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12/9/17
En realidad la cultura del XIX penetra también en la del XX y el fin del XIX vive un anhelo de
cultura. Todo esto genera un arte que será bautizado con este nombre porque alude a lo
nuevo, joven y moderno. Los artistas modernistas serán los que asuman las propuestas más
rupturistas con respecto a ideales anteriores.
Esta actitud modernista engloba planteamientos estilísticos diversos, algunos de los cuales
evolucionarán hacia posturas más conservadoras, las primeras generaciones resultan más
conservadoras con respecto a artistas más jóvenes también denominados modernistas. La
época modernista es la época fin de siglo con su postura ambivalente y todo lo que ello
conlleva. Los cambios de siglo siempre están con esta ambivalencia entre lo anterior y lo que
está por llegar.
Movimiento vinculado a Cataluña porque tiene que ver también con la burguesía y ésta con la
alta sociedad de las ciudades. Es un movimiento que surge con el resurgir en muchas ciudades
de los cafés, el bohemio, planes urbanísticos. El profesor Valeriano Bozal fija la fecha de 1898,
año de la Exposición Universal, para empezar a hablar de modernismo pero ella prefiere como
comienzo la década de los ochenta. Rasgos de la modernidad:
- Búsqueda de una identidad nacional catalana que afirma sus diferencias respecto a
Madrid. En Barcelona se acentuó el cosmopolitismo así como la existencia de una
tradición propia y unas realidades social y económicas diferentes
- Incorporación de corrientes culturales y artísticas europeas que tendrán más éxito en
Cataluña como son el prerrafaelismo y el impresionismo
- Gusto de formas artísticas propias de esa tradición
- Los modernistas rechazan la pintura de historia que es la que domina el gusto de las
instituciones y exposiciones oficiales
- Afirmación de un cierto espiritualismo donde aparecen algunas orientaciones tan
dispares como el simbolismo, el Art Noveau, e incluso el arte católico
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El nuevo arte modernista se comenzó a desarrollar unos cinco años más tarde que en centros
europeos aunque tuvo una vida más larga. Estas últimas décadas del siglo XIX son despedidas
con un amargo sabor de boca por las pérdidas coloniales de Cuba Y filipinas. Y esta profunda
crisis agudizará el análisis profundo de la actualidad española de ahí que empiece a surgir la
necesidad de crear una plástica en relación a la identidad española, afirmando las diferentes
nacionalidades hispánicas e incluso también las periféricas. Necesidad de romper la visión
uniformadora.
El modernismo de estas dos últimas décadas del siglo XIX también deberíamos pensar que es
lo que ocurre fuera: París capital de las vanguardias, ciudad de movimientos como
impresionismo, postimpresionismo, cuna de la bohemia, noches de baile, café, prostitutas.
Luego la capital de las vanguardias será desplazada a Nueva York tras la IGM. París será lugar
de peregrinación de muchos artistas españoles en oposición hasta Roma que era el anterior
lugar al que se desplazaban los artistas. Paris también tiene que ver con el desarrollo del
espacio urbano y transformación de clases sociales que también empieza a darse en Barcelona.
Esto también tiene que ver con los cambios culturales. Por tanto el estudio de esta primera
década del siglo XX supone un renacimiento del arte catalán, a la cabeza de los pueblos
hispanos marcando direcciones artísticas.
Lo moderno es lo rupturista pero hay una corriente dentro del modernismo que es el
clasicismo, lo clásico es moderno porque es atemporal. El propio Picasso en su etapa rosa.
Fuera de Cataluña los gustos oscilaban entre la pintura académica e histórica: Fortuni y
Rosales. Muchas eran pintura de bodegones como pintura costumbrista y un regionalismo
folclórico. Pero Madrid también era un punto de encuentro entre artistas vascos, gallegos,
andaluces… quizá Madrid tuvo falta de cohesión en el movimiento que hablase de tradición
castiza y quizá Madrid oscilo hasta bien entrado el siglo XX entre el cosmopolitismo y el
casticismo. El rechazo de estas opciones más académicas se lleva a cabo en Cataluña con
mayor energía que en ninguna otra parte del país y se hace desde la perspectiva de lo que ellos
llaman naturalismo. En definitiva esta corriente se opone al costumbrismo de finales del XXI,
encontramos una defensa de la narratividad, la cultura debe representa la realidad cotidiana
haciéndola interesante y agradable: Ramón Casas? Y Santiago Rusiñol.
Esta pintura modernista implica emoción en un sujeto que va más allá del simple registro de
los conocimientos. Una de las avanzadas del modernismo fueron las artes gráficas, en este
campo se empieza a experimentar con el cartel y el folleto de mano que difunden un
modernismo de completa influencia art noveau, familiarizando a un amplio público con su
iconografía (Gran batalla de flores primera quincena de mayo. Exposición regional
valenciana/ real automóvil club de Cataluña/ anís del mono de Vicente Bosch)
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El cartel y el libro alcanzan una alta calidad, el modernismo es un movimiento que tiene que
ver con la literatura y en claro ejemplo es Anís del mono de Ramón Casas. Y revistas que
empiezan a editarse en esta época como Luz. El modernismo también se empieza a imponer
en las revistas madrileñas como Madrid Comico. El modernismo se va a poner de moda como
la revista Blanco y negro que luego formará parte del ABC. El germen modernista se introduce
amablemente en la vida cotidiana entendiendo que el modernismo español fue un hibrido.
Importancia de las artes aplicadas e industriales. E podrán de moda los muebles de Jean
Tusquet? BUSQUET?, las joyas de Masiera, las vidrieras, la industria cerámica.
