Curso de Orquestração e Arranjo com

Visualização em Software de Editoração

Musical - Finale

Prof. Denis Nogueira

São Paulo

Setembro 2006
2
 Apresentação

Tendo por bem, a necessidade de se fazer um curso de Arranjo e

Orquestração no estado do Mato Grosso, houve de minha parte interesse de

preparar uma apostila que servisse de um guia inicial ou mola motivadora. Não

tenho por intenção ter um material final e resolutivo, pois que, este assunto para

um acadêmico de composição e regência é muito vasto e complexo, tendo ser um

estudo detalhado de pelo menos seis semestres, isso na orquestração somente. O

Arranjo de pelo menos um ano, além do que o de software (Finale) mais seis menos

no mínimo, torno por esta semana de curso um desafio para minha pessoa, e que

abracei com todo o entusiasmo e espero que seja somente um inicio de muitos

outros encontros.

A iniciativa da Universidade Federal do Mato Grosso foi bem acertada e

correta me sinto privilegiado com esta honra a mim direcionada, e espero que com

este material tenhamos grandes benefícios.

Estaremos neste curso dando realmente uma base para as famílias dos

instrumentos e formas de arranjos, chamo de “garatujas” ou rascunhos sobre este

tema. Dicas de “receita de bolo” na música, ou seja, a rotina de se fazer arranjos e

compor para diversos instrumentos de forma rápida e consistente, o que se faz

quando se tem uma encomenda de uma peça para um evento, música de câmara, ou

solo popular, comemoração de datas, ou até mesmo quando se tem uma trilha

sonora de um filme (longa ou curta metragem) pra ser feita. Estaremos desde já,

escrevendo, planejando, analisando vários arranjos seja popular ou erudito, temos

que transitar por todas possibilidades, o problema é começar, e por no papel tudo

que se quer fazer musicalmente.

3
 Nesta primeira fase, será exposto, formas de arranjos diversos, como

orquestrar para pequenas formações ou até mesmo para uma orquestra sinfônica,

parece impossível, mas, está muito próximo de quem estuda e estrutura um projeto

musical.

O que se tem no decorrer desta apostila são rascunhos, temas diversos

relacionados ao curso dado, não espere um material acadêmico, ou mesmo um livro

detalhado sobre os temas relacionados, mas imagine um material para referencia

de fontes bibliográficas, de sites que são interessantes, de dicas pra com este

universo musical, um apanhado geral, que lhe possa servir de apoio no inicio das

construções musicais.

Acerca do Finale, o “maior” software de escrita tradicional, uma

ferramenta interessante para quem quer escrever qualquer formação musical,

manual e livros existentes são poucos e o que se tem não responde as questões

concernentes a seu uso. E mesmo usando o manual do fabricante não o será, um

programa complexo e de profundo reflexão para um iniciante, a proposta será de

forma pratica por a “mão na massa”, escrever, “fuçar”, experimentar, perceber

todas possibilidades num curto período de tempo. Que possamos juntos conhecer e

melhorar nossa capacidade multi e interdisciplinar no mundo da música

Denis Nogueira

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 ORQUESTRAÇÃO
A escrita para Formação Sinfônica ou Orquestração envolve duas atividades principais:

escrita para os instrumentos individuais ou instrumentação

que requer conhecimento da tessitura, tecnicas de execução
para cada instrumento;

escrita para orquestra como se fosse um único instrumento

que chamamos de Escrita Sinfônica e que consiste em
combinar instrumentos e naipes, criar texturas sonoras e
manipular coloração timbrística.

Desta forma, a Instrumentação e a Escrita Sinfônica estão interligados. Diferentes

autores como RIMSKY-KORSAKOV, CASELLA, PISTON, BLATTER, FORSYTH divergem
muito pouco quanto a Instrumentação, mas têm abordagens diferentes para a Escrita.
Perecebe-se que orquestrar para conjuntos sinfônicos em suas várias formações, tem

aspectos técnicos relacionados às possibilidades acústicas e

materiais dos instrumentos

aspectos subjetivos relacionados à interpretação da orquestra como

instrumento único.

Diferentemente de um instrumento acústico, com características e limitações físicas,

quando a orquestra é tomada como instrumento musical, os seus limites sonoros e os
processos de manipulação dos mesmos, são extremamente variados. Por exemplo:

RIMSKY-KORSAKOV evidencia que os pilares da orquestração estão

relacionados com a melodia e a harmonia que se desdobram em mecanismos
como dobramentos, abertura de acordes, marchas divergentes e
convergentes entre outros.

CASELLA é descritivo ao apresentar um manual prático de consulta para o

dia-a-dia, primeiramente discute instrumentação, seguida de uma série de
exemplos musicais e um apêndice com comentários sobre tessitura,
passagens e pontos de execução difícel dos instrumentos da orquestra.

PISTON acentua o que conceito principal é o de um tecido orquestral que é analisada

segundo uma tipologia que vai do únissono a texturas complexas.
KOECHLIN faz uma discussão extensiva em quatro volumes e sua abordagem é centrada
em diversos exemplos sonoros do repertório sinfônico. Seu tratado de orquestração, talvez
seguindo a tradição de Rameau, tem um carácter abrangente e prima por detalhes. Os dois
primeiros volumes de KOECHLIN tratam dos seguintes asssuntos: no Volume I o Estudo
dos Instrumentos e Equilíbrio das Sonoridades (Etude des Instruments, Equilibre des
Sonorités) e no Volume II a Escrita dos Diversos Grupos (Ecriture des Divers Groupes). No
próximo volume ele apresenta a Orchestração Própriamente Dita (Orchestration
Proprement Dite) VolumeIII, o que enfatiza o conceito que a Orquestração é uma forma de
escrita para um instrumento único denominado de Orquestra.

Dada esta gama de abordagens e dispositivos para escrita sinfônica, esta aula foi concebida
como um panorama de possibilidades ou plano geral de estudo. Assim, faz-se necessário
mencionar, a evolução histórica da orquestra e em extensão da própria orquestração na
seção A EVOLUÇÃO DA ORQUESTRA. Vincula-se a este tema a evolução dos
5
instrumentos, da técnica, da escrita e o amadurecimento do estilo de compositores
importantes dentro de um processo de evolução histórica. Os EXEMPLOS desta trajetória
podem ser estudados pelo aluno separadamente.

Segue o tópico INSTRUMENTAÇÃO que é por si só uma homepage e o seu conteúdo esta
voltado à descrição dos instrumentos acústicos usados tradicionalmente na orquestra.

A seção ESCRITA SINFÔNICA aborda o tema central da aula. Nela três das referências
bibliográficas consultadas são apresentadas e comparadas em suas Diferentes Abordagens.
No Planejando e Instrumentação discutem-se estratégias como a Escolha do Instrumental
a ser usado, o Equilíbrio entre os Naipes face as diversas Formações Sinfônicas, e
Preparação da Partitura e Partes.

Segue a sub-seção Mecanismos Orquestrais, onde faz-se uma síntese das várias
combinações dos naipes e seus respectivos instrumentos como Uníssonos e Dobramentos,
Disposições Harmônicas, Reagrupando Naipes e Movimento Vertical e Horizontal.

Posteriormente aborda-se uma série de Processos Sinfônicos que estão relacionados com
os autores consultados e têm um carácter de construções sonoras que utilizam os
Mecanismos Orquestrais. Por exemplo o processo denominado de Acumulação ou Agregação,
onde diversos instrumentos são superpostos gerando uma massa orquestral, é construido
através de Dobramentos.

