno mismo que no se puede decir mejor resulta fluida y se aplica de forma natural,
con palabras. Se alimenta de emociones: sin emoción
sólo se logra crear imágenes placenteras
La composición se basa en el proceso y superficiales sin un verdadero sentido,
de identificar y colocar los elementos
para producir una imagen coherente. Para comprender mejor los principios
Todo en una imagen conforma su de la composición, hay que separar
«composición». Aprender a componer los elementos constituyentes en líneas,
es como aprender una lengua. Una vez contorno, forma, textura, dibujo y color,
que se ha aprendido un idioma, uno Aunque es conveniente estudiar todos
lo habla sin pensar. El objetivo del estos elementos por separado, la
fotógrafo es llegar a dominar el lenguaje composición es precisamente el modo
de la composición. en que se combinan, como si de los
ingredientes de una receta se tratasen.
Reaccionamos ante los objetos de las La cámara rara vez se encontrará con uno
fotografías de forma similar a como lo de estos elementos aislados. Al escoger
haríamos si los viésemos de verdad. Hay un sujeto, el fotógrafo primero tiene
una cruda ecuación: cuanto más intensa que descubrir los elementos que forma
es nuestra reacción, mejor es la imagen. la escena que tiene ante la cámara y sólo
¿Cómo sabemos esto? La imagen de entonces puede decidir cómo equilibrar
un soldado herido y moribundo nos y mezclar los elementos en la composición.
Plato [página anterior)

El blanco y negro exagera el contorno, el tono y la modelo la forma. Los tres dedos de la mano
reflejan las tres puntas que sobresalen del plato que lleva como si fuese un sombrero. El «instante»
crea una especial sensación de extravagante elegancia en este tipo de fotografía y le confiere
un excepcional toque personal.
Fotógrafo: Jim Alien.
Ficha técnica: Sinar P 5 x 4, Nikkor 210 mm F5,6, Kodack Tri-X, luz reflejada en una pared blanca.
Cuestiones básicas O
sino de cómo quedan las cosas al fotografiarlas.»

Garry Winogrand (fotógrafo)
Selección y distribución y la manipulación digital permiten modificar

Dibujar, pintar y hacer una fotografía tienen un poco la imagen, pero la materia prima de
ciertas cosas en común. En cada caso la fotografía proviene de una selección
se intenta detener un momento y plasmarlo del mundo real.
en dos dimensiones.
Al principio, a los fotógrafos les tienta
El mundo es dinámico, un lugar en poner todos los «elementos» posibles
constante cambio, donde las personas y en sus imágenes. Sin embargo, con
las cosas se mueven en tres dimensiones. experiencia se consigue un resultado
Por el contrario, las fotografías y los más satisfactorio si se edita la escena
cuadros no sólo «paran el reloj» por su conscientemente, teniendo en cuenta
naturaleza estática, sino que además lo que se puede eliminar o simplificar para
enfocan la atención del observador en una así reforzar el mensaje (el mejor consejo
parte del mundo enmarcada, donde las suele ser acercarse a la escena). Se sabe
relaciones espaciales se han congelado que se ha conseguido una buena fotografía
en una representación bidimensional muy cuando uno puede mirarla en retrospectiva
especial. Tanto en la fotografía como en y ver que todos los elementos tienen
la pintura, lo dinámico se convierte en una función específica. Cuando uno
estático y el mundo tridimensional se empieza a darse cuenta de las ventajas
aplana y aparece en dos dimensiones. que supone estructurar una imagen para
ayudar a transmitir un mensaje, comenzará
El artista construye, trabaja y retoca su conscientemente a seleccionar, encuadrar
imagen dentro de un marco (una imagen y organizar los elementos y, con la práctica,
del mundo real o tal vez de su imaginación). esto se convertirá en algo natural. La
Siempre existe la posibilidad de revisarla maestría técnica es tan importante como
o de cambiarla. Sin embargo, el fotógrafo la composición, ya que un mensaje con
escoge una imagen del mundo real y la fuerza sólo se puede plasmar mediante
organiza dentro de un encuadre. Los la combinación de una sólida composición
procedimientos fotográficos alternativos y una buena técnica fotográfica.
La composición 16_17
Galerías Lafayette (superior)

De la profusión de elementos coloristas potenciales en las restauradas galerías Lafayette
Haussmann de París, el fotógrafo ha decidido encuadrar, con muy buen criterio, la forma y
los dibujos de la cúpula de cristal, así como incluir también algunos de los Intensos colores
y las formas contrastlvas de los arcos festoneados.
Fotógrafo: Bjorn Rannestad.
Ficha técnica: Sony DSC-V1, 1/80 s, f2,8, ISO 100.
«Se necesita mucha imaginación para ser un buen

fotógrafo. Se necesita menos imaginación para ser
pintor, ya que uno puede inventarse cosas.»
David Bailey (fotógrafo)
Las reglas 18_19
Las reglas de la escena al pintarla para plasmarla

En el pasado, muchas veces los fotógrafos armoniosamente en el lienzo, y puede
tomaban ideas del arte y utilizaban reglas utilizar conceptos geométricos para
de composición que sólo les servían como colocar los elementos clave. Gran parte
herramientas para analizar la imagen de este procedimiento se basa en
acabada, pero no para crearla. el conocimiento de las proporciones
clásicas y la incorporación de las formas
La pintura y el dibujo son una síntesis de básicas, triángulos y círculos, en la
una imagen ya vista, plasmada en lienzo composición.
o papel. Incluso cuando pinta del natural,
el artista puede añadir elementos de su Cubrir un lienzo al azar con pinturas
imaginación y eliminar detalles o partes de diferentes colores lleva mucho
enteras de la escena, algo que el fotógrafo más tiempo que hacer una fotografía.
sólo puede hacer hasta cierto punto: Los pintores trabajan en un cuadro
simplemente, no puede decidir no fotografiar muchas horas y las imágenes van
algo que está en la escena. La pintura y el evolucionando durante el proceso.
dibujo son el arte de construir una imagen; Para el fotógrafo, el momento en
sin embargo, la fotografía es el arte de que pulsa el disparador suele ser la
la selección. Los grandes maestros se culminación del proceso artístico y de
esforzaban por lograr armonía, equilibrio composición. Hay fotógrafos que no
y una belleza que superase la del mundo quieren saber nada de la manipulación
real. La fotografía muchas veces es analógica o digital. Las técnicas de
el mundo real. posprocesado permiten mejorar la
expresividad de la imagen, pero para
El artista tiene la libertad de cambiar que así sea siempre hay que visualizar
las dimensiones y los elementos antes los resultados.
«La diferencia básica entre la fotografía y otras formas

artísticas estriba en su habilidad única para plasmar
simple y objetivamente algo que está ahí.» (anónimo)
Belleza sola {página anterior)

El nítido detalle y la diferenciación cromática destacan sobre el fondo negro, lo que proporciona
a la flor un aspecto hiperreal. La intensa iluminación central y la curva del tallo y de los pétalos
aumentan la sensación de «presencia».
Fotógrafo: Markos Berndt.
Ficha técnica: Minolta Dimage 7i con objetivo macro, 39 s, realizada en un cuarto oscuro con fondo negro
y con flash.
Cuestiones básicas d>
Simplificar, simplificar no se desplacen. Acercarse llena el

La composición es el procedimiento mental encuadre, enfatiza el sujeto y elimina
de editar que aplica el fotógrafo cuando el fondo. Esta sencilla técnica resulta
trabaja en una imagen con objeto de hacer sorprendentemente difícil de adoptar
que el mensaje resulte más fácil de leer para los principiantes.
para la persona que lo observa. Uno de
los errores más comunes consiste en Si no se puede simplificar la imagen
pensar qué se va incluir en la fotografía. cambiando el punto de vista o
Para el principiante es tentador dar recomponiendo el encuadre, se pueden
importancia a la imagen llenándola con utilizar técnicas fotográficas como el
el mayor número de detalles posible. enfoque selectivo o la reducción de
Sin embargo, pensar en qué es de lo la profundidad de campo (es decir,
que se puede prescindir dará más fuerza una mayor abertura). También se puede
a la imagen. Busque el sujeto más sencillo. ¡luminar la imagen de tal manera que
La simplificación es una parte esencial queden los detalles indeseados en
de la composición; eliminar los elementos sombra o, por el contrario, inundarlos
visuales que recargan la imagen permitirá de luz.
que sólo queden los elementos más
importantes que después podrá organizar Existen numerosas técnicas para hacer
para crear una imagen con una buena que las imágenes sean más simples. Éstas
composición. se pueden simplificar cromáticamente
reduciendo o eliminando el color mediante
Los fotógrafos prestan a menudo una película de (blanco y negro). Como
demasiada atención al elemento principal alternativa también se puede colocar
y se olvidan de los detalles del fondo. el sujeto en un entorno claro (clave alta)
El resultado es una imagen mal organizada. u oscuro (clave baja). Para reducir el color
Una rápida comprobación de los elementos en una imagen, también se puede hacer
que hay alrededor del sujeto o elemento la fotografía bajo ciertas condiciones
central asegurará que no haya nada que cilimáticas (lluvia o niebla), o bien usando
distraiga o que interfiera. en el objetivo un filtro difusor. Limitar la
paleta cromática y efectos similares, como
Reencuadrar en la cámara es una solución colorear a mano, se pueden conseguir
que se suele olvidar a la hora de simplificar durante el procesado o mediante la
una imagen. Un zoom puede reencuadrar elección de colores que no sean intensos.
la imagen sin cambiar la perspectiva De estas técnicas nos ocuparemos en
siempre y cuando el fotógrafo y el sujeto las páginas 76-79 y 86-87 de este libro.
«Malgastamos la vida con detalles... Hay que simplificar,

simplificar.» Henry David Thoreau (filósofo y escritor)
Las reglas 20_21
Retrato en sombra (izquierda)

En esta fotografía, un ejemplo de la simplificación más
extrema, se ha eliminado totalmente el elemento principal. La
intensa iluminación frontal, que proviene de una amplia
ventana, crea una sombra bien definida sobre la pared
que está al lado de la modelo y la convierte en el centro de
la atención. A pesar de que sólo se ve la silueta, la Imagen
sigue siendo un retrato, pues logra plasmar el estilo y la
personalidad de la modelo. Se han conservado suficientes
detalles del entorno. La pequeña paleta de tonos cálidos
proviene del sol del atardecer sobre una pared pintada.
Plores (derecha)
Aunque el color del fondo contrasta bien con el de las flores,
el fondo contiene demasiado detalle a pesar de la reducida
profundidad de campo (abertura grande). El objeto de la parte
Inferior derecha del encuadre no se veía al mirar por el visor.
La línea vertical desenfocada de la pared de la cabaña resulta
molesta.
I I punto de vista es más cercano pero con el mismo eje,

lo que crea un cambio no muy logrado al dar mayor énfasis
a las dos flores más grandes que están desenfocadas.
La superposición del capullo del centro que coincide
con la flor de la derecha no funciona.
En esta fotografía se ha mantenido la misma posición, pero

el punto de vista se ha movido ligeramente hacia abajo y hacia
la izquierda, lo que separa y simplifica la Imagen, y centra la
atención y la flor del centro.
Rocío [izquierda)
Esta imagen se ha simplificado utilizando una cartulina
negra para eliminar el molesto fondo; se ha colocado
lo bastante lejos como para no captar su textura.
La sección áurea el punto principal de interés o dividir
Leonardo Pisano (Leonardo de Pisa) un encuadre en proporciones agradables
-también llamado Fibonacci- era un se puede hacer partiendo de esta relación,
matemático del siglo XII, famoso por el aunque evidentemente esto no garantiza
descubrimiento de una notable secuencia la calidad de la imagen final.
numérica.
Esta sencilla serie numérica empieza con

0 y 1. La suma de los dos números previos
da el siguiente número, de ahí los números
Fibonacci: 1, 1,2,3, 5, 8, 13,21, 34, 55, 89,
144, etc. La relación entre cada par sucesivo
de números en la serie (5 dividido entre 3,
por ejemplo, da 1,666, y 8 dividido
entre 5 da 1,6) se aproxima al «número
áureo» (1,618034), que se identifica con
la letra griega pi. Ésta se consideraba la
clave de los secretos de la astronomía;
también guarda relación con la proporción.
El número áureo no ofrece una solución
mágica a todos los problemas de la
composición. Aunque la gente se remite
a la forma de un rectángulo vacío construido
con las dimensiones del número áureo
(1:1,618), esto no funciona en las imágenes
encuadradas según estas proporciones
en las que el contenido tiene una gran
influencia. Sin embargo, sí parece
que intrínsecamente nos damos cuenta
de que la naturaleza está muy relacionada
con secuencias matemáticas como la de
Fibonacci y que concuerdan con nuestro
sentido de la armonía y la proporción.
La sección áurea es una división basada

en la proporción del número áureo y se
puede utilizar como método para disponer
el elemento principal en una imagen
o bien para dividir una composición en
proporciones agradables. Es más fácil En esta secuencia de diagramas, el primero {superior)
recordar una relación de 5:8 que 1,628, se ha construido siguiendo las proporciones del
pero en realidad es lo mismo (a veces número áureo. El segundo {centro) es un rectángulo
se utiliza el término para describir dicha con cuadrados basados en la secuencia de Fibonacci.
división). Tanto la elección del lugar donde El tercero (inferior) muestra la espiral de crecimiento
se pone el horizonte como establecer natural acorde con nuestro sentido de la armonía.
Las reglas 22_23
Girasol [superior)
Las espirales basadas en la secuencia de Fibonacci se esconden en la distribución de las
semillas de este girasol. El crecimiento de las plantas, la formación de las conchas marinas
e incluso la proporciones de nuestro cuerpo reflejan progresiones matemáticas similares.
Fotógrafo: Nina Indset Andersen.
Ficha técnica: fotografía tomada a mediodía en un día soleado, con el sol por detrás y hacia la izquierda. Se ha
utilizado un reflector plateado para reducir las sombras en la flor. El fondo azul era en principio verde, pero el color
se ha cambiado en Photoshop.
Cuestiones básicas
Alentejo [superior)
Los elementos clave, el árbol, el centro óptico de la nube y la línea del horizonte, se han
colocado siguiendo los principios geométricos.
Fotógrafo: Tiago Estima.
Ficha técnica: Canon EOS 300D, 1/125 s, f8, ISO 100, zoom Canon 28-105 mm, retoque del contraste
en Photoshop.
Las reglas 24_25
La regla de los tercios

Esta regla no es más que una simplificación de las proporciones de la sección áurea,
pero los fotógrafos la utilizan más. Con la regla de los tercios, el centro de atención ha de
colocarse en la intersección de las líneas que dividen la fotografía en tres partes de arriba
abajo y de izquierda a derecha. Constituye una buena ayuda para establecer la estructura
de la composición en una imagen, pero es demasiado regular en las proporciones como
para lograr resultados llamativos.
Algunos fabricantes incluyen cuadrículas en el visor de las cámaras que ayudan a componer
la imagen; unas tienen cuadrículas convencionales que se ajustan a la regla de los tercios,
y otras están basadas en cuatro cuadrículas por cuatro, que no resultan tan útiles en la
composición geométrica. Ahora bien, cualquier tipo de cuadrícula constituye un medio útil
para alinear la cámara con relación a los edificios o a la línea del horizonte.
Simetría dinámica
Otra opción a la hora de organizar el centro de interés en una composición es utilizar
la simetría dinámica. Esta simetría se basa en las proporciones de la sección áurea, pero
determina el mejor lugar para colocar el punto de interés mediante diagonales en lugar de
cuadrículas, y para algunos fotógrafos resulta más fácil de visualizar. Sea cual sea la relación
entre las dimensiones del formato utilizado, dibuje una línea diagonal de un extremo al otro
del encuadre. A continuación, imagine una línea que forme ángulos rectos con la primera.
Haciendo varias pruebas y aprendiendo de los errores, al final se consigue distribuir
los elementos de forma natural cerca de estos puntos en el encuadre.
Estas ayudas geométricas suelen resultar todavía más útiles para reencuadrar la imagen.
Algunos fotógrafos utilizan láminas de acetato con líneas superpuestas para indicar
alternativas de encuadre. Estas líneas también se pueden dibujar en programas de edición
de imagen como plantillas y se pueden utilizar como capas provisionales para conseguir
un mejor encuadre.
La regla de los tercios y la simetría dinámica
Los cuatro puntos localizan Colocación del punto de interés Los cuatro puntos localizan
el centro de interés que marca en una imagen utilizando el centro de interés dictado
la regla de los tercios. Puede la simetría dinámica. por la simetría dinámica,
resultar demasiado regular para
conseguir una imagen llamativa.
Cuestiones básicas
El punto de vista resultan muy distintas por tener un punto

La misma escena puede verse en imágenes de vista más bajo.
muy distintas si se toma desde un punto
de vista alto o bajo. Si piensa en cómo Si se utilizan puntos de vista alternativos,
coloca la cámara cuando va a tomar una los objetos más comunes se ven de un
instantánea, verá que la lleva a la altura modo totalmente diferente. Ésta es una
de los ojos, enfoca en la dirección del de las principales formas en las que
sujeto y decide la exposición. un fotógrafo puede estudiar un sujeto. Un
punto de vista más bajo permite incluir y
Hay muchísimas imágenes tomadas dar más énfasis al fondo, así como hacer
a la altura de los ojos sin tener en que se mire la imagen desde abajo. Los
cuenta otras alternativas. Las fotografías puntos de vista altos pueden separar al
captadas así producen imágenes observador de la acción, pues la vista tiene
con un punto de vista repetitivo. que dirigirse hacia abajo. Los puntos de
En cambio, las tomadas con cámaras vista extremos, tanto altos como bajos,
con el visor al nivel de la cintura pueden distorsionar, pero a la vez crean un
(por ejemplo, los modelos TLR) efecto muy interesante. Cambiar el punto
Espiral (derecha)
Un punto de vista cenital,
centrado en la escalera
de piedra en espiral,
enfatiza la perspectiva,
la profundidad y el dibujo
repetitivo.
Fotógrafo: TiagoEstima.
Ficha técnica: Canon EOS 300D,
Tamron 17-35 mm SP AF f2,8-4
zoom, 1/50 s,f4, ISO 200.
El punto de vista 26_27
Quemador (inferior)
Buscar nuevos puntos de vista le lleva a uno a lugares extraños. Por ejemplo, esta imagen del
quemador de gas de un globo aerostático fue tomada estirado en el suelo de la cesta. Las
fuertes diagonales confieren un mayor dinamismo al «despegue» que consigue el punto de vista.
Ficha técnica: Nikon F601 con zoom Nikkor 24-85 mm, Kodachrome 200 Pro.
de vista moviéndose de un lado al otra -en una pequeña granja en un campo puede
lugar de cambiarlo de arriba abajo- permite convertirse en una diminuta vivienda
crear yuxtaposiciones que, de otra manera, donde predomina el paisaje de ondulantes
podrían pasar desapercibidas. campos verdes o del inmenso cielo,
o bien en una granja en el centro de
Según el punto de vista, el horizonte se fértiles campos según si el horizonte se
puede situar más alto o más bajo dentro de ha situado alto o bajo en el encuadre.
la imagen. Esto hará que la interpretación Antes de decidir dónde poner la línea
que el observador haga de la imagen sea del horizonte, hay que pensar bien cuál
mucho más espectacular. Una fotografía de es la intención de la fotografía.
Cuestiones básicas
La perspectiva una fotografía. Cuanto más cerca esté

Aunque no es posible que dos arcenes el punto de toma del sujeto, más grande
paralelos de la carretera se encuentren en parecerá con respecto a los objetos más
la distancia, al dibujarlos o pintarlos se les lejanos. Existen varios detalles que ayudan
da la esa sensación de profundidad. Esto se a representar la profundidad en una imagen
denomina «perspectiva lineal». El «punto de bidimensional cuando no hay líneas obvias
fuga» es, a su vez, el punto en la distancia que se alejan, como, por ejemplo, el tamaño
donde parece que las líneas se juntan. relativo de un objeto. Los arquitectos
enfatizan el tamaño de un espacio utilizando
La elección del punto de vista y elementos repetitivos, como los pilares que
de la longitud focal del objetivo son dos parecen que de forma progresiva se van
factores principales en la representación empequeñeciendo. Otras formas son
de la profundidad o la perspectiva en el dibujo o la textura.
Nebuloso atardecer en la montaña (superior)

En esta fotografía, la perspectiva aérea se manifiesta en los tonos más claros de las montañas
lejanas que se ven a través de la niebla, así como en las de primer plano, que están mucho más
oscuras (técnica utilizada por los pintores chinos para dar profundidad). La neblina refuerza el efecto.
Fotógrafo: Cindy Quinn.
Ficha técnica: Nikon D100 con objetivo Nikon 70-200 mm AFS VR, filtro ND degradado de 3 puntos, 1/8 s,
f22, ISO 200. En Photoshop se corrigieran las motas de polvo del sensor y se ajustó el contraste y la saturación.
La perspectiva 28_29
Jungla subterránea [inferior)

Tanto las formas repetidas y cada vez más pequeñas como las líneas de perspectiva producen
una gran sensación de profundidad. El punto de vista pone el punto de fuga justo en el centro,
lo que todavía da más énfasis a la perspectiva.
Fotógrafo: Alee Ee.
Ficha técnica: Nikon D70 con zoom Nikon 18-70 mm, ISO 200 con un ligero retoque de luminosidad
y contraste en Photoshop.
La carreteras se representan en fotografías Los edificios provocan el mismo efecto con

como fuertes líneas anguladas convergentes. sus líneas paralelas que parecen juntarse y
Si se observan imágenes de vías de tren que se denominan «verticales convergentes»
que se pierden en la distancia, uno se Éste es el resultado inevitable del punto de
pregunta: ¿va a llegar el tren o acaba vista a ras de suelo. La convergencia se
de salir? Cualquier sendero que se aleja puede corregir utilizando una cámara con
en la imagen de izquierda a derecha sigue un panel de objetivo elevable o un objetivo
la dirección natural de la vista y parece descentrable, aunque siempre se necesita
que lleva la mirada a su destino. En una algún grado de convergencia para evitar
fotografía de este tipo, una figura que que el edificio parezca distorsionado.
se acerca hacia la persona que mira La utilización de programas de edición de
la imagen, parece que regresa, que imágenes permite un grado de corrección
se aleja de algo. con un mínimo sacrificio de calidad.
Cuestiones básicas
La perspectiva y los objetivos

El desarrollo de la perspectiva formal proporcionó a los artistas una manera de añadir
profundidad a las imágenes, de plasmar de forma realista la tercera dimensión en la superficie
plana del lienzo o del papel. El llamado objetivo «estándar» ofrece la perspectiva más
cercana a la visión «normal» cuando se mira una fotografía de 25 x 20 cm a una distancia
de aproximadamente 80 cm. 50 mm es la focal estándar para las cámaras de 35 mm.
Ángulos de visión, desde gran

angular a teleobjetivo.
Hoy en día, estamos acostumbrados a interpretar imágenes y a aceptar incluso perspectivas

extremas. A muchas personas les gusta la perspectiva comprimida de los objetivos de
longitud focal larga o incluso las características imágenes circulares propias de los ojos de pez.
Un teleobjetivo aplana la perspectiva y da la sensación de que acerca el primer plano al fondo.

Si se quiere insertar un objeto en el entorno, se puede utilizar un teleobjetivo para eliminar
la perspectiva; los objetivos con una longitud focal muy larga permiten lograr una aparente
relación entre objetos que, en realidad, están bastante separados entre sí.
Un gran angular hace que los objetos que están en primer plano parezcan mucho más
grandes de lo que son en realidad, y al captar los elementos del fondo enfatiza los efectos
de la perspectiva. Un zoom simplemente tiene varias longitudes focales (en las cámaras
digitales la W indica gran angular y la T, teleobjetivo).
La perspectiva 30 31
Ejercicio con diferentes

longitudes focales
Los objetivos de diferentes
longitudes focales ofrecen
distintos ángulos de visión.
Sin mover la cámara,
lo único que se consigue
con un cambio de longitud
focal es recortar la imagen
{véanse las cuatro
fotografías superiores).
Si se mueve la cámara,
se mantiene el sujeto
del mismo tamaño en el
encuadre y esto modificar la
relación entre el sujeto y el
fondo (véanse las cuatro
imágenes inferiores).
Ficha técnica: Nikon D100,
varios objetivos zoom y de focal
fija Nikon, 1/250 s, f8, ISO 200.
Cuestiones básicas
La perspectiva y el rostro que permiten al fotógrafo mantenerse a

Los objetivos de diferentes longitudes cierta distancia del sujeto. Es posible hacer
focales afectan de forma bastante radical un retrato íntimo sin invadir el espacio de
a las imágenes del rostro. Cuando se hacen la persona retratada, que así se mantiene
retratos, es importante considerar la forma relajada y saldrá bien en la fotografía.
en que la longitud focal del objetivo afecta
las proporciones de la cara. No es ninguna Los objetivos de longitud focal más larga
casualidad que a los teleobjetivos de focal que los utilizados en el retrato estiran
corta se les denomine «objetivos para la perspectiva y confieren al rostro una
retratos». Estos objetivos plasman el rostro sensación aplanada, de «pan». Por otro
con una perspectiva que aplana las lado, la desventaja de los objetivos gran
facciones y es muy parecida a la forma en angular es que el fotógrafo tiene que estar
que vemos un rostro cuando lo miramos de físicamente más cerca del modelo para
pie y a una distancia cómoda, es decir, sin lograr un retrato que llene el encuadre, lo
invadir el espacio del modelo. Los objetivos que enfatiza las partes de la cara que están
de entre 75 y 105 mm son ideales para hacer más cerca de la cámara. En general, este
retratos, pues proporcionan una perspectiva tipo de imágenes suelen resultar extrañas.
natural en encuadres cerrados. Estas focales Por esta razón, las cámaras compactas con
tienen la ventaja adicional de una menor objetivo fijo son perfectas para fotografiar
profundidad de campo. Esto significa que paisajes, pero suelen desfavorecer a la
a casi todas las aberturas el fondo está gente. Si trabaja con un zoom, escoja
desenfocado. Otra segunda razón por la que la distancia focal más larga a no ser que
estos objetivos funcionan bien en retrato es quiera lograr intencionadamente este efecto.
28 mm 50 mm 90 mm 180 mm
Longitud focal y retrato

Los objetivos de 70 a 105 mm (formato de 35 mm) dan al rostro las proporciones que esperamos
ver cuando miramos a una persona de pie y a una distancia cómoda. Los objetivos con estas
distancias focales se suelen llamar «objetivos para retrato». Si con un gran angular se quiere hacer
un retrato del mismo tamaño, hay que acercarse mucho más al modelo, lo que distorsiona las
proporciones de la cara y, en el caso de un teleobjetivo, se aplana la perspectiva del rostro.
Ficha técnica: Nikon D100 con varios objetivos Nikon zoom y de focal fija, 1/60 s, f6,7, ISO 200.
La perspectiva 32_33
Hutu (superior)
Un gran angular, un punto de vista cercano y el encuadre hacen que la persona que mira la fotografía
sienta una incómoda cercanía con respecto al rostro de este hombre de la etnia hutu, cuyo rostro
presenta las cicatrices por un ataque con machete. Su delito fue oponerse
a la matanza de hutus moderados y al genocidio de los tutsis en Ruanda.
Fotógrafo: James Nachtwey/VII.
Ficha técnica: no se ha facilitado.
La escala 34_35
La escala
El tamaño y la escala ofrecen muchísimas oportunidades creativas para los fotógrafos
imaginativos. A todos nos fascinan los tamaños extremos y, a pesar de su reputación
de no mentir nunca, desde las primeras épocas de la fotografía, la cámara fotográfica
se ha utilizado para lograr imágenes que reducen o exageran el tamaño.
Nos hacemos una idea del tamaño comparando objetos de la imagen. Sin este tipo de pistas,
no hay un punto de referencia y se ha de adivinar el tamaño de lo que se contempla.
Los fotógrafos de paisaje a veces utilizan esta técnica: al eliminar el horizonte de la imagen
y reencuadrar el paisaje, recrean un mundo con una escala ambigua.
Los fotógrafos confunden muchas veces deliberadamente al observador cuando éste ha de interpretar
el tamaño. Irving Penn y Patrick Tosani han creado imágenes de objetos cotidianos, como colillas de
cigarrillos y cucharas, que en sus iluminados primeros planos adquieren cualidades clásicas, muy
alejadas de sus funciones habituales.
Objetivo {página anterior)