A. Pintores nacidos entre 1850 y 1860 que dan pruebas de una autentica inquietud y
sensibilidad a juzgar por la evolución de su madurez. Ramón Casas, Santiago Rusiñol,
Darío de Regoyos, Aureliano Beruete, etc. (división de Valeriano Bozal)
Realiza una aportación muy destacada al objetivo de convergencia con los movimientos
europeos sobre todo los que se gestaban en Paris. Este pintor permanece en el imaginario de
la cultura catalana como un auténtico artista moderno. Casas también acabo aceptando la
lógica de la demanda burguesa porque al principio era un bohemio avanzado entregado a la
vanguardia y al final general encargos para la burguesía catalana y haciendo retratos.
La mayoría de los artistas de este apartado pertenecen a una clase social alta, en caso de Casas
era hijo de un comerciante cubano que jamás se opuso a que su hijo fuera artista lo cual es
raro al pertenecer a la clase adinerada.
Retrato de Erik Satie, 1891. Se está basando en las fotografías. Este hombre
vivió incluso con Santiago Rusiñol.
Casas irá al Museo del Prado en 1885 y comenzará a hacer muchas copias de
Velázquez. A partir de 1889 se hará íntimo amigo de Rusiñol, con quien viajará
por Cataluña, Cerdeña y Paris tomando notas y harán muchas exposiciones
conjuntas. Pasaran también a ser parte de la oficialidad a su vez porque harán
exposiciones oficiales en España e independientes en Paris.
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Romeu en un Tandem, que acoge un frontal de Els 4 Gats, café que también alberga 140 obras
de Ramón Casas. Pérez Romeu también es un agitador e intelectual fundador del café. Carteles
de los espectáculos de Els 4 Gats.
Ramón Casas retratado por Rusiñol. Destaca como cartelista con el trabajo del Anís del mono
y el de Codorniu.
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Una de las obras más famosas de Ramón Casas y que parecen historicistas so el Garrote Vil,
1894 que se presentó esa misma fecha en una sala de Barcelona y fue un gran acontecimiento
y se interpretó casi como una denuncia de un sistema social que era el Garrote vil que había
sucedido en Barcelona el año anterior y representar esto se consideró casi un escándalo.
Vemos completamente definidas las cabezas, pinceladas muy sueltas y ambiente como de
lluvia. Y la Carga, 1899 que también evoca una de las muchas carga contra el proletariado que
protagonizo la guardia civil en Barcelona contra una huelga general que paralizo la ciudad el 17
de febrero de 1802?, composición relacionada e inspirada en la carga y la lucha de los
mamelucos de Goya de 1808. Este cuadro será premiado en la Exposición Nacional de 1904, lo
cual es algo inusitado pues ganó la primera medalla en una crítica contra la guardia civil.
También Ramón Casas que a partir de 1910 realizará muchos viajes por toda Europa: Austria,
Hungría, Italia… tiene muchos cuadros que representan el folclore y tradición españolas con
toros y flamencas como el Picador, 1886-87. Marcará su residencia en Barcelona en el pueblo
de Sitges que tendrá mucho que ver también con Santiago Rusiñol.
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Cuadros de mujeres con mantones de Manila, muy influidos por Manet.
Era un artista bastante multifacético y aunque nos parezca un moderno no se separa tanto de
la tradición icónica cultural española, quizá la etiqueta de moderno en parte no resulte tan
moderno pero en la época si lo es. Sus temas no
resultan tan rupturistas como hemos visto
mujeres posando aunque hay algunos como la
joven decadente después del baile, 1899, que
es uno de los más destacados del artista y es
impresionante porque hasta el terciopelo del
sillón parece que brilla. Casas representa
muchas escenas femeninas, leyendo, en
bicicleta, en cafés… y en este caso después de un
baile como cansada, representa a muchas
señoritas llamadas Elisa, Madeleine (con la que
se casó), Julia… Se puso de moda en la época
tomar morfina y estas actitudes decadentes,
desmayadas recuerdan a este cuadro, con la mujer lánguida, caída y cansada. Tiene que ver
también con Julia en granate de 1906 o La sargantain, 1907. Estos dos últimos cuadros la
modelo se llama Julia noseque y es una chica de 18 años cuando él tenía 40 y ella era una
vencedora de lencería de la plaza de Cataluña y finalmente unas décadas después de casa con
ella convirtiéndose en su modelo en muchos de sus cuadros. Vemos estos fondos y
combinaciones de colores muy puros con el amarillo con todos sus matices y un negro con
fondos neutros.
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Ramón Casas murió con 66 años y fue el representante del artista modernista, no solo en los
temas que represento en pintura sino también en la realización de carteles y como agitador de
la tertulia en los cafés. Ocho meses antes murió su amigo Santiago Rusiñol.
Nace también en una familia burguesa, dando un gran disgusto a su padre pues estaba
destinado a perpetuar la tradición familiar en la industria textil. Al año de morir su abuelo
empieza a ser pintor y se separa de su mujer estrechando su relación con el pintor de Ramón
Casas, exponiendo casi siempre juntos y con viajes fundamentales por toda Cataluña.
Subyugado al tema del campo y de captar muchos de los pueblos que va a ver en este viaje
que harán por carromato por toda Cataluña, será un pintor de paisajes fundamentalmente.
Casi siempre tenemos una naturaleza placida no exenta de lirismo aunque también viajará en
1889 junto a Ramón Casas a Paris, entrando en contacto con los focos parisinos y Montmartre
y realizará algunas escenas de interior de cafés, escenas sencillas con pinceladas muy sueltas.
Estas escenas de interior en Barcelona no tendrán mucho éxito estando influenciado al
principio por Lautrec.
Le encantan los jardines, nos recuerda a Monet pero con pincelada más realista, aunque hay
esos focos de luz.
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En 1891 el descubrirá Sitges donde continua pintando escenas de jardín y sus famosos patios
azules. En Sitges además se llevarán a cabo las fiestas modernistas que se celebrarán a partir
de 1893. En una casa llamada Cau Ferrat? Donde llevará a cabo esas fiestas que hablaban de la
modernidad y se llevaban a cabo exposiciones. En el segundo viaje a París se instala en
Montmartre siendo muy amigo de Zuloaga que es como oscuro y tenebroso y descubre al
Greco que estaba muy poco de moda en ese momento. Con Zuloaga viaja a Roma y Florencia
para ver los grandes maestros.
