La voz de Herbie Hancock puede verse como un acorde polivinílico.

Si lo tocas en el piano,
entonces la mano izquierda está tocando una tríada Am (como una tríada extendida) y la
mano derecha está tocando una tríada G mayor de segunda inversión.

Esto nos da estos tonos:

AECDGB

Que es un acorde Am7 (9,11).

El acorde se muestra en el ejemplo 1 como un acorde completo de 6 notas y una versión

más jugable que deja fuera la raíz.

Construcción de la voz del piano

La mejor manera de entender esto es mirarlo como si constara de dos partes (similar a la
mano izquierda y derecha del piano)

La parte inferior es esta tríada extendida o una tríada de voz abierta.

Convertir la voz en un arpegio
Si bien es difícil tocar realmente este acorde en la guitarra, es muy posible convertirlo en
un arpegio y usarlo como una melodía interesante con un amplio rango.

Probablemente, la forma más fácil de hacerlo es tocar una nota por cuerda, como se
muestra a continuación en el ejemplo 4. He agregado una D adicional en la parte superior
porque me gusta cómo suena.

Poner el arpegio Herbie Hancock en uso

Ahora que tenemos un gran arpegio Am7, es fácil usarlo en un II VI en sol mayor como
este:

Creando más Arpegios y Acordes

Lo primero que debe intentar hacer para crear algunas variaciones más del arpegio es
probablemente entenderlo como parte de una escala. Esto nos permite moverlo como una
estructura diatónica y, con suerte, encontrar algún otro gran sonido y arpegios jugables.

Al hacerlo, entonces tiene sentido comenzar con la parte inferior. Aquí están las versiones
de 3 cuerdas de las tríadas de voz abierta. Con esto, creo que tanto el bajo como el alto
mayor son un poco difíciles, pero depende de cómo te sientes y tu guitarra.
Transposición diatónica # 1 - acorde Cmaj7 (# 11)
Lo primero que debe intentar es subir el arpegio un 3 ° diatónico. Esto se muestra en el
Ejemplo 7.

Esto produce un Cmaj7 (9 # 11): CGEF # BD

y una interesante voz de acorde Cmaj7 (9 # 11) (segunda mitad de la primera barra)

Transposición diatónica # 2 - acorde D7 (# 11)

Repetir este proceso y subirlo a D7. Cuando haces eso estrictamente en la escala, tienes
un D7 con un 11, una G y esa no es la nota más agradable para tener en un D7. Una
forma de solucionar esto es convertirlo en un # 11. Cambiar la G a una G # nos da este
arpegio y otra nueva y interesante voz de acorde (al menos no lo sabía)

Cambiar el arpegio y hacerlo más jugable

La parte inferior del arpegio es muy difícil de tocar, por lo que tiene sentido intentar
cambiar eso por otra estructura. Similar al Kenny Barron que expresa la parte inferior
podría ser un acorde quintal (también conocido como una pila de 5tos)
Implementar este cambio en el Cmaj7 y usar una tríada Esus4 como estructura superior
produce este arpegio:

¿Qué hacer con los modos?

– El modo Dórico
Cómo improvisar sobre el modo Dórico

En el momento de aprender los modos se nos enseñan las escalas pero, en la

mayoría de los casos, nunca se nos da una idea de lo que se puede hacer con ellas.

Vamos a ver algunas ideas que podemos utilizar a partir del modo dórico, para
recordar esta es una escala que se usa para los acordes menores séptima (m7), y su
armadura de clave es la que le corresponde a la escala mayor que esta un tono por
debajo, por ejemplo a la escala dórica de D, la armadura de clave que le
corresponde es la de la escala mayor de C.
El tema So What, de Miles Davis, es uno de los ejemplos más sonados de tema
modal. El tema se centra en el acorde Dm7, y obtiene la variación subiendo medio
tono (a Eb), es decir modulando.
Hablando de la composición, existen muchos temas encarados modalmente,
mucho antes que las exploraciones de Coltrane, en el campo de la improvisación,
el tema Israel, de Johnny Carisi, grabado en 1949 por el noneto de Miles Davis,
está compuesto modalmente, así como los 10 u 11 temas compuesto s por Duane
Tatro y grabados en 1954-55 para la Contemporary, y muchas de las obras
de Geoge Russell.
Todos los ejemplos que se verán a continuación están en la escala dórica de D y
están con el archivo midi, haciendo click en el link, para escucharlo.

La opción más obvia que se nos presenta ante un tema de esta forma es la de tocar
las notas que corresponden al acorde, como muestra el Ejemplo 1 .

Otra es la de tocar pensando en toda la escala dórica, Ejemplo 2.

Tocando sobre la escala dórica podemos crear frases con las notas que están en la
escala, pero que no corresponden al acorde, es como pensar un tono arriba, si
estamos en Dm7, improvisamos sobre en arpegio de Em, Ejemplo 3.
Esto hace que las frases suenen muy abiertas, este recurso era común en Bill Evans.