¿Se trata de una vasija de jade mexicana o bien de una pieza arqueológica? La iluminación,
el punto de vista y la falta de referencia respecto al tamaño hacen que este objeto parezca
mucho más grande y más importante de lo que realmente es: un botón de plástico de 2 cm
de un anorak, envejecido por el sol y la tierra (se encontró enterrado en un jardín).
Ficha técnica: Nikon D100 con objetivo Micro-Nikkor de 60 mm, 1/180 s, f 19, dos flashes con difusores.
Mujer y barco {izquierda)

El gran tamaño de este
crucero no resultaría tan
aparente de no ser por
la diminuta pasajera que
puede verse en la parte
superior izquierda de
la imagen. De hecho, sin
esta referencia de la escala,
podría confundirse el
transatlántico real por una
maqueta. Corfú, Grecia.
Fotografía: Stephen Col!.
Ficha técnica: Bronica S2a
Nikkor-P 200 mm, Fuji Provia
F200.
Elementos formales r>
La mezquita de Córdoba (superior)

Todos los elementos formales se han encuadrado, equilibrado y organizado cuidadosamente, (las
columnas y la bóveda de crucero de la catedral y antigua mezquita de Córdoba).
Fotógrafo: Marión Luijten.
Ficha técnica: gran angular de 24 mm, 1/20 s, f6,7, ISO 800.
36 37
No es muy habitual encontrar una imagen que utilice exclusivamente uno de los
elementos formales de la composición. Las mejores imágenes son una notable
combinación de ingredientes. Analizar cómo se puede incorporar cada uno de
los elementos en la imagen nos ayuda a comprender el proceso de la composición. En
el mundo del arte, los elementos formales son: la línea, la forma, el volumen,
el espacio, la textura, la luz y el color.
_a linea puede estar marcada en La forma es un área definida

I papel o ser el limite sugerido por uno de los otros elementos,
por el contorno de una imagen. generalmente la línea; también puede
estar compuesta por luz, textura
o color. La forma tiene masa.
La luz es un ingrediente La textura es una característica

En el arte bidimensional, si se fundamental de la fotografía. de la superficie que se hace
sombrea un contorno se crea la Los fotógrafos se refieren aparente por la interacción de
ilusión de volumen. El espacio es al tono claro u oscuro de la luz y la superficie. Por ejemplo,
bidimensional o tridimensional, un gris o un color como el metal pulido y el cristal reflejan
pero casi siempre se refiere «tono», (los pintores como luz, mientras que el terciopelo
a la representación de la tercera «valor»). En fotografía, los aparece mate y suave. El color
dimensión sobre un lienzo. cambios en el nivel de luz se identifica como el resultado
El espacio negativo es la sobre la superficie de un objeto de la respuesta del ser humano
ausencia de volumen, y las áreas tridimensional crean ilusión a las longitudes de onda de la luz
inscritas son formas positivas. de volumen. y afecta nuestro estado anímico.
Elementos formales O
El punto de tono. El centro visual de una zona con

En su más pura forma fotográfica, un punto un tono uniforme es fácil de determinar;
(o una marca, como se denomina en el arte) sin embargo, si aumenta la densidad de
es el primer y único lugar donde el material tono o de textura, el punto virtual central
fotosensible cambia debido a su reacción a la se desplazará hacia esa concentración.
luz (se convierte en un diminuto punto de luz
sobre un fondo uniforme). La ubicación del punto en una imagen puede
tener un gran impacto en la forma en que
Los objetos pequeños también pueden ser el observador la interprete. La dirección
puntos. La imagen de un guijarro en una de la sombra -si hay- puede determinar
playa es un punto más que una pequeña la «propiedad del espacio». De ese modo,
área de tono. El simple punto llama la el punto puede aparecer más cerca o bien
atención sobre sí mismo, pues es la única parecer estático si se mueve hacia el borde
concentración de detalle en una imagen de inferior del encuadre.
otro modo vacía. El mensaje que transmite
la imagen de un solo punto es, por lo general, Las imágenes raramente se componen
de un aislamiento abrumador. alrededor de un solo punto en un fondo
uniforme. Sin embargo, al ampliar la definición
Grandes áreas pueden tener un punto de punto a un área pequeña de detalle
central que funciona de una forma parecida concentrado, algunas de las composiciones
a un simple punto. Éste es el punto virtual más intensas utilizan un punto para transmitir
en el «centro de gravedad» óptico de la zona información sobre el todo.
El punto 38_39
«La mancha es el resultado del primer contacto de la

herramienta con el material, con la superficie básica.»
Wassily Kandinsky (artista)
Vestíbulo de la sala
de turbinas de la Tate
Modern, Londres [derecha)
El único punto donde el
detatalle se concentra lo
constituye la forma aislada
de un hombre en la inmensa
sala de la Tate Modern.
Fotógrafo: Paul Stefan.
Ficha técnica: Canon EOS 20D,
Objetivo Canon EFS 17-85 mm,
1/60s, F6,3, ISO 800, ligero
control local de exposición
(reservas y quemados en
Photoshop).
¡Ay! (página anterior)

El motivo central es la
piedra atrapada en la grieta.
La roca da la sensación
de aprisionar la piedra y, de
este modo, crea una nueva
dinámica en una imagen
muy simple.
objetivo Micro-Nikkor 60 mm,
1/80 s, f11.
Elementos formales
Puntos y líneas ópticas precisamente para evitar esta posibilidad.

En cuanto se introduce un segundo punto Para ello es necesario reencuadrar la imagen
en una imagen, se establece una relación antes o después de la toma.
entre éste y el punto existente. Ahora ya no
es posible tratarlos com o dos puntos Según lo relacionados o lo separados que
aislados. Están conectados estén los dos puntos dentro del encuadre,
por una línea virtual que se suele denominar el observador tendrá que imaginar su
«línea óptica». En términos de composición, relación, influido por la posición de la línea
las líneas virtuales son tan importantes virtual entre ellos. Si están muy separados
com o las reales. en cualquiera de los extremos superiores
del encuadre, la imagen se interpretará de
Las cualidades de la línea óptica, de su una forma diferente a si están situados más
dirección y de su ángulo se interpretan cerca en cualquiera de los extremos
com o si se tratase de una línea real, lo que inferiores.
afecta a la relación entre los dos puntos.
De hecho, en algunas imágenes se puede La línea virtual con más fuerza de cualquier
introducir una relación involuntaria. La línea imagen es la que marca la mirada. Todos
óptica es el equivalente en composición a miramos para ver dónde miran los otros;
poner unas pesas en cada uno de los dos es una respuesta a nuestro instinto de
objetos, cualesquiera que sean (la mirada supervivencia y también para satisfacer
se desplazará entre los dos, comparando). nuestra curiosidad. En los retratos de
Esta tendencia se intensifica si los dos dos personas, la relación entre los dos
puntos son en algún aspecto similares individuos es como la que existe entre dos
(en color o en textura, por ejemplo). sencillos puntos y, si se comparte la
En ocasiones es preferible excluir mirada, todavía se refuerza más la relación
un segundo objeto de la composición implícita.
¡Muu! {izquierda)
Una línea óptica une a las
vacas diagonalmente en el
campo. El árbol del fondo
actúa como punto en su
«frase» y da escala a la fila
de animales más pequeños.
El grueso y el tono de la
copa equilibra la vaca que
se encuentra en primer plano.
Fotógrafo: Jorge Coimbra.
Ficha técnica: Canon
Powershot G3 1/125 s, f4,5,
ISO 50.
Viento del sur (inferior)
Una línea óptica une el
contra de las cabezas de las
dos mujeres. Sus miradas
también producen una serie
de líneas ópticas que se
dirigen a un punto que
queda fuera del encuadre.
Su cercanía y su postura
sugieren que comparten
algo, pero que ahora están
distraídas.
Fotógrafo: Karl Facredyn.
Ficha técnica: Canon D60 con
objetivo Canon de 35 mm, f/1,4L.
Fotografía iluminada con la luz
del sol que entraba a través de
las ventanas.
Elementos formales
Grupos un grupo de objetos parece inestable,

Igual que dos puntos están unidos por una la imagen resultará vulnerable y transitoria,
imaginaria línea óptica, creamos formas lo que creará tensión. Por el contrario,
a partir de sencillos grupos de objetos. Es si la distribución de los componentes es
lo que los psicólogos denominan «cierre». estable, el efecto general emanará fuerza
y tranquilidad. Cuando se componen
Al componer una imagen es importante imágenes con varios objetos distintos
tratar la forma general del grupo y no sólo en el fondo -tanto si se trata de un paisaje
los objetos individuales. Tres piedras en como de un bodegón-, hay que considerar
una imagen crean una forma, un triángulo. la forma en que se agrupan los elementos
La composición resultará estable o bien y si se quieren utilizar para crear tensión
inestable según la disposición del triángulo o calma.
(dependiendo de si el triángulo en sí mismo
parece estable o inestable). Un triángulo Uno de los efectos más difíciles de
invertido es de por sí inestable, mientras lograr en los bodegones es crear una
que un triángulo con una base amplia composición natural. Si experimenta con
resulta firme. Si coloca cuatro guijarros un puñado de guijarros, verá que cuando
sobre un fondo, formarán un rectángulo intenta colocarlos de forma natural va
invisible y su forma y sus propiedades creando dibujos. Es muy difícil conseguir
provocarán una respuesta en la una composición genuinamente natural
composición final. al azar. Esto demuestra con qué fuerza
buscamos dibujos y estructuras. El hecho
Cuando hay grupos de objetos, de seleccionar un número indeterminado de
el cerebro considera la forma como un objetos cuando se fotografían grupos
objeto completo. Si la forma creada por contribuye a evitar la regularidad.
Los dos puntos están unidos por una línea óptica. Si se introduce un tercer punto, surge un contorno,
Dada su equivalencia, sólo se les puede considerar en este caso un triángulo inestable.
como los extremos de una línea.
Manzana s polaroid (superior)
Grup o de manzana s en un frutero de madera ; si se muev e una, la composició n amenaz a co n desmoronarse
.
Ficha técnica: transferencia Polaroid Poiacolor ER de una diapositiva de 35 mm Kodak Élite Chrome Extra
Color 100 en papel de acuarela Fabriano prensado en frío.
El cuarto punto forma un rectángulo estable. Con tres puntos más, hay dos grupos de puntos
Independientemente de la distancia entre el cuarto basados en propiedades similares. El rectángulo
punto y los otros tres, la figura no se interpreta como original se mantiene, unido por un triángulo
un triángulo y un punto aislado. La línea original ha Inestable. El nuevo grupo, basado en el color
desaparecido, aunque sus extremos no se han movido. o la forma, se considerará un contorno distinto.
La línea tono. Una de las líneas más importantes en
Las líneas pueden ser reales o virtuales, la fotografía es la del horizonte. El horizonte
como las líneas ópticas que unen dos entre el mar y la tierra suele ser una línea
puntos. Las líneas forman los contornos de real y hay que alinearla con cuidado en las
los primeros dibujos que realizamos sobre imágenes. Si es una zona de agua y está
el papel; sólo más adelante, si seguimos inclinada de una forma poco natural, el
practicando, aprendemos a dibujar con observador encuentra la imagen molesta.
tonos y sombras para representar el El agua sólo queda bien en un plano
volumen. Incluso los pintores utilizan simples totalmente horizontal. Cuando el horizonte
líneas en sus bocetos. Éstas pueden tener verdadero queda detrás de una cordillera
diferentes cualidades: marcadas, continuas, de montañas, la línea del horizonte queda
suaves e incluso intermitentes. implícita; en este caso, es importante nivelar
la cámara con el horizonte invisible para
Las líneas son, en realidad, una crear una imagen estable que no parezca
construcción mental. Nuestro sistema que se sale de la copia. Esto resulta
visual, controlado por el cerebro, actúa especialmente difícil cuando se tienen
para simplificar el caótico revoltijo visual delante costas abruptas y cordilleras
de nuestro mundo. Para ello, enfatiza montañosas (algunos fotógrafos utilizan
los bordes y los contornos de los objetos en estos casos un nivel de burbuja en el
y minimiza las zonas de tono constante cuerpo de la cámara).
en un procedimiento denominado
«inhibición lateral». Éste explica en parte Algunas de las líneas que tienen más fuerza
por qué dibujamos con líneas cuando en la vida cotidiana son el rastro efímero que
en la naturaleza no hay muchas líneas reales dejan los aviones al surcar el cielo. Para los
y es más probable que simplemente sean fotógrafos que quieren plasmar un paisaje
el límite visual entre una zona tonal y otra. eterno, estas líneas son un incordio; no
En Photoshop, el comando Hallar bordes obstante, pueden añadir espectacularidad a
funciona más o menos del mismo modo: una imagen del cielo. Los tendidos eléctrico
consiste en encontrar grandes diferencias y telefónico también pueden quedar bien
numéricas en los datos de la imagen que en una imagen.
representa los bordes de los bloques de
Hay pocas líneas verdaderas en las imágenes (1 y 3),

pues la mayoría son en realidad líneas divisorias
entre áreas de tono (2 y 4).
Hacia el cielo [superior)
Este original punto de vista enfatiza directamente las líneas que conforman los cables de suspensión
del puente Swan (Erasmusburg), que une el norte y el sur de Rotterdam. Las líneas irradian de un
solo punto de interés, cuidadosamente colocado, hacia ios cuatro extremos
del encuadre.
Fotógrafo: Wilson Tsoi.
Ficha técnica: Nikon D70 con objetivo Nikkor 18-70 mm, f3,5-4,5G, AF-S, 1/160 s, f16, ISO 200.
En Photoshop se incrementa ligeramente la calidez utilizando el Equilibrio de color.
Elementos formales O
El significado de las líneas en que parece que se van a caer en

De la misma forma que consideramos que cualquier momento.
la imagen de un objeto plasma el objeto
verdadero, tratamos las líneas de una A las líneas sinuosas en forma de
imagen como fuerzas conocidas del «S» también se las denomina «curvas
mundo real, como si la gravedad serpenteantes». Su interpretación depende
o el viento, actuasen sobre ellas. de su orientación dentro del encuadre;
si están colocadas en sentido vertical,
Hay dos estados de equilibrio para las líneas reflejan fuerza y un equilibrio dinámico,
rectas; uno de ellos son las líneas verticales, como los músculos que actúan unos sobre
que representan un equilibrio de fuerzas otros. Horizontalmente, son onduladas
y son estáticas (las fuerzas se equilibran como las montañas o los ríos que fluyen a
para mantenerlas derechas). lo largo de un paisaje, o como las suaves
curvas de un cuerpo recostado. Estas
Una línea suavemente curvada muestra líneas muestran la acción de grandes
la acción de fuerzas desiguales que la fuerzas que se mueven con lentitud.
curvan hacia un lado (cuanto mayor sea
la curvatura, mayor será la fuerza aparente). Las líneas en zigzag evidencian una fuerza
Sabemos la dirección de la fuerza por negativa y pueden resultar emocionantes,
lo que conocemos de la naturaleza, esto tormentosas o inquietantes. Representan
es, que la línea se curva se aleja de la la energía concentrada.
fuerza. La línea curva es estable, pero
cede a la fuerza que actúa sobre ella. Por último, las líneas horizontales son las
más estables. Responden a la gravedad
Las líneas inclinadas son dinámicas. Son y no se mueven.
más inestables aproximadamente a 45°,
Línea vertical Línea ligeramente curvada Línea dinámica inclinada Línea en forma de «S»
Línea en zigzag Línea horizontal
Fuerzas invisibles {superior)
La tensión dinámica de esta imagen se basa en la forma y el ángulo del árbol provocados por
los fuertes vientos. Otro punto que añade interés a la composición es el hecho de que el árbol
parece que ha adoptado la forma de la roca que tiene debajo, como si una fuerza invisible
lo hubiese moldeado.
Fotógrafo: Michael Trevillion, Trevillion Images.
Ficha técnica: Olympus OM1 con objetivo de 50 mm, 1/125 s, f8, película infrarroja Kodak de 35 mm.
Durante la exposición en el cuarto oscuro se quemó ligeramente el cielo y se suavizó la imagen con
un filtro soft focus.
Elementos formales
Diagonales
Las líneas en ángulo introducen cierto grado
de movimiento. Las diagonales constituyen
un caso especial, pues son líneas que van
más o menos de un extremo a otro de la
imagen, dan la sensación de que la línea
se desplaza y esto crea una sensación de
expectación, de movimiento y de tensión
en lo que de otro modo sería una imagen
estática. No es necesario que sean líneas
reales, pues los puntos en diagonal parece
que siguen la línea óptica que los une.
Las diagonales aparecen en las imágenes

en una o dos formas. En el mundo real,
pueden fotografiarse en su orientación
verdadera. Por otro lado, las líneas que en
el mundo real son horizontales o verticales
pueden inclinarse para formar diagonales.
Inclinar una Imagen en el encuadre se ha
convertido en fotografía en sinónimo de
energía y dinamismo, y algunas veces
también de desorientación. Una cosa tan
sencilla como encuadrar en diagonal
la imagen de un vehículo aparcado da la
sensación de que se está moviendo.
En la cultura occidental, los ojos están

acostumbrados a mirar una página con
texto empezando por el extremo superior
izquierdo hasta llegar al extremo inferior
derecho, y lo mismo hacemos en el caso de
rectángulos vacíos. Las líneas diagonales
que van en la misma dirección que la mirada
reflejan un orden, pero no tienen el mismo
impacto que las que siguen la dirección
contraria a la de nuestra mirada. Las que
van desde el extremo Inferior izquierdo
de la imagen al extremo superior derecho
se consideran más dinámicas y
proporcionan una mayor sensación
de movimiento.
La línea 48 49
Gran Premio de Reino Unido (superior)

Aunque lo normal es dejar un poco de espacio delante del objeto en movimiento, el fotógrafo
ha situado el coche lo más cerca del borde del encuadre con la finalidad de acentuar la
sensación de velocidad. Aplicando la técnica de barrido se consigue registrar el sujeto con
nitidez, incluso a una velocidad de obturación relativamente baja.
Fotógrafo: Davis Elsworth.
Ficha técnica: Nikon D100 con objetivo Sigma 70-300 mm, ISO 400,1/20 s, f8.
Elementos formales
Curvas y significa «ola». Cuando el agua erosiona

Una sencilla curva puede tener dinamismo, las rocas con la acción de las olas se crean
pero de algún modo calma y ralentiza curvas sensuales. Los fotógrafos han
la acción. Debido a la asociación que encontrado en las rocas erosionadas por
hacemos de la línea curva con las curvas el agua una fuente de imágenes que tiene
del cuerpo humano y con las siluetas de cierta afinidad con las formas del cuerpo
los valles y las montañas, la relacionamos humano. Estas curvas reflejan una armonía
con la belleza y lo sensual. y una calma que resultan muy agradables.
La «línea de la belleza» sobre la que Cuando la forma «S» se encuentra en el

el artista Willian Hogarth escribió plano de perspectiva de la imagen y está
extensamente es una doble curva escorzada, por ejemplo en la imagen de
o una «S» plana (una curva «compuesta», un río serpenteante, sugiere una progresión
a diferencia de una curva «simple»). natural y tranquila, ofrece una sensación
Se considera que la curva ideal es la que de intemporalidad sin que la imagen resulte
forma la parte inferior de la espalda con estática. No se necesita una línea real
la parte superior de las nalgas, que es más o absoluta, simplemente la sugerencia
o menos igual en el hombre y en la mujer. de una curva en la que se ubican con
Si la colocamos en sentido vertical, esta cuidado los puntos de interés.
curva compuesta resulta perfectamente
equilibrada. La gravedad la recorre, pero Dos curvas de la belleza juntas sugieren
parece resistir su fuerza. A la curva de pulcritud, labios que besan o, juntas por
la belleza también se la denomina «cima» la parte trasera, el movimiento ascendente
(cyma), palabra que proviene del griego y titilante de la llama.
Eleanor 1947 (página siguiente)

Fotografía de la serie de desnudos que Harry Callahan hizo de su mujer. En ella, la forma
femenina se ha reducido ingeniosamente a la simplicidad de una línea vertical algo curvada
y de la que parten otras líneas más cortas. El encuadre hace que la imagen resulte un poco
abstracta y que el observador se pregunte sobre su contenido.
Fotógrafo: Harry Callahan.
La línea 50 51
Elementos formales
Líneas de fuga Cuando miramos una fotografía, la forma en

El concepto de «línea de fuga» es uno que examinamos los diferentes elementos
de los más antiguos en la composición varía considerablemente, tanto como el
fotográfica. Es también uno de los más tiempo que utilizamos para analizar cada
difíciles de desacreditar, a pesar de que ha elemento. Algunos experimentos sobre el
sido cuestionado por pruebas científicas. movimiento del ojo humano muestran
que la mayor parte del tiempo se invierte
Las líneas de fuga, cuya función es la de contemplando las partes de la imagen que
dirigir la vista al sujeto real, son un mito de tienen más detalle, contraste o curvas.
la fotografía. En 1973, Andreas Feininger, El espectador puede ver otras cosas en la
uno de los mejores especialistas en imagen aparte del motivo principal del autor
fotografía de su época, escribió: «Toda se puede sentir interesado por aspectos
la teoría de las líneas de fuga es una del motivo central totalmente distintos
falacia». A pesar de todo, el concepto a los que el autor pretende mostrar.
todavía se presenta como un hecho en Si la imagen tiene un título, el espectador
los artículos de las revistas de fotografía estará predispuesto a examinarla de una
y en las páginas web. Las investigaciones forma concreta (lo que aporta en términos
que se han realizado al respecto utilizando culturales ejerce una gran influencia
cámaras en miniatura para fotografiar en la forma en que «ve» la fotografía).
los movimientos oculares han demostrado Se suele mirar un retrato de la misma
que en las imágenes no buscamos líneas, forma en que se mira otro rostro humano,
ni verdaderas ni imaginarias. De hecho, centrándose en el contacto de las miradas,
nuestra mirada se siente más atraída sólo que una imagen no devuelve la
por los ángulos que por las líneas rectas. mirada, de modo que la relación es mucho
El espectador suele «penetrar» en la menos intensa. El psicólogo ruso Alfred
imagen en las zonas pequeñas de alto Yarbus utilizó el cuadro de la página
contraste (que potencialmente son siguiente, obra del pintor naturalista ruso
características significativas) y mira llya Repin, para realizar un experimento
directamente a la parte de la imagen con objeto de determinar las pautas
que primero le llama la atención. de esta forma de mirar.
La línea 52 53
La mirada del espectador examina Esta pauta muestra cómo Aquí se muestra la pauta
el cuadro sin ningún tipo de el espectador miró el cuadro del movimiento ocular creada
instrucciones. En este caso, se cuando se le pidió que calibrase cuando al espectador se le pidió
llegó a la conclusión de que los la situación económica y la clase que calculase la edad de los
espectadores no utilizaron las social de la familia representada personajes del cuadro.
marcadas líneas de perspectiva en el cuadro.
del suelo como «líneas de fuga».
Elementos formales
La forma
La forma se suele definir junto con uno de
los otros elementos formales, como la línea.
Las formas se delinean, pero también
pueden estar compuestas por una zona de
tono uniforme o gradualmente cambiante.
Un foco de luz, un pequeño trozo de textura

o una pincelada de color pueden representar
una forma. Lo que ya hemos dicho sobre
curvas y líneas en zigzag se puede aplicar
también a las formas curvas o irregulares.
Igual que sucede con las líneas reales y las

líneas ópticas, también pueden haber en
las imágenes formas verdaderas y formas
virtuales. En la página 42, en el apartado
«Grupos», hemos visto cómo se creaban
las formas mediante puntos situados en los
extremos de las formas y que demarcan un
área del fondo, que, de otro modo, sería lisa. Triángulo de suculenta (superior
Y de la misma manera que intentamos Tres centros ópticos producen una
ver rostros en las llamas, a nuestro sistema disposición triangular estable; sin embargo,
activo de procesamiento visual le encanta el el triángulo invertido de color en la parte
reto de la ambigüedad e intenta solventar superior introduce una dinámica inestable
el rompecabezas buscando formas en este primer plano de tres fases del
reconocibles. crecimiento floral de la suculenta.
Los artistas tratan la forma como formas Ficha técnica: Nikon D1UU, Micro-Nikkor 60 mm,
geométricas o naturales. Las abstractas luz baja de una tarde de verano, 1/10 s, f32.
son, por lo general, formas naturales
que de alguna manera se han simplificado.
Muchos fotógrafos han estudiado las formas
orgánicas naturales para profundizar en
su geometría.
Un método fotográfico bastante común

consiste en fotografiar un objeto que tiene
la forma de otro, como, por ejemplo, una
nube que parece una cara. Estas imágenes
tienen el mismo atractivo que las ilusiones
ópticas basadas en la interpretación de un
rostro o un cuerpo humano en algo totalmente
diferente; lo que fascina es no poder ver
ambas formas de la imagen a la vez. Disposición formada por un triángulo estable y otro ¡nestab
La forma 54_55
Pose (superior)
Esta fotografía forma parte de un «episodio». Una vez que reconocemos la forma simplificada
de un gato negro, sabemos que un ejemplar en esta postura está a punto de saltar.
Ficha técnica: Canon Powershot G3,1/800 s, f8, ISO 50.
Elementos formales
Dominio del tamaño y el tono algún aspecto o gradación tonal, hasta el

En cualquier imagen, dos zonas de punto de «sugerir» lo que no está o lo que
aproximadamente el mismo tamaño y podría estar. El espectador asociará los
tono resultarán equilibradas. El equilibrio puntos individuales, sobre todo los de
se inclinará por una zona de mayor tamaño o tono parecido, y los considerará,
tamaño, por una de mayor densidad desde el punto de vista del equilibrio, como
de información (más detalle) o bien por una sola entidad.
una que es marcadamente más oscura o
clara que el resto de la imagen. Los pintores El ojo busca de forma instintiva el equilibrio
denominan a esta cualidad «atracción». en una imagen, que puede ser estático o
Algunos elementos atraen más atención dinámico. El primero es el que se encuentra
que otros. El contorno, las líneas, el tono, en imágenes puramente simétricas, con
la forma, la densidad y la complejidad del sus elementos iguales situados a ambos
dibujo y el color desempeñan un papel lados de una línea o eje central (más
importante en el equilibrio, que, aunque adelante nos ocuparemos de este tipo de
resulta difícil de cuantificar, es más fácil imágenes, de sus aspectos positivos y
de identificar en imágenes con una buena de los negativos). El equilibrio dinámico,
composición. a su vez, se logra cuando a los objetos
con una atracción desigual se les ofrece
La ubicación también es importante. Si cierta equivalencia. Esto se puede hacer
tenemos dos elementos iguales, el más aumentando la atracción de uno de los
cercano al borde será el que ejercerá una objetos colocándolo cerca de un lugar
mayor «atracción». Cada parte de una geométrico importante dentro del
imagen tiene algún grado de atracción, encuadre (el punto de interés) o bien
e incluso un fondo «vacío» presentará cerca del borde del encuadre.
Cuando elementos formales con las mismas

cualidades y en la misma cantidad se encuentran
alrededor de una línea central -el eje central o fulcro-,
se considera que la imagen tiene «equilibrio estático».
Este tipo de imágenes resulta agradable de mirar,
pero no impactante.
Una imagen también puede tener equilibrio aunque sus

elementos formales no tengan las mismas cualidades
ni estén presentes en la misma cantidad si se desplaza
el punto de equilibrio de la imagen. En este ejemplo, un
objeto pequeño y denso equilibra a otro más grande y
más ligero. Esto se conoce como «equilibrio dinámico»
y confiere fuerza y tensión a la Imagen.
La forma 56_57
Equilibrio (superior)
Equilibrio dinámico aplicado al primer plano y al fondo de una fotografía. No se puede juzgar a lo
largo de una línea horizontal en una imagen, sino en los planos de esta misma. Un objeto pequeño
y más oscuro en la distancia equilibrará un objeto más claro y más ligero en primer plano.
Ficha técnica: Canon Powershot G3, 1/125 s, f4, ISO 50.
Elementos formales
Formas negativas debido a que el cerebro, incapaz de retener