Finalmente, na seção Solistas, Orquestra eTranscrição, a orquestra é contraposto a uma

Voz Solista, a um Coro ou a um Instrumento Solista. Os outros pontos abordados são a
Transcrição Harmônica e Contrapontística que, como estudado por PISTON, são técnicas
para orquestrar obras camerística como corais ou invenções de Bach entre outras. Há ainda
uma seção voltada a EXERCÍCIOS que reforça e recapitula os conceitos da aula. As
Referências Bibliográficas e páginas sobre o assunto na Internet terminam os tópicos
abordados.

A EVOLUÇÃO DA ORQUESTRA

EVOLUÇÃO DOS GRUPOS INSTRUMENTAIS E DA ORQUESTRA

• A Orquestra da Corte: Jean Baptiste Lully (2o. metade XVII)

• Cordas a Quatro Vozes: Corelli (2o. metade XVII)

• A Orquestra Barroca: O Período de Bach e Haendel (1o. metade XVIII)

• Orquestra Moderna: Haydn e Mozart (2o. metade XVIII)

• Orquestra e Orquestração Romântica: Beethoven (1o. metade XIX)

• Sinfonia Fantástica: Berlioz (1830)

• As transformações de Wagner (1840)

• Schoenberg: uma da maiores orquestras da era moderna (1900-10)

• As formações instrumentais da música contemporânea

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• A Orquestra da Corte: Jean Baptiste Lully (2o. metade XVII)
o 02 Violinos, 02 Violas e Contrabaixo; trio: 02 oboés e 01 fagote; baixo
contínuo: cravo
o Recursos para variar a quantidade de instrumentos
• Cordas a Quatro Vozes: Corelli (2o. metade XVII)
o 02 naipes violino, 01 violetas, contrabaixos e baixo contínuo
o ocasionalmente trompete solista em obras em torno da tonalidade
o viola e alaudes solistas, instrumentação especial
• A Orquestra Barroca: O Período de Bach e Haendel (1o. metade XVIII)
o Concertos Brandeburguêses
o Tutti Orquestral esquemático e metais dobram baixo contínuo
• Orquestra Moderna: Haydn e Mozart (2o. metade XVIII)
o 02 flautas, 02 oboés, (02 clarinetas), 02 fagotes
o 02 trompas (02 trompetes, 03 trombones e 01 par de tímpano.
o abandono gradual do baixo contínuo
• Orquestra Romântica: Beethoven
o Orquestra a partir da Quinta Sinfonia
ƒ 01 flautim, 02 flautas, 02 oboés, 02 clarinetas, 02 fagotes e 01
contrafagote
ƒ 02 trompas (04 trompas na Nona Sinfonia), 02 trompetes, 03
trombones, 01 par de tímpanos
ƒ quinteto de cordas
• Sinfonia Fantástica: Berlioz (1830)
o 01 flautim, 02 flautas, 02 oboés, 01 corne inglês, 01 requinta, 02 clarinetas,
04 fagotes
o 04 trompas, 04 trompetes (02 de chave, 02 naturais), 03 trombones, 02
tubas
o 02 harpas, 02 pares de tímpanos, pratos, bombo, 02 carrilhões
o quinteto de cordas (15 VLI, 15 VLII, 10 VLA, 11 CELLOS, 09 CB)
• As transformações de Wagner
o Orquestra usada em "Rienzi", 1840
ƒ 01 flautim, 02 flautas, 02 oboés, 02 clarinetas, 02 fagotes, 01
serpentão
ƒ 04 trompas (02 de harmonia, 02 naturais), 02 trompetes (02 de
chave, 02 naturais), 03 trombones, 01 oficleide
ƒ 01 harpa, 01 par de tímpanos, triângulo, tambor, pratos e bombo.
ƒ quinteto de cordas
ƒ orquestra em cena: 06 trompetes de pistão, 06 trompetes naturais,
06 trombones, 04 oficleides, 06 tambores, 02 caixas de rufo, sinos,
tam-tam e orgão.
o Orquestra de "Crepúsculo dos Deuses"
ƒ 01 flautim, 03 flautas, 03 oboés, 01 corne inglês, 03 clarinetas, 01
Clarone, 03 fagotes
ƒ 08 trompas (a quinta e a sétima alternam com tubas tenores, a
sexta e a oitava com tubas baixo), 01 saxhorne contrabaixo, 03
trompetes, 01 trompete baixo, 03 trombones, 01 trombone baixo,
01 trombone contrabaixo
ƒ 02 pares de tímpanos, triângulo, pratos, 01 carilhão, 06 harpas
ƒ cordas (16 VLI, 16 VLII, 12 VLA, 12 CELLOS, 08 CB)
• Schoenberg: uma da maiores orquestras da era moderna
o Orquestra usada em "Gurrelieder" (1900-10)
ƒ 04 flautins, 04 flautas, 03 oboés, 02 cornes ingleses, 03 clarinetas
em lá e si bemol, 02 clarinetas em Mi Bemol, 02 Clarones, 03
Fagotes, 02 Contrafagotes

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 ƒ 10 trompas (entre as quais 04 saxhornes), 06 trompetes, 01
trompete baixo, 01 trombone contralto, 04 trombones tenores, 01
trombone baixo, 01 trombone contrabaixo, saxhorne contrabaixo
ƒ 03 partes de tímpanos, 01 caixa de rufo, pratos, triangulos,
carrilhão, caixa clara, bombo, xilofone, castanholas, correntes de
ferro, tam-tam, 04 harpas, 01 celesta
ƒ cordas (20 VLI, 20 VLII, 16 VLA, 16 CELLOS, 14 CB)

EXEMPLOS

Sinfonia Fantástica de Berlioz

"Rienzi" e "Crepúsculo dos Deuses" de Wagner

"Gurrelieder" Schonberg

"Sacração da Primavera" Starkinsky

REFERÊNCIAS BIBLIOGRAFICA

CASELLA, Alfredo & Virgílio MORTARI. La Tecnica de La Orquestra

Contemporanea.Ricordi: Buenos Aires, 1950.
BLATTER, Alfred. Instrumentation\Orchestration. Schirmer Books: New York, ISBN 0-
02-873250-2, 1980.
FORSYTH, Cecil. Orchestration. Dover: New York, ISBN 0-486-24383-4, 1982.
KOECHLIN, Charles. Traité de L´Orchestration, Volume I, Etude des Instruments,
Equilibre des Sonorités, Éditions Max Eschig: Paris, 1954.
KOECHLIN, Charles. Traité de L´Orchestration, Volume II, Ecriture des Divers Groupes,
Éditions Max Eschig: Paris, 1954.
KOECHLIN, Charles. Traité de L´Orchestration, Volume III, Orchestration Proprement
Dite. Éditions Max Eschig: Paris, 1954.
KOECHLIN, Charles. Traité de L´Orchestration, Volume IV, Suite Du Précédent, Éditions
Max Eschig: Paris, 1954.
RIMSKY-KORSAKOV, Nicolas. Principios de Orquestacion.Ricordi: Buenos Aires, 1946.
PISTON, Walter. Orchestration. W.W. Norton & Company: New York, ISBN 0-393-
09740-4, 1955.

INSTRUMENTAÇÃO
CONHECIMENTO DAS CARACTERÍSTICAS E UTILIZAÇÃO DOS
INSTRUMENTOS ACÚSTICOS

O estudo da instrumentação é extensivo e descritivo, pois compreende um vasto

conjunto de referências sobre as características dos instrumentos musicais. A
Instrumentação é uma ferramenta que pode ser aplicada em diferentes contextos: Música
Sinfônica, Camerística e Popular. O conhecimento dos instrumentos musicais e das suas
propriedades sonoras, dentro de cada um destes contextos, é uma tarefa exaustiva.
Portanto, o conteúdo desta aula deve servir de referência para consultas futuras. As
tessituras de cada instrumento, a sonoridade em diferentes registros, notas que
apresentam dificuldades para serem executadas entre outros, são alguns dos aspectos que
devem ser reiterados constantemente. Conhecer a identidade sonora de cada instrumento
é o ponto culminante deste estudo.

