Historia Critica de la Realidad Peruana Lic.
Leydi Elizabeth Ñahui Mejia
EL TAWANTINSUYO
ARTE Y CULTURA
CONCEPTO-.Los incas hicieron suyas las distintas
manifestaciones artísticas de los pueblos que dominaron. Durante
el Tahuantinsuyo la cultura alcanzo niveles insospechables en
cuanto a la difusión de sus criterios. Esta situación se hace
evidente, por ejemplo, en la masificación de lo criterios cerámicos
así como en la uniformización en la fabricación de los textiles.
ARQUITECTURA
Los cronistas coincidieron al destacar la forma como los hombres
andinos habían trabajado la piedra, fabricado las paredes y en
general construido tan imponentes edificaciones. Las
construcciones en el Tahuantinsuyo se llevaban a cabo luego de
haber examinado la maqueta de piedra elaborada previamente y
que servía de guía para los constructores.
METALURGIA
Los impresionantes objetos de oro y plata que los españoles
encontraron en los centros más importantes del Tahuantinsuyo
llevaron a los cronistas del siglo XVI divulgaran la versión de que
los incas habían desarrollado una importante orfebrería.
TEXTILERIA
En los andes el tejido desempeño un papel especial que iba mucho
más allá de su uso meramente utilitario y ornamental. La
importancia que se le otorgó a los textiles no fue únicamente
económica sino también ritual. En las diversas ocasiones
importantes jugaron un rol especial. Ningún acontecimiento, fuera
político, militar, social o religioso estaba completo sin la presencia
de los tejidos, desde aquellos que involucraban al inca y al estado,
hasta los que tenían que ver con la vida cotidiana de la población.
De acuerdo con el acontecimiento los textiles podían ser
intercambiados, integrar al ajuar de la novia o aparecer quemados
formando parte de los sacrificios.
CERAMICA
La cerámica inca no llego a igualar a la producida por las
sociedades andinas anteriores como las nazca y los mochica. Sin
embargo, se caracterizó por estar bien trabajada ser sobria en
cuanto al color. El negro, el blanco, el rojo, el amarillo y el naranja
fueron los colores más utilizados. Los motivos que con mayor
frecuencia se observan son pequeñas abejas, mariposas y
animales estilizados, teniendo preferencia por los diseños
geométricos como rombos, cruces, dameros, círculos, puntos y
triángulos, que también eran usados en la decoración textil.
ESCULTURA
El arte de las escultura, tuvo entre los incas un desarrollo menor
se compara con otra manifestaciones como la arquitectura, los
escultores incas destacaron en trabajos en piedra, de gran
dureza, como el granito y la diorita, a las que conseguían dar un
superficie muy liza.
Siendo los más característicos los morteros con azas esculpidas
en forma de cabeza de felino o serpiente las pequeñas
representaciones de animales y ser humanos tanto en piedras
como en metal para uso ritual, con la finalidad de servir como
ofrenda para los antepasados y las divinidades.
EL ARTE EN LA COLONIA
ESTÉTICA E ICONOGRAFÍA DE LA PINTURA COLONIAL
Siendo las primeras décadas de la Colonia, la evidente firme
vinculación del arte con la difusión de la nueva fe, el cuál ejercía
particularmente fascinación sobre los indígenas, convirtiéndose así
en un extraordinario soporte para las explicaciones didácticas de
las doctrinas, las cuáles hallaban serias limitaciones en traducir a
las lenguas nativas conceptos teológicos de catequesis de raíz
latina, y recibiendo un considerable impulso con las aplicaciones
de los decretos del Concilio de Trento; pero, años más tarde, el
índole religioso se desvanecerá, pues la pintura paisajística,
retratos y de temas mitológicos lo demuestran.
Está demostrado que al momento de la conquista existía en Cusco
y en todo el Imperio una significativa actividad plástica que pervivió
hasta la Colonia a través de la pintura en keros y ceramios. Pero,
no fue hasta 1583 que con la llegada a la ciudad imperial del
hermano jesuita Bernardo Bitti, que la pintura colonial cusqueña
empezaría a dejar una profunda huella a lo largo de más de dos
siglos. Él impulsó el gusto por el postrero manierismo romano en
los más importantes centros urbanos y de adoctrinamiento del
Virreinato, dejando una obra fundamental, y cuya enseñanza
estuvo en la base de la pintura colonial peruana, en particular de la
cusqueña.
Y es evidente que esta asimilación del arte europeo responde a
una sintonía con la sensibilidad indígena, que rechaza el realismo
y busca un mundo ideal estilizado. Pero, ¿quiénes eran los
destinatarios de esas expresiones de arte decorativo? No, por
cierto, el sector popular indígena, ajeno a un arte exquisito y de
calidad, sino las órdenes religiosas, el elemento eclesiástico y altos
grupos jerárquicos.
Cabe, también, resaltar que la pintura colonial cusqueña no se ha
caracterizado por innumerables pintores anónimos, pues la gran
documentación exhumada por Cornejo Bouroncle, nos demuestra
un importante grupo de pintores que no participa de los caracteres
anotados, y que son verdaderamente exponentes de la pintura
colonial cusqueña.
Este fenómeno no es el único, pues ésta irradió más allá de las
fronteras del Cusco, como lo demuestran las escuelas de Lima,
Quito y Oruro. Sobre todo la pintura Colla, correspondiente a la
escuela de Oruro, ésta última es en todo similar a la cusqueña,
pero con la particularidad que en la pintura, Cusco dio, al impacto
europeo, una respuesta original creando un estilo personalísimo
que, aún hoy, no ha sido suficientemente estudiado ni explicado. El
fenómeno pictórico cusqueño es paralelo al que presenta, en el
siglo XVIII, la arquitectura barroca andina como respuesta a los
planteamientos metropolitanos, con la aparición de un “estilo
mestizo”.
Con respecto a la evolución de la escuela cusqueña, considero
que efectivamente se puede distinguir hasta tres etapas, las cuales
he nombrado según los diferentes elementos estéticos que se
dieron a lo largo de casi tres siglos virreinales. La estética y técnica
ha variado en la pintura cusqueña a través del tiempo, pues los
productos que se usaron para la pintura varían de acuerdo a las
etapas.