Si las personas se encuentran en un las formas positivas y negativas, no puede
campo de visión totalmente homogéneo, decidir cuál es la más importante.
se desorientan (algunas veces les pasa
a los pilotos y los esquiadores cuando La elección del punto de vista contribuye
hay ventiscas y tormentas de nieve). a distinguir o a enfatizar la relación entre
Nuestro sistema de visión necesita algo el sujeto y el fondo. Cuando se hace una
en lo que fijarse. fotografía, se pueden realzar las formas
positivas y las negativas con la iluminación
Nuestro mundo visual consiste para lograr una mayor separación tonal
en numerosos ejemplos de sujetos que entre el sujeto y el fondo. La película de
vemos sobre un fondo. Escogemos el alto contraste o las curvas personalizadas
sujeto según la motivación. Lo que un en una cámara digital también se utilizan
fotógrafo denomina «sujeto» y «fondo» es para aumentar la diferencia. En la fase
lo que un psicólogo denominaría «figura» de impresión, el papel fotográfico de alto
y «entorno». Los pintores se refieren contraste permite reducir las sombras
a la misma idea en términos de forma y las texturas finas que determinan
«positiva» y «negativa». Si el sujeto de la manera en que se plasma la forma. La
la fotografía es la forma positiva, entonces manipulación del contraste y del umbral
el fondo es la negativa. La ilusión óptica ofrece más o menos el mismo control
de la figura y el entorno crea tensión en las imágenes digitales.
Ambigüedad (izquierda)
Figura y entorno al revés
en una fotografía real: se
trata de una mano, pero
¿los dedos son claros
u oscuros?
zoom Nikon 70-300mm,
1/125 s, f4, ISO 200,
desenfocada a propósito.
La forma 58_59
Luces de la calle (superior)

Aunque la hilera de luces colocadas en el centro de la calle es el sujeto formal de esta imagen,
la forma negativa del cielo en los últimos momentos del atardecer, definida por la silueta
de los edificios, proporciona un gran atractivo a la fotografía.
Fotógrafo: Mellik Tamas.
Ficha técnica: Fuji Finepix S2 Pro, objetivo Micro-Nikkor 60 mm, 1/45 s, f4,8, ISO 400. En Photoshop
se reencuadró la imagen y se incrementaron los valores de nitidez y saturación.
Elementos formales
El volumen información de las luces y las sombras

Una forma definida por líneas, cambios para crear el mapa mental de un objeto,
de color o áreas de dibujo y textura sigue lo que nos permite tenerlo en la mano en
siendo un objeto de dos dimensiones lugar de tocar la superficie. Cuanta más
en una imagen. Cubre un área y se información logre captar un fotógrafo
considera que tiene «masa». Lo que hace sobre la forma en que la luz cae sobre
que una forma adquiera volumen es la un objeto, más real será la representación
introducción de sombras dentro de sus de dicho objeto para el espectador,
límites. El volumen es la representación quien también obtendrá algunas claves
de la tercera dimensión en la imagen del tono emocional de una fotografía
plana bidimensional. por la posición de la luz principal.
Cuanto más alta quede esta luz sobre
Gradación tonal el objeto, más alto estará el «sol» en el
Entendemos el modo en que la luz cae cielo. Por el contrario, una iluminación
sobre los objetos tridimensionales gracias baja se interpretará como la «tarde»
a la observación. Procesamos la y evocará tranquilidad.
Formas en la arena [superior y página siguiente)

Inteligentes observaciones fotográficas del volumen. Las luces y las sombras desempeñan
un papel importante a la hora de crear la apariencia de un sensual mundo tridimensional,
realzado por los colores y la textura. Estas fotografías captadas tan de cerca hacen que
estas formaciones geológicas casi parezcan de carne y hueso.
Fotógrafo: Stephen Coll.
Ficha técnica: Rolieicord de 1954 con objetivo Xenar de 75 mm. Ektachrome 400; Bronica S2a de 1960 con
objetivo Nikkor de 75 mm, Fuji Provia F 400.
El volumen 60 61
Elementos formales
Bodyland (superior)
El lenguaje fotográfico más sencillo -la sutil gradación de los valores tonales- permite transmitir
mucho y crear así una intensa reacción emocional en el espectador.
Fotógrafo: Tomas Rucker.
Ficha técnica: Fuji Finepix S5000, 1/140 s, f2,8, ISO 200.
Forma y tono
Las cualidades del volumen dependen de la
sutileza con la que el medio fotográfico
plasme el tono. La información sobre este
último se halla en la densidad de los haluros
de plata en la película o bien en un código
numérico digital. La película de grano fino
garantiza una información tonal sutil y, cuanto
mayor sea la zona negativa, mejor. Esto
explica por qué los negativos de 10 x 12 cm
y las cámaras de gran formato siguen siendo
los favoritos de los fotógrafos de flora y de
desnudos, pues en este tipo de fotografía
la clave está en la sutileza del tono.
En el caso de la fotografía digital, no resulta

tan sencillo, pues a mayor cantidad de píxeles
mayor es la información tonal. La calidad
del procesado digital en la cámara depende
tanto de la calidad de la información tonal
como del número de píxeles. Los modelos
antiguos profesionales y semiprofesionales
de 4-5 MP producen una tonalidad más suave
que los modelos modernos de gama baja de
7-8 MP. El tamaño físico de los píxeles en el
sensor digital y su ruido también influyen
en la nitidez de la imagen.
En el procesamiento de la imagen digital

se puede perder información tonal,
especialmente si el ordenador tiene que
inventarla (interpolación) cuando los niveles
o curvas no están bien ajustados; en ese
caso, la información tonal existente se amplía
para cubrir una variedad más extensa de
tonos y puede haber posterización, lo que
reduciría la nitidez y la sutileza de la variedad
tonal. El ojo humano medio puede ver
más de 65 tonos diferentes de gris, pero
probablemente menos de 100; los sistemas
digitales llegan a distinguir 256 niveles de gris
u 8 bits, pero se pueden ampliar los límites
si se escoge un gris de 16 bits, que ofrece
mayor seguridad y precisión matemática
para las manipulaciones.
Elementos formales
Cómo superar las limitaciones de la imagen bidimensional

Algunos de los movimientos artísticos del siglo xx tuvieron dificultades en lo que muchos
consideraron las limitaciones del arte realista. Los cubistas cuestionaron la idea de que el
arte debía reflejar la naturaleza; rechazaron la representación tradicional de la perspectiva
e intentaron simplificar la forma en sencillos cuerpos geométricos (el «cubo» del cubismo)
utilizando en sus imágenes múltiples puntos de vista. Pintores como Picasso y Braque
ejercieron una gran influencia en Alfred Stieglitz y su círculo de fotógrafos en Estados
Unidos. Los cuadros vorticistas parecían fotografías superpuestas manipuladas para crear
formas en movimiento en el mundo estático del lienzo.
A principios de los años setenta del siglo xx, el pintor inglés David Hockney experimentó
con cámaras Polaroid para analizar la perspectiva inversa y hacer alusión a los cuadros
cubistas de Picasso. Trató de romper los límites bidimensionales de la fotografía
plasmando una serie de imágenes tomadas alrededor de un objeto. Experimentó
con la perspectiva «inversa» creando retratos sorprendentes que daban la sensación
de que la piel se separaba del sujeto.
Anteriormente, había creado montajes de componentes de imágenes sobre una cuadrícula

estructurada en un estilo más orgánico. A estas imágenes las denominaba «joiners».
Resulta curioso, pero al hacer estas fotografías, estaba plasmando el paso del tiempo,
pues sus «joiners» son una combinación de imágenes del mismo sujeto tomadas con
diferentes puntos de vista y en distintos momentos.
Las cámaras digitales resultan especialmente apropiadas para captar secuencias de

imágenes que exploran la naturaleza tridimensional de un objeto. Con un programa
de edición de imagen es más fácil crear un lienzo digital en blanco donde volcar varias
imágenes para crear un «joiner».
lan lavándose el pelo, Londres, enero 1963 (página siguiente)

Este «joiner» amplía el espacio y el tiempo para crear una compleja narración dentro de
la imagen.
Fotógrafo: David Hockney.
El volumen 64_65
Elementos formales
Emilie (superior)
La textura no significa necesariamente madera rugosa o piedra. La iluminación frontal difusa
y una profundidad de campo reducida (enfoque sobre los ojos) suavizan las texturas de la piel
de esta joven modelo y del pelo de la capucha.
Ficha técnica: el equilibrio del blanco se ajustó en la conversión RAW para conseguir una luz más fría.
La textura 66_67
La textura
La vista y el tacto son dos sentidos que
se hallan muy relacionados. Debido a esta
fuerte conexión que desarrollamos en la
infancia, la representación de la textura
puede provocar, por asociación o por
recuerdos, una fuerte respuesta emocional.
A muchos espectadores, la textura muy
contrastada de la piel de serpiente les
provoca una reacción muy diferente a
la que les produciría la lana suavemente
iluminada. El fotógrafo puede exagerar la
textura con objeto de provocar emociones
o bien puede escoger unas condiciones
de iluminación que la reduzcan.
Cuando hablamos de textura, por lo general

nos referimos a la superficie de objetos
tales como rocas o madera. Sin embargo,
en una imagen la textura puede aludir a
características paisajísticas más amplias
o más expansivas, como, por ejemplo, los
surcos de un campo arado vistos de lejos.
Las diferencias entre texturas ayudan al
espectador a apreciar la profundidad y la
perspectiva de una imagen. Igual que el
fotógrafo especializado en arqueología
espera a que la luz incida oblicuamente
para revelar la sombra de una aldea
sepultada durante mucho tiempo, el
fotógrafo de paisajes aguarda a que el sol
ilumine las texturas de las dunas de arena,
las rocas y los campos de cultivo.
En el retrato, hay que tener cuidado con el

ángulo de la luz para no enfatizar en exceso
la textura de la piel si no es apropiado
para la imagen. El exceso de contraste e
iluminación lateral puede hacer que la piel
parezca más avejentada. Por el contrario,
una luz más suave dirigida directamente
al sujeto reduce dicho efecto.
Elementos formales
Ángulo y calidad de la luz La calidad de la luz también cuenta. Lo

Cuando la luz cae en ángulo sobre la importante no es el color o la dirección
superficie de un objeto, revela su textura de la luz, sino si es difusa o directa
(cuanto más cerrado sea el ángulo, más («omnidireccional», que se extiende
prominente será la textura). La luz directa en todas direcciones) o si proviene de
ilumina uniformemente los diminutos una sola fuente. Algunas fuentes de luz
salientes y entrantes de una superficie crean sombras duras y otras sombras más
con textura y la alisa. La iluminación lateral suaves, de modo que cada una revela
u oblicua provoca grandes sombras que la textura de una superficie de una forma
aumentan la textura de un objeto. Si la diferente. Las cajas de luz y la luz que pasa
textura tiene «grano» -la madera o la piel, a través de una ventana producen una
por ejemplo-, la luz siempre ha de estar iluminación favorecedora. Esta iluminación
orientada en ángulo recto con respecto «suave» se suele utilizar para los retratos
a la dirección del grano para revelar y en la fotografía de moda y de revistas,
totalmente su textura. donde es importante la textura de la piel.
Por el contrario, los focos proyectan sobre
los objetos una luz dura, lo que da lugar a
sombras muy marcadas, útiles para dotar
de más carácter a un rostro.
La luz incide en la superficie en ángulo recto e ilumina las cimas y los valles uniformemente.
La luz incide en la superficie con un ángulo oblicuo, de manera que cada cima crea una sombra
en el siguiente valle (micro contraste, textura).
Madera de deriva {página siguiente)

La luz baja del atardecer hace resaltar el grano de la madera y la pintura desgastada de esta
valla hecha con madera de deriva en Kippford (Escocia).
Ficha técnica: Nikon D100, Micro-Nikkor de 60 mm, 1/90 s, f4,8.
La textura 68_69
Elementos formales
El grano y el ruido son dispositivos analógicos que copian

Además de la textura del sujeto y de la la imagen, la dividen en píxeles y miden la
iluminación, la película también puede tener intensidad de los componentes rojo, verde
su propia textura. La película en blanco y azul de cada uno de los elementos de la
y negro está compuesta de racimos de fotografía (esta información se convierte en
cristales de haluro de plata, y la de color, digital tras ser procesada por un convertidor
de diminutas nubes de colorantes. analógico/digital). El ruido de fondo inherente
al sensor puede descomponer la imagen
La película con más sensibilidad a la con valores píxel erróneos, de ahí el «ruido»
luz tiene un grano más grueso. Éste visual. En general, los fotógrafos que utilizan
da estructura y muchos fotógrafos cámaras digitales consideran que el ruido
consideran que añade valor a la imagen. va en detrimento de la imagen y emplean
Los aficionados a la fotografía hablan de programas de reducción de ruido para
fotografías «granuladas», que son imágenes minimizar sus efectos.
con mucho grano y mucho contraste.
Ahora bien, el ruido también puede realzar
La fotografía digital también tiene su «grano», una Imagen. Hay quien incluso lo añade
denominado «ruido». Cuando una cámara en una fase posterior mediante programas
digital capta una fotografía con poca luz de edición. Las cámaras profesionales
y una exposición prolongada, el ruido de permiten ajusfar valores TSO elevados
fondo del sensor es casi tan intenso como que incrementan la saturación y el ruido,
la señal (la fotografía) que se está grabando. con lo que crean un efecto similar al de
Los sensores de las cámaras digitales las películas de color de alta sensibilidad.
La textura 70_71
Talla (derecha)
Este pequeño fragmento de
una talla de un santo estaba
colocado en un extremo
de una vitrina de un museo.
El alto nivel de ruido
cromático ha realzado
la imagen.
Ficha técnica: Nikon D100
Micro-Nikkor 60 mm, ISO 6400,
1/60 s, f4.
Mina de Grove Rake

(página anterior)
El grano de la película
proporciona más intensidad
a la densa lluvia en esta
fotografía de lo que queda
de la última mina de fluorita
en el norte del Reino Unido.
Ficha técnica: Leica R8
35-70 mm Vario-Elmar, Kodak
Tmax 3200, virado a sepia
digital.
El dibujo 72_73
El dibujo decir algo sobre el sujeto que se

Al ser humano le fascina el dibujo. Cuando fotografía. Contra toda lógica, lo que
miramos algo, las células receptoras atrae la atención del observador son las
de la retina reaccionan ante ciertas líneas, expectativas que no se cumplen, como,
ángulos, colores y movimientos bajo el por ejemplo, cuando la repetición de
control organizador de la corteza cerebral. un dibujo se interrumpe.
El atractivo de los rompecabezas visuales
y el carácter llamativo de los dibujos que El dibujo también se puede utilizar para
se entrelazan no hacen sino demostrar revelar volumen. La luz que pasa por
dicha fascinación. El cerebro humano está estructuras que se repiten, como las vallas
programado para comparar los elementos o los cristales de las ventanas, crea formas
de un dibujo y buscar las diferencias. fascinantes a medida que envuelve cada
parte repetida del dibujo. Un dibujo
Las fotografías que forman dibujos han pequeño repetido parecerá una textura.
de ser algo más que una simple repetición: El paisaje urbano está lleno de dibujos
si se repiten mucho, se convierten en un geométricos que se repiten, mientras que
cliché. El reto del fotógrafo consiste en la naturaleza ofrece una mayor variedad
capturar los ritmos y las variaciones del de dibujos complejos que pueden resultar
dibujo alterno en una imagen y, además, más difíciles de interpretar.
Abstracción del agua [página anterior)

Al dibujo que crean los chorros de agua arqueados de una fuente se le ha dado más interés al
incluir en la imagen algunos de los caños. El punto de vista y la longitud focal del objetivo
escogidos sugieren inmediatez. La fotografía realza el sorprendente contraste entre las curvas
de agua y las líneas rectas de los caños de metal, detalle que no puede pasar desapercibido.
Fotógrafo: Tiago Estima.
Ficha técnica: Canon EOS 300D con zoom Canon 28-105 mm, f3,5-4,5, 1/30 s, f22, ISO 100.
Elementos formales
El tono contraste evocan tranquilidad; en cambio,

El aumento de contraste en una imagen las que poseen mucho contraste contienen
simplifica la forma y enfatiza las texturas más blancos y negros y muy poca
marcadas. Contrastes más bajos suavizan información de tonos intermedios. Este tipo
el tono, reducen la apariencia de la textura de fotografías llama la atención y, además,
y cambian el clima que transmite una su naturaleza gráfica a veces permite realzar
imagen. El contraste también se puede la composición de la imagen.
manipular con intenciones creativas durante
la impresión de la copia. Con un programa de edición de imagen,
se puede ajusfar el contraste mediante
El tono se refiere a la gama completa el regulador de contraste en el cuadro de
de grises (todos los tonos, desde el negro diálogo Brillo/contraste, aunque muchas
hasta el blanco). Un sujeto con toda la gama veces ésta no es la mejor manera de lograr
de tonos tiene un contraste normal. En la dicho efecto. El regulador de contraste
fotografía en blanco y negro, se selecciona permite intensificar los blancos y los negros
el grado de contraste en el papel para que y producir sombras con poco detalle y
concuerde con el contraste del negativo puntos de luz quemados. Estos efectos
y así conseguir una copia con toda la gama se denominan «recorte». Es mejor utilizar el
de tonos. Con papel de contraste variable, control de nivel o curvas, pues en este caso
que altera el contraste con diferentes se definen los puntos blanco y negro de
combinaciones de luz de color amarilla la imagen y la curva de contraste se puede
y magenta, es más fácil conseguirlo. Una ajusfar mediante puntos múltiples (Curvas)
copia con poco contraste está compuesta o moviendo un punto central (el regulador
principalmente por grises claros y oscuros. de los tonos medios, o gamma: esta letra
Que una imagen con poco contraste quede griega era originalmente el valor utilizado
bien depende mucho del sujeto que plasme para describir la inclinación de la curva
dicha imagen. Las fotografías con poco de contraste de la película).
Paisaje toscano (superior)

El elevado contraste de esta fotografía ayuda a enfatizar las cualidades gráficas de esta
composición panorámica simétrica de un paisaje de la Toscana.
Fotógrafo: liona Wellmann.
Ficha técnica: cuatro fotografías tomadas con una Nikon Coolpix 5700,1/500 s, f5,1, retocadas
en Photoshop para unirlas y darles un tono sepia.
Contraste alto
Contraste normal
Contraste bajo
«El artista debe sentirse tan libre para seleccionar

la tonalidad como lo es para expresar otros aspectos
del sujeto.» Ansel Adams (fotógrafo de paisaje)
Elementos formales
Alféizar (izquierda)
Al color se le puede dar un
tratamiento de clave alta, que
resulta tan efectivo como en
blanco y negro. Este jarrón
con flores, iluminado a
contraluz por una ventana,
es perfecto para un esquema
en clave alta. Para resaltar las
flores se ha utilizado un flash
acoplado a la cámara. Aunque
había mucha luz ambiente
que se reflejaba en la ancha
ventana pintada de blanco,
no era suficiente para que el
sujeto destacase con nitidez.
El flash se compensó en
-1 punto para equilibrar la
iluminación. Se hicieron varias
exposiciones de prueba
revisando el histograma de
la cámara para evitar luces
quemadas.
Ficha técnica: Nikon D100
con objetivo Micro-Nikkor
60 mm, 1/180 s,f8, fondo
ligeramente desaturado
en Photoshop.
El tono 76_77
Efectos de clave alta mucho más con las cámaras digitales, en

Una composición contendrá una gama las que el fotógrafo ha de decidir si el blanco
completa de tonos, desde el negro precisa algo de tono o si debe quedar
al blanco, pero con preponderancia quemada, lo que significa que en esas
de los más claros. zonas se verá el papel. En las fotografías
de estudio en clave alta se utilizan
Una imagen en clave alta no es lo mismo invariablemente fondos blancos y mucha
que una imagen sobreexpuesta, pues luz para lograr el efecto deseado.
esta última no tendrá ningún tono oscuro.
En los retratos, las pupilas y las sombras En este tipo de fotografías, cuando se mide
en las fosas nasales o en las orejas la luz del sujeto, es importante utilizar
suelen ser las únicas partes negras un fotómetro de mano o bien utilizar otro
de una imagen de tono claro. método de medición sustitutivo con una
cartulina gris. El fotómetro de mano mide
Algunos sujetos -escenas de nieve y niños la intensidad de la luz incidente, y no la
en particular- son perfectos para este luz que refleja el sujeto, como hace el
tipo de tratamiento. Hay que tener fotómetro convencional de la cámara.
mucho cuidado con la iluminación de Tomando una medición reflejada sin
imágenes en clave alta, pues es muy fácil compensar la exposición, la imagen
sobreexponerlas. Este problema se acentúa adquiere una tonalidad grisácea.
Fotografía en clave alta bien expuesta de objetos

principalmente blancos. El histograma digital
{véase página anterior) muestra pocos tonos grises
medios y un predominio de tonos grises claros.
Elementos formales
Efectos de clave baja Subexponer una escena normal no produce el

Las verdaderas Imágenes en clave baja mismo efecto que una fotografía en clave baja,
tienen una gama completa de tonos que va pues la imagen carece de detalle
desde el negro hasta el blanco puro, pero y contraste.
están compuestas sobre todo de tonos
oscuros. Habría que considerarlas imágenes Una de las dificultades de este tipo de
eminentemente oscuras con una pequeña fotografía es mantener el detalle en las
zona de alto contraste. sombras. Con el fotómetro de la cámara
debería medirse la luz reflejada en una
Este tipo de fotografía transmite una carta gris estándar (18 % de reflexión).
sensación sombría e intensa y se puede Si esta medición no se compensa,
hacer de una o dos maneras. Una la Imagen no será lo suficientemente oscura.
composición que sólo contenga elementos El fotómetro de luz reflejada tiende a
oscuros, si tiene una exposición correcta subexponer los sujetos oscuros
producirá una imagen en clave baja. Por y sobreexponer los claros. Para conseguir
otro lado, una escena con una gama normal una exposición precisa de escenas en
de tonos se puede oscurecer e iluminar de clave alta y clave baja, utilice un fotómetro
forma selectiva para lograr una fotografía de luz incidente. Con este tipo de aparato
en clave baja. En la fotografía de estudio, que mide la luz que llega al sujeto obtendrá
para lograr este efecto normalmente se la exposición correcta.
suelen utilizar telas negras que no reflejen
(el terciopelo queda más negro que el papel
negro) e iluminación con mucho contraste.
Retrato de Spring Hurlburt

(izquierda)
Este retrato de estudio en clave baja de
una mujer con sombrero y velo refleja
tristeza y duelo. La fotografía se tomó
después de la muerte de su padre
y ella la cedió para el proyecto
«Sombreros diferentes». La parte
izquierda del rostro es la más clara
y muestra buen modelaje de la luz
principal (los tonos naturales de la piel
han quedado oscurecidos por el velo).
El extremo superior derecho de la copia
es oscuro y «mantiene al sujeto en
el encuadre», lo que da énfasis a su
mirada, que se dirige a un punto
cercano e invisible fuera del encuadre.
Fotógrafo: Jim Alien,
Ficha técnica: cámara de gran formato,
Sinar P 10 x 12 Nikkor 210 mm, f5,6,
escaneada Polaroid Type 54.
El tono 78_79
Imagen en clave baja con una correcta exposición

(inferior). El histograma digital, a la izquierda,
muestra ausencia de información por encima
de los grises medios, así como un predominio de
los grises oscuros y las sombras.
Elementos formales
El color
El fotógrafo necesita luz; sin luz, no hay colores. La luz blanca pura está formada por la misma
cantidad de luz roja, verde y azul (los llamados «primarios aditivos»), con los que se pueden
hacer todo el resto de colores. Si se eliminan los diferentes colores primarios de la luz blanca,
se consigue cyan (blanco menos rojo), magenta (blanco menos verde) y amarillo (blanco menos
azul), que son los primarios sustractivos.
Los primarios aditivos

y los primarios
sustractivos
Valores RGB (siglas en inglés de rojo, verde y azul)