Uno de sus cuadros más conocidos es La morfina, 1894, que es como un viaje a los brazos de
Morfeo con una mujer a punto de fallecer o hay quien ha interpretado que es un viaje de
placer con esa mano viva apretando. Estéticas simbolistas.
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Miguel Utrillo, 1890, amigo suyo gran intelectual español que es
tratado en el Moulin de la Gallete, con esa actitud de bohemio y el
bigote que estaba muy de moda.
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Retrato de Dolores Otaño, 1892. Él será un agitador del movimiento
cultural de fin de siglo en Bélgica, formando parte de algunos grupos
siendo un agitador de la modernidad. Regoyos contactara con muchos
de los ppales pintores de la época, siendo una persona hábil ye
estudiosa, muy conocedora de la técnica. En este retrato vemos la
completa influencia del puntillismo y del divisionismo (no mezclar los
colores en la paleta sino aproximarlos en el cuadro apra que al
distanciarte vieses la división de colores). También para Regoyos es
muy importante tomar referencias impresionistas, postimpresionistas
pero también teorizar sobre la pintura. Tampoco alcanzará nunca un
éxito comercial grande,
más bien estará vinculado
a la intelectualidad.
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Su intensidad pictórica está por encima de la técnica, siendo casi el opuesto a Joaquín Sorolla,
que tenía una técnica muy precisa pero era luego costumbrista en sus temas. Será venerado
por las generaciones posteriores.
En 1888 viajará a Paris junto a dos artistas, que le introducirán en los círculos de paisajistas
parisinos al aire libre y le pondrán en contacto con una escuela de pintores paisajistas. Viajará
por España y Europa entrando en contacto con impresionistas y sobre todo haciéndose amigo
de Monet. Sus paisajes son por tanto realizados siempre al natural y siempre inspirados en los
alrededores de Madrid.
Estará vinculado a
las ideas de la
Institución Libre de
Enseñanza, de Madrid. Fue muy amigo de Sorolla, siendo quien
organizó la última exposición de Sorolla, en su estudio. Aureliano de
Beruete retratado por Sorolla, 1902, quien retrató también a su
mujer e hijos. Se ve retratado perteneciendo a su clase social, de la
alta burguesía.
B. Un segundo grupo sería el de los pioneros que practican un arte de componente más
literario y simbolista (simbolismo: originario de Francia, aproximadamente hacia el
1880 surge como una reacción al enfoque realista que estaba implícito en el
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impresionismo. Su objetivo era la búsqueda del interior y la verdad universal. Se
intentaba relacionar el mundo interior y el mundo sensible. Temas: imaginación,
sueños, relación de sagrado y profano. Hacen el uso de símbolos.). Algunos de ellos
pertenecientes al Cercle Artistic de Sant LLuc1. Joan Llimona, Josep Llimona y
Alexandre de Riquer.
Fue el gran animador del grupo, fue muy fiel a los planteamientos del
Círculo, tanto así que su pintura está muy vinculada al tema religioso.
Llimona va a decorar la cúpula de Montserrat, y representará por ejemplo
la vida de San Felipe Neri. Se define como modernista y representará la
rama mística, y por supuesto será
ortodoxamente católico. Él y su hermano se
formarán en la escuela de la Lonja en
Barcelona. Los más académicos y artistas
oficiales, viajaban más a Italia que a París, y
así, estos hermanos irán a Italia, residiendo 4
años en Roma juntos, gracias a una beca
Fortuni. No hay constancia de que en Roma mantengan contacto
con ambientes artísticos u otros artistas españoles que estén en
Italia. (cuadro de una virgen) (cuadro de una especie de misa)
En 1882 viajará a Venecia con el objetivo de pintar al aire libre con el objetivo de adquirir
soltura en el dominio del color. A partir de aquí
muchos de sus cuadros se esclarecen y empieza a
practicar las pinceladas a punta o de punta o
toque2 con la incidencia de los blancos para crear
luz. (cuadro de dos jóvenes sosteniendo a un
hombre anciano en un campo: mujer con rosario.
Decrepitud y juventud que tiene que ver con el
paso del tiempo). De los artistas que estudia en el
Prado le influirán sobre todo Velázquez, también
Rivera, Murillo con los azules y blanco (capas de
las vírgenes) y también Tiziano.
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Círculo artístico de San Lucas, fundado en 1891 con otro nombre (este nombre es de 1893). Busca la
difusión de una línea explícitamente católica, un arte capaz de poner de relieve ña bondad del creador,
línea moralizante que rechaza la bohemia y toda suerte de excesos. El grupo prohíbe que se hagan
escenas donde aparezcan mujeres desnudas. Cultiva en extremo el tópico, sentimentalismo realista y
tópico, lejos de representar la trascendencia. Exceso de tipiquismo y pintoresquismo. El propio Gaudí
pertenecerá a este grupo. Fisionomía ambivalente, modernista, conservador y tradicionalista que vuelve
su mirada al pasado, la Edad Media y los valores cristianos en ella dominante, pero por otra parte enlaza
con el modernismo en su afán de trascender la anécdota ( no representación del momento y el instante,
sino de la esencia más espiritual, lo que no se ve a primera vista)
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Pincelada más apretada y definida.
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A su vuelta de Roma, en Barcelona había dos grupos diferenciados, y el pertenecerá al del
círculo de pintores de acuarela.
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Idea de la mujer como algo muy frágil, sin olvidar esa ideología católica y moralista. Pese a su
carácter narrativo y estar en línea de la escultura ochocentista, sus esculturas responden a una
llamada cada vez mayor de la modernidad, sus esculturas no son de pose, no miran, están más
retorcidas. Tiene que ver con esa idea de la representación captando un instante que estaba
muy presente en esta modernidad, lo que en modestia también ocurre como vemos en los
ojos y la mirada del busto. Se habla de la sensualidad y refinamiento en la representación del
cuerpo femenino, Desconsuelo está realizada en mármol y representa casi un estado de ánimo
agónico o arrepentido.