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 A estratégia usada para esta aula foi criar um hipertexto para relacionar Famílias
Instrumentais com Conjuntos Instrumentais, discutir aspectos da Acústica dos
Intrumentos e propor Exercícios. O uso do hipertexto facilita o estudo e a consulta, pois
diversas características instrumentais se repetem e podem ser apresentadas em níveis
hierárquicos. Assim, o aluno terá uma visão global e relacional da Instrumentação.

Primeiramente, apresentamos as Famílias Instrumentais como sendo Voz Humana,

Cordas, Sopros,Percussão e Complementar. A voz humana é a família instrumental mais
antiga. As três famílias centrais são tradicionalmente vinculadas a orquestra e já eram
citadas no tratado de orquestração de RIMSKY-KORSAKOV como Arcos, Sopros, sub-
divididos em Madeiras e Metais, e Percussão. KOECHLIN, no seu Traité de
L´Orchestration, faz uma apresentação extensiva em dois volumes das famílias
instrumentais. Ele apresenta os instrumentos diretamente vinculados a disposição na
orquestra sinfônica subdivididos em naipes de Arcos, Madeiras, Metais, Percussão, Voz
Humana, Instrumentos de Teclado e Diversos.

Na rica família da percussão, procuramos apresentar o maior número possível de

instrumentos tendo em vista o crescente interesse da composição contemporânea nesta
área. Como apontado por BRINDLE, a "importância dos instrumentos de percussão tem
aumentado radicalmente". Neste sentido o grupo de percussão de Strasbourg, que surgiu
na década de 60, tornou-se uma referência mundial pela variedade de instrumentos usados
e pelo virtuosismo de seus músicos. Adotamos a nomenclatura de BRINDLE para classificar
os instrumentos de percussão em Idiofônicos, Membrafônicos, Cordofônicos e Aerofônicos.
Dentro de cada um destes grupos acrescenta-se três sub-divisões, a saber: instrumentos
de altura definida, de altura indefinida e de altura indefinida que eventualmente podem ser
afinados.

Acrescentamos também uma nova família denominada de Família Complementar como

fez BLATTER que usa a denominação "other instruments^(outros instrumentos) ou como
PISTON que apresenta "Keyboard Instruments" (Teclados) separados dos instrumentos
de percussão.Para certos instrumentos, como por exemplo o Piano, há uma certa
ambiguidade dependendo do autor consultado. Portanto, tais instrumentos podem aparecer
na Família da Percussão e/ou na Família Complementar dentro da classificação deTeclados.
Acrescentamos outros instrumentos nesta família como flautas de bocal, instrumentos de
palheta livre, amplificados, eletrônicos e digitais como sintetizadores e controladores
MIDI.

Para cada Família Instrumental são abordados aspectos técnicos relativos a tessitura,
sonoridade em diferentes registros, notação para cada instrumento e sinais gráficos de
expressão. É particularmente útil o uso de tabelas, como apresentado por BOZZA e
JACHINO, que sintetizam as características dos instrumentos. Estas tabelas são uma
ferramenta para consulta rápida durante o processo de composição.

Em Conjuntos Instrumentais, seguindo a abordagem de BLATTER, apresentamos

alguns grupos e os instrumentos constitutivos dos mesmos. Esta seção foi ampliada para
conjuntos pertencentes à Música Popular, pois DELAMONT e DE ULIERTE ampliam a
discussão de BLATTER no campo dos naipes de sax, metais agudos e graves usados em
conjuntos como a Big Band entre outros.

O estudo do Desenvolvimento e Acústica dos Instrumentos está diretamente

relacionado a esta aula, todavia envolve um esforço do aluno no entendimento de conceitos
derivados da Física e da Matemática, e pode ser visto separadamente. Do ponto de vista
histórico, FORSYTH apresenta cada família instrumental precedida de informações sobre
o desenvolvimento dos instrumentos que a constituem. Uma introdução à Acústica é dada
em PIERCE que pode ser complementada com o trabalho clássico de JEANS. Dentro da
9
 vertente tecnológica o aparecimento de instrumentos eletrônicos no século XX, esta
criando a necessidade de aparecimento de uma nova Família Instrumental. Desde o
Theremin, criado 1902 a interação entre o gesto humano e o som tem sido alvo de estudo.
Dentre as muitas configurações da música do século XX, destacamos a composição de
música eletroacústica mista vinculada ao desenvolvimento de novas interfaces musicias. O
surgimento de dispositivos eletrônicos com larga escala de integração, possibilitaram o
aparecimento de novos instrumentos e o uso de sensores para criar interfaces entre o
movimento e o som. Trabalhos recentes de pesquisa na Fundação Steim, no MediaLab e no
IRCAM são exemplos de pesquisa e desenvolvimento nesta área. Essa inovação tecnológica
também está vinculada à pesquisa em Interfaces Gestuais que realizamos no NICS onde
diversos dispositivos são estudados como: sensores ultrasônicos, infra-vermelho e o robô
Khepera para criar o aplicativo Roboser.

Finalmente, os Excercícios apresentados procuram reforçar a taxonomia dos

instrumentos e incentivar o aluno a usar a homepage para referência e consulta. Há uma
seção de Referências Bibliograficas e consulta na Internet.

Famílias Instrumentais Complementar

Voz Humana Conjuntos Instrumentais

Desenvolvimento e
Cordas Acústica dos
Instrumentos

Sopros Excercícios

Percussão

Referências
BLATTER, Alfred. Instrumentation\Orchestration. Schirmer Books: New York, ISBN 0-02-
873250-2, 1980.
BOZZA, E. Tableau Instrumental. Alphonse Leduc: Paris, 1960.
BRINDLE, Reginald Smith. Contemporary Percussion. Oxford University Press: London, ISBN 0-
19-318802-3, 1975.
DELAMONT, Gordon. Modern Arranging Technique, Kendor Music Inc.: Delevan, New York,
1965.
DE ULIERTE, Enrique.Tratado Moderno de Instrumentacion para Orquestra de Jazz. Canciones
del Mundo:Barcelona, 1950.
FORSYTH, Cecil. Orchestration. Dover: New York, ISBN 0-486-24383-4, 1982.
GUEST, Ian. Arranjo, Método Prático VolI ,II e III, Lumiar Editora:Rio de Janeiro, ISBN 85-
85426-31-4, 1996.
JACHINO, Carlo. Strumenti D´Orchestra. Edizioni Curci: Milano, 1950.
JEANS, Sir James. Science & Music. Dover Publications Inc.: New York, ISBN 0-486-61964-8,
1968.
KOECHLIN, Charles. Traité de L´Orchestration, Volume I, Etude des Instruments, Equilibre
des Sonorités, Éditions Max Eschig: Paris, 1954.
KOECHLIN, Charles. Traité de L´Orchestration, Volume II, Ecriture des Divers Groupes,
Éditions Max Eschig: Paris, 1954.
RIMSKY-KORSAKOV, Nicolas. Principios de Orquestacion.Ricordi: Buenos Aires, 1946.
PIERCE, John R. The Science of Musical Sound. W.H. Freeman and Company: New York, ISBN
10
 07167-6005-3, 1992.
PISTON, Walter. Orchestration. W.W. Norton & Company: New York, ISBN 0-393-09740-4,
1955.

