Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn ( [ˈrɛmbrɑnt

ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin] Leiden, 15 de julio de 1606-
Rembrandt
Ámsterdam, 4 de octubre de 1669), más conocido simplemente
como Rembrandt, fue un pintor y grabador neerlandés. La
historia del arte lo considera uno de los mayores maestros
barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el
artista más importante de la historia de los Países Bajos.1 Su
aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han
dado en llamar la edad de oro neerlandesa, el considerado
momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e
influencia política.

Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años

estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina
económica. Sus dibujos y pinturas siempre fueron muy
populares, gozando también de gran predicamento entre los
artistas y durante veinte años se convirtió en el maestro de
prácticamente todos los pintores neerlandeses.2 Entre los
mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales
retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos Autorretrato, óleo de 1659
y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorretratos, Información personal
especialmente, se observa siempre la mirada humilde y sincera Nombre de Rembrandt Harmenszoon van
de un artista que trazó en ellos su propia biografía.1 nacimiento Rijn
Nacimiento 15 de julio de 1606
Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía
Leiden, Provincias Unidas
clásica y en sus pinturas y grabados solía interpretarla de los Países Bajos
libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la
Fallecimiento 4 de octubre de 1669 (63 años)
representación de una escena bíblica Rembrandt solía combinar Ámsterdam, Provincias
su propio conocimiento del texto con su particular concepto de Unidas de los Países Bajos
la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de Causa de la
la población judía de Ámsterdam.3 Por la empatía con que Envejecimiento
muerte
retrató la condición humana, Rembrandt ha sido considerado
Lugar de
«uno de los grandes profetas de la civilización».4 Westerkerk (Países Bajos)
sepultura
Residencia Museo Casa de Rembrandt
Ningún artista combinó nunca tan delicada
habilidad con tanta energía y poder. Nacionalidad Neerlandesa
Diccionario Biográfico Chambers.5 Familia
Padres Harmen Gerritszoon van Rijn
Neeltje Willemsdr. Zuytbrouck

Índice Cónyuge Saskia van Uylenburgh (1634-

1642)
Biografía Pareja Geertje Dircx (1643-1649)
Obra Hendrickje Stoffels (1647-1663)
 Períodos, temas y estilo Educación
Leiden (1625-1631)
Educado en Universidad de
Primer período en Ámsterdam (1632-1636)
Leiden (Numeración de las artes;
Segundo período en Ámsterdam (1636-1650)
La ronda de noche 1620-1621)

Período tardío (1650-1669) Alumno de Pieter Lastman

Índice de obras principales
Rembrandt grabador Información profesional
Colecciones de Rembrandt en museos Área Pintor y grabador
Rembrandt en España Alumnos Arent de Gelder, Willem Drost,
Rembrandt en la actualidad Godfrey Kneller, Philip de
Proyectos de investigación Koninck, Eberhard Keil, Gerrit
Nombre y firma Dou, Carel Fabritius, Ferdinand
Hipótesis óptica Bol, Samuel van Hoogstraten,
Nicolaes Maes, Govert Flinck,
Galería
Christopher Paudiss, Jan Gillisz
Autorretratos
van Vliet y Heiman Dullaart
Otras obras
Movimiento Siglo de oro neerlandés
Notas
Géneros Retrato pictórico, pintura
Referencias
religiosa, pintura mitológica,
Bibliografía
escena de género, pintura de
Enlaces externos historia y autorretrato
En español
Obras La ronda de noche
notables Los síndicos de los pañeros

Biografía La novia judía

Rembrandt6 Harmenszoon van Rijn nació el 15 de julio

Firma
de 1606 en Leiden, Países Bajos. Fue el noveno hijo del
matrimonio formado por Harmen Gerritszoon van Rijn y
Cornelia (llamada familiarmente Neeltgen) Willemsdochter van
Zuytbroeck.7 De familia acomodada —su padre era molinero y su madre la hija
de un panadero, profesiones entonces muy lucrativas—, Rembrandt recibió su
educación básica en latín, y posteriormente asistió a la Universidad de Leiden.
Según sus coetáneos, el joven ya manifestaba una marcada afición a la pintura,
que le llevó a convertirse en aprendiz de un pintor histórico de Leiden llamado
Jacob van Swanenburgh, con quien estudiaría durante tres años. Tras un breve
pero intenso aprendizaje de seis meses con el célebre Pieter Lastman, en
Ámsterdam, Rembrandt inauguró su propio estudio en Leiden en 1624 o 1625
—las fechas difieren según cada fuente—, que compartiría con su amigo y
colega Jan Lievens. En 1627, Rembrandt empezó a impartir clases de pintura, y
entre sus numerosos alumnos destacó Gerrit Dou.8 En 1629 Rembrandt fue
descubierto por el estadista Constantijn Huygens —padre del célebre
matemático y físico Christiaan Huygens—, quien le facilitaría importantes Autorretrato con capa y ojos muy
encargos de la corte de La Haya. Como resultado de esta relación, el mismo abiertos, aguafuerte y buril, 1630.
príncipe Frederik Hendrik fue adquiriendo obras de Rembrandt hasta 1646.9
A finales de 1631, Rembrandt se mudó a Ámsterdam, la capital de negocios del
país, que crecía vertiginosamente gracias al comercio. Rembrandt empezó a trabajar como retratista profesional de
creciente éxito. Alojado temporalmente en casa de un marchante de arte llamado Hendrik van Uylenburg, en 1634
contrajo matrimonio con su prima Saskia.10 Saskia era una joven de buena familia: su padre había sido abogado y
burgomaestre de Leeuwarden. Cuando Saskia quedó huérfana, siendo la hermana menor, tuvo que irse a vivir con su
hermana en Het Bildt. El matrimonio, celebrado en la iglesia local de Sint Annaparochie, no contó con la asistencia de los
parientes de Rembrandt. Ese mismo año Rembrandt se convirtió en un miembro más de la burguesía de Ámsterdam, así
como de la sociedad local de pintores. Entre sus nuevos alumnos figuraban Ferdinand Bol y Govert Flinck.11

En 1635 el joven matrimonio se mudó a su nueva casa, situada en el elegante

barrio de Nieuwe Doelenstraat. En 1639 se volvieron a mudar a la
Jodenbreestraat, en el floreciente barrio judío, aún más caro.11 12 En realidad,
Rembrandt podía haber pagado sobradamente el piso, pero al parecer su nivel de
gastos siempre se mantuvo equilibrado con su nivel de ingresos, y también pudo
haber realizado algunas inversiones poco afortunadas.13 De cualquier modo, la
presencia judía en el barrio le dio la oportunidad de encontrar rostros y figuras
muy apropiadas para las escenas del Antiguo Testamento que entonces empezó a
pintar.14 Pese a la inicial bonanza económica, con el paso del tiempo la pareja
atravesó numerosos reveses: así, su hijo Rombertus murió a los dos meses de su
nacimiento, en 1635, y su hija Cornelia murió a las tres semanas de edad, en
1638. En 1640 el matrimonio tuvo una segunda hija, a la que también llamaron
Cornelia, y que falleció al cabo de un mes. Solo su cuarto hijo, Titus van Rijn
(nacido en 1641) llegó a alcanzar la madurez. Saskia falleció en 1642, al poco del
Retrato de Saskia van
parto de Titus, probablemente por tuberculosis. Los dibujos de Rembrandt del
Uylenburgh, sobre 1635.
lecho de muerte de su esposa son imágenes profundamente conmovedoras.15 De
cualquier modo, durante la enfermedad de Saskia contrataron a Geertje Dircx
como niñera de Titus, y probablemente pasó a ser también la amante de Rembrandt. Posteriormente acusaría a
Rembrandt de perjurio y obtendría una indemnización de 200 florines al año.11 Enterado de que Geertje había empeñado
varias joyas que Rembrandt le había regalado a Saskia, el pintor hizo lo posible para mantenerla durante 12 años en un
hospicio para pobres en Gouda.