Homenaje de Doctor Robert, 1903-1910. Es una obra de temática social y carácter realista y al
mismo tiempo plenamente idealista en su exaltación alegórica hacia el trabajo, las letras y las
artes del pueblo catalán. Casi todas sus esculturas tienen una factura muy suave y delicada.
Sus figuras tienen muchas veces una actitud de contención y serenidad. También uno de los
temas será la modelación o el molde
de los cuerpos, sobre todo de las
figuras masculinas que casi siempre
aparecen en una posición muy serena
porque a finales del XIX y ppios del XX
muchos escultores harán grupos
escultóricos y también en los
cementerios y uno de los más
conocidos será Josep Llimona. Casi
todas las familias de la burguesía le
pedirán grupos escultóricos para los
cementerios.
Nace en una familia aristocrática, de hecho sus padres son condes. Directamente estudiará en
la escuela de BBAA de Toulouse, completamente influenciado por el simbolismo y el Art
Noveau de finales del XIX.
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Es uno de los pocos que viajará a Inglaterra en 1884, estará completamente influido por los
prerrafaelitas francesas. En Londres conectará con el movimiento Art and Craft y con Sonia
Delaunay.
Estudiará pintura con Tomás Moradas en la Escuela de BBAA de Barcelona. Pronto viajará a
París donde establecerá un estudio y se quedará algunos años. Estará en contacto con Zuloaga
e Iturrino, pintores de la escuela Vasca que influirán mucho en Camarasa.
Al principio vemos estos paisajes como este Paisaje, 1889, que luego tendrán que ver poco o
nada con lo que hará después como El casino de París, 1900. Camarasa además conocerá a
muchos artistas extranjeros y escritores. Influirán mucho los ballets rusos y luego las danzas
serpentin que se pondrán de moda.
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La novia de Benimamet, 1906. El folclore, las
escenas costumbristas y el tópico. Rasgos de la
modernidad que aparecerán en casi todos los
pintores que estamos viendo. Sin embargo,
Camarasa apenas tiene obras de temática
religiosa. Feria de Valencia, 1907 recuerda a
Matisse y el fauve, con
las manchas encima de
los caballos y el morado.
Son obras muy grandes,
y se hacen al óleo.
Se aproxima levemente
a las vanguardias sin abandonar cierto toque impresionista. Curva
orientalizante que tiene que ver con la decoración de Oriente.
También simbolista pues la pintura modernista de finales del XIX
utiliza mucho la curva sinuosa. Muy influenciado por Lautrec como
vemos en la danza del Moulin Rouge, 1890. Muy influenciado
también por Gustav Klimt. Lautrec o Klimt se convertirán en dos de
sus influencias a partir
de este primer viaje a Paris en 1897, aunque el
verdadero punto de inflexión quizá se aprecia
en su cuadro Sonia de Klamery, 1913. Y Sonia
de Klamery (echada), 1913: tiene toda una
connotación fascinante de azules, violetas, y
quizá este cuadro es el verdadero punto de
inflexión en su estilo. 1909 es la fecha de
llegada a la capital francesa de los ballets rusos,
que también será fundamental para Picasso.
Vemos el animal exótico, y la moda del mantón
de manila igual que todos los motivos
japoneses.
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La gata rosa, 1911. También es uno de los más
famosos. Son típicas estas mujeres como
echadas como veíamos en Ramón Casas. Vemos
estas clases sociales, encargos de la burguesía a
los pintores. Vemos los ojos, la mirada directa y
desafiante. Y cuando hablamos de lo
orientalizante aquí queda evidente con los
motivos decorativos de la tela del sofá, esta especie de Belle Epoqué.
También catalán, influye muchísimo en los artistas más jóvenes, por ejemplo en Picasso.
Estudiará en la Escuela de la Lonja en Barcelona y en 1893 junto a otros artistas fundará El
Grupo del Azafrán, nombre que tiene que ver con el uso de unos colores terrosos que
recuerdan al color del azafrán. Hay una estética naturalista e incluso postimpresionista que
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marcará los cuadros de este grupo. Junto a otros pintores como Ricardo Canalls irá a Lleida y
tendrá una autentica fascinación por el mundo de los marginados. Esto marcará una nueva
orientación de su pintura que desde entonces se dedicará a esto.
A partir de 1896, marginados, y también colaborará con las actividades de Els 4 Gats, y
también realizará su primer viaje a Paris y quedará impresionado por Toulouse- Lautrec, y
quedará subyugado por Gaugin en su persecución del salvaje, del otro. En 1898 expondrá en
una galería de Paris, era un gran moderno y en 1902 expondrá en el Salón de la Sociedad de
Artistas independientes de Paris. Su temática desde 1901 estará totalmente centrada en los
marginados, también en las gitanas. Su paleta comienza a oscurecerse lo que supondrá un
rechazo de crítica y público aunque por otra parte alcanzará
poco éxito.
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Cuando hablamos de costumbrismo nos referimos a
querer exponer escenas de la vida cotidiana, y
dignificar profesiones como por ejemplo Pescadores.
Ya en el siglo XIX hacían estas pinturas que
dignificaban los trabajos como en las acuchilladoras de
parqué. Son escenas costumbristas, en este caso, con
una concepción bastante moderna. Vemos en este
cuadro la línea. Nos recuerda a dibujos ya que él será
un gran caricaturista.