INTERNET INTERESSANTES

MUSIC ARRANGERS: www.musicarrangers.com

MUSICAL INSTRUMENTS: http://www.musicarrangers.com/instruments/

MUSICAL INSTRUMENTS REFERENCE:

http://www.musicarrangers.com/instruments/musicalinstruments.html

IRCAM: http://www.ircam.fr/departements/recherche/acou-ins-e.html

STEIM: http://www.steim.nl/

BRAIN OPERA: http://brainop.media.mit.edu/

ROBOSER: http://www.ini.unizh.ch/~jmb/roboser.html

http://www.nics.unicamp.br/jonatas/aulas/arranjo/aula02/aula01/instru

mento.html

http://home.fmh.utl.pt/~al07833/instrumentos.html

http://pt.wikipedia.org – assunto – orquestração, instrumentos, historia

da música.

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 ESCRITA SINFÔNICA
Diferentes Abordagens

o Rimsky-Korsakov: melodia, harmonia, construções orquestrais, voz humana

o Walter Piston: tipologia de texturas orquestrais e solução de problemas
o Alfred Blatter: instrumentação, escrita para diversos conjuntos, transcrição e arranjo
• Planjamento e Instrumentação
o Escolha do Instrumental
o Equilíbrio entre os Naipes
o Formações Sinfônicas
o Preparação da Partitura e Partes
• Mecanismos Orquestrais
o Uníssonos e Dobramentos
o Disposições Harmônicas
o Reagrupando Naipes
o Movimento Vertical e Horizontal
ƒ Curvas Melódicas
ƒ Blocos Sonoros
ƒ Contraponto: Vozes Independentes
• Processos Sinfônicos
o Melodia
o Melodia Acompanhada e Backgrounds
o Pontes e Passagens
o Repetição de Frases, Imitações, Eco
o Corais
o Fusões
o Ostinatos
o Acumulação ou Agregação
o Diluição ou Erosão
• Solistas, Orquestra eTranscrição
o Voz solista, Coro e Orquestra
o Instrumento Solista e Orquestra
o Transcrição Harmônica
Transcrição Contrapontística

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 A Orquestra

A palavra orquestra que, a princípio, designava o espaço ocupado pelos músicos, veio, depois, a
significar os próprios músicos quando reunidos para a execução de óperas ou obras de vulto. As
orquestras antigas, que eram muito menores que as dos nossos dias, consistiam no quinteto de cordas
(primeiros e segundos violinos, violas, violoncelos e contrabaixos), flautas, oboés, clarinetes, fagotes,
trompas, clarins, timbales e, às vezes, trombones. Nas orquestras modernas incluem-se, também, os
instrumentos seguintes: corne-inglês, clarinete baixo, contrafagote, tuba, harpa, caixa clara, bombo,
pratos, triângulo, castanholas, carrilhão tantã e xilofone; às vezes, as cordas são consideravelmente
reforçadas, a fim de permitir a subdivisão das respectivas partes.

A orquestra moderna divide-se nestas quatro famílias ou grupos: cordas, madeiras, metais e
instrumentos de percussão ou bateria. O grupo das cordas inclui primeiros e segundos violinos,
violas, violoncelos e contrabaixos, que correspondem aos registros da voz humana, como segue:
primeiros violinos, soprano; segundos violinos, contralto; violas, tenor; violoncelos, barítonos; e
contrabaixos, baixo. O grupo das madeiras inclui clarinetes, flautas, oboés, fagotes (todos estes
instrumentos tocados aos pares), clarinete baixo, contrafagote, corne-inglês e flautim.

Os dos metais compreende trompas, clarins (ou seus substitutos, os cornetins), trombones e tuba. Os
instrumentos de percussão são os timbales ou tímpano, caixa clara, bombo, pratos, triângulo, pandeiro,
castanholas, carrilhão, xilofone e tantã. A harpa, apesar de ser um dos instrumentos mais antigos, não
se classifica em nenhuma dessas famílias. É uma adição comparativamente nova à orquestra e pode ser
considerada como o cantor solitário do conjunto harmônico.

Instrumentos de cordas

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Os violinos dividem-se em primeiros e segundos, residindo à diferença em que os segundos são
empregados para encher a harmonia, representando a voz do contralto. Todos conhecem o violino. Tem
quatro cordas dispostas sobre o corpo do instrumento, distendidas a certa altura da caixa por meio de
um cavalete; a escala se obtém interceptando as cordas com os dedos e, assim, encurtando-as. Além
dos sons normais, produzidos por pressão, o músico pode arrancar-lhe outros sons, doces e
semelhantes aos da flauta, clamados "harmônicos", que se obtêm tacando as cordas em certo ponto.
Obtêm-se os sons em pizzacatto vibrando as cordas com dos dedos, e os sons mais suaves, apondo uma
peça chamada "surdina" ao cavalete. A viola é tão-somente um violino maior, afinado uma quinta a
baixo, que entra em harmonia com som mais grave, correspondente a voz do tenor. O violoncelo é o
barítono da família das cordas. Aparece geralmente junto com o contrabaixo, reforçando-o, mas
muitas vezes desempenha importantes tarefas de solo. Possui uma qualidade de som muito agradável e
quase humana, tão profunda como a do contrabaixo, tão sombrio como a da viola e tão rica como a do
violino. É o mais completo cantor da orquestra. O contrabaixo é, na verdade, o cantor baixo da
orquestra, se bem que não tão turbulento quanto alguns de seus parceiros dos outros grupos. Seu som
é amplo, profundo e rico e é mesmo capaz de produzir belos harmônicos. Seus pizzacatti também
causam boa impressão, mas a surdina, em geral não é empregada.

14
Instrumentos de madeiras

No grupo das madeiras, um dos mais velhos instrumentos, o clarinete, mantém o primeiro lugar, em
virtude de seu som e da importância que lhe é dada pelos compositores. Ao contrário do oboé, do
corne-inglês e do fagote, é tocado com uma única palheta. De todos os instrumentos de madeira é o
que tem mais rica sonoridade. Seus sons mais graves são um tanto ásperos e cavernosos, mas os
outros são brilhantes, tépidos e poderosos.

Quase que se compara à flauta em agilidade e facilidade na execução dos ornamentos. O clarinete
baixo, uma oitava mais grave, tem formato diferente, terminando em boca de sino. O clarinete e o
fagote constituem os verdadeiros fundamentos do grupo das madeiras. Todos conhecem a flauta, mais
o mais velho de todos os instrumentos e o que mais se assemelha ao canto dos pássaros. Das madeiras
é o único instrumento que se toca por um orifício lateral, razão pela qual é, às vezes, chamado de
flauta travessa. A flauta de ponta, como o flageolet francês, por exemplo, é uma flauta provida de
embocadura idêntica à dos apitos. O som da flauta é gentil e terno e o instrumento adapta-se
particularmente a trinados e trechos rápidos. O flautim é apenas uma pequena flauta de registro mais
alto e som mais gritante: produz o som mais alto, mais estridente e mais penetrante de toda a
orquestra. O oboé é um instrumento de palheta dupla. Alguns de seus sons são fracos e outros são
estridentes e nasais, mas a qualidade geral é triste, pastoral e muito terna, tornando-se mesmo
melancólica, quando o trecho é de caráter sombrio. Em mãos de um músico experiente pode produzir
excelente efeito, mesmo como instrumento solista, e até concertos já foram compostos para ele. É um
instrumento pequeno e modesto, mas muito considerado porque é o que dá o lá para afinar a orquestra.
O corne-inglês é o oboé contralto, de som mais profundo, afinado uma quinta mais grave, e que
compartilha da qualidade triste da sonoridade do oboé. O fagote não é um instrumento muito sério,
seja na forma ou na qualidade. Possui palheta dupla, como o oboé. Seus sons médios e altos não são
antimusicais quando se integram na harmonia geral, porém os mais graves, são profundos, guturais e
ásperos. Às vezes afeta um ar de dignidade, porém fica mais à vontade no grotesco, sendo geralmente
tocado por pessoas idosas e sérias. Como instrumento solista é tosco e severo. O contrafagote situa-
se uma oitava abaixo. Está para o fagote assim como o contrabaixo está para o violoncelo.

