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Las figuras orgánicas son las de bordes curvos o continuos. Por su parte, las figuras
geométricas tienen bordes filosos y angulosos.
7- Forma
Se expresa en un área de tres dimensiones o con volumen. Las variaciones de luz y
sombra enfatizan la forma.
8- Espacio
Es la ilusión de profundidad y perspectiva. Las formas de crear espacio son mediante la
superposición de figuras o formas una delante de la otra.
También se logra el espacio mediante huecos y cavidades.
• Reconocer el rol expresivo de elementos del lenguaje visual (línea, forma, textura, color,
luz, espacio, materialidad) en manifestaciones artísticas (dibujo, pintura, grabado,
fotografía, video, escultura, arquitectura) y otras manifestaciones visuales (publicidad,
objetos, vestuario, entre otros).
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El espacio puede comprenderse de distintos modos
En arquitectura, es el interior de un edificio, definido por los muros y la cubierta.
En pintura, el espacio es la sugerencia de profundidad. Sucede cuando percibimos unas
figuras distanciadas de otras, o cuando vemos un paisaje extendiéndose en el horizonte.
En escultura, el espacio físico está relacionado con los volúmenes de la obra.
Por Espacio se entiende, entonces, lo siguiente:
Distancia entre objetos.
Lugar que los alberga.
Dirección en todos los sentidos (derecha, izquierda, arriba, abajo,
etc).
Sugerencia de profundidad o volumen plástico en una superficie
de dos dimensiones, como la pintura.
Fenómeno visual y psicológico por medio del cual creemos ver que
la figura se separa del fondo.
Experiencia perceptual a través de las posiciones, direcciones,
distancias, tamaños, movimientos y formas de los cuerpos en
relación; estos factores se definen siempre con respecto a ejes o
puntos de referencia.
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El dibujo es un modo de expresión que utilizan
casi todos los artistas, para imaginar y ensayar
cómo serán sus pinturas o esculturas... pero
también algunos artistas trabajan con el dibujo
como una obra de arte en sí misma.
Hay muchas maneras de hacer grabados, pero básicamente hay tres métodos que son:
el grabado en madera o xilografía, el grabado en hueco es sobre metal y el grabado
en plano o litografía es sobre piedra, que dependen de la matriz que se utiliza.
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Para hacer un grabado, el artista primero realiza una imagen, sobre madera, piedra o
metal. En el caso de la madera (xilografía) esta se en tinta y se imprime directamente
sobre el papel. El metal debe grabarse con ácidos para posteriormente imprimir
(grabado) y la piedra dibujada con lápiz especial se imprime con un proceso de reserva
de agua (litografía).
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• Reconocer diferentes procedimientos de las Artes Visuales tales como: tratamiento del
color (saturación, contraste, armonía cromática, tonos y matices), textura, superposición,
materialidad, entre otros.
Saturación
Grado de brillo e intensidad de un color. En pintura, cada tono tiene un diferente grado de
saturación y todos los tonos pueden reducirse en cuanto a la brillantez, hasta llegar a los
niveles más bajos, neutralizándose y apareciendo como grises.
Contraste:
Combinación de cualidades opuestas en una relación. Oposición y variedad. Diferencia
esencial, en el campo de la percepción, de luminosidad, que hace posible la visión. Esto
sería imposible en un campo homogéneo.
Armonía:
Principio estético relacionado con la unidad de la obra en las artes visuales, en especial
con respecto a sus valores formales.
Referido al color, es el acuerdo o relación simultánea entre colores del mismo tono
o de la misma gama cromática.
Armónicas son las combinaciones en las que se utilizan modulaciones de un mismo tono,
o también de diferentes tonos, pero que en su mezcla mantienen los unos parte de los
mismos pigmentos de los restantes.
El tono de un color es el nombre o característica de cada color, es la diferente graduación
de un color, más claro o más oscuro pero sin variar el color origen. por ejemplo un ojo con
cierta cantidad de blanco es un tono rojo claro, y esto es lo que genera una gama o
conjunto de tonalidades que se derivan de un mismo color. Tenemos una graduación
clara si al tono le sumamos el blanco mientras que al añadirle el negro o un
complementario obtenemos una graduación oscura.
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El matiz es el color obtenido con la mezcla de otros colores, lo que puede llevar a generar
otro color. Por ejemplo un rojo tenemos que es el tono de un objeto que puede tener un
matiz violeta si está mezclado con el azul.
En pintura, la textura hace referencia a la agregación de materiales que se percibe como
variaciones o irregularidades en una superficie continua.
La función de tales texturas es proporcionar realismo a la obra, hacerla creíble y lograr
sensaciones en los espacios que observamos; como si el artista tratara de desafiar el
sentido común.
La textura de la pintura es aquella que da forma y volumen a distintos tipos de creaciones
artísticas plasmados en un lienzo o papel. Puede haber varias escalas para clasificar la
textura como el relieve, las líneas y la forma en que se expresa la pintura, entre otras.
SUPERPOSICIÓN: Lo que está adelante oculta lo que está atrás
Las figuras superpuestas son las que tapan u ocultan a otras que, por este motivo, se
perciben incompletas. Son figuras situadas a diferentes niveles de profundidad, unas
delante y otras detrás.
Materiales Artísticos
Materiales de Pintura
Una pintura no es tan solo una superficie coloreada, sino un objeto tridimensional
sumamente complejo compuesto de una serie de capas.
En los términos más simples, la estructura de una pintura consiste en un soporte, como
madera o lienzo; una base que actúa como intermediario entre el soporte y la capa de
pintura; y la capa de pintura que se compone de partículas de pigmento suspendidas en
algún tipo de medio aglutinante tal como cera, aceite o huevo.
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Soporte: Madera, tela, papel, metal, vidrio, muro, etc.
Base: La base tiene un doble papel en la elaboración de una pintura: físicamente actúa
como intermediario entre el soporte y la capa de pintura, refinando la superficie de la
madera o lienzo y proporcionando una capa estable y consistente para la pintura;
estéticamente, su naturaleza determina la textura y a menudo los efectos crómaticos de
la obra terminada. Los ingredientes de la base varían según el tipo de soporte y las
necesidades individuales. Los elementos escenciales son: una sustancia inerte y un
aglutinante: cola, aceite y emulsión (que es una mezcla de los dos primeros).
Pintura: Todas las pinturas tienen tres componentes: las partículas de pigmento; el medio
que lleva esas partículas; y un diluyente, un líquido volátil, como agua o trementina,
permite al artista controlar la consistencia de la pintura para obtener el efecto que se
desea.
entiende por paleta al conjunto de colores que utiliza un artista en sus obras) de un artista
está limitada, en parte por elección, en parte por la posibilidad de adquisición. Los
pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras, sales
u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y los orgánicos
derivados de vegetales o animales como los conseguidos por cocción de semillas o
calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también de compuesto
orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El número de
pigmentos ha ido creciendo hasta la actualidad en que existe una gran variedad y todos
de excelente calidad.
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La luz, al atravesar un prisma de cristal, se
descompone en los siete colores del espectro.
Los colores complementarios son los que, al mezclarse, dan blanco. Esto ocurre entre el
rojo y el verde, el naranjo y el azul, y el violeta con el amarillo.
Los colores producen efectos psicofisiológicos sobre los humanos; por ejemplo, el verde
tranquiliza y el rojo estimula.
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Existen diferentes teorías del color que se han dado a la tarea de identificar los colores
primarios, la teoría moderna distingue entre colores, luz y pigmento:
Colores primarios luz (modelo RGB): Rojo, verde y azul.
Colores primarios pigmento (modelo CMY): Cian, magenta y amarillo.
Colores primarios tradicionales (modelo RYB): Rojo, amarillo y azul.
Colores primarios psicológicos: rojo, amarillo, verde y azul.
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SEGÚN EL MODELO DE COLOR SUSTRACTIVO
Los colores secundarios de acuerdo con el modelo sustractivo se originan de la mezcla
entre el cian, el magenta y el amarillo.
Magenta + amarillo = rojo.
Amarillo + cian = verde.
Cian + magenta = azul.
Cian + magenta + amarillo = negro.
SEGÚN EL MODELO DE COLOR ADITIVO
De acuerdo al modelo de color aditivo, los colores secundarios se originan de la mezcla
entre el rojo, el verde y el azul.
Rojo + verde = amarillo.
Rojo + azul = magenta.
Verde + azul = cian.
SEGÚN EL MODELO DE COLOR RYB
Para el modelo de color RYB, los colores secundarios se originan de la mezcla entre el
azul, el amarillo y el rojo.
Rojo + amarillo = naranja.
Amarillo + azul = verde.
Azul + rojo = morado.
Los colores cálidos y fríos son aquellos que transmiten sensación de calor o frío. Los
colores calientes asociados al fuego son amarillo, naranja y rojo y los colores fríos
relacionados al agua y frío son azul, verde y violeta.
Los colores opuestos o complementarios son aquellos colores que se encuentran en
una posición oponible dentro del círculo cromático. Como hay varios tipos de círculo
cromático, la denominación complementario depende en gran medida del modelo
empleado RGB, CMYK o tradicional. Se obtiene, por ejemplo, mediante la contraposición
de un primario con un color secundario formado por los otros dos primarios.
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En el modelo de colores de la rueda HSV los colores opuestos son colores
complementarios, que al mezclarse proporcionan colores neutros como el gris.
En la teoría del color se dice que dos colores son denominados complementarios, si al
ser mezclados en una proporción dada, el resultado de la mezcla es un color neutral (gris,
blanco o negro). Desde una perspectiva perceptual de los modelos de colores, los colores
neutros: blanco, gris y negro caen en un eje central del espacio de colores, y los colores
complementarios estarían a un lado u otro de este eje, opuestos los unos con los otros.
Por ejemplo, en el espacio de colores HSV, los colores complementarios (tal y como se
definen en HSV) caen opuestos los unos con los otros en las secciones verticales.
En la mayoría de los colores complementarios, solo se consideran los colores saturados,
los más brillantes. Sin embargo, bajo las definiciones formales, el brillo y la saturación son
factores a tener en cuenta, de igual manera. En el espacio CIE 1931, un color de una
longitud de onda «dominante» puede ser mezclada con otra cantidad particular de
longitud de onda “complementaria” para producir un color neutral (gris o blanco). En
la teoría del color moderna, de la cual se desprenden los modelos (aproximadamente
complementarios) RGB y CMY(K) (así como modelos derivados tales como el HSV),
los colores primarios, así como los colores secundarios, se emparejan de la siguiente
forma:
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El tono, matiz o tonalidad (en inglés Hue) es una de las propiedades o cualidades
fundamentales en la propiedad de un color, definido técnicamente (en el modelo
CIECAM02), como «el grado en el cual un estímulo puede ser descrito como similar o
diferente de los estímulos como rojo, amarillo y azul».1 Se refiere a la propiedad en los
aspectos cualitativamente diferentes de la experiencia de color que tienen relación con
diferencias de longitudes de onda o con mezclas de diferentes longitudes de onda.
En la pintura, un tono se refiere a un color puro; es decir, uno sin
pigmento blanco o negro añadidos. Un tono es un elemento de la rueda de color y son los
primeros en ser procesados en el cerebro.
En una historieta realizada a tinta y, por lo tanto, en blanco y negro, la yuxtaposición
regular de líneas más o menos cercanas permite crear la ilusión de tono. 4Enrique
Lipszyc distingue tonos "chatos" y "graduados" relacionándolos con tres conceptos
técnicos:
Color
Textura
Volumen por la luz y la sombra.
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En este cuadro de Picasso podemos ver claramente una composición armónica donde el
color principal es el azul en sus diferentes tonalidades.
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Paisaje montañoso detrás del Hospital Saint Paul Van Gogh (1889)
Armonía con colores complementarios:
Es la composición más difícil de realizar porque se trata de colores muy fuertes, con
mucho contraste. Como ya comentamos al hablar de estos colores lo ideal es que uno de
ellos sea el dominante.
Una obra que representa a la perfección esta combinación de colores es La Danza de
Matisse que ya vimos al hablar de los colores complementarios.
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Consiste en combinar tres colores equidistantes en el círculo cromático, por ejemplo el
magenta el cyan y el amarillo. Esta composición no contrasta tanto como la anterior a
base de complementarios.
Tétrada
En este cuadro de Kandinsky podemos ver un claro ejemplo. Aquí emplea los
complementarios magenta-verde y azul-naranja.
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Murnau Street with Woman (1908)
Contraste de colores puros:
Se combinan colores con una saturación elevada. A mayor saturación mayor contraste.
De esta combinación surgen composiciones con mucha fuerza expresiva.
Podemos apreciarlo en esta obra expresionista de Franz Marc.
Contraste de claro-oscuro:
Aquí tenemos como puntos extremos el blanco y el negro. Se trata de combinar uno o
varios colores más próximos al blanco y uno o varios más próximos al negro.
Un claro ejemplo son las obras del barroco como por ejemplo ésta de Caravaggio.
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David con la cabeza de Goliat (1610)
Contraste de proporciones:
Hace referencia a la proporción o cantidad de cada color en la composición. El contraste
entre lo grande y lo pequeño.
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Paisaje con la caída de Ícaro (1558) de Pieter Brueguel
Contraste de calidad:
Alude al nivel de saturación de los colores. Empleamos colores con diferente saturación.
A un color muy saturado le agregamos blanco o negro y pierde saturación, creando
contraste visual.
Contraste simultáneo:
Percepción que tenemos de un color en función del color que le rodea. Como vemos en
esta imagen el cuadrado gris del centro es el mismo en ambos casos, sin embargo se
aprecia en un lado más claro y en el otro más oscuro.
Contraste simultáneo
En este cuadro del artista Robert Delaunay vemos la utilización de este tipo de contraste
de color.
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• Asociar el uso del color con movimientos y estilos artísticos en manifestaciones
artísticas chilenas u occidentales.
Pero nunca alcanzó tanta relevancia como a fines del S. XIX, cuando el color se volvió
un asunto fundamental para los artistas, quienes ya no lo veían como un componente
más de la obras, sino como su principal eje de creación y fuente de inspiración.
A continuación veremos algunos de los movimientos pictóricos que han hecho del
color su motivo principal.
IMPRESIONISMO
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POST-IMPRESIONISMO
FAUVISMO
Ocupando entonces los colores primarios (azul, rojo y amarillo), los fauvistas
pretenden expresar una verdad humana y no artística, mediante la mano del pintor
que trabaja según el instinto, sin método.
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EXPRESIONISMO
El estilo expresionista, que abarca las diferentes áreas artísticas como la pintura, la
poesía, el cine o el teatro, se concreta en la rebelión contra la injusticia social, en el
desdén hacia los bienes convencionales de la cultura, en el entusiasmo por la
naturalidad, en la lucha contra la guerra y el poder y finalmente, en la vaga esperanza
de la creación de un mundo nuevo: "Quiero presentar unos seres que respiren,
sientan, amen y sufran. El observador debe darse cuenta de lo sagrado que hay en
ellos, de manera que se quite el sombrero al mirarlos, como si estuviera en la iglesia",
dijo un famoso pintor expresionista.
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GENERACIÓN DEL ´13
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1.2. Medios de expresión
¿TÉCNICAS BIDIMENSIONALES?
El dibujo permite representar cualquier motivo sobre una superficie. Generalmente esta
asociado a técnicas como el carboncillo, las cretas, el lápiz, los rotuladores, la pluma,
etc...y el elemento básico es el trazo o la línea.
Existe una técnica que es de ambigua ubicación; el pastel. Dada la naturaleza similar a
la pintura pero también por su semejanza con el lápiz o las cretas, hay quienes la
consideran técnica de dibujo o pintura, nosotros hablaremos de ella en las técnicas
pictóricas. Generalmente se utiliza como soporte el papel y dependiendo de una o otra
técnica deberemos elegirlo mas absorbente y liso o mas granulado.
El proceso.
Elegimos el modelo y procedemos a encajarlo, o lo que es lo mismo, ubicarlo en el formato
del papel. Se trazan las líneas básicas y procesualmente se van definiendo los detalles
mediante un proceso de observación, y reflexión del objeto representado. Deberemos
atender a la luz, el color, las proporciones, etc... Para ayudarnos podemos construir una
retícula como los antiguos renacentistas. Antes de empezar con el dibujo se pueden
realizar bocetos, que son ensayos o estudios de lo que vamos a dibujar. Nos ayudara a
conocer mejor la naturaleza del objeto.
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secado, ni de agua, ni medios para diluir. De ahí que distingamos por ejemplo entre la
acuarela y el pastel.
Carboncillo
Es muy apto para bocetos y estudios previos por su rapidez de ejecución. Sin embargo
es una técnica muy sucia que requiere de un papel granulado y un fijador.
Es muy utilizado también para simular volúmenes.
Lápiz de color
Existen gran variedad de lápices, negro de diferentes durezas y de colores, y son fáciles
de manejar, además podemos realizar detalles con mejor definición que con el carbón
que es más para crear encajes y volumen.
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Pluma o rotulador. La tinta china.
La pluma emplea básicamente la línea, sin embargo los avances técnicos han dado pasa
rotuladores que simulan a la pluma creando gran variedad de anchos, para realizar
planos, que son más difíciles de crear con la pluma.
Existen muchas maneras de crear degradados a través de trazos gráficos y a menudo se
combina con la tinta. Son muy destacados los delicados y estéticos trazos de la caligrafía
japonesa y árabe.
Ceras
Pastel
Es un material utilizado sobre todo por los impresionistas. De difícil fijación como el
carboncillo y de aplicaciones diversas. El precursor de la técnica es Degas y también
Toulousse Lautrec posee magníficos ejemplos.
Como hemos visto las técnicas húmedas eran las que utilizaban las pinturas diluidas o
disueltas en algún medio, generalmente aceite en el caso del óleo o agua en el caso de
acuarela o gouache. La pintura ha sido eminentemente realista y usaba sobre todo el óleo
inventado por un holandés en el s.XVI, desde el impresionismo la propia pintura ha creado
multitud de expresiones y técnicas. Enumeraremos por orden de aparición algunos de
estos movimientos y formas de representación. Impresionismo, realismo, cubismo,
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expresionismo, suprematismo, neoplasticismo, informalismo, pop art, minimalismo, artes
procesuales como el body painting... No te preocupes veremos algunos ejemplos a lo
largo de la unidad, aunque algunos ya te serán familiares.
La acuarela
La acuarela es una pintura que se disuelve en agua. Los colores son transparentes y es
una técnica difícil de controlar. El papel debe ser muy absorbente para poder retener el
agua y se emplean tanto pinceles de pelo fino como esponjas.
Es común también realizar un primer esbozo del dibujo a lápiz duro. Fíjate en los
ejemplos.
El óleo
Posee los útiles básicos como el pincel sin embargo añade otros para la aplicación de
óleo en pasta como es la espátula. Dada su naturaleza texturada se pueden conseguir
relieves en el cuadro como Vann Gogh, con sus pinceladas en forma de trazo.
Se disuelve en trementina generalmente y es de secado lento aunque se puede acelerar.
El acrílico
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El assemblaje es una especie de collage tridimensional. Mientras que el collage de
Picasso estaba compuesto de objetos reales pero se quedaba dentro del plano 2D, el
assemblaje recorre a objetos mucho más volumétricos creando verdaderos cuadros
escultura. Busca a Rauschemberg o Wesselman. La imagen pertenece a Frank Stella.