El manierismo cusqueño, la primera etapa, abarcó los años entre
1583 – 1650, aproximadamente. Comienza con la obra de
maestros italianos influyentes: el hermano jesuita Bernardo Bitti y
Angelino Medoro; toda esa enseñanza se canalizó a través de sus
discípulos entre los que destacó Luis de Riaño, autor de lienzos
que se hallan en Andahuaylillas.
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El barroco cusqueño, la segunda etapa, abarcó aproximadamente
los años entre 1650 y 1730. Fue la época de los grandes maestros
cuzqueños. Las figuras fueron: Diego Quispe Tito y Basilio de
Santa Cruz Pumacallao, que brillaron por encima de otros artistas
por su técnica y habilidad.
El neomanierismo cuzqueño, la tercera y última etapa, abarcó los
años entre 1730 hasta la República. Este periodo se caracterizó
por la expresión de un arte americano, simbiosis y mestizaje
producido entre lo aportado por el arte europeo y peninsular, y el
resurgimiento de los valores y conceptos culturales y artísticos
prehispánicos, aún vivos en la gente nativa y mestiza,
amalgamados tras dos siglos de colonia.
El estilo mestizo fue el primer momento de lo que hoy se puede
definir como arte americano, en el sentido que se dio un arte
característico, nuevo y común; desde las altas tierras del Cuzco
hasta tierras de misiones de Moxos y Chiquitos (Bolivia) con
variantes peculiares de cada región. Con Basilio Pacheco la
pintura cuzqueña alcanzó uno de los puntos culminantes. Por esta
época se intensifica la realización de lienzos a escala “industrial”,
pues hay talleres como el de Mauricio García y Delgado.
La fecunda pintura colonial cusqueña declina con el ocaso
virreinal, pero la vitalidad de los tres siglos virreinales se dejará
sentir todavía en el transcurso del siglo XIX en manifestaciones
plásticas populares realizadas por pintores de extracción
campesina, y que con modestos materiales volcaron, una vez más,
la poderosa iconografía religiosa sobre sus tocuyos y bayetas.
Pero esa pintura, con ser de alguna forma la continuación de la
gran tradición pictórica cusqueña, abre con la República un nuevo
capítulo en la historia plástica andina.
Sincretismo Religioso en la Pintura Colonial
El sincretismo religioso siempre ha existido, desde hace
muchísimo tiempo. Se debe a que una religión quiere progresar,
expandirse y tener más seguidores. Entonces intentan hacer que la
gente de otras religiones renuncie a sus religiones actuales y se
unan a la religión deseada. Esto se puede hacer por medio del
arte, de la música, del teatro, y de muchas otras formas. Pero en el
caso de los españoles fue diferente; fue por el arte pero lo hicieron
porque los indígenas no entendían nada de lo que hablaban los
españoles y viceversa. Así que se las ingeniaron para encontrar
otro método para comunicarse con los indígenas y enseñarles la
religión católica: el arte.
Desde principios de la llegada de los españoles, ha habido un
sincretismo religioso en el arte. No había forma de que los
españoles y los indígenas se comunicaran así que usaban el arte
como su medio de comunicación. Hacían a los indígenas dibujar
vírgenes, ángeles, etc. Y de esa forma los indígenas comprendían
lo que la religión católica era. Hicieron unas escuelas de arte para
enseñarles a los indígenas a dibujar y aprender lo que ellos creían
sobre su religión. Hacían a los indígenas dibujar sus divinidades y
las cosas que ellos creían superiores. Pero los indígenas seguían
dibujando a sus dioses y divinidades de una forma especial, de
una forma en la que los españoles no se pudieran dar cuenta que
seguían dibujando a los dioses. Dibujaban una mezcla de los
dioses católicos son sus propios dioses. Por ejemplo hay un
cuadro muy famoso parecido al que está en la caratula que
muestra a la virgen, pero en su vestido vemos maíz, que es el
alimento y las cosechas de los indígenas. Vemos el vestido ancho
en forma de montaña, que representa a la Pachamama. También
dibujaban sus festejos y varias cosas de la religión indígena. Los
españoles.
La Pintura
Cusco, la antigua sede imperial del Tahuantinsuyo incaico,
estuvo destinada a ejercer durante el Virreinato un papel de
primer orden en el universo de las artes. Corazón y eje de la
vida cultural, social, eclesiástica y política del sur del Perú,
durante aquellos trescientos años de influencia ibérica plasmó
en la arquitectura, retablería, escultura, orfebrería y
particularmente en pintura un perfil que definió el carácter
mestizo de una tensa y dramática simbiosis hispanoindígena
cuya expresión mayor se manifestó en la vasta corriente
plástica de la segunda mitad del siglo XVII y del siglo XVIII a la
que tradicionalmente se ha llamado como "Escuela Cusqueña
de Pintura".
Al momento de la conquista existía en el Cusco y el Imperio una
significativa actividad plástica que pervivió hasta la colonia a través
de la pintura en queros y ceramios, como también el testimonio
visible de las pinturas preincaicas en murales y tejidos. En las
primeras décadas de la evangelización el arte estuvo firmemente
vinculado a la difusión de la nueva fe. Como un medio de
expresión que ejercía particular fascinación sobre los indígenas, el
arte se convirtió en un extraordinario soporte para las
explicaciones didácticas que hallaban serias limitaciones en
traducir a las lenguas nativas conceptos teológicos y de catequesis
de raíz latina.
Esta inicial utilización del arte por la Iglesia virreinal recibió un
considerable impulso con la aplicación de los decretos del Concilio
de Trento, que en el Perú fueron difundidos por disposición de
Felipe II en 1565. En el siglo XVI cusqueño, el arte pictórico fue
considerablemente influido por las pinturas y grabados flamencos,
así como por la pintura de origen español. Varios acontecimientos
importantes para el arte marcan el ultimo tercio de este siglo: la
visita a la ciudad del Virrey Francisco Toledo 1572 - 73, suscitó la
elaboración de cuatro paños pintados por indígenas, los cuales
narraban iconográficamente la genealogía de los incas y escenas
del Cusco. De esta época y hasta principios del siglo XVII son
varios lienzos que evidencian la fuerte influencia del estilo
manierista, que coincide con la difusión de la pintura mural en
iglesias de la ciudad y el campo, pintura que sirvió para la
exteriorización del culto cuando adornaban las paredes exteriores,
y de soporte a la catequesis que se realizaba en las paredes
interiores de los templos.