A finales de 1640 Rembrandt comenzó una relación con la mucho más joven Hendrickje Stoffelsdochter Jaegher, a quien
había contratado inicialmente como asistenta doméstica. El nacimiento en 1654 de su hija Cornelia motivó el envío de una
carta acusatoria de parte de su iglesia reformada, en la que se le incriminaba «haber cometido los actos de una prostituta
con Rembrandt el pintor». Habiéndolo admitido públicamente, fue excomulgada. Rembrandt, en cambio, no tuvo que
enfrentar ningún cargo, puesto que no era miembro de dicha iglesia.16 Aunque el matrimonio era válido a efectos legales,
Rembrandt no se casó con Henrickje para no hacer peligrar la herencia de Titus, hijo de su anterior matrimonio.15

Rembrandt siempre vivió por encima de sus posibilidades, invirtiendo en arte —a veces pujando por sus propias pinturas
—, grabados —que solía utilizar en sus pinturas— y todo tipo de curiosidades. En 1656 ya se tomaron ciertas medidas en
los juzgados para impedir su declaración de bancarrota, y el artista tuvo que vender la mayoría de sus pinturas y buena
parte de su colección de antigüedades. La lista de objetos subastados se ha conservado, y da una idea de las posesiones
materiales del pintor: dibujos y pinturas de los viejos maestros flamencos, bustos de emperadores romanos, fragmentos de
armaduras japonesas, curiosidades traídas de Extremo Oriente, y colecciones de rarezas naturales y minerales. Los
beneficios de estas ventas, realizadas entre 1657 y 1658, resultaron decepcionantes,17 de modo que en 1660 no tuvo más
remedio que vender su casa y su taller de grabado y mudarse a un apartamento más modesto en Rozengracht.18
Rembrandt aún gozaba de cierto prestigio, y tanto las autoridades como sus acreedores solían mostrarse bastante
tolerantes. Paradójicamente, la sociedad de pintores de Ámsterdam lo consideró un escándalo, y adaptó sus reglamentos
para que nadie que estuviese en una situación económica como la de
Rembrandt pudiese comerciar como pintor. Para evitar esta medida,
Hendrickje y el propio Titus abrieron su propio negocio de arte en 1660, en el
que Rembrandt trabajaba como «empleado».19

Así, en 1661, esta «agencia artística» recibió el encargo de realizar una pintura
para el recién construido ayuntamiento, pero solo después de que Govert
Flinck, el artista que había recibido inicialmente el encargo falleciese sin haber
dado una sola pincelada. Desgraciadamente, la obra resultante —La
conspiración de Claudius Civilis— fue rechazada y devuelta al pintor; el único
fragmento conservado es solo parte de la obra realizada.20 Fue por entonces
cuando Rembrandt, gravemente afectado por la edad y la pobreza, admitió a
Aert de Gelder como su último alumno. Hacia 1662 aún recibía encargos
importantes de retratos de las personalidades de su entorno.21 El mismo
Titus, el hijo de Rembrandt, vestido
Cosme III de Médici, gran duque de Toscana visitó a Rembrandt en su como un monje (1660).
domicilio, cuando llegó a Ámsterdam en 1667.22

Rembrandt sobrevivió tanto a Hendrickje —fallecida en 1663— como a su hijo Titus, que murió el 7 de septiembre de
1668, dejándole una nieta. Rembrandt murió un año después del fallecimiento de su hijo, el 4 de octubre de 1669, y fue
enterrado en una tumba sin nombre en el Westerkerk de Ámsterdam.23

Obra
En una carta a Huygens, Rembrandt ofrece el único testimonio conservado
sobre sus aspiraciones como artista: «[alcanzar] el movimiento más grande y
más natural»,24 si con esto se refería a sus objetivos materiales o de otro tipo
es algo sujeto a la especulación, de cualquier modo Rembrandt representa la
fusión entre lo corpóreo y lo espiritual como pocos pintores en el arte
occidental.25

A principios del siglo XX, algunos estudiosos estimaron la obra de Rembrandt

en unas 600 pinturas,26 casi 400 grabados y cerca de 2000 dibujos.27
Investigaciones realizadas desde 1960 hasta la actualidad —lideradas por el
Proyecto de Investigación Rembrandt, coordinado por varios expertos
holandeses sobre el pintor— han reducido esta cifra en unas 300 pinturas,
aunque no sin generar cierta polémica.28 Respecto a los grabados,
generalmente realizados mediante punta seca o al aguafuerte, la cifra estimada
La tormenta en el mar de Galilea, es más estable, y se aproxima a las 300 piezas.29 Es probable que Rembrandt
1633. Obra en paradero realizase más de los 2000 dibujos que se le atribuyen, pero incluso esa cifra es
desconocido desde su robo del posiblemente demasiado elevada según los estudios contemporáneos.30
museo Isabella Stewart Gardner en
1990. En cierto momento se contaban hasta 90 autógrafos distintos de Rembrandt,
aunque en la actualidad se sabe que muchos de sus alumnos debían copiar sus
pinturas como parte de su aprendizaje. Investigaciones más recientes han
reducido esta cifra hasta las 40 pinturas, suprimiendo algunos dibujos y 31 grabados, entre los cuales se cuentan algunas
de las imágenes más representativas del grupo.31 Muchos de sus autorretratos le muestran con ropajes anacrónicos, o
haciéndose muecas a sí mismo. Sus autorretratos muestran la evolución desde el atribulado joven con talento, y el pintor
exitoso de la década de 1630 hasta los sombríos retratos de su vejez, de enorme profundidad psicológica. Juntos
componen la imagen de un hombre que atravesó todos los estados de la vida, y cuya expresión refleja las fuertes sacudidas
que sufrió su espíritu a lo largo de su vida.32

Entre las características más notables de su obra se destacan su uso del claroscuro, el manejo escenográfico de la luz y la
sombra —fuertemente influido por Caravaggio, o, más posiblemente, por la escuela de los Caravaggisti de Utrecht—
adaptados a sus propios fines.33 Igualmente destacables son su visión dramática y emotiva de temas que
tradicionalmente habían sido tratados de una forma impersonal: Rembrandt se caracteriza por el sentimiento de empatía
que desprende su visión de la humanidad, independientemente de la riqueza o la edad del retratado. Su propio entorno
familiar —su mujer Saskia, su hijo Titus, su amante Hendrickje— suelen aparecer de forma visible en sus pinturas, en
ocasiones representando temas bíblicos, históricos o mitológicos.