El monotipo sin embargo se basa en pintar sobre una superficie y después estamparla,
no se realizan incisiones sobre la matriz sino que es pintada, de ahí que sea un intermedio
entre la pintura y el grabado.
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• Identificar las características constitutivas y los principales procedimientos técnicos de
diferentes medios de expresión tridimensional, tales como: escultura, instalación,
arquitectura y otros.
FORMAS TRIDIMENSIONALES.
Estamos situados ante el espacio y entre las formas de tres dimensiones. Este es un
hecho tan natural que pocas veces se nos obliga a reflexionar sobre como percibimos el
volumen y las distancias, el vacío... Los volúmenes geométricos, pueden ser reproducidos
por dibujos precisos en los se detalles las medidas reales como hemos visto en unidades
anteriores. Aquí teneis un ejemplo de tridimensionalidad,la arquitectura, una maqueta en
lego de Villa Saboya de Le Corbusier.
Casi todos los objetos que utilizamos en nuestro día a día son tridimensionales, macizos,
huecos, blandos, duros, suaves, etc... Para diseñarlos como es el caso del diseño
industrial, la ingeniería, el urbanismo, la arquitectura o la escultura se prefigura y dibuja
atendiendo a sus necesidades principales, que unos casos serán de funcionalidad y en
otros de estética.
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Sin embrago la representación volumétrica real conlleva características especificas del
espacio 3D, por eso las llamamos formas tridimensionales.
Las formas tridimensionales, se refieren al volumen que ocupan, a las relaciones con los
elementos circundantes y al espacio vacío en el que circulan. Además, cuando nos
movemos aunque la naturaleza del objeto tridimensional no cambia si lo hace nuestra
percepción de el. Fijaros en las imagenes y refexionar sobre la bidimensionalidad y la
tridimensionalidad, y el volumen.
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El volumen.
El volumen se diferencia de las formas planas en que posee una tercera dimensión: la
profundidad.
Podemos recurrir a medir las tres dimensiones de un objeto tridimensional para ver como
se estructuran los objetos. Vamos a ver y discutir algunas imágenes.
LA ESCULTURA Y LA ARQUITECTURA.
Las obras tridimensionales como objetos dotados de volumen ocupan un espacio, sin
embargo a pesar de estos conceptos básicos comunes existen muchas maneras de
conseguirlo.
La escultura
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Participa de la pintura en muchos de sus aspectos como la composición, la frontalidad,
etc. Podemos entender el relieve como una hoja plegada en forma de acordeón.
Los materiales
Los escultores utilizan gran variedad de materiales. Los más utilizados a lo largo de la
historia del arte son la madera, el bronce, el hierro y la piedra. Sin embargo en la
actualidad dada la naturaleza del arte contemporáneo el escultor utiliza todo lo que
considera necesario y lo hace de la manera que mejor se adapta al mensaje que quiere
trasmitir con su obra. Utilizan materiales reciclados, objetos cotidianos, e incluso el propio
cuerpo.
Las técnicas
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1.3 El diseño en la vida cotidiana
Diseño: se entiende como tal al arte de ordenar y componer elementos de la misma clase
para formar un todo, con un sentido estético o una
finalidad de uso determinada.
El diseño tiene su origen en el cambio social que los
países industrializados sufrieron a finales del siglo XIX y
principios del XX, un fenómeno más ligado a la
economía que a la expresión creativa y al arte. Lo cierto
es que surgió y se desarrolló en momentos de gran
avance económico e industrial.
Es un fenómeno claramente relacionado con la
expansión del consumo y la producción y, por tanto, un
factor que contribuyó, en mayor o menor medida, a ese
cambio social.
Todos los días y en todas partes, estamos rodeados de
objetos sobre los cuales muy pocas veces nos
preguntamos cómo y por quiénes fueron creados: la
ropa que te pones, los cuadernos que llevas al colegio,
tu silla en la sala de clases, tu cama, el envase de
yoghurt, el CD de música... y el computador personal Diseño de muebles
que usas, todo ha sido diseñado.
En rigor, el diseño nos rodea, está en todo nuestro entorno y muchas veces casi no nos
damos cuenta de ello.
Entre otros varios tipos de diseño, podemos encontrar:
Diseño del entorno o diseño ambiental
Se ocupa de resolver problemas de urbanismo y paisajes, así como también económicos
y de ambientación y decoración en general.
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Diseño arquitectónico Diseño arquitectónico:
Se ocupa de todo lo relacionado con la
proyección y la construcción de edificios y obras de ingeniería, ambientación y decoración
de edificios, parques y jardines, y elementos urbanos.
Diseño industrial:
Abarca desde los tornillos y piezas de máquinas, los elementos prefabricados para la
construcción y el mobiliario de toda clase hasta las máquinas de todo tipo, desde una
bicicleta hasta un avión, pasando por los electrodomésticos.
Diseño gráfico:
Se refiere a todo tipo de composiciones, planos, dibujos, carteles, portadas de libros,
periódicos y revistas, fotografías, proyectos de propagandas, etc.
Se puede hablar de diseño de zapatos, de moda, de juguetes, y de todo tipo de actividad
que suponga crear objetos para que la gente los use, se los ponga o simplemente los
mire.
Hay otro aspecto que es el diseño de procesos y programas.
Diseño, en resumen, es la planificación y realización de objetos y ambientes para uso y
estancias de las personas así como de procesos y programas de actividades humanas.
Podemos reconocer fácilmente la huella de un diseñador en el corte de un vestido, en la
fachada de un edificio, o en la forma de un
automóvil de último modelo.
Menos visibles, pero no menos importantes
son aquellos diseños que encontramos a
diario, en objetos cotidianos. Desde el humilde
sujeta-papeles hasta la etiqueta del
supermercado.
El diseño está a nuestro alrededor en el
aspecto de nuestros hogares, y en la facilidad
con la que nos desplazamos de un lugar a
otro.
Terence Conran afirma en su libro "Sobre Diseño gráfico
Diseño" que “cada cosa hecha por un hombre o una mujer ha sido diseñada, una verdad
fundamental que es muy difícil de entender porque resulta demasiado obvia.”
Para el rector de la Escuela de Diseño de Altos de Chavón, Stephen Kaplan, el diseño es
el “motor de la industria y el comercio: ‘arte aplicado’.”
Se puede decir que Diseño es un conjunto de técnicas destinadas a expresar de forma
palpable o visible una idea o un concepto; o, dicho de otro modo, materializar una idea.
Esto cuando nos referimos a Diseño Visual, en cualquiera de sus formas.
Obviamente, existe una infinidad de disciplinas dentro del Diseño, desde el Diseño de
Modas hasta el cosas muy científicas como el Diseño Arquitectónico.
El Diseño, entonces, puede ser arte (como en el caso del diseño de modas) o una casi
ciencia exacta (en el caso de diseño Arquitectónico) muy específico para cada disciplina,
en las modas no hay parámetros científico y por el contrario, en la arquitectura hay muy
poco arte pues tienes que calcular factores como el "viento dominante", la "mecánica del
suelo" y otras cosas que desanimarían al más entusiasta.
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El diseño como arte
Imaginemos una Diseñadora de modas, con
lápices de colores por todos lados, retazos de
las telas más modernas y atractivas,
completamente inspirada, mirando con
atención cada trazo a través de sus lentes de
lectura, imaginando como luciría su modelo
estrella, le pone aquí le quita allá, cambia de
ángulo su lámpara. Esta es una de las
manifestaciones más puras de arte, donde
sólo importan los colores, las formas, la luz,
etc. pero el arte no es antagónico de la ciencia.
Diseño en la moda Imaginemos ahora una diseñadora, con el
teclado de su computador en las piernas y su
mano sobre el mouse, clics por aquí, clics por allá, mira un momento el monitor, se queda
quieta, toma violentamente el mouse, selecciona de aquí a allá, borra y vuelve a dibujar
la última parte y lo manda a imprimir en su laser jet, ¿qué tenemos? es la fachada de una
casa, o el diseño de un jardín.
Obviamente, si es una casa, ella tendrá que planear las tuberías, sistema eléctrico,
declives en los planos y otras cosas, pero la distribución de las habitaciones, la fachada,
la posición de las escaleras principales, salieron precisamente de un arranque de
inspiración. Incluso para diseñar un par de jeans se tiene que calcular cosas como la
resistencia de la tela, la forma de coser para que no se descosa a la primera vez que te
sientes.
Hay áreas diversas donde los cálculos
matemáticos son lo único, pero las mismas
matemáticas son un arte, podríamos pensar
en las propiedades de algunos números como
el 3, el 6, y el 9; su interrelación es todo un
tema para cientos de páginas.
Se puede concluir que el diseño no es
ciencia ni arte, es pura química, tanto del
creativo como del prospecto, porque también
él ve las cosas de formas diferentes
dependiendo de su estado de salud orgánica
y sicológica.
Lo que deben aprender los creativos es a Diseño de un jardín
comprender a la sociedad que les mira. Entre
más claro tengan la idea de como funciona su organismo y su sicología llegaran a
comunicarse mejor con la persona que tiene ese organismo y esa sicología, eso es
Comunicación y el Diseño es una disciplina de la Comunicación.
Si bien la profesionalización e institucionalización del diseño gráfico como disciplina se
produjo en Chile a fines de la década de 1960, existieron numerosos antecedentes de
producción de imágenes en serie y piezas gráficas orientadas a la publicidad de
productos, eventos u organizaciones.
Durante la primera mitad del siglo XX, en un contexto de auge de la industria
editorial chilena y de consolidación de la instrucción de las artes aplicadas, la práctica del
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diseño, como actividad independiente de las Bellas Artes, tuvo sus principales ámbitos de
expresión en la producción editorial y la tipografía, el cartelismo, la ilustración, la imagen
corporativa y la gráfica publicitaria.
En este contexto, surgieron grafistas autodidactas y otros formados en la Escuela de
Artes Aplicadas de la Universidad de Chile. Entre los primeros, destacaron los casos de
Carlos Sagredo, Georges Sauré, Marcial Lema, Fernando Ibarra, Luis Oviedo, Eladio
Cornejo, Julio Bórquez, Luis Troncoso, Osvaldo Salas, Germán Sepúlveda, Edmundo
Cifuentes y Santiago Nattino, quienes divulgaron su trabajo en los muros de la ciudad y
en vitrinas de casas comerciales, pero también a través de revistas como Zig-Zag (1905-
1964), Para Todos (1927-1931), Ecran (1930-1969) y En viaje (1933-1973).
La inmigración de artistas, profesionales y grafistas españoles y del resto de Europa en
la década de 1940, a causa de la situación política del viejo continente, aportó una mirada
distinta no solo a la industria editorial sino también al desarrollo del cartelismo y la
identidad visual de marcas y productos, en tanto medios eficaces de comunicación
comercial y de propaganda política y social. Entre estos inmigrantes destacaron Mauricio
Amster (1907-1980), Mariano Rawicz, Francisco Otta (1908-1999), Kitty Goldmann y
Giulio di Girolamo.
Tras el fuerte desarrollo tecnológico producido luego de la Segunda Guerra Mundial, la
práctica del diseño se fue convirtiendo, por un lado, en un factor más de la producción de
objetos comercializables y, por otro, en una herramienta de comunicación en el contexto
de una creciente cultura de masas.
En este escenario, el diseño orientado a la comunicación masiva se proyectó como un
necesario agente intermediario del sistema de producción y distribución de objetos
comerciales, ya que tanto la industria cultural como los fabricantes de bienes y los
proveedores de servicios necesitaban informar y recordar a los consumidores sobre la
disponibilidad de las mercancías y novedades que producían. En otros términos, el diseño
gráfico se fue consolidando como una herramienta comunicativa que mediaba la relación
entre productores y consumidores, a partir de un uso especializado de técnicas como la
fotografía, la tipografía y la ilustración en la composición de piezas tales como logotipos,
isotipos, catálogos, folletos, diagramas infográficos, revistas, libros y stands, entre otros
soportes.
Hacia la década de 1960, estas prácticas, medios y técnicas se fueron alejando de su
dependencia de las artes gráficas y la esfera propiamente artística para conformarse
como una actividad profesional autónoma que, en Chile, comenzó a forjarse con la
fundación de las primeras escuelas de Diseño hacia 1967 (Álvarez, Pedro. HDGCH.
Historia del diseño gráfico en Chile. Santiago: Pontificia Universidad Católica de Chile,
2004, p. 132).
Desde entonces, el diseño gráfico se ha venido desarrollando en nuestro país como una
actividad creativa y también integrada del orden social al ocupar un lugar importante en
la concepción y comunicación de productos, sistemas y servicios fabricados en serie.
Taller 99
Espacio dedicado al desarrollo del grabado en Chile, fundado por Nemesio Antúnez en
1956, a imagen y semejanza del "Atelier 17" que tenía W.S. Hayter en Nueva York.
45
El rol de la producción del taller consistió en abandonar por la vía de lo abstracto, el
primitivismo y la ilustración de lo popular, como oposición a las obras realizadas en la
Facultad de Artes de la Universidad de Chile.
De este taller surgieron figuras como Delia del Carril (ex mujer de Neruda), Roser Bru,
Santos Chávez, Mario Toral, Juan Downey, Adriana Asenjo y Eduardo Garreaud, entre
otros.
La paradoja era que los productos de su empresa, Morris & Co., eran muy caros de
hacer y sólo los ricos podían comprarlos. De este modo, el gran problema era que el
exceso de preciosismo y delicadeza estética imposibilitaba la masificación del diseño,
asunto esencial en el proceso industrial.
46
Conocido también como "Nuevo Arte", este movimiento se
inspiraba en el Arts & Crafts británico y estaba integrado por
diseñadores vinculados a la Secesión Vienesa, los que
introdujeron formas naturales, abstractas y curviLíneas,
promoviendo el uso de motivos ondulados. Los antecedentes
estéticos del Art Nouveau son muy variados: la recién descubierta
tumba de Tutankamón (estilo del antiguo Egipto), el jazz, el
cubismo (por la síntesis de planos geométricos), el ballet ruso y el
mundo precolombino, se suman al uso de maderas nobles, marfil,
bronce muy brillante y piedras preciosas.
47
Deutscher Werkbund, Munich, 1907-1935
48
Entre las características de estilo está el uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo,
negro y blanco (generalmente siempre en los mismos tonos, tanto en afiches como en
objetos), la constante alusión a elementos modernos que simbolizan el progreso, las
estructuras geométricas y las formas pesadas.
Aunque compartía muchas ideas del Constructivismo Ruso, tales como el dinamismo
espacial, De Stijil es reconocido como el primer movimiento moderno de diseño por su
defensa de una nueva pureza estética.
49
La Escuela Bauhaus fue fundada por Walter Gropius,
quien abogaba por el ideal de talleres de artesanos
por sobre el sistema de la Deustcher Werkbund.
Bauhaus significa " casa de construcción" y como
escuela interdisciplinaria con talleres de
experimentación sobre diversidad de materiales,
reformulaba la teoría educativa, fusionando las
distintas artes.Para Gropius, la manufactura era una
actividad social importante, simbólica e intelectual y
fue esa visión la que dominó las enseñanzas de la
Bauhaus.
Silla Wassily
El plan de estudios incluía un curso preliminar en el que los estudiantes aprendían los
principios básicos del diseño y de la teoría del color. Al acabar este curso, los alumnos
entraban en uno de los talleres situados en dos edificios y se especializaban al menos
en un tipo de oficio artesanal.
La Bauhaus tuvo serios problemas políticos, fue perseguida por su sistema socialista
de enseñanza, sus extravagantes métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo
cual debió mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros.
Entre sus maestros destacan Johannes Itten, Josef Albers, László Moholy-Nagy,
Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer.
50
Estilo Internacional, 1920-1980
51
El Art Decó fue más un estilo decorativo internacional que un
movimiento de diseño.
Tomando el relevo del Art Nouveau de fines de siglo XIX, que
con su actitud antihistórica adoptaba formas naturales, el Arte
Decó extrajo sus referencias estilísticas de una serie de
fuentes eclécticas, como la antigua civilización egipcia, el arte
tribal, el surrealismo, el futurismo, el constructivismo, el
neoclasicismo, la abstracción geométrica, la cultura popular
y el movimiento moderno.
La mayor parte de sus
exponentes adoptaron la idea de
la Artesanía e incorporaron a
sus diseños maderas exóticas y materiales lujosos, como
el nácar o la piel. Como es de suponer, la dependencia
del mecenazgo privado y su incompatibilidad con la
producción industrial acortaron la vida del Art Decó, que
fue inevitablemente sustituido por enfoques más
progresistas.
Jean Dunand
52
La principal preocupación de Aalto eran las
conexiones funcionales, espirituales y emocionales
de sus muebles con los usuarios individuales.
Pop, 1958-1972
53
Con la expansión del Pop en el arte de las décadas '50 y '60,
éste empezó a manifestarse también en el diseño de objetos
de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un
planteamiento joven y menos grave que el "buen diseño" de
los años cincuenta. El diseño Pop era muy estilizado,
buscaba el efecto inmediato pero efímero, por lo que era
intrínsecamente obsoleto ("úselo hoy, bótelo mañana"). Así
por ejemplo, la sillas infantiles de cartón o plástico creadas
en los años sesenta, eran básicamente desechables.
En la misma década, muchos diseñadores optaron por el
plástico como material de trabajo, puesto que sus nuevas
formas y procesos de modelado eran cada vez más
habituales y baratas. Los colores chillones y las formas
asociadas al arte Pop barrieron con los últimos vestigios de
austeridad de la postguerra. El diseño Pop, con sus
EM Emotive Micro
asociaciones antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado
Range
'menos es más' del movimiento moderno y condujo
Philips Design
directamente al diseño radical de los años setenta.
El Pop design se inspiraba en una gran variedad de
fuentes (Art Nouveau, Art
Déco, futurismo, surrealismo, Op Art, psicodelia, Kitsch)
y recibió el estímulo del auge de los medios de
comunicación globales.
Saco
54
El posmodernismo en el diseño se remonta a la década del
'60, cuando emergen el Pop, el antidiseño y las críticas de las
esferas intelectuales y artísticas, sobre diversos aspectos de
la Modernidad.
Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban
que la adhesión del anterior movimiento moderno a la
abstracción geométrica (que negaba el ornamento y el
simbolismo) había deshumanizado al diseño, dado que en
éste primaba entonces el funcionalismo y el racionalismo. En
el área del diseño y la arquitectura, Robert Venturi, por
ejemplo, sostenía que la arquitectura moderna carecía de
sentido, ya que no poseía la complejidad e ironía que
enriquecía a los edificios históricos. Umeda
A partir de mediados del '70, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron
a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a
antiguos estilos y que solían ser irónicos en su contenido.
El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes del diseño radical, la
vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron
monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel
mundial desde 1981.
La obra de Memphis recibía una serie de
influencias muy eclécticas, y con sus motivos
atrevidos y formas estrafalarias, se burlaba de la
noción de "buen gusto".Memphis contribuyó
durante los años ochenta a la comprensión del
Posmodernismo como estilo internacional, puesto
que los diseños posmodernos abrazaban el
pluralismo cultural de la sociedad global
contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico
concebido para trascender fronteras. Entonces,
Sofá cuadrilatero el movimiento posmoderno puede resumirse
como un híbrido del diseño, dado que en el
proceso de creación las formas, extraídas de su contexto temporal y concreto, se
combinan al azar y hacen del diseño decoración pura, convirtiéndolo en una verdadera
enciclopedia de materiales.