La simulación del color en el ordenador se consigue
mezclando luz roja, verde y azul en una escala de números
enteros del 0 al 255. Con 256 niveles (8 bits) por canal, se
representan 16,7 millones de colores. Un color se describe
por los tres valores de sus componentes RGB: por ejemplo,
un rojo muy cálido puede ser rojo 218, verde 63 y azul 53.
La vista, los monitores de ordenador y los sensores de las cámaras digitales trabajan con
los componentes rojo, verde y azul de la luz blanca. El ojo posee sensores para cada uno
de estos colores, de la misma forma que el chip de la cámara digital tiene estos colores en
un mosaico sobre su superficie (las cámaras digitales utilizan el doble de píxeles verdes que
azules y rojos para igualar la sensibilidad del ser humano a la luz verde).
El círculo cromático
A los fotógrafos les resulta útil representar los colores en una rueda (véase imagen inferior).
Imagine un triángulo equilátero en el que cada uno de sus extremos (da igual el orden)
equivale a un color: rojo, verde, azul (RGB). Ahora imagine un segundo triángulo del revés
colocado sobre el primero. Los extremos de este triángulo corresponderán a los primarios
sustractivos: amarillo (mezcla de rojo y verde), cyan (mezcla de verde y azul) y magenta
(mezcla de rojo y azul). Imagine cada punto de color mezclándose con el siguiente hasta crear
El color 80_81
el círculo cromático (el tono o el cambio de tono se define en grados, que representan
un cambio angular de color dentro del círculo cromático).
El círculo cromático se puede utilizar para cuestiones técnicas o estéticas. Técnicamente, se

usa para calcular correcciones cromáticas (se añade el color diametralmente opuesto para
corregir un tono no deseado). También es útil para escoger el filtro de color necesario con una
película de blanco y negro cuando se quiere oscurecer o aclarar ciertos colores en la copia
final. Los cielos azul/cyan se oscurecen con un filtro amarillo, naranja o rojo. El follaje amarillo
Colores armónicos {izquierda)

y colores discordantes (derecha)
verdoso con una película de blanco y negro se aclara con un filtro amarillo verdoso. Con los
filtros, el círculo cromático indica que los colores opuestos oscurecen y los similares aclaran.
En términos estéticos, los colores adyacentes en el círculo cromático son colores «armónicos»,
mientras que los opuestos son «discordantes». Una flor azul sobresale sobre un fondo amarillo;
un velero rojo destaca en el mar que refleja el azul del cielo. Los colores «cálidos» giran
alrededor del amarillo, y los colores «fríos», alrededor del azul. El contraste en el color
se encuentra en los diferentes colores con el mismo brillo o la misma saturación. Los tonos
muy separados en el círculo cromático muestran un gran contraste, pero los diametralmente
opuestos son los que ofrecen un mayor contraste.
Asociaciones de color
Los colores tienen asociaciones psicológicas, aunque ello depende de las culturas. En Occidente,
el rojo se utiliza en señales y se asocia con aviso, acción, fuego e ira (no resulta sorprendente
que se utilice mucho en publicidad). Asimismo, el blanco se asocia con la pureza; sin embargo,
en Oriente se asocia con la muerte y el duelo. El azul se asocia con frialdad, claridad, espacio
y con el invierno. El amarillo, el color del sol, con el calor, la vida, la alegría y el verano. Para los
psicólogos, el verde es un color «reservado» y no se considera ni cálido ni frío, es neutro. Se
asocia con la naturaleza, la serenidad y la segundad. Ahora bien, el verde ácido en fotografía
es un color que capta la atención. El marrón, el color de la tierra, significa calidez, paz y armonía.
Elementos formales
La temperatura de color
Cuando se calienta un bloque de hierro, éste va pasando por varios colores, del rojo al
naranja y del naranja al amarillo, de un rojo apagado a un rojo blanco y, cuando llega a este
punto, el hierro arde (se oxida). La temperatura verdadera de un objeto se puede calcular
por el color. La temperatura de color está relacionada con este concepto, pues todas
las fuentes de luz irradian energía. La temperatura de color se mide en grados Kelvin (K).
Cuando se hace una fotografía en color hay que considerar las propiedades (temperatura)
de la luz. La hora del día influye mucho. La luz que se refleja toma el color de la superficie
sobre la que se refleja.
La temperatura de color se puede ajusfar colocando en el objetivo un filtro de la gama

comprendida entre el azul y el ámbar. Estos filtros no se tienen que utilizar para corregir
la luz a blanco puro, pero sí se pueden emplear para, artificialmente, darle más calidez o
más frialdad a una imagen. En las cámaras digitales, la temperatura de color se ajusta
o bien mediante la configuración fija del menú Equilibrio del blanco, o introduciendo la
temperatura de color en grados Kelvin. La posición «luz diurna» para «equilibrio del blanco»
en una cámara digital o en una película equilibrada para luz diurna interpreta esta última
como la luz del sol en un cielo azul con algunas nubes blancas (el sol que brilla en un cielo
claro y azul es demasiado azul).
Colores acromáticos
Algunos de los colores más importantes en fotografía en color son los denominados
«acromáticos» o colores sin color: negro, gris y blanco. Actúan como complemento
de los colores de la composición realizada. El blanco se convierte en gris cuando
se cambia el brillo. Un tono amarillo es cálido; sin embargo, un tono azul es frío
(véase pág. 90).
El color 82_83
Divisar el color
Para conseguir un efecto acusado, se pueden utilizar pequeñas zonas de un color muy intenso.
Rojo en la niebla
[izquierda)
El único punto de color
formado por el rojo de la
boya que flota en un lago
gris (un fondo acromático)
aumenta el impacto gráfico
de la composición.
Fotógrafo: Trine Simes Thorne.
Ficha técnica: Nikon Coolpix 880.
Colores cromáticos
Los colores más fuerte, más intensos o los más saturados pueden confundir y encandilar
al espectador o, sencillamente, llamar su atención.
Casetas de playa en St. James (superior)

Una larga hilera de casetas de playa pintadas con colores primarios cerca de Ciudad del Cabo
(Sudáfrica). El reflejo de la playa y la orilla del mar proporcionan un toque diferente a esta
colorista imagen.
Fotógrafo: John Barclay.
Ficha técnica: Hasselblad XPan con objetivo de 90 mm, 1/60 s, f8, Fuji Velvia 50.
Elementos formales
Saturación más saturados. Para desaturar una imagen

Este término técnico se refiere a la intensidad en la cámara, hay que utilizar un filtro difusor.
del color. El gris neutro no tiene saturación de Incluso algo tan sencillo como una simple
color. Una fuente de frutas con manzanas bolsa de plástico o una media puesta sobre
rojas maduras y plátanos amarillos tienen el objetivo sirve para producir un grado
mucha saturación. de desaturación; sin embargo, aumentar la
saturación es más difícil. Las películas «extra
Un prado cubierto de bruma de la mañana color» aumentan un poco la saturación.
tendrá suaves colores pasteles (desaturados).
En términos de composición, la saturación Las cámaras digitales ofrecen la opción
del color transmite intensidad en el estado de escoger entre una imagen saturada
anímico o en los sentimientos y actúa como o desaturada, aunque a veces es mejor
control de volumen en cualquier asociación no precipitarse y conseguir el efecto en
de color. Photoshop. Los filtros para realzar el color
intensifican una onda de luz (un filtro para
Con una luz suave, sólo los colores más rojos, por ejemplo, realzará los tonos rojos).
fuertes conservan su intensidad. Con una luz Estos filtros, fabricados en cristal de
muy fuerte, los colores parecen descoloridos. lantánidos, se suelen utilizar para resaltar los
En escenas iluminadas, pueden contrastar colores de las fotografías de jardines tomada:
con sombras profundas y oscuras; sin en otoño y se pueden usar con cámaras
embargo, la luz suave produce los colores digitales o bien con cámaras de película.
El color 84_85
Modelado digital
Los ordenadores permiten al fotógrafo controlar los componentes de color y luminosidad de una
imagen. Uno de los métodos aplica el modelo de color HSL (abreviaturas en inglés de
«color, saturación y luminosidad»). Este modelo describe el color según su tono (color), su
saturación (intensidad) y su luminosidad (la blancura o el grado en que parece reflejar la luz).
Permite realizar cambios en la composición, después de haber hecho la fotografía, alterando
el color de ciertos elementos y aumentando o disminuyendo la saturación de los colores.
Control de tono/saturación/luminosidad
en Photoshop
Benidorm, 1997 Kippford [inferior)

(página anterior) La desaturación realza los tonos pastel de estas casitas de
Pan logró la intensidad Kippford (Escocia), pero para darle algo de fuerza al tractor
de color asociada a la playa se añadió una capa en modo mapa de bits (sólo en blanco
combinando un flash de y negro). Se han realizado algunos retoques para simplificar
anillo (se monta alrededor el perfil de las casas recortado en el horizonte.
del objetivo) con película Fotógrafo: David Prakel.
AGFA Ultra color (saturación Ficha técnica: Nikon D100 con zoom 18-35 mm, 1/320 s, f9,5
elevada). compensación +1 EV.
Fotógrafo: Martin Parr.
Ficha técnica: no se ha
facilitado.
Elementos formales
Paleta limitada en hacer la fotografía en blanco y negro y
Reducir el número de colores en una imagen después colorearla. Esto se logra aplicando
puede simplificar y añadir más fuerza a la aceites o acuarelas en copias fotográficas
composición. Los pintores que pintan al óleo en blanco y negro en papel de fibra o en el
mezclan los colores en una paleta. Para los ordenador. Los aceites Marshall y los lápices
lotógrafos, una imagen con una «paleta de cera son los productos más conocidos
limitada» es la que utiliza tan sólo unos para colorear a mano. También hay
pocos tonos de un color. Esto se puede rotuladores y pinceles fotográficos,
aplicar también a los grupos de colores así como botellas de tintes y estuches de
directamente asociados al color (en una retoque (los tintes se aplican con un pincel).
imagen con una paleta limitada habrá como
mucho dos grupos de color). La técnica digital consiste en escanear
una imagen en escala de grises y luego
En fotografía de paisaje, sobre la que el convertirla a RGB. Utilizando los colores
fotógrafo tiene menos control, los cambios seleccionados con el Selector de color
de tiempo pueden producir las mejores o, mejor aun, copiando colores de otras
condiciones. La bruma, la niebla y la lluvia imágenes, se puede pintar la fotografía con
reducen la paleta de color y simplifican el estos colores utilizando pinceles suaves en
sujeto. Acercándose al sujeto y mirando de varias capas (modo de fusión Luz suave o
cerca los detalles, también se puede reducir color). Si se regula la opacidad del pincel
la gama de tonos y contrastes de color. o de la capa, se consiguen efectos más
sutiles. Si se mantiene cada color en capas
El mayor control de la paleta cromática que separadas, se pueden ajusfar los tonos
se puede conseguir en una imagen consiste de la paleta cromática individualmente.
Puente de Waterloo,
Londres (izquierda)
La luz de una tarde con
neblina y el teleobjetivo
limitan la paleta cromática
de esta imagen del Tamesis.
Ficha técnica: Leica R4, Elmarit
180 mm, Ektachrome 100.
Camioneta coloreada (página anterior)

Fotografía digital coloreada a mano de una camioneta abandonada en una granja ruinosa
en Ovid (Nueva York). Los colores se han copiado de otra imagen de hojas caídas.
Ficha técnica: Leica R4 con zoom Vario-Elmar 35-70 mm, película Kodak Tmax 400 (blanco y negro).
Color copiado de otra fotografía tomada con película Elitechrome Extra Colour.
Elementos formales
El blanco y negro monocromática responde a las distintas

Durante muchos años, la película de blanco ondas de luz (en otras palabras, a los
y negro era el único medio aceptable para diferentes colores) es lo que confiere a la
realizar una fotografía artística. La fotografía fotografía en blanco y negro su aspecto
en color se consideraba algo novedoso característico. Para muchos fotógrafos,
pero no apreciado, hasta que tuvo lugar la la película posee cualidades únicas e
innovadora exposición de William Eggleston inimitables. La sensibilidad de la película
en el Museo de Arte Moderno de Nueva York al color se puede manipular utilizando filtros
a principios de los años setenta. de color en el objetivo: los de un color similar
al del motivo aclaran, mientras que los
Por más que la fotografía en color ha de colores opuestos oscurecen; por ejemplo,
encontrado su lugar, la fotografía en blanco con una película de blanco y negro un filtro
y negro todavía representa la abstracción amarillo, naranja o rojo oscurecerá un cielo
fotográfica por excelencia. Las imágenes azul-cyan; sin embargo, un filtro amarillo
en blanco y negro no son simplemente verdoso aclarará el color del follaje.
imágenes a las que se les ha quitado el
color, sino que representan tonalidad, forma La fotografía digital en blanco y negro
y textura de un modo mucho más explícito. cada vez es más popular, aunque la imagen
Trata de la presencia o ausencia de la luz siempre se origina en color y luego se pasa
y de las formas y texturas que la luz crea. a blanco y negro mediante un programa
específico. En la fotografía en blanco y
No vemos el mundo en blanco y negro, negro, la práctica ayuda mucho a visualizar
de manera que predecir cómo se va las relaciones de tonos y a buscar sujetos
a ver una imagen en blanco y negro es, que merezca la pena plasmar en una
principalmente, una cuestión de experiencia. imagen monocromática. La fotografía en
Cerrar y entrecerrar los ojos reduce algo la blanco y negro requiere una disciplina
percepción del color, de manera que puede en la composición que resulta sumamente
ayudar a visualizar la escena en blanco útil en cualquier otra forma de realizar
y negro. La forma en que la película imágenes.
«Cuando uno fotografía personas en color, fotografía

sus ropas. Cuando fotografía personas en blanco y negro,
fotografía su alma.» Ted Grant (fotógrafo canadiense)
Tarde de niebla (pagina siguiente)

No hay nada que el color le pueda añadir a esta imagen; sin embargo, sí que le podría quitar
mucho. La cuidadosa selección del motivo y la utilización del blanco y negro realzan la forma,
la escala y el contorno, y hacen que resulten abstractos.
Fotógrafo: lliona Wellmann.
Ficha técnica: Nikon Coolpix 5700,1/250 s, f5,0. Modo blanco y negro; se ha ajustado el contraste
y los niveles y se le ha dado a la imagen un tono sepia en Photoshop.
El color 88_89
Elementos formales
Tonos cálidos y tonos fríos pero los tonos más oscuros se parecen más
El virado de fotografías en blanco y negro al negro original. Se puede hacer un virado
se utilizaba en un principio como método múltiple utilizando sepia y setenio; este tipo
de conservación de las copias, pero también de virado tiene un atractivo especial. Todos
hay razones estéticas para emplear el virado estos efectos producidos por sustancias
químico o su equivalente digital. químicas proporcionan unas características
a la imagen que se pueden reproducir
En las imágenes de haluro de plata, la sal digitalmente con un programa de edición
de plata se altera químicamente por el virado de imagen. El virado selectivo de copias en
para producir un conjunto de imágenes blanco y negro, es decir, dar color solamente
marrones o azuladas; probablemente el a unas partes seleccionadas del motivo,
virado más conocido sea el sepia. La plata puede resultar difícil y a veces no se
se puede sustituir o potenciar con otro metal, consigue el efecto deseado. Sin embargo,
por ejemplo, con el selenio. Esto produce es mucho más fácil realizar un virado
una serie de grises, desde el gris grafito hasta selectivo digitalmente, sin necesidad de
el intenso gris púrpura, dependiendo del aplicar productos químicos que actúan
tiempo que se deje la copia en la solución. con rapidez ni máscaras (físicas o líquidas).
El virado a oro, cobre, hierro y cromo fue muy
popular en el pasado (al menos en el caso El papel en blanco y negro se comercializa
de los fotógrafos, no así con los expertos en diferentes tonos, desde el negro tirando
en sanidad y seguridad). En una imagen a marrón-amarillento hasta el negro azulado.
virada por completo, todos los negros El extremo marrón de la gama de tonos se
y los grises pasan a ser diferentes tonos de considera «tono cálido» y el extremo azul,
marrón; en una imagen con virado múltiple, «tono frío». Como en el virado, también este
las partes más claras pasan a ser marrones efecto se puede conseguir digitalmente.
Efectos de tono cálido y de tono frío
Tono frío (azulado) < Gris neutro tono > Cálido (amarronado)
El metro (página siguiente)

Fotografía del metro de Londres que utiliza el «lenguaje» de los tonos cálidos y fríos
para contrastar el pasillo azul de la estación de metro con el cálido amarillo del túnel.
Fotógrafo: Tom McGhee, Trevillion Images.
Ficha técnica: Nikon F5 con objetivo Nikon 20 mm, película de negativo color procesada con químicos E6.
El color 90_91
Organización del espacio
92 93
La composición consiste en organizar el espacio. Todas las imágenes fotográficas

empiezan por una selección, pero incluso antes de que el fotógrafo piense un motivo,
ya tiene que haber calibrado las proporciones del marco. Hay varios tipos de
películas y de formatos digitales, así como de encuadres según sus proporciones.
El encuadre de la imagen puede ser horizontal (paisaje), vertical (retrato) y cuadrado
o panorámico (este último supone todo un reto de composición para el fotógrafo).
Una vez que se ha seleccionado el motivo, el fotógrafo ha de saber dónde colocarlo

y cuál debe ser su tamaño, pues tanto la ubicación como el tamaño influyen en cómo el
observador leerá esa imagen. Componer las imágenes en la cámara tiene más ventajas
que recortarlas después en un programa de edición digital. Ahora bien, componer antes
requiere más habilidad y creatividad. El fotógrafo ha de tener en cuenta el equilibrio
de todos los elementos formales y el equilibrio entre el primer plano y el fondo. En los
siguientes capítulos nos ocuparemos de los problemas de la simetría y de las dificultades
que presenta una imagen perfectamente equilibrada, junto con algunas nociones más
sobre simetría, belleza y el rostro humano.
El enfoque selectivo y la utilización de la abertura del objetivo son otros aspectos

del proceso de composición que hay que tener en cuenta, pues le permiten al fotógrafo
controlar la parte de la imagen que aparecerá perfectamente enfocada (una característica
que sólo se da en la fotografía). En general, la nitidez representa la importancia del motivo.
También nos ocuparemos con más detalle del enfoque, de la calidad de las zonas
desenfocadas y de la utilización de la profundidad de campo, así como de la distancia
hiperfocal del enfoque para conseguir la mayor nitidez posible.
Paisaje urbano (página anterior)

En esta fotografía, Zafeiris ha intentado plasmar lo que no se ve. En un principio, esta imagen
presenta un vacío entre la barrera de líneas amarillas del primer plano y el monumento que
se ve al fondo cercado con la valla de plástico. Estos elementos dejan «abierto» un espacio
que sólo cuando se observa con más atención revela interesantes texturas.
Fotógrafo: Sotiris Zafeiris.
Ficha técnica: Canon EOS D60, zoom Sigma 15-30 mm, 1/90 s, f5,6, ISO 200.
El encuadre
Encuadrar una parte del mundo para crear una
Los encuadres, evidentemente, pueden ser
de cualquier forma. Las proporciones de la
•
imagen probablemente sea la parte más fotografía rectangular (la relación entre sus
importante en el proceso de composición. lados) difieren si la imagen se ha tomado
Las proporciones y la orientación del encuadre digitalmente o con película.
(horizontal o vertical) dictan cómo ha de seguir
el proceso de composición. Cada formato La relación entre las proporciones de una
tiene sus «centros de interés» en el encuadre, imagen es su anchura dividida por su altura,
que necesitan un tratamiento diferente en que en general se escribe con dos números
función de la ubicación del motivo. enteros, por ejemplo 3:2 (formato de 35 mm:
36 mm [anchura] x 24 mm [altura]). Si nos
Las fotografías rectangulares son las más atenemos a la sección áurea (véase pág. 22),
comunes, si bien las primeras cámaras lo ideal sería un rectángulo de 1:1,618.
Kodak crearon una imagen circular, algo La tabla muestra lo que miden los formatos
lógico, pues los objetivos proyectan digitales y los de película (el antiguo formato
imágenes circulares y no rectangulares. de 6 x 9 cm, el digital SLR y el de 35 mm
son los que más se acercan al formato «ideal»
Velero (página siguiente)

Esta secuencia muestra cómo los diferentes formatos de película plasman y encuadran la misma
escena tomada desde el mismo punto de vista con diferentes cámaras (con objetivo estándar).
Ficha técnica: varios formatos (superior) y diferentes exposiciones.
El encuadre 94 95
Los diferentes formatos.
El encuadre 96 97
Ubicación en el encuadre en el encuadre. También pueden ayudar

Es importante pensar en la forma del motivo consideraciones geométricas, como la
escogido y juzgar si éste puede estar simetría dinámica, pero es el motivo el que
visualmente separado del fondo. Hay ha de dictar dónde se encuadra y por qué.
una tendencia natural entre los novatos
a colocarlo en el centro del encuadre con Según el motivo que se fotografíe, se
un poquito de espacio entre el motivo apropiará del espacio que tenga a su
y el margen superior e inferior (el llamado alrededor. Por ejemplo, con la expectativa
«síndrome del ojo de buey»). En la mayoría de que un coche se ponga en marcha se
de los formatos, esta posición deja dos apropiará del espacio que tiene delante, lo
grandes zonas superfluas a cada lado del mismo que sucede con una silla vacía.
motivo. Este encuadre tiene una cualidad Los objetos también tienden a dominar
casi magnética y, al principio, resulta difícil el espacio de su sombra. En el retrato,
no encuadrar así. Hay ocasiones en que es esencial considerar el espacio delante
resulta apropiado {véase pág. 114), pero el y detrás de la cabeza, sobre todo en un
argumento visual ha de ser convincente. retrato de perfil, pues el efecto creado por
las dos posiciones puede ser diferente.
Intentar conscientemente descentrar el
motivo y moverlo hacia uno de los cuatro En algunos géneros fotográficos, resulta difícil
extremos del encuadre hace que empiece separar claramente el motivo del fondo. En la
a liberarse la composición. Otra solución fotografía de paisajes, por ejemplo, el motivo
mucho más radical consiste en recortar el es el campo, aunque hay que tener cuidado
motivo de modo que sólo esté parcialmente con la ubicación de los elementos clave.
¿Cómo hay que encuadrar? 1 Simétrico y estático. 2 En el extremo superior izquierdo, que crea cierta tensión.
3 En el extremo inferior derecho, que crea poca dinámica o tensión. 4 En el extremo superior izquierdo
y recortado, que es más dinámico y sugiere cierre.
Una ventana al mundo [página anterior)

El gato tiene espacio para saltar (su posición en el encuadre aumenta la tensión, reforzada por
el punto de vista bajo). En esta imagen hay tres encuadres, con el centro de interés (la cabeza
del gato) situado en uno de los cuatro puntos focales.
Ficha técnica: Canon Powershot G3, 1/500 s, f8, ISO 50.
El encuadre 98 99
Tamaño en el encuadre uno de los recursos más poderosos del

Además de la ubicación en el encuadre, fotógrafo. Un ejemplo consiste en recortar
hay que pensar en el tamaño del motivo un motivo lo suficiente para resaltar al
en relación con el fondo. ¿Qué se pretende máximo el detalle y que impacte. Si el
decir sobre el motivo y su ubicación? motivo es apropiado, otra posibilidad
¿Se quiere que el motivo domine la consiste en mostrarlo lo más pequeño
fotografía o que se mezcle con el fondo? posible dentro del encuadre (lo bastante
Si el motivo es una flor llena de color y grande para que se pueda reconocer).
energía, maximice este efecto de manera Ponga la cámara en las manos de un niño
que parezca que se sale del encuadre. y verá cómo sabe apreciar y explorar
estos extremos sin preocuparse de las
De la misma forma que tendemos a situar convenciones establecidas; merece la pena
el motivo en el centro, existe una renuencia olvidarse de ellas y explorar esos límites.
natural a recortar. Hacerlo un poco por los En el apartado (véase La escala, pág. 34)
bordes produce imágenes sin fuerza. Hay se aportan más ideas sobre este tema.
que mantener los detalles importantes,
pero la mente rápidamente completa lo Al mover la cámara con relación al motivo
que se ha recortado, sobre todo en el caso y cambiar la longitud focal del objetivo se
de formas geométricas o comunes. Los altera la relación entre el motivo y el fondo
periódicos rara vez publican un retrato (véase perspectiva, pág. 28). Si no quiere
sin recortar la frente, pues de ese modo se recortar una imagen, no mueva la posición
realza el rostro. Lo ideal es recortar en la de la cámara, pero utilice objetivos de
cámara, pues así se logran ampliaciones distintas longitudes focales o un teleobjetivo
de la mejor calidad. La exageración es para realizar distintos recortes.
¿Qué tamaño conviene para el encuadre? 1 Simétrico, con espacio superfluo a la derecha y a la izquierda.
2 El motivo es pequeño, pero todavía reconocible dentro de su entorno para darle más interés. 3 Simétrico:
el objeto llena el encuadre y se acerca peligrosamente al borde inferior y al superior. 4 Por último, el motivo
bastante recortado mantiene su identidad, pero además llena el encuadre con detalle.
Aciano (página anterior)

Esta fotografía de un aciano está intencionalmente sobreexpuesta en 1 punto para eliminar casi
por completo el jarrón circular blanco. Del detalle exuberante que llena el encuadre sólo se han
dejado dos pétalos, que muestran lo que se ha recortado en otras zonas.
Ficha técnica: Nikon D100, Micro-Nikkor 60 mm, 1/3 s, f22, luz natural con reflector.
La composición en cámara medio funcionan de esta forma y muchas

Al crear una imagen, es importante tener incluso invierten o voltean la imagen. Puede
en cuenta el área de la película o del sensor. resultar difícil acostumbrarse a este sistema
Es lo que se conoce como «composición en o simplemente puede ser otra fase en el
cámara». Las imágenes que ocupan todo el proceso de abstracción.
encuadre son las que permiten las mejores
ampliaciones. La cámara SLR (siglas en inglés de réflex
de un solo objetivo) presenta una imagen
Es más fácil componer en cámara cuando cercana a la fotografía final, pues se mira
el sistema de visión/enfoque proyecta la a través del objetivo al tomar la fotografía,
imagen en una pantalla de cristal esmerilado, sobre todo si la cámara tiene un botón
que el fotógrafo ve directamente. Esto le de profundidad de campo que permite ver
permite a uno alejarse del mundo real y el efecto de la abertura que desea escoger;
empezar a producir la imagen bidimensional. también muestra el efecto de los filtros
Las cámaras de gran formato y de formato en los objetivos.
La extensa visión de la cámara

con visor o con telémetro permite
a planificar la toma.
En comparación con las cámaras SLR, las cámaras de visor directo o de telémetro sólo
pueden mostrar el efecto de los objetivos como recuadros dentro de una imagen general fija.
Tampoco se puede juzgar el efecto de la profundidad de campo. Como el visor directo
está situado a cierta distancia del objetivo (lo que se ve y lo que se capta no es idéntico),
cuanto más se acerca la cámara al sujeto peor será este efecto, denominado «paralaje».
Sin embargo, la cámara de visor directo o de telémetro presenta una ventaja importante
sobre otros sistemas de visor: muestra lo que hay o está ocurriendo fuera del encuadre;
esto permite localizar los elementos de la composición a medida que entran en el encuadre.
Cartier-Bresson era un maestro de esta forma de composición y trabajó toda su vida
con cámaras Leica de telémetro precisamente por esta razón (véase pág. siguiente).
Solía positivar sus imágenes con el borde negro del margen, que enfatiza la composición
en cámara.
El encuadre 100_101
«Para mí, la fotografía es el reconocimiento simultáneo,

en una fracción de segundo, del significado de
un evento y de la precisa organización de las formas
que otorgan a ese evento su verdadera expresión.»
Henri Cartier-Bresson (fotógrafo y pintor)
Siphos (Grecia), 1961 (superior)

Todo encaja en el encuadre de la cámara de visor directo en el «instante decisivo». La forma,
el tono, el espacio, la línea y la textura están en equilibrio, esperando que el «actor»
suba al escenario.
Fotógrafo: Henry Cartier-Bresson.
Formato horizontal El formato horizontal ofrece una mayor

El encuadre horizontal rectangular se oportunidad para incluir espacio delante
conoce como formato «apaisado» porque y detrás de la cabeza del sujeto y se puede
generalmente es el más utilizado en la utilizar para aumentar la sensación de
fotografía de paisajes. Como forma, el distanciamiento, como, por ejemplo, cuando
rectángulo horizontal le confiere a la imagen la cara se coloca cerca de una esquina o de
una sensación de estabilidad y de dirección. un borde y parece que sale de la fotografía.
El formato apaisado proporciona énfasis al
horizonte y a cualquier parte de una línea La línea central vertical del formato
o plano horizontal en la imagen; amplía horizontal parece que es, en el ámbito de
las vistas panorámicas, sobre todo la composición, un lugar «peligroso» para
si el tamaño del encuadre supera dividir la imagen. La exacta línea central se
las proporciones clásicas aceptadas. convierte en un eje que reta al observador
a comparar la composición de las dos
Hacer retratos en formato horizontal deja mitades. En las manos de un maestro como
zonas potencialmente superfluas a cada Henry Cartier-Bresson, cuya fotografía
lado del sujeto. El rostro parecerá más estaba muy influenciada por sus estudios
pequeño que si la fotografía se hiciese de composición como pintor, este tipo de
en formato vertical. Ahora bien, colocar distribución ofrece un fuerte punto de apoyo
el sujeto a un lado abre la imagen sobre el que gira la imagen. Pero para que
a los detalles del fondo (enfocados esto funcione, la composición tiene que
o desenfocados), que pueden ofrecer ser muy minuciosa o la fotografía acabará
un contexto interesante. simplemente teniendo dos partes.
El encuadre 102 103
Nuevo desarrollo urbanístico en los muelles de Ayr, Escocia (superior)

El punto de vista bajo y las fuertes líneas verticales convergentes del gran angular refuerzan
la verticalidad de los edificios incluso en este formato horizontal.
Ficha técnica: Nikon D100 con zoom 18-35 mm, 1/750 s, f9,5.
Carrshield (página anterior)