Otra característica de Evans, es la de distribuir la escala en una disposición de

terceras a partir de cualquiera de las notas que la componen , Ejemplo 4,

y con esto crear frases, Ejemplo 5.

Distribuir la escala por cuartas es otro recurso, que se comenzó a usar en la década
del 60, es común escucharlo en Herbie Hancock, McCoy Tyner y Chick Corea.

En el Ejemplo 6, tenemos la escala dórica subiendo por cuartas,

y en el Ejemplo 7 frases usando esta idea.

También podemos rodear las notas de la escala mediante semitonos, lo que se le

conoce como aproximación cromática, Ejemplo 8.
Estas son algunas de las cosas que se pueden hacer en los solos a partir de los
modos. Ahora vamos a ver algunas ideas de como poder armar los acordes cuando
tocamos un tema modal.

Los ejemplos están escritos para D dórico, obviamente transportándolos son útiles
para cualquier tono, y para cualquier modo.

En el Ejemplo 9 vemos los acordes de acompañamiento más comunes que son los
Voicing, el primero armado con los intervalos tercera, séptima, novena, el segundo
con séptima, novena, tercera, estos son los típicos acompañamientos sin la tónica.

En el Ejemplo 10 hacemos acordes en cuartas a partir de cada una de las notas de

la escala dórica de D.

Cualquiera de estos armados de acordes pueden ser usados cuando tocamos en

esta tonalidad, también podemos optar por usar varios como vemos en el Ejemplo
11, particularmente a mi me gusta usar los que no tienen la séptima, me suenan
menos duros.
También podemos unirlos mediante semitonos, como en el Ejemplo 12 usando la
misma línea de bajo.

Con este armado de acordes se puede acompañar melodías, siguiendo el orden de

cuartas impuesto por los acordes, Ejemplo 13.

Un armado que realmente me gusta, es el que tiene la disposición tercera, quinta,

sexta y novena, como ven no tiene séptima, y esto nos da la libertad de optar por
usar el modo dórico o cualquier otra escala que posea la séptima mayor. En el
primer compás la melodía es sobre el Modo Dórico, el segundo con la séptima
mayor, en el Ejemplo 14.

El último es un recurso que es muy común escuchárselo a Herbie Hancock, que es

las notas de la escala dispuestas en cuartas, tocadas con las dos manos, Ejemplo 15,
se pueden usar en forma percusiva.
Espero que les sea de mucha utilidad y esto es una punta de lo que tiene que ser
una larga investigación, escuchando a Bill Evans, Herbie Hancock y McCoy Tyner,
este último usa mucho los acordes armados con cuartas, sobre todo en la última
parte de su colaboración con Coltrane, que temas con muy pocos acordes.

IDEAS PARA ACOMPAÑAMIENTOS EN TEMAS

MODALES

Para los temas modales, puede ser cuando tenemos muchos compases sobre un
mismo acorde, se pueden armar los voicing con cuartas, sobre la escala en la que
estemos trabajando.

Por ejemplo armamos acordes en cuartas a partir de cada una de las notas de la
escala dórica de D. Cualquiera de estos armados de acordes pueden ser usados
cuando tocamos en esta tonalidad,

también podemos optar por usar varios como vemos en la figura siguiente,
particularmente a mi me gusta usar los que no tienen la séptima, me suenan
menos duros.

También podemos unirlos mediante semitonos, usando la misma línea de bajo.

Con este armado de acordes se puede acompañar melodías, siguiendo el orden de
cuartas impuesto por los acordes, ( acordes y melodías siempre son cuartas )

Un armado que realmente me gusta, es el que tiene la disposición tercera, quinta,

sexta y novena, como ven no tiene séptima, y esto nos da la libertad de optar por
usar el modo dórico o cualquier otra escala que posea la séptima mayor. En el
primer compás la melodía es sobre el Modo Dórico, el segundo con la séptima
mayor,

El último es un recurso que es muy común escuchárselo a Herbie Hancock , que es

las notas de la escala dispuestas en cuartas, tocadas con las dos manos, figura 15,
se pueden usar en forma percusiva.
Recomiendo escuchar a Bill Evans, Herbie Hancock y McCoy Tiner, este último usa
mucho los acordes armados con cuartas, sobre todo en la última parte de su
colaboración con Coltrane, que temas con muy pocos acordes.

Les dejo un temita de Coltrane Impressions, para apreciar la forma de tocar de

McCoy Tiner y edemas porque Esta Eric Dolphy que es uno delos músicos que más
me gusta.

VOICING

El voincing es la principal característica en el acompañamiento del piano de Jazz

moderno y consiste en eliminar las notas redundantes redundantes de un acorde.