55
Tiempo después, la recesión económica de los
años noventa motivó a los diseñadores a buscar
enfoques menos expresivos y más racionales: de
este modo, las atrevidas manifestaciones del
antidiseño de los años ochenta fueron sustituidas
por la silenciosa pureza del minimalismo de los
noventa.
Memphis
Este tipo de diseño posee una fuerte tradición popular, y normalmente surge de la mezcla
de muchas creencias y culturas que aportan variados elementos al objeto.
56
Una de las características de estos diseños es que cuentan con un modelo básico a seguir
(creado por fusión cultural), sobre el cual se hacen variaciones o versiones en cada
celebración.
Celebraciones
1. A nivel nacional
Fiestas Patrias, Mes de septiembre
Se celebran durante todo el mes de septiembre, pero especialmente los días 18 y 19, con
ramadas, juegos populares y desfiles; entre éstos el más importante es la Parada Militar
que se realiza en Santiago, en la elipse del Parque O’Higgins el día 19 de septiembre,
Día del Ejército.
En algunas localidades se celebra el llamado “18 chico” el fin de semana siguiente a las
Fiestas Patrias; en estas fechas es también tradicional la fiesta de la Pampilla en
Coquimbo.
Fiesta del Rodeo
Esta fiesta folclórica se realiza en una medialuna circular con una pista de 40 m. de
diámetro. El piso es de arena mezclada con salitre y alrededor de esta pista se encuentran
las tribunas. Para dar salida y entrada a los animales, generalmente novillos o vaquillas,
se cuenta con portones. Los jinetes, siempre en parejas, corren el animal tratando de
alcanzarlo y detenerlo en un sector de la pared de la medialuna cubierto con chilca, la
cual termina en ambos extremos con banderas chilenas.
Fiesta de la Vendimia, Término de la temporada de cosecha de la uva
Al final de la temporada de cosecha de uvas se reúnen hombres y mujeres vendimiadores
en una gran fiesta. En ella se mencionan España y Francia, tanto en los brindis como en
las canciones que los acompañan; ello se entiende al relacionarlo con la llegada de las
primeras cepas de origen español y los primeros técnicos franceses.
2. A nivel regional
I Región de Tarapacá
Fiesta de Reyes, 6 de enero (Pascua de Negros)
Se realiza en la localidad de Pica, a 117 km. al sureste de Iquique a 1.300 m. sobre el
nivel del mar. Su celebración se extiende a grandes ciudades como Arica e Iquique, en
las cuales los adornos navideños de casas y locales comerciales se mantienen hasta
dicha fecha.
La Tirana, 16 de julio
Festividad que se lleva a cabo en honor de la Virgen del Carmen en el poblado de La
Tirana, en medio de la Pampa del Tamarugal, a 1.010 m. de altura y a 84 km. al interior
de Iquique. Esta fiesta popular religiosa es la más grande de las celebradas en el país.
Miles de personas siguen en ordenado ritual a los danzantes que con máscaras y vistosos
atuendos presentan bailes y ofrendas a la Virgen.
La Tirana Chica, última semana de enero
Se realiza en el mismo lugar y mantiene características similares a la fiesta de La Tirana,
pero a menor escala.
Fiesta del enfloramiento del ganado
Se realizan verdaderos carnavales al interior de los pueblos aymaras. Se adornan cuello
y orejas, especialmente de llamos, con propósitos de fecundidad y protección.
II Región de Antofagasta
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Virgen de Guadalupe de Aiquina, 8 de septiembre
Se celebra en el poblado de Aiquina, ubicado a 75 km. al noreste de Calama y a 2.980
m. de altura. La fiesta tiene una duración de cinco días y se inicia tres días antes de la
fecha indicada.
San Francisco, 4 de octubre
Esta fiesta se organiza en homenaje a San Francisco de Asís en diferentes regiones y
localidades, entre ellas Chiu-Chiu, a 33 km. de Calama. Como fiesta popular combina lo
religioso y lo pagano reflejado en el culto y el baile.
Fiestas de San José y del enfloramiento del ganado, mediados de enero y marzo
Ambas fiestas se celebran en la localidad de Cupo, poblado de la puna de Atacama,
situado al norte de las vegas de Turi. Estas celebraciones muestran las características
religioso-costumbrista del norte.
Fiesta de la limpieza de las acequias, vísperas de las lluvias
Se realiza colectivamente en los pueblos cercanos al Salar de Atacama, dos o tres veces
en el año.
Fiesta de San Santiago, 25 de julio
Se celebra en honor a San Santiago, patrono de Toconce y Río Grande, ambos poblados
situados al este de Calama.
III Región de Atacama
La Candelaria, primer domingo de febrero
Su celebración se efectúa en la localidad de San Fernando, a 4 km. al este de Copiapó.
También es venerada en otros puntos del país. La Virgen de la Candelaria se representa
con una vela en las manos como símbolo de la purificación de la mujer. Es una de las
fiestas más antiguas del norte y reúne a fieles de todo el país y de naciones limítrofes.
Fiesta del Niño Dios, 6 de enero
Se celebra en el pueblo de Sotaquí, ubicado a 8 km. de Ovalle. En ella toman parte
creyentes chilenos y argentinos. Destacan las hermandades de danzantes ataviados con
vistosos trajes de vivos colores y muy adornados.
IV Región de Coquimbo
Virgen de Andacollo, La fiesta Chica: primer domingo de octubre
En esta celebración se rinde homenaje a la Virgen del Rosario. Se realiza en el pueblo
minero de Andacollo, ubicado a 1.040 m. sobre el nivel del mar a 50 km. de Coquimbo.
Virgen de Andacollo, La fiesta grande: del 23 al 27 de diciembre (día más imortante, eñ
26)
Esta fiesta reúne a más de 40.000 peregrinos venidos de todo el norte, con presencia de
las tradicionales cofradías de “chinos,” algunas con más de dos siglos de existencia con
sus singulares atuendos, estandartes y bailes. En el Templo Antiguo permanece la
imagen de la Virgen del Rosario colocada sobre un gran altar de plata repujada. En él
también se encuentran los ropajes de gala que viste la Virgen para su fiesta.
V Región de Valparaíso
Virgen del Carmen, 16 de julio
Se lleva a cabo en Rinconada de Silva, localidad ubicada a 7 km. de Putaendo. Se
levantan arcos de triunfo y la imagen de la Virgen es paseada en andas por las calles,
acompañada de peregrinos en largas procesiones.
San Pedro, 29 de junio
Se celebra en todos los puertos y caletas del litoral de la V Región y también en otras.
San Pedro es el patrono de los pescadores. Están presentes en esta fiesta los bailes
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chinos y las cofradías de danzantes. Se realiza un desfile marítimo con botes adornados
con flores en los cuales va navegando adelante la imagen del Santo.
Virgen de Lo Vásquez, 8 de diciembre
Esta festividad se realiza en el Santuario de Lo Vásquez, a 32 km. de Valparaíso. Es la
más significativa de las fiestas de V Región. Gran cantidad de peregrinos llegan a ella a
pagar sus mandas.
Virgen de las 40 horas, 24 de febrero
Llamada así, según la leyenda, por haber sido encontrada por un grupo de pescadores
luego de pasar 40 horas en el mar en medio de un temporal, su celebración se efectúa
en la ciudad de Limache.
Lo Abarca, 8 de diciembre
Esta fiesta se celebra en el pueblo de Lo Abarca, muy cerca del puerto de San Antonio,
como una romería a la Virgen de la Inmaculada Concepción cuya imagen, tallada en
madera policromada, permanece allí desde hace doscientos años.
Región Metropolitana de Santiago
Cuasimodo, Primer domingo después de Pascua de Resurrección
Se realiza en las comunas de Santiago, Talagante, Quilicura, Colina, Las Condes,
Barnechea, Conchalí, Maipú, Isla de Maipo, Alto Jahuel, Chada. Trasciende a la Región
Metropolitana. Es una ceremonia en la cual se lleva la comunión a los enfermos. El
sacerdote “corre a Cristo” acompañado por fieles a caballo, bicicleta y a pie, vestidos
especialmente para la ocasión, con sus cabezas cubiertas por pañuelos de colores.
Procesión del Cristo de Mayo, 13 de mayo
Al atardecer se inicia esta tradicional procesión. Desde la Iglesia de San Agustín, en
medio de oraciones y canciones religiosas es llevada la imagen del Cristo de Mayo hasta
la Plaza de Armas en Santiago. Esta fiesta tradicional se realiza desde los tiempos de la
Colonia.
Fiesta de la Virgen del Carmen, 16 de julio
Durante todo el día los peregrinos se dirigen hacia el Templo Votivo de Maipú, donde se
celebra a la Virgen con canciones, bailes, oraciones y coloridas vestimentas.
Fiesta del Huaso, Primer domingo de septiembre
Esta fiesta campesina se realiza en honor a la Virgen del Carmen. Los huasos montan
sus caballos engalanados, realizando un bello y pintoresco desfile.
VI Región del Libertador Bernardo O’Higgins
Santa Rosa de Pelequén, 40 de agosto
Se celebra en esta fecha la fiesta de Santa Rosa de Lima. Ella está personificada en una
imagen ubicada en la localidad de Pelequén, a 33 km. al sur de Rancagua.
Inmaculada Concepción, 8 de diciembre
Al igual que en la fiesta de la Virgen de Lo Vásquez, miles de fieles llegan a la localidad
de Graneros, 12 km. al norte de Rancagua, a rendir culto a la Virgen cuya imagen es
guardada en la Iglesia de la Hacienda de la Compañía.
VII Región del Maule
Las Mercedes, 24 de septiembre
Esta fiesta se lleva a cabo en la localidad de Lipimávida, hasta donde llegan los lugareños
de poblados vecinos a pagar sus mandas.
Santa Cruz de Mayo, 2 y 3 de mayo
Se celebra en muchos lugares, especialmente en la ciudad de Linares, donde se realizan
peregrinaciones con participación de miles de fieles.
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La Candelaria, 2 de febrero
Se realiza en la localidad de Chanco, al igual que en otras regiones del país, en homenaje
a la Virgen.
VIII Región del Bio-Bio
San Sebastián de Yumbel, 20 de enero
Esta es una de las fiestas religiosas que más fieles reúne en el país. Se realiza durante
tres días en el pueblo de Yumbel a 70 km. de Concepción. Asisten a ella más de
trescientas mil personas.
IX Región de la Araucanía
San Sebastián, 20 de enero
Esta festividad también se celebra en otras localidades del país como Lonquimay, Puerto
Saavedra y Perquenco. En éstas se venera al Santo que lleva su nombre, al igual que en
Yumbel.
Virgen del Tránsito, 15 de agosto
Se realiza en la localidad de Metrenco, 10 km al sur de la ciudad de Temuco. Ahí se
levanta un Santuario donde concurren los fieles.
X Región de Los Lagos
Jesús Nazareno, 30 de agosto
Se lleva a cabo todos los años en la Isla de Cahuach, en la provincia de Chiloé. A ella
concurre gran cantidad de fieles provenientes de diferentes localidades.
La Candelaria, Primer domingo de febrero
Al igual que en otras localidades del país, esta Virgen se venera en la localidad de
Chonchi. La leyenda dice que en una oportunidad la Virgen protegió a la población de los
piratas holandeses.
XI Región del General Carlos Ibáñez del Campo
La Corrida, noviembre y diciembre
Fiesta típica de la región que se realiza todos los años en Coyhaique y en la Villa de
Ñirehuao. Su finalidad es despedir el año agrícola.
Virgen de Lourdes, 11 de febrero
Una gruta en la cascada del Parque Nacional Río Simpson es el escenario para esta
celebración.
Carnaval de Invierno, Fin de semana más cercano al 21 de julio
En esta fiesta tradicional, realizada en Punta Arenas, se celebra el inicio del invierno y la
noche más corta del año. En ella participan gran cantidad de carros alegóricos y
comparsas que cruzan las calles de la ciudad.
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DOMINIO 2: HISTORIA DEL ARTE Y APRECIACIÓN ESTÉTICA
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• Identificar los principales procedimientos y materialidades involucrados en técnicas
utilizadas en manifestaciones del arte indígena chileno, principalmente escultura,
alfarería, textiles, cestería, orfebrería.
En la cerámica de San Pedro de Atacama se destacan los estilos: roja pulida y negra
pulida antes de la etapa del florecimiento cultural, con influencia de Tiwanacu (300 a
900 a. C.).
En los valles transversales reina la cerámica diaguita por su rica decoración y variada
expresión temática: antropomorfa y zoomorfa, es decir, con motivos humanos y de
animales, respectivamente.
El coirón, la ñocha, el chupón, la quila, y los distintos tipos de boqui, enredadera que
trepa por los árboles, son algunas de las fibras que hasta hoy se emplean.
Los vestigios de la cestería son escasos debido a que la materia prima utilizada es
biodegradable y con el paso del tiempo termina por descomponerse y desaparecer. Sin
embargo el clima del norte entregó condiciones inmejorables para su conservación en
esa región.
Canastos tejidos en totora
La orfebrería es el arte de realizar piezas con metales preciosos, como el oro y la plata;
con diversas técnicas de fundido y modelado, se realizan joyas y adornos corporales,
pero también utensilios, por ejemplo vasos, destinados a las castas de más alta
jerarquía dentro del grupo social indígena.
68
El conocimiento de las técnicas avanzadas de orfebrería llegó a Chile con la influencia
de las civilizaciones Tiwanaku, Inca y española.
Platería mapuche
El arte de la orfebrería en Chile adquiere su máxima expresión alrededor del siglo XVIII,
con las obras de los mapuches.
Este pueblo conocía el trabajo con metales desde épocas prehistóricas, ya que se han
encontrado objetos de cobre en tumbas de aquel período.
69
A diferencia de los técnicas de alfarería y cestería que son practicadas por ambos sexos,
la tejeduría se considera una actividad casi exclusivamente femenina.
Los pasos de la tejeduría son: recolección, separación en fibras, hilado, teñido y tejido.
Los telares aborígenes tradicionales han despertado la admiración de los estudiosos
nacionales y extranjeros. Si tuviéramos que reseñar la principal actividad textil a lo largo
de Chile, tendríamos que destacar, en el norte, el trabajo que realizan algunos
campesinos aymaras del Altiplano; las comunidades de la zona altiplánica, que desde
épocas precolombinas se han dedicado a la cría de alpacas y llamas y desde la Colonia
a la cría de ovejas, desarrollaron particularmente su arte textil.
Estos tejidos de hilo se caracterizan por sus dibujos, casi siempre relacionados con las
plantas del lugar, hojas de parra, racimos de uva, espigas de trigo, copihues, etc.
Todavía más al sur encontramos los tejidos de los mapuches, en donde destacan los
ponchos y las alfombras; en las áreas mapuches los tejidos muestran un fino hilado,
figuras rectiLíneas y colores parejos con figuras en forma de cruz , rombo, zig-zag, etc.
El trabajo textil chilote posee características propias; se teje con lana de oveja en telar
horizontal pegado al suelo. Esta técnica requiere de gran pericia ya que la posición que
debe adoptarse es muy incómoda. En el pasado, los tejidos de Chiloé tuvieron gran
renombre y en las crónicas de marinos y visitantes extranjeros hay referencias de ellos.
Hoy sólo se tejen alfombras, mantas, chalones y frazadas muy sencillos.
En los centros más poblados de esta región se tejen otras prendas, calcetas, chalecos, y
gorros, con lana muy mal hilada y defectuosa, lo que daña mucho. Los principales centros
artesanales de la isla son Quinchao, Chaigue y Llingua.
70
2.2 Arte colonial en Chile
71
las calles convergentes se ubicaron las órdenes religiosas y el resto de los vecinos
españoles.
En 1552 se funda la iglesia y convento de Santo Domingo, estableciéndose
definitivamente donde hoy se encuentra hacia 1569 ó 1570. Hacia 1566 los mercedarios
también construyeron un templo y un convento.
Por su parte, en 1593 arribaron a Santiago los primeros jesuitas, orden a la cual nos
referiremos con mayor detención más adelante, y en 1597 edificaron su iglesia. Con
anterioridad, en 1553, habían llegado a Santiago los primeros religiosos franciscanos,
ubicándose definitivamente en 1556 en el actual asentamiento de la Alameda, donde
iniciaron los trabajos de construcción de la iglesia y el claustro del convento en 1572. Es
el único testimonio arquitectónico conservado del siglo XVI. Los muros están formados
por bloques de granito. El plano original era de cruz latina, formada por la nave central y
dos capillas laterales. El artesonado del techo es sobrio y de inspiración clasicista,
con influencia peninsular de la época.
La vivienda urbana es de maciza volumetría, baja y extensa. El portón y el zaguán eran
de grandes proporciones. Por allí transitaban caballos y carretas, que traían el producto
de las chacras y haciendas. También, en muchas fachadas, se encuentra otro elemento,
la columna de ángulo, hecha de piedra, ladrillo o madera.
En el siglo XVII no hay innovaciones urbanas significativas. No se fundan nuevas
ciudades, aunque sí se levantan templos y viviendas, tanto en el Norte Grande como en
la Zona Central y en Chiloé. La arquitectura empieza a mostrar signos regionales en el
uso de materiales, en la adecuación al medio geográfico, en el manejo de la luz, en las
proporciones y en los símbolos.
Los muebles son producto de la carpintería, al igual que puertas, ventanas, postigos, rejas
de madera, pilares (que son soportantes y decorativos a la vez).
No hay vidrios y el hierro sólo se utiliza en clavos, goznes y cerraduras.
Así nace una primera arquitectura que atiende a los usos, costumbres y organización
hispánica, pero adoptando exigencias locales, lo que genera espacios y formas originales.
El terremoto de 1647 marca el fin de este período inicial.
El período que sigue es más formal y establecido.
En efecto, la influencia del arte y la arquitectura francesa se hace sentir. Además, el aporte
jesuita es importante en el plano espiritual y material, reflejándose principalmente en los
centros urbanos, en sus grandes haciendas rurales y misiones en Chiloé.
Ahora la construcción es más segura y con sentido de permanencia. Sin embargo, las
estructuras continúan siendo simples, angulares y rectilíneas. En Chile, durante toda la
Colonia predomina la arquitectura de adobe aparejado y la carpintería en madera, tanto
en la casa urbana como en la arquitectura rural, con la excepción de Chiloé donde se
utiliza sólo la madera.
Imaginería colonial
La imaginería colonial se refiere a las imágenes tridimensionales o esculpidas que se
crean en el período colonial. La forma barroca fue la más característica dentro de la
imaginería colonial hispanoamericana.
Junto con los conquistadores llegan las primeras imágenes religiosas católicas. Debido a
las características de la época, estas imágenes son dotadas de milagrosos poderes.
Aunque no siempre tienen valor artístico, poseen un valor testimonial histórico, que
muestra la mentalidad y aspiraciones de ese tiempo.
72
Estas imágenes son símbolo de espiritualidad y, por lo tanto, objeto de veneración, lo que
ha permitido su supervivencia a través del transcurso de la historia nacional.
Los talleres de artesanos produjeron gran variedad de imágenes, la mayor parte
anónimas.
De técnica acabada y diversa, algunas eran de talla completa, en madera de cedro y
vaciadas por dentro para alivianarlas. También se realizaron imágenes articuladas, de
talla completa y complicados sistemas que daban movimiento a la cabeza y a los brazos.