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En 1906 se produce una crisis del modernismo coincidiendo con su apogeo. Entre 1906-1910
movimiento que intentan representar la ruptura, por un lado incidencias en la vanguardia a
través de artistas que vivían en Paris; y por otro lado, desde un retorno a la tradición, pero una
tradición renovada. Así se discurre entre el clasicismo, exuberancia barroca y admiración por
los grandes pintores españoles: Velázquez y Goya. Pero ante todo dominará una gran atracción
entre lo autónomo y lo cosmopolita. En este final de siglo y comienzos del XX ocurre un
retorno a lo clásico que tendrá un amplio registro en toda España, como es el caso de Picasso
incluso siendo el más rupturista de todos tendrá su etapa rosa, muy clásica.
1.2. EL NOUCENTISME
Cronología de 1906 a 1923 movimiento literario y estético liderado por la burguesía que se
siente motivado por actuar en beneficio de su país, en este caso sobre todo Cataluña. Se
reivindica la ciudad como prototipo ideal. No es excesivamente articulado ni homogéneo, al
principio es una reacción al modernismo, pero está dentro de él. Significa novecientos, y son
aquellos que reclaman del nuevo siglo, una nueva actitud.
D´Ors habla de la ciudad ruptura, que será aquella dominada por las Bellas Artes y en muchos
casos por el simbolismo y, no solamente, Glosari, sino un libro importante de 1911 que se
llama la Ben plantada, que será la obra emblemática del novecentismo y hablará de la mujer
catalana como la mujer simbólica que mora la Mediterráneo y un mundo rural ante un país
orientado al mundo industrial. Propone el orden, la medida, la plenitud, el sosiego, el
equilibro, D´Ors propone el clasicismo. Será por tanto una de las figuras fundamentales de la
crítica de arte en España y será el creador de este concepto bajo el que se incluyen muchos
artistas catalanes y D´Ors posee una nutrida producción catalana y antes de la Ben plantada
escribe La muerte de Isidro Nonell. Este libro de Nonell supone el comienzo de una fructífera
trayectoria de D´Ors consagrándole como referencia indispensable. Para él el arte estético no
es espontaneo y se inscribe dentro de un orden histórico.
D´Ors no será el único que se ocupa de estos temas sino que también en 1911 Ortega y Gasset
publicará ocho entregas que van a hablar, sobre todo los 5 últimos capítulos del: hombre
primitivo, el hombre clásico, el hombre oriental, el hombre mediterráneo y el hombre gótico.
El titulado el hombre mediterráneo que aparecerá en agosto de 1911 se identificará con el
hombre español, aquel que siente antipatía por todo lo trascendente y apego a las cosas
materiales o materialidad de las cosas, el español es más espiritual. Habla de la naturaleza del
hombre español como un pensamiento que reflexionaba sobre la identidad española, que
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tiene que ver con esto de la pérdida de las colonias en 1898. Y esto conecta con el clasicismo al
que se refería D´Ors
Habitualmente se establece una referencia clara entre clásicos y modernos peor aquí no nos
atrevemos porque también los clásicos son modernos. El clasicismo también es una forma de
modernidad, no se contrario. Lo moderno se puede oponer a lo primitivo y salvaje, que no es
lo clásico. Lo primitivo y lo salvaje que son formas quizá opuestas al clasicismo son el giro para
entender el cubismo de Braque y Picasso o la escultura de Brancussi. Clásico y primitivo serán
las dos formas de acercarse a la naturaleza que tiene la modernidad, asique la mezclad e
tradición y modernidad va a impregnar todo el pensamiento del modernismo.
Supone para la escultura catalana el triunfo de esta corriente clásica. Vemos en su producción
la influencia de Rodin y Miguel Ángel. También viajará a Paris y a partir de 1900 quedará
eclipsado por lo que verá allí y además trabará mucha amistad con D´Ors. Será uno de los
principales representantes de este movimiento artístico que va a conectar con los
fundamentos del clasicismo que tienen que ver con esa serenidad, clasicismo y lo volumétrico
en los cuerpos femeninos, incluso la talla de la piedra sur es muy importante.
Nacerá en la parte española del sur de Francia. Es escultor, grabador y pintor y desde joven
mostrará gran interés por el dibujo. Desde los 13 años pinta su primer dibujo. Influye mucho
Gaugin en sus primeras pinturas cuando él viaja a Paris. A los 18 años publicó una revista de la
que era el único todo.
En 1882 viaja a Paris donde ingresa en la Escuela de BBAA al mismo tiempo que se interesaba
por las artes decorativas y especialmente por la tapicería. Conoce a Gaugin y se hacen amigos,
se aparece a los navis. Y en esta época será muy famoso Matisse, no le olvidamos. Bonard era
un gran navi.
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Maillol viaja a Paris y será representado por Vollard, que será uno de los marchantes más
importantes en la bohemia parisina. Gracias Vollard en 1902 Maillol presenta una exposición
muy exitosa en París. Ya en 1905 Maillol expone en el Salón de Otoño de París donde expondrá
La Mediterránea, 1901, fundamental en su producción: vemos esas formas volumétricas,
sencillas y de la que hará varias versiones en mármol, piedra y bronce. Tendrá tanto éxito que
viajará a EEUU y le harán un encargo de la Mediterránea en 1925. El río, 1907. Vemos este
intento por recuperar valores específicos y técnicas artesanales y la talla directa en piedra que
constituirá un desafío para esta nueva escultura, igual que el vaciado. Este ideal de síntesis de
pureza influirá mucho en los artistas catalanes afincados en París.
Fotografía de Maillol y su modelo Dina Vierny, hija de un amigo suyo, y se convertirá casi en
una relación paterno filial desde los 73 años hasta la muerte de Maillol.
Está considerado una de las figuras centrales de la historia del arte moderno, es uruguayo. Su
obra adoptó la libertad formal de la modernidad sin tomar la idea de progreso, tendrá
diferentes fases como Picasso. Su producción es casi infinita. Protagonista clave de los
intercambios culturales transatlánticos. Estuvo en Barcelona, residió en Nueva York, también
en París y luego volvió a Uruguay.