El horizonte bajo y la casa enclavada en una hondonada de las colinas del fondo proporcionan
mayor énfasis al cielo.
Ficha técnica: Nikon D100con zoom 18-35 mm, 1/4 s, f11.
Formato vertical
El formato rectangular vertical se denomina «formato de
retrato» porque es el que queda mejor con los retratos
de medio cuerpo. Este tipo de formato vertical enfatiza
las lineas o los planos verticales; también exagera la
profundidad del primer plano y el fondo de la fotografía.
Por esta razón, y para destacar los «cañones de cemento»
de una ciudad, las fotografías de paisajes urbanos muchas
veces se hacen en formatos verticales.
El formato vertical tiene unas líneas diagonales más

marcadas que el de paisaje porque los ángulos de la
fotografía tienden a ser más pronunciados. Cuando el
motivo es un paisaje, se puede utilizar el formato vertical
para dar más énfasis a una garganta o a una formación
rocosa, especialmente a un punto de vista alto. Con su
exageración de la profundidad, resulta perfecto para
imágenes de gran formato llenas de detalles, desde
las flores del primer plano hasta las colinas del fondo
(para este tipo de fotografías es esencial ajustar la distancia
hiperíocal y utilizar una cámara con respaldo basculante).
Los formatos muy alargados pueden resultar inestables Carrshield (superior)

en vertical. Los panorámicos, en particular, deben utilizarse El formato vertical permite
con mucho cuidado en vertical, aunque, con los sujetos incluir el muro de piedra
adecuados, permiten crear imágenes impactantes, que en primer plano. El enfoque
parece que se elevan sobre el observador. a la distancia hiperfocal es
importante para mantener
Este formato resulta también muy apropiado para plasmar la nitidez en el primer plano
el cuerpo humano de pie. Si se fotografía a una persona y el del fondo. El horizonte
de cuerpo entero levantada con una película de 35 mm y en situado en el centro reduce
formato de paisaje, no se consigue captar suficiente detalle algo el impacto del cielo.
en el rostro, pues la imagen es demasiado pequeña en Fotógrafo: David Prakel.
el negativo; sin embargo, el formato de retrato puede Ficha técnica: Nikon D100 con
plasmar cómodamente los gestos y los movimientos. zoom 18-35 mm, 1/250 s,f11.
El formato vertical también es muy comercial, pues se suele

utilizar para las ilustraciones de página entera de libros
y de revistas, que también suelen tener este formato.
En una ocasión, Fuji lanzó una cámara de formato 6x 8 cm,
específicamente diseñada para igualar las proporciones de
la portada de las revistas, lo que evitaría la necesidad
de reencuadrar la imagen.
El encuadre 104 105
Nuevo desarrollo
urbanístico en Ayr,
en Escocia {derecha}
Para acercarse más a la
atalaya del viejo muelle se
necesitaba un punto de vista
ligeramente más alto y así
mantener las verticales
convergentes dentro de
límites aceptables. Ahora
hay una mejor relación entre
el primer plano y el fondo,
así como entre lo viejo y
lo nuevo. Las losas del suelo
también añaden interés
al primer plano.
Ficha técnica: Nikon D100 con
zoom 18-35 mm, 1/500 s, f11.
Sala de conciertos Walt Disney [superior)

El formato cuadrado apenas contiene las sólidas formas y las texturas del tejado de la sala
de conciertos del centro de Los Ángeles diseñado por Frank Gehry.
Fotógrafo: Brad Kim.
Ficha técnica: Canon EOS 10 D con objetivo Canon EF 85 mm, f1,8, prioridad de abertura, f22,
compensación de -0,5 EV, ISO 100.
El encuadre 106 107
Formato cuadrado falta de dinamismo. Sin embargo, las

A excepción de algunas de las películas diagonales se pueden utilizar para lograr
instantáneas Polaroid, el único formato efectos de composición con mucha fuerza.
cuadrado que todavía se puede conseguir
es el de 6 x 6 cm en película de formato Si es apropiado, el formato cuadrado puede
medio. Trabajar con este formato tiene una resultar muy gratificante. En algunos campos
ventaja importante: nunca hay que cambiar -en la fotografía de plantas y flores, por
la orientación de la cámara. Sin embargo, la ejemplo-funciona bien, pues proporciona
desventaja es la tentación de componer imágenes grandes, bien recortadas y situadas
horizontal o verticalmente dentro de sus simétricamente. Ahora bien, es todo un reto
márgenes y recortar al imprimir. Este no caer en una composición repetitiva.
método o bien no tiene en cuenta la ventaja
de calidad que supone tener una mayor Para el fotógrafo de paisajes, el formato
área de película o bien la infravalora; en este cuadrado puede resultar en imágenes
caso, la fotografía también se podía haber estáticas y frías, al margen de donde se
hecho en un formato 645. Es evidente que coloque el horizonte, aunque con un gran
se pueden crear imágenes cuadradas angular y con un punto de vista en el que
recortando otros formatos, pero la resultante se capte bastante primer plano este formato
no estará compuesta con el mismo rigor que contribuye a lograr imágenes con mucha
las que se hacen con un formato cuadrado. fuerza. Hacer que partes del motivo se salgan
de los bordes puede dar más dinamismo. En
Las imágenes cuadradas son simétricas tanto la composición fotográfica, los desequilibrios
en el eje vertical como en el eje horizontal, y intencionados entre zonas de contraste,
esto se traduce en solidez y estabilidad. Los líneas irregulares y bordes o contornos muy
cuadrantes resultantes al dividir este formato curvados que se salen del marco visible
también son cuadrados y la forma se dirige desestabilizan el formato cuadrado y se
hacia el centro, lo que puede provocar una pueden usar con gran efecto creativo.
Rana momificada con una flor seca

{izquierda)
Los ángulos incómodos empujan hacia
los límites de esta fotografía muy recortada
de un negativo de 10 x 12 cm.
Ficha técnica: Sinar F con objetivo Symmar de
150 mm, 1/8 s, f32, película en hojas llford FP4 Plus,
impresión digital.
Formato panorámico Noble o la rusa Horizont permiten conseguir

«Panorama» significa una vista amplia ángulos muy abiertos (136°-146°).
sin obstrucciones en ninguna dirección. Las de objetivo fijo no proporcionan la
Este formato de fotografías resulta misma cobertura; sin embargo, su obturador
especialmente impactante con paisajes convencional evita la borrosidad típica de
urbanos e industriales. Es importante los objetivos giratorios, que captan la imagen
componer una imagen coherente en toda la en un período de tiempo más prolongado.
anchura de cualquier panorámica y evitar así
dejar secciones superfluas en los extremos Con la Hasselblad XPan, ha resurgido el
que nada añadan a la composición. interés por la fotografía panorámica entre
los aficionados a la fotografía analógica.
A pesar de su larga historia, las panorámicas Hace fotografías de 24 x 65 mm en película
siguen resultando originales al margen de la estándar de 35 mm, con la comodidad
calidad de su composición. Crear imágenes añadida que puede pasar a mitad del rollo
panorámicas coherentes depende en gran del formato panorámico al convencional de
medida de buscar bien el lugar que se va 24 x 36 mm.
a fotografiar y seleccionar el punto de vista.
Este formato tan ancho puede plantear Las imágenes panorámicas fotografiadas
diversos problemas de composición al con película o digitalmente están de moda.
intentar evitar lo que se denomina «la cuerda Casi todas las cámaras digitales tienen la
de tender», una composición en la que posibilidad de utilizar un programa que hace
imágenes más pequeñas e independientes fotografías panorámicas con una serie de
compiten dentro del encuadre panorámico. imágenes superpuestas, y muchas tienen
una función de «panorámica» que muestra
Las fotografías panorámicas se solían hacer en el encuadre la forma apropiada en
con una cámara panorámica con obturador que deben coincidir las imágenes. Los
de rendija móvil que se abría y se programas de edición de imagen permiten
desplazaba para crear la exposición. unir imágenes tomadas sobre el mismo
Estas cámaras y los modelos giratorios son ángulo, pero en lugar de alinear y recortar
las que verdaderamente sirven para obtener las imágenes resultantes, a veces resulta
imágenes panorámicas, pero se suelen más interesante dejar el borde que se
utilizar para fines científicos. Las cámaras superpone para ver dónde coincide cada
de objetivo giratorio como la alemana imagen en el fotomontaje panorámico.
El encuadre 108 109
Puerta de un granero
(derecha)
En este estudio de la línea
y el color, el formato vertical
de la XPan hace resaltar
la parra que busca la luz.
Esta fotografía es,
fundamentalmente, un
bodegón de exterior al que
se le ha dado dinamismo
al plasmarlo con un gran
angular que crea una fuerte
línea diagonal con la valla
clara del primer plano
y que, además, le añade
profundidad a la imagen.
Ficha técnica: Hasselblad XPan

con objetivo de 90 mm, 1 s, f11.
Childs Falls, en el noreste

de Pennsylvania
[página anterior)
La sinuosa línea del borde
del salto de agua crea un
interesante dibujo al cruzar
oblicuamente el formato
panorámico. La larga
exposición de dos segundos
hace que el agua se vea
un poco borrosa por el
movimiento y que los toques
de color de las hojas
(plasmados gracias a la
película Fuji Velvia de alta
saturación) aviven la imagen.
Ficha técnica: Hasselblad XPan
con objetivo de 45 mm, enfoque
a la distancia hiperfocal, utilizado
para conseguir la máxima nitidez
en toda la imagen.
«La fotografía es un sistema de edición visual.

En el fondo, es una cuestión de enmarcar una porción
de lo que uno ve cuando está en el lugar adecuado
y en el momento adecuado.»
John Szarkowski (fotógrafo, comisario y crítico de fotografía)
El encuadre 110 111
Encuadres dentro de encuadres El fotógrafo puede encontrar múltiples

Uno de los consejos más populares es encuadres dentro de una imagen. Un buen
el de «encuadrar el motivo». Se puede decir ejemplo sería una fotografía del costado de
que algunos fotógrafos han hecho una un barco en la que se vieran las dispares
carrera de este recurso, como, por ejemplo, vidas de los pasajeros enmarcados por
los autorretratos de Lee Friedlander, que se las aberturas de la superestructura de la
muestran enmarcados en reflejos o incluso cubierta. Las ventanas de los autocares,
en marcos de cuadros colgados en el los autobuses y los trenes, los edificios de
escaparate de una tienda. En su trabajo pisos y las oficinas de planta abierta se han
fotográfico titulado The Little Screen utilizado como vehículos de esta técnica.
(La pequeña pantalla) aparecen fotografías
de televisores (nuestro último método de Algo que enmarque el motivo en el primer
enmarcar) y su luz ilumina las habitaciones plano dará más profundidad entre el
en las que están; sin embargo, las primer plano y el fondo (las ramas que
imágenes que se ven en los televisores cuelgan de un árbol se suelen utilizar
muchas veces contrastan con los a menudo para enmarcar en la fotografía
contenidos de las habitaciones. de paisajes). Sin embargo, esta forma de
enmarcar, si no se hace con mucho
Cuando hacemos una fotografía, cuidado, puede resultar en un simple
enmarcamos partes del mundo real. Los cliché visual. Uno de los intentos menos
pintores crean mecanismos secundarios afortunados de este recurso es que una
de encuadre con el marco del lienzo y los rama enmarque la imagen como si se
fotógrafos también han encontrado una tratase de un borde, pero sin que se vea el
abundante fuente de imágenes en esta tronco del árbol. Es mucho mejor mostrar
técnica al crear «la imagen dentro de el tronco del árbol a un lado de la fotografía
la imagen». y las ramas que cuelgan en la parte superior.
Calle del viejo Pekín, 1965 {página anterior)

Un método clásico de los fotógrafos consiste en utilizar marcos del mundo real (en este caso,
la puerta y las ventanas de una tienda de antigüedades) para crear una serie de imágenes
distintas pero conectadas entre sí dentro del encuadre de la cámara.
Fotógrafo: Marc Riboud.
El equilibrio 112_113
El equilibrio importante de la composición está alejado

trata de uno de los principios más del centro, dividirá la imagen en dos partes
importantes en el diseño y la pintura formal. desiguales y desplazará el eje visual. Los
En el caso de la pintura, la prueba que se elementos que se encuentran cerca de los
hace para ver si una escena está equilibrada bordes de la imagen también ganarán peso
consiste en trazar una línea vertical en el o significado dentro de la composición.
centro de la imagen y buscar el equilibrio
entre las dos partes. Los fotógrafos no Además de equilibrar los elementos de
buscan necesariamente el mismo grado de izquierda a derecha del encuadre, no hay
armonía clásica y pueden darle más fuerza que olvidar el equilibrio de profundidad
a la fotografía al desplazar elementos entre los elementos en primer plano y
de la imagen para crear un desequilibrio. los del fondo. Los objetos más alejados
Una imagen cuyo equilibrio depende (por lo tanto, más pequeños), con más
de elementos débiles resulta estática; sin detalle o de tono o color más fuerte
embargo, una imagen que muestra equilibrio equilibrarán los objetos del primer plano
entre elementos fuertes resulta mucho menos prominentes (aunque más grandes).
más dinámica. La distribución de tonos En el caso de imágenes con una gran
(de claros a oscuros) en la imagen dará profundidad aparente, habrá que
una fuerte sensación de equilibrio. Una considerar el equilibrio del espacio
fotografía con una fuerte concentración de tridimensional dentro de la imagen.
un tono claro u oscuro en un lado, sin un A veces es más fácil calcular las formas
tono que la equilibre, creará tensión visual. y el espacio con la copia del revés
(la parte de arriba hacia abajo) o,
El equilibrio no siempre se ha de juzgar en el caso de una imagen digital,
desde un eje central. Si un elemento dándole la vuelta vertical o lateralmente.
Autobús (página anterior)

En esta fotografía, el equilibrio lo proporciona el autobús doble y la característica arquitectura
de la House of Blues y el Marina City, de Chicago. Círculos frente rectángulos, líneas curvas
frente líneas rectas y bloques de tono y textura alrededor de una línea central aproximada.
Hay texturas similares en el primer plano y en el fondo.
Ficha técnica: Nikon F2A con objetivo Micro-Nikkor 55 mm, Kodachrome 64.
La simetría y la imagen reflejada Es todo un reto evitar centrar el motivo

La propiedad de un objeto o una imagen simétricamente en el encuadre y, sin
según la cual los dos lados son iguales, pero embargo, centrarlo invita al observador
opuestos con relación a una línea central a comparar las dos mitades de la imagen
divisoria, se conoce com o en lugar de interpretarla como un todo. La
«simetría». Numerosos edificios y el cuerpo aproximación en este tipo de imágenes no
humano, por ejemplo, tienen una simetría es suficiente, de manera que la alineación
bilateral (aunque no sea perfecta, com o del eje de simetría y la equivalencia de las
en el cuerpo humano) y muchas flores son dos mitades han de ser perfectas. La
radicalmente simétricas con respecto a simetría de la línea y la forma ha de ir
cualquier línea que pase por su centro. acompañada, en paralelo, por la simetría
de dibujo, color o textura.
Las composiciones simétricas son, en un
principio, muy atractivas y tienen un fuerte Las imágenes reflejadas se pueden utilizar
sentido de la estructura, aunque su punto para crear una segunda mitad de una escena
fuerte es también su punto débil, pues todas que, de otra forma, no resultaría simétrica. A
las fuerzas son iguales y opuestas. Aunque veces, los fotógrafos ponen
atractivas en la superficie, pueden resultar a prueba la capacidad de percepción del
demasiado fáciles a la vista observador y hacen una fotografía sólo
y carecer de fuerza. de la imagen reflejada para forzar a la vista
a visualizar los objetos reales creados por
dicha reflexión.
Paso subterráneo {página siguiente, superior)

En posición vertical, esta imagen del reflejo de un charco en un paso subterráneo sugiere
la verdadera naturaleza del mundo real que refleja.
Fotógrafo: Wilson Tsoi.
Ficha técnica: Canon A80 (compacta digital) objetivo ajustado a la posición más angular (11 mm), equivalente
a 35 mm, 1/25 s, f5,6, equilibrio del blanco en «nublado», ISO 50, con un ligero ajuste de saturación.
Más allá de la moda (página siguiente, inferior)

A la joven modelo se la fotografió después del trabajo en una zona de juegos, en un ambiente alegre
y distendido, con música y comida. La fotografa utiliza una fuerte composición simétrica, colores con
gran contraste y una extraña postura para proporcionarle un toque divertido
a su proyecto sobre zapatos. La intensa saturación del color se debe a la utilización de un flash
de anillo que proyecta una luz nítida y sin sombras.
Fotógrafo: Caroline Leeming.
Ficha técnica: Nikon D100, flash de anillo, 1/125 s, f8/11.
La simetría y el rostro
La primera tarea de un recién nacido consiste en aprender a
reconocer la cara de su madre lo antes posible, pues ella le
alimenta, le da cariño y seguridad. A partir de ese momento,
aprendemos rápidamente a reconocer y comparar los
dibujos visuales. Como es evidente, nos acostumbramos
a escoger caras dentro de una multitud y a comparar las
ligeras asimetrías en un rostro que es único. Se han hecho
muchos estudios para demostrar que un rostro simétrico
con un buen equilibrio entre las dos mitades se considera
bello. Cualquier asimetría en la cara se valora por demostrar
«personalidad»; sin embargo, un gran desequilibrio en los
rasgos produce incomodidad en el observador. Al hacer
retratos, es importante recordar estas arraigadas respuestas
psicológicas.
Si una sola lámpara ilumina el rostro directamente, la

iluminación será plana y la forma de la cara y sus texturas
no se resaltarán. En fotografía de retrato, se utiliza la
iluminación lateral para obtener sombras en un lado de la
cara (generalmente con una relación de 4:1). Esto hace que
se rompa suavemente la simetría del rostro, modelándolo y
haciendo que resalten sus formas en las sombras. Con luz
de ventana y un reflector utilizado a esta relación se puede
crear la iluminación más favorecedora para los retratos.
Si la relación de iluminación excede 4:1, aumentará el
contraste entre las luces y las sombras e, incluso, un rostro
perfectamente simétrico quedará mal con una iluminación
desequilibrada. Asimismo, si iluminamos desde debajo de
la cara, ésta resultará extraña o siniestra.
Martin (superior)
Un jersey con capucha y un punto de vista inusualmente alto enmarcan el rostro simétricamente.
El color de la ropa complementa el tono de la piel y crea una fuerte sombra en forma de «V».
Ni los ojos ni la dirección de la mirada se ven, lo que añade a la imagen un elemento de intriga.
Ficha técnica: no se ha facilitado información sobre la cámara. Fotografía tomada a la sombra en un día
bastante soleado. Contraste ligeramente realzado en Photoshop.
La simetría y el rostro
La primera tarea de un recién nacido consiste en aprender a
reconocer la cara de su madre lo antes posible, pues ella le
alimenta, le da cariño y seguridad. A partir de ese momento,
aprendemos rápidamente a reconocer y comparar los
dibujos visuales. Como es evidente, nos acostumbramos
a escoger caras dentro de una multitud y a comparar las
ligeras asimetrías en un rostro que es único. Se han hecho
muchos estudios para demostrar que un rostro simétrico
con un buen equilibrio entre las dos mitades se considera
bello. Cualquier asimetría en la cara se valora por demostrar
«personalidad»; sin embargo, un gran desequilibrio en los
rasgos produce incomodidad en el observador. Al hacer
retratos, es importante recordar estas arraigadas respuestas
psicológicas.
Si una sola lámpara ilumina el rostro directamente, la

iluminación será plana y la forma de la cara y sus texturas
no se resaltarán. En fotografía de retrato, se utiliza la
iluminación lateral para obtener sombras en un lado de la
cara (generalmente con una relación de 4:1). Esto hace que
se rompa suavemente la simetría del rostro, modelándolo y
haciendo que resalten sus formas en las sombras. Con luz
de ventana y un reflector utilizado a esta relación se puede
crear la iluminación más favorecedora para los retratos.
Si la relación de iluminación excede 4:1, aumentará el
contraste entre las luces y las sombras e, incluso, un rostro
perfectamente simétrico quedará mal con una iluminación
desequilibrada. Asimismo, si iluminamos desde debajo de
la cara, ésta resultará extraña o siniestra.
Flor de pita (superior)

El suave enfoque de esta imagen enfatiza el contorno, la forma y el color, y dlfumina
elegantemente los detalles del primer plano.
Ficha técnica: D100 zoom Nikkor 70-300 mm con lente de aproximación Nikon de +2,9 dioptrías y flash
de anillo SB-29. Profundidad de campo limitada a pesar de la pequeña abertura (1/180 s, f22). El enfoque
sobre la flor principal reduce todavía más la gama de nitidez.
La apariencia del espacio 118_119
a veces es necesario prescindir del enfoque

La fotografía se considera una «técnica automático de la cámara, bien pasando al
basada en la óptica», pues el enfoque nítido enfoque manual, bien utilizando la función
y el efecto borroso que se consiguen con el de bloqueo autofoco.
objetivo son características de esta técnica.
Un pintor puede difuminar con un pincel La calidad de las partes desenfocadas de
o un lápiz, pero no tiene nada que ver con una imagen es importante, especialmente en
el efecto borroso progresivo del objetivo. el caso de los retratos, en los que se puede
En general, en la fotografía se asume que la necesitar un desenfoque muy progresivo.
nitidez indica relevancia, aunque hay algunos La abertura del objetivo es responsable de la
fotógrafos que se han saltado a propósito calidad del desenfoque e introduce su propia
esta regla y enfocan más allá del motivo. forma en las luces desenfocadas. Cuanto
más circular sea la abertura, más satisfactorio
Los teleobjetivos tienen poca profundidad será el desenfoque. Esto lo percibió por
de campo, aunque se reduzca la abertura; primera vez un entusiasta de las cámaras
los gran angular casi no hay que enfocarlos, japonés, que utilizó el término bokeh
pues tienen una enorme profundidad para describir la calidad del desenfoque
de campo. Estas diferencias influyen de un objetivo. Los objetivos que mantienen
en la elección de la longitud focal, como una abertura circular en lugar de poligonal
por ejemplo, cuando se busca un plano cuando se cierra el diafragma tienen un
de enfoque crítico y al mismo tiempo bokeh muy bueno: cuantas más láminas
una caída abrupta de nitidez. tenga el diafragma del objetivo (y por tanto
más caro sea), mejor será la calidad del
El punto de enfoque es importante, sobre bokeh. Los objetivos baratos producen altas
todo en el caso de los retratos pues los ojos luces desenfocadas de seis u ocho lados,
han de estar perfectamente enfocados. Para que desvían la atención del sujeto principal.
conseguir un enfoque preciso o específico,
Enfoque selectivo: 1 enfoque cercano. 2 enfoque lejano. 3 enfoque a media distancia.
Profundidad de campo del punto de enfoque y dos tercios por

Con la abertura máxima del objetivo -cuando detrás. Cualquier parte del sujeto que esté
está totalmente abierto-, el enfoque es un dentro del área cubierta por la «profundidad
plano muy limitado, paralelo al plano de la de campo» aparecerá aceptablemente nítida.
película o al sensor en el caso de una cámara
digital. Hay algo de profundidad de campo, La utilización de la abertura del objetivo
o una nitidez aceptable, delante y detrás permite controlar qué se plasma con
del objeto enfocado, pero no demasiada. nitidez y qué no. Desenfocar el fondo
A medida que se reduce la abertura del que hay detrás del sujeto se consigue
objetivo, o se cierra, esta aparente nitidez con una abertura máxima; para enfocar
empieza a extenderse por delante y por perfectamente toda una flor hay que enfocar
detrás del plano de enfoque. La profundidad con cuidado un poco más allá de la flor
de campo no aumenta uniformemente y reducir la abertura del objetivo hasta
por delante y por detrás, sino que, como lograr una profundidad de campo que
regla general, aumenta un tercio por delante abarque toda la flor. Cuanto más cerca
f2,8 Punto de enfoque f5,6
En estas cuatro fotografías se puede ver cómo aumenta la profundidad de campo con menor abertura.
• esté la cámara del sujeto, menor será la
profundidad de campo, y lo mismo ocurre
cuanto mayor sea la longitud focal del
(al punto más lejano), de modo que se pierde

una gran parte de la profundidad de campo
disponible. Cuando un objetivo se enfoca
objetivo utilizado. Algunas cámaras SLR a infinito, el límite más cercano de su
tienen un botón para visualizar la profundidad de campo según la abertura
profundidad de campo a la abertura escogida se denomina «distancia
seleccionada, antes de disparar (siempre se hiperfocal». Algunos objetivos tienen escala
enfoca a la máxima abertura del objetivo). de profundidad de campo, donde se puede
leer la distancia hiperfocal. Ajusfando el
El enfoque hiperfocal es un método para enfoque a la distancia hiperfocal se podrá
maximizar la profundidad de campo que conseguir la máxima profundidad de campo
suelen utilizar los fotógrafos de paisaje para para la abertura escogida. Si el objetivo
obtener imágenes nítidas en el primer plano no tiene escala de profundidad de campo,
y en el fondo. Una cámara con autofoco recuerde la regla general de un tercio
enfoca, en estas circunstancias, a infinito y dos tercios.
fu f22
Primer plano y fondo

Muchas fotografías de paisaje decepcionan
al fotógrafo, pues el resultado puede parecer
demasiado plano. Sin embargo, hay imágenes
que trasladan al observador a un pequeño
mundo enmarcado, y una forma para
conseguir esto consiste en enfatizar la ilusión
de profundidad en la imagen. Simplemente
el hecho de bajar el punto de vista conectará
al observador con el paisaje de una manera
más intensa. Una fotografía tomada desde
un punto de vista más bajo proporciona más
énfasis al primer plano y aumenta la aparente
profundidad de la imagen. Los paisajes
fotografiados desde el punto de vista usual
de una persona de pie tienen menos conexión
con el observador. El gran angular enfatiza
los objetos del primer plano, permite trabajar
más de cerca y ofrece una mayor profundidad
de campo.
En arte, cualquier forma que se superpone

y esconde el fondo o esconde otra forma
es un objeto situado en primer plano. Si no
se superponen o coinciden, puede interpretar
equivocadamente que están uno al lado
de otro en un único plano. Si se escoge
con cuidado el punto de vista, se puede
superponer un elemento del primer plano o
parte de un objeto de primer plano más grande
para aumentar la sensación de profundidad.
Esto se puede aplicar a todo tipo de fotografía
y no sólo a la de paisaje. Las sombras también
proporcionan pistas sobre la profundidad
al ir alejándose a lo largo de los planos
de perspectiva de la imagen.
Limitar la profundidad de campo desenfocará

selectivamente el primer plano o el fondo,
lo que cambia el énfasis dentro de la imagen.
Algunos fotógrafos enfocan más allá del
sujeto del primer plano para crear un elemento
de ambigüedad o duda, pues el aparente
sujeto principal aparecerá desenfocado
delante de un mundo nítidamente enfocado.
A través del público (superior)