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Instrumentos de metais

Na seção dos metais, a trompa é o instrumento principal. É, verdadeiramente, a velha trompa de caça
evoluída. Possui um som rico, macio, aveludado, e a harmonia completa de um quarteto de trompas é
excepcionalmente bela: seus sons "abertos" são obtidos soprando e movendo apropriadamente os
lábios e os "abafados" tapando a campana do instrumento com a mão. O clarim não é freqüentemente
ouvido nas orquestras pequenas, sendo substituído pelo cornetim e si bemol, que não possui sonoridade
tão pura e brilhante quanto a sua, mas que é de execução mais fácil, prestando-se com extrema
docilidade a qualquer espécie de expressão sonora. O cornetim é tão bem conhecido pelo seu uso
freqüente como instrumento solista em orquestras grandes e pequenas, que dispensa uma discrição
mais minuciosa. O trombone geralmente aparece em graduação tríplice: contralto, tenor e baixo.
Trombones soprano chegaram a ser feitos, mas seu uso não deu resultado. Todos os freqüentadores
de concerto habituaram-se aos dois tubos que sobem e descem, fazendo assim variar a altura dos
sons. Sua execução é de um pouco mais de duas oitavas e, nas mãos de um artista competente, produz
som majestoso e impressionante, ao mesmo tempo sendo capaz de efeitos melodiosos e delicados. A
tuba, que tomou o lugar do oficleide, pertence à família dos saxhorns, sendo um dos sete instrumentos
que a compõem. Tem um som profundo e nobre e é o baixo dominador dos metais.

Instrumentos de percussão

16
A família dos instrumentos de percussão distingue-se facilmente por seu barulho, quando lhe é dada
oportunidade de fazê-lo, mas acrescenta pujante colorido à instrumentação. Os timbales ou tímpanos,
ordinariamente em número de dois, um alto e outro baixo, algumas vezes em número de três ou quatro,
são hemisférios de metal sobre os quais se acha uma pele. Por meio de parafusos obtém-se sua
afinação em determinadas notas, tornando-se eles particularmente úteis na acentuação do ritmo,
obtenção de certos efeitos e acréscimo de colorido. O bombo é usado para alguns efeitos sonoros e
com seus vizinhos, os timbales, ficam à vontade numa tempestade ou em um canhoneio. A caixa clara
se encarrega do caráter militar e auxilia o ritmo de marcha. Os pratos são discos de metal que se
batem um de encontro ao outro, para obter mais efeito numa determinada passagem. O triângulo é
uma peça metálica da forma que o nome indica e que se faz soar com uma pequena barra também de
metal. O carrilhão é constituído por pequenas barras de aço que, quando feridas por um martelete,
produzem um som de sinos, obtendo-se também efeito semelhante nas lâminas de madeira que
constituem o xilofone. O tantã é usado em músicas fúnebres, ou em desfechos trágicos. As
castanholas e o pandeiros são instrumentos de música de dança, muito conhecidos e que dispensam
descrição.

Instrumentos: harpa e celeste

17
A Evolução da orquestra sinfônica Desde seu aparecimento, na Áustria em 1750, a orquestra sinfônica
evoluiu grandemente em tamanho e complexidade. Estes diagramas mostram-nos os diferentes
estágios de sua evolução nas mãos de quatro grandes compositores. A distribuição dos instrumentos
na orquestra é tradicional, e é a mesma empregada pela maioria das orquestras sinfônicas.

Orquestra de HAYDN

A orquestra original, estabelecida há quase 200 anos por Haydn, jamais excedia a uma combinação de
33 instrumentos. Continha ela todos os elementos essenciais à orquestra moderna: cinco grupos de
cordas, um pequeno conjunto de madeira (flauta, oboés, fagotes) e um outro também pequeno, de
metais (trompas).

Orquestra de BEETHOVEN

18
Para a sua "Quinta Sinfonia" (1807), Beethoven aumentou consideravelmente a orquestra de Haydn, à
qual acrescentou um piccolo, mais uma flauta, dois clarinetes, um contrabaixo, dois clarins, três
trombones, tímpanos e vários instrumentos de corda.

Orquestra de WAGNER

Para o "Parsifal (1882), Wagner empregou uma orquestra sinfônica moderna. À combinação de
Beethoven para a Quinta Sinfonia acrescentou harpas, corne-inglês, clarinetes barítono, tuba,
percussão, mais trompas, madeiras e cordas.

Orquestra de STRAVINSKY

19
Para o "Rito Primavera" (1913), Stravinsky empregou uma das maiores e mais intrincadas orquestações
já escritas, utilizando mais de 125 músicos e acrescentando instrumentos tais como órgão, celesta,
tuba, barítone e piano.

Fonte de Upton e Borowski

STRINGS – CORDAS

There are three ways to set a string in motion: bow, pluck and strum.
The violin family and harp are string instruments. Violin, viola, cello and double bass can be bowed,
plucked and strummed. The harp is plucked.
The guitar is plucked and strummed. The guitar is a string instrument. In this reference you will
find it in the rhythm section.
The piano is a percussion instrument. Piano strings are hit to make them sing. Instruments which
are hit are percussion instruments. In this reference you will find the piano in the rhythm section.
violin
Non transposing instrument.
Scored in treble clef.
The parts are extracted to treble clef.

All members of the violin family have 4 strings. Violin, viola and cello strings are tuned up in 5ths.
Double bass strings are tuned up in 4ths.

viola
Non transposing instrument.
Scored in alto clef.
The parts are extracted to alto clef.

20
violoncello (cello)

Non transposing instrument.

Scored in bass, tenor and treble clefs as appropriate.
The parts are extracted to bass, tenor and treble clefs as appropriate.

double bass
Non transposing instrument.
Concert pitch is an octave lower than written.
Scored in bass clef. The parts are extracted to bass clef.

Double bass is most effective (and required) as support to the higher violin family members. It can
play high though usually at the expense of the section. Keep bass in bass register.

Double bass strings are tuned up in 4ths. While the other violin member's strings are tuned up in
5ths.

harp
Non transposing instrument.
Scored in treble and bass clefs.
The parts are extracted to treble and bass clefs.

G is depicted as the highest note. G# is possible on some double action pedal harps.
The harp is tuned to the key of Cb. Seven pedals match the 7 letters of the alphabet. The pedal
(letter) may be positioned high (flat), middle (natural) or low (sharp). Pedal changes can be quick,
while the harpist is playing strings other than strings altering. Excessive chromaticism at fast tempo
is impossible.