Períodos, temas y estilo

A lo largo de su carrera, Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el
paisaje y la pintura narrativa. Por esta última sería especialmente ensalzado
por sus contemporáneos, que le consideraban un maestro en la interpretación
de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los
detalles.35 Estilísticamente, su pintura evolucionó de la suavidad de sus
principios —caracterizada por una excelente técnica de representación
ilusionista de formas— a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba
las cualidades del objeto mediante la calidad táctil o "impasto" con que
figuraba en la pintura,36 que al parecer se debe al uso de plumbonacrita en sus
óleos, algo que muy pocos pintores han empleado.37 En cuanto al grabado, El rapto de Europa, 1632. Óleo
podría hablarse de un desarrollo similar. En las obras ejecutadas en su sobre tabla. Esta obra se ha
considerado «un brillante ejemplo
madurez, especialmente a partir de finales de la década de 1640, la libertad y el
de la Edad de Oro de la pintura
aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos.
barroca».34
En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones, una
gran superficie vacía puede sugerir un espacio, mientras que en otras una
compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra.38

Leiden (1625-1631)
Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor influencia de Lastman.
Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa de formación.39 Las pinturas de
esta época son bastante pequeñas, pero ricas en detalles, especialmente en vestiduras y joyería. Los temas preferidos en
esta etapa son obras religiosas y alegóricas, al igual que los tronies,40 género popularmente holandés.39 En 1626
Rembrandt produjo sus primeros grabados, y la rápida difusión característica de este medio le ganaron fama
internacional.39 En 1629 pintó Judas, devolviendo las monedas de plata y El artista en su estudio, obras que evidencian
su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos; esta obra constituye el primer
gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor.41

Primer período en Ámsterdam (1632-1636)

Durante sus primeros años en Ámsterdam, Rembrandt comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más
dramático, fuertemente contrastadas y en grandes formatos. A esta época pertenecen El cegamiento de Sansón (1636), La
fiesta de Belshazzar (c. 1635) y la Dánae que emulaba el estilo barroco de Rubens.42 Con la ayuda ocasional de asistentes
 en su taller de Uylenburgh, Rembrandt satisfizo numerosos encargos de retratos, tanto
pequeños (Jacob de Gheyn III) como grandes (Retrato del armador Jan Rijcksen y su
esposa, (1633); La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, fechado en 1632).43

Segundo período en Ámsterdam (1636-1650)

El fumador, de Joos van
Craesbeeck. En Leiden,
Rembrandt también cultivó
este tipo de retratos, muy
populares en su época.
A finales de la década, Rembrandt había producido apenas algunas pinturas y pocos
grabados de tema paisajístico. Comúnmente, estas pinturas solían destacar el aspecto
dramático de la naturaleza, reflejada en árboles desarraigados y nubes ominosas (Casa
de campo ante un cielo tormentoso, 1641; Los tres árboles, 1643). A partir de 1640,
Rembrandt fue eliminando los rasgos más pintorescos y su estilo se volvió más sombrío
y comedido, quizás debido a las tragedias personales que ya habían empezado a
sucederle. Del mismo modo, las escenas bíblicas que había pintado desde su juventud
pasaron de centrarse en el Antiguo Testamento a representar pasajes del Nuevo
Testamento. En 1642 recibió el encargo de La ronda de noche —su mayor obra y el
encargo de retrato colectivo más importante que recibió en este período— y en el que
trató de encontrar nuevas soluciones compositivas y narrativas a cuestiones surgidas en
obras anteriores.44

A lo largo de la siguiente década, las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de

tamaños, técnicas y estilos. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante
fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a
mayores y más saturadas zonas de color. Simultáneamente, las figuras empezarían a
disponerse paralelamente al plano del cuadro. Estos cambios pueden ser vistos como
un retorno a la composición clásica y, considerando el mayor trabajo de pincelada,
pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. De esta época son obras
como Susana y los viejos, (1637-1647).45 Al mismo tiempo, se da una visible reducción
de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes.46 Esta obra gráfica
incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales holandesas.
Un típico retrato de 1634,
cuando Rembrandt gozaba
La ronda de noche
de un enorme éxito
comercial. Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. La pintura fue llamada Nacht Wacht
por los holandeses y Night Watch por sir Joshua Reynolds porque en el momento de su
descubrimiento los colores al óleo se habían apagado tanto que muchos detalles eran
indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna. Después de sucesivas restauraciones, se reveló que la escena
representada era una escena diurna: una partida de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. La
obra fue encargada para el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen, la compañía de mosqueteros encargados de la
patrulla urbana. Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran
retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa de la acción:
La milicia abandona el acuartelamiento, disponiéndose para salir de misión.47

A pesar de toda la especulación desatada, la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. Se
seccionaron algunas partes48 del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado cuando se
trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. De cualquier modo, el Rijksmuseum conserva una reproducción a menor
escala en la que se aprecia la idea original de la obra, con las cuatro figuras principales en el centro de la imagen. Esta obra
está expuesta actualmente en el Rijksmuseum, donde ocupa toda la pared de la mayor sala de la galería.49
 La ronda de noche, también conocida como La
milicia del capitán Frans Banning Cocq, 1642.
Óleo sobre lienzo; en la colección permanente del
Rijksmuseum de Ámsterdam.

Período tardío (1650-1669)

Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo, la
lección de anatomía del Doctor Tulp, pintado a los 26 años y una de sus obras tardías, los síndicos del
gremio de pañeros, pintada con 56 años en 1662.

Hacia 1650, el estilo de Rembrandt volvió a transformarse. Regresa a los grandes formatos, los colores se vuelven más
intensos y las pinceladas más pronunciadas. De este modo, el pintor se alejaba de los rasgos distintivos de su primera
época, cuando tendía a trabajar más los detalles. Algunos autores50 han señalado que pueda deberse a una progresiva
identificación con el trabajo de artistas como Tiziano, inscribiendo este período su toma de postura en el debate entonces
vigente sobre la primacía del "acabado" o la calidad matérica de la pintura.

Expertos en la obra de Rembrandt han señalado en ocasiones la "tosquedad" de la pincelada del Rembrandt de este
período, pero se sabe que el mismo autor desaconsejaba a sus visitantes que observasen sus obras desde demasiado cerca.
De cualquier modo, este énfasis en las cualidades táctiles de la obra puede remontarse a la pintura medieval, que solía
representar las cualidades matéricas de los objetos representados imitando su textura sobre el lienzo. El resultado de este
tratamiento es un despliegue de recursos pictóricos que combina transparencias a menudo aparentemente azarosas, las
cuales sugieren profundidad y textura de una manera ilusionista y a la vez muy personal.52
En los últimos años, sus pinturas de tema bíblico tendieron a una mayor
personalización de las figuras y sus emociones individuales. (Santiago Apóstol,
1661). Rembrandt comenzó en 1652 una serie de autorretratos impregnados de
reflexión, y hasta el año de su muerte realizaría 15 versiones de este tema; así
como numerosas y emotivas imágenes de hombres y mujeres enamorados,
vivos y ante Dios (La novia judía, 1666). Algunos autores53 señalaron al
respecto:

En los últimos retratos de Rembrandt nos sentimos

enfrentados cara a cara con personas reales; sentimos su
calidez, su necesidad de simpatía y también su soledad y
sufrimiento. La mirada firme y certera que conocemos tan
bien gracias a los autorretratos de Rembrandt tiene que
haber sido igualmente capaz de mirar directamente al
corazón humano.