El sujeto está en el fondo, pero a pesar de esto el observador «siente» que está con el piloto, Yvan
Muller, antiguo campeón de cars, en la British Touring Car celebrada en Brands Hatch.
La cámara se preenfoco manualmente y se hizo un barrido a una velocidad de obturación
lo suficientemente baja como para desenfocar el primer plano a pesar de la profundidad
de campo que permite esta abertura.
Fotógrafo: David Elsworth.
Ficha técnica: Nikon D100 con zoom Sigma 70-300 mm, 1/30 s, f22, ISO 200.
Organización del tiempo
124_125
La selección de la abertura del objetivo y del punto de enfoque permite al fotógrafo

controlar qué parte de la imagen quedará enfocada y el grado de nitidez. Sin
embargo, la velocidad de obturación le permite controlar la representación del
movimiento en la fotografía. Tiene entonces que decidir entre congelar el movimiento
o darle más énfasis y desenfocarlo.
Este capítulo explica maneras muy diferentes de plasmar el paso del tiempo en las
imágenes. Una velocidad de obturación baja y una exposición más larga permite mostrar
el movimiento de objetos a través del fotograma, y crear fascinantes formas desenfocadas
que siguen el movimiento del sujeto. Otro efecto muy eficaz consiste en captar, con una
larga exposición, al sujeto totalmente inmóvil mientras se mueve lo que le rodea, de
manera que quede perfectamente clara la diferencia entre la inmovilidad y el movimiento.
Con una velocidad de obturación alta y un flash de alta velocidad se han conseguido
imágenes únicas que muestran el tiempo detenido, lo que nos permite analizar un
fenómeno que previamente no se podía plasmar, como por ejemplo el paso de una bala a
través de una fruta o la explosión de un globo. Las cámaras modernas permiten combinar
tiempos de exposición largos y flash para crear imágenes en las que el sujeto principal
está inmovilizado en medio de un mundo en movimiento y que aparece en la imagen
desenfocado. Resulta interesantísima la forma en que la cámara parece detener el tiempo.
En cualquier situación fotográfica, existe un momento óptimo o ideal en el que plasmar

la imagen: es el momento en que el mundo dinámico y los elementos estáticos
están perfectamente unidos. El fotógrafo Henri Cartier-Bresson acuñó la expresión
«instante decisivo» para describir este fenómeno. En los próximos apartados analizaremos
con detalle cómo se puede plasmar este «instante decisivo» y también cómo las imágenes
secuenciales, más que las individuales, permiten mostrar el paso del tiempo de una
manera muy reveladora.
Paso cebra (página anterior)

El coche y el peatón se están moviendo bajo la lluvia; sin embargo, las diferentes velocidades
crean efectos distintos. Los colores, las rayas del asfalto, las luces en movimiento y la figura
solitaria crean una imagen memorable que tiene la cualidad de una mirada captada: una
conjunción única.
Fotógrafo: Felipe Rodríguez.
Ficha técnica: Fujifilm Flnepix S2 Pro, Nikkor 80-400 mm VR, 0,3 s, f5,3, ISO 1600. El contraste se ha
acentuado en Photoshop.
Máscaras (superior)
Esta fotografía se tomó durante un ensayo de vestuario de La tempestad, una obra de
Shakespeare. El «sueño de Miranda» sólo estaba iluminado por los focos movibles, así que los
actores se movían entre zonas de luz. Durante la larga exposición, se utilizó el modo
de sincronización lenta del flash de la cámara junto con la iluminación natural para plasmar
el movimiento y el ambiente.
Fotógrafo: Sam Henderson.
Ficha técnica: Nikon D100 con objetivo Tamron 24-135 mm, ISO 800 para lograr una profundidad de campo
aceptable y una exposición de 1/15 s, flash Nikon Speedlight disparado manualmente.
El paso del tiempo 126_127
El paso del tiempo se han convertido en clichés fotográficos,

En 1826, Joseph Niépce colocó una pero todavía se pueden hacer fotografías
placa de metal fotosensible en una cámara originales y creativas.
oscura (un objetivo dentro de una caja con
una abertura para mirar y que utilizaban los Con los materiales fotográficos modernos
pintores como ayuda en la composición) y de gran sensibilidad, los tiempos de
la enfocó hacia la ventana de su buhardilla. exposición se han de hacer con poca luz
Después de una exposición de ocho horas, o bien utilizando filtros de densidad neutra.
«reveló» la placa con una mezcla de aceite Esto se hace para lograr los largos tiempos
de lavanda y de petróleo y apareció de exposición que mostrarán el movimiento
la imagen de un patio rodeado de edificios de la luz y del sujeto durante la exposición.
y árboles y paisaje al fondo. Aunque esta Los efectos que se pueden conseguir
fue la primera fotografía de la naturaleza pueden ser muy distintos. Por ejemplo,
permanente, parece ser que Niépce no una cámara totalmente inmóvil puede
quedó muy satisfecho con la calidad de plasmar el movimiento de un sujeto con
la luz y de las sombras, pues le parecieron un fondo en movimiento durante una
poco naturales. Durante la exposición, exposición larga; ahora bien, si la cámara
la posición del sol había cambiando y había se mueve durante el tiempo de exposición
iluminando de forma poco natural ambos desenfocará toda la Imagen. Los tiempos de
lados del patio. exposición para conseguir los efectos
deseados suelen ser, incluso entre los
Las exposiciones largas muestran cualquier profesionales, una cuestión de prueba y
movimiento del sujeto durante el período en error o de bracketing (sobre y subexposición
que está abierto el obturador. De esta forma, secuencial). En el caso de la película, una
se puede plasmar el movimiento en un exposición muy larga produce un fallo
medio por lo demás estático. El movimiento en la relación lineal entre el tiempo de
desenfocado presenta una ventaja y exposición y la cantidad de luz, que puede
una desventaja. La desventaja es que se provocar cambios de color no deseados.
pierde el detalle, pero por otro lado se En el caso de las cámaras digitales,
acentúa el color y aparece en la imagen la los tiempos de exposición largos pueden
línea de movimiento. Algunos de los efectos producir ruido, de manera que para
más utilizados son las estelas de luz de moderar este efecto muchos modelos
los faros y los pilotos traseros, así como de cámaras digitales cuentan con un
el movimiento del agua que cae sobre unas mecanismo especial de reducción
rocas o en una cascada. Estas Imágenes de ruido en exposiciones largas.
Momentos muestran algo que no podemos ver sin

En los primeros tiempos de la fotografía, ayuda y, además, juegan con nuestro
las exposiciones duraban decenas sentido de la expectativa. Sabemos lo que
de segundos en vez de fracciones de va a pasar después, pero en la imagen
segundo. Pero a medida que mejoraron nunca aparece.
los materiales fotográficos y se volvieron
más sensibles a la luz, fue posible reducir Los fotógrafos especializados en fotografía
enormemente los tiempos de exposición. deportiva aprenden a desarrollar esa
Esta mejora de los materiales hizo posible capacidad de anticipación para captar
dividir el tiempo en momentos perfectamente perfectamente momentos de un
inmóviles y plasmados para siempre. Las partido; así, enfocan un trozo de hierba
cámaras más modernas tienen velocidades aparentemente irrelevante en un campo
de obturación de 1/1.000 s, o incluso más donde se espera que empiece la acción.
rápidas, y con las películas de la sensibilidad A veces el autofoco -incluso en
adecuada o la posibilidad de escoger el ISO el modo autofoco predictivo- no es lo
en las cámaras digitales se puede congelar suficientemente rápido y hay que confiar
el momento. Los flashes de alta potencia en el preenfoque manual. Cuando se utiliza
de estudio pueden crear una luz de una el autofoco, siempre es mucho mejor tener
duración de 1/10.000 s, para captar algo suficiente luz. Cuando se quiere plasmar
tan efímero como la salpicadura del agua. un sujeto que se mueve con rapidez,
a veces hay que realizar un barrido con
Las imágenes fotográficas como éstas la cámara. Esto quiere decir que la cámara
resultan fascinantes y se pueden ha de seguir al sujeto y mantenerlo
contemplar muchas veces, pues nos enfocado en un fondo desenfocado.
Alegre domingo por la mañana (página siguiente)

La niña aparece suspendida en el aire para siempre con las piernas dobladas. El fotógrafo
necesitó concentrarse para conservar la composición del fondo y a la vez anticipar dónde iba a
saltar la niña. Ésta se detiene momentáneamente en el punto más alto del salto y esto le permite
al fotógrafo utilizar una velocidad de obturación algo más lenta de lo que hubiese necesitado
de no haber sido así. La fuerte luz natural se ha equilibrado con flash.
Ficha técnica: no se han facilitado detalles de la cámara. El contraste se ha ajustado en Photoshop.
Momentos 128_129
El instante decisivo 130_131
El instante decisivo la cámara para captarlo y poder repetir

El «instante decisivo» de Cartier-Bresson esa calidad de observación es lo que
es un concepto incomprendido. La frase la hace que su obra fotográfica sea tan
acuñó en realidad su editor norteamericano extraordinaria.
y es una versión mejorada de la traducción
literal de «Images a la sauvette» de 1952. El instante decisivo no consiste simplemente
El «instante decisivo» significa que cada en captar el momento álgido de una acción,
vez que se va a hacer una fotografía sólo tal como haría un fotógrafo deportivo.
hay un instante en que todos los elementos Cuando se analizan los retratos de artistas
emocionales y de la composición coinciden que realizó Cartier-Bresson, se puede ver
en su momento más intenso: si se quiere este concepto puesto en práctica. En un
ser fotógrafo, resulta preciso aprender maravilloso retrato de Alberto Giacometti
a reconocerlo. (1961), Cartier-Bresson plasma al artista
cuando involuntariamente, pero con
Cartier-Bresson no sólo tomaba una precisión, se refleja sus propias esculturas;
fotografía, sino que hacía series de una velocidad de obturación lenta enfatiza
imágenes. En un documental en ei que el movimiento de Giacometti y lo separa
se le ve trabajando, hace fotografías de su obra en una sola dimensión.
continuamente, incluso sin mirar por el De una forma parecida, en el retrato que
visor de la cámara (invariablemente, una Cartier-Bresson hizo a Avigdor Arikha no
Leica de telémetro). Su talento estribaba hubo preparación previa, no hubo pasado.
en saber reconocer el instante en que Fue suficiente un instante para captar el
se unían ios elementos emocionales momento en que el pintor mueve el lienzo
y los de la composición y encontrar ese y se refleja momentáneamente la imagen
encuadre entre sus imágenes. Ser capaz de su autorretrato situado en el lado
de reconocer ese instante, disparar izquierdo de la fotografía.
Retrato del pintor Avigdor Arikha (página anterior)

En lo que respecta a la composición, se podría decir que no es una imagen perfecta, con el
marco de la puerta y la banda oscura que divide la imagen verticalmente por la mitad. El lado
derecho de la fotografía por sí solo sería un soberbio retrato del pintor; incluir el autorretrato de
la izquierda es sencillamente fantástico. El desnudo del cuadro realza este extraño instante, igual
que la forma, casi reverencial, con que el pintor sujeta el lienzo.
Fotógrafo: Henri Cartier-Bresson.
Secuencias le ofrecen al espectador una manera de

El control sobre la velocidad de obturación avanzar y rebobinar el tiempo según el orden
permite plasmar el tiempo congelado en el que se contemplan las imágenes.
o desenfocado en una sola imagen. Sin Las secuencias muestran el desarrollo
embargo, algunos fotógrafos van más allá de un evento o crean una narración.
en su intento de superar las limitaciones
que supone plasmar el tiempo que pasa Muybridge ayudó a sentar las bases
en una sola imagen. de la industria cinematográfica. Aunque
no lo llegó a saber nunca, el formato del
En 1877, el fotógrafo Eadweard Muybridge storyboard -que muestra el desarrollo
utilizó una secuencia de fotografías para de una historia a través de secuencias de
zanjar una apuesta. En una serie de imágenes a lo largo de un período de
imágenes tomadas con rapidez, demostró tiempo- es algo que se utiliza siempre en la
que un caballo al galope puede tener en un planificación de una película o de un vídeo.
momento dado las cuatro patas en el aire. Los fotógrafos lo emplean como una fuente
Muybridge utilizó, para crear una elegante de inspiración; por lo tanto, en términos
secuencia de imágenes, una serie de creativos la idea de «secuencia» traza
cámaras que disparaba cuando el caballo el círculo completo.
pasaba al galope gracias a unos hilos
situados a lo ancho del camino que debía En sorprendente contraste con la secuencia,
recorrer. Aunque lo que pretendía era existe la posibilidad de crear múltiples
plasmar la acción, lo que logró sin darse exposiciones en una sola imagen con un
cuenta fue establecer las bases del cine. flash estroboscópico, que emite luz durante
Lo que fascinó a los coetáneos que vieron una exposición individual. Con múltiples
estas imágenes fue la forma en que exposiciones, las imágenes se superponen
acciones complejas se descomponían una sobre otra en lugar de seguir un orden
en imágenes individuales. Las secuencias secuencial.
El coco (página siguiente)

Esta secuencia de imágenes analiza el miedo de la misma forma que un storyboard, pero con
más detalle. La pesadilla de todo niño se hace realidad cuando el espeluznante abrigo se
convierte en un coco verdadero tan pronto como la niña se duerme. La narración es bien clara;
sin embargo, el observador no está seguro de si es real o imaginaria.
Fotógrafo: Duane Michals.
Secuencias 132 133
Aplicaciones
«Las llamadas reglas de la composición fotográfica

son... inservibles, irrelevantes e inútiles... No hay reglas
de composición fotográfica, sólo buenas fotografías.»
Ansel Adams (fotógrafo de paisajes)
134 135
Armados con conocimientos sobre geometría y proporción, ¿cómo se enfrentan

los fotógrafos a la composición en el mundo real? En algunas situaciones, como
en la fotografía convencional de paisajes, el fotógrafo ejerce el control solamente
sobre algunos aspectos: hay que esperar a tener la luz adecuada, estar a merced
de las condiciones climáticas y la elección del punto de vista es de gran importancia.
Un caso totalmente opuesto es el de la fotografía de bodegones, donde el fotógrafo
ejerce el control sobre todos los detalles, desde la disposición de los elementos hasta
la iluminación. Los fotógrafos de bodegones muchas veces imponen límites a su obra
estudiando las pinturas de bodegones o analizando tradiciones de este estilo, como
por ejemplo fotografiar una flor perfecta. Los fotógrafos artísticos tienen algunas
similitudes con los de bodegones, al margen del tema, pues estudian y utilizan
técnicas fotográficas antiguas o alternativas, también con técnicas modernas.
El retrato es un tema siempre vigente en fotografía. Los fotógrafos especializados en retrato se

sienten motivados por las infinitas variaciones del rostro humano. Salir del estudio y adentrarse
en el entorno del modelo abre un mundo de posibilidades y revela mucho más la personalidad
del modelo y sus intereses. En el caso del retrato, o del desnudo, el cuerpo humano es un
motivo clásico para experimentar con la forma, la luz y la textura.
La composición resulta mucho más complicada en el caso de la fotografía documental o de

reportaje, pero es muy importante para comunicar al observador la narrativa de un momento.
Las mejores fotografías de ambos géneros son el resultado de combinar la excelencia técnica
con una buena composición.
En el ámbito comercial, la composición puede ser una buena interpretación de las ideas
visuales de otra persona. En la fotografía publicitaria y editorial, los dictados del director
artístico o del editor cinematográfico son decisivos para decidir qué tipo de fotografía
se va a realizar. Normalmente, la imagen se compone teniendo en cuenta un diseño previo.
En este capítulo explicaremos cómo utilizar en diferentes situaciones prácticas las ideas
que hemos comentado para demostrar lo importante que es la composición en este proceso.
Escalera del Vaticano (página anterior)

En esta fotografía de varios turistas que suben la gran escalera en espiral del Vaticano, en Roma,
se ha aplicado una cuidadosa composición geométrica. Se ha utilizado una técnica fotográfica
para emborronar a las personas que se están moviendo, de forma que contrasten con la precisión
y la solidez de los elementos arquitectónicos. Esto también hace que los turistas se conviertan
en tonos de color dentro de una imagen en general acromática, lo que le añade cierto dramatismo
y demuestra el interés del fotógrafo por el color.
Ficha técnica: Canon EOS 300D (Digital Rebel) con objetivo Canon EF-S 18-55 mm, ISO 100, la imagen se
desaturado selectivamente, virándose el fondo y manteniendo el color en las personas que están en la escalera.
Aplicaciones
I El paisaje
El paisaje 136 137
el paisaje y esto depende de la hora del día

La fotografía de paisajes incorpora todos los y de la estación. Algunos paisajes -com o
elementos de la composición, pero los de las zonas costeras con orientación
a lo grande, de ahí su popularidad. Con norte del hemisferio norte- nunca reciben la
la composición paisajística, el fotógrafo luz directa del sol. La paciencia es la madre
espera que la luz desvele la textura, como, de la ciencia. Las cartas que indican la
por ejemplo, características geológicas posición del sol y las brújulas ayudan a
o arqueológicas, y sacar provecho de ellas. averiguar qué luz tendrá un paisaje dado.
La luz siempre en movimiento del sol y de Evidentemente, también es aconsejable leer
la luna desvelan el contorno y la forma libros y revistas sobre el tema, pero aunque
de la Tierra. Las estaciones cubren la tierra con todos estos consejos resultan útiles cuando
diversos colores. se prepara un viaje, la verdadera solución es
la experiencia. Algunas lugares famosos
La composición paisajística no es sólo tienen momentos muy limitados en el
simplemente la disposición de elementos año en los que se les puede fotografiar (por
dentro del encuadre, sino que además ejemplo, cuando la luz penetra en una
hay que entender que la imagen puede garganta e ilumina un detalle en particular).
transformarse con los cambios de luz sobre
los que el fotógrafo no tiene control. Aunque En la fotografía paisajística, antes de
éste decide el punto de vista, se halla a componer la imagen, se ha de considerar
merced de la naturaleza en lo que respecta la sensación de lugar. Esta percepción es
a la iluminación, y lo único que puede lo que permite dar una respuesta emotiva al
hacer es esperar y observar. La altura y paisaje con la cámara. Sin esa honestidad,
la dirección del sol determinan la luz en la fotografía del paisaje no emociona.
Tierra y cielo (página anterior)

Un objetivo super gran angular, con su enorme profundidad de campo, realza el primor plano,
destaca el cielo y crea una profunda perspectiva que hace que el observador se adundo
en la imagen. Los restos de nieve proporcionan equilibrio a las nubes del cielo.
Fotógrafo: Marina Cano.
Ficha técnica: Canon 20D con objetivo Canon EF-S 10-22 mm, 1/125 s, f 11, ISO 200.
Aplicaciones
El bodegón formato. Es más fácil utilizar una máscara

El bodegón se define como un arreglo de transparente de 10 x 12 cm como marco
objetos y es un género muy popular, tal vez para establecer el punto de vista que mover
por su adaptabilidad, entre los pintores y los la cámara. Para ello, hay que colocar la
fotógrafos. En ese sentido, la composición pantalla delante del ojo aproximadamente
en los bodegones es totalmente diferente a la misma distancia que la longitud focal
a la de la fotografía paisajística. En un del objetivo que se quiere utilizar.
bodegón, el fotógrafo tiene todo el control,
desde la elección del motivo hasta el fondo La iluminación más sencilla es la que
y la calidad de la luz. Sólo por esta razón, se obtiene con una sola fuente de luz
necesita más disciplina, pues se puede acompañada por un reflector para
jugar con muchos aspectos. Merece controlar la relación de iluminación
la pena estudiar a los grandes pintores de del plato; el fondo se puede iluminar
bodegones y observar el equilibrio de la independientemente. Aunque para
composición logrado con la disposición dominar la técnica del bodegón hay que
de los elementos y el tratamiento de la luz. saber utilizar las luces de estudio, los
bodegones al aire libre, que aprovechan
Muchos fotógrafos ven los elementos de la luz natural y tal vez utilizan como
sus bodegones como cuerpos geométricos escenario una esquina de un jardín,
(cubos, conos, esferas). Algunos han también pueden resultar muy gratificantes.
practicado con poco más que una serie Fotógrafos artísticos como Andy
de formas de madera o de papel y una sola Goldsworthy y Chris Drury crean y
fuente de luz. De hecho, casi cualquier fotografían bodegones naturales con
objeto sirve para hacer un bodegón, pues materiales que encuentran en el medio
lo más importante es la forma y el volumen. ambiente. Estas fotografías las realizan
de distintas formas y en lugares diversos,
Para obtener fotografías de mejor calidad, como por ejemplo, mercadillos callejeros
es mejor trabajar con una cámara de gran o el rincón de un cobertizo.
Elevación (página siguiente)

Un enfoque selectivo y una adecuada profundidad de campo convierten esta sencillísima imagen,
formada sólo por una canica de cristal y un rollo de plástico, en un estudio de color y volumen.
El hecho de que el rollo de plástico y la canica tengan el mismo diámetro y se encuentren en el
mismo eje hace que parezca que la canica haya salido del plástico y se haya detenido.
Ficha técnica: Nikon Coolpix 880.
El bodegón 138_139
Aplicaciones
El retrato la simple luz de una ventana y un reflector.

El rostro humano es siempre fascinante, Para encontrar la «esencia» de la persona,
pues se trata de una forma dada con suele ser más efectivo enfocar sólo la cara.
infinitas variaciones. El retrato puede ser Por el contrario, el retrato ambiental
formal o informal. En el formal, el modelo incluye el entorno del sujeto para así crear
y el fotógrafo saben lo que van a hacer y contraste y contexto, como, por ejemplo,
generalmente trabajan juntos para crear una su trabajo o su pasión, o bien reflejar su
imagen. El retrato informal se hace sin que clase social.
el sujeto se dé cuenta de que está siendo
fotografiado y, por lo tanto, está más Fotografiar a dos o más personas formal
relajado y resulta más natural. Los dos tipos o informalmente puede resultar todo
de retratos son reveladores, aunque de un desafío. El modo en que los modelos
distinta manera. utilizan su espacio personal y la conexión
que hay entre ellos influye en la manera
El trabajo de estudio se suele relacionar en que el observador interpreta la imagen.
con los retratos formales, pero también se Personas que están muy cerca pueden
pueden hacer buenos retratos informales parecer tensas e incómodas, a pesar de
en estudio y viceversa, retratos formales las sonrisas «falsas». Cuando se fotografían
fuera de él. Para retratar a una persona personas que mantienen una relación
de un modo informal y que pose relajada cercana, se puede explorar la dinámica
en su propio entorno, sólo se necesita de su relación.
Hermanas {página siguiente)

El recorte realizado en el encuadre plasma un momento de intimidad entre dos hermanas, que
todavía se refuerza más al mostrar sólo la mitad de los rostros (en la fotografía aparece un rostro
entero, pero que pertenece a dos personas). Eliminar el fondo y el detalle de la ropa, así como
el peinado le confiere un carácter intemporal a la imagen.
Ficha técnica: no se ha facilitado información sobre la cámara. La fotografía se realizó en un día soleado y
luminoso con un reflector para modelar mejor las caras; el contraste se ha ajustado en Photoshop y la fotografía
se ha pasado a blanco y negro.
El retrato 140_141
Aplicaciones
La fotografía documental 142 143
La fotografía documental de documentar el tema. Al margen de

El papel de la composición en la fotografía que este tipo de fotografía requiere cierta
documental se puede subestimar porque objetividad, algunos fotógrafos tienen una
en este tipo de fotografía el propósito concepción más política y lo dejan bien
principal no es la estética; ahora bien, claro, mientras que otros intentar provocar
sólo las imágenes que tienen una buena cambios haciendo presión con sus
composición captan la atención del imágenes (éstos son los llamados
espectador. La fotografía documental está «fotógrafos comprometidos»).
muy relacionada con el fotoperiodismo
y el reportaje, pero no comparte el hecho Las fotografías de la página anterior
de plasmar «la noticia». Por definición pertenecen a John Darwell y se publicaron
se trata de un tipo de fotografía que crea en 1986 en el libro The Big Ditch. Aunque
un documento, un informe. Incluso los Darwell reniega de la fotografía documental,
fotógrafos que se dedican a ella no están principalmente por los motivos que
de acuerdo con destacar su objetividad o, acabamos de comentar, se define como
según otros, su falta de objetividad. fotógrafo «independiente». La serie
La contradicción de este tipo de fotografía de fotografías sobre el canal navegable de
es que las imágenes más significativas sólo Manchester las realizó en los años ochenta
se consiguen cuando uno se involucra y y todavía se siguen exhibiendo. Describe su
comprende el tema. Sin embargo, ese nivel proyecto con estas palabras: «Mi intención
de participación resulta incompatible con era captar todos los aspectos del canal
una postura totalmente objetiva. Al margen en un momento en que su futuro era
de lo que uno considere al respecto, de incierto, plasmarlo todo, desde la
lo que no cabe duda es de que se trata tripulación de los barcos y los encargados
de uno de los géneros fotográficos más del mantenimiento del puente giratorio
gratificantes. hasta las fábricas situadas en sus orillas
y el paisaje por el que pasa, que en muchos
La fotografía documental suele estar basada casos es una consecuencia del canal.
en un proyecto, es decir, el fotógrafo se Esta obra es el testimonio de una época
compromete a realizar un encargo o escoge pasada». Posteriormente ha realizado
un tema de su agrado y realiza una serie diversos proyectos sobre el cambio
de fotografías, generalmente a lo largo de industrial, la fiebre aftosa, la salud mental
un período de tiempo, con el objeto y la historia de la tecnología nuclear.
Muelle N.° 9 (página anterior, superior) y Desmanteladores de barcos {página anterior, inferior)
Estas fotografías pertenecen al libro The Big Ditch, un estudio sobre el canal navegable
de Mancheste r en los año s ochent a del siglo xx.
Fotógrafo: John Darwell.
Ficha técnica: Pelícual llford FP4 de formato 6x 9 cm. Objetivo gran angular de 50 mm, copias (edición limitada
de 10) realizadas con papel AGFA Record Rapid 50 x 60 cm y viradas a selenio.
Aplicaciones
El desnudo accesorios, pueden introducir mensajes

Siempre nos ha fascinado la representación del en las imágenes. Si se decide fotografiar
ser humano: el rostro en los retratos, también el rostro de la persona, hay que
el cuerpo vestido en la fotografía de moda o tener en cuenta que un rostro maquillado
las variaciones únicas del desnudo. y un cuerpo desnudo juntos pueden
Éste cuenta con una interesante historia tan transmitir un mensaje indeseado. Además
dilatada como controvertida, que va desde del cierta estética, la fotografía de desnudos
el cuerpo humano como estudio clásico requiere mucha organización práctica: decidir el
de la forma y la luz, pasando por la lugar y lograr calidez y privacidad, además de
fotografía de moda, hasta la pornografía. asegurarse de que el cuerpo
El enfoque y la motivación de cada uno no tenga marcas de la ropa interior.
de estos géneros pueden ser totalmente También hay que pensar si el modelo
distintos (fotografía artística, comercial, quiere estar acompañado.
explotadora), pero lo más probable es que
cualquier fotografía del cuerpo humano En cuanto a la composición, resulta difícil no
provoque una respuesta emocional y algún sentirse abrumado. En el estudio
tipo de debate. Los límites cambian con las es mejor empezar por la Iluminación
épocas, con el gusto del público y con más sencilla y con poses simples (antes
las leyes. Merece la pena considerar cuáles son de empezar a fotografiar, es
límites de cada uno y los de su público. importante hablar con el modelo y tal vez
comentar desnudos clásicos para aclarar lo
Existe una diferencia entre la fotografía de que uno quiere). Hay que utilizar una
una persona desnuda y un desnudo. iluminación que revele el volumen
Estar desnudo es algo íntimo, es mostrarse y las texturas del cuerpo y explorar la
vulnerable, mientras que el desnudo abstracción de la forma y la línea o enfatizar
es algo despersonalizado. Las técnicas la sensualidad. Fotografiar desnudos en
para fotografiar desnudos suelen consistir exteriores requiere muchísima técnica,
en cuadrar el torso y eliminar el rostro. así como una meditada consideración
Las expresiones faciales, igual que los sobre cuestiones de gustos.
Desnudo (página siguiente)