Es uno de los artistas bisagra entre finales del XIX y principios del XX. Su madre era catalana
asique desde Montevideo con 17 años llega a Barcelona atraído por una ciudad moderna y por
una capital que se estaba renovando culturalmente. Barcelona inspiró a Torres García
convirtiéndose en un pintor de la Edad Moderna al estilo de Baudelaire. Muy activo en el
grupo de intelectuales y defensa de los valores del novecentismo y reaccionando contra la
decadencia del Art Noveau y todo lo que oliera a fin de siglo.
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El orador (Mural de la casa del Barón de Rialp), 1906. Después recibió un encargo de unos
frescos monumentales para el Salón de Sant Jordi en el Palau de la Generalitat de Barcelona
que muestran escenas industriales junto a paisajes pastorales mediterráneos. Hay temas
mitológicos y clásicos. Esta intervención fue un escándalo para muchos de sus
contemporáneos por creerlo excesivamente clásico y mostrar escenas mitológicas con
personas y personajes del pueblo. Él será expulsado de este encargo.
Torres García así experimenta muchísimo a través de la pintura y también con collage y a hacer
superposiciones de capas pero quizá el cuadro que más nos interesa es Filosofía presentada
por Palas en el Parnaso, 1908, y se inscribe dentro del retorno a las normas establecidas por el
clasicismo que tanto propugnó D´Ors. Escena completamente clásica, cuadro bastante grande
al que él mismo dio también bastante importancia.
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MANOLO HUGUÉ (1872-1945)
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Hugué fue básicamente un escultor pero nunca se alejó de otras
técnicas, sobre todo el dibujo. También llegó a diseñar joyas.
Fundamentalmente utiliza el barro y el yeso y los tamaños y
dimensiones de sus obras casi nunca, salvo encargos específicos,
alcanzan volúmenes grandes. Equilibrio, siempre de línea figurativa,
su pensamiento escultórico arranca del clasicismo muy influenciado
por los cánones griegos y culturas arcaicas y aunque hable de temas
universales casi siempre refleja personas que le rodeaban en su
propia cotidianidad, lo más inmediato, más próximo y que responden
a esa corriente del mediterráneo e influencia de rescatar las tradiciones.
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Entre la primera etapa y la segunda hay grandes diferenciadas, casi es como si se tratase de
dos personalidades diferentes incluso en lo personal, primero muy estirado y luego cambia. El
Sunyer de París está lleno de un ambiente de referencias, un ambiente bohemio, tiene que ver
con un mundo plástico, con los artistas franceses como Bonard y estaba muy fascinado por los
suburbios. Dicen que aquel Sunyer era un personaje oscuro incluso sombrío. (una mujer de
vestido rojo en espejo/ paisaje de fábricas)
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A su regreso se convierte en un ser mucho más equilibrado, tan plácido como su arte. También
tendrá relación con la propia madurez artística de su trayectoria. Mediterránea, 1911. Alusión
a lo mediterráneo, la luz, el sol, reivindicación de las mujeres que trabajan en el campo, lo
campestre y lo rural. Vuelta a la tradición desde la modernidad. Pintura que ya apunta a la
vanguardia. Sunyer es muy moderno aunque esté dentro del Noucentisme. Pastoral, 1911.
También nos recuerda a Matisse, con las líneas ondulantes y los arabescos; y un poco a la
pintura naif, muy plana en las perspectivas y esto tiene que ver con esa nueva concepción que
se va acercando al cubismo.
Primavera, 1929. Mujer haciendo ganchillo, 1932. Escenas costumbristas, cotidianas, no están
posando sino como captadas al instante.
Esa vuelta a las labores del campo tiene mucho que ver con la identidad española (vida
mediterránea) (varios retratos de mujeres, una con un perro)
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PABLO GARGALLO (1881- 1834)
Dicen que es uno de los artistas comparados a Picasso. Llegó a Barcelona y se introdujo en los
ambientes modernistas del momento y vivió gran parte de su vida en París con prolongadas
visitas a Cataluña. Inicia su formación en el taller de Eusebio Arnau y también dará clase en la
Escuela de la Lonja. Acudirá muy pronto a las tertulias de Els 4 Gats donde conocerá a Casas y a
Picasso. Pronto será becado por la escuela de Barcelona para viajar a Paris y allí conocerá a
Juan Gris quien le influirá mucho en la concepción de la estética cubista. Lo más interesante
será su fascinación por las máscaras metálicas. Pero su concepción de la forja y la escultura
más tradicional.
Retrato de Picasso, 1913. Mano de la elegante, 1921. Arlequín tocando la guitarra, 1927
(dibujo). Kiki de Montparnasse, 1928, una de las modelos más interesantes de entonces de
toda la época de Montmartre y la vanguardia, fue modelo de Man Ray.
El profeta. Hacia 1907 empieza nuevas obras con tintes clásicos que
anuncian una nueva escena. También hay piezas experimentales en
hierro, de donde surgen las máscaras, como retratos al aire. Exaltación
del dibujo a la tercera dimensión. Para él igual que para Picasso,
clasicismo, arcaísmo y primitivismo son conceptos paralelos. En 1911
empieza a vislumbrarse como un artista que siempre trabajará con
estos huecos y estará en relación con la producción de Alberto Sánchez
y la escuela de Vallecas (concebidas para exteriores con huecos para los
pájaros , relación con el sonido y el paso del aire)
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Será uno de los escultores más conocidos en la época, uno de los que más trabajos va a
realizar por encargo. Acabará agotado muriendo en Reus. Y se inaugurará su museo en
Zaragoza gracias a su hija.
Ya en 1971 Vicens Vives planteó algo muy clásico que distingue la estructura económica social
en la base del desarrollo identitario posterior.