21
 INTRODUCTION TO
STRING INSTRUMENTS: TECHNICAL ASPECTS
Introduction

Articulation and Timbral Quality: the Bow Miscellaneous Techniques and Devices
Movement of the Bow Multiple Stops
Articulation Pizzicato
The Beginning of a Note Repeated Down-Bow and Up-Bow
The End of a Note Bowed Tremolo
End + Beginning: The Separation of Notes Fingered Tremolo
Tone Quality and Dynamics Glissando
Front, Middle, and Back of the Bow Harmonics
Dynamics Mutes
Col Legno
Adjusting Pitch: the Fingerboard Sul Ponticello
Stopped and Open Strings Sul Tasto
Tuning Divisi
Hand Shifts and Slides Solo Instruments
Vibrato

Introduction
The strings wonderfully versatile instruments. They are perfectly at home with smooth melodic
lines, light figuration, brilliant passage work, and martial vigor.
Orchestras employ four different string instrument types: violin, viola, cello, and double-bass. For
our purposes, they are essentially different versions of the same instrument. Each is enormously
flexible, in terms of pitch, dynamics, tone quality, and articulation. However, to harness this
capability, the composer must have an understanding of string players' complex technique.
In the orchestra, string instruments play in groups. Each group plays the same part. (At least,
that's the default arrangement. See the section on divisi.) In a full-sized orchestra like the New
York Philharmonic or the London Symphony Orchestra, the number of players in each section will be
approximately:

First violins: 16 players

Second Violins: 14 players
Violas: 12 players
Cellos: 10 players
Double-basses: 8 players

These numbers often differ by one or two players, varying with the preferences and resources the
orchestra. Performances of music written before about 1830 often employ more substantially
reduced forces, for example a reduction by 50% or 75% of each of the sections. Many 20th-Century
works use this reduced ensemble, often called a chamber orchestra.

Articulation and Timbral Quality: the Bow

Forward and Backward Movement of the Bow
The performer makes sound comes from his instrument by using the bow. The primary motion of
the bow is forward and backward. With the aid of dried tree sap, the bow slightly grabs the string as
it is drawn across. This produces a constant agitation of the string and causes it to vibrate.

22
 Up-bow is the forward movement of the bow. Down-bow is the backward movement. A stroke is a
single movement in one direction or the other. (It is also called simply a bow.)

When a string part contains the symbol , then the performer will use an up-bow. Down-bow is

indicated by the symbol .

The slur indicates that notes are to be taken in a single stroke. Any notes that are not connected
with a slur are executed with an immediate change of bow direction.
String players usually don't use their entire bow for individual notes. That is, individual notes are
usually produced by dragging only a fraction of the bow across the strings. For example, at quarter
note = 60, a quarter note might be played using a fifth of the bow, and an eighth note a tenth of the
bow. However, a string player may gladly use the whole bow for a group of quarter notes.
Articulation
Here, I'll define articulation as the combination of (1) the particular character of the beginning of
a note, and (2) the particular character of the end. Each method of articulation has its unique
character. This character depends on: (a) whether the bow remains on the string, and (b) how abrupt
all the movements are.
The Beginning of a Note
There are four common ways of beginning a note:
1. With the bow already on the string, starting and continuing it at a constant speed. This
produces a beginning with no change in dynamics. Because the string is abruptly grabbed by
the bow and shifted in position, there is a percussive click at the beginning.
2. With the bow already on the string, gradually increasing the speed from total stillness to
regular speed. There is an initial depression in the sound that quickly swells to the normal
dynamic. There is no percussive click.
3. With the bow initially off the string, abruptly placing it onto the string. This produces an
initial bulge in sound which almost instantly recedes to the normal dynamic. There is a very
prominent click and some other random sounds.
4. With the bow initially off the string, gradually placing it onto the string. This produces an
initial depression in both dynamic and tonal intensity, which slowly increases to the normal
sound. There is no click.
The End of a Note
There are three common ways of ending notes:
1. Abruptly stopping the bow. This stops the sound immediately and produces a slight click.
2. Gradually but quickly stopping the bow. This creates a depression in the sound, with no
click.
3. Removing the bow from the string. This allows the string to resonate freely. If the string
is thick, such as the violin's G-string, the resonance can be strong, being audible for about
a second. If it is thin, such as the E-string on the violin, the resonance might be for a
quarter of a second. There is never a click.

End + Beginning: The Separation of Notes

The separation of two notes is comprised of an end of a note, and then a beginning. Separations
retain the character of these component actions. However, since they are executed so quickly, they
achieve a particular, new character of their own. Many of these actions have specific names that
reflect these characters.
When actually executed in a passage, these separations occur in groups. Though these actions are
described as separations, almost all of them start with the beginning listed as coming after the
ending, which is listed first. Thus a group of notes taken spiccato (see below) will begin with the bow
bouncing downward.
The most common methods of separating notes are:
1. Placing the fingers down or lifting them up, while the bow continues in the same direction. This results in a
true legato. Notes executed legato sound as if they are separated by the syllable "n," while notes

23
 separated by a quick change of bow sound more like "d" or "k." Because legato consists of continuing the
stroke in the same direction, legato notes are connected by a slur, with the end of the slur signifying a
change of stroke. (See the section on slurs.)

2. Reversing the stroke (combination of ending 1 and beginning 1). This creates a series of instantaneous
clicks, which gives notes solid definition. This method is called détaché ("detached") by string players.
This, aside from legato, is the most common method of separating notes. Détaché is indicated by leaving
the notes free of slurs or staccato markings.

3. Slowing the bow down, reversing the stroke, and then gradually increasing the speed (combination of
ending 2 and beginning 2). This avoids the click of the above stroke, which is useful in gentle melodies. It
creates a clear depression in the dynamics at the separation point, and both the end of the first note and
the beginning of the second are difficult to pinpoint. This is usually executed at the front of the bow, the
lightness of that area minimizing the click (see below). Unfortunately, this common and useful bowing has
no name.

4. Pausing slightly, then continuing the stroke in the same direction (combination of ending 2 and beginning
2). Depending on the size of the pause, the notes may be distinctly separated, or may merge into one
another. The latter is more common, because of its expressive vocal effect. This stroke is called louré and
also portato. Louré is indicated by slurring a group of notes over which tenuto marks are placed.

5. Fully halting the bow and pausing, then reversing the stroke (combination of ending 1 and beginning 1).
Produces strong separation between notes, as the stationary bow fully dampens the string. When this is
executed at a moderate speed, it’s simply called staccato. But when executed more quickly and loudly, it is
called martelé. This latter stroke has a somewhat different sound, being sheen and intense. Because the
bow moves so quickly, it can last for at most only .5 seconds. Martelé can be notated two ways: 1) staccato
dots under each note head, marked forte, or 2) arrowheads under each note head.

24
 6. Lifting the bow from the strings, reversing the stroke, then dropping it back on abruptly (combination of
ending 3 and beginning 3). Executed repeatedly at its typical tempo, this amounts to the bow bouncing
from the string. This is called spiccato by string players. The word sec will secure a percussive, noisy
spiccato.

7. Lifting the bow from the strings, then dropping it back on, having continued the original stroke's direction
(combination of ending 3 and beginning 3). Similar to the above bowing, but with less of a click. The
resulting sound is somewhat fluffy. This is also called spiccato, although for purposes of clarity it can be
called slurred spiccato.

If the bow is bounced particularly quickly, it may be bounced upon the string by the player. This more
percussive bowing is called jeté or ricochet. Because the front of the bow bounces easily (see below), that
is the part used for this bowing.

8. Changing strings in the midst of a stroke (combination of ending 3 and beginning 4). Creates a distinctive
fluffy separation between notes, slower than separation no. 6. Minimizing the clumsiness of these string
crossings is something that string players work on from an early age. Strings may be crossed very rapidly;
one type of bowing utilizes this and employs a different string for every note. This effect is called
arpeggiando.

Remember that all of these articulations are executed in a fraction of a second: the individual,
component actions are scarcely intelligible.

