República Bolivariana de Venezuela

Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte)

Crea: Aquiles Nazoa

Pnf: Lic en Artes

Unidad Curricular: Proyecto Artístico Comunitario

Profesora: Gladys Madriz Ramírez

Caracas, 19/06/2019 Eduardo Alcántara Márquez

C.I: 27.177.161

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ÍNDICE

RESUMEN……………………………………………………………………………… 3

INTRODUCCIÓN……………………………………………………………………… 4

1) ARTE Y COMUNIDAD…………….………………………………………………. 5

2) MIRANDO A LOS 70’: CONTEXTO SOCIAL DEL ARTE Y PARTICIPACIÓN. 6

3) EL ARTE EN LAS CALLES………………………………………………………… 6

4) EVOLUCIÓN DEL ARTE COMUNITARIO EN EL ÁMBITO EDUCATIVO E

INSTITUCIONAL……………………………………………………………………… 7

5) DILEMAS Y TENSIONES PRESENTES EN LAS PRÁCTICAS

COLABORATIVAS……………………………………………………………………. 8

CONCLUSIONES……………………………………………………………………… 10

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS………………………………………………… 11

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RESUMEN

Este artículo revisa el significado de la expresión arte comunitario, surgida en los

años 70, principalmente en EEUU y Gran Bretaña, para describir unas prácticas artísticas
que implican la colaboración y participación del público en la obra y un intento de alcanzar
una mejora social a través del arte.

Se describe el contexto y las ideas artísticas y sociales que le sirven de base, en

concreto dos: la importancia del contexto social de la obra, y de la implicación del
espectador.

El arte comunitario evoluciona hacia ámbitos institucionales y educativos en los

años posteriores y se convierte también en una referencia para el arte público
contemporáneo.

Y finalmente se describen las principales problemáticas asociadas a las prácticas

artísticas colaborativas.

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INTRODUCCIÓN

Antes que nada debemos entender que el arte comunitario o arte de la comunidad, se
refiere a prácticas artísticas que privilegian las experiencias en un entorno comunitario.

Tal y como lo plantea Garrido: “Es una parte esencial en la evolución del arte
público contemporáneo y por lo tanto una referencia ideológica, metodológica y ética
imprescindible para la documentación y el análisis crítico del mismo”.

En este análisis hablaremos sobre el “Arte Comunitario”, y también acerca de su

origen y evolución de las prácticas artísticas colaborativas tomando como referencia el
ensayo de Alfredo Palacios Garrido.

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 1) ARTE Y COMUNIDAD

El autor nos dice que el arte comunitario vendría siendo el origen del “arte público
de nuevo género” y en general de lo que se puede denominar artes públicos críticos y
prácticas artísticas colaborativas.

Nos indica que el arte comunitario puede ser el nombre que recibe un programa
municipal de apoyo a la enseñanza de las artes como medio de desarrollo cultural, puede
hacer referencia a un proyecto de arte público que implique la colaboración y la
participación, o puede equipararse en algunos casos a la animación sociocultural.

Este arte bien podría ser promovido institucionalmente, por un grupo de artistas o
por una vinculación cultural. Puede conllevar las artes plásticas pero también el teatro, la
danza, la artesanía, o las fiestas tradicionales.

En palabras de Sally Morgan, pionera del arte comunitario en Gran Bretaña: “Si el
arte comunitario es algo, es la manifestación de una ideología”. Se refiere a una ideología
que lo único que busca es trabajar por una cultura más accesible, participativa,
descentralizada y que refleje las necesidades y particularidades de las diferentes
comunidades.

Garrido nos demuestra que la comunicación entre el artista y la comunidad es de

vital importancia, estando los artistas cada vez más activos y comprometidos con las
comunidades como parte del proceso creativo, como catalizadores y como activadores
sociales.

Relacionando el arte comunitario con el arte público, Garrido plantea que: “el término arte
comunitario se asocia a un tipo de prácticas que buscan una implicación con el contexto
social, que persiguen, por encima de unos logros estéticos, un beneficio o mejora social y
sobre todo, que favorecen la colaboración y la participación de las comunidades
implicadas en la realización de la obra. Estas prácticas implican una revisión de los
conceptos modernistas de artista y de obra de arte. El artista delega parte de sus funciones
tradicionales en el grupo y el concepto de obra artística se transforma por su carácter
procesual y de intervención social”.