Y también, sobre La novia judía: Autorretrato de 1658, una obra

maestra en su estilo tardío; «el más
Ésta es una imagen de un amor maduro, una maravillosa sereno y el más grande de todos
amalgama de riqueza, ternura y verdad...esas cabezas, en su sus retratos».51
verdad, tienen un halo espiritual que ningún pintor influido
por la tradición clásica podría alcanzar jamás...54

Índice de obras principales

1629 – Un artista en su estudio o El pintor en su estudio (Museo de Bellas

Artes de Boston, Massachusetts)
h. 1629 - Cristo en Emaús (Museo Jacquemart-André, París)
1630 – La resurrección de Lázaro (LACMA, Los Ángeles)
1630 - Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén (Rijksmuseum,
Ámsterdam)
1630-35 – Turco (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1631 – Retrato de Nicolaes Ruts (Colección Frick, Nueva York)
1632 - Jacob de Gheyn III (Dulwich Picture Gallery, Londres)
1631 - Andrómeda encadenada a la roca (Mauritshuis, La Haya)
1632 – Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (Mauritshuis, La Haya)
1632 – Retrato de un noble oriental (Museo Metropolitano de Arte, Nueva
York)
1633 – Cristo en la tormenta sobre el lago de Galilea (Museo Isabella
Stewart Gardner, Boston; actualmente en paradero desconocido55 )
1633 - El descendimiento de la cruz (Alte Pinakothek, Múnich)
1633 - El rapto de Europa (Museo J. Paul Getty, Los Ángeles)
1634 - Judith en el banquete de Holofernes, cuadro antes conocido como Niña en un marco, 1641, Castillo
La reina Artemisa (Museo del Prado, Madrid)
Real de Varsovia
1635 – La fiesta de Belshazzar (Galería Nacional, Londres)
1635 - El sacrificio de Isaac (Museo del Hermitage, San Petersburgo)
1636 – La ceguera de Sansón (Instituto Städel, Fráncfort del Meno)
1636 – Dánae (Museo del Hermitage, San Petersburgo)
1636 - Susana y los viejos (Mauritshuis, La Haya)
1636 - El hijo pródigo en la taberna (Gemäldegalerie, Dresde)
1641 - Niña en un marco (Castillo Real de Varsovia)
1641 - Sabio al pulpitre, (Castillo Real de Varsovia)
 1642 – La ronda de noche (Rijksmuseum, Ámsterdam)
1643 – Cristo curando a los enfermos (Victoria and Albert Museum, Londres56 )
1647 – Vieja dama con un libro (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1647 - Susana y los viejos (Gemäldegalerie, Berlín)
1650 – El filósofo (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1650 – El molino (National Gallery of Art, Washington D. C.)
1653 – El sacrificio de Isaac (Museo Hermitage, San Petersburgo)
1653 – Aristóteles contemplando el busto de Homero, o Aristóteles con un busto de Homero (Metropolitan Museum
of Art, Nueva York)
1654 – Betsabé en su baño (Louvre, París57 )
1655 – José acusado por la esposa de Putifar (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
1655 - El buey desollado (Louvre, París)
1656 – Mujer ofreciendo un clavel (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1656 – Jacob bendiciendo a los hijos de José (Staatliche Kunstsammlungen, Kassel)
1656 - Lección de anatomía del doctor Deyman (Rijksmuseum, Ámsterdam)
1657 – El apóstol Pablo (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1658 – Autorretrato (Colección Frick, Nueva York)
1659 – Jacob luchando con el ángel (Gemäldegalerie, Berlín)
1659 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
1660 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
1660 - Autorretrato con pintura y pinceles (Museo del Louvre, París)
1660 – Retrato de un caballero con sombrero alto y guantes (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1660 – Retrato de una dama con abanico de pluma de avestruz (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1660 - Las tres cruces, grabado, 4º estado.
1661 – Conspiración de Julius Civilis (Nationalmuseum, Estocolmo58 )
1662 – Los síndicos de los pañeros (Rijksmuseum, Ámsterdam)
1662 – Retrato de hombre con galera (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1662-63 – Joven sentada en una mesa (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)

1664 – Lucrecia (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)

1665-1667 - Retrato de Gérard de Lairesse (Metropolitan Museum of Art, (Nueva
York)
1666 – La novia judía (Rijksmuseum, Ámsterdam)
1666 – Lucrecia (Instituto de Arte de Minneapolis)
1669 – El retorno del hijo pródigo (Museo Hermitage, San Petersburgo)
1669 - Autorretrato a la edad de 63 años (National Gallery, Londres)

Rembrandt grabador
Rembrandt realizó grabados durante buena
parte de su carrera (1626-1660), hasta el
momento en que dificultades económicas le La casa del artista en
hicieron vender su taller de estampación y Ámsterdam, hoy la Casa
Museo Rembrandt.
abandonar virtualmente el medio. En ese
lapso, solo durante el difícil año de 1649 no
produjo ninguna obra.59 Se adaptó fácilmente al lenguaje gráfico de esta
técnica, y aunque dominaba el uso del buril y era un experimentado grabador,
La estampa de los cien florines, c. el valor fundamental de su obra calcográfica es la libertad técnica. Igualmente,
1647-1649, grabado. Rembrandt se implicó personalmente con todo el proceso de estampación, y
debió haber estampado personalmente al menos los primeros estados de cada
plancha. Al principio utilizaba un estilo basado en el dibujo, pero pronto comenzó a desarrollar una estética más próxima
a la de su pintura, combinando masas de líneas y mordidas de ácido sucesivas para alcanzar distintos niveles de
profundidad. Antes de 1640 reaccionó contra este estilo y recuperó una técnica más sencilla y con menos mordidas.60 Así,
el desarrollo de "La estampa de los cien florines", escalonado a lo largo de toda la década de 1640, resultó ser para él una
«obra crítica en mitad de su carrera», de la que surgiría su estilo final de grabado.61 Aunque de esta plancha solo se han
conservado dos estampaciones en estados iniciales (la primera muy rara) la evidencia de numerosas rectificaciones bajo la
imagen final resultan muy esclarecedoras sobre el trabajo de Rembrandt en esta pieza.62