Por ejemplo tomamos un acorde de C7 y lo analizaremos según la importancia de

cada nota:

NOTA FUNCIÓN QUE HACEMOS

C Fundamental de acorde. Si bien es una nota importante, si nos

encontramos en un contexto grupal esta nota,
debería ser ejecutada por el bajo, entonces la
podemos eliminarsin problemas

E Tercera del acorde. Esta es una nota importante ya que da la

Indica la modalidad del modalidad del acorde por lo tantodebe
acorde Mayor o Menor. quedar en el acorde

G Quinta Esta es una nota si no esta alterada no le

agrega nada al acorde del acorde por lo
tanto la podemos eliminar sin problemas

Bb Séptima Mayor o menor Ya que indica, si es tónica o dominante es una

indica si el acorde es nota importante y debe quedar en el
Dominante o Tónica armado del acorde.

De este cuadro deducimos que solo tocando la tercera y la séptima de cada acorde
logramos toda la información armónica que necesitamos.

Ejemplos con el acorde de C

En un Blues
En el mismo Blues con otra inversión

Lo difícil de este armado de acordes, es acostumbrarse a escuchar los acordes sin tónica.

Para cualquier consulta o clases

sirimarcoluis@gmail.com

Les dejo un vídeo de un maestro en el uso de los voicing, entre muchas otras cosas que
dominaba.

Erbie Hancock es uno de los más grandes

improvisadores de vida. Desde su trabajo
con el gran Quinteto Miles Davis hasta sus
propias exploraciones musicales, ha pasado
décadas evolucionando y empujando los
límites musicales. Pero lo que más destaca
es su capacidad para crear un momento
musical para el oyente. Para transportarlos
fuera de su rutina y expectativas diarias y
hacia la música misma.
Esta es la marca de un músico maestro en cualquier estilo de
música. La capacidad de crear magia con las herramientas
más simples: ritmo, armonía y declaraciones melódicas .
Trascender los detalles de notas y escalas para crear un
mensaje musical en el acto. Y esta es una habilidad en la que
debes comenzar a pensar en tu propio juego.
Para los mejores jugadores, cada solo es una
oportunidad para crear una nueva idea
musical. Hacer una declaración, interactuar
con otros músicos y ver a dónde irá la música
en esa fracción de segundo ...
Recuerde, no todos los solos tienen que estar llenos de líneas
de tiempo dobles, lame memorizados y dispositivos de
teoría. El secreto de un gran solo radica en crear música en el
momento.
EL SOLO DE HERBIE HANCOCK
EN CEORA :
Un ejemplo magistral de este concepto es el solo de Herbie
Hancock en Ceora del álbum Cornbread de Lee Morgan .
Escuche a continuación ( el solo comienza a las 4:05 ):
La progresión de acordes a la melodía es relativamente
simple: 32 compases en la clave de Ab ...
Encontrarás ii-V para el acorde I y el acorde IV:

... y más ii-V y cambios a medida que el formulario continúa:

Cientos de estándares de jazz comparten esta misma

progresión de acordes: acordes mayores, acordes menores, ii-V
y cambios . Entonces, ¿qué tocas en una canción como esta?
La mayoría de los jugadores inmediatamente recurren a sus
lamer, las líneas ii-V que han aprendido y practicado , y las
cortan y pegan directamente en su solo.
¿Pero es eso realmente improvisar?
¿Cómo exactamente creas un solo original sobre esta canción
... uno que sea único de cada otro solo que tocas?
Debes comenzar buscando inspiración en tus jugadores
favoritos. Y es exactamente por eso que elegimos a Herbie
Hancock para una lección sobre cómo desarrollar un solo
melódico de una manera creativa.
Escucha una vez más su solo en Ceora , y esta vez mantén tus
oídos abiertos sobre cómo utiliza:
 Secuencias rítmicas
 Temas armónicos
 Patrones intervalicos
 La forma de las líneas
A continuación, veremos más de cerca cómo Herbie Hancock
crea 5 temas musicales distintos sobre esta progresión de
acordes común ...
TEMA # 1: HACER UNA
DECLARACIÓN MELÓDICA
Herbie comienza su solo con un simple tema de seis notas :

Reproductor de música
00:00

00:04

Use las teclas de flecha arriba / abajo para subir o bajar el

volumen.

Una declaración musical que se define por una nota de

aproximación cromática, una forma melódica clara y un ritmo
definitivo. Ahora escuche cómo desarrolla este tema a lo largo
de los primeros ocho compases de la progresión:

Reproductor de música
00:00

00:15

Use las teclas de flecha arriba / abajo para subir o bajar el

volumen.

Continúa la línea a través de tres teclas diferentes, usando el

ritmo y la forma del tema como el pegamento que mantiene
todo junto. El resultado es una línea lógica y musical que el
oyente puede seguir fácilmente, una historia musical que se
desarrolla pieza por pieza.
Mientras observa su propio juego, intente comenzar sus solos
de esta manera, con una declaración melódica en lugar de
sus lamer ir . Ponte a prueba para mantener esta idea
melódica original durante toda la progresión de acordes.
TEMA # 2: CONTINUIDAD RÍTMICA
En su próxima frase, Herbie continúa con un tema que se basa
en un ritmo :

Reproductor de música
00:00

00:08
Use las teclas de flecha arriba / abajo para subir o bajar el
volumen.