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 2) MIRANDO A LOS 70’: CONTEXTO SOCIAL DEL ARTE Y
PARTICIPACIÓN

Garrido nos da a entender que solo existen dos ideas clave para comprender la
evolución hacia nuevas formas de arte: la idea de que el significado del arte debe
encontrarse en el contexto (físico o social) y no en el objeto autónomo y el nuevo interés
por el público y por las formas de implicarlo en la obra.

El cuestionamiento tanto del arte por el arte, como de los valores del formalismo, o
del sistema del mercado artístico, favoreció una deriva hacia la idea de la obra de arte como
herramienta para el cambio social.

Esta más que claro que un número considerado de artistas renunciaron a su estatus y
se cambiaron a un marco de elitismo cultural por una asociación de su labor a
problemáticas del contexto social en el que se desenvolvían sus vidas, esto debido a todas
las críticas del individualismo como núcleo del proceso creativo y del artista como creador
aislado y genial.

Según las palabras de David Harding: “Individualismo, auto expresión y arte por
el arte, comienzan a ser reemplazadas por colaboración, relevancia social, proceso y
contexto”. Esto nos quiere decir que todo artista comunitario empieza a dar una mano a
otros que son menos afortunados para que tengan las mismas oportunidades al igual que
este, y que el arte de uno no se enfoque solamente hacia los demás artistas sino también a
todo público.

3) EL ARTE EN LAS CALLES

Es más evidente que uno de los ejemplos más significativos como origen del arte
comunitario son los murales callejeros que vemos en nuestra vida cotidiana, en la mayoría
de los casos vemos grafitis o pinturas, las cuales se comenzaron a realizar a finales de los
60’ y principios de los 70’. Estos trabajos se llevaron a cabo comúnmente en los guetos de
comunidades latinas o afroamericanas de las grandes ciudades de todo el país, barrios que
sufrían, en su mayoría, serios problemas de pobreza, desadaptación y racismo.

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 El arte en las calles o el arte callejero, es todo aquel arte que se realiza en la calle y
que suele ser ilegal, aunque evidentemente no todo el arte callejero lo es. Está formado
tanto por el grafiti como por miles de representaciones artísticas que se hacen en la calle.

Aunque este arte se haya hecho más famoso en la actualidad, ya en los años 90’ se
podía observar obras de Post-Grafiti. El Post-Grafiti se usaba sobre todo para especificar y
detallar el trabajo que realizaban múltiples artistas que desarrollaron y crearon un nuevo
modo de expresión mediante diferentes técnicas. Las ciudades que son puntos clave del arte
callejero son Londres, Barcelona, Berlín, São Paulo y Toronto, entre otras.

Estas prácticas solían responder a unas pautas similares: normalmente un artista del
vecindario, conocedor de los problemas del entorno y con un fuerte compromiso social se
embarca en la realización de una pintura que refleja los problemas, historias o deseos de su
comunidad y cuya realización implica una participación de las personas del barrio, se
podría interpretar como una especie de crítica hacia la pobreza, desaparición y racismo tal y
como se ha dicho previamente.

Garrido destacó otro ejemplo como es el caso de: “The Great Wall”, el mural
coordinado por la artista Judy Baca en Los Ángeles a lo largo del canal de control de la
corriente del río Los Ángeles que comenzó en el año 1976 y que continúa en proceso,
llevado a cabo por cientos de adolescentes de distinto origen cultural.

A menudo las personas hablan mal de este tipo de arte y lo califican como
“vandalismo”, ya que funciona rompiendo reglas establecidas, y los lugares donde se
expresa este arte son públicos, pero la gran mayoría de los artistas solo intentan expresar
sus pensamientos y emociones, es decir, no es tan diferente de lo que años atrás miles de
artistas de otros estilos de arte hacían.

4) EVOLUCIÓN DEL ARTE COMUNITARIO EN EL ÁMBITO

EDUCATIVO E INSTITUCIONAL

“El arte comunitario fue visto en su inicio en los años setenta como un movimiento
radical, alejado del interés de la crítica de arte y de las instituciones”.-marcó Garrido.

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 Se fundamenta que con los años alcanzó un estatus muy diferente al ser asumido
como una herramienta de política social y al ser tomado objeto de enseñanza en centros de
arte. Se busca que los estudiantes seleccionen un entorno ajeno a la práctica artística y
elaboraren un proyecto que preferiblemente implique la participación de las personas que
viviesen o trabajasen en dicho lugar. Con ese fin, se realizaron incontables proyectos en
lugares cotidianos como bien podría ser:

 Una parada de autobús.