En sus obras más maduras de la década de 1650, Rembrandt parece mostrarse

más receptivo a la improvisación sobre la plancha y se han conservado grandes
series de estampaciones que en ocasiones llegan a 11 estados radicalmente
distintos. Rembrandt empezó a utilizar reservas como medio de oscurecer
grandes áreas, que podían cubrir gran parte de la plancha. Experimentó
igualmente con efectos de impresión sobre diferentes tipos de papel o sobre
vitela, pero se ha llegado a la conclusión de que solo son auténticos los
grabados impresos en papel japonés.63 Del mismo modo recurrió
magistralmente al entrapado64 como medio de obtener un «tono superficial».
Igualmente se mostró especialmente hábil en el uso de la punta seca, y realizó
numerosos paisajes en los que aprovecha las posibilidades estéticas que la Las tres cruces, grabado de
Rembrandt, 1653, estado 3 de 5.
línea realizada con esta técnica ofrece en las primeras estampaciones.65

Sus grabados se ocupan de temas similares a los de su pintura, aunque

mostraba cierta predilección por los autorretratos (se conserva una suma total de 27 grabados) y los retratos oficiales
escasean. Se le atribuyen 46 paisajes, generalmente de pequeño formato, que se convirtieron en la definición del
tratamiento gráfico del tema hasta bien entrado el siglo XIX. Un tercio de sus grabados tratan temas religiosos, que van
desde la llaneza a lo monumental. Se destacan igualmente algunas imágenes eróticas que rozan la obscenidad, y que no
encuentran equivalente en su producción pictórica.66 Aunque finalmente se vio obligado a deshacerse de ella con motivo
de las deudas, Rembrandt poseyó una magnífica colección de estampas de otros artistas como Mantegna, Hercules
Pieterszoon Seghers y Giovanni Benedetto Castiglione, quienes pudieron ejercer cierta influencia sobre su obra gráfica, al
igual que José de Ribera, cuyos grabados conoció.

Colecciones de Rembrandt en museos

En Holanda, la mayor colección de Rembrandt está reunida en el Rijksmuseum de Ámsterdam, que cuenta con obras
como De Nachtwacht (La ronda de noche) o De Joodse bruid (La novia judía). Varios de sus autorretratos están
expuestos en el Mauritshuis de La Haya. En su domicilio de Ámsterdam, convertido en casa-museo, se exponen
ejemplares de muchos de sus grabados; los hay además repartidos por las principales colecciones de grabados de todo el
mundo. Fuera de su país, las mayores colecciones de pintura de Rembrandt se localizan en la National Gallery de Londres,
la Gemäldegalerie de Berlín, el Hermitage de San Petersburgo, la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, el Louvre de
París y otros museos en Nueva York, Washington, y Kassel.67 Algunas de las pinturas de Rembrandt se han localizado en
instituciones y colecciones privadas en California del sur.

Rembrandt en España
La presencia del artista en colecciones públicas de España es muy limitada: solo dos cuadros y varios conjuntos de
grabados de desigual importancia, aunque incluye obras importantes. El Museo del Prado posee el cuadro bíblico Judit,
antes identificado como Artemisa. El Museo Thyssen-Bornemisza posee un Autorretrato, que tras dudas de autoría se ha
confirmado como original. En cuanto a la obra gráfica de Rembrandt, la Biblioteca Nacional de España posee un nutrido
conjunto de estampas, entre las que destaca un Autorretrato con retoques a lápiz del propio artista. El Museo Lázaro
Galdiano guarda unos cincuenta ejemplos, más desiguales de calidad, que se expusieron temporalmente en 2018 [1] (htt
p://www.flg.es/agenda-de-actividades/exposiciones-temporales/exposicion-rembrandt-museo-lazaro-galdiano#.WtHBe4
huaUl), y también hay unos pocos grabados de artista en otros museos como el MNAC de Barcelona y el Museo de Bellas
Artes de Bilbao.

En colecciones privadas españolas se citan dos pinturas relativas a Rembrandt. La tabla Paisaje con villa fortificada del
Palacio de Liria (Colección Casa de Alba), adquirida a principios del siglo XIX, está pendiente de comprobación en cuanto
a su autoría; y en junio de 2019 ha trascendido la compra de una pintura para la colección de Juan Abelló [2] (https://elpa
is.com/cultura/2019/06/21/babelia/1561126992_425733.html), pero se desconocen su tema y procedencia, pues aún no
se ha mostrado al público. En cuanto a los grabados de Rembrandt en el coleccionismo privado, destaca el núcleo reunido
por el estudioso catalán Vicenç Furió: más de 60 estampas, de las que una amplia selección se ha expuesto recientemente
[3] (https://www.nuvol.com/noticies/vicenc-furio-rembrandt-va-ser-com-un-artista-davantguarda-innovador-i-experime
ntal/).

Rembrandt en la actualidad

Proyectos de investigación
En 1968 el Rembrandt Research Project surgió como resultado del patronazgo
de la Asociación Holandesa para el Avance de la Investigación Científica; se
estimaba que el proyecto tuviese una vida de 10 años como máximo. Los
grupos de investigación, compuestos de historiadores del arte asesorados por
expertos en otras áreas tenían como objetivo analizar la autoría de Rembrandt,
utilizando gran variedad de medios técnicos y sofisticado equipamiento
científico. Las investigaciones han alterado sustancialmente el corpus
rembrandtiano, atribuyéndole obras que hasta ahora nunca se habían
considerado suyas y eliminando otras que tradicionalmente se consideraban
del maestro, y que ahora se saben obra de sus alumnos.68
El jinete polaco - Lisowczyk a
Un ejemplo de estas valoraciones es El jinete polaco de la colección Frick de caballo. El tema está igualmente
Nueva York. Esta obra, largamente disputada desde que Julius Held apuntó las sujeto a discusión. Se ha señalado
que la figura a caballo fuese el Gran
sospechas sobre su autoría, era considerado por muchos —incluso Josua
Canciller de Lituania, Marcjan
Bruyn, el director del Proyecto de Investigación Rembrandt (PIR)— obra de
Aleksander (1632-1690).
alguno de los alumnos más cercanos y dotados de Rembrandt, llamado Willem
Drost, del que no se sabe gran cosa. Los Frick se aferraban la hipótesis de la
autoría rembrandtiana, y así se catalogaba como "Rembrandt", y no como "atribuido a" ni "escuela de". Las
investigaciones más recientes han dado la razón a los Frick, gracias a las investigaciones paralelas de Simon Schama —
expuesta en su libro Rembrandt's Eyes, 1999)— y de Ernst von Wetering, uno de los miembros del PIR (Simposio de
Melbourne, 1997). Otras teorías señalan que la obra no se ejecutó de una vez, identificando varias autorías según las
características de cada parte del cuadro.69

Otra pintura, Pilato lavándose las manos —también de autoría dudosa— es objeto de polémica desde 1905, cuando
Wilhelm von Bode lo describió como «un trabajo algo anormal» de Rembrandt. Los investigadores han fechado desde
entonces la obra en 1660, y lo atribuyen a un alumno anónimo, posiblemente Arent de Gelder. La composición resulta
 superficialmente similar a las obras de madurez del maestro, pero carece de su
tratamiento característico de la iluminación y el modelado.70

El corpus rembrandtiano, pues, está en constante cambio: En 2005 cuatro óleos

anteriormente atribuidos a discípulos de Rembrandt fueron recatalogados como obras
suyas (se trata del Estudio de viejo de perfil y el Estudio de viejo con barba" de una
colección privada estadounidense, el Estudio de mujer dormida posesión del Instituto
de las Artes de Detroit, y el Retrato de una mujer mayor con un bonete blanco, pintado
en 1640.71