Tone Quality and Dynamics

Front, Middle, and Back of the Bow

25
 The bow is divided into three sections: front, middle, and back. All have distinct characteristics,
because these sections weigh down upon the string in varying amounts.
This is because the bow, hand, and string act as a lever. In short, the whole thing acts like a
seesaw, but one in which the length of the board is constantly changing.
The back of the bow pushes into the string, the furthest end pushing down considerably. This
gives notes a heavy, somewhat gravely sound. As with all sections of the bow, the back may be
employed for a fraction of a single note, for an entire note, or for an entire passage.
The front of the bow is light, so much so that it tends to bounce off of the string. Notes have a
light and articulate sound when the front of the bow is used.
The middle is a balance of the characteristics of the back and front. It produces a sound that is
sturdy, but articulate. Most playing employs this section of the bow.
The effect of the different parts of the bow on dynamics is not absolute: it is fairly easy to play
loudly with the front of the bow, and softly with the back. However, the timbral difference is fairly
rigid: the front will always sound light, and the back will always sound heavy. Watch some string
players and notice the difference in sound between the front, middle, and back of the bow.
In most cases, string players use the back of the bow for more emphasized notes, and the front
for less emphasized notes:
a. In the great majority of cases, the back of the bow is used when a heavy sound is wanted.
b. The front of the bow is used when a light sound is wanted.

Usually, a down-bow will begin at the back of the bow, and an up-bow at the front of the bow.
String players therefore usually use a down-bow for emphasized notes, and an up-bow for less
emphasized notes. The first beat of a measure, for example, is somewhat more often played with a
down-bow than with an up-bow. Up-bows are somewhat more frequently used for the up beats.
Sometimes the extreme ends of the bow are necessary to produce the desired sound. When the
very back of the bow needs to be used, write au tallone. When the tip needs to be used, write punta
d’arco.

Dynamics
String players have several ways of altering the loudness of their instruments. The two most
important of these are 1) the pressure of the bow against the string, and 2) the speed of the bow.
Pressure: Quite simply, more pressure makes more sound and less pressure makes less sound.
Pressure also affects timbre: more pressure will create a more forceful, rough tone, and less
pressure will create a more light tone.
Speed: A quick bow stroke is louder and a slow one is quieter. The speed of the bow also affects
timbre: a quick bow will create a more polished sound while a slow bow will create a more dry,
scratchy sound.
Placement of the bow along the length of the string also affects dynamics. If the bow is close to
the bridge, the dynamic level will be somewhat increased. If the bow is far from the bridge, the
dynamic levels will be somewhat decreased. See the sections on sul ponticello and sul tasto.
The tilt of the bow also affects timbre and dynamics. If the bow is level to the strings, most of
the hair will contact the strings and friction is increased. This increases the dynamic level and makes
the sound more scratchy. If the bow is tilted, fewer hairs will contact the strings and friction is
decreased. This decreases the dynamic level and makes the sound more smooth.

Adjusting Pitch: the Fingerboard

The length of the finger board is used to change the pitch of the instrument. This is done by
changing the length of string that vibrates: the longer the length, the lower the note; the shorter
the length, the higher the note. The fingers change the amount by pressing the string onto the
fingerboard at specific places: the closer the finger is to the bridge, the higher the pitch; the
further from the bridge, the lower the note.
Stopped and Open Strings
A string that is pressed onto the fingerboard is called a stopped string.
When a string is stopped, vibrato, portamento, or artificial harmonics may be applied to it.
If the fingers do not touch the string, the fundamental pitch will sound. A string in such a state is
26
called an open string.

Most pitches in string playing are achieved by stopping a string. Open strings produce a
penetrating sound and are often out of tune. Vibrato cannot be used on these pitches. Open strings
are therefore avoided. When they are used, it is usually because other technical problems are being
solved. They are also used when a penetrating sound is needed (see example).
Tuning
String instruments are tuned in a manner that makes finger easy and comfortable, often by
minimizing the changes of hand position. allows the players to hit all pitches easily. Shifts along the
string are therefore minimized. Shifts from string to string are preferred.
On the violin and viola, hand shifts are quite reduced when playing on the lower three strings. On
these instruments, the stretch from the index finger to the pinky encompasses a fifth, so that all
the notes that lie outside the range of the hand are found on the higher string.
On the cello, the stretch encompasses a perfect fourth. The strings are still tuned a fifth apart.
On the double bass the stretch encompasses a major second. Tuning the strings a fifth apart
would make fingering impractical.

These tunings can be altered. Any string can be re-tuned up or down a major second. This is called
scordatura. Scordatura is used to:
— achieve the open string sound on otherwise stopped pitches.
— make fingering easier (or possible)
— extend an instrument's range
— change the basic sound of the instrument
Hand Shifts and Slides
The four fingers beginning with the index finger and ending with the pinky are used to secure
pitches. For most purposes, the opposing thumb is not used. Because this greatly reduces the
distance that the hand may encompass, the hand must do a great deal of shifting from one place to
another. The bow often captures these shifts giving a quick slide of pitch. These slides are usually
quite expressive and make the line sound remarkably similar to the human voice; sometimes, however,
they detract from the conciseness of the passage. Slides are often called glissando, gliss (slang), or
portamento.
Vibrato
Vibrato makes the sound burnished and refined than it would otherwise be. It also adds some
intensity. Performers vary the frequency, speed, and prominence of vibrato according to their
individual taste and according to the needs of the phrase. In general, too little vibrato and the tone
sounds dead, too much and it sounds grotesque. However, it’s safe to say that orchestral string
players generally use vibrato on all notes longer than a quarter note at quarter note = 60.
Almost all aspects of practicing vibrato are left to the performer, and so most of the above
information is of only incidental value during composition. However the composer can create a subtle
feeling of stillness and austerity by specifying when vibrato is not used. This is done by writing non
vibrato. The normal way of playing is indicated by naturale, modo ordinario, or m.o.

Miscellaneous Techniques and Devices

Multiple Stops
A multiple stop is the simultaneous playing on more than one string. This results in more than one
note. In an orchestra, multiple stops effectively multiplies the size of the string section. There are
three types of multiple stops:
Double Stop: playing on two strings, resulting in two notes.
Triple Stop: playing on three strings, resulting in three notes.
Quadruple Stop: playing on four strings, resulting in four notes.

The bridge is round, resembling a semi-circle, but the bow cannot curve around it. Double stops are
not problematic, but triple and quadruple stops require pressure to force the bow hairs to bend. They
are therefore confined to loud passages. Since the hairs don't curve entirely, the player also must
27
shift strings quickly. This arpeggiation is somewhat obscured in orchestral playing, but in music that
requires a clean sound, triple and quadruple stops can sound sloppy.
Pizzicato
Pizzicato is the plucking of a string by a finger. The sound is soft but abrupt, and dies away
quickly.
Pizzicato most often done by the index finger of the right hand, while holding the bow. For longer
passages, the bow is rested on the music stand.
If the fingernails release the string, a louder, harsher sound results. This is called fingernail
pizzicato.
If the strings rebound against the fingerboard, a percussive sound results. This is called snap
pizzicato, a sometimes Bartók pizzicato.
The left-hand fingers also can pluck the strings. One finger stops the string while another plucks
it. The sound is considerably less sonorous than normal playing.
Repeated Down-Bow and Up-Bow
Repeated down-bows have a somewhat savage sound, as it is always performed at the back of the
bow. The separation between notes is, at a fast tempo, longer than the actual note values. This device
is often seen in successive multiple stops executed f or ff.

The repeated up-bow has a quite light sound, as it is always performed at the front of the bow. It
too has a long separation between notes.

Bowed Tremolo
This is a continuous repetition of a single note, executed at considerable speed. The bow remains
on the string and moves back and forth as quickly as possible, the notes remaining without rhythm.
Because the clicks (discussed in the sections on beginning and ending notes ) are so frequent, this is a
somewhat noisy effect. Most importantly, it has a solid sound; more solid than is the normal bowed
note.
Executed softly, the tremolo has a hazy sound full of tension. At a loud dynamic, it is strong and
somewhat raucous.
It's usually called tremolo, rather than bowed tremolo, but it can be useful to distinguish between
the fingered tremolo.