 Un restaurante de McDonald.
 Asociaciones juveniles.
 Centros para personas con alguna discapacidad.
 Un gimnasio.
 Una iglesia.
 Una estación de tren.
 Un parque infantil.

Entre varios otros lugares para ejercer su arte. Y a partir de los años 80’, estudios en
relación con prácticas contextuales y comunitarias se fueron esparciendo por el Reino
Unido y también fuera de él a países como Francia, Alemania o Finlandia. Un modelo de
estudios actuales aplicados al arte comunitario puede ser el “Community Arts Degree” que
se desarrolla desde el año 1989 en la Universidad de Strathclyde, en Escocia. El objetivo de
este curso es formar a las personas para influir activamente en las artes a individuos, grupos
o comunidades para que tengan la oportunidad de “mejorar su autoestima, construir su
identidad y encontrar formas para llevar a cabo un cambio desde el punto de vista
personal, social, cultural o político” (Austin, 2008:176).

5) DILEMAS Y TENSIONES PRESENTES EN LAS PRÁCTICAS

COLABORATIVAS

Existen ámbitos diferentes de las prácticas comunitarias: galerías, hospitales,

centros culturales, asociaciones ciudadanas, etc. Ya para este punto Garrido remarcó que:
“El arte comunitario ha estado desde sus orígenes rodeado de polémica por los debates
que ha generado tanto desde el punto de vista estético como ético o político”.

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 Se plantea que uno de los principales problemas es, precisamente, la propia
definición y delimitación del concepto de comunidad. En su concepción más simple este
concepto abarca un grupo de personas unidas por un mismo vínculo, experiencias, historia
o intereses comunes. Hoy en día la comunidad se ha convertido en el sitio en el que se
interviene artísticamente.

Dentro de esta área, existen cuatro tipos de comunidades en función de las

relaciones que se establecen con un proyecto de intervención artístico:

1. La comunidad entendida como una categoría social: Se trata de un

concepto que por su generalidad implica necesariamente un alto grado de abstracción en
relación a la identidad.
2. La comunidad entendida como un grupo u organización asentada en el
lugar: El grupo de trabajadoras de una fábrica, una asociación de inmigrantes de un barrio
o el alumnado de un instituto. Estos grupos vienen definidos por el proyecto artístico, es
decir que él o la artista especifican la necesidad de trabajar con tal o cual organización o
grupo de la localidad.
3. La comunidad que se crea para la realización de la obra de arte: Es
parte de la intervención artística, y que desaparece cuando concluye el trabajo artístico.
Estos proyectos dependen en gran medida del soporte económico y organizativo de las
instituciones y patrocinadores y es por esto que no suelen sobrevivir al proyecto.
4. La comunidad que se crea para la realización de la obra: Continúa
después del proyecto como entidad autónoma e independiente. En este caso el artista suele
tener bastante contacto con el grupo y suele residir en la zona, por lo que el proyecto se
beneficia de la relación directa y continua del artista local.

Cada tipo de comunidad de las ya explicadas implica como vemos unos

condicionantes al trabajo y genera un tipo de relaciones diferentes. La relación que se
establece entre artista y comunidad siempre puede ser problemática e impregnada de
dilemas éticos.

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CONCLUSIONES

1. La comunicación entre el artista y la comunidad es relevante para que este y los

demás artistas se vuelvan más activos y comprometidos con las comunidades como
parte del proceso creativo, como catalizadores y como activadores sociales.
2. Todo artista comunitario debe ayudar a otros que son menos afortunados para que
tengan las mismas oportunidades al igual que este, y que el arte de uno no se centre
únicamente hacia los demás artistas sino también a los que no.

Un artista del vecindario, conocedor de los problemas del entorno y con un fuerte
compromiso social se aventura en el desarrollo de una obra que refleja los conflictos,
dificultades, situaciones severas, historias o deseos de su comunidad como para hacer
una crítica seria hacia la pobreza, desaparición y racismo.

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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

 Palacios Garrido, Alfredo (2009) “El Arte Comunitario: Origen y Evolución de las
prácticas artísticas colaborativas” título del artículo. Obtenido de:
https://www.researchgate.net/publication/276941806

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