El propio método de enseñanza de Rembrandt añade dificultades a la definición de

autoría de sus obras ya que, al igual que muchos maestros antes que él, Rembrandt

El Hombre con yelmo solía pedir a sus alumnos que copiasen sus cuadros, y algunas veces los retocaba
dorado, de Berlín, una vez personalmente para venderlos como copias u originales. Por otra parte, su estilo parece
considerado uno de los haber sido bastante asequible para sus alumnos de más talento. La calidad del trabajo
mejores retratos de del mismo Rembrandt, por último, complica la identificación de sus pinturas; su
Rembrandt, y actualmente evolución constante y su espíritu experimental añaden cierta volatilidad a su estilo.72
no atribuido al maestro.
Por otra parte, su obra fue imitada y copiada en los siglos siguientes a su muerte, y
algunas de las restauraciones a las que se sometió su obra las dejó irreconocibles.73 Es
por tanto muy posible que nunca se establezca un acuerdo sobre la obra de un genio tan proteico como Rembrandt.

Nombre y firma
Rembrandt es una modificación de la grafía original de su nombre que el pintor
introduciría en su firma en 1633. Puede decirse que anteriormente (hacia 1625) había
firmado sus obras con una simple inicial "R", o el monograma "RH" (de Rembrant
Harmenszoon; esto es "hijo de Harmen"), al que había posteriormente había añadido
una L, presumiblemente por Leiden, su localidad natal ("RHL", 1629). En 1632 añadió
su patronímico a dicho monograma, pero las obras realizadas más tarde ese mismo año
iban firmadas simplemente con su nombre propio "Rembrant". En 1633 añadió la "d",
y se apegó a esta grafía durante el resto de su vida, probando el significado que esta
variación, fuera por lo que fuera, tenía para él. Este cambio es únicamente visual,
puesto que no altera la pronunciación holandesa de su nombre. Curiosamente, pese al
enorme número de obras firmadas con esta grafía, en los documentos oficiales
relacionados con su actividad que se han conservado hasta hoy día, el pintor aparece
nombrado con la grafía original "Rembrant". De cualquier modo, esta cronología
trazada se remite principalmente a sus pinturas, y en menor grado a sus grabados;
desde 1632, solo existe un grabado con la signatura "RHL-v. Rijn", la Resurección de
Lázaro B 73, de gran formato.75 Esta práctica de firmar su trabajo con su nombre de
pila, seguida siglos más tarde por Vincent van Gogh, le vino probablemente inspirada
por Rafael, Leonardo da Vinci o Miguel Ángel quien, como es sabido, siempre se
conocieron por su nombre.76 Evolución74 de la firma del
artista, entre 1626 y 1633.

Hipótesis óptica
En un artículo publicado en la New England Journal of Medicine77 la profesora Margaret S. Livingstone, del
departamento de neurobiología de la Universidad de Harvard, sugiere que Rembrandt, cuyos ojos eran incapaces de
alinearse correctamente, padecía estrabismo. Esta conclusión, extraída tras el estudio de 36 autorretratos del pintor,
apunta que la incapacidad de establecer una imagen normal mediante visión binocular causó que su cerebro "redujese" la
imagen a un solo ojo. Esta incapacidad le pudo haber sido útil a la hora de "aplanar" las imágenes que veía y trasladarlas a
un soporte bidimensional como el lienzo. Según palabras de Livingstone, podría haberse convertido en un gran don para
un pintor como él, pues efectivamente «los profesores de arte suelen aconsejar a sus estudiantes que cierren un ojo para
aplanar la imagen que ven. De este modo, el estrabismo puede ser no tanto una desventaja, como un beneficio para
determinados artistas». De cualquier modo, uno de los grandes méritos de la pintura de Rembrandt es la habilidad para
crear volúmenes tridimensionales, una percepción para la que, quizás, sería necesaria una visión estereoscópica normal.

Galería
Véase también: Anexo:Obras de Rembrandt van Rijn

Autorretratos
El joven Rembrandt (22 años), Rembrandt en 1632, en su época de
claroscuro (hacia 1628). mayor fama como retratista.

Disfrazado, en el "Autorretrato como "Autorretrato apoyado en el

noble oriental con un Kris". Grabado antepecho de la ventana", grabado de
de 1634. 1639.

Acuarela de 1640 vistiendo ropas Autorretrato o Autorretrato grande de

antiguas, expuesta en la Galería 1652.
Nacional de Londres.
 Alrededor de 1655 (detalle), Con un pañuelo blanco a la cabeza -
conservado en el Kunsthistorisches símbolo de su profesión- en 1661.
Museum de Viena.

El año de su fallecimiento en 1669,

envejecido y de gran profundidad
psicológica.

Otras obras
El pintor en su estudio, 1629 Andrómeda, c. 1629

Busto de un viejo con un yelmo, 1630 El filósofo en meditación, 1632

Retrato de Johannes Wtenbogaert, Abraham e Isaac, 1634

1633.
Descendimiento de la cruz. 1634. Judit en el banquete de Holofernes
(antes Artemisa), 1634

Saskia como Flora, 1635 Rembrandt y Saskia posando en El

hijo pródigo en la taberna, 1635.

El festín de Baltasar, 1636-8 Tobías y el ángel, 1637

Cristo resucitado se aparece a María Sabio al pulpitre (1641) Castillo Real
la Magdalena, 1638 de Varsovia

El buey desollado, versión de 1643. El molino, 1648

Mujer bañándose, la modelo fue El baño de Bathsheba, también

Hendrickje, 1654 Hendrickje, 1654
 Retrato de Jan Six, 1654, un amigo Palas Atenea, 1655
rico de Rembrandt.

La conspiración de Claudius Civilis La novia judía, 1666.