En 1583 llegó a la ciudad imperial el hermano jesuita Bernardo
Bitti, quien dejaría una profunda huella a lo largo de mas de un
siglo. Su enseñanza estuvo a la base de la pintura colonial
peruana, en particular de la cusqueña. Su arte tiene una gracia y
delicadeza pecualiares, propios de una espíritu contemplativo, con
un marcado esteticismo centrado en la figura humana. Dejó varias
obras en iglesias, casas particulares y en las regiones que se
hallaban bajo la influencia del Cusco como Juli, su sucesor sera,
otro jesuita de gran mérito. Diego de la Puente. Otro maestro
italiano influyente fue Angelino de Medoro que no viajo fuera de
Lima, pero su gravitación se canalizó a través de sus discípulos
entre los que destacó Luis de Riaño. Su arte reúne todas las
características del estilo, figuras alargadas, escorzos acentuados,
colores fríos y tornasoles. También Mateo Pérez de Alessio va a
marcar este comienzo del arte pictórico virreinal, activo en Lima
veintiséis años, fue el pintor más importante e influyente a través
de su obra, que al parecer se restringió a esta ciudad
REPRESENTANTES DEL ARTE DE LA COLONIA:
BERNARDO BITTI
El padre jesuita Bernardo Bitti nació en Camerino, Italia en 1548. El
aporte español y, en general europeo, a la Escuela cuzqueña de
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pintura se produce desde época muy temprana, cuando se inicia la
construcción de la catedral. Es la llegada del pintor italiano
Bernardo Bitti en 1575, sin embargo, la que marca un primer
momento del desarrollo del arte cuzqueño. Este jesuita introduce
en el Cusco una de las corrientes en boga en Europa de entonces,
el manierismo, cuyas principales características eran el tratamiento
de las figuras de manera un tanto alargada, con la luz focalizada
en ellas y un acento en los primeros planos en desmedro del
paisaje y, en general, los detalles.
Estancia en el Perú
Bernardo Bitti llega al Perú el 31 de mayo de 1575 para
"evangelizar por medio del arte", a solicitud del Provincial de la
Compañía de Jesús, Padre Bracamonte. Trabajó en Lima desde
1575 trasladándose a Cusco en 1583 y luego, en 1585, a Juli,
Puno. Se documenta un retorno a Cusco entre 1595 y 1598,
alternando su estancia en la esta ciudad, según refieren José de
Mesa y Teresa Gisbert, con las ciudades de Chuquisaca y
Arequipa incluso hasta 1600. Se hace referencia a una nueva
estancia de Bitti en Arequipa hacia 1603 retornando a Lima en
1604, ciudad donde permanecerá hasta su muerte ocurrida en
1610.
Su gran talento artístico lo convierte en el pintor principal y
exclusivo de la orden jesuita. Fue un muy reconocido pintor y
escultor de Sudamérica durante el siglo XVI. Aunque nunca firmó
ninguno de sus cuadros, su estilo se ha vuelto inconfundible. Entre
sus principales características podemos destacar el uso
predominante de la línea, la mera insinuación de los volúmenes, la
figura alargada al estilo manierista, la sofisticación en la postura de
sus personajes, quienes están trabajados teniendo como base una
línea serpentinata. En las figuras de Bitti no se aprecia el
naturalismo, sino por el contrario, la ingravidez de sus telas, sus
colores fantasiosos y la ausencia de diferentes texturas de sus
paños (influencia del Greco y Rafael según los historiadores José
de Mesa y Teresa Gisbert) responden hacia un deseo de
idealización de sus figuras como se puede observar en sus
Vírgenes y Santos quienes están arropados con telas de colores
pasteles.
A su muerte, su discípulo el jesuita Diego de la Puente (1575-
1583), fue el continuador de su obra.
Lima
 Coronación de la Virgen Iglesia de San Pedro (Lima)
 La Virgen de la Purificación o Candelaria Iglesia de San
Pedro (Lima)
 Rector Jerónimo López Guarnido Museo de
la Universidad Nacional Mayor de San Marcos
 Virgen Maria con el niño Museo Pedro de Osma
 Plancha de cobre con la imagen de la Virgen Museo
Pedro de Osma
 Virgen de la O Iglesia de San Pedro (Lima)
 Oración en el huerto Museo de Arte de Lima
 Virgen de la Rosa Museo del Convento de los Descalzos.
Cusco
 San Ignacio de Antioquía, escultura en maguey
Museo Histórico Regional de Cusco
 Santiago Apóstol, escultura en maguey Museo
Histórico Regional de Cusco
 San Gregorio Papa, escultura en maguey Museo
Histórico Regional de Cusco
Lic. Leydi Elizabeth Ñahui Mejia
 San Sebastián, escultura en maguey Museo
Histórico Regional de Cusco
 Virgen del pajarito Catedral de Cusco
 Cuadros de los misterios de la vida y pasión de
cristo Catedral de Cusco
 Coronación de la Virgen Iglesia de la Merced
(Cusco)
 Inmaculada Iglesia de la Merced (Cusco)
 Virgen con el niño Iglesia de la Compañía
(Cusco)
 Virgen de la Candelaria Iglesia de la Compañía
(Cusco)
 Cristo resucitado Iglesia de la Compañía (Cusco)
 Las lágrimas de San Pedro Iglesia de la
Compañía (Cusco).
Arequipa
 Virgen con el Niño Iglesia de la Compañía (Arequipa)
 Cristo resucitado Iglesia de la Compañía (Arequipa)
 Escenas de la pasión Iglesia de la Compañía (Arequipa)
 Virgen de la Candelaria Iglesia de la Compañía (Arequipa)
 Virgen con el Niño Iglesia de yanahuara (Arequipa) (atr.
Estabridis)
 Cristo Camino al calvario Colección Banco Central de
Reserva, Arequipa (atr. Estabridis).