Se les agregaban ojos de vidrio, pelo natural, uñas, lenguas de cuero, dientes humanos
y pestañas, lo que les otorgaba impresionantes efectos realistas. Además se les ponían
sogas, silicios y coronas.
Los materiales usados fueron la madera, el barro cocido, la cera y, a veces, el marfil. Se
empleó la policromía brillante, con tintes provenientes de la naturaleza local. Por ejemplo,
el color rojizo, característico de la época, se realizó con diversas plantas.
Las técnicas del color estaban en manos de artesanos especializados. Siguiendo con la
tradición medieval, el color empleado en la colonia es esencialmente simbólico, en
relación directa con el carácter de las imágenes, ya sean Cristos, Vírgenes o Santos.
Las vírgenes
La primera imagen llegada a este territorio es la pequeña Virgen del Socorro , traída por
don Pedro de Valdivia . De origen napolitano, es tallada en madera y policromada. Se
encuentra en el altar mayor de la iglesia de San Francisco, en Santiago.
Otra virgen tallada en madera es Nuestra Señora del Rosario, de Valdivia, que es del
siglo XVII.
Hay imágenes de vírgenes que tienen cabeza, manos y a veces pies, ocultándose el
cuerpo bajo un armazón, cubierta por ricas vestiduras realizadas en telas finamente
bordadas y adornadas; estas imágenes son llamadas “de candelero o bastidor”.
Un ejemplo que procede del tiempo de la conquista es la Virgen de la Merced, cuya
cabeza y manos fueron traídas desde España. Otra imagen de candelero, y también de
la época de conquista, es Nuestra Señora de las Nieves, en la actualidad en la iglesia del
Sagrario de Concepción.
También en Concepción se encuentra otra virgen de candelero del siglo XVI, la Virgen
del Boldo o del Milagro, en la iglesia de las Trinitarias.
Los Cristos
La imagen de Cristo crucificado tiene un lugar destacado en la devoción colonial. El Cristo
de Burgos, conservado en la Basílica de la Merced en Santiago, es el más antiguo. De
tamaño natural y tallado en madera, es considerado de gran calidad entre los
especialistas.
El más famoso es, por cierto, el Cristo de Mayo o Señor de los Temblores, de la iglesia
de San Agustín de Santiago.
Es la primera escultura colonial realizada en Chile de autor conocido, el padre agustino
Pedro de Figueroa. Es tallada en madera y policromada.
Durante los siglos XVII y XVIII la imaginería se ve influida por los envíos que llegan desde
España. Esto es manifiesto en las principales ciudades del Virreinato, como Lima, Quito
y Potosí, adonde llegan esculturas y maestros españoles.
Hacia el siglo XVIII la producción quedará en manos de artistas locales. Es el momento
en que son ya notorios ciertos rasgos propios de la región, constituyéndose las tres
escuelas escultóricas más importantes de Sudamérica: la limeña, la altoperuana y la
quiteña.
73
El Cristo Resucitado del Museo Colonial de San Francisco, atribuido a Gaspar de la
Cueva, fue realizado probablemente en Potosí en el siglo XVII, aunque dentro de la
tradición hispánica barroca.
Del siglo XVIII proceden las tallas españolas Piedad con Cristo Muerto, del Museo del
Carmen, de Maipú, y la Inmaculada, del Museo de Valdivia; ambas obras pertenecen a la
tradición barroca, debido a sus características de estilo.
También era usual la figura del Niño Jesús recostado y puesto en urnas de vidrio. En el
Convento de la Merced de Santiago se encuentra una colección de estas imágenes.
También dentro de la tradición de la escuela quiteña están los llamados Angeles Niños,
de talla completa y policromados.
Desde mediados del siglo XVIII asistimos a una renovación en los aspectos culturales. La
Ilustración francesa influirá decisivamente en los cambios producidos.
En este marco se desarrolla la importante labor artística y cultural de los jesuitas. Las
ideas barrocas se encarnan en sus templos y conventos en Santiago y en provincias. La
arquitectura, la escultura, la pintura, la platería, las artesanías, como la herrería, la
cerrajería, carpintería, cerámica, tejidos y otros, tendrán un auge desconocido hasta
entonces en el país. Fundan grandes talleres en las haciendas de La Ollería y La Punta,
en Santiago, y fuera de él las de Calera de Tango y Bucalemu.
Su labor se verá abruptamente interrumpida en 1767 debido a que fueron expulsados de
todos los territorios del Imperio Español.
Destaca el nombre del hermano Juan Bitterich, arquitecto y escultor. Se atribuye a su
factura el San Sebastián de Los Andes, conservado en la parroquia de Santa Rosa de la
ciudad de Los Andes, completamente tallado en madera.
Otro escultor jesuita es el padre Jacobo Kellner , a quien se le atribuye el San Francisco
Javier yacente, en el Museo de la Catedral de Santiago, tallado en madera de peral y
policromada.
El aporte jesuita llegará hasta los lejanos territorios de Chiloé, donde la imaginería tendrá
un desarrollo muy particular, trasmitiéndose de generación en generación la práctica de
este arte, hasta pleno siglo XIX. Un ejemplo de Cristo Crucificado está en la iglesia de
Achao.
De finales del período colonial se destacan tres nombres de artistas: Ambrosio Santelices,
Ignacio Andía y José Santos Niño, con los cuales se cierra un capítulo de la historia
artística chilena. Los acontecimientos de comienzos del siglo XIX abren nuevos caminos
y posibilidades en el devenir artístico y cultural.
El arte colonial, desarrollado por artesanos indios y maestros europeos, está al servicio
de la misión evangelizadora de los conquistadores, y por época y función social,
corresponde claramente al estilo barroco.
En cada pieza escultórica, catedral y pintura, los motivos religiosos son los gobernantes,
así como los parámetros de representación europeos; pero éstos fueron sutil y
subterráneamente "digeridos" por los aborígenes americanos, quienes colocaron en
74
cada obra elementos propios de sus culturas (símbolos religiosos y espirituales, figuras
antropomorficas, zoomorficas y fitomorfas) de modo tal que se entremezclaban con los
imágenes católicas importadas, manteniendo de este modo, la voluntad de forma de la
producción artística indígena subsitiendo por debajo del arte europeo impuesto a la
fuerza.
Cabe destacar, además, que el arte precolombino es moderado, de líneas rectas y
formas severas, rigurosamente geométrico, todo lo cual provocó una contención del
barroco español, mucho más desatado y expresivo, decantando finalmente en la
particular forma artística de nuestras colonias.
El arte colonial encuentra su fin con los inicios de la Independencia, donde la producción
de imágenes deja el ámbito religoso para abocarse a consolidar los caracteres
nacionales diferenciados de Europa y a los poderes autonómicos, para lo cual,
paradojicamente, los artistas absorverán el neoclásico e imitarán los modelos europeos
de representación de la aristocracia.
En el transcurso de los siglos XVII y XVIII la vivienda urbana conserva su exterior austero,
con la portada, el pilar de esquina y los aleros. En las ventanas, puertas y rejas se
incorporan algunas expresiones barrocas. Los materiales constructivos son el barro y la
paja, el adobe, las maderas y la arcilla cocida para pisos y cubiertas. La piedra y el ladrillo
se utilizan sólo en ocasiones especiales, un ejemplo de ello es la Casa Colorada , en
Santiago, que todavía se conserva.
Urbanísticamente, se mantiene la cuadrícula, incorporando plazas y la Alameda, la que
en provincias sigue el modelo de la de Santiago. Aparecen las chacras en las afueras de
las ciudades.
Hasta fines del siglo XVIII la arquitectura continuará sin grandes cambios en lo espacial y
en lo estructural. Las influencias estilísticas del renacimiento y del barroco se localizan en
la carpintería, el trabajo del hierro y la elaboración de portadas.
Es posible hablar de una arquitectura popular, práctica y austera. Ello se observa en la
composición de las fachadas, la escala, el espesor de los muros, el ritmo y dimensiones
de los vanos, el uso del adobe y la teja, entre otras características.
En Chile, en comparación con el resto de Latinoamérica, los cambios son mucho más
lentos. Sólo a finales del siglo XVII, la corona dotará a esta colonia con buenos edificios
oficiales.
A partir de 1780 asistiremos a una renovación, con la llegada del arquitecto
italiano Joaquín Toesca y Ricci . Es el autor o coautor de la Catedral de Santiago, las
iglesias de Santo Domingo y la Merced, el Cabildo, el hospital San Juan de Dios y los
Tajamares, siendo su obra mayor la Casa Real de Moneda .
Estos edificios se inscriben dentro del Neoclasicismo, imperante en Europa. Este estilo
encontrará buena acogida en nuestro medio, donde las formas barrocas coloniales no
habían tenido el desarrollo alcanzado en el resto de algunos países de América, debido,
por una parte, a que en el territorio no existió la influencia de las grandes culturas
precolombinas y, por otra, a la austeridad obligada por guerras y terremotos.
75
2.3 Arte en el siglo XIX, XX y contemporáneo
• Identificar grandes hitos de las Artes Visuales chilenas y su relevancia, por ejemplo:
premios nacionales de arte.
La historia de la pintura chilena durante la segunda mitad del siglo XX estuvo marcada
principalmente por la búsqueda de nuevas expresividades plásticas y por la creciente
vinculación del artista con su contexto político y social, elementos que, a lo largo del
período, no sólo disputaron el centro del quehacer artístico, sino que lograron en diversas
ocasiones convivir y complementarse, para bien del desarrollo artístico y la elaboración
teórica de nuestra plástica.
La década de 1950 se inauguró, tras el impulso que las corrientes de vanguardia
recibieron a partir de las décadas de 1920 y 1930, con una febril actividad en el campo
de las artes. Entre los hitos más representativos de este período se cuentan: la realización
de la exposición "De Manet a nuestros días", la labor realizada por Luis Oyarzún entre
1954 y 1963 como decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile y la
fundación de la Escuela de Arte de la Universidad Católica en 1959, iniciativa del
arquitecto Sergio Larraín García-Moreno, y que tuvo entre sus miembros fundadores
a Nemesio Antúnez y a Mario Carreño. Esta década fue enfrentada con renovados
ímpetus por parte de una nueva generación de creadores que, vinculándose con las
tendencias artísticas vigentes a nivel mundial, dieron vida a experiencias como el Grupo
Rectángulo -más tarde Forma y Espacio- y el Grupo Signo, que respondieron según
Galaz e Ivelic: "a un arte de intensidad pura, que buscó fuentes vitales por mediación del
gesto".
Durante la década de 1960 esta búsqueda, tan bien representada por el trabajo
crecientemente informalista de artistas como José Balmes, Eduardo Martínez
Bonati, Alberto Pérez y Gracia Barrios, comenzó a entrelazarse de manera
determinante con el compromiso histórico que fue tomando cuerpo en los artistas, y que
se volvió cada vez más influyente en la realización de sus obras. La incorporación
progresiva de citas a hechos históricos con marcado carácter político-ideológico en la
obra de artistas como José Balmes, Francisco Brugnoli y Guillermo Núñez, por
ejemplo, obedeció a una tendencia dominante no sólo en las artes visuales, sino que en
todo el campo cultural chileno. Tendencia que llegaría a su apogeo en la década de
1970 con la elección de Salvador Allende, primero, y el golpe de Estado de 1973 y sus
consecuencias, después. Como señalan Galaz e Ivelic, "muchos artistas se
comprometieron en la contienda ideológica y proyectaron sus convicciones al trabajo
artístico".
El derrocamiento de Allende, significó no sólo la prisión o el exilio para muchos artistas,
sino también el desmantelamiento de las instituciones estatales y universitarias que
sustentaban la mayor parte del desarrollo de la práctica artística, así como también la
exoneración de una gran cantidad de académicos. Las artes visuales debieron en muchos
casos reelaborar su propia discursividad, asumiendo en gran medida una lógica de
resistencia que trasuntó sus operatorias al campo específico del discurso artístico, con lo
que paradójicamente se acercaron nuevamente al discurso vanguardista. Es, por
ejemplo, el caso del Colectivo Acciones de Arte (CADA) o de artistas como Eugenio
Dittborn y Alfredo Jaar, así como el de un creciente uso tanto de nuevas tecnologías -
que devinieron en experiencias fundamentales, como las llevadas a cabo por Juan
Downey- como de soportes extra pictóricos como la fotografía, el body art, el happening y
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en general las performances, que alcanzaron un alto grado de desarrollo en artistas
como Carlos Leppe, Lotty Rosenfeld y Catalina Parra.
Sin embargo, y a pesar de existir claras y permanentes vinculaciones entre el quehacer
de los artistas chilenos y las nuevas tendencias del arte mundial, los casos en que las
propuestas plásticas coinciden con la voluntad programática y retórica característica de
las vanguardias no parecen ser la tónica del período. Éstas se expresan, más bien, en el
campo artístico nacional pasadas por el cedazo de los discursos propios de cada creador,
que elige tomar o no elementos de las diferentes corrientes existentes, lo que explica
tanto el que Roberto Matta sea mucho más que un surrealista, como la importancia de
la obra de artistas que nunca tuvieron una adscripción marcadamente militante en alguna
escuela, como Nemesio Antúnez o Rodolfo Opazo.
El Premio Nacional de Arte de Chile fue creado en 1942 por la Ley N° 7.368 y se otorgó
por primera vez en 1944. Se entregaba anualmente, alternando la mención entre pintura
o escultura, música y teatro, hasta que en 1992 con una nueva normativa, la Ley
N°19.169, fue reemplazado por los premios nacionales de Artes Plásticas, Artes
Musicales y Artes de la Representación y Audiovisuales.
Pablo Burchard (1875-1964)
05/12/2018
ESTABLO (detalle)
Este artista de dedicó a la pintura, medio en el que destacó por la realización de paisajes
y naturalezas muertas, con especial interés en plasmar objetos sencillos y de la vida
cotidiana. Entre 1932 y 1935 fue director de la Escuela de Bellas Artes, donde e impartió
clases por casi treinta años. Fue el primer galardonado con el Premio Nacional de Arte,
en 1944. Puedes ver su obra La pila en la exposición de la colección MNBA De aquí a la
modernidad. Además, Establo y Portón con reja forman parte de la muestra Paisajes, de
la colección del MNBA, que se exhibe actualmente en el Museo Regional de Aysén.
Roberto Matta (1911-2002)
05/07/2018
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EL OJO DEL ALMA ES UNA ESTRELLA ROJA (detalle), 1972
Matta ha sido reconocido internacionalmente como un artista gravitante del siglo
XX. Inició su trayectoria artística en Europa, donde se unió al movimiento surrealista en
1937. Su actividad creadora se extendió por más de sesenta años, siendo sus pinturas de
gran formato, piezas distintivas dentro de su obra. Aunque desarrolló su carrera fuera de
Chile, mantuvo el vínculo a través de viajes que involucraron exposiciones, conferencias
y la creación y donación de varias obras. En 1990 fue galardonado con el Premio Nacional
de Arte mención Pintura. Puedes ver algunos de sus trabajos en la exposición de la
colección MNBA Los Matta de todos.
Eugenio Dittborn Santa Cruz nació en 1943 en Santiago, Chile.
Entre 1961 y 1965 estudia dibujo, pintura y grabado en la Universidad de Chile. Viaja a
Europa en 1966 para proseguir con su formación, estableciéndose en Madrid, donde
ingresa a la Escuela de Fotomecánica para hacer estudios en litografía. Luego continúa
en Berlín en la Hochscule fur Bildene Kunst, y termina en París realizando cursos de
pintura en la Ecole de Beaux Artes. Regresa a Chile en 1972.
Entre 1976-1980, junto al teórico Ronald Kay (1941-) y la artista visual Catalina Parra,
conforma un grupo de trabajo que organiza diversas exposiciones en torno a la Galería
Época y publica textos de arte de corte experimental bajo el sello editorial V.I.S.U.A.L. Su
quehacer fue consignado por la crítica Nelly Richard (1948-) como parte de la Escena de
avanzada, denominación que refiere a una serie de prácticas artísticas y escriturales que
representaron la renovación del campo del arte chileno durante el periodo de la dictadura
militar.
La obra de Dittborn explora las posibilidades de la impresión, la gráfica y el videoarte,
yuxtaponiendo imágenes provenientes de distintas fuentes, como por ejemplo revistas de
circulación masiva, fichas policiales, dibujos animados, manuales de artes plásticas, etc.,
las cuales son intervenidas por una serie de mediaciones tanto manuales como técnicas.
Asimismo, ha realizado varios libros de artista y catálogos donde investiga la frontera
entre visualidad y escritura.
En 1984 crea oficialmente las "pinturas aeropostales", su modo de producción más
distintivo que le ha permitido alcanzar un amplio reconocimiento nacional e internacional.
Consisten en superficies como papel y lona que son intervenidas con pintura, fotografía,
costuras, entre otras cosas, y luego son plegadas y guardadas en sobres para ser
enviadas por la red internacional de correos a diferentes lugares del mundo. Al momento
de ser expuestas en su nuevo destino, sus pliegues son exhibidos como huellas del viaje
realizado.
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Además de su trabajo artístico, se ha desempeñado como profesor, influenciando a
nuevas generaciones de artistas. Destaca, por ejemplo, su labor a cargo del Taller de
Operaciones Visuales en el Magíster de Artes Visuales de la Universidad de Chile.
En el año 2005 fue galardonado con el Premio Nacional de Arte.
El fauvismo es un movimiento pictórico francés de principios del siglo XX; podemos decir
que es el primer movimiento artístico revolucionario de nuestro siglo.
El nombre de este movimiento fue dado en 1906 por el crítico francés Louis Vauxcelles y
proviene de la palabra “fauves” que en español significa fieras, empleada para referirse a
un grupo pintores entre los que destacan Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André
Derain, y Albert Marquet, por mencionar solo algunos, cuyas obras causan revuelo en el
Salón de otoño de París, debido a la revolucionaria violencia expresiva del color, aplicada
en tonos puros.
La homogeneidad del fauvismo tuvi un breve tiempo cronológico, pues apenas duró dos
años, hasta 1908, para que cada artista siguiera su propio camino.
En Capital del Arte queremos compartirte algunas de las principales características de
este movimiento, el cual, si bien no fue conscientemente definido, fue una mezcla de
aportaciones en el que cada pintor emprendía sus obras con espontaneidad y frescura.
Características del Fauvismo:
Fue una reacción contra el Impresionismo
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos
Buscan realzar el valor del color en sí mismo, rechazando la paleta de tonos naturalistas
empleando en cambio colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando
matizar los colores
Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno
Renuncian a la perspectiva clásica, al modelado de los volúmenes, la luz y la profundidad
desaparecen
Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes
hermosos.
Tenían un gusto por la estética de las estatuas y por el arte africano-negro
Algunos de los precedentes del Fauvismo fueron causados por Van Gogh y Gauguin,
quienes, huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución impulsiva y pasional,
apostando por obras intensamente coloreadas
Se caracteriza por ser estético y sentimental, ligado a las circunstancias del momento
Se apega a la libertad total de la naturaleza, uniendo el arte con la vida
Es más expresiva que realista
Este movimiento artístico se destaca por su sencillez
Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior
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Los artistas más destacados de este movimiento son: Henri Matisse, André Derain,
Maurice Vlamink y Pablo Picasso.
Liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos
Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a
la pintura.
La imagen pertenece a la obra denominada “Armonía en Rojo” del artista Henri Matisse,
1908.