En esta línea puedes escuchar cómo usa un cuarto de octavo

ritmo punteado para tocar un ii-V. Él enfatiza los fuertes
tonos de acordes en el cuarto punteado y usa los octavos
como tonos de paso.
Este es un gran ejercicio para liberarse de su enfoque habitual
de las progresiones estándar. Comience eligiendo un ritmo: es
mejor comenzar con una idea rítmica simple que podrá
desarrollar.
Luego, intente crear una línea musical utilizando este
ritmo, buscando tonos de acordes mientras usa tonos de
paso y notas de aproximación.
TEMA # 3: ENFATIZANDO UN COLOR
ARMÓNICO
En su tercer tema melódico, Herbie juega una línea arpegiada
que continúa a través de un ii-V en dos teclas:

Reproductor de música
00:00

00:08

Use las teclas de flecha arriba / abajo para subir o bajar el

volumen.

Observe cómo utiliza el color armónico del 13 en cada

acorde en esta línea, enfatizando cada nota:
Y escuche cómo continúa la misma frase, pero esta vez
concéntrese en la forma de la línea :

Reproductor de música
00:00

00:09

Use las teclas de flecha arriba / abajo para subir o bajar el

volumen.

Aquí navega por una secuencia de ii-V con una línea arpegiada
que comienza y termina el día 13. Si nos fijamos en el
esqueleto de esta línea, está usando un arpegio en D menor
descendente y ascendente en Db mayor hasta el 13:

En ambos casos, está pensando en todo el ii-V como el acorde

menor: D menor para D- G7 y Bb menor para Bb- Eb7.
TEMA 4: SUSTITUCIÓN DE TRITONES
Cuando comienza los segundos 16 compases de su solo,
Herbie reproduce una secuencia que utiliza la sustitución
tritónica de los acordes V7.
Mira la línea a continuación:

Sobre cada acorde V7 aplica una segunda tríada de inversión

descendente (basada en el tritono) que se resuelve en el
quinto acorde I (una tríada sobre Eb7 y una tríada D sobre
Ab7):

Tenga en cuenta que no solo usa los subs de tritono como una
herramienta armónica, sino que también los usa
melódicamente.
TEMA # 5: DESARROLLAR UN TEMA
A TRAVÉS DE UNA PROGRESIÓN
Uno de los desafíos de crear ideas melódicas en tu solo es
poder mantener la idea a través del cambio de armonías y
progresiones de acordes.
En la línea a continuación, observe cómo Herbie altera la
melodía que toca en la primera barra para acomodar la
progresión de acordes cambiantes:
Reproductor de música
00:00

00:08

Use las teclas de flecha arriba / abajo para subir o bajar el

volumen.

Comienza con un tema de tres notas sobre el acorde Bb-7 y lo

repite sobre el Eb7. Sin embargo, en las siguientes dos
medidas, lo modifica, enfatizando el Gb como el b5 en el
acorde C-7 b5 y el b9 en el acorde F7.
Intente utilizar esta técnica a medida que desarrolla ideas
melódicas en sus propios solos, alterando las notas en medio
paso o en todo el paso para acomodar la armonía cambiante.
COMIENZA A IMPROVISAR ...
Improvisar un solo no es solo insertar los licks y las líneas que
has perfeccionado en la sala de práctica.
Está tomando todo ese conocimiento musical y creando
algo nuevo con él en el momento ...
Al igual que Herbie hizo en el solo anterior, intenta improvisar
con una idea musical en lugar de una lamida o línea
elaborada. Es posible que tenga un ritmo en mente o una
forma o un tema intermedio. Tal vez quieras resaltar el color
del 13 o utilizar la sustitución de tritones sobre los de ii-V ...

Lamidas favoritas de 40
años
Los artistas de hoy en día enseñan a los tecladistas a tocar sus
canciones favoritas
JON REGEN

ACTUALIZADO:
 29 DE NOVIEMBRE DE 2017

ORIGINAL:

12 DE OCT. DE 2015



Para celebrar los 40 años de Keyboard , le pedimos a algunos de los
jugadores profesionales más exitosos de la actualidad que nos muestren
sus licks de teclado favoritos y más memorables. Siga leyendo esta lección
especial de gran tamaño para agregar estas partes potentes a su propio
vocabulario musical.

1. CJ Vanston

"El toque de teclado más imborrable para mí son las notas iniciales de staccato
de" Tarkus "de Emerson, Lake & Palmer ( Ex. 1 ). Esas notas cambiaron mi
vida. Supe en ese mismo momento, en ese mismo momento, lo que iba a hacer
por el resto de mi vida. Ahora, 40 años después, me hice amigo de Keith
Emerson y tuve la oportunidad de agradecerle por cambiar mi vida ”.