Este clásico e intemporal estudio sobre el desnudo plasma en clave baja un torso de mujer.
La diagonal que cruza la fotografía de izquierda a derecha da sensación de altura y estatura. La
iluminación se ha controlado a la perfección y revela el volumen y la textura de la parte superior
del cuerpo, así como de la pierna, y perfila la forma del cuerpo en el fondo. El peso de este
último se insinúa con los pliegues de la tela sobre la que está sentada la modelo (y sobre la que
se sujeta con los brazos estirados, que no se ven).
Fotógrafo: Eric Kellerman.
Ficha técnica: Nikon D70 con zoom Nikon 28-70 mm, 1/125 s, f5,6, ISO 200, reenouadrada y pasada a blanco
y negro en Photoshop.
El desnudo 144 145
Aplicaciones
MKII Escort (superior)

Después de finalizar sus estudios, David Elsworth se especializó en fotografía deportiva,
concretamente en carreras automovilísticas. Esta fotografía la tomó en el Grizedale Forest Rally
en diciembre de 2002. El propio autor explica cómo la hizo: «El Escort corría a unos 110 kilómetros
por hora. La fotografía la hice a 1/30 s, con un barrido y abriendo el zoom de 35 mm a 19 mm».
La fuerza de esta fotografía hace que el observador se sienta parte de la acción. Con esta imagen,
Elsworth va más allá de la fotografía deportiva y plasma la emoción del momento.
Fotógrafo: David Elsworth.
Ficha técnica: Canon EOS 5 con zoom 19-35 mm, película Fuji Sensia 400.
La fotografía de acción y deportiva 146_147
La fotografía de acción y deportiva

Las mejores fotografías deportivas trascienden el interés
en el juego o en el deporte, pues nos dicen algo sobre el
esfuerzo o los logros de las personas. No basta con captar
simplemente el punto álgido de la acción, por más que esto
pueda atraer a los aficionados al deporte: tiene que haber
un elemento adicional que capte el interés del público en
general. Una composición con fuerza constituye la espina
dorsal de una fotografía de acción.
En algunos casos, el tema principal, es decir, el deporte,

puede ser un tema muy conocido para el fotógrafo. Puede
que incluso conozca las normas del juego, pero lo que es
impresionante -y esencial en este tipo de fotografía- es la
habilidad de visualizar lo que va a pasar y reaccionar ante
unos eventos que se suceden a gran velocidad. Para el
fotógrafo de deportes, la composición es algo inconsciente
e inmediato. Simplemente, el hecho de captar el momento
ya resulta bastante difícil, como dijo un antiguo fotógrafo
del New York Times: «Si uno ve qué está pasando en el visor,
es que no lo ha captado en la película». La anticipación
lo es todo. Los fotógrafos deportivos han de saber dónde
están y tener un sexto sentido para anticipar el momento
excepcional antes de que pase.
Los fotógrafos también tienen que ser conscientes de lo que

ocurre en las gradas. Muchas veces, los eventos colaterales
son los protagonistas de las grandes imágenes de los
momentos deportivos. Estos eventos pueden estar
sucediendo entre el público más que en el campo. Las
grandes fotografías que plasman las reacciones del público
se suelen captar antes y después de un partido. Ofrecen el
elemento humano, plasman las dudas, la desazón, el triunfo
y la emoción del momento. Imágenes como éstas son el
resultado del sentido del oportunismo del fotógrafo.
Aplicaciones
La fotografía artística 148_149
La fotografía artística en el que han colaborado familiares

Algunos géneros fotográficos se mezclan y amigos, Melvin improvisa situaciones
o se solapan con otros, y muchas veces es que incluyen juegos con vestidos y
el contexto de la imagen lo que lo define. máscaras para crear estas figuras.
La fotografía artística es uno de estos Con las muñecas recortables hechas con
casos. De hecho, probablemente se trate las fotografías y con otros objetos, realiza
de uno de los géneros fotográficos más composiciones en el estudio o en otros
malinterpretados. Para nosotros, la lugares, y crea imágenes llenas de
fotografía artística es aquella que se realiza asociaciones y conexiones inspiradas
simplemente por sus valores estéticos. en ios cuentos populares y en los mitos.
El fotógrafo-artista utiliza el medio En términos de composición, las fotografías

fotográfico como un vehículo para plasmar son bastante inusuales y suponen un
la creatividad y, en ese sentido, su obra reto específico para el fotógrafo.
suele estar muy elaborada con objeto La mezclade elementos bidimensionales
de plasmar ideas particulares. Esto puede y tridimensionales requiere una cuidadosa
significar complejas manipulaciones de los iluminación y sensibilidad con relación
materiales, accesorios, fondos y lugares, el a la escala y la proporción. La utilización
uso de procedimientos antiguos, así como de miniaturas y de objetos cotidianos le
alternativos, posiblemente combinados permite a Melvin explorar la dinámica social
con técnicas digitales modernas. en las relaciones entre parientes, jóvenes
y mayores, mujeres y hombres, así como
A Karen Melvin le interesa el retrato y el padres e hijos. Se acerca al mundo de
autorretrato. Ha trabajado en una serie fantasía de sus juegos infantiles y reflexiona
de bodegones sobre este tema titulados sobre la inocencia y la fragilidad de sus
Paper Dolls («muñecas de papel»). Esta nietos. Estas composiciones se han
serie analiza el tiempo, los recuerdos fotografiado con cámara de gran formato
y las relaciones familiares y conecta el y película en color; después, el color se ha
mundo privado de los eventos cotidianos ajustado en Adobe Photoshop y se han
con la mitología de los cuentos de hadas. hecho ampliaciones para poder plasmar
Las «muñecas de papel» son figuras todo el detalle. La obra de esta fotógrafa
fotografiadas en blanco y negro que demuestra la compleja relación entre
la artista ha realizado para utilizarlas en el motivo y la ejecución en la fotografía
sus fotografías en color. En este proyecto, artística.
Familia (página anterior)

Esta fotografía fue una de las primeras de una serie de 25 titulada Paper Dolls.
Fotógrafo: Karen Melvin.
Ficha técnica: cámara MPP 10 x 12 de gran formato, mezcla de luz natural y flash, negativo Fuji NPS color
digitalizado con un escáner Nikon LS4500AF, copias en color de 75 x 100 cm hechas en una impresora
Hpson 7600 de gran formato en papel Hahnemuhle Cortón Rag 300 g.
Aplicaciones
La fotografía publicitaria sentido, la pantalla de vidrio esmerilado

La composición desempeña un papel de la cámara de gran formato facilita
muy distinto en la fotografía publicitaria. sobremanera dicha cuestión.
A la hora de componer imágenes para
anuncios, hay que considerar cómo se van Cuando el proyecto todavía no se ha
a utilizar: si habrá texto en la fotografía, terminado, las imágenes publicitarias
si se presentarán junto a otras, si se pueden resultar bastante desequilibradas,
publicarán en revistas o en internet... con mucho espacio alrededor del marco
Para este tipo de trabajos, se suelen utilizar en el que se añadirá texto u otras imágenes.
cámaras de gran formato, porque con este Es aconsejable utilizar una apropiada
tipo de cámaras se puede ejercer un control densidad de tono o colores que contrasten
total sobre la perspectiva y la profundidad para que el texto se vea bien con la imagen,
de campo (al margen de si son analógicas especialmente si esta última se va a colocar
o digitales), y como el tamaño de la imagen detrás del texto. El director artístico suele
ya es grande se pueden lograr fotografías indicar cómo ha de quedar la fotografía
de gran calidad. Elementos como el título y el fotógrafo ha de respetar su decisiones
o el texto también han de incorporarse al en cuanto a la iluminación y a la forma en
conjunto de la imagen. Incluso en la era que se van a hacer las fotografías en el
digital, se sigue utilizando papel de estudio. Añadir texto a una imagen puede
calcar y lápices de colores para elaborar crear un efecto espectacular en cuanto
imágenes complejas donde hay que crear a la percepción de la profundidad, y esto
espacios para poner el texto o para colocar hay que tenerlo en cuenta ya en las fases
una segunda imagen o ilustración. En ese iniciales del proceso.
Campaña antitabaco {página siguiente, superior)

Un poderoso mensaje visual sobre la salud presentado a través de los contrastes. La perfecta
simetría del tarro y el ángulo dinámico de la colilla del cigarrillo, los tonos claros y suaves de
la crema y la nítida imagen de la ceniza oscura enfatizan la fuerza de la imagen creada al apagar
un cigarrillo en un tarro de crema facial. Toda la fotografía parece exclamar: «Fumar perjudica
tu belleza». El increíble detalle que se logra en la fotografía realizada con cámara de gran
formato hace que el mensaje todavía tenga más fuerza.
Fotógrafo: Kevin Summers Photography.
Director artístico: Damián Collins.
Ficha técnica: cámara de película 20 x 25 con objetivo de 240 mm, Fuji Velvia 50 RVR
Cristal Cruises Iron {página siguiente, inferior)

Una metáfora visual inteligente y directa en la que la suave plancha navega serenamente sobre
un mar de tejido azul. El recorte le añade a la imagen inmediatez y fuerza.
Fotógrafo: Kevin Summers Photography.
Ficha técnica: cámara con película 10x8 con objetivo de 240 mm, Fuji Velvia 50 RVR
La fotografía publicitaria 150_151
Originalidad
«Escuche esa vocecíta que oye en su cabeza

y que dice: "y si..." y después hágalo.»
Duane Michals (fotógrafo)
152 153
En este último capítulo del libro vamos a recoger algunas de las ideas ya planteadas
en capítulos anteriores y vamos a considerar cómo desarrollar un estilo personal
y descubrir formas para crear fotografías imaginativas y que hagan reflexionar.
Veremos la importancia que tiene saber con antelación qué tipo de imagen se
quiere obtener en una situación determinada y ofreceremos soluciones a problemas
fotográficos para ser conscientes de ellas antes incluso de tomar la cámara.
En el apartado «Analizar, aislar y organizar» se analizan los mecanismos de la composición

según las teorías del fotógrafo Andreas Feininger, que aconseja la visualización, «trabajar»
con el sujeto para desarrollar nuevas soluciones fotográficas y utilizar sencillas reglas
de composición para dotar de orden y coherencia a la imagen.
Conocer las reglas de la composición es una cosa, pero ¿qué pasa cuando el fotógrafo
rompe esas reglas o se las salta? Estudiaremos técnicas que sirven para desequilibrar
deliberadamente las imágenes no siguiendo las reglas y también métodos de recorte
creativo para lograr efectos específicos. Examinaremos la utilización del humor en la
imagen y analizaremos por qué encontramos algunas fotografías graciosas y cómo
podemos aprovecharnos de las situaciones cómicas. Otra herramienta de la composición
muy efectiva es el contraste. Analizaremos el poder que tiene contrastar ambientes y crear
contraste entre sujetos para imprimir más fuerza y dinamismo a una imagen. El color es
un aspecto importantísimo por sí solo, pero explicaremos de forma breve cómo se utiliza
con la composición para crear efectos abstractos.
La tecnología digital ha superado muchos límites en el ámbito de la fotografía y ha creado

nuevas oportunidades para la realización de imágenes. Analizaremos las ventajas y las
desventajas de trabajar con medios digitales y utilizar programas de edición de imágenes.
Y para concluir, abordaremos distintas formas a la hora de incorporar diferentes enfoques

de composición en la creación de imágenes.
Venecia (página anterior)

Una visión personal tan sólo requiere inspiración. Esta fotografía es una imagen digital
compuesta de Venecia. Se han superpuesto dos imágenes y la fotografía resultante se ha virado
a sepia digitalmente. Los rayos de luz son auténticos.
Fotógrafo: Jean Sébastien Monzani.
Ficha técnica: Canon Powershot S30 (3,2 MP), 1/30 s, f/2,8, ISO 200.
Originalidad
Cómo desarrollar un estilo propio 154_155
Cómo desarrollar con fluidez con una cámara -y eso es

un estilo propio precisamente la composición- significa
Desarrollar un estilo propio es algo conocer el equipo fotográfico y poder
importante para todo aquel que se tome en utilizarlo a ciegas.
serio la fotografía, no sólo para el fotógrafo
profesional. Una buena forma de empezar a Las cámaras digitales, aparte del
descubrir el estilo propio es escoger un solo desembolso inicial, ofrecen al fotógrafo
sujeto e intentar fotografiarlo de diferentes la posibilidad de experimentar sin costes
formas. El hecho de elegir un tema permite adicionales. Evidentemente, las cámaras
estudiarlo a fondo y analizar cómo se más sencillas no ofrecen las posibilidades
puede tratar fotográficamente. técnicas necesarias para poder hacer
muchas cosas. Las cámaras digitales
En un prestigioso curso de fotografía de compactas son muy buenas para viajar
Estados Unidos, les dieron a los asistentes y para tomar instantáneas, pero con ellas
dos hojas de notas. En la primera se había resulta más difícil aprender. Las cámaras
escrito tres frases: «Un objetivo. Una digitales SLR ofrecen un mayor control
película. Un revelador». La segunda decía: manual y, por lo tanto, mayor flexibilidad,
«Simplemente, haz la fotografía». De esta pero son bastante más caras.
manera tan impactante pretendían decirles
a los alumnos que muchos fotógrafos Iniciarse con una sencilla cámara manual
tienen problemas por no conocer bien elimina muchas complejidades técnicas
el equipo. Es tan fácil sentirse abrumado y permite seguir adelante con el proceso
con las características de la cámara y creativo, concentrarse en el sujeto y en
sus posibilidades técnicas que uno no se la composición, y lo que uno quiera decir
lanza a tomar fotografías. Expresarse surgirá más claramente.
«La cámara siempre cumple dos funciones. Al plasmar

el sujeto, se expresa uno mismo.»
Freeman Patterson (fotógrafo)
Mind Matters {página anterior)
Mercedes Fages-Agudo empezó a trabajar con los reflejos en una clase de fotografía en
Massachusetts. Desde entonces, los reflejos de los escaparates se han convertido en el tema de
su obra. Estas imágenes se han mostrado en exposiciones y se han publicado en Second Story,
un libro en el que colaboran varios fotógrafos y se analiza el aspecto de los edificios sobre el nivel
del suelo en el centro de Rochester (Nueva York). Este retrato de su compañero lo hizo en
Edimburgo, cuando viajó allí para asistir a unas conferencias. Al girarse en un momento dado,
su imagen reflejada en el cristal del escaparate parece que surja de la cabeza del cartel
que está dentro de la tienda. Esta fotografía fue la que se utilizó en el cartel publicitario
de la sexta exposición anual Photographer's Path, en la High Falls Gallery de Rochester.
Fotógrafo: Mercedes Fages-Agudo.
Ficha técnica: Pentax ZX50 (Estados Unidos), objetivo zoom 35-76 mm, Kodak Elitechrome 200.
Originalidad O
Fotografía final, Alnmouth (superior) y estudios sobre el motivo (inferior)

El sujeto se ha fotografiado desde todos los ángulos para experimentar con la composición. El
resultado con más fuerza se ha conseguido al mover la cámara siguiendo la línea de la quilla,
con el punto de vista más bajo y con el recorte más ajustado. La forma y la textura de la arena
del barro y del casco quedan perfectamente plasmadas, con reflejos luminosos en el casco.
Ficha técnica: 18 exposiciones en 11 min; 16.46 horas. Nikon D100, zoom Nikkor 18-35 mm, 1/160 s, f6,7.
Cómo desarrollar un estilo propio 156_1 57
Analizar, aislar y organizar ayudan a conseguirlo. Una vez que se

Es muy fácil acercarse a un sujeto, ponerse ha decidido por una exposición, escoja la
la cámara delante de los ojos, pulsar el combinación de velocidad de obturación
disparador y esperar haber plasmado la y abertura para lograr en la fotografía final
imagen que uno ha visto. Lo ideal sería saber movimiento o profundidad de campo.
antes de hacer la fotografía cómo se quiere
que sea la imagen final. La visualización Organizar
es la base de la composición. Es el procedimiento de escoger el encuadre
y la disposición de los elementos. Es la
Según el fotógrafo y escritor Andreas parte a la que la mayoría de nosotros
Feininger, la composición es un proceso nos referimos cuando hablamos de
que consta de tres partes: analizar, aislar y «composición». A pesar de que sin las
organizar. Se puede empezar a preparar una importantes fases preliminares de analizar
fotografía antes de tocar la cámara e incluso y aislar se puede conseguir una imagen
antes de llegar al lugar donde se va a hacer. bien organizada, lo más probable es que
La preparación es crucial. Si ya sabe lo que no exprese bien su visión personal.
quiere fotografiar, piense en el sujeto con
antelación. ¿Desde qué ángulo lo va a Trabajar en el sujeto
fotografiar? ¿Qué aspecto ofrecerá con Cuando encuentre el sujeto que quiere
diferente iluminación? ¿Cómo puede tratar el fotografiar, siga el procedimiento de analizar,
movimiento? Pensar antes sobre todos estos aislar y organizar hasta que el resultado
puntos le puede solucionar varios problemas. le agrade. Por ejemplo, observe las
fotografías de la página anterior, que siguen
Analizar este procedimiento de experimentación y
Hay que saber qué se quiere decir selección. La textura del barro del estuario,
fotográficamente del sujeto. Es vital tener la forma del casco del barco, su extraño
en cuenta esta idea porque le guiará en ángulo y la calidad de la luz del atardecer
su visión fotográfica. El análisis del sujeto me llamaron la atención. Captar la fotografía
empieza y continúa con los ojos y la cámara, desde el lado del casco que estaba a la
buscando los ángulos, los puntos de sombra hizo que se viesen reflejos en el
vista y cómo quedará el sujeto con los objetivo y no quedó bien. El primer plano de
posibles fondos. Si puede, haga una serie un detalle no funcionó por no tener un buen
de fotografías preliminares para poner en punto de vista (la raya blanca del casco del
práctica sus ideas (las cámaras digitales barco se mezcla con el agua de tono similar
son perfectas). y las sombras no tienen una buena calidad
de luz). Desde el otro extremo, el barco
Aislar tampoco quedó bien porque el sujeto se
Es el procedimiento por el cual se reducen perdía en la línea del horizonte, que además
las opciones a aquellas que mejor van tampoco estaba bien situada. Hacer una
a funcionar. Seleccione los aspectos fotografía de los reflejos del agua era una
importantes del sujeto utilizando técnicas buena idea, pero se me estaba acabando el
tiempo (el sol se pone con mucha rapidez).
como el enfoque selectivo y la profundidad de
El formato de retrato es aceptable, enfatiza
campo. El objetivo es reducir la confusión
el ángulo de los mástiles y la luz empieza
visual y el desorden. La elección del objetivo
a revelar toda la forma del casco.
y del punto de vista (incluso de los materiales)
Originalidad
Humor posibilidades espaciales del arte de la

Según Sigmund Freud, el humor es fotografía con fines humorísticos.
«la yuxtaposición original de dos ideas».
Esta definición ofrece al fotógrafo una buena También son productivas las formas de jugar
excusa para crear imágenes que sean con el tiempo. De la misma manera que
ambiguas de una forma simpática o nos gusta resolver un rompecabezas
directamente graciosa. La elección del punto de imágenes con más de un significado,
de vista y el ángulo en que se hace la nos gusta plasmar un momento divertido.
fotografía puede, a menudo, alinear dos Gracias a su habilidad para congelar el
elementos que separados no tendrían nada tiempo, la fotografía permite crear un chiste
de especial, pero que juntos resultan imperecedero, donde lo inevitable amenaza,
absurdos. Este truco es uno de los preferidos pero nunca ocurre; donde el «gancho»
de los fotógrafos de prensa, que muchas visual se insinúa, pero nunca se expresa.
veces encuadran al orador sobre un fondo
con el eslogan de un partido o con un Es todo un reto crear buenas imágenes
logotipo, el equivalente para un fotógrafo de humorísticas (por lo general, las imágenes
prensa a alinear a un pobre despistado tienden a encontrar al fotógrafo receptivo,
debajo de la cabeza de un ciervo colgada en y no lo contrario). Para los fotógrafos,
la pared para que parezca que le han salido el humor, como la suerte, favorece
unos cuernos. Este enfoque explota las a la mente preparada.
Cómo desarrollar un estilo propio 158_159
Soporte de nube {página anterior)

Dos sencillos elementos como un muro y una nube se pueden alinear para que la nube parezca
que descansa en el muro. No es un chiste para morirse de risa (tampoco es ésa la intención),
pero uno no puede evitar sonreír cada vez que ve una imagen así.
Fotógrafo: Todd Laffler.
Ficha técnica: Sony Cybershot DSC-F717,1/125 s, f8.
Sentido único-San Francisco, 2001 (inferior)

Un ejemplo de la «yuxtaposición original» de Freud. El punto de vista yuxtapone la señal de
tráfico con la estatua religiosa. La atmósfera de la iluminación enfatiza la sensación de que
la señal dirige a las «almas perdidas».
Fotógrafo: Adam Moore.
Ficha técnica: Hasselblad 501 CM con objetivo Zeiss de 80 mm, 5 min, f4, Kodak Tmax 100 revelada con AGFA
Rodinal. Copia en papel de haluros de plata. Ligeros quemados en las esquinas. Virada a sepia.
Originalidad
El contraste materiales. Estas teorías también se

El movimiento Bauhaus de los años veinte aplicaron en la Bauhaus en su enfoque
del siglo xx en Alemania nos enseñó que de la fotografía. A los alumnos se les daba
para que una imagen capte y mantenga la una lista de «contrastes» y se les pedía
atención debe tener una dinámica basada que agrupasen por parejas fotografías que
en el contraste o en los contrastes. Para contrastasen unas con otras. La segunda
muchos, el contraste en fotografía significa fase del ejercicio, más difícil, consistía en
blanco y negro u oscuro y claro, pero combinar en una sola imagen los elementos
existen otras muchas formas alternativas contrastantes.
en las que el sujeto puede contrastar con
el fondo o que el sujeto mismo presente La lista del final de esta página es parecida
diferentes contrastes. a la que trabajaban los alumnos de
la Bauhaus. Se puede utilizar a modo
Los fotógrafos aprenden a sacar partido de ejercicio mental para imaginar cómo
a lo diferente. El mayor contraste se da incorporar estos contrastes en las imágenes
entre un contorno oscuro y un fondo claro, o como una base para crear imágenes
o viceversa. Sin embargo, además del reales. Algunos ejemplos son bastante
contraste de tono también existe el contraste directos, otros son más abstractos
de orientación y de textura. Seleccione un y conceptuales. La idea de incorporar
punto de vista y una iluminación que revelen contraste a la imagen no sólo es aplicable
estas diferencias en sus fotografías. a la fotografía artística, sino a todos los
géneros. Los contrastes se pueden incluir
A partir de las teorías sobre el color del en todas las fotografías para crear energía
pintor y teórico del arte Johannes Itten, y dinamismo. Como sugiere la lista de la
profesor de la Bauhaus, surgieron diversas Bauhaus, todos los elementos formales
ideas sobre el contraste en la fotografía. pueden contrastar y utilizarse de forma
Sus teorías sobre el contraste, el color dinámica; aspectos fotográficos como
y la forma pretendían inculcar a los alumnos el enfoque o la sensación de movimiento
de arte y diseño una sensibilidad hacia los también se pueden contrastar.
punto-línea grande-pequeño diagonal-circular rugoso-liso

área-cuerpo largo-corto recto-curvo duro-blando
línea-cuerpo ancho-estrecho redondo-cuadrado pesado-ligero
área-cuerpo mucho-poco horizontal-vertical fuerte-débil
claro-oscuro alto-bajo
inmóvil - en movimiento negro-blanco líquido-sólido
continuo - intermitente transparente-opaco en punta-romo
fuerte-bajo
Lista de pares de contrastes.
El contraste 160 161
Farola y estela de condensación (superior)

En términos de forma, color y orientación, el perfil de la farola contrasta con la estela
de la condensación que ha dejado el avión en el cielo de la ciudad.
Ficha técnica: Leica R4, Elmarit 180 mm, Ektachrome 200 Pro.
«La exageración es un ingrediente vital del arte.»