El cubismo es un movimiento artístico pictórico que surge en Francia caracterizándose
por ser uno de los estilos de arte visual más influyentes a principios del siglo XX.
La aparición del cubismo supuso un antes y un después con respecto a la pintura
tradicional, siendo fuente de inspiración para siguientes vanguardias europeas y poniendo
en segundo plano a la tendencia renacentista.
En el cubismo la representación del mundo es mediante figuras geométricas y una
perspectiva múltiple.
Se dice que el término cubismo fue acuñado por el francés Louis Vauzcelles, quien
aseguraba que las obras parecían estar compuestas por pequeños cubos.
Algunos de sus principales exponentes son artistas como Jean Metzinger, Robert
Delaunay, Georges Braque, Juan Gris, y, por supuesto, no podemos olvidar mencionar a
Pablo Picasso, cada uno de ellos plasmaron en sus creaciones las características propias
del movimiento, que en Capital del Arte te enumeramos a continuación:
Principales características del cubismo:
El cubismo representa a la realidad por medio de figuras geométricas produciendo un
efecto visual disruptivo y fragmentado.
Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del
impresionismo, en los primeros años de esta tendencia, la paleta monocromática era la
única herramienta válida para el pintor.
El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las
cosas y su profundidad.
En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve discurso lingüístico, que le
permitiera explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad de interpretación por parte
del espectador.
El cubismo es movimiento artístico de los más importantes de todos los tiempos. Su
estética es inigualable además de que supuso una ruptura conceptual sin igual.
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Las figuras se compartimentan en cubos y prismas persiguiendo que las composiciones
puedan verse desde todos los puntos de vista simultáneamente.
Los cubistas siguieron buscando la inspiración en los referentes del pasado: paisajes,
retratos, bodegones.
En el cubismo, aparte de utilizar pintura para crear obras, introdujeron nuevos materiales
en el proceso; naciendo así los collages, que mezclan el óleo habitual con plásticos,
papeles, metales, cuerdas u otros objetos de uso diario.
La imagen es la obra “Bailamos hasta que nos dé el día” del artista Carlos Humberto
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– Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su
bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
– Utilización de formas y colores para generar ritmos.
– Colores resplandecientes
– Transparencias
– Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un
caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).
Los futuristas apelaron a muchos medios expresivos para crear un arte de acción (pintura,
arquitectura, urbanismo, diseño gráfico, publicidad, moda, cine, música, poesía).
El Expresionismo es una corriente artística de vanguardia que surge en Alemania a
principios del siglo XX, en donde más que la representación de la realidad objetiva
buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor.
A lo largo de la historia del arte podemos encontrar artistas deformadores de la realidad,
sin embargo, es hasta el siglo XX que diversos artistas se unieron para desarrollar un arte
más personal e intuitivo, mostrando una visión interior, una expresión frente a la
plasmación de la realidad.
Este movimiento coincide con el fauvismo francés, con quien tenía en común el rechazo
del mímesis, así como colores violentos, sin embargo, es en el expresionismo donde se
notó un ambiente pesimista, de cierta manera, ya que los artistas alemanes no
escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido y lo obsceno.
Características del expresionismo:
El expresionismo es una deformación de la realidad expresándola de forma más subjetiva
Los expresionistas creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser
humano
La angustia existencial es el principal motor de su estética
Pretender potenciar las emociones del espectador distorsionando deliberadamente y
exagerando los temas
Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero nunca se aparta
totalmente de ella
Los expresionistas manifiestan sus emociones sin preocuparse de la realidad
Utilizan colores fuertes y puros, formas retorcidas y una composición agresiva
No importa ni la luz ni la perspectiva, alterada de manera intencional
El arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior
Podemos encontrar diversas tendencias impresionistas, desde lo exagerado colorido
hasta las abstractas
Se desarrolla en todas las artes como la poesía, teatro, música, artes gráficas
Los impresionistas pretendían realzar la libertad individual, el irracionalismo y el
pesimismo, con una temática de lo morboso, lo prohibido y lo fantástico
La opinión del artista es más importante que la concordancia y la armonía del trabajo
realizado
Los exponentes expresionistas fueron vistos como iconoclastas
La literatura expresionista se valió del uso de un lenguaje desgarrado, la presencia
constante de la muerte, la violencia y la crueldad, busca que el lector entre en la historia
y sienta como si la hubiera vivido
Algunos exponentes de la pintura son Der Blaue Reiter, Arnold Böcklin, Vincent Van
Gogh, Pablo Picasso, Fernando Botero, Diego Rivera, Frida Kahlo, etc.
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Abarca temas sociales, culturales, ecológicos, habla del poder, el mundo real, la maldad
y la guerra.
Tiene una visión enfocada hacia lo universal
No queremos despedirnos sin compartirles esta frase de Munch:
La forma en que uno ve depende también de un estado emocional de la mente. Esta es
la razón por la que un motivo puede ser visto de muchas maneras, y esto es lo que hace
que el arte sea tan interesante. (Munch)
La imagen corresponde a la obra “El grito” del artista Edvard Munch, gran exponente de
este movimiento.
El Dadaísmo fue una tendencia artística que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta
vanguardia se extendió por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del
arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas
establecidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como una
ideología o una forma de vivir.
Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa
balbuceo o primer sonido que dice un niño, y surgió cuando buscaban en un diccionario
un nombre artístico a una de las cantantes. Inmediatamente identificaron este nombre
con el nuevo estilo que buscaba empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas
seguidos con anterioridad. Existen muchas otras suposiciones sobre el nombre de este
movimiento, “el concepto general que se intentó propagar era que sencillamente no
significara nada y fuese escojido al azar, algunos dicen que buscando en un diccionario
con un cuchillo, otros dicen que era lo único que se entendía de los rusos, da da (si si)”.
(Aporte de Valentina, gracias).
Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e
insultándolos). En 1917 se inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su
publicación. El dadaísmo se divulgó a través de revistas, su manifiesto y en las reuniones
realizadas en cabarets o galerías de arte.
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El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por:
– Protesta continua contra las convenciones de su época.
– Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.
– Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.
– Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de
palabras y sonidos).
– Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo
fantasioso, etc.
– Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo
aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.
– Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del
pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la
construcción del consciente.
– Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y
abstraccionismo.
– Quieren volver a la infancia.
– Consideran más importante al acto creador que al producto creado.
Características del surrealismo
El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó
invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está
detrás del mundo real.
Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por
tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía
oculto.
El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales
imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese
conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de
manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos
de la sociedad.
Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon
abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.
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¿Qué es el arte abstracto?
El arte abstracto, es un movimiento artístico que nace en Múnich (Alemania) allá por
el año 1910 de la mano de uno de los artistas rusos más importantes del siglo XX, Wasily
Kandinsky, al realizar la que sería la primera exposición de arte abstracto que llevaba
por nombre “De lo espiritual en el arte”.
El arte abstracto, lo que pretendía era dar un nuevo punto de vista de la realidad, pero
de una realidad muy alejada, basada en formas y colores, de modo que cuando te
enfrentabas a una de estas pinturas o esculturas nada tenían que ver con el mundo real.
Y es que el arte abstracto no busca la perfección o la representación de la belleza como
lo hacían otros movimientos artísticos de siglos anteriores, el arte abstracto se niega por
completo reflejar el mundo en el que vivimos.
Existen muchas teorías queriendo explicar por qué surgió el arte abstracto, nosotros lo
vamos a reducir a los siguientes motivos:
Deberías de saber que el arte en ocasiones es un fiel reflejo de la realidad, pues bien, los
artistas de principios del siglo XX, envueltos en periodos de graves crisis económicas,
políticas, con un cierto desorden social… sintieron un profundo deseo de alejarse de
aquella realidad que tanto les apenaba, y el arte abstracto fue el resultado de ello.
Otros de los motivos, fue creer que durante todo este tiempo atrás, la realidad era lo que
siempre se había representado, por lo cual, llegaría un momento en el que los temas se
agotarían. En ese sentido, es cuando surge el arte abstracto, una nueva forma de
entender la realidad muy subjetiva y particular.
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Principales características del arte abstracto
Una vez visto qué es este tipo de arte, cuando surgió, en que consiste, pasamos a ver
algunas de las características principales del arte abstracto:
Expresividad
El arte abstracto se diferencia del resto de los movimientos artísticos anteriores a este,
en la forma de expresión, y es que mientras en el romanticismo o realismo lo que el artista
expresaba eran sus propias sensaciones o sentimientos, en el arte abstracto lo que se
intenta expresar son estados puros, ya sean de conciencia e inconsciencia.
Libertad en el uso de colores
El color en el arte abstracto era junto a la forma una expresión artística más, propia
de este tipo de arte. Mientras que por ejemplo en el cubismo, su forma de expresarse era
través de formas reducidas a formas geométricas, en el arte abstracto, la libertad
cromática, el hecho de superponer colores, de mezclarlos unos encima de otros, con
variaciones dentro del mismo, de tonalidades más claras, más oscuras… es una
característica del arte abstracto.
De formas carentes
Si por algo se denomina abstracto, es por eso mismo, porque no hay formas que
representen la realidad, queremos buscar en ellas algo coherente, algo que se asemeje
a personas, elementos que nos rodean en nuestro mundo, sin embargo, esas formas a
veces no son más que líneas rectas y curvas que se entrecruzan u formas geométricas,
pero sin ningún sentido.
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El Constructivismo coincide con las características de diferentes vanguardias como el
Cubismo, el Futurismo, el Suprematismo y el Dadaísmo.
Esta vanguardia se destacó por:
– Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar
el producto son de gran importancia.
– Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.
– Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas
matemáticamente.
– Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura
interior, propaganda, ilustraciones, etc.
– La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad
del espacio, el tiempo y la luz.
– La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas,
lineales y planas.
– Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.
– Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.
– Los objetos son geométricos y funcionales.
– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.
– Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos
modernos que simbolizan el progreso.
– Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como
en objetos).
– Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre
un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL INFORMALISMO
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Cada artista deja toda la libertad a lo imprevisto de las materias (gusto por la mancha y
por el azar) y a la aleatoriedad del gesto.
La aventura pictórica es completamente nueva: en vez de ir de un significado para
construir signos, el artista comienza por la fabricación de signos y da a continuación el
sentido.
Es matérico, con empleo de cartón, papel, hilos, cuerdas, polvo de mármol, superficies
quemadas, madera, hierro, etc.
Rebeldía frente a toda estructuración preconcebida y racional.
Fomenta la sensibilidad táctil y el valor de la textura de los materiales
El Neoplasticismo es una corriente artística propuesta por Piet Mondrian en 1920, que
surge en la búsqueda de un arte que no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más
elementales, para llegar a la esencia de un lenguaje plástico objetivo reduciéndola a
formas geométricas y colores puros para hacerla universal.
El neoplasticismo, al contrario del expresionismo abstracto, pretende ser trascendental,
abstrayéndose de la realidad externa, rigiéndose por reglas matemáticas y una
simplificación radical de la geometría, elevando así la concepción de lo abstracto a su
máxima expresión.
Este movimiento artístico se desprendió del cubismo, alejándose de la representación del
mundo real, para representar formas y colores básicos.
Características del Neoplasticismo:
En neoplasticismo se da una preferencia por el uso de la línea recta, los planos, cubos y
el ángulo recto, siendo el rectángulo una forma básica, que aparece en la mayoría de los
cuadros.
Presenta un planteamiento absolutamente racionalista, en donde prevalece lo elemental,
eliminando lo accesorio.
Empleo de colores primarios o neutros que reduce la complejidad del objeto representado
en un número limitado de tonalidades disonantes entre sí.
La pintura en el neoplasticismo se vale de una gama pequeña de contrastes y tonalidades
que expresan formas equilibradas, sin simetría, separadas de los objetos reales.
Búsqueda de la perfección y la armonía plástica, con una visualidad proporcionada y
moderada
Los pintores se alejaron del arte clásico en donde se plasmaba la realidad, para en su
lugar dibujar cualquier cosa sin tener que hacerlo con lujo de detalles; únicamente con las
formas y los colores básicos.
Los neoplasticistas buscaban proporcionar una lenguaje plástico objetivo y universalidad
en sus pinturas, de tal modo que pudiera tener significado para cualquiera que la vea.
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En el neoplasticismo se enfatiza la indagatoria de la renovación estética, obligándose a
conseguir un lenguaje plástico, objetivo y a la vez universal.
Se da una ausencia de trazos diagonales y curvilíneos, en donde la belleza se percibía
reduciendo las formas a una geometría simple.
Entre los principales representantes del neoplasticismo podemos citar a Van Doesburg,
Estéfano Viu, Georges Vantongerloo, Vilmos Huszár, Gerrit Thomas Rietveld y Jacobus
Johannes Pieter Oud por mencionar solo algunos.
El legado más importante del neoplasticismo está en el diseño debido a que con su
técnica se pudieron diseñar objetos en el área de interiores, la moda, la arquitectura, el
diseño gráfico, diseño industrial e incluso en la misma gastronomía.
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sociales.
La imagen es “The Cow” del artista Theo van Doesburg (1883–1931)
El expresionismo abstracto fue un movimiento pictórico que se dio en el siglo XX, cuya
principal característica es la afirmación de forma espontánea que tiene el individuo por
medio de la pintura. Es un arte no figurativo que no se ajusta a los límites de
la representación convencional.
Características
Sus principales características son las siguientes:
Tiene preferencia por los formatos grandes.
Se trabaja principalmente con pintura de óleo sobre lienzos.
Son motivos abstractos, aunque los trazos figurativos también suelen aparecer.
Realizan cobertura de las superficies para significar un campo abierto sin límites.
Tiene un cromatismo bastante limitado, y se usa más el blanco y el negro.
Representan rasgos de angustia y conflicto.
Rechazan el convencionalismo estético, pero tienen libre expresión y subjetiva del
inconsciente.
Valoran lo accidental y tienen intensidad de propósito.
Predomina el trazo gestual en las expresiones, además de un gran dinamismo.
Usan manchas y líneas llenas de ritmo.
El movimiento de arte conceptual es probablemente uno de los tipos de arte
más radicales y controvertidos del arte moderno y contemporáneo. Algunos artistas,
expertos e historiadores del arte incluso lo descartan como arte. El arte conceptual se
basa en la idea que dice que la esencia del arte es una idea o concepto, y que puede
existir de formas diferentes y en ausencia de un objeto como su representación. Algunos
artistas conceptuales creen que el arte es creado por el espectador, no por el artista o la
obra de arte en sí.
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El arte conceptual, es también conocido con los nombre de information art, software
art o idea art y también puede decirse que consiste en la creación artística en la cual lo
más importante es el concepto de la obra. Es un arte que busca cómo mantener la
experiencia estética sin elaboración artística, el valor plástico de los objetos,
la información y el conocimiento basado en el contenido conceptual desarrollado.
Características del arte conceptual
Entre las principales características del arte conceptual mencionamos las siguientes:
Dado que las ideas y los conceptos son la característica principal del arte, la estética y
las preocupaciones materiales tienen un papel secundario en el arte conceptual.
Los temas del arte conceptual pueden dedicarse
a explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar la realidad actual del entorno
social, político o económico.
Utiliza la ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión
y la lectura del concepto artístico.
Se reduce la presencia material de la obra, lo que se conoce como desmaterialización
del arte, y ésta es una de las características principales.
Nació como una reacción contra los principios del formalismo.
El arte conceptual es un término muy amplio e incluye varias prácticas artísticas
El arte corporal (o en inglés, body art) es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de
gran relevancia en los años 1970 en Europa y, en especial, en Africa.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta (pintura corporal), se tatúa, se
añaden piercings, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el
molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una
documentación fotográfica o videográfica posterior. E incluso se marca el cuerpo con
heridas leves.
Ad
Reinhardt Marcel Duchamp
El Arte Óptico está basado en principios científicos rigurosos que permiten producir
efectos visuales inéditos, creando ilusiones ópticas originales a través de la utilización de
estructuras repetidas en un orden determinado, construyendo perspectivas que el ojo no
puede fijar en el espacio.
A través de distintos efectos podemos descubrir convexidades a partir de figuras que
comparten sus contornos, o efectos donde la interferencia de líneas y círculos
concéntricos conllevan a ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
Victor Vasarely es considerado el padre del arte óptico, encontrando también artistas
destacados como Antonio Lizarazu Balué, Bridget Riley, , Triond, Supernova, Yaacov
Agam, Richard Anuszkiewic, Michael Kidner, Eusebio Sempere, por mencionar algunos.
“La geometría es capaz de representar las leyes del universo, el camino está en la
búsqueda de la geometría en el interior de la naturaleza” Vasarely
Características principales del arte óptico:
Son representaciones artísticas derivadas de la abstracción geométrica
El objetivo del arte óptico es producir y crear efectos visuales únicos
Son obras físicamente inmóviles, con efectos de profundidad y movimiento
Utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables
Utilizan los colores, la luz y las sombras con una gran habilidad
Contrastes marcados cromáticos, que pueden ser bicromáticos o polis
Utilización de figuras geométricas (rectángulos, triángulos, círculos, cuadrados)
Crean un complejo de tensiones visualesdando la sensación de movimiento
Utiliza la técnica de pintura al acrílico, para obtener bases definidas y limpias
Realizan cambios de tamaños, figuras y formas mezclándolas y/o repitiéndolas
Podemos encontrar esculturas dentro de esta corriente artística
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Utiliza técnicas como líneas paralelas sinuosas o rectas.
Aun cuando muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico e
impersonal, el espectador de cada obra puede cambiar la configuración que tiene.
¡El arte óptico, un arte para admirar que te dejará con el ojo cuadrado!
La imagen del artículo corresponde a la obra: “Vega III”, del artista Victor Vasarely, 1959
Entre las características del arte cinético se destacan: el rechazo a cualquier referente
narrativo, literario o anecdótico; la desvinculación de la obra de arte con respecto a su
creador, la abolición del soporte tradicional del cuadro, la incorporación de materiales
inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit, etc.) y la intención
de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del urbanismo.
El arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero en la mayoría de las obras
el movimiento es real, no virtual.
Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.
La mayoría de las obras cinéticas son tridimensionales, se despegan del plano
bidimensional.
Los recursos para crear movimiento son casi infinitos, tales como el viento, el agua,
motores, luz, electromagnetismo.
Busca la integración entre obra y espectador.
El pop art es un movimiento artístico que surge a mediados del siglo XX en Londres
Inglaterra y posteriormente a finales de los años 50 en Nueva York.
Dicha corriente artística, surge como una reacción contra la corriente dominante del
momento, el Expresionismo abstracto, identificado con la parte elitista de la sociedad.
El Pop Art se caracteriza por realzar aspectos de la vida cotidiana como personajes del
espectáculo o la política, intentando retratar la realidad del momento a través de
representaciones de imágenes y objetos populares como latas, botellas o empaques de
algún producto popular.
92
Esta corriente artística se desarrolla dentro del marco del capitalismo y la reproducción
industrial, por lo que podemos decir que estamos frente a un arte reproducible, donde
cada persona puede tener acceso a él.
En este post Capital del Arte te comparte algunas de las principales características del
Pop Art, ¡Toma Nota!
Características del pop art:
Uso constante de la publicidad y los comics: Hace uso de diversos objetos de
inspiración basados en la cultura urbana y popular, por lo que se da un uso muy marcado
de collages como medio de exposición de las ideas o emociones del artista.