There is another type of action similar to the tremolo, involving the rhythmic repetition of a single
note. This action increases the activity of a note or passage which might be too static. This is a more
common technique than tremolo proper, and is usually used throughout a phrase on all the notes.
Fingered Tremolo
This is a rapid alternation of two notes -- the tremolo as other types of instruments practice it.
The alternation is so fast that it is not metrical. When an entire string section plays the fingered

28
tremolo, the sound is shimmering and ephemeral. Its sound differs from the bowed tremolo by a less
solid, more flowing and mercurial sound.

Fingered tremolo is usually used in groups, for example a triad with a neighbor tone is sounded.

Glissando
The prominent slide of pitch is called glissando. A finger simply slides from one position to
another. Because it is so much more obvious than portamento, it is used to emphasize certain notes,
rather than to add to the flexibility and expression of a passage.
Glissando is indicated by a straight line between the two notes.

The precise length of the slide can be indicated by using ties.

Harmonics
Harmonics are pitches that result from a peculiar behavior of the strings. They have a small,
vibrato-less sound, very useful in sustained tones for producing an atmosphere of tense stillness.
They can reach considerably higher than normal pitches.
Harmonics are produced by lightly placing a finger on the string.
As you may have guessed, this is a complex subject, so I've given them a section of their own.
Mutes
A mute is a device that dampens the vibrations of the string. They give the instruments a veiled,
mysterious sound. This is most prevalent in bright sounds, such as the I and II strings. On the I
string especially it has a sweet, breathy sound. Therefore, the violins and violas will be most used as
muted sounds.
On the darker sounds, such as the lower positions of the III and IV strings, it deadens the tone,
making it more opulent and pure, sounding more like the human "oh."
At f, the muted tone is strained in a sort of glassy way.
Mutes are slid onto the bridge when in use; otherwise, they remain about an inch behind the
bridge.
Col Legno
Col legno is the use of the wood of the bow to contact the strings. The hair does not touch the
strings.
29
 Col legno can be used in two ways: battuto and tratto.
Col legno battuto is a spiccato effect. It creates a light percussive sound with little pitch audible.
Col legno battuto is more common than col legno tratto.
Col legno tratto is the common bowed effect. The stick grabs the wood slightly. The effect is
almost inaudible.
Sul Ponticello
Bowing over the bridge is called sul ponticello. The sound is very sharp and mysterious. In solo
playing, if the bow is too close to the bridge the pitch can be unintelligible; this is not generally a
problem in orchestral playing.
Sul Tasto

Bowing over the fingerboard is called sul tasto. The sound loses a shade of fullness, but the effect
is so slight as to be essentially identical to the normal tone.
This technique can only have limited use. Only on the IV string is sul tasto not problematic. The
presence of the edge of the instrument's body prevents use on the highest string; the middle two
strings, when stopped, do not protrude enough from the other strings for the bow to miss them.
However, by writing sul tasto, one indicates the sound that is desired, and though it may be
impossible to execute sul tasto properly, the players can achieve the sound through other means.
Divisi
String sections can be divided into smaller sections; this practice is called divisi. As it allows the
composer to compose in more than the five parts given him by the basic string sections, the
technique is a highly useful one and has been essential to orchestral string music since about 1850.
The number of separate sections is limited only by the number of performers in each string section.

Dividing a string section reduces its volume of sound and gives it a thinner timbre. This reduced
sound can be very desirable in subdued passages. In such cases, the passage is usually played by half
of the section.
Solo Instruments
The single string instrument, playing without the rest of the section, has characteristics all its
own. Most importantly, it is a more intimate sound; the timbre is also more sheen and opulent.

Multiple solo instruments playing a full chord can be a very rich sound.

30
 EDITORAÇÃO MUSICAL - FINALE

O FINALE é hoje no mercado musical, um dos maiores softwares de editoração musical,

onde se pode escrever partituras pra solistas até para grandes orquestras sinfônicas, sendo uma
ferramenta essencial nas produções, tanto para músicos compositores, como para instrumentistas,
arranjadores e regentes. O curso de Editoração Musical tem como projeto:

ƒ Desenvolver nos alunos a arte de escrever musica pelo computador usando o processo midi.
ƒ Aumentar as obras de compositores e instrumentistas, com uma escrita limpa e clara para
seus eventos profissionais e acadêmicos.
ƒ Trabalhar com o processo criativo e perceptivo dos alunos ao escrever peças de própria
autoria e de outros autores.
ƒ Interagir com a tecnologia atual no ramo da musica, aproveitando ao máximo as possibilidades
na atuação dos profissionais desta área.
ƒ Implantar informatização musical neste centro acadêmico e estimular a vinda de pessoas de
fora para conhecer a nossa Faculdade e fazer nossos cursos, trazendo assim novos alunos, por
esse motivo o curso deve ser acessível e de custo baixo a principio, numa segunda fase
ampliar o curso e criar uma sala de informática musical.

O desenvolvimento do curso se discorrerá em dois módulos BÁSICO e INTERMEDIÁRIO a

principio, inclusive por haver no meio musical pessoas que não tem noção nenhuma de informática e
outros que já tem uma experiência no ramo. Segue abaixo o roteiro do curso Básico e
intermediário:

FINALE BÁSICO:

ƒ Visão geral básica de informática sistema operacional windows, com suas

terminologias, atalhos, e formas de trabalho. (copiar, colar, deletar, inserir, etc...)
ƒ Finale: suas possibilidades de escrita, ver exemplos de escritas que se tornaram
execuções praticas.
ƒ Visão geral do programa suas principais ferramentas (tools)
ƒ O que é e o uso de recursos midi na escritas musical no Finale.
ƒ Edição de peças diversas, tanto solistas como pra várias instrumentos e vozes.
Inicio como solos instrumentais e vocais usando todas suas possibilidades
(Expressão, andamento, dinâmica, texto em canções, layout final de pagina, cifras,
colchetes, transposição, tonalidade e atonalidade, claves).
ƒ Tocar e automaticamente escrever musica no finale.
ƒ Importar partituras do software pra outros programas de editoração literária e
pedagógica.
ƒ Transformar arquivos do Finale em arquivos midi files.
ƒ Escrever peças solistas e se possível com dois instrumentos ou vozes de vários
períodos da História da Música com suas possibilidades próprias de época.
ƒ A avaliação será feito no decorrer do curso com a atuação e participação do aluno,
e com tarefas de escritas trazidas em disquetes e em sala de aula, levantando
questões próprias do software onde os alunos trarão respostas praticas pra essas
mesmas.

FINALE INTERMEDIARIO:

Neste curso será bem mais prático e com exercícios constantes.

ƒ Os alunos serão questionados a cerca do software e de suas dificuldades pessoais

para com o mesmo e desenvolver uma praticidade e agilidade no uso cotidiano do
programa.

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ƒ O uso de várias vozes e instrumentos com suas possilibilidades.
ƒ A escrita de época orquestral, instrumental, e vocal, serão dados exemplos de peças
para serem escritas, levantando assim questões acerca do software e criando
soluções práticas.
ƒ Criar situações reais para ser solucionadas em sala de aula do software.
ƒ A avaliação será feito no decorrer do curso com a atuação e participação do aluno, e
com tarefas de escritas trazidas em disquetes e em sala de aula, levantando
questões próprias do software onde os alunos trarão respostas praticas pra essas
mesmas.

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