No solo es la búsqueda de identidad solo sino que tiene que ver con el surgimiento de esta
clase de la burguesía y las ciudades en Barcelona, Madrid, Mallorca… relacionado con avances
como el tranvía o las fábricas. Dentro de esta diversidad peninsular existe el término
regionalista que designa un largo capítulo del arte hispano del primer tercio del siglo XX, que
parece bastante impreciso pues es más una temática que un estilo siendo una tendencia
paralela a otras. Estilísticamente entran en el mismo capítulo artistas que no cultivaron el
regionalismo. Fino sentido de penetración psicológica que quiere llegar al fondo del alma
española, buscan reflejar las distintas personalidades de los pueblos, como Sorolla reflejando
una riqueza etnológica de todos los pueblos de España. Se habla de la sencillez campesina.
Contaminado todo de la plástica de 1900. E diferencia de la pintura costumbrista e historicista
de finales del XIX porque tiene un tono más culto y correcto a raíz de los estudios de los
maestros antiguos (viajes a Roma). Esta pintura oscila entre el realismo y el idealismo muchas
veces, siempre en esa controversia entre la tradición y la modernidad. Este arte persigue o
intenta reflejar un carácter colectivo pero desde la diversidad de las costumbres de cada uno
de los pueblos y tipos humanos de España. Eligen casi siempre tipos que no son urbanos es
como si las raíces que se buscan estuviesen en la tierra.
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entiende como una corriente de retorno a la tradición que se sitúa entre fin de siglo
(modernismo) y los inicios de la vanguardia mientras que el costumbrismo del XIX es más un
género e ideología romántica.
También por estas fechas colaboraron todos los hombres de la generación del 98 que estaban
en plena actividad editorial, por ejemplo Baroja publica la ciudad de la niebla, Valle Inclán
Gerifaltes de Antaño, Unamuno y Ortega a través de los periódicos se entregan a una conocida
polémica sobre Europa, D, Ors en 1911 publica la Ben PLANTADA, Machado en 1912 Campos
de Castilla, Ortega las Predicaciones del Quijote. Todo esto tiene que ver también con esa
configuración de la identidad española y el regionalismo.
PAÍS VASCO
Ahora en el País Vasco esta asociación tendrá rasgos propios y estará apegada al movimiento
cultural nacional, ligado al partido político y a sí mismo a las posiciones del Partido Nacionalista
Vasco.
Muy conocido por sus retratos de intelectuales, sobre todo de intelectuales de la G98. Es
curioso que como símbolo siempre les representa con un papel en la mano como para
identificar al personaje como lo que es (Valle Inclán, Unamuno, Azorín). Concepción del
retrato muy moderna, como parece que esta inacabado el cuadro, pinceladas que recuerdan al
impresionismo
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VALENTÍN DE ZUBIAURRE (1879-1963)
Pintor del campesinado vasco por excelencia. El marinero vasco Santi Andía, el temerario,
1924. En 1924 ya se hace la segunda exposición de los surrealistas en París. En este cuadro se
habla de la exaltación de la figura del marinero que tiene marcadas facciones, hombre
entregado al mar que mira hacia delante con un gesto valiente en mitad casi de un naufragio, y
un mar embravecido. Y aquí los tópicos se acentúan como con un aliente muy épico de los
marinero y el mar. Otros cuadros que tienen que ver con el campesinado vasco, las meriendas
colectivas.
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Paris, y hará muchísimo paisaje en una segunda época. La primera época recuerda a Aureliano
de Beruete con esas tonalidades y paisajes más castellanos. Paisaje de Alhama.
Tiene una paleta muy oscura, muy tenue. Suele interpretarse en el marco de los debates que
contribuyeron a construir los discursos de la G98, es decir, del
costumbrismo y en realidad muchas de sus obras se van a entender
como verdaderos emblemas de reflexión en torno a la condición de lo
español y su necesidad de regeneración.
El cristo de la sangre, 1911. Tiene mucho que ver con esa tradición española, esos rojos que él
estudia en el Museo del Prado, y en este caso a través de Tiziano. El tema principal es este
cristo crucificado que comparte protagonismo
con los motivos de segundo plano que es la
ciudad de Ávila con su muralla. Figura del
sacerdote, poderes de la iglesia, campesinos y
peregrinos. Rostros completamente realistas,
pincelada postimpresionista que desaparece,
son completamente realistas. Alcanzó este
cuadro muchísimo éxito en la época. Tiene que
ver con la escuela velazqueña. Guillaume
Apollinaire estaba enfervorecido con este
cuadro, le encantaba y le hizo una muy buena
crítica.
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Zuloaga también pintó muchísimos paisajes, pero no paisajes
cualesquiera aunque sus comienzos están impregnados del
impresionismo con técnica empastada, el dramatismo y el
estudio de la luz será fruto de
una interpretación muy personal
llena de una gran fuerza
expresiva. No solo se interesa por
el paisaje rural sino también por
el urbano, pero por las viejas
casas, agrietadas, por la
edificación de las casas nobles,
populares, fachadas de piedra alargada, por la historia. El
enano Gregorio en Sepulveda, intenta mitificar a este
personaje; insertado en el mismo paisaje que había insertado a
los intelectuales, como un paralelismo a la dignificación de
Velázquez de esos personajes.
La composición nos permite descubrir la desolada luz, sensación nostálgica, como triste, esos
paisajes duros castellanos, sin árboles. Mujeres en Sepúlveda. Desolada y desnuda comarca,
con azules. También a veces excesiva evidencia a la historia del arte español. Mujer con
abanico de la maja. Mujeres ataviadas con lo español casi en exceso con caras como
apayasadas. La moda española. Mis primas.
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También hizo corridas de toros para mostrar lo popular: corrida de toros
en mi pueblo. No le interesan los arquetipos idealizados que
representan. Busca la nota que lo diferencie y mejor exprese el carácter
del retratado y esto tal vez tiene que ver con Goya que res quien empieza
a hacer los retratos psicológicos. Uno de sus amigos pintores con la
paleta. Mujer con mantilla que tiene que ver con la maja desnuda.