Tipo de materiales empleados: Todo tipo de materiales, desde diferentes clases de
pinturas como las ceras o el óleo, hasta otros elementos como las fotografías
Oposición a los movimientos precedentes: Como ya mencionamos, este movimiento
artístico se opone a movimientos imperantes como lo es el expresionismo abstracto,
mismo que era considerado vacío y elitista; así como a algunas corrientes del
modernismo.
Lenguaje figurativo y realista: Como medio para expresar las diferentes costumbre,
culturas, apariencias e ideas del mundo contemporáneo, mediante temas que reflejaban
una sociedad de consumo.
Uso excesivo del collage: En el Pop Art podemos encontrar recortes de revistas,
periódicos, libros, fotografías, propagandas, formando collage.
Uso del erotismo y del desnudo: Es común encontrar obras del Pop Art como carteles,
folletos o fotografías de propagandas y anuncios publicitarios, comics, películas o
animaciones con desnudos o escenas eróticas llevado a niveles exuberantes.
Publicidad de objetos cotidianos: Este movimiento es empelado como expresión del
arte cotidiano urbano en el que se vive; por lo que con frecuencia usaban productos y
utensilios cotidianos, como latas de refrescos, revistas, secadoras, tijeras, productos de
limpieza, refrigeradores, automóviles, radios y televisores.
TRANSVANGUARDIA
El concepto de Transvanguardia fue acuñado a fines de los años sesenta por el crítico
Achille Bonito Oliva, quien definió las principales características de esta tendencia:
reacción contra los artistas del Arte Povera, posición nómada respecto a los lenguajes del
pasado, sin respetar ninguna filiación determinada; carácter discontinuo de las obras, que
las aleja de toda posibilidad de repetición, en contraste con el Pop; valoración de
pequeños sucesos: no mitifican, sino que tratan de provocar la sonrisa del espectador; se
emplean técnicas y gamas cromáticas variadas, formatos de gran tamaño tomados
del Informalismo y carácter decorativo de la pintura por medio del empleo de signos
abstractos o figurativos repetidos en distintas zonas del cuadro.
Sus artistas más representativos fueron Sandro Chia, Horacio de Sosa Cordero, Enzo
Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De Maria y Mimmo Paladino.
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• Reconocer la influencia de movimientos y/o estilos de las Artes Visuales occidentales
de finales del siglo XIX, principios del siglo XX y contemporáneo en el arte chileno.
94
Luis Vargas Rosas
Enrique Zañartu
Escultura:
Lily Garafulic
Extranjeros
Se nombran dependiendo de la tendencia, en el estilo o movimiento correspondiente
Art Nouveau: Entre 1890 y 1914 aprox. Estilo decorativo creado en oposición al
historicismo académico predominante en el arte del siglo XIX.
Su rasgo más característico es el uso de líneas largas, lentas, curvas, sinuosas y
asimétricas basadas en formas vegetales, elementos de la vida orgánica e inorgánica,
arabescos abstractos y composiciones geometrizantes.
Sus más típicas manifestaciones se produjeron en la arquitectura, las artes aplicadas e
industriales, el arte mobiliar, la obra gráfica y la ilustración. Se conoce en Francia con el
nombre de Modern Style, en Alemania como Jugendstil, en Austria Sezessionstil, en Italia
Stile Liberty y, en España como Modernismo. Se caracteriza por el factor individualista y
artesano que depende de la personalidad de cada artista.
La actitud fundamental de estos artistas es la de dar al arte una función social, llevarlo a
las masas, empeñarse por doquier en hallar los medios para provocar una comunicación
inmediata.
Miran y buscan en lo contemporáneo su nueva forma de expresión: nuevos materiales,
descubrimientos técnicos y producción a escala. Todo lo que es funcional tiende a
95
convertirse en decorativo, así como todo motivo ornamental tiende también a asumir un
valor práctico.
Nacionales
Arquitectura:
Luciano Kulczewski
Extranjeros
Arquitectura:
Antonio Gaudí
Héctor Guimard
Víctor Horta
Diseño:
Luis Comfort Tiffany
Emille Gallé
Alphonse Mucha
Henri Van der Velde
Arte Cinético: Alrededor de 1950. Corresponde al arte que incorpora movimiento real o
aparente. Destinado a moverse y a provocar efectos ópticos.
Se crean esculturas compuestas de piezas planas de metal colgadas de alambres y que
se mueven por una combinación de corrientes de aire y de su propia tensión estructural,
denominadas móviles.
En un sentido más amplio puede hacer referencia a otros fenómenos, como películas de
cine, happenings y animaciones.
Nacionales
Pintura: Matilde Pérez
Escultura: Carlos Ortúzar
Extranjeros
Pintura: Laszlo Moholy
Nagy
Escultura:
Martha Boto
Alexander Calder
Naum Gabo
Julio Le Parc
96
Vladimir Tatlin
Nicolás Schöffer
Arte Conceptual: Desde comienzos de 1960. Abarca varias formas de arte tales como
fotografía, grabaciones sonoras y de video, instalaciones, acciones de arte y otras en las
que la idea de una obra es considerada más importante que el producto ejecutado, si es
que él mismo existe. La mayoría de los artistas conceptuales hacen sus producciones
deliberadamente anodinas, tópicas o triviales. Desde un punto de vista visual despliegan
ideas y proyectos en forma de bocetos y diseños que incitan a la acción o a la reflexión,
con intención de dirigir la atención hacia la idea que expresan. Se considera que plantea
interrogantes acerca de la naturaleza del arte, ampliando provocativamente sus límites;
para el público en general y para ciertos críticos a menudo suele resultar pretencioso y
vacío.
Nacionales
Instalación:
Juan Pablo Langlois
Catalina Parra
Acciones de Arte:
Lotty Rossenfeld
Humberto Nilo
Extranjeros
Instalación:
Jannis Kounellis, Joseph
Beuys, Joseph Kosuth,
Franz Erhard Walther,
Barry Flanagan
97
Arte Corporal: Desde 1966. Con sus antecedentes en los tatuajes y en la decoración
que algunas culturas primitivas o exóticas realizan sobre el cuerpo, los artistas corporales
buscan la originalidad cambiando el soporte tradicional de la tela para pintar sobre la piel
de cuerpos desnudos. Es una variedad del arte conceptual.
La pintura en este tipo de arte se realiza directamente sobre la piel de los cuerpos,
especialmente sobre el propio cuerpo del artista como materia o espacio de
experimentación estética.
Nacionales
Carlos Leppe
Extranjeros
Bruce Naumann
Voito Aconcci
Gilbert and George
98
Arte de Envolver: Desde 1980 . En una especie de repudio de los valores plásticos y
una búsqueda de lo inédito, el artista sugiere lo misterioso al recubrir los modelos con
materiales como nylon semitraslúcido.
Los objetos envueltos son variados y van desde un maniquí a un edificio o un elemento
de la naturaleza.
Nacionales
Hasta ahora no han surgido en Chile artistas que desarrollen este tipo de expresión.
Extranjeros
Christo
99
100
Arte del Entorno (Environments) Arte Povera (En Italia): Surge alrededor de 1970. En
él se unifican diversos aspectos del arte conceptual, minimal y la performance.
Se encuentra dentro de las posibilidades creativas de arte de un carácter efímero.
Son arreglos tridimensionales derivados del Pop, tales como escenarios de la vida diaria,
con figuras humanas a tamaño real y toda la ambientación, ojalá hasta con sus olores.
Estos artistas buscan un lenguaje emotivo con materiales que pueden ser considerados
tecnológicamente pobres en un mundo tecnológicamente rico.
Se utilizan materiales “sin valor”: cartón, arpillera, pintura y auténticos desperdicios
callejeros. Hacen hincapié en el empleo de materiales corrientes tales como la arena, las
piedras, las astillas, etc. y en la naturaleza perecedera de las obras no aptas para ser
coleccionadas.
Nacionales
Francisco Brugnoli
Virginia Errázuriz
Hugo Marín
Víctor Hugo Núñez
Extranjeros
Carl André
Richard Long
Antoni Tapies
101
Arte Pop Arte Óptico Arte
Arte Minimal: Alrededor de 1960. Tendencia artística en la que sólo se utilizaban formas
geométricas elementales, reduciendo el contenido y la forma de la obra de arte a un
vocabulario de formas escaso y simple. Un principio importante es la repetición de
estructuras geométricas, eliminando cualquier tipo de ilusión o metáfora. Su
impersonalidad es considerada una reacción contra el emocionalismo del Expresionismo
Abstracto.
Los artistas de este estilo rechazan la textura, el tema, la atmósfera, etc. y reducen las
formas y los colores a sus exponentes más simples.
Nacionales
No se dan en Chile artistas que se destaquen
Extranjeros
Pintura:
Agnes Martin
Ad Reinhardt
Frank Stella
Escultura:
Carl André
Jaacov Agam
Eduardo Chillida
Donald Judd
Barnett Newmann
Arquitectura:
Philip Jonson
102
Arte Optico: Alrededor de 1964. Es una variante del arte geométrico, se basa en las
ilusiones ópticas que se producen en la retina sugiriendo movimiento y efectos cromáticos
y formales dinámicos, de vértigo, vibración y brillo. El artista op utiliza instrumentos
técnicos como escuadras, compás y tiralíneas, para realizar sus obras, acercándose con
ello a los diseños geométricos de ingeniería y sugiriendo la tecnología del mundo de hoy.
El op art quiere romper las barreras entre arte y tecnología. Los medios utilizados son la
pintura, la escultura, el grabado y el dibujo entre otros. Su técnica es sobria, minuciosa e
impersonal.
Es un tipo de arte que depende del espectador y que ha tenido una gran influencia en el
diseño de la moda y la decoración.
Se utilizan materiales producidos por la industria moderna: plásticos, pinturas acrílicas
luminosas; en las piezas cinéticas tridimensionales, iluminación eléctrica, motores y
aparatos electrónicos. Existe una tendencia a establecer relaciones con diversas ramas
científicas y una convergencia de intereses con el mundo del diseño industrial.
Extranjeros
Pintura:
Jaacov Agam
Carlos Cruz Diez
Bridget Riley
Jesús Soto
Frank Stella
Víctor Vasarely
103
Arte Pop: Finales década 1950 a comienzos década 1970. Su motivación se encuentra
en la imaginería del mundo del consumo y de la cultura popular, tales como historietas
ilustradas, anuncios, envases e imágenes de televisión y del cine. También está presente
un fuerte arraigo sentimental con lo cotidiano. R. Hamilton lo definía como
“popular, pasajero, perecedero, barato, producido en serie, joven, ingenioso, erótico,
artero, encantador y un negocio a gran escala”.
Usan técnicas pictóricas y comerciales muy precisas, casi fotográficas, por ejemplo la
serigrafía y el uso de aerógrafo.
Se mezclan técnicas del pincel, collage fotográfico y/o técnicas mecánicas.
Nacionales
Guillermo Núñez
104
Extranjeros
Pintura:
Peter Blake
Richard Hamilton
Peter Phillips
Allen Jones
Andy Warhol
Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg
Jasper Johns
105
Bauhaus: Entre 1919 y 1933 aprox. Escuela alemana: sostiene que hay un solo arte
indivisible, con varias ramas. Lucha por la integración entre arte, arquitectura y diseño.
Intenta alcanzar una reconciliación entre la estética del diseño y las demandas de
producción de las industrias de masas.
La Bauhaus es una escuela moderna, sensible a las necesidades de la sociedad
contemporánea, que se propone integrar el arte en la vida, superando las oposiciones de
ciencia y estética, individualidad creadora y trabajo en equipo.
Por ejemplo, un grupo de grandes artistas y personalidades enfrentan juntos el problema
de un edificio en toda la complejidad de sus partes, desde el mobiliario, la decoración
hasta las estructuras murales, sin descuidar nada.
El nuevo artista debe estar familiarizado con los materiales del mismo modo que un
artesano, igualmente debe conocer sus posibilidades expresivas. Se establece una
estrecha vinculación con la industria, y muchos productos de sus talleres, sobre todo
muebles, tejidos y aparatos de luz eléctrica, llegaron a realizarse en manufacturas a gran
escala.
Característico de la Bauhaus es la estricta economía de medios y el minucioso estudio de
la naturaleza de los materiales.
En arquitectura, se utilizó la construcción a base de un entramado de acero y de hormigón
armado y vidrio, que reducía los planos de sustentación de una casa a los soportes y las
traviesas y, al mismo tiempo, hacía visible esta técnica arquitectónica hacia el exterior:
función y construcción debían formar una unidad.
Nacionales
El movimiento Bauhaus tiene influencia en Chile, sin embargo no puede hablarse de un
desarrollo puro
Extranjeros
Arquitectura:
Walter Gropius
Henry Van de Velde
Mies Van der Rohe
Escultura:
Schmidt
Pintura:
Paul Klee
Vassily Kandinski
Lyonel Feininger
Oskar Schlemmer
Diseño:
Joseph Albers
Fotografía:
Lazlo Moholy-Nagy
Artes gráficas:
Bayer y Johannes Itten
106
Constructivismo: Entre 1918 y 1925 aprox. Movimiento artístico surgido en Rusia,
basado en el cubismo y estéticamente relacionado con la ingeniería y la arquitectura.
Sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni objetos
reales ni fantasías libres del artista.
Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético.
Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos:
diseño de carteles, diseño de modas, tipografía, fotografía, arquitectura interior,
actividades propagandísticas, ilustraciones de libros.
107
En EE.UU. es llamado hard-edge painting es decir, una pintura de planos de color
nítidamente balanceados.
La nueva valoración del espacio y el componente espacio/tiempo son fundamentales. Los
constructivistas plantean que una escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino que
debe integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales
que permitan que el espacio penetre en la escultura, materiales industriales como
alambre, madera, vidrio yeso y plástico para generar esculturas transparentes que
permitan generar un puente entre la vida diaria y el arte.
Al mismo tiempo rechazan la idea de que el arte debe servir a un propósito socialmente
útil y plantean un arte estrictamente abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología
moderna.
Luego se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista ingeniero
y la función de resolver necesidades sociales.
Nacionales
Escultura:
Marta Colvin
Sergio Castillo
Extranjeros
Pintura:
Kasimir Malevitch
Frantisek Kupka
Max Bill
Joaquín Torres García
Escultura:
Antoine Pevsner
Naum Gabo
Arquitectura y diseño:
Vladimir Tatlin
Alexander Rodchenko
108
Cubismo: Entre 1907 y 1914 aprox. Se rompen las formas existentes para obtener así
material para construir una forma nueva, primero corta facetas de los objetos y después
las presenta desde varios lados, para dar una visión más completa del objeto retratado,
en estructuras predominantemente geométricas y el color extremadamente apagado.
Luego de esta experimentación formal llega a una verdadera y efectiva imagen conceptual
de las cosas, representando lo que el artista sabe de las cosas, no lo que ve, es una
reconstrucción intelectual.
La superficie pintada no pretende dar la ilusión de profundidad, sino que es plana y
variada. De la etapa analítica, en la cual la realidad es descompuesta en todos sus
elementos constitutivos, se pasa a la sintética, que ofrece una imagen de la realidad
sumaria en la forma, lograda por medio de anchos planos plásticos, formas mucho más
decorativas y un color más fuerte.
Se caracteriza por una gama cromática muy reducida y apagada, los temas parecen
insignificantes y se repiten incansablemente. En el cubismo sintético, el color se vuelve
mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas, introduciéndose en las pinturas
elementos como letras recortadas y trozos de periódico.
El uso de gran cantidad de gouache y la búsqueda de una variedad de texturas da lugar
a la técnica del collage a partir de papeles pegados.
En la escultura se acentúa la simplificación de las masas, entendiéndose como un medio
para un estudio más profundo de la realidad. Analiza las relaciones y las proporciones,
no revestidas de forma sino animadas por un tono local convencional, ocre o siena, que
hacen virar la sombra o la luz en un mundo sin atmósfera y sin movimiento. Los escultores
cubistas utilizan materiales como: placas de cartón, placas de metal, materiales de la vida
diaria como combinaciones de plástico, hierro, cobre, plata, bronce, terracota, piedras
policromadas y yeso.
Nacionales
Escultura:
Abelardo Bustamante
Extranjeros
Pintura:
Pablo Picasso
Georges Braque
109
Cavalcanti
Stuart Davis
Roger de la Fresnaye
Charles Demuth
Juan Gris
Fernand Léger
Alessandro Petorutti
Jacques Villon
Escultura:
Alexander Archipenko
Constantin Brancusi
Raimond Duchamp-Villon
Julio González
Henri Laurens
Jacques Lipchitz
Ossip Zadkine
110
Dadaísmo: Se inicia alrededor de 1916. En este movimiento artístico de protesta, los
artistas recurren a la utilización de métodos incomprensibles que se apoyan en lo absurdo
e irracional. Expresan rechazo a todos los valores sociales y éticos del momento. Incluyen
el azar y elementos de desecho para determinar las obras. Su principio es romper con
todos los valores burgueses, no soportar los límites asignados al arte o a la moral, darse
111
el derecho a la contradicción, a la injuria, a lo gratuito y a lo absurdo. Se objetiva lo
inconsciente, lo subjetivo y lo irracional. Se inicia la idea de antiarte.
Entre sus formas de expresión se encuentran el montaje, el collage y aparecen los Ready-
Made o assemblages que son objetos manufacturados privados de su sentido funcional,
solos o combinados y elevados a obra de arte.
Los objetos ya están hechos, la intervención del artista es meramente intelectual
inaprehensible en términos materiales.
Extranjeros
Jean Arp
Marcel Duchamp
Richard Huelsenbeck
Francis Picabia
Man Ray
D Expresionismo
112
Expresionismo: Entre 1903 y 1930 aprox. Estos artistas buscan la expresión apasionada
de los sentimientos que experimentan, una reacción exacerbada de los sentimientos; con
este objetivo línea, forma y color están alterados, y van más allá de lo que es la realidad,
eliminan los detalles y exageran lo que les parece de primordial importancia. Sus
imágenes alcanzan la máxima intensidad, pueden llegar a la deformación e incluso a la
caricatura. Están en contra del academicismo convencional y la descomposición de la
forma (impresionistas) así como en contra del racionalismo en el arte. Palabras como
instinto, intuición, depresión y angustia por el caos en el mundo, están relacionadas a
estos artistas.
En otros autores el énfasis esta puesto en la aplicación del color, la realidad, cualquiera
que ella sea, está representada con absoluta libertad, sin preocupaciones naturalistas o
teóricas. Utilizan formas de contornos duros y angulosos muchas veces en negro y
delineadas por pinceladas rápidas.
En escultura Lehmbruck usa frecuentemente un tratamiento rugoso de la materia,
combinando y contrastando superficies mates con superficies pulidas y brillantes.
En arquitectura se introduce lo que hoy día se conoce como “identidad de empresa”, en
ella se incluyen el logotipo, papel de carta, lámparas y utensilios domésticos, hasta los
edificios propiamente tales.
En su sentido más amplio el término expresionismo se aplica a cualquier forma de arte
en la que predomina el sentimiento subjetivo por encima de la observación objetiva,
reflejándose el estado anímico del artista más que las imágenes que conforman nuestra
experiencia visual.