(anónimo)
Originalidad
El desequilibrio la imagen, pues de esta manera elimina el

El fotógrafo puede alterar la composición marco usual de referencia. Un primer plano
saltándose intencionadamente las reglas y muy exagerado hará que la imagen resulte
creando un desequilibrio en la imagen. Para abstracta y reducirá el sujeto a una
los fotógrafos, enfocar más allá del sujeto y representación gráfica; esto puede resultar
recortarlo de un modo extremo son técnicas perturbador, pues elimina todas las
habituales a la hora de cambiar el equilibrio referencias a la escala.
de una imagen y desorientar al observador.
En términos de color, los fotógrafos de
Las perspectivas extrañas e inusuales se moda hace mucho tiempo que empezaron
pueden conseguir utilizando un super gran a experimentar con las expectativas
angular, un ojo de pez o un ultra teleobjetivo, del espectador utilizando la técnica del
aunque la profusión de este tipo de imágenes revelado cruzado para lograr extraños
en los medios haga que ya no resulten tan pero consistentes cambios de color en las
impactantes. Esto significa que hay que fotografías. Este método consiste en revelar
esforzarse más para conseguir nuevos una película de color con un revelador
ángulos, como, por ejemplo, mirar desde un diseñado para otro tipo de de película.
punto de vista y un ángulo que desoriente al Digitalmente estos efectos se pueden imitar
observador. Este efecto funciona mejor si se sin necesidad de recurrir a los efectos
exagera, así que experimente y sea atrevido. químicos, lo que significa que se puede
tener una versión «convencional» de la
El fotógrafo de paisaje puede desorientar imagen sin sacrificar el original.
al espectador al eliminar el horizonte de
El desequilibrio 162_163
La noria {página anterior) Rascacielos (superior)

Una exposición larga capta Las líneas diagonales y el rascacielos «inclinado» dan al
las luces y el movimiento observador la sensación de que el desastre es inminente.
de la noria. La emoción de La fotografía imita la sensación de mareo que a uno le da
la feria ha quedado cuando echa la cabeza hacia atrás y da la vuelta para mirar
perfectamente plasmada. los edificios altos de la ciudad.
Fotógrafo: Bill Taylor. Fotógrafo: Wilson Tsoi.
Ficha técnica: Nikon D70, Ficha técnica: Nikon D70, Nikkor 80-200 mm AF-D, 1/800 s, f8, ISO
objetivo de 12 mm, 1/2 s, f22, 200.
ISO 200.
Originalidad
El recorte 164_165
El recorte un recorte asimétrico puede cambiar

En «Tamaño en el encuadre» (véase pág. 98), completamente el énfasis de la imagen.
nos ocupamos de la ubicación del sujeto, Pruebe uno en forma de trapecio, de manera
el recorte y la importancia de componer en que solamente dos lados del rectángulo
la cámara. A algunos fotógrafos les resulta sean paralelos. El fotógrafo norteamericano
difícil componer en la cámara. Aunque el Robert Heinecken creaba rompecabezas
procedimiento presenta muchas ventajas, de imágenes con trozos de fotografías
a veces es mejor reencuadrar después de recortadas. Los círculos y las elipses tienden
hacer la fotografía. Un buen recorte puede a verse anticuados, como también las
dar lugar a una imagen. viñetas de bordes suaves. Es fácil controlar
estos efectos digitalmente; pruebe esta
Hay dos cosas importantes que hay que técnica con algunos motivos.
valorar cuando se recorta. La primera es
la forma del encuadre de la imagen final; El segundo punto importante que hay que
merece la pena tener en cuenta las tener en cuenta es la ubicación del sujeto en
proporciones de la imagen cuando se hace la nueva imagen. Se puede situar el punto
un recorte. Evidentemente, esto no tiene de interés con precisión matemática, pero lo
que impedir crear imágenes con recortes ideal es confiar en el instinto visual y recortar
exagerados si se considera que es alrededor del sujeto de la forma que resulte
apropiado para el tema y la presentación visualmente adecuada. Si la imagen es
final. Para las copias, ayuda tener un par importante, marque el recorte con papel
de escuadras con las medidas en un lado, negro y deje la imagen recortada durante
(la «L» la puede hacer uno mismo con un tiempo para juzgar el efecto.
cartulina negra). El recorte en el ordenador
con una determinada relación entre Retocar
proporciones (y resolución) es muy sencillo. Un mínimo recorte de una imagen también
Los programas de edición de imagen permiten merece la pena, por ejemplo, para eliminar
rotar la imagen libremente con del borde del encuadre elementos molestos
la herramienta Recortar, que se puede o que distraen (muchas veces no se ven
utilizar para enderezar el horizonte o bien al hacer la fotografía, especialmente si se
para crear una visión completamente nueva utiliza una cámara que no muestra el cien
de la imagen. por cien de la escena). Si la fotografía se va
a exponer, se puede cortar la parte interior
No es necesario escoger encuadres del paspartú un poquito más pequeña y así
rectangulares o cuadrados al recortar: se ve el recorte de una forma muy efectiva.
Algodonero (izquierda)
Esta magnífica fotografía de un humilde algodonero se consiguió recortando deliberadamente en la
cámara para eliminar la cabeza. Al no ver las facciones del rostro, nos fijamos más en la ropa y en
las manos del retratado, y éstas se convierten en la característica identificativa a través de la que
se explica la vida del sujeto. El recorte alrededor de este último le permite al observador interpretar
no sólo la dureza de la vida de la persona fotografiada, sino de todos los trabajadores inmigrantes.
Fotógrafo: Dorothea Lange.
Originalidad
El color
Puesto que el color puro es uno de los elementos clave
de la composición, merece la pena centrarse un poco en él.
El color ofrece una fuente inagotable de posibilidades por
su fuerte asociación con los diferentes estados anímicos.
No obstante, es difícil captar el color sin introducir elementos
secundarios de la composición como el contorno, la textura
o la forma. La verdadera imagen abstracta en color es difícil
de encontrar en el mundo verdadero y constituye todo un
reto fotografiar algo para dejar sólo el color. Si se desenfoca
el objetivo se consigue una imagen algo abstracta, aunque
todavía se necesita una cuidadosa composición para lograr
aislar el color de su entorno. Las flores del jardín y las
plantas de interior ofrecen muchas posibilidades para este
tipo de composiciones de color.
El cielo es un motivo perfecto para obtener imágenes

abstractas de color. Aunque la gama de colores es amplia
y variada, nunca incluirá ciertas partes del círculo cromático.
Con el cielo, puede estar seguro de que conseguirá
imágenes totalmente originales. El agua y los reflejos
ofrecen una gama más amplia de colores, pero resultan muy
difíciles de plasmar adecuadamente en Imágenes nítidas
(la superficie del agua por lo general está más cerca de
los reflejos de lo que aparenta. Es el mismo problema que
surge cuando se fotografía un espejo: se puede enfocar
el marco o el reflejo, pero no los dos). Para conseguir esto
se necesita una abertura pequeña, lo que significa que hay
que utilizar una velocidad de obturación más larga y con
esto se corre el riesgo de que la imagen quede un poco
movida. Pero precisamente encontrarse con estos
problemas y solventarlos es parte de la diversión.
Una vez que se encuentra una fuente de color obvia, resulta

más fácil (y de alguna forma más apasionante) obtener estas
interesantes cualidades en los sujetos más inusuales, como,
por ejemplo, el liquen en un muro de piedra, que presenta
una inesperada variedad de colores, o el color del muro
mismo. Uno de mis elementos preferidos es la pintura
desgastada o desconchada que se puede encontrar en todo
tipo de lugares, desde barcas amarradas en los muelles de
los pueblos pesqueros hasta las descascarilladas paredes
de las viejas casas rurales.
El color 166_167
Óxido (inferior)
Esta imagen parece un paisaje, pero en realidad es la cubierta oxidada y llena de aceite
del motor de una excavadora. Una cadena suelta ha rayado la superficie y ha desconchado
la capa de pintura nueva, dejando al descubierto la pintura que hay debajo.
Ficha técnica: Nikon D100 con objetivo Micro-Nikkor 60 mm, 1/120 s, f8.
Originalidad
La fotografía digital inesperados y la casualidad cambien el curso

No cabe duda de que la introducción de del experimento. A diferencia de la fotografía
la tecnología digital en la fotografía la ha tradicional, la digital ofrece al fotógrafo
transformado para siempre. Por un lado, la oportunidad de analizar y evaluar los
la tecnología digital ofrece posibilidades resultados sin ningún coste. Lo mismo
ilimitadas de corrección y mejora de sucede con la posproducción digital.
imágenes, de experimentación con la
composición, de montaje y de otros efectos. Algunas de las características digitales son
Una vez que nos adentramos en el dominio el «pincel de historia», que permite volver a
digital, los datos de la imagen son totalmente pintar en la imagen original capas previas de
manipulables; el único límite es la propia ajuste de imagen. La compleja técnica para
imaginación. Por otro lado, la fotografía desdibujar o dar más nitidez a una imagen
convencional ha sufrido la aparición de la permiten mejorar la calidad de la fotografía
tecnología digital, pues ello ha comportado una vez hecha. Las técnicas de coloración
que las fábricas de película hayan eliminado disponibles comportan que el color digital
algunas gamas de productos o sencillamente no tiene que limitarse a imitar el obtenido
hayan cerrado, lo que ha reducido el abanico mediante procesos químicos.
de posibilidades de los fotógrafos
tradicionales. Además, la tecnología digital El potencial de la fotografía digital en el futuro
ha influido directamente en la composición en resulta emocionante. Una de las técnicas
términos de visualización. El hecho de darle desarrolladas recientemente es la de las
más énfasis a la fase de posproducción que imágenes HDR (High Dynamic Range o
a la toma puede provocar que los fotógrafos gama dinámica amplia), con la que se logra
en lugar de mejorar sus habilidades representar la gama de luminosidad que
fotográficas se limiten a hacer imágenes percibimos en la realidad. Al combinar una
sin pensar. Sin pretender denigrar la fotografía serie de exposiciones, una imagen HDR
digital, la facilidad con que los fotógrafos puede registrar detalles de las sombras
pueden ahora manipular fenómenos naturales y de las luces que ni los sensores digitales
o de otra índole (los atardeceres, por ejemplo) ni las películas habían logrado captar, hecho
hace que se menosprecien los efectos que libera al fotógrafo de las restricciones
naturales captados con la cámara. Hoy convencionales sobre composición
en día, los fotógrafos presentan paisajes impuestas por la iluminación o por el ángulo
retocados en los que el cielo se ha trucado de toma. Las imágenes HDR resultan
para que parezca más «real». Imágenes especialmente adecuadas para las fotografías
muy retocadas reemplazan cada vez más de interiores con ventanas; de hecho, son
a imágenes con una buena composición, adecuadas para plasmar cualquier escena en
y corremos el peligro de olvidarnos de cómo la que haya mucha luz. Lo único que hay que
es el mundo real. Ahora bien, es justo tener en cuenta es el movimiento. En una
también decir que la edición digital ofrece imagen hecha por hasta 12 exposiciones,
al fotógrafo una oportunidad ideal para es preciso pensar en la posibilidad de que
experimentar. La experimentación consiste la imagen salga movida.
en establecer de antemano una idea, analizar
una forma concreta de abordarla y evaluar
Opciones digitales a la técnica tradicional
los resultados comparándolos con la ¡dea
La serigrafía permite al fotógrafo simplificar
original. Puede que algunos descubrimientos
la composición de la imagen y reducirla
a unas pocas formas y tonos, cada uno de ellos impreso con tinta en colores sólidos a través
de una pantalla. Para llevar a cabo esta técnica, se necesita habilidad y el equipo adecuado,
y quizá para algunos no merezca la pena el desembolso. En la fotografía resultante puede
que se pierda detalle, pero la fuerza de la imagen es impresionante.
El programa de edición de imagen ofrece una técnica similar que permite conservar los
pequeños detalles. El punto de partida es una imagen en blanco y negro con intensas formas
gráficas y una gama completa de tonos. Se utiliza la herramienta Umbral para crear una serie
de imágenes en mapa de bits, que representan todos los tonos de la imagen. El archivo
resultante de 1 bit almacena sólo Información en blanco y negro; a continuación, las tres
imágenes se pueden colorear mediante el comando Tono / Saturación y Luminosidad
e imprimir en colores sólidos con tres pasadas por la impresora. Puede que haya un ligero
error de registro entre los colores, que cuesta mucho de conseguir con la exactitud
de reproducción de las modernas impresoras de inyección de tinta.
Gasolinera (inferior)
Una antigua gasolinera en el norte de Inglaterra compuesta por tres colores escogidos por
asociaciones que corresponden a los colores de los logotipos de empresas de combustible
y al del óxido, elementos cromáticos que no estaban en la imagen original en blanco y negro.
Fotógrafo: DavidPrákel.
Ficha técnica: Nikon FE con objetivo Nikon 50 mm, f1,4, llford FP4 Plus.
Originalidad
La fotografía digital 170_171
Técnicas digitales únicas La serie de imágenes que se obtuvieron

Tipología de la «mariflor»: esta imagen al utilizar diferentes modos de fusión y al
surgió por casualidad. En el estudio se ajusfar la opacidad de la capa superior
habían caído pétalos y estambres de me sugirieron la posterior presentación.
una flor amarilla y formaron un dibujo La profusión de imágenes indicaba una
que recordaba una mariposa. Esta forma tipología (estudio de los tipos) de esta
se ha recreado en una mesa de luz imaginaria «mariflor» en una presentación
y se han hecho dos exposiciones: que recordaba las cajas de especímenes
una con luz superior y otra con luz de la época victoriana. Las dos imágenes
transmitida. En el primer caso, la luz originales se hallan en la hilera superior
proyectó una sombra sobre la «mariflor», y el resto de imágenes fusionadas se han
como si fuese una mariposa de luz que colocado según su densidad. Las fotografías
se hubiese encontrado con una linterna resultantes representan tan sólo unas pocas
en la pared cerca del techo. Lo que muestras del sinfín de técnicas que se
se pretendía era mezclar dos imágenes pueden utilizar en el mundo de la edición
digitales como capas de Photoshop en digital. A diferencia de las mariposas
una sola imagen que revelase la delicadeza de verdad, que se coleccionan por sus
y la translucidez de los pétalos secos, variaciones infinitas, en este caso los
así como su forma y textura mediante «especímenes» son sólo superficialmente
la luz superior. distintos, aunque, de hecho, el contenido
de las imágenes es idéntico.
Tipología {página anterior)

Primera imagen, hilera superior: luz natural; segunda imagen, hilera superior: luz transmitida; el resto
de las imágenes son combinaciones de las dos primeras con diferentes capas de Photoshop
y modos de fusión.
Ficha técnica: Nikon D100 con objetivo Nikon-Nikkor 60 mm, 1/4 s, f8 y 1/90 s, f8, ISO 200.
Conclusión
En resumen, antes de componer una automático. Enseguida lo hará de forma

fotografía, hay que componer las ¡deas. intuitiva y empezará a responder a los
Para dar forma a la fotografía, es preciso problemas de la fotografía de una forma
encontrar un momento para reflexionar más inmediata y expeditiva.
sobre el sujeto -ser honesto con las
emociones que le produce- dará forma ¿Cómo se puede conseguir esto? Hay
a la fotografía. Un calígrafo se puede pasar que contemplar muchas imágenes de
muchas horas preparándose antes de otros fotógrafos y observar la forma en que
ejecutar un carácter, que parecerá que se utilizan los elementos de la composición.
ha dibujado en un momento. Este proceso Pero, sobre todo, se logra experimentando
de contemplación y ejecución es muy con cada uno de los elementos de forma
similar al de la composición fotográfica. individual y combinándolos (color y
contorno o forma y textura, por ejemplo),
Al principio, el proceso de la composición y teniendo siempre en mente que los
resulta un poco pesado, requiere esfuerzo y principios de la composición se pueden
tiempo. Muchos fotógrafos consideran que adaptar para promover sin límites la propia
esto frena la fotografía espontánea y dejan expresión creativa. Primero hay que
de lado la composición con la esperanza aprender las reglas y tan sólo después
de que la inspiración les ayudará. Sin cómo saltárselas.
embargo, para hacer una buena fotografía
se necesita mucho más que la mera Por último, siempre hay que preguntarse
casualidad. La buena composición se lograr el motivo por el que se fotografía algo;
a través de la experiencia y la costumbre. la respuesta dará forma a la imagen
Si se persevera en el análisis de cada y la mejorará. Cuantas más se hagan y
oportunidad de realizar una fotografía, se cuantas más se vean, más rápidamente
identifican todos los elementos formales se convertirá la composición en un
y se sopesan con la idea que uno tiene, ingrediente natural del proceso de hacer
el proceso acabará convirtiéndose en algo una fotografía y, al final, saldrá sola.
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Glosario
Abertura Cierre (Closure) Filtro degradado

Orificio de tamaño variable en el objetivo y Completar un contorno o una forma que Filtro de resina o de plástico cuya
que controla la cantidad de luz que llega se ha sugerido. superficie está parcialmente coloreada
hasta la película o el sensor. (más de la mitad); el resto es incoloro.
Colores complementarios
El filtro transparente y gris tiene una
Abertura de trabaja Los colores dlametralmente opuestos
transición suave. Se utiliza para oscurecer
Abertura escogida para una exposición en la círculo cromático.
el cielo o para el control del contraste.
determinada. Concepto
Filtro polarizador
Abertura máxima Idea general que surge tras un
pensamiento sistemático. Filtro que se utiliza para eliminar los
La mayor abertura posible cuando el
reflejos de las superficies no metálicas
objetivo está totalmente abierto; menos Contraste y para oscurecer el cielo a 90° del sol.
profundidad de campo. La diferencia en luminosidad en
Fotografía analógica
Abertura mínima una Imagen entre las partes oscuras
y las claras. Fotografía realizada con película y
La menor abertura posible (el número f
revelada con productos químicos.
más alto) cuando se dice que el objetivo Copia sin retoques
no se puede cerrar más; más profundidad Fotografía comprometida
Versión inalterada de una fotografía.
de campo. Fotografía documental con un trasfondo
Curva de contraste político o social.
Abrir Herramienta del programa que permite
Ajusfar un diafragma más abierto un ajuste selectivo de los tonos y del Fotografía figurativa
(número f más pequeño) y dejar pasar contraste general. Fotografía que plasma el cuerpo humano
más luz a través del objetivo (véase vestido o desnudo.
también cerrar). Desaturación/saturación
Disminuir o aumentar la intensidad Fotómetro
Acromático de todos los colores. Instrumento que mide la Intensidad
Neutro o sin color. de la luz en fotografía y determina
Desenfocar los valores de abertura y velocidad
Barrido Hacer Intencionadamente una imagen de obturación combinados o de un
Movimiento de la cámara para seguir a un borrosa no enfocando bien el objetivo. solo valor de exposición (EV) para la
sujeto y crear una imagen nítida del sujeto
Destellos internos sensibilidad o velocidad de una película
y un fondo difuso.
Reflejos de luz no deseados que a veces dada.
Cámara de gran formato se forman en la lente del objetivo. Fotómetro de luz incidente (de mano)
Cámara que permite total libertad de
Distancia hiperfocal Aparato que sirve para medir la intensidad
movimiento del objetivo y del chasis
de película, lo que significa que la Distancia de enfoque que permite de la luz que llega al motivo (véase
perspectiva y la profundidad de campo reproducir con nitidez desde el plano fotómetro de luz reflejada).
se pueden controlar independientemente más próximo al sujeto hasta infinito. Fotómetro de luz reflejada
de la abertura. D-SLR Fotómetro común de las cámaras que
Cámara réflex digital. mide la luz reflejada por el sujeto y por
Cámara de visor directo
lo tanto influida por las propiedades
Cámara que utiliza este tipo de visor. Enfoque selectivo de reflexión del sujeto.
Cámara estenopeica Escoger cuidadosamente el plano
de enfoque de la imagen. Fotosensible
Cámara fotográfica simple, sin objetivo,
Que reacciona a la luz visible.
que produce la Imagen con la luz que Equilibrio del blanco
entra por una diminuta abertura del Ajuste de la temperatura de color de la luz Gelatina de haluro de plata
tamaño de un alfiler. de manera que los colores blanco y Copia fotográfica convencional en blanco
neutros parezcan verdaderamente neutros y negro en papel de fibra, denominada así
Cámara oscura
y no tengan dominantes. por la capa fotosensible de gelatina
Habitación oscura con una pequeña
y haluros de plata.
abertura que proyecta en la pared de Estático
enfrente una Imagen invertida del mundo Fijo, inmóvil o inalterable. Gran angular
exterior. De ahí proviene la palabra Objetivo con una amplia profundidad
«cámara». Estética / estético
de campo; también existe el super gran
Teoría filosófica de lo bello; de apariencia angular y el ultra gran angular.
Cámara réflex binocular (TLR) agradable.
Cámara que utiliza un segundo objetivo Grano
Exposición Aparición en la imagen final los cristales
y un espejo para mostrar lo que se está
fotografiando. Durante la exposición La combinación adecuada de intensidad de plata que forman los tonos de la
se sigue viendo la imagen. y duración de la luz que llega a la película fotografía (véase ruido).
o al sensor para poder plasmar la gama
Cámara réflex monocular (SLR) completa de tonos. Histograma
Cámara que utiliza un espejo para Gráfico de barras que muestra el número
F valores de abertura
mostrar al fotógrafo lo que el objetivo de píxeles en cada nivel de luminosidad.
Diámetro de la abertura del objetivo
«ve». La Imagen no se ve durante Horquilleado (Brackeling)
representado como una fracción de
la exposición.
la longitud focal. Cuanto mayor sea Consiste en sobreexponer y subexponer
Carta gris el número f, menor será la abertura. Intencionadamente una imagen, a partir
Cartulina que refleja el 18 % de la luz de la exposición indicada, en general
Filtro en intervalos de 0,5 a 1 punto.
que recibe para dar una lectura exacta
del tono medio de la luz. Lámina de cristal o plástico que modifica
la luz que pasa a través del objetivo. Iluminación difusa
Cerrar Módulo de un programa para aplicar Luz dispersa que no se concentra
Ajusfar un diafragma más cerrado efectos en la imagen. en un solo lugar.
(número f mayor) y dejar pasar menos luz Iluminación rasante
a través del objetivo (véase abrir). Luz que ilumina el sujeto desde una
ángulo agudo y que resalta la textura.
174_175
Imagen digital Objetivo fijo Sobreexposición

Imagen creada muestreando los valores Suele ser de mejor calidad o más rápido Imágenes creadas con demasiada luz
de brillo almacenados en sistema que los zooms. y que no tienen ni sombras ni tonos
binario. oscuros (rásesubexposición)
Objetivo normal / objetivo estándar
Iris Objetivo de cierta distancia focal variable Subexposición
Laminillas metálicas que crean un según el formato (por ejemplo, 50 mm Imágenes creadas con muy poca luz que
abertura variable en el objetivo. para película de 35 mm) que proporciona no tienen luces o tonos claros (véase
la perspectiva más parecida a la visión sobreexposlción).
ISO/ISO número
«normal» en una copia de 20 x 25 cm
International Organisation for Telémetro
a una distancia equivalente a la longitud
Standarisation, organización que Visor de visión directa con Imágenes
de un brazo.
establece el nivel de sensibilidad superpuestas en una ventana secundarla
de las películas y su equivalente Objetivo para retrato para el enfoque. Cámara que utiliza este
en sensibilidad digital. Objetivo con una longitud focal que da tipo de visor.
Joiner proporciones favorecedoras a la cara. Temperatura de color
Término acuñado por el pintor David Obturador Medio para definir la calidad de luz de una
Hockney para describir sus collages Dispositivo que controla el tiempo que fuente luminosa, se mide en grados Kelvín
fotográficos. está expuesta la película o el sensor. {véase equilibrio del blanco)
Kelvin Paleta Teleobjetivo
Unidad de medida para la temperatura Variedad o gama de colores. Objetivo de longitud focal larga mediante
del color. el cual los objetos lejanos parecen estar
Panorámica
más cerca.
Latitud de exposición Imagen muy amplia como la que se ve
Grado de sobreexposlción o desde una gran distancia. Formato de una TLR (cámara réflex binocular)
subexposlción que una película o un amplia relación entre sus dimensiones Cámara que utiliza un segundo objetivo
sensor digital pueden admitir para (2:1 o mayor). Cámara que hace este tipo y un espejo para mostrar lo que se está
producir una Imagen aceptable. de fotografía. fotografiando. Durante la exposición se
sigue viendo la imagen (ráseSLR).
Lento / lenta Paspartú
Objetivos con una capacidad limitada para Se utiliza para crear el borde en una copia Tonalidad
dar paso a la luz. Película que reacciona enmarcada. Cualidad de tono o contraste.
lentamente a la luz (por lo general, Píxel Tono
de grano fino). Número ISO bajo. Elemento digital de la imagen. Gama completa de grises desde el negro
Longitud focal sólido al blanco puro.
Procesar
Medición del campo de visión de un Manipulación de la imagen después TTL (a través del objetivo)
objetivo; técnicamente la distancia entre de haber hecho la copla. Fotómetro Incorporado a la cámara
el punto nodal del objetivo y la Imagen
Profundidad de campo que mide la luz a través del objetivo.
enfocada de un sujeto en infinito.
Zona de nitidez que se extiende por Variación tonal
Luz delante y por detrás del punto de enfoque Cambio cromático no deseado en toda
Espectro de la radiación electromagnética exacto; varía con el formato, la abertura la Imagen.
visible al ojo humano delimitado por los y la distancia de enfoque.
rayos ultravioleta (UV) e Infrarrojos (IR). Velocidad de la película
Proporciones Medida de la sensibilidad de la película
Luz ambiente Relación entre la anchura de una imagen a la luz (i/éase ISO).
La luz existente o disponible. con respecto a su altura.
Velocidad de obturación
Luz blanca Punto Tiempo que la película o el sensor están
Mezcla en proporciones iguales de todos Unidad que se utiliza para expresar expuestos a la luz cuando se hace una
los colores visibles en el espectro. relación de luz o de exposición. La fotografía.
Luz de tungsteno sensibilidad ISO de las películas, Viñeta
Luz producida por bombillas la abertura y la velocidad de obturación
Imagen sin bordes definidos, pero que
incandescentes que abarcan desde las se pueden expresar en puntos.
se funde gradualmente con el fondo.
bombillas de uso doméstico (2900 K) Punto de vista
a los focos de tungsteno del estudio Virado
Lugar en el espacio donde se coloca la Alteración química o digital de los tonos
(3200 k).
cámara o el observador (determina grises neutros. Los grises marrones,
Luz dura la perspectiva). amarillos o rojos resultan «cálidos»; los
Fuerte luz dlreccional que crea grandes Rápido /rápida tonos azules, «fríos». Tratamiento de
contrastes. archivo de copias de gelatina de plata.
Objetivo con gran capacidad para dejar
Luz incidente pasar la luz. Película que reacciona Visualizar
Luz que llega al sujeto. rápidamente a la luz (por lo genera,!
Imaginar cómo va a quedar la Imagen
de grano grueso). Número ISO alto.
Luz suave final antes de hacer la fotografía.
Luz difusa que produce pocas sombras. Ruido Zoom
Monocromático Píxeles con Información errónea que Objetivo de longitud focal variable.
descomponen los tonos de una Imagen
Un solo color, por lo general blanco
digital. Puede ser ruido cromático o ruido
y negro.
de lumlnancia.
MPx (magapixel)
Sepia
Un millón de píxeles, medida de la
resolución de la cámara digital. Tono marrón asociado a las primeras
Imágenes fotográficas.
ND
Filtro de densidad neutra que reduce por
igual la intensidad de la luz en el espectro.
Agradecimientos y créditos
Me gustaría reconocer la deuda que tengo con Alan J. Lefley por

haberme enseñado tanto sobre fotografía y diseño. También deseo
dar las gracias al personal y a los miembros de la Community
Darkroom en Rochester (Nueva York), por su apoyo, sin los cuales
no estaría ahora dando clases de fotografía.
Asimismo deseo dar las gracias a todos aquellos que han

colaborado generosamente con ideas y fotografías, especialmente
a mis colegas del Cumbria Institute of Arts y, en particular, a
Mike England (representante de curso de BA Hons Photography),
a Sam Henderson (profesor de fotografía) y a John DarweII (profesor
a tiempo parcial). Gracias también a mis alumnos, que siempre
me han proporcionado como mínimo tantas ideas como yo les
he dado, mi más sincero agradecimiento a ellos. Y, por último,
a mi esposa Alison, que me ha ayudado enormemente con sus
opiniones y correcciones.
CRÉDITOS
Pág. 51: © The Estáte of Harry Callahan. Cortesía de Pace/MacGill, Nueva York
Pág. 52: de la obra publicada por Alfred L. Yarbus, Eye Movement and Vision, Plenum Press, Nueva York (1967)
Pág. 64: lan Washing His Hair, Londres, enero 1983. Collage fotográfico 1983, edición: 15. 30X33" © David Hockney
Pág. 85: © Martin Parr/ Magnum
Pág. 101: © Henri Cartier-Bresson / Magnum
Pág. 111:© Marc Riboud / Magnum
Pág. 131:© Henri Cartier-Bresson /Magnum
Pág. 132: © Duane Michals, Cortesía de Pace/MacGill, Nueva York
Pág. 150: Kevin Summers Photography
Pág. 153: © 2005 JS Monzano
Pág. 159:© toddlaffer.com
Pág. 164: Cultura Hoe, cerca de Anniston, Alabama, 1936. de Dorothea Lange © Library of Congress, Sección
de Grabados y Fotografías, colección FSA/OWI, LC-USZ6-1028.
Hemos hecho todos los esfuerzos posibles por localizar a los propietarios de los derechos de las fotografías
y pedimos disculpas por adelantado por cualquier omisión no intencionada. Estaremos encantados de introducir
los agradecimientos apropiados en posteriores ediciones de este libro.
Una introducción esencial a la fotografía y una exhaustiva obra de consulta
para alumnos de fotografía, diseño y otras artes visuales, así como para
aficionados a la fotografía interesados en conseguir información técnica
y estética sobre el tema.
COMPOSICIÓN
Después de la iluminación, la composición es el ingrediente clave para conseguir
una buena fotografía. Al margen de la técnica utilizada, si la imagen no tiene
organización formal, poco queda para mantener el interés de quien la mira. Ahora
bien, ¿qué hace que una composición sea buena? ¿Hay que seguir las normas
o hay que saltárselas? Este libro está dividido en seis capítulos que tratan todos
los aspectos que un principiante necesita saber para mejorar la composición,
entre ellos sus puntos básicos, el estudio de los elementos formales, la
organización del espacio y el tiempo, las «normas» del mundo real y, además,
cómo utilizar las ideas que se presentan para lograr imágenes originales
y convincentes.
Incluye fotografías de:

Henry Cartier-Bresson, Dorotea Lange, James Nachtwey, Martin Parr, Marc Riboud,
David Hockney, Duane Michals, Harry Callahan y John Darwell, entre otros.
Las reglas básicas de la composición, entre ellas el punto de vista, la perspectiva

y la escala; los elementos formales tales como el punto, la línea, la forma, la textura,
el dibujo, el tono y el color; cómo organizar el espacio utilizando diferentes enfoques,
equilibrio y espacio; cómo captar el paso del tiempo y momentos concretos, el instante
«decisivo» y las secuencias; las aplicaciones de la composición en la fotografía de
paisajes, bodegones, retratos, documental, desnudos, de acción, deportiva, artística
y publicitaria, y, por último, cómo encontrar un estilo propio y aspectos específicos
de la fotografía digital.
BLUME

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