Puno
 Virgen de la Asunción Iglesia de Nuestra Señora de la
Asunción (Juli)
 Coronación de la Virgen
 Santa Catalina Iglesia de San Pedro Mártir (Juli)
 Santa Bárbara Iglesia de San Pedro Mártir (Juli)
 San Juan Bautista Iglesia de San Pedro Mártir (Juli)
 Sagrada familia de la pera Iglesia de San Pedro Mártir
(Juli)
 Bautismo de Cristo Iglesia de San Juan de Letrán (Juli)
 San Juan el Evangelista Iglesia de San Juan de Letrán
(Juli)
 Retablo de San Pedro de Acora
 Retablo de Challapampa
 San Juan Evangelista Iglesia de San Pedro (Acora)(atr.
Mesa y Gisbert)
 Relieve de la Virgen de la Asunción (atr. Soria)

Durante este período su color se hace más intenso
(azul, verde, amarillo, ocre, rosado).
Bolivia- Sucre
 Virgen con el niño y San Juanito Catedral de Sucre
Venezuela
 Virgen con el niño durmiendo
La Coronación de la Virgen, Iglesia de San Pedro de Lima
MATEO PÉREZ DE ALESSIO
Mateo Pérez de Alessio fue un
pintor y escultor italiano especializado
en devocionarios y figuras históricas
y marítimas. Hijo de Antonio de
Alessio y Madama Lucente. Existen
diferentes registros de su apellido, ya
que el firmó de diversas maneras,
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figura en un recibo de su mano como Matheo Pérez de Alesio.
También se le conoció como Matteo da Lecce. Se intitulaba
romano pintor, razón por la cual se creyó que era de esa ciudad.
Probablemente antes de tener 16 años de edad entró en el taller
de Miguel Ángel. Gaspare Celio le atribuye el San Miguel de la
Disputa sobre el cuerpo de Moisés (1574 aproximadamente) en la
Capilla Sixtina del Vaticano y que diera lugar a pensar que llegó a
ser pintor de cámara de Gregorio XIII, [Papa, entre 1572-1585,
éste realizó en 1582 la reforma del calendario Juliano, creando el
sistema vigente conocido como Calendario Gregoriano en el cual
se suprimieron 10 días del mes de octubre de 1582].
La vida en el Perú
Llegó a la Ciudad de los Reyes (Lima) desde Roma, acompañado
de su discípulo y ayudante Pedro Pablo Morón con quien se
concertó a enseñarle el oficio en 1583 y servirle de ayudante con el
salario de 200 ducados de Castilla en los diez años que durase el
trato. Éste se renovó en Lima por el tiempo que faltaba, dos años y
medio en 1593; ofreciéndole tres veces del valor inicial y
nuevamente por otros dos años en enero de 1595.
Permaneció en Lima, según contratos desde 1588 hasta 1628.
Trajo consigo una valiosa colección de grabados de Durero; ya en
Lima, abrió un taller en el Cuartel I, Barrio 2º calle Mantas, admitió
algunos alumnos y discípulos, como Pedro Pablo Morón, que llegó
con él, Francisco García, pintor de imaginería en 1595 y por dos
años, el padre agustino Francisco Bejarano en 1599, Domingo Gil
de 1600 a 1603, Cosme Ferrero Figueroa y posteriormente su hijo
Adriano; siendo esta una de las primeras academias de arte de
Lima, según las investigaciones realizadas por Rubén Vargas
Ugarte. En 1590 realizó el retrato del virrey García Hurtado de
Mendoza, cuarto Marqués de Cañete, razón por la cual en una
escritura firma un documento, como: Pintor de su Señoría el Señor
Virrey. Alcanzó en 1592 el grado de Gentilhombre de la Compañía
de a caballo de arcabuces de la Guardia de este Reino del Pirú
[Archivo de la Nación folio 141, registrador, Bello, año 1592].
Según registro del Archivo de la Nación del año 1591, ante el
escribano Córdova [f. 376], concertó por 300 pesos con el General
Don Antonio Picado la hechura de varias pinturas, entre ellas una
imagen de Nuestra Señora, en lámina de cobre y el retrato de su
mujer Doña Mayor Bravo de Saravia, de cuerpo entero, siendo
Antonio Picado procurador de la ciudad de Arequipa donde Alesio
realizaba el retablo principal de la Iglesia de Santo Domingo de esa
ciudad. Talló un retablo para la Iglesia la Merced de Huánuco
[descubierta la autoría en el año 1988 por Luis E. Tord].
En 1595 había adquirido de Francisco López, por 350 pesos,
cincuenta retablos de figuras y personajes que había traído de
Castilla. Aparte de su arte, en esos primeros años buscó hacer
fortuna en las minas de oro y plata de Vilcabamba (Cusco) y
Huancavelica. Muchos son los documentos de tratos mercantiles y
de negocios en los que figura el maestro como actor, revelando
otra faceta de sus actividades, allí no se tiene muchas referencias
acerca de la obra que le ha dado tanto prestigio. En 1600 se le
encargó el adorno de la Capilla Mayor de la Iglesia de Santo
Domingo, en compañía de Pedro Pablo Morón, pero algunos
documentos hacen presumir que la obra ya se había comenzado
entre los años 1593 y 1594, por la donación que hizo Don Alonso
Picado a favor del trabajo de Pérez de Alesio.
El año de 1606, a petición de Juan de Vega, aparece pintando
siete cuadros para una de las iglesias de Huánuco, de
dimensiones relativamente pequeñas (tres y medio palmos por
cinco), entre cuyos temas figura el original de Cristo con la Cruz a
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cuestas y su Madre Santísima que le sale al encuentro en la Calle
de la Amargura; y otro representando a Jesús, puesto a lo vivo en
la Cruz, con las agonías de la muerte [contrato registrado en el
Archivo Nacional]].
En 1600 recibió una buena suma por las obras de pintura y dorado
que se realizaban en la Iglesia Dominica de Lima, fue ayudado por
sus discípulos Morón y Cosme Ferrera Figueroa, con quien
posteriormente se asoció en 1602 para explotar los tesoros de una
huaca que estaba en los términos de esta ciudad. En 1606,
otorgaba el siguiente recibo: “... Digo io Matheo PÉREZ de Alecio
que recibí del mayordomo de la Iglesia Maior, el Señor Juan de
Robles, doscientos cincuenta pesos de a nueve. Los quales se me
pagan por la pintura de las puertas del órgano y el endorado que
ise de ellas y por verdad firmé esta libranza a las espaldas. Oi 21
de Diciembre de este año nuevo en 1606. Matheo PÉREZ de
Alecio...” [sic]. Por desdicha no se conserva ni el retablo ni el
órgano.