2. David Garfield
“Esta lamida muestra de dónde venía cuando comencé y toqué mis primeros
conciertos en Saint Louis en 1974 ( Ex. 2 ). Es una combinación de bebop y
funk. En ese momento, fui influenciado por pianistas como Cedar Walton y
Horace Silver. También escuché a grandes músicos de trompa como Lee
Morgan, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y John Coltrane por ideas
melódicas y técnicas de improvisación. Más tarde, comencé a tratar de emular
los sonidos que escuchaba de Chick Corea, Herbie Hancock y McCoy Tyner
".

3. Jon Cleary

“Mi lamida favorita es este riff de piano ( Ex. 3 ). Es el ADN básico del piano
R&B de Nueva Orleans ".
4. Andy LaVerne

"Una de mis lamidas favoritas es la firma de Bill Evans", derivada de su

canción "Five", que es un contraste de "I Got Rhythm" de Gershwin ( Ex.
4 ). Como estudiante privado de Bill, pude verlo y escucharlo de cerca, pero él
nunca me mostró esta aprobación. Más bien, lo aprendí de oído todas las
veces que lo escuché tocar en conciertos, y de sus grabaciones. La última
medida es mi adición personal. Es una excelente manera de terminar una
melodía, un set o una noche ".

5. Dan Goldman ( también conocido como JD73)

“Una de mis teclas favoritas de todos los tiempos es esta del increíble solo
'Chameleon' Rhodes de Herbie Hancock ( Ex. 5 ). Herbie me sorprende con
esta lamida. Tiene suspenso, sorpresa, tensión y liberación, está bellamente
estructurado y también muestra cómo jugar 'afuera' sin sonar
artificial. ¡Genio!"

6. Tony Monaco
“Esta lamida funciona en el cambio que viene de una progresión de ii-V a iii-
Vi7 ( Ex. 6 ). ¡Es un cambio genial en un cambio!

7. Brad Gordon

"Al crecer en Nueva Orleans, mi toque de teclado favorito siempre fue ese
toque de cambio de Huey 'Piano' Smith que se remonta al acorde de una
progresión de blues ( Ex. 7 ). Muchas personas geniales hacen sus propias
versiones: Doctor John, Ray Charles, Floyd Cramer y otros. Lo aprendí de
oído lo mejor que pude, pero como era un niño con entrenamiento clásico,
realmente los entendí cuando los encontré en el libro de Jeffrey
Gutcheon Improvising Rock Piano ”.
8. Ricky Peterson

“Uno de mis favoritos es un slick A menor blues lick ( Ex. 8 ). Me gusta usar
esto en canciones modernas de blues como las de Robben Ford ".

9. Scott Healy

“Mi lama de teclado favorita fue y sigue siendo cualquier cosa con una escala
pentatónica ( Ex. 9 ). Alguien me dijo una vez: 'Hola hombre, ¿sabes que
cuando estás solo, todo lo que haces es ejecutar escalas arriba y abajo del
teclado? ¡Tienes chuletas pero tienes que tocar algo además de escalas
pentatónicas! Probablemente respondí: "¿Por qué?" ¡Eventualmente, sin
embargo, recibí el memo!

10. Billy Jay Stein

“Mi lamer el piano favorito es el preludio a partir de Rachmaninoff

en C # menor. La carrera descendente a dos manos en las medidas 36 a 43
( Ex. 10 ) es sorprendente en muchos niveles. Practico esta lamer todos los
días, en diferentes claves y diferentes tiempos, como parte de mi régimen de
calentamiento. He incorporado este patrón en todos los diferentes estilos de
música mientras actúo. ¡Rach rocas!
11. David Baron

“La parte de piano rítmico de octava nota es uno de los dispositivos más
exitosos en la música pop ( Ex. 11 ). Lo usé en la canción de Meghan Trainor
'All About That Bass' y sentí que convirtió la canción en una fiesta cuando la
toqué originalmente. Proviene de los pianistas de rock 'n' roll de la década de
1950, como el gran Fats Domino. Dudo que alguien lo haya
inventado. Probablemente salió de un baterista que no se presentó a un
concierto. Alguien debe haber dicho: 'Juega con la mano derecha como si
fuera un charles', ¡y el resto es historia! ”

12. Peter Dyer

“Esta lamida en bucle fue el riff al unísono de guitarra, bajo y sintetizador al
final de un outro en vivo que hice para un artista ( Ex. 12 ). Con los golpes de
trompeta en la parte superior, ayudó a convertir una canción serpenteante en
un punto destacado coordinado, completo con la participación del público en
el baile. ¡Grandes ondas de diente de sierra Moog apiladas en octava con
deslizamiento sonadas fuertes y descuidadas!