(seccionado), 1661-62

El regreso del hijo pródigo, hacia

1669

Notas
 1. Gombrich, p. 420.
2. Clark, p. 203.
3. Clark, pp. 203-4.
4. Clark, p. 205.
5. Diccionario Biográfico Chambers.
6. La "d" apareció en su nombre en
cuadros firmados en 1633.
Anteriormente, "Rembrant" había
identificado sus cuadros con una
combinación de iniciales y
anagramas, tal como Durero solía
hacer. En 1632, el artista empezó
a firmar con su nombre,
"Rembrant". Al año siguiente
empezó a utilizar la nueva grafía
de su nombre, y la mantuvo
durante el resto de su vida.
Aunque solo se puede especular,
se ha apuntado que esta decisión
pueda deberse a su voluntad de
ser reconocido por su nombre,
como los grandes artistas del
Renacimiento —Rafael,
Leonardo— y reflejaba el orgullo
profesional de un gremio de
creciente prestigio. Véase esta
página (http://www.rembrandt-sig
nature-file.com/) para más
información sobre la firma de
Rembrandt.
7. Bull, et al., p. 28.
8. Slive escribió una biografía
completa sobre este personaje,
vid. pág. 55 y ss.
9. Slive, pp. 60, 65.
10. Slive, pp. 60-61.
11. Bull, et al., p. 28.
12. La deuda de 13.000 florines
contraída para poder pagar esa
casa se convirtió en una pesadilla
económica para Rembrandt que
le perseguiría toda su vida. El
edificio es actualmente la sede de
la casa-museo Rembrandt.
13. Clark, 1978, pp. 26-7, 76, 102.
14. Adams, p. 660.
15. Slive, p. 71
16. Slive, p. 82.
17. Slive, p. 84.
18. Schwarz, p. 12. La venta se
efectuó en 1658, pero se le
concedieron dos años de retraso
en la mudanza.
19. Clark, 1974 p. 105.
20. Clark 1974, pp. 60-61
21. Bull, et al., pág. 29.
22. Clark 1978, p. 34.
23. Slive, p. 83.
24. Traducido del inglés, a su vez
traducido del original en
holandés: die meeste ende di
naetuereelste
beweechgelickhejt», este último
término connotando «emoción» y
«motivo».
25. Hughes, p. 6.
26. «407° aniversario del nacimiento
Rembrandt fue un consumado
de Rembrandt van Rijn» (http://w
ww.lanacion.com.ar/1601179-rem dibujante y se conservan muchos
brandt-van-rijn-y-un-homenaje-de de sus dibujos. En este león
-google-a-mas-de-400-anos-de-s resuelto con trazos rápidos
u-nacimiento). Consultado el 15
consigue transmitir la atenta espera
de julio de 2013.
del cazador.
27. Art of Northern Europe (https://we
b.archive.org/web/200709290105
01/http://www.westernciv.com/cou
rses/2004/noeuart.shtml), Institute
for the Study of Western
Civilization.
28. Algunas indicaciones sobre la
o autoría de obras dudosas,
catalogándolas entre "muy
probablemente auténtica",
"posiblemente auténtica" y "de
autoría dudosa" están reunidas
en the Online Rembrandt
catalouge (https://web.archive.or En el dibujo de este elefante, con el
g/web/20120513080039/http://staf único recurso del carbón, reproduce
f.science.uva.nl/%7Efjseins/Remb magistralmente la textura de su piel.
randtCatalogue/).
29. Hace 200 años, Bartsch citaba
375. Algunos catálogos recientes
incluyen tres nuevas
estampaciones —dos de ellas,
ejemplares únicos— y señalan las
siguientes cifras: Schwartz (pág.
6), 289; Münz 1952, pág. 279;
Boon 1963, pág. 287. Print
Council of America (http://www.pri
ntcouncil.org/search.html)
Archivado (https://web.archiv
e.org/web/20000831232904/ht
tp://www.printcouncil.org/searc
h.html) el 31 de agosto de
2000 en la Wayback Machine.
- aunque la cifra indicada por
Schwarz no coincide con las
obras atribuidas en su libro.
30. No es posible indicar una suma
total, puesto que la valoración de
la obra de Rembrandt, y el
estudio comparativo con la obra
de sus numerosos alumnos e
imitadores aún no han sido
concluidos. De cualquier modo, el
análisis de una colección
berlinesa realizado a raíz de una
exposición en 2006 ha reducido
los 130 dibujos atribuidos a
Rembrandt a unos 60.Codart (htt
 p://www.codart.nl/exhibitions/detai
ls/911/)
Archivado (https://web.archiv
e.org/web/20160527001029/ht
tp://www.codart.nl/exhibitions/
details/911/) el 27 de mayo de
2016 en la Wayback Machine.
El British Museum anunció la
publicación de un nuevo
catálogo sobre Rembrandt
tras un estudio similar
realizado recientemente.
31. White and Buvelot 1999, p. 10.
32. Aunque tradicionalmente se ha
interpretado que estos
autorretratos componen una
especie de diario introspectivo y
personal, es posible que fuesen
pintados con fines comerciales,
para satisfacer la demanda de un
mercado de autorretratos de
ilustres pintores, tal como señala
Van de Wetering, pág. 290.
33. Bull, et al., págs. 11-13.
34. Clough, p. 23.
35. Van der Wetering, p. 268.
36. Van de Wetering, pp. 160, 190.
37. «Desvelado el principal secreto
de la pintura de Rembrandt» (http
s://www.lavanguardia.com/cultura/
20190115/454161643715/desvela
do-ingrediente-pintura-rembrandt.
html). La Vanguardia. 15 de enero
de 2019.
38. Ackley, p. 14.
39. Van de Wetering, p. 284.
40. "Tronie", en holandés, "cara", era
un tipo de retrato que en las
Provincias Unidas alcanzó cierta
tipificación. Generalmente, el
tronie representaba a un tipo
popular, en un plano medio, en
actitud cómica o simplemente
relajada. Como retrato anónimo,
el tronie correspondía a un deseo
de mostrar el virtuosismo con que
un pintor podía representar
expresiones poco
convencionales; su pequeño
formato y su carácter
desenfadado los hizo muy
cotizados entre los burgueses
holandeses. Vid.
HIRSCHFELDER, Dagmar;
Tronie und Porträt in der
niederländischen Malerei des 17,
Jahrhunderts, Berlin: Gebr. Mann
Verlag, 2008. ISBN 978-3-7861-
2567-9.
41. Van de Wetering, pág. 285.
42. Van de Wetering, p. 287.
43. Van de Wetering, p. 286.
44. Van de Wetering, p. 288.
45. Van de Wetering, pp. 163-5.
46. Van de Wetering, p. 289.
47. La índole de la misma, si patrulla
cotidiana o salida extraordinaria,
es un tema sujeto a discusión.
Peter Greenaway realizó en 2006
una obra audiovisual en la que
plantea como hipótesis la
ejecución de un asesinato.
48. Se ha estimado que alrededor de
un 20 % del margen izquierdo de
la imagen.
49. A fecha de octubre de 2007, la
galería principal del museo sigue
cerrada debido a reformas; se ha
señalado 2010 como la fecha
probable en que los Rembrandt
volverán a su posición original.
Actualmente, sus obras se
exponen en un edificio anexo al
museo, según refiere la página
web del Rijksmuseum (http://ww
w.rijksmuseum.nl/info?lang=en).
50. Van de Wetering, pp. 155-165.
51. Clark 1978, p. 28.
52. Van de Wetering, pp. 157-8, 190.
53. Gombrich, p. 423.
54. Clark, p. 206.
55. La obra fue sustraída en 1990 de
la colección Stewart Gardner.
56. Es un aguafuerte conocido
también como La estampa de los
cien florines por la enorme suma
que se pagó por él (100 florines
de aquella época).
57. Se cree que Hendrickje posó para
este cuadro.
58. Julius Civilis lideró una revuelta
contra Vespasiano. Casi todo el
perímetro del cuadro se ha
perdido, se conserva solo la parte
central.
59. Schwartz, 1994, pp. 8-12.
60. White 1969, pp. 5-6.
61. White 1969, p. 6.
62. White 1969, pp. 6, 9-10.
63. Ferrer, Isabel. «La mitad de los
grabados atribuidos a Rembrandt
no son suyos.» 20 de noviembre
de 2012. (http://cultura.elpais.co
m/cultura/2012/11/20/actualidad/1
353427894_267177.html) El País.
64. Esta técnica, desaconsejada por
"poco ortodoxa", consiste en
mantener una ligera capa de tinta
sobre la plancha al entintarla, en
 lugar de limpiar exhaustivamente
las áreas que no están grabadas.
65. White, 1969 pp. 6-7.
66. Vid. STRAUSS, que clasifica las
obras por tema, siguiendo a
Adam Bartsch.
67. Clark 1974, pp. 147-50. Véase el
catálogo adjunto en la bibliografía
para saber más sobre la
localización de todos los
Rembrandt canónicos.
68. Véase el pdf en la página del
Proyecto. (http://www.rembrandtre
searchproject.org/index.php?7)
Archivado (https://web.archiv
e.org/web/20151208213953/ht
tp://www.rembrandtresearchpr
oject.org/index.php?7) el 8 de
diciembre de 2015 en la
Wayback Machine.
69. Véase "Further Battles for the
'Lisowczyk' (Polish Rider) by
Rembrandt", de Zdzislaw
Zygulski, Jr., Artibus et Historiae,
Vol. 21, No. 41 (2000), págs. 197-
205. También el New York Times
propone otra teoría (http://query.n
ytimes.com/gst/fullpage.html?res=
9D06EEDE103EF937A15753C1A
961958260). Existe un libro sobre
el tema: Respuestas a nature-file.com/remp_texte/remp0
Rembrandt; ¿Quién pintó "El
jinete polaco?, BAILEY, Anthony;
Nueva York, 1993.
70. The Metropolitan Museum of Art:
European Paintings. (https://web.
archive.org/web/2005112905581
5/http://www.metmuseum.org/Wor
ks_Of_Art/viewOne.asp?dep=11&
viewmode=1&item=14.40.610)
71. Véase la noticia del "hallazgo". (ht
tp://news.bbc.co.uk/1/hi/entertain
ment/arts/4276034.stm)
72. «... Rembrandt no fue siempre el
perfectamente sólido y lógico
holandés que al principio podría
haberse pensado que sería.»
Ackley, p. 13.
73. Op. cit; Van de Wetering.
74. Véase el estudio de VAN DEN
WETERING, E.; Rembrandt
laughing, c. 1628 - a painting
resurfaces, en Kroniek van het
Rembrandthuis. Trabajo (http://w
ww.rembrandtresearchproject.org/
index.php?12)
Archivado (https://web.archiv
e.org/web/20130405233422/ht
tp://www.rembrandtresearchpr
oject.org/index.php?12) el 5
de abril de 2013 en la
Wayback Machine. elaborado
en el marco del Rembrandt
Research Project (en inglés),
junio de 2008.
75. Cronología de sus firmas (archivo
en pdf) (http://www.rembrandt-sig
50.pdf) con ejemplos diversos
76. Slive, p. 60.
77. El New England Journal of
Medicine, 16 de septiembre de
2004.