En 1616 pintó los cuadros que adornaron la capilla en el respaldo
del altar mayor de la Catedral de Lima; y repitió la figura del San
Cristóbal sevillano a uno de los dos lados de la portada del testero
que hoy está desaparecida y también decoró al fresco la Iglesia de
San Agustín. En muchas biografías figura fallecido en 1616, pero
un contrato de 1628 desvirtúa tal afirmación, dicho año vendió al
padre Francisco Puche, de la orden de San Benito y para la Iglesia
de Monserrate, una imagen de Nuestra Señora (de color trigueño).
Asimismo en 1628 se construía el nuevo templo según traza del
arquitecto mercedario fray Pedro Galeano, gracias a los donativos
del capitán Bernardo de Villegas y de su esposa Marcela de
Montoya, cuya bella capilla-sepulcro era decorada por el pintor
Mateo Pérez de Alesio, en compañía de su discípulo Pedro Pablo
Morón. Tenía su residencia en el Cuartel I, Barrio 4º, calle Merced,
frente a la puerta seglar. Su obra da prestigio en la historia del Arte
Virreinal peruano.
Según el historiador de Arte peruano Ricardo Estabridis, la
presencia volumétrica en la obra de Alesio es influencia de Miguel
Ángel la que luego va a incorporar nuevos tonos y valores. Llega al
Perú en busca de fortuna y se involucra en negocios de minas y en
el "Huaqueo".
 Retrato del Virrey García Hurtado de Mendoza
 Iglesia de Santo Domingo:
o Vida de Santo Domingo (iglesia y claustro del
convento)
o San Jerónimo con donante (crucero de la Iglesia)
Obras polémicas
 Iglesia de la Merced de Lima
o Fresco en cúpula y pechinas en la capilla del
Capitán Villegas (según el historiador Argentino
Prof.Schenone)
 Retablito de Huánuco - Pintura sobre madera con las
imágenes de San Agustín (Plancha de cobre sobre
madera) y San Nicolás de Tolentino (propuesto por el
historiador Luis Enrique Thorn)
 Iglesia y Convento de San Francisco en Lima
o Murales sobre la vida de San Francisco
(inspirados en grabados de la época)
 Monasterio Santa Rosa de las Monjas
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o La Virgen de la Leche (plancha de cobre,
restaurado por Teófilo de las Casas)
 Colección de la Familia Velarde
o Luego de la restauración de la plancha de cobre
con la imagen de la Sagrada Familia del Roble
(estilo de Rafael) se encontró al reverso la figura
de la Virgen de la Leche, posible obra de Alesio.
ANGELINO MEDORO
Angelino Medoro (también: Angélico Medoro) fue un pintor nacido
en Roma hacia 1567. Pasó a Sevilla en 1586 y se embarcó hacia
el Perú permaneciendo antes por algunos años en Colombia y
Ecuador. Según el historiador de arte peruano Ricardo Estabridis,
Medoro llegó al Perú hacia 1600, fecha en la que firmó un contrato
con la orden mercedaria para pintar a su virgen patrona. La mayor
parte de su obra se encuentra en Lima habiendo recibido encargos
de los más importantes conventos de esa ciudad.
Estilo.-Su obra es dispar en estilo y calidad. En una primera etapa
se notan caracteres contramanieristas, alejados del estilo de Bitti,
para posteriormente dejarse influenciar por la Escuela sevillana de
pintura de fines del XVI, caracterizada por la pervivencia del canon
manierista junto con la introducción de fórmulas naturalistas. En su
obra se aprecia cierta preocupación por los fondos, abiertos a
espacios arquitectónicos, y la preferencia por los colores tierra, a
diferencia de los utilizados por Bitti.
Obras.-En Lima
Obras firmadas o documentadas:
 Nuestra Señora de los Ángeles (1600) Convento de los
Descalzos, Lima
 Nuestra Señora de los Ángeles (1600) Iglesia de los
Recoletos, Lima
 El Milagro de San Antonio (1601) Iglesia de los Recoletos,
Lima
 San Diego (1601) Iglesia de los Recoletos, Lima
 Cristo Crucificado con San Francisco y Santo Domingo
(1618) Iglesia de los Recoletos, Lima
 San Buenaventura (1603) Iglesia de San Francisco, Lima
 Retablo de la Pasión del Señor Iglesia de San Francisco,
Lima
 La multiplicación de los panes (1612) Monasterio de las
descalzas de San José, Lima
 Inmaculada (1618) Convento de San Agustín, Lima
Obras no firmadas:
 Virgen María Iglesia del Convento de la Merced, Lima
 Jesús de la humildad y la paciencia (1617) Colección
Moreyra, Lima
Sagrada Familia con san Juan
Bautista y santo dominico, 1622, óleo
sobre lienzo (162 x 123 cm.), Museo
de Bellas Artes de Sevilla.
Escuela Cusqueña
Lic. Leydi Elizabeth Ñahui Mejia
La escuela Cuzqueña, se desarrolla como una nueva expresión
mestiza producto de los íconos religiosos implantados, pero
manteniendo raíces autóctonas basadas en la religiosidad nativa.
Por ello en las piezas más representativas se pueden observar
aves, plantas, alimentos y decoración características de la
ideología más ancestral del Perú.
Pintura Cusqueña
El culto a la Madre Tierra o Pacha Mama, se vé claramente
reflejado en la representación de las imágenes correspondientes a
la Virgen María o personajes femeninos, cuyas figuras parecen
representar montañas o Apus . Igualmente, los rostros de las
figuras cuentan con el rubor en las mejillas, propio de los
indígenas. A finales del siglo XVI, la Pintura Colonial estuvo muy
influenciada por la escuela Flamenca y el Manierismo , y es en el
siglo XVII cuando el desarrollo artístico de pintores autóctonos
marca el florecimiento de la Escuela Cuzqueña como una de las
mejores expresiones de la simbiosis cultural de los dos mundos: el
hispano y el americano. Arcángel Eliel con arcabuz.
Si bien es cierto, casi la totalidad de pinturas carecen de firma,
Diego Quispe Tito, Basilio Santa Cruz Pumacallao, Marcos
Zapata, y Antonio Sinchi Roca Inga, y entre otros los que le darían
reputación Universal, quienes destacan en la pintura colonial
peruana conocida como Escuela Cuzqueña.