13. Brian Charette

“Una de mis lamidas favoritas es una lamida simétrica disminuida que me

mostró un gran saxofonista llamado Jay Collins que ahora toca en la banda de
Gregg Allman ( Ex. 13 ). Hay muchas cosas interesantes sobre esta lamida. Es
una novena 'voz de concha' elevada que se mueve hacia abajo en tercios
menores con las manos en octavas. También tiene las octavas notas en grupos
de cinco, por lo que el resultado es un patrón interesante sobre la barra. Prueba
esta lama la próxima vez que toques un acorde C7 # 9 . Las notas en las voces
también vienen de un C escala media a paso / de todo el paso disminuido
( C , D b , E b , E , F # ,G , A ,B b ) ".
14. Judith Owen

"Una de mis canciones favoritas es la parte del piano en mi canción 'Sweet

Feet' de mi álbum Ebb and Flow ( Ex. 14 )".
15. George Whitty

"El saxofonista Jerry Bergonzi me mostró esta forma de usar cuartos

intervalos apilados e invertidos transpuestos por tercios mayores para crear
grandes formas angulares ( Ex. 15 ). Cuando se hace bien, es fácil improvisar
filas de 12 tonos en medio de un solo y produce un tipo de sonido muy
intenso, "caminando al límite".

16. Chip Crawford (Gregory Porter Band)

“Una de mis lamidas favoritas es una que el trompetista Donald Byrd solía
tocar ( Ex. 16 ). Lo usé en el último álbum del bajista Chip Shearin, ¡pero
en décimas !
17. Rachel Eckroth

“Esta lamida es el resultado de jugar con tríadas superpuestas sobre el centro

dominante predominante, en este caso F Mixolydian ( Ex. 17 ). Una versión
de este lick finalmente se convirtió en una línea de trompeta en una canción
mía llamada 'Future' ”.

18. Bill King

“Una de mis canciones favoritas es de la grabación de Such Sweet Thunder de

la vocalista Lorraine Feather , donde retransmite 'Suburbanite' de Duke
Ellington con letras, llamado 'The 101' ( Ex. 18 ). Me encantó el ritmo y el
efecto que tienen estas notas cuando son trazadas por la voz ".

19. Rachael Sage

"Una de mis canciones favoritas es de mi canción 'Lonely Streets' de mi

álbum The Blistering Sun ( Ex. 19 ). Todavía lo juego prácticamente en todos
los shows. Supongo que lo que más me gusta de este lick es que la sensación y
el ritmo son muy juguetones, pero la melodía es un poco más 'inesperada' para
una canción que de otro modo podría considerarse pop ”.

20. Stephen Fortner

"Es una pena que no tengamos espacio para transcribirlo aquí, pero el solo de
órgano Hammond de Gregg Rolie en 'All the Love of the Universe' del álbum
Santana Album Caravanserai fue una de las primeras cosas que escuché que
me hizo darme cuenta de que los teclados podrían ser tan pesado como las
guitarras. Esto se reforzó cuando recibí a Abraxas y escuché su gruñida
introducción de 'Espero que te sientas mejor'. Poco después supe de esta
revista que podría enseñarte a jugar como él y Booker T. y Keith
Emerson. Algunos años más tarde comencé a pasear por el lugar y
simplemente me quedé ”.

JAZZ MODAL: SUS

CARACTERÍSTICAS Y SU BASE
ESTÉTICA-MUSICAL
Por Turi Collura
Surgido en la segunda mitad del siglo XX como una forma de oposición
estética al actual llamado be-bop, el Jazz modal revolucionó el lenguaje
del jazz. En el siguiente video destacamos sus principales características y
su base estética-musical.

Profundizar el estudio de las canciones mencionadas:

"¿Y QUÉ?" - MILES DAVIS, 1959
Construido en forma AABA (con cada sección de 8 barras), la composición
usa solo dos acordes: Dm7 y Ebm7.
Fue grabado por primera vez en el álbum "Kind of Blue" de Miles Davis
(1959). La melodía es interpretada por el contrabajo (Paul Chambers). El
pianista (Bill Evans) toca una especie de voces , con un diseño trimestral y
un descanso del martes en la parte superior, que se conocerá como "So
What Chord".
La estructura de la canción "So What", con sus dos acordes, fue utilizada
por otros compositores. La improvisación en los acordes Dm7 y Ebm7 se
ha convertido en un estándar del jazz modal.
IMPRESIONES - JOHN
COLTRANE, 1963
La estructura AABA de 32 compases y dos acordes propuesta por Miles
Davis en "So What" (Dm7 y Ebm7) fue ampliamente utilizada por los
músicos de jazz de la época.
La canción de John Coltrane "Impressions", grabada por primera vez en el
álbum homónimo en 1963, propone la misma estructura armónica. La
propuesta estética, sin embargo, es diferente: el tiempo de la música se
vuelve rápido y la improvisación busca un nuevo lenguaje. En él
encontramos, entre otras cosas, el uso de intervalos cuartos y
pentatónicos.
"VIAJE INAUGURAL" - HERBIE
HANCOCK, 1965
La estructura de la canción "Maiden Voyage" es un poco más rica que las
anteriores. Las escalas utilizadas son mixolidia y dórica (verifique la
puntuación).
Voces trimestrales e híbridas (miércoles y martes) en jazz modal