Nacionales
Pintura:
Augusto Barcia
Ximena Cristi
Enriqueta Petit
Escultura:
Tótila Albert
113
Extranjeros
Pintura:
Max Beckmann
James Ensor
Grupo Der Blaue Reiter
Grupo Die Brucke
Otto Dix, George Grosz,
Erico Heckel, Vassily
Kandinsky, Ernst Ludwig
Kirchner, Paul Klee, Oskar
Kokoschka, Franz Marc,
August Macke, Paula
Modersohn-Becker,
Edvard Munch, Emil
Nolde, Max Pechstein,
Karl Schmidt-Rottluff
Escultura:
Ernst Barlach
Wilhelm Lehmbruck
Arquitectura.
Peter Behrens, Bruno Taut
114
Fauvismo: Entre 1905 y 1910 aprox. Sin ser una escuela en términos formales, reúne a
un grupo de artistas que manifiestan una necesidad expresiva frente a la realidad del
mundo. La fuerza de su expresión, los hizo conocidos como las “fieras”, traducción de
“fauve”.
El color y los símbolos no corresponden al reflejo de la realidad, poseen más bien un
carácter emocional.
Valorizan la expresividad del color puro, más intenso y vibrante por el juego lineal de los
contornos. La forma no sigue cánones clásicos de belleza.
Su técnica se libera de todo academicismo. Usan generosamente la materia pictórica, los
colores puros y las yuxtaposiciones estridentes, el lienzo debía tener su propia autonomía.
Extranjeros
Henry Matisse
115
Futurismo: Entre 1909 y 1914 aprox. Se basan en los conceptos einstenianos de tiempo
y espacio y quieren ir más allá de sus consecuencias.
Su lema: todo se mueve, todo corre, todo se transforma continuamente.
Se aspira a pintar o esculpir el modelo no solamente en un momento dado e inmóvil, sino
en las diferentes fases de su trayectoria, en algunos casos descomponiendo el
movimiento.
Igual lo hacen los dibujantes en las películas de dibujos animados.
Su propósito fundamental, perfilado en varios manifiestos, era romper con el pasado y su
cultura académica, y celebrar el dinamismo y el poder de la tecnología moderna.
En la pintura cada artista resuelve de manera personal el problema futurista: a través del
color, insertando caracteres de imprenta o aplicando la técnica del divisionismo o
puntillismo.
116
Lo que el escultor futurista crea es, en cierto modo, el punto ideal que une el infinito
plástico exterior al infinito plástico interior. Sus objetos no terminan nunca, se entrecruzan
con innumerables combinaciones y choques. La emoción del espectador ha de ocupar el
centro de la obra escultórica.
En arquitectura los futuristas se dedicaron principalmente a las construcciones útiles, a la
técnica o a la comunicación, es decir a centrales eléctricas, estaciones de ferrocarril,
campos de aviación y rascacielos, mostrando al mismo tiempo, un interés mayor por el
caos urbano de las metrópolis.
Extranjeros
Pintura y Escultura:
Humberto Boccioni
Giacomo Balla
Pintura:
Carlo Carrá
Gino Severini
Luis Russolo
Arquitectura:
Antonio Sant’Elia
Virgilio Marchi
Henry de Sauvage
117
Grupo Fluxus: Alrededor de 1959. Movimiento artístico consagrado a organizar actos
provocadores y happenings.
El happening es un acontecimiento espectáculo planeado, aunque con cierto grado de
espontaneidad, sin argumento.
En él, el artista dirige una función combinando elementos del teatro y de las artes visuales.
Rechaza los principios tradicionales de perfección artesanal y permanencia de las artes.
Tiene relación con el assemblage y el environment, con el teatro y el Performance Art.
Ejemplo de ellos se encuentra en las representaciones organizadas como actos de
carácter político- social o propagandísticos. Es fundamental en el happening la integración
del espectador como participante en la acción.
Plantean el valor de lo efímero, de lo que pasa y no puede retenerse.
Se utilizan materiales propios del teatro, vestuario, escenografía, etc., así como también
materiales más propios de las artes visuales.
Extranjeros
Joseph Beuys
Joan Brossa
Jim Dine
Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg
118
Hiperrealismo: Finales de la década de 1960 hasta hoy. Movimiento artístico en que los
temas son representados con una exactitud de detalle minuciosa e impersonal, agudeza
óptica que supera la del objetivo fotográfico y llevada a cabo con virtuosismo técnico. No
hay una visión subjetiva de la realidad, sus imágenes son frías.
También se ha denominado Superrealismo y Realismo
Fotográfico o Fotorrealismo.
Algunos de los representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con
igual agudeza y precisión todo el cuadro. En algunos casos se utiliza el gigantismo de los
tamaños y la aplicación de la pintura plana, que no sólo no siente ningún interés por la
calidad de la superficie, sino que aspira a producir la impresión de inmensas ampliaciones
fotográficas.
Nacionales
Pintura:
Jaime Bendersky (en sus
primeras épocas)
Claudio Bravo
Extranjeros
Pintura:
Richard Beckwell
John C. Kacere
Chuck Close
Don Eddy
Richard Estes
Noel Mahaffrey
Escultura:
John de Andrea
119
Informalismo: Desde 1940 aprox. Su nombre insinúa la oposición a la rigidez formal de
los estilos geométricos más intelectuales. Pintura abstracta y concreta al mismo tiempo,
en la que el espectador se ve obligado a dar una expresión determinada a los diferentes
elementos que aparecen en el cuadro mediante una labor intelectual propia. También es
propio su carácter espontáneo y subjetivo. El término Informalismo es más o menos
sinónimo de Tachismo y puede traducirse más como “sin forma” que como “informal”,
también se ha utilizado la expresión “Arte Otro”.
La pintura se presenta en algunas obras con un empaste seco, duro y muy material,
introduciéndose en ella también productos naturales como tierra, paja o pelos.
Nacionales
Pintura:
Grupo Signo
Gracia Barrios
José Balmes
Roser Bru
Eduardo Martínez Bonatti
Alberto Pérez
Extranjeros
Pintura:
George Baselitz
Anselm Kiefer
Gerhard Richter
120
Neoplasticismo: Se inicia alrededor de 1917 Tiende a la representación de los
elementos de la plástica pura: planos, líneas y colores. Se crean imágenes estructuradas
con extremo rigor intelectual, utilizando los tres colores primarios rojo, amarillo y azul, a
los que se agregan los acromáticos blanco, negro y gris. Trabajan los colores en forma
plana, sin texturas ni gradaciones.
Es una pintura cerebral, árida, fría, controlada y geometrizante que pretende traducir el
orden interno, racional y estructural que se deduce de la realidad exterior. Parte de la
premisa de que el arte debe desnaturalizarse; liberarse de cualquier relación figurativa
con los detalles aislados de los objetos naturales. Con ello escapará del individualismo
de lo particular y podrá expresar un ideal de armonía universal. Las formas puras de la
geometría y las relaciones matemáticas constantes sirven de base a las obras de estos
artistas. En arquitectura alcanzan resultados notables, en el campo de un funcionalismo
severo. También es llamado arte anorgánico o arte concreto, por concretizar las imágenes
que siente y piensa el hombre; arte absoluto, por ser independiente, sin referencia a la
naturaleza y por basarse en sus propias leyes.
Nacionales
Pintura: Elsa Bolívar,
Luis Droguett, Robinson
Mora, Carmen Piemonte,
Gustavo Poblete, Ramón
Vergara Grez, Waldo Vila,
Grupo Rectángulo, Grupo
Forma y Espacio.
Extranjeros
Pintura: Piet Mondrian,
Theo Van Doesburg
Escultura:
121
Georges Vantongerloo
Arquitectura:
Jacobus Johannes, Pieter
Oud, Gerrit T.Rietveld,
Carlos Van Eesteren, J.Wils
122
Surrealismo: Desde 1924 aprox. Se busca dar a conocer visiones del subconsciente, se
reemplaza la visión racional de las cosas por una interpretación casi mágica de la realidad
basada en relaciones aparentemente irracionales, se crean disonancias con la realidad.
El ambiente es inverosímil y se combinan aspectos reales con elementos de fantasía,
creando así un clima de suspenso horripilante o de sueño. Esto es acentuado por la
yuxtaposición de objetos sin relación, fuera del mundo cotidiano. Un horizonte bajo, muy
lejano y símbolos del psicoanálisis aparecen frecuentemente en los cuadros de esta
orientación, que también suelen usar una perspectiva acentuada y una aguda iluminación
irreal de las escenas. Se intenta llegar a un absoluto equilibrio en cuanto al color y a las
proporciones espaciales.
Su técnica es minuciosa pintando cada detalle en forma fotográfica. Se mezcla y usan
diversos medios como: dibujo, pintura, fotografía, cine, escultura, grabado y técnicas
como el collage, el ready-made, objetos encontrados, poema-objeto, frottage, imagen
múltiple, calco (transferencia de un papel a otro de acuarelas o dibujos a tinta mediante
una presión).
Buscando combinaciones técnicas que despojen a los objetos de su significado
tradicional.
En escultura se desarrolla la práctica de la escultura en metal y continúa la estatuaria
tradicional. La combinación aparentemente caótica de materiales heterogéneos se orienta
hacia la expresión de los más profundos sentimientos del alma.
Nacionales
Pintura:
Mario Carreño
Roberto Matta
Rodolfo Opazo
Extranjeros
Pintura:
Víctor Brauner
Salvador Dalí
Giorgio de Chirico
Paul Delvaux
Oscar Domínguez
Max Ernst
Wilfredo Lam
René Magritte
André Masson
Joan Miró
Ives Tanguy
Escultura:
Jean Arp, Alberto Giacometti
Tachismo: Entre 1940 y 1950 aprox. Las obras se crean sin una forma ni una idea
predeterminadas, sólo puras manchas de color. Se pretende ser completamente
espontáneo e instintivo, excluyendo lo deliberado y la planificación formal. En algunos
países se habla de Manchismo, en otros casos de Abstracción Lírica y Arte Informal.
123
Su técnica es análoga a la de los impresionistas, por lo que se le ha llamado
Impresionismo Abstracto. Aunque menos agresivas que las obras de los expresionistas
abstractos norteamericanos, su técnica se caracteriza por brochazos y manchas de color.
Extranjeros
Pintura:
Jean Fautrier
Georges Matthieu
Alfred Otto Wols
124
2.4 Principales manifestaciones arquitectónicas del siglo XX y contemporáneas
125
Arquitectura Modernista
Introducción a la Arquitectura Modernista
A caballo entre dos siglos (1890-1910), la arquitectura modernista representa la transición
de la arquitectura decimonónica a la arquitectura del S. XX. Su denominación implica la
idea de innovación, novedad y proyección de futuro. El precedente hay que buscarlo en
Williams Morris y en la Red House (Casa Roja). Él fue el verdadero inspirador de los "Arts
and Crafts", movimiento que se caracteriza por la revalorización del trabajo artesanal
frente a la deshumanización de la producción industrial y que poco a poco irá derivando
en el Modernismo, que intenta la renovación y mejora artesanal aplicándolo a la máquina.
126
manifestación burguesa con un fuerte componente ornamental inspirado en la naturaleza,
la flora y la fauna.
Rechazan los esquemas simétricos en pro de lo ondulado, que transmite vitalidad, fuerza,
asimetría e irregularidad. Se intenta expresar un componente de optimismo, que
corresponde al estado psicológico de la clase social. Adquiere gran importancia el diseño
y el deseo de integración de todas las artes, lo que convierte a los edificios de arquitectura
modernista en obras muy atractivas.
En cuanto a los planteamientos arquitectónicos se trata de utilizar los nuevos materiales
hasta las últimas consecuencias, no sólo por su utilidad espacial sino también por sus
posibilidades expresivas. En lugar de copiar las formas clásicas (columnas, frontones,
etc.) se busca la inspiración en los procesos y las formas de la naturaleza. Esta
admiración por la naturaleza no se limita a la decoración sino también a la planta y a la
estructura del edificio, concebido como un organismo vivo coherente en todas sus partes.
Racionalismo (arquitectura)
Casa Farnsworth (1946), de Ludwig Mies van der Rohe, Plano, Illinois (Estados Unidos)
El racionalismo, también llamado Estilo internacional o Movimiento moderno, fue un
estilo arquitectónico que se desarrolló en todo el mundo entre 1925 y 1965,
aproximadamente. Suele ser considerado como la principal tendencia arquitectónica de
la primera mitad del siglo XX. Fue un movimiento de amplio alcance internacional, que se
desarrolló por toda Europa, Estados Unidos y numerosos países del resto del mundo.
Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillas y
funcionales, basadas en formas geométricas simples y materiales de orden industrial
(acero, hormigón, vidrio), al tiempo que renunciaba a la ornamentación excesiva y
otorgaba una gran importancia al diseño, que era igualmente sencillo y funcional. La
arquitectura racionalista tuvo una estrecha relación con los adelantos tecnológicos y la
producción industrial, especialmente por la defensa acérrima de dicha relación
preconizada por Walter Gropius desde la fundación de la Bauhaus en 1919. También
abogó por la utilización de elementos prefabricados y módulos desmontables. Su lenguaje
formal se basaba en una geometría de líneas simples, como el cubo, el cono, el cilindro
y la esfera, y defendía el uso de planta y fachada libres y la proyección del edificio de
dentro hacia fuera. Una de sus principales premisas era el funcionalismo, una teoría que
postulaba la subordinación del lenguaje arquitectónico a su función, sin considerar su
aspecto estético o cualquier otra premisa secundaria.
127
Expresionismo
La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países
Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos
materiales, suscitado en ocasiones por el uso de formas biomórficas o por la ampliación
de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como
el ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la
Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios políticos y sociales
producto de la Revolución alemana de 1918, desembocaron en perspectivas utópicas y
un programa socialista romántico. La arquitectura expresionista recibió la influencia
del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph
Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las
realizaciones de los expresionistas destacan por su monumentalidad, el empleo del
ladrillo y la composición subjetiva, que otorga a sus obras cierto aire de excentricidad.21
Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de
cristal (1914) de Paul Scheerbart, donde ataca el funcionalismo por su falta de artisticidad
y defiende la sustitución del ladrillo por el cristal.
128
De ello resulta una nueva planta, una planta abierta; totalmente distinta de la del
clasicismo, porque los espacios interiores y exteriores se comunican.
Desaparece la subdivisión
La nueva arquitectura es abierta en lugar de cerrada. El conjunto consiste en un espacio
general, que se subdivide en distintos espacios que se refieren al confort de la vivienda.
Bauhaus
Bauhaus Dessau.
Desarrollada en el marco de la primera escuela de diseño del mundo, la arquitectura
moderna propuesta por la Bauhaus se encontraba inserta en un discurso que iba desde
el diseño de mobiliario a las artes plásticas, en una postura de vanguardia para la
129
Alemania de finales de la primera década del siglo XX. La producción industrial y el diseño
de productos se encontraban absolutamente presentes en las propuestas arquitectónicas
de la escuela, que adoptan una fuerte postura que evita referirse a herencias o referentes
pasados. Uno de sus fundadores y principales nombres, Walter Gropius, apostó por
métodos de enseñanza revolucionarios, aplicando esos principios en sus obras,
modernas y funcionalistas.
El brutalismo es un estilo arquitectónico que surgió del Movimiento Moderno y que tuvo
su auge entre las décadas de 1950 y 1970.
130
nunca será idéntica, cada edificio orgánico será único. Sin embargo, debido a que la
intención de crear edificios que estén en armonía con su sitio y que permitan las
conexiones con el exterior es una filosofía fundamental compartida en toda la Arquitectura
orgánica, existen algunas características comunes.
Características de la arquitectura orgánica
Se utilizan materiales naturales: Los materiales a utilizar deberán ser fundamentalmente
de origen local provenientes de fuentes naturales o deberán estar lo menos procesado
posible. Por ejemplo los materiales de manera reciclada ya sean de origen nativo o
industrial. El objetivo de emplear estos materiales es que hayan demandado un bajo
nivel de energía en su fabricación para poder así respetar las leyes de la naturaleza.
La primera de ellas parte de un concepto más orientado hacia casas muy modernas, con
rasgos arrojados. Son construcciones más conceptuales y que llevan al pie de la letra la
idea de orgánico, inspirándose en diseños naturales y formas de seres vivos – los
capullos, por ejemplo.
Esencia de la arquitectura orgánica
La arquitectura orgánica se ve a menudo como una traducción de la idea de «todo
incluido» de diseño orgánico de Wright. Los materiales, estructuras, motivos y principios
de ordenación, en general, tienden a repetirse en todo el edificio, haciéndolos más
holísticos e intencionales.
La idea de la arquitectura orgánica se refiere no solo a la relación literal del edificio con la
naturaleza, sino también a la forma en que se implementa el diseño del edificio para
fomentar la unificación del edificio con la naturaleza como un «organismo unificado».
La arquitectura orgánica se refleja en cada elemento del edificio, desde ventanas hasta
puertas e incluso pisos y muebles. Cada componente parece estar relacionado entre sí,
reflejando el ordenamiento simbiótico de la naturaleza. Al mezclar interiores y exteriores
y mantener un ambiente armónico, la arquitectura orgánica se esfuerza por la unificación
del hábitat humano con la naturaleza.
Propuestas clave para la arquitectura orgánica
132
En su libro seminal, «La causa de la arquitectura», publicado en 1908, Wright destacó
algunos elementos importantes de la organicidad:
La simplicidad y el reposo son cualidades importantes para evaluar el valor de la
arquitectura. Por lo tanto, existe la necesidad de simplificar el diseño de la estructura,
limitando el número de habitaciones distintas al repensarlas como espacios abiertos.
Las puertas, ventanas y muebles deben combinarse con la ornamentación de la
estructura.
Un edificio debe parecer que crece de forma autóctona desde su sitio y la estructura debe
aparecer como si fuera creada por la propia naturaleza.
El color de los campos y las maderas debe inspirar la coloración principal del edificio para
manifestar la estética natural.
Enfoque modernista del diseño orgánico
Los arquitectos actuales tienen una visión complementaria, pero a veces competitiva, de
la arquitectura orgánica. El diseño orgánico de arquitectos modernistas como Louis
Sullivan, Eugene Tsui, Paul Lafooley, Hans Scharoun, etc. se destaca de los diseños
orgánicos originales propuestos por Wright.
La forma moderna a menudo implica el uso de nuevas formas de armaduras de hormigón
y voladizo. Sin usar pilares o vigas visibles, los arquitectos ahora pueden crear esos arcos
icónicos de swooping. Los edificios diseñados con un diseño orgánico moderno nunca
son solo lineales, sino que están llenos de líneas onduladas y formas curvas para
adaptarse al ambiente natural. La Ópera de Sydney es un ejemplo por excelencia de
esto.
Post-modernismo
133
DOMINIO 3: ENSEÑANZA DE LAS ARTES VISUALES
3.1. Estrategias de enseñanza de las Artes Visuales
134
Este enfoque considera las conceptualizaciones del Taller del artista de Marín (1997),
Taller del artista de Belver (2011) y la definición de Arte como saber de Agirre (2005).
Todos estos modelos poseen como denominador común el pensar en una cierta pureza
de la obra de arte, que se liga directamente con el talento del artista creador quien, al
establecer un permanente contacto hacia un aprendiz, posibilita la generación de
habilidades destinadas a obtener un producto artístico que se liga a un bien hacer desde
el punto de vista de la creación plástica.