Una de las características de la pintura cusqueña es la abundante
utilización del pan de oro para la decoración de las pinturas,
técnica conocida con el nombre de brocateado. Desde el Cusco se
exportaban cuadros a las principales ciudades del Alto Perú (hoy
Bolivia), la Capitanía General de Chile y al Virreinato del Río de la
Plata. La enorme producción de la escuela cusqueña y los escasos
estudios sobre el tema impiden muchas veces llegar a
atribucionesprecisas, por lo cual los autores de gran parte de los
lienzos de la escuela cusqueña que se exhiben en el museo
permanecen en el anonimato.
En idioma quechua, se trata de la deidad de mayor importancia
después del sol o Inti. En idioma quechua, los Apus o montañas
tutelares, eran dioses de índole regional y de gran trascendencia
para la Pacha Mama. Desarrollada en el siglo XV en Europa, se
caracteriza por su extremada minuciosidad y realismo, impecable
ejecución técnica, equilibrio cromático y compositivo. Estilo
artístico desarrollado en Italia, Francia y España, utiliza colores
intensos y una perspectiva y escala distorsionadas, sus figuras son
alargadas o musculosas para dar una sensación de mayor
movimiento y expresión.
Características de la Escuela Cusqueña
 Con un profundo sentido temático religioso.
 De interpretación plástica ingenuo y de gusto popular.
 De configuraciones hieráticas frondosamente decoradas
con brocateados y estofados de oro.
 De vírgenes mestizas o mamachas de encanto
misterioso, con vestimentas estilizadas y decoradas con
extremo lujo, como corresponde a los divinos seres de la
corte celestial.
 Con fondos de paisajes idílicos de abigarrada
vegetación.
 Con aportes de sentido popular.
Pintores
 Historia Critica de la Realidad Peruana Lic. Leydi Elizabeth Ñahui Mejia
Diego Quispe Tito
San Jerónimo
Pintor peruano del periodo virreinal, principal figura de la escuela
cuzqueña del siglo XVII.Nació en 1611 y falleció en 1681.
Nació en San Sebastián (virreinato de Nueva Granada). Su estilo,
de inspiración manierista, se consolidó a partir de la contemplación
de grabados y tablas de artistas flamencos, como Antonio Wierix o
Ferdinand Bol.
En la Visión de la cruz (1631) y la Ascensión (1634), dos de sus
primeras obras, ya se aprecia la esquematización lineal y el gusto
por los elementos decorativos característicos de las obras de
madurez de este autor de procedencia indígena. Plantas, flores y
pájaros autóctonos se mezclan con arquitecturas extraídas de
estampas europeas. Esto, unido a una especial atención por el
detalle y lo anecdótico, dio lugar a una escuela que tuvo gran
repercusión en la tradición pictórica andina.
En la iglesia de San Sebastián (Cuzco) se conservan una serie de
lienzos sobre la vida de san Juan Bautista, realizada hacia 1663 en
base a los grabados de Cornellis y Phillipe Galle. La obra cumbre
de Quispe Tito es el Zodíaco de la catedral de Cuzco (1681). Se
trata de una serie de cuadros destinados a combatir la idolatría en
la que cada signo se corresponde con un parábola bíblica.
 La piedad es otra de sus obras pictóricas se exhibe en la
iglesia de san Sebastián.
 El retrato del obispo Mollinedo.
 Resurrección de San Lázaro
 Escuela de Nazaret
Basilio Santa Cruz Pumacallao
Fue un pintor peruano que vivió durante el tiempo de la
colonia, siglo XVII, en el Cuzco y tuvo al Obispo Mollinedo como su
principal mecenas. Su estilo está marcado dentro del
Barroco pleno. Con su obra se puede apreciar por primera vez un
paralelo entre la pintura del Perú y la de España. Su pintura está
caracterizada por tener una composición dinámica, ser muy
decorativa y de grandes dimensiones. El estilo de Santa Cruz es
muy diferente al de Quispe Tito, pues no está basada
específicamente en grabados sino que está más ligada al trabajo
de los pintores españoles como Murillo y Valdés Leal, quizás esto
como consecuencia de las piezas que el obispo Mollinedo trajo
consigo desde Madrid.
Se puede apreciar parte de su obra en la Catedral del Cuzco. Es
así que se observa en los laterales del trascoro a la Virgen de
Belén y a la Virgen de la Almudena. Y en el transepto la serie de
las Santas Mártires y la Aparición de la Virgen a San Felipe Neri.
También en el Convento de San Francisco del Cuzco podemos
apreciar la Serie de la vida de San Francisco, en la cual solamente
se encuentra firmado el último cuadro, datado en 1667.
En la Iglesia de la Merced podemos encontrar el Martirio a San
Laureano, pintura barroca con ángeles al estilo de Murillo.
Basilio de Santa Cruz Pumacallao creó, junto a José Lopez de los
Ríos y Leonardo Torres, las iconografías de los ángeles y
arcángeles arcabuceros tan característicos de la escuela cuzqueña
y tan distintos de los ángeles que se representaban por la misma
época en Europa.
Basilio Pacheco
Pintor mestizo natural del Cusco, activo entre 1738 y 1752.
Se contrató para pintar una serie de cuarenta cuadros de la vida de
San Agustín, la realizó entre en los años 1744-1746. Inicialmente
estos adornaban el claustro principal de la iglesia de San Agustín
del Cusco, pasaron a la sede de Lima después del año 1835.
Con el entierro de San Agustín, Basilio Pacheco cierra la serie y
lleva su firma.
El orante arrodillado, en primer plano, es el autorretrato del artista.
Estas obras se pueden ver en el convento agustino de Lima.
Según propias informaciones de la Orden de San Agustín
actualmente (año 2012) la serie es de 38 óleos, por lo tanto los
dos faltantes pasan a ser anónimos.
Marcos Zapata
Marcos Zapata eternamente confundido con Marcos Sápaca
Inca (Cuzco, c. 1710-1773). pintor peruano.
Fue uno de los últimos autores de la llamada Escuela cuzqueña.