Al explorar escalas modales, los músicos de la época comenzaron a

construir acordes por cuartos o híbridos en varios grados de cada
escala. Cada voz trae colores específicos, creando variedad dentro de la
misma escala. La siguiente figura muestra las voces utilizadas por Herbie
Hancock para acompañar la canción "Maiden Voyage".
Herbie Hancock Lamer disminuido medio entero
Hace poco quería expandir mi vocabulario para tocar sobre acordes dominantes alterados, específicamente un
acorde Dominant 7 # 11 (Lydian Dominant). Fui directamente a Cantaloupe Island ya que tiene 4 secciones de
barra de un acorde Db7 # 11, mira la lamida que encontré en el video a continuación alrededor de las 2:00

http://www.youtube.com/watch?v=mlRd1ph8GhQ
Cuando tocas por primera vez este lick, puedes notar que es solo una carrera recta hacia arriba en la escala C
Half Whole Diminished, esta es una escala que generalmente uso para un acorde C Dominant 7b9 pero en este
caso funciona muy bien sobre el Db7 # 11, acentuando los tonos alterados, incluido el # 11.

Tenga en cuenta que, aunque un Maj 7th no suele aparecer sobre un acorde dominante alterado, está incluido en
la escala Dominant Bebop, por lo que no suena demasiado fuera de lugar, funciona como un tono de paso
cromático.

Si bien este lick es bastante sencillo, una cosa que me ha obligado a hacer es encontrar una nueva posición
para jugar la escala H / W Diminished. ¡El lick que Herbie juega es todo 16º y alrededor de 110bpm no es
exactamente fácil! La posición original en la que aprendí la escala hizo que esta lamida fuera bastante difícil de
lograr, pero después de jugar con varias digitaciones, encontré algo que funciona mucho mejor para mí.

Como esta escala es un patrón repetitivo de medio paso - ¡paso completo, en realidad hace que sea bastante
fácil tocar con un bajo o una guitarra! Consulte la TAB a continuación que muestra la posición original que
tenía para la escala y mi nueva posición.

Eso no quiere decir que no valga la pena aprender la primera posición, ya que esa forma me ayuda a pensar un
poco más lógicamente cuando toco los acordes Dom7b9, es decir, ¡los R 3 5 b7 están donde espero que estén!

A continuación hay un video de mí tocando este lick, la pista de acompañamiento que hice también está
disponible para descargar. Si te gusta esta lección, haz clic en Me gusta en mi video, ¡ya que realmente me
ayuda! Y si aún no se ha registrado, haga clic aquí para unirse a mi lista de correo . Recibirá excelente
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Herbie Hancock - One Finger
Snap (Del álbum "Empyrean
Isles") [LOTW # 68]
25 de septiembre de 2014 por Brenden Lowe

Esta línea de One Finger Snap es increíble en muchos sentidos, ni

siquiera sé por dónde empezar. Herbie proviene de una frase diferente,
por lo que esta comienza con un enfoque de 5 notas para el Bb. Tiene un
enfoque de medio paso que lo rodea al tercer menor (Db), salta al quinto,
luego al 9 y finalmente al Bb.
Luego comienza otra aproximación desde el 11 bajando a través del b3
hasta el 9 y regresando a él, luego delineando los tonos del acorde Bb
hasta que llega al Ab que tiene en un tono optimista. Me encanta este
sonido porque actúa como una fracción de segundo de retraso en su
línea que suena genial. Escuche atentamente esto.
Después de la fracción de segundo de espera, comienza su línea
nuevamente con otro ritmo, ¡lo cual suena genial! Las armonías que está
usando aquí son más una lección de teoría porque podría decir: "E, G, B,
D, F # ... ¿eh viagra prezzo en línea ? ¿Eso no está en Bb-? ”Bueno, no,
ciertamente no lo es. ¿Qué acorde te parece eso? ¡Se parece mucho a
un acorde E-7 para mí! ¡Y es! Es importante saber dónde está el próximo
cambio de acorde en la melodía porque ahora puede ver a dónde planea
ir Herbie. En lugar de improvisar sobre el Bb- todavía está improvisando
sobre una armonía E-7 que está a medio paso por encima del enfoque
del próximo acorde que viene, un Eb-. Aquí es donde obtienes esas
líneas que suenan "a la moda".
Puntos por practicar esta lamer:
 Enfoques extendidos
 Retrase las líneas con lazos en los latidos ascendentes, comience
las líneas nuevamente en los latidos
 Improvisa más de medio paso por encima de las armonías para
acercarte a tu próximo acorde.
 Esquema de tonos de acordes
¡Disfrutar!
 10 Hot Licks en honor de
Chick
Una lección de 2011 de los archivos de KEYBOARD.
GEORGE COLLIGAN