El foco de enseñanza se dirige a lograr que los estudiantes generen una sensibilidad que
explore desde su propia percepción de lo original y sensible, aquellos aspectos técnicos
que se dan en diferentes medios de producción artístico visual. Por otra parte, se pretende
propiciar una identificación clara acerca de los contextos históricos y culturales que
rodean la obra de arte, entendida como una culminación de habilidades propias de la
sensibilidad de este artista. También se persigue justificar las afirmaciones en cuanto a
las funciones y sentidos del arte, su relación con el formalismo y el manejo instrumental
de las técnicas utilizadas. Como es de esperarse, estas técnicas se eligen tomando en
cuenta su inscripción dentro de una tradición específica, que veía en las posibilidades
plásticas del manejo de ciertos materiales nobles el campo propicio para el
desenvolvimiento competente y sensible de parte de una visión y acción privilegiados por
una excelencia técnica. La transmisión del saber se realiza por medio de la imitación y la
repetición de esquemas dados en la producción artística, y que exploran en la percepción
una suerte de mirada isométrica entre realidad y representación. La progresión de
aprendizajes se funda en la adquisición de habilidades y en la autoridad del maestro-
artista, quien ve en el cultivo de estas aptitudes la posibilidad de desarrollar un oficio al
que se dedicará en el futuro, en ocasiones con un fuerte componente vocacional.
En el aprendizaje escolar se puede detectar una visión inductiva, donde el docente guía
el proceso de aprendizaje, aplicando habilidades técnicas del oficio artístico, intentando
obtener aquello que cumple con una expectativa normada por una tradición artística
externa al estudiante, y que valida la ejecución del trabajo artístico mediante la obtención
de ciertos estándares. En este caso, la experiencia de lo estético se relaciona fuertemente
con una apreciación de los aspectos formales de la imagen como una forma de acceder
a un bien hacer en función de una sensibilidad artística que sobrepasa la sensibilidad
cotidiana.
135
Figura 11
Por otra parte, el docente asume un rol de modelador que potencia el que los estudiantes
reproduzcan estrategias técnicas y procedimientos, cumpliendo una suerte de papel de
"maestro" de la producción artística. En este rol, es necesario ofrecer retro-alimentaciones
constantes al evaluar las actuaciones de los aprendices, las decisiones en torno a la
producción de obra y las concepciones erróneas que se lleven a cabo en el transcurso
del proceso de enseñanza y aprendizaje.
Se puede afirmar que el objetivo fundamental de este enfoque es rescatar una experiencia
estética que se posiciona en tanto reflejo del quehacer "adecuado" de un artista que
establece una manera virtuosa de generar la representación como "imagen del mundo".
La vivencia o experiencia que este enfoque potencia es, quizás, restrictiva en el sentido
de que la representación "retiniana" de la realidad es el punto de referencia esencial del
quehacer artístico. Sin embargo, se trata también de la articulación de una experiencia
estética, que se da en la medida en que el o la estudiante imita la manera de desarrollar
una obra artística de acuerdo a la mediación de un maestro.
Con respecto a los inicios de la Academia de Bellas Artes, Efland et al. (2003) señalan
que "la Academia estaba encargada de transmitir los principios del arte a sus miembros
por medio de conferencias y lecciones impartidas a los estudiantes a través de dibujos
tomados del natural" (p. 64). Se otorgaba una gran importancia a los contenidos sobre
perspectiva, geometría, anatomía y al análisis de pinturas desde la óptica de categorías
tales como la invención, la proporción, el color, la expresión y la composición. Esta
progresión curricular constituye la esencia del método academicista de la enseñanza de
las artes desde finales del siglo XVII hasta finales del siglo XIX. En cierto modo, se trata
de un enfoque que va más allá de los aspectos sensibles del artista individual, para
consolidar un conocimiento compartido en torno a una exactitud técnica, fidelidad al
modelo y adecuación a normas formales fundadas en aspectos visuales. Por lo tanto, las
academias de arte instruyen artistas para que sean capaces de instalar, por medio de
conocimientos disciplinares heredados del Renacimiento, obras visuales que enaltecen
por su grado de factura mimética y técnica que comienza a desarrollarse principalmente
en Europa.
137
Figura 22
Las posibilidades y límites que posee este enfoque consideran, principalmente, el hecho
de construir un conocimiento con sus reglas, lenguaje, sistemas de trabajo, que genera
expansiones a otras áreas cognitivas, tales como la geometría dada en las formas que
buscan la armonía formal, la anatomía de las formas vivientes y los conceptos que
denominan fenómenos dados en la visualidad. Las limitantes se producen desde el
momento en que este enfoque subraya el peso de la ley formal por sobre los fenómenos
sensibles del ejecutor, en este último sentido, la tradición del quehacer puede generar un
peso que restrinja las posibilidades de expresión creativa.
138
El principal componente de este enfoque es la relación entre la producción artística y las
aplicaciones del diseño como disciplina independiente que enfatiza la solución de
problemas dados en el ámbito visual y funcional.
Este enfoque considera que las Artes Visuales son esencialmente un lenguaje, cuyo
vocabulario, y por lo tanto su forma de desarrollar conocimiento artístico, está compuesto
por elementos gráficos abstractos fundamentales como punto, línea, plano, textura y
color. El dibujo, la pintura y la escultura ya no tienen que estar focalizados en imitar la
realidad, sino que más bien pueden concentrarse en su propia realidad expresiva como
elementos autónomos. El enfoque de Arte y Diseño potencia un sentido de la imagen a
través del estudio de formas, líneas, texturas y colores con un fuerte acento en la
funcionalidad de los objetos y la claridad comunicativa de las imágenes.
139
naturaleza, plantear soluciones, revisar la información que se posee para resolverlos,
expresar sus ideas durante el proceso de resolución, para finalmente aplicar las
conclusiones obtenidas.
Figura 33
Este modelo recoge los conceptos ligados a la Expresión personal creativa (Eisner, 2004),
el Desarrollo del genio y la capacidad creadora (Marín, 1997) y el Arte como expresión
(Agirre, 2005). Un aspecto común a todos estos enfoques es que reflexionan sobre cómo
se genera la expresión de impulsos personales, estimulando el proceso de la producción
creativa, prescindiendo de directrices que se desprendan de la formación tradicional o de
estructuras formales de enseñanza y aprendizaje artístico.
140
inhumanizantes. Tal extremo genera una contraparte, la expresión espontánea, sensible
e individualizada, negada o menospreciada por la hegemonía de la racionalidad
precedente.
Dentro del ámbito educacional, la presencia del imaginario artístico visual adquiere gran
importancia, constituyéndose como estímulo en la generación de nuevos movimientos
expresionistas y reconstruccionistas de la Segunda Guerra Mundial en Europa y Estados
Unidos. Se comienza a considerar las reproducciones visuales infantiles, así como
también la concepción teórica que plantea la importancia del arte como medio para el
desarrollo de la creatividad, promovida por Lowenfeld y Brittain en la década del 50. Estos
nuevos referentes incitan al desarrollo de una educación artística que se distancie de los
marcos y normas disciplinares de las Bellas Artes establecidos en la Academia, para
otorgar licencia a la expresión espontánea, donde la imaginación es equivalente a la
creatividad vista como la individualidad que se expresa a sí misma.
Figura 44
Las potenciales ventajas de este enfoque son la conciencia que se produce en el proceso
de producción de imágenes acerca de la propia sensibilidad, la atención hacia áreas o
disciplinas de conocimiento que pueden detonar procesos de creación no contemplados
por métodos tradicionales y la conciencia acerca de la búsqueda de la innovación como
valor artístico. La principal desventaja es que a partir de la concepción de "autoexpresión",
si esta no está completamente clara, es posible que la producción e interpretación de
productos artísticos sea excesivamente relativizada y subjetiva.
La cognición resulta ser un punto focal de atención para determinar en qué medida las
Artes Visuales aportan en el desarrollo integral de los sujetos. Gran parte del trabajo de
investigadores en relación al área educacional se ha servido de algunas descripciones
dadas en el ámbito psicológico para poder establecer algunos puntos que permitan operar
en la comprensión del fenómeno del aprendizaje desde las Artes Visuales. Este análisis
de las condiciones en que se produce el aprendizaje también considera que el modo de
construir conocimiento varía dependiendo del enfoque disciplinar.
Se considera para la argumentación de este enfoque, la relación entre las Artes Visuales
y el desarrollo de formas específicas de pensamiento por una parte, por otra los vínculos
entre la disciplina artística y otras áreas de conocimiento. Las ideas que sirven de
referencias para articular la concepción de este enfoque son las relaciones que Eisner
(2004) establece entre las artes y el desarrollo cognitivo, la integración de las artes en el
currículum y la enseñanza del arte basada en las disciplinas (DBAE). Por otro lado, resulta
importante destacar la Reconstrucción disciplinar de la educación artística de Agirre
(2005).
142
artes visuales a otras materias y se suele organizar en función de cuatro acciones
concretas. En primer lugar, la comprensión de un periodo histórico concreto o una cultura
determinada, tomando en cuenta su producción cultural y artística. En segundo término,
los estudiantes identifican las similitudes y diferencias entre las distintas formas de
expresión artística visual. En tercer lugar, la exploración e identificación de una idea
fundamental que se investiga a partir de obras de arte, considerando temas de diversa
naturaleza. Por último, la resolución de ciertos desafíos específicos para que los
estudiantes puedan abordar diferentes disciplinas, incluyendo las artes (Eisner, 2004).
Figura 55
Dentro del aprendizaje escolar, el arte puede generar modos complejos del pensamiento.
Por ejemplo, cuando se le pide a los estudiantes que formalicen, a través de sus propios
conceptos, los objetivos en relación a la forma artística que desean generar. Esta acción
los invita a constituir dentro del lenguaje las expectativas que los mueven y que se
traducen en el marco de la representación visual personal o colectiva. La contemplación
de los aspectos visuales a través de la percepción sensorial, como también de la reflexión
que se genera a partir de esta visión permitiría a los estudiantes establecer una
perspectiva meta-cognitiva de sus procesos expresivos. Ello en la medida en que puedan
identificar, con la mediación de diversas estrategias del docente, los puntos en que se
apoya su propuesta de trabajo artístico. El uso de las artes para mejorar el rendimiento
establece que en la medida en que se realicen actividades de artes, mejorará su
rendimiento escolar en otras áreas, aunque se deban tener aún algunas explicaciones
alternativas a este fenómeno (Vaughn & Winner, 2000).
Dentro de este marco ¿se podría pensar en las Artes Visuales como una cognición
compleja en función de sus líneas de producción ligadas a diferentes ámbitos de
conocimiento? La investigación actual parece estar dando algunas luces al respecto.
Quizás podríamos afirmar que la producción visual de los estudiantes puede representar,
ante ellos mismos, una conexión verificable tanto a través de la percepción de la imagen
como por medio de una identificación explícita dada en el lenguaje de los vínculos de la
representación artística con otras áreas del currículum. Sería esta posibilidad, la de
ejecutar una transferencia de lo cognitivo en diferentes ámbitos del conocer, lo que
potenciaría la certeza de que las artes visuales permiten incrementar la calidad de los
aprendizajes. Sin embargo, también queda la inquietud acerca de hasta qué punto el
143
considerar a las artes visuales como complemento del curriculum puede influir en su
especificidad.
Este enfoque se basa en las descripciones de tres autores: la Cultura visual de Eisner
(2004), la Educación artística posmoderna de Belver (2011), el Arte como sistema cultural
y el Arte como experiencia estética contingente de Agirre (2005). Cabe destacar que el
modelo de Belver posee una importante base argumentativa en el enfoque de Efland et
al. (2003). Los planteamientos propuestos por estos autores coinciden en la importancia
de la posición crítica hacia las manifestaciones de la cultura visual contemporánea,
entendiendo como tal la producción de imágenes en diferentes formatos, medios y
contextos, estableciendo tanto funciones como sentidos múltiples y polisémicos.
144
codificaciones; que el valor de mejorar y profundizar nuestro entendimiento del panorama
social y cultural es una misión de las artes (Efland et al., 2003).
Analogías: La analogía es una actividad de comprensión que, como varias otras, ayuda
a los alumnos a lograr un uso activo del conocimiento, que traspase el límite de lo
enseñado por el docente y construya nuevos saberes.
Las analogías tienen múltiples funciones en el proceso de enseñanza, pero
fundamentalmente sirven para comparar, representar o explicar un contenido o eje
temático a través de procesos donde se pone en tensión o relación dos atributos
semejantes en seres o cosas diferentes.
El enfoque de la Enseñanza para la Comprensión identifica el uso de las analogías como
una de las estrategias que favorecen mejores comprensiones en los alumnos, ya que
pueden facilitar los procesos de transferencia y del uso activo del conocimiento e intentan
superar algunas perspectivas tradicionales en un esfuerzo por analizar y comprender el
qué, el cómo y el para qué enseñar y aprender.
Ilustraciones: Es una estrategia construccional. Son fotografías, dibujos, pinturas, etc.,
es uno de los tipos de información gráfica más empleada en la enseñanza; se utiliza para
expresar o reproducir objetos que no se pueden tener en su forma real.
Para utilizarlas debemos plantear las siguientes cuestiones:
a). qué imágenes deseamos presentar (calidad, cantidad, utilidad)
b). intenciones de las imágenes (describir, explicar, complementos, refuerzo)
c). a qué discurso se asocian
d). a quién van dirigidos (características de los alumnos, conocimientos previos, nivel
cognitivo)
145
Metáforas:
«El extendido uso de las metáforas en estos textos de enseñanza de los tiempos iniciales
sugiere que la metáfora es más que un simple instrumento estilístico de uso literario. La
metáfora es un ingrediente esencial de la comunicación, y por tanto de un valor educativo
notable»
Ejemplos y contraejemplos:
• Responder con lenguaje comprensivo y con rigor técnico preguntas y dudas que surgen
en los estudiantes en torno a los contenidos.
146
potenciar habilidades y actitudes transversales como el desarrollo de un discurso
coherente, la adquisición de vocabulario general y específico, el respeto por la opinión de
los pares y el descubrimiento de la riqueza presente en la diversidad.
Ejemplo 5° Básico
147
• Distinguir estrategias remediales para enfrentar las dificultades de aprendizaje de los
estudiantes, de modo que estas puedan ser superadas.
• Identificar las distintas etapas del modelo flexible del proceso creativo en los trabajos o
proyectos visuales de los estudiantes.
En este eje, se espera que los alumnos desarrollen las capacidades de descubrir y
comunicar sensaciones, emociones e ideas provocadas por la percepción del entorno, las
obras de arte y los objetos de diseño. En este proceso, se deberá incorporar
gradualmente elementos del lenguaje artístico visual, que servirán como criterios de
análisis necesarios para responder frente a la obra.
149
hacia un desarrollo de la sensibilidad estética respecto del entorno en general y de las
obras de arte en particular, así como también aprovechar el juego y las experiencias
lúdicas como formas de experimentación y apreciación especialmente enriquecedoras en
este nivel.
Para lograr los propósitos descritos, los alumnos deberán conocer manifestaciones
artísticas adecuadas a la edad, de variadas épocas, lugares y culturas, y prácticas
artísticas contemporáneas, aprovechando las posibilidades que ofrecen hoy las
tecnologías de la información. Del conocimiento de los grandes movimientos, estilos y
artistas y la apreciación de variadas obras, los estudiantes podrán obtener fuentes de
inspiración para sus expresiones artísticas y descubrir caminos divergentes para abordar
sus propios procesos creativos. Estos conocimientos permiten ampliar la selección y el
tratamiento de los diversos temas, el uso de los diferentes elementos del lenguaje visual
o la elección de materiales de acuerdo a sus propósitos.
En este eje tiene especial relevancia la apreciación del patrimonio cultural artístico-visual
local. El arte local, como expresión de la identidad de una comunidad, constituye una
excelente oportunidad para que los estudiantes pongan en práctica sus aprendizajes en
contextos que les sean familiares y significativos. El conocimiento y el análisis del arte
local contribuyen a valorarlo y a que los alumnos desarrollen actitudes de respeto y
cuidado por el patrimonio artístico de su localidad.
2. Habilidades
150
a. Expresión: se relacionan con trasmitir a otros, a través de obras y trabajos de arte, las
ideas y emociones. Un primer grupo de estas habilidades se resume en expresar la
interioridad, que implica trasmitir ideas y emociones surgidas del mundo interior de cada
estudiante. Expresar la interioridad implica, reflexionar en silencio, desarrollar la
capacidad de introspección, poner en evidencia la interioridad, desarrollar la atención, la
audición y visión interior, y comunicar de forma verbal o no verbal, pensamientos,
experiencias, emociones. Un segundo grupo consiste en expresar lo observado en una
obra o en el entorno, donde el origen de las ideas y emociones se relacionan con la
observación de obras de arte. Implica desarrollar la percepción, la observación atenta y
detallada, darle un significado personal a los elementos visuales, desarrollar de la
sensibilidad y la comunicación verbal y no verbal. Ambos grupos de habilidades se
desarrollan tanto en la creación de obras y trabajos de arte como en la apreciación de
éstos.
b. Creación: siguiendo el modelo de proceso creativo, se espera que los alumnos tengan
amplias oportunidades de desarrollar su creatividad mediante la práctica y dominio de
estas habilidades. Las habilidades de creación incluyen el imaginar, generar ideas,
planificar, experimentar y producir para la elaboración de trabajos de arte y objetos de
diseño, para posteriormente reflexionar y evaluar sus propias creaciones y las obras de
arte. La progresión de las habilidades de creación dependerá de la riqueza y diversidad
de las experiencias y obras de arte que los estudiantes conozcan y analicen.
151
Análisis crítico: este grupo de habilidades incluye los componentes necesarios para la
apreciación de obras y trabajos de arte. Combina habilidades relacionadas a la
percepción y al procesamiento y análisis de lo observado, para culminar en la apreciación
y la emisión de juicios. Estas habilidades pueden separarse en tres etapas:
c. Comunicación: Todas las disciplinas tienen formas particulares para comunicar sus
propios saberes. Las habilidades relacionadas a la comunicación son transversales a la
formación escolar y están presentes en todas las asignaturas de las Bases Curriculares
de la educación básica.
Así, la comunicación tiene un lugar privilegiado en Artes Visuales, dado que el quehacer
artístico implica necesariamente comunicar, exponer y presentar obras y trabajos de arte,
tanto propias como de otros. Este grupo de habilidades se integra y se potencia con la
expresión, dado que a mayor desarrollo de la capacidad expresiva, mayor será el
incentivo de comunicar tanto la interioridad y como lo observado en obras y trabajos de
arte.
3. Actitudes
Las Bases Curriculares de Artes Visuales promueven un conjunto de actitudes para todo
el ciclo básico, que derivan de los Objetivos de Aprendizaje Transversales (OAT). Dada
152
su relevancia en el aprendizaje, ellas se deben desarrollar de manera integrada con los
conocimientos y las habilidades de la asignatura.
Las actitudes aquí definidas son Objetivos de Aprendizaje que deben promoverse para la
formación integral de los estudiantes en la asignatura. Los establecimientos pueden
planificar, organizar, desarrollar y complementar las actitudes propuestas según sean las
necesidades de su propio proyecto y su realidad educativa.
153
3.2. Aprendizaje de las Artes Visuales
• Identificar los conocimientos previos requeridos para abordar los distintos aprendizajes
de la asignatura de Artes Visuales.
155
156
• Seleccionar actividades y determinar el uso de instrumentos de evaluación para evaluar
los aprendizajes de la asignatura de Artes Visuales.
Ejemplo 5° Básico:
157
• Caracterizar prácticas e interacciones pedagógicas que contribuyen a retroalimentar
formativamente el aprendizaje de los estudiantes ante muestras de su desempeño.
158