Referencias
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Adams, Laurie Schneider (1999). Art Across Time. Volume II. McGraw-Hill College, New York, NY.
Bull, Duncan, et al., Rembrandt-Caravaggio, Rijksmuseum, 2006.
Clark, Kenneth, Civilisation, Harper & Row, 1969.
Clark, Kenneth, An Introduction to Rembrandt, 1978, London, John Murray/Readers Union, 1978
Clough, Shepard B. (1975). European History in a World Perspective. D.C. Heath and Company, Los Lexington, MA.
ISBN 0-669-85555-3.
Gombrich, E. H., The Story of Art, Phaidon, 1995. ISBN 0-7148-3355-X
Hughes, Robert (2006), "The God of Realism", The New York Review of Books, vol. 53, no. 6
The Complete Etchings of Rembrandt Reproduced in Original Size, Gary Schwartz (editor). New York: Dover, 1988.
ISBN 0-486-28181-7
Slive, Seymour, Dutch Painting, 1600-1800, Yale UP, 1995,ISBN 0-300-07451-4
van de Wetering, Ernst, Rembrandt: The Painter at Work, Amsterdam University Press, 2000. ISBN 0-520-22668-2
Rembrandt by himself (Christopher White - Editor, Quentin Buvelot - Editor) National Gallery Co Ltd [1999]
Christopher White, The Late Etchings of Rembrandt, 1969, British Museum/Lund Humphries, London
Bibliografía
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(1629-1631), 1982
A Corpus of Rembrandt Paintings - Volume II: 1631-1634. Bruyn, J., Haak, B. (et al.), Band 2, 1986, ISBN 978-90-
247-3339-2
A Corpus of Rembrandt Paintings - Volume III, 1635-1642. Bruyn, J., Haak, B., Levie, S.H., van Thiel, P.J.J., van
de Wetering, E. (Ed. Hrsg.), Band 3, 1990, ISBN 978-90-247-3781-9
A Corpus of Rembrandt Paintings - Volume IV. Ernst van de Wetering, Karin Groen et al. Springer, Dordrecht, the
Netherlands (NL). ISBN 1-4020-3280-3. p. 692. (Self-Portraits)
Rembrandt. Images and metaphors, Christian Tumpel (editor), Haus Books London 2006 ISBN 978-1-904950-92-9
Graaff, Arthur E. A. J. y Michiel V. Roscam Abbing (2006). Rembrandt for Dummies. Addison Wesley. ISBN 90-430-1280
|isbn= incorrecto (ayuda).
Van De Wetering, Ernst (2004) (2nd paperback printing). The Painter At Work. University of California Press,Berkley
and Los Angeles. University of California Press, London, England. By arrangement with Amsterdam University Press.
ISBN O-520-22668-2.

Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Rembrandt.
The Rembrandt Database (http://www.rembrandtdatabase.org/)
Rembrandt van Rijn: vida y obra (http://www.rembrandtpainting.net/) Completísima información sobre el pintor
holandés, con más de 500 imágenes de alta resolución de sus cuadros, aguafuertes, dibujos y autorretratos
La Casa Rembrandt en Ámsterdam (http://www.rembrandthuis.nl/)
Rijksmuseum en Ámsterdam (https://web.archive.org/web/20041108084856/http://www.rijksmuseum.nl/asp/start.asp?
language=uk)
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Obras digitalizadas de Rembrandt (http://bdh.bne.es/bnesearch/Search.do?field=autor&text=Rembrandt+Harmenszo
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En español
Resumen biográfico (https://web.archive.org/web/20060701040015/http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/
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Biografía en español (https://web.archive.org/web/20050328074231/http://www.iespana.es/legislaciones/Rembrandt.h
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El genio que vio la luz y murió sin saber que era moderno (http://www.clarin.com/diario/2006/01/29/sociedad/s-05615.
htm), artículo en Diario Clarín, Buenos Aires
Museo con obras de Rembrandt (http://www.amsterdamguia.com/museum-het-rembrandthuis/8/)
Rembrandt, grabador de la Biblia (http://www.biblias.com.es/2014/04/rembrandt-grabador-de-la-biblia.html)

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