22 DE FEBRERO DE 2018
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Por George Colligan

Chick Corea es uno de los pianistas más influyentes e importantes de la

música moderna. Sus influencias van desde el bebop y la música clásica
europea hasta el afrocubano, el brasileño, el flamenco, el funk y más, pero su
lenguaje pianístico tiene cierta firma. Aquí hay 10 licks al estilo de Chick que
elevarán tus propias exploraciones de piano. Recuerde usar ideas pequeñas
para hacer sus propias ideas grandes. Lo que sigue son solo las "palabras": ¡su
trabajo es construir sus propias oraciones y párrafos!

1. Patrones de cuatro notas

Para empezar, este patrón de cuatro notas se basa en un cuarto y segundo

intervalo perfecto. Considero que tiene un sonido suspendido, ya que no tiene
sentido de mayor o menor, lo que lo hace más versátil. Este patrón puede
caber sobre un acorde Dmin7 , pero también puede funcionar sobre los
siguientes acordes: Gmin7 , Amin7 , Cmin7 , EbMaj7 #
11 , CMaj7 , BbMaj7 , G7 , F7 , D7sus11 , C7sus11 y G7sus11 . Esto ilustra
cuán útiles pueden ser incluso las ideas de cuatro notas para desarrollar su
improvisación.

2. Cepillado cromático

Lo que los académicos llaman "cepillado cromático" se refiere a mover la

misma estructura de intervalos, independientemente del centro de teclas
oficial. Chick Corea podría jugar esto en su mano derecha y complementarlo
moviendo cuartos perfectos en su mano izquierda. Practique este patrón
moviéndolo en pasos completos, tercios menores y de cualquier otra manera
que desee.

3. Líneas de mano suaves

Esta es una variación de nuestro primer patrón de cuatro notas, excepto que se
mueve de una manera que se adapta bien debajo de la mano. Creo que muchas
de las líneas de Corea son técnicamente bastante suaves, lo que te permite
jugarlas rápidamente. Observe cómo esta línea gira de un lado a otro, dando la
ilusión de complejidad, mientras sigue usando las mismas cuatro notas en todo
momento.
4. Variaciones de digitación

Una variación adicional de Ex. 1 se arpegia una octava. Una característica

distintiva del estilo de Corea es que a menudo usa el mismo tipo de
movimiento de la mano con muchos tipos de estructuras de intervalos. Al usar
las mismas formas básicas de digitación con notas ligeramente diferentes,
puede abrir su interpretación a nuevas posibilidades.

5. Alteración intervalica

Así es como Chick Corea a menudo altera la disposición de intervalos de una

idea melódica familiar. Aquí, en lugar de la estructura suspendida que
ilustramos en Ex. 1 , usamos una tríada con un noveno tipo de sonido
plano. Este patrón funciona en acordes dominantes 7b9 o acordes # 9 #
5 . Incluso funciona en acordes dominantes regulares.

6. Rendimientos decrecientes

La escala disminuida es una de las escalas más útiles en el jazz, y se construye

utilizando una serie de medios pasos y pasos completos. Por ejemplo, en la
tonalidad de C , la escala disminuida leería C , Db , Eb , E , F
# , G , A , Bb y C . Es una escala simétrica, y una que el compositor francés
Olivier Messiaen llamó un "modo de transposición limitada".
7. Bebop y Bud

Esta es una variación de nuestra idea anterior de escala disminuida, con una
forma influenciada por el estilo del pionero de Bebop Bud Powell, quien fue
una gran influencia en Corea. Esta idea melódica termina usando un sexto,
imbuyendo un patrón humorístico, casi Thelonious Monk. (Monk fue otra
fuerte influencia en el juego de Corea).

8. Conceptos cromáticos

Muchos músicos en la era post-bop de la década de 1960 a menudo tocaban

este tipo de lamer, solos o combinados con otra idea melódica. Se puede
pensar que este patrón usa una combinación de notas de meta y tonos
cromáticos, ambos distintivos de muchas líneas de bebop.

9. Patrones pentatónicos
Aquí está nuestro buen amigo la escala pentatónica. Corea usa esto con
frecuencia, pero a menudo de manera inesperada. Una aplicación está
utilizando la escala pentatónica menor cuya raíz es la séptima mayor del
acorde subyacente. Por ejemplo, jugarías la escala pentatónica en sol menor
sobre Abmaj7 . Pruébalo, ¡funciona!

10. Formas escalares

Variar el movimiento de su mano puede crear formas atractivas a partir de una

escala. Aquí usamos la misma escala pentatónica que en Ex. 9 , pero se juega
de manera suave, como Corea.