Autor de cuadros religiosos, entre 1748 y 1764 pintó al menos 200
obras, 24 de ellas sobre La vida de San Francisco de Asís (1748),
para la orden capuchina deSantiago (Chile); cincuenta lienzos
sobre la Letanía Laurentina (1755) para la Catedral del Cusco y
unos 73 trabajos para La Compañía, en el Cuzco (1762). Usó el
azul y el rojo en sus cuadros.
Su carrera se desarrolla entre 1748 y 1773. Su influyente estilo se
caracteriza por la belleza dulzona y convencional de sus
representaciones marianas, rodeadas casi siempre por cabezas
aladas de querubines. Zapata abordó asimismo temas alegóricos
de la Virgen. En este caso, el pintor se inspiró en las estampas
sobre este tema, grabadas por Christoph Thomas Scheffler en
1732. Son composiciones didácticas, de lectura relativamente fácil
con respecto a los complejos conceptos teológicos que buscan
explicar.
Está considerado como uno de los más destacados del siglo XVIII.
En el año 1755 se comprometió a pintar cincuenta o más lienzos
de Las Letanías Lauretanas de Nuestra Señora para colocarse en
los medios arcos de la Catedral del Cusco, tanto de las naves
laterales como en la sacristía.
Zapata tomó como referencia para estas pinturas el libro de
grabados titulado: Elogia Mariana.
Mis investigaciones han sido infructuosas para poder informarles si
la serie está completa y en cual de las pinturas aparece su firma.
La famosa Última Cena de Zapata se encuentra en este libro de
grabados, después de esa imagen hay dos grabados más.
ARQUITECTURA VIRREYNAL
La Catedral del Cuzco o Catedral Basílica de la Virgen de la
Asunción es el principal templo de la ciudad del Cuzco, en
el Perú y alberga la sede de la Diócesis del Cuzco. La Basílica
Catedral del Cusco que con los templos del Triunfo y de la
Sagrada Familia forman el Conjunto de la Catedral, se encuentra
ubicada en el sector noreste de la actual Plaza de Armas del
Cusco. En el lugar que fue el Suntur Wasi, Palacio del
Inca Wiracocha. El complejo ocupa un área de 3956 mt2. Es el
monumento religioso más importante del Centro Histórico
del Cuzco.
La Catedral del Cuzco es resultado de diversos proyectos
elaborados por distintos arquitectos que se relevaron al frente de
las obras. La primera catedral del Cuzco es la Iglesia del Triunfo,
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construida en 1539 sobre la base del palacio de Viracocha Inca. En El Templo de la Sagrada Familia
la actualidad, esta iglesia es una capilla auxiliar de la Catedral.
El 13 de setiembre de 1723 se colocó la primera piedra para iniciar
Entre los años 1560 y 1664 se construyó la Basílica Catedral de la construcción del Templo de la Sagrada Familia por encargo del
esta ciudad. Su construcción fue confiada a Juan Miguel de Obispo Gabriel de Arregui. Tras la muerte del arquitecto encargado
Veramendi en 1560, quien fue sustituido dos años más tarde por de la obra, se reinicia en 1733 y fue concluida el 3 de setiembre del
Juan Correa. A éste le siguieron otros maestros, hasta que 1735. En 1996 con el apoyo del Arzobispado del Cusco y la Unión
en 1615se hizo cargo de la dirección de la obra Miguel Gutiérrez Europea, el Templo es restaurado íntegramente que por su mal
Sencio, un arquitecto seguidor de Marco Vitruvio y Jacopo Vignola, estado de conservación estuvo cerrado cerca de 30 años.
y admirador del estilo sobrio y puro instaurado por Juan de
Herrera en El Monasterio de El Escorial. Bajo su dirección, se El templo está compuesto por una nave en cruz latina de planta
culminó la catedral del Cuzco en 1649. rectangular con pequeñas hornacinas laterales. Los muros al
interior del templo son de piedra pulida con enlucido de cal. Toda
El material constructivo fue la piedra procedente de áreas cercanas la iglesia está construida también con andesita. El techo del templo
y también se reutilizaron bloques de granito de color rojo desde la está compuesto por cinco bóvedas construidas con ladrillos
fortaleza conocida como Sacsayhuamán. rectangulares. En el sector del presbiterio se ubica el retablo o altar
mayor de estilo barroco con dos sacristías laterales. El muro de la
Fue reconocida como Basílica menor de la Iglesia Católica, el 8 de
fachada esta tratado como un lienzo de cantería de forma
febrero de 1928. La construcción, de tres naves, se levanta sobre
rectangular, compuesta de tres cuerpos. La coronación de la
una planta de tipo salón. Un detalle que sorprende es la fusión
fachada es una cenefa con adornos circulares sobre la cual remata
entre el orden de los capiteles y frisos y el tipo de cubierta
la cornisa.
utilizado: labóveda de crucería, característica del gótico. Ello da pie
a una sorprendente amalgama de estilos, frecuente en el estilo ¿Qué es un Retablo?
Barroco de Latinoamérica. La famosa imagen del Señor de los
Temblores se venera en la catedral. Obra de arte pintada o esculpida sobre madera, piedra o mármol
que se coloca detrás del altar y que generalmente representa
Esta catedral, de fachada renacentista e interiores barroco, tardo- escenas bíblicas o religiosas.
gótico y plateresco, posee una de las más destacadas muestras de
orfebrería colonial. Importantes son igualmente sus altares de
madera tallada.
Puesto que en esta ciudad se desarrolló la pintura sobre lienzos de
la célebre Escuela cuzqueña de pintura, la más importante de la
América Colonial, en la catedral se pueden observar precisamente
importantes muestras de artistas locales seguidores de esta
escuela.

Arquitectura
La Catedral del Cusco es de planta rectangular del tipo basilical
con tres naves: nave de la epístola, nave del evangelio y la nave
central, coincidentes con las tres puertas de la fachada. Tiene
catorce pilares cruciformes que definen la distribución de las
veinticuatro bóvedas de nervadura, siendo las más grandes la
bóveda de ingreso y la del crucero. Las 24 bóvedas son
soportadas por unas estructuras básicas formadas por 21 arcos de
piedra y 32 arcos de medio punto. Todas estas estructuras son de
piedra andesita (Roca volcánica de grano fino química y
mineralógicamente similar a la diorita)

El Templo de El Triunfo
Fue construida en 1538 en el lugar llamado Suntur Wasi y sirvió
provisionalmente como la Catedral de la ciudad.
En la cara principal se colocó la imagen de Nuestra Señora de la
Asunción en memoria a la victoria de los españoles sobre Manco
Inca en 1536 de donde viene la denominación de “El Triunfo”. Esta
obra junto con sus muros de protección y sus tres puertas
concluyen en 1664.
Fue construida con piedra andesita, sobre la base del primigenio
templete con su cúpula. La planta asemeja una cruz griega, la
cúpula de piedra está ubicada al centro formada por cuatro pilares
cruciformes que se levantan sobre los pedestales para sostener
cuatro arcos de medio punto de cantería que soporta la estructura
de la cúpula central.
Arquitectura Ecléctica
El templo es formado por tres naves: de la epístola, del evangelio y
la nave central, un coro alto ubicado en el sector lateral de la nave
del evangelio, precisamente se ingresa de la Catedral a la Iglesia
del Triunfo por el sotocoro de la iglesia.
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proclamará emperador en 1852, comenzando el Segundo Imperio,

que durará apenas 18 años.
La Francia del Segundo Imperio va a procurar dar una imagen de
brillante y espectacular. El gusto de este Segundo Imperio será,
entonces, de gran pompa y fanfarria imperial, del agrado de los
burgueses enriquecidos. En este empeño en asombrar al mundo
con el esplendor del país, y de su capital, París, muy
El eclecticismo arquitectónico es una tendencia artística especialmente, se llevarán a cabo una serie de obras de enormes
en arquitectura que mezcla elementos de diferentes estilos y dimensiones, desde los ambiciosos proyectos de
épocas de la historia del arte y la arquitectura. Se manifiesta la Ópera de Charles Garnier, la reforma de la catedral de Notre
en Occidente entre 1860 y finales de los años 1920. Dame de Viollet-le-Duc y la ampliación del Palacio del
Louvre de Visconti hasta los planeamientos urbanísticos de las
El término ecléctico viene del adjetivo griego (εκλεκτός) que calles parisinas del barón Haussmann.
significa "escogido" que a su vez deriva del verbo griego escoger,
puesto que lo que harán los arquitectos, y artistas en general, de
esta época, será escoger de toda la Historia del Arte lo que más Estilos
les interesa. También se utiliza para definir este período la
Neorrománico
palabra Historicismo, que se refiere a una nueva visión de la
Historia, en la que se indaga filosóficamente. 1 Sus referencias Neogótico
serán el arte gótico (Neogótico), románico (Neorrománico) Neobarroco
y oriental(Orientalismo, Exotismo).
Neobizantino
Eclecticismo o Historicismo no se refieren a lo mismo, el Neomudéjar
historicismo es el uso de un lenguaje anterior y el eclecticismo es
el uso de varios lenguajes anteriores en una misma arquitectura. Neoárabe
Será un período complicado de la historia de la arquitectura en el Neorrenacimiento
cual existirá una superabundancia de tendencias que se Neogriego
entrecruzan, y unas muy diversas versiones de carácter nacional,
ya que cada país intenta resucitar sus tradiciones más autóctonas, Arquitectura georgiana
coincidiendo con los movimientos nacionalistas o regionalistas. Caracteristicas
Revolución Francesa y Neoclasicismo La arquitectura ecléctica, toma sus raíces en la arquitectura
Con el inicio del proceso revolucionario, se dejan atrás los historicista. Si la arquitectura historicista se dedicaba más a imitar
símbolos del Antiguo Régimen. Frente a los modelos de arte las corrientes de la antigüedad (como lagrecorromana) y no a
refinado de la aristocracia y los grandes palacios barrocos de los incorporarles características de otras culturas o arquitecturas, la
príncipes, aparece una nueva retórica, con símbolos procedentes arquitectura ecléctica se dedica principalmente a la combinación
de la Antigüedad. Esta Antigüedad será el ideal que los de corrientes arquitectónicas.
revolucionarios procurarán recuperar para salirse de la viciada Así, su característica principal es la de combinar dos o más estilos
sociedad que había hasta ahora; el arte rococó se condena y se arquitectónicos en una nueva estructura, que a su vez, resulte algo
ensalzan la racionalidad y la austeridad. Boullée, David son nuevo, con características de las corrientes que toma, pero con
ejemplos de la austeridad que imperará en la Francia republicana. otras nuevas.
Más tarde, y con la autocoronación de Napoleón como emperador, El término de "arquitectura ecléctica" se aplica también de forma
el estilo neoclásico, con toda su simbología clásica pasará al libre a la variedad de estilos surgida en el siglo XIX luego del
servicio de éste, exaltando sus afanes imperiales, emulando auge neoclásico. De todas formas este período pasó a
al Imperio Romano. denominarse como "historicista" con el paso del tiempo.
Restauración y Romanticismo En las últimas décadas del siglo XX se desarrolló, por otra parte,
La caída de Napoleón derribará el sistema creado en la Revolución un nuevo auge del eclecticismo, de la mano de los conceptos
Francesa, y la Restauración del antiguo orden sustituyó al aparato del postmodernismo. Se ha denominado a esta corriente
del breve período imperial. No obstante, las cosas no volvieron a "neoecléctica"
asentarse tal como estaban en un principio: la burguesía, que se
había alzado protagonista de las conquistas políticas y económicas
en el período revolucionario, asentará ahora su posición y se
consolidará como clase rectora, imponiendo sus gustos y
preferencias.3 Dichos gustos difieren de los ideales heroicos,
abstractos y severos del neoclasicismo, teniendo como primera
manifestación propia el Romanticismo. Los burgueses encontrarán
en los artistas bohemios románticos la forma de evadirse, y a los
artistas les gustará poder disfrutar de las comodidades de la vida
burguesa. Así pues, en este período de entre 1815 y mediados de
siglo, convivirán estas dos realidades. Al mismo tiempo, con la
caída de Napoleón, surge un rebrote del sentimiento religioso, que
se manifestará artísticamente con sesgos románticos.
La arquitectura de la Segunda República y el Segundo Imperio
En 1848 termina la época de las restauraciones en Francia, dando
comienzo a la Segunda República, de la cual será presidente el
príncipe Luis Napoleón, que mediante golpe de Estado se