26/9/17
ASTURIAS
NICANOR PIÑOLE
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EL TÓPICO ANDALUCISTA
Formación muy académica, su padre era un pintor local y él compaginará sus estudios de
solfeo con la pintura. En principio quizá su primera etapa (aunque casi siempre se recrea en la
misma temática) es mucho más realista, con bodegones, paisajes andaluces y en rasgos
generales su pintura se inspira mucho en las corrientes de finales del XIX que serían ese
realismo de contenido social, además del impresionismo y el modernismo simbolista
(simbolismo)
Y después se aproxima al
impresionismo y al luminismo de
Sorolla alrededor de 1900 como vemos
en La siesta, 1900. Parece un cuadro
postimpresionista, es muy raro dentro
de su producción. Estas obras van
dando paso a otras de carácter más
personal donde el tema ppal se
convierte en la mujer. Ese tópico
andaluz de la feria de Córdoba, los
toros, la alegría, esa chispa andaluza.
La feria de Córdoba, 1900.
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Caras como identificadas con las andaluzas,
especialmente con las cordobesas. El sobre todo
trabajó con dos modelos. (una mujer con una
estatuilla). Escenas a veces que replantean esa
sociedad muy cerrada de ppios del siglo XX. Empieza a
convertirse en una pintura muy simbólica, en ese caso
primer plano de esta mujer con una pequeña escultura
griega, escenas más oscuras, que generan incluso
nostalgia con esas miradas un poco tristes. Pintará muchísimos encargos, uno de ellos en 1905
para el círculo de la amistad.
Una vez es nombrado académico viajara mucho a Madrid, conociendo a Valle- Inclán, figura
clave para entender el modernismo o la G del 98 que le va a animar a conocer a los pintores
universales de la pintura. Vemos el simbolismo
que está presente en su pintura, es un simbolismo
sobre todo de Puvisd Chavannes y Gustave
Moreau. Lectora, 1901-1902, este cuadro nada o
poco tiene que ver con esas mujeres cordobesas,
es un intento de aproximarse a la modernidad con
la representación de la mujer como alguien más
moderna leyendo un libro, no en la cocina
descansando, se acerca a Ramón Casas y Rusiñol,
los modernos por excelencia.
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Musa gitana, 1908. Medalla de oro de la exposición de BBAA.
Personaje oscuro con la guitarra española, mundo de la bohemia,
paisaje andaluz y vestido a la española. Recuerda a las obras de
Manet. El amor sagrado y el amor profano, 1908. Es una pintura
que nos parece extraña, tiene algo de surrealista, incluso recuerda
a los posteriores metafísicos italianos. Es una de las más modernas.
Antepone modernidad a la tradición con la mantilla, pintura más
relamida. Estas dos pinturas contienen os elementos estéticos que
caracterizan su obra:
dominio del dibujo,
precisión de formas,
tenue luz que se desliza por las figuras, algo de
artificio poético, alguna ondulación en los
pliegues de los ropajes, fondos idealizados muy
poco tratados. Es una técnica muy relamida
(muy apretado el pincel) pero los fondos o son
paisajes muy alejados o neutros.
Nuestra Señora de Andalucía, 1907. En esta época el pintor tiene un éxito increíble, y todas las
familias adineradas le hacen encargos. Arista muy prolífico, plasma a altos cargos del gobierno,
intelectuales, aristócratas, la copla, la tauromaquia también son sus temas. El tópico andaluz,
en esta pintura el aparece autorretratado a la derecha. Precisión surrealista. Todo muy
simbólico, la luz, el encaje blanco, los fondos muy empequeñecidos. La consagración de la
copla, 1911-12. Torero, iglesia, catedral, caballos, tradición pictórica española y recuerdos de
Velázquez y Goya. Poema de Córdoba, 1913-15. Fue su gran triunfo en una de las exposiciones
de Madrid, la exposición Nacional, fue el pistoletazo de salida hacia Madrid, no solo pintor de
provincia. Simbolismo grecolatino en el relieve de las capas y colores
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El pecado, 1913. Con las mujeres hablando mal de esta seora,
recuerda a Velázquez en la mujer y a Goya en los caprichos
por las señoras, pinturas entre la tradición y modernidad.
Punto de la luz a través de una figura, siguiendo el luminismo
de Sorolla, en este caso es el
cuerpo de la mujer con su piel
blanca e inmaculada, y antes el
vestido blanco en la otra
pintura.
Los tópicos del toreo, el cante jondo y demás le persigue a lo largo de su obra, repitiéndolo.
Muere a los 56 años agotado físicamente y fue un drama para Córdoba, se decretaron 3 días
de luto. Siendo la chiquita piconera uno de sus últimos cuadros. Después de su muerte nace el
mito de un pintor que intentó transmitir toda la cultura popular de Andalucía.
VALENCIA
Es un artista que también será una de las figuras más conocidas de la época formación muy
académica con dos maestros: Cayetano Capuz y Gonzalo Salvá. Con ellos empieza a aprender
la pintura al aire libre, cosa que también le debemos a los impresionistas, de ahí que se le
vincule mucho con la luz. Pero también realiza pinturas que tienen que ver con el realismo
social y que están muy influenciadas por sus
estudios de Velázquez y Ribera que llevará a cabo
en el museo del Prado. También viajará a Roma en
los años 90 del siglo XIX y a Paris. Pero finalmente
se instalará en Madrid y ganará una de las
medallas oficiales con este cuadro Otra Margarita,
1892. Vemos dos policías y una mujer en un vagón
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de tercera probablemente. Nos fijamos en el manejo de la luz que entra por la ventana y el
realismo de la bolsa de la mujer pero todavía habla de realismo con un costumbrismo bastante
fuerte.
La mayoría de premios que obtuvo fueron por el realismo con costumbrismo como este cuadro
tan emblemático llamado ¡Aún dicen que el pescado es caro!, 1894, posicionándose al lado de
los pescadores como obreros del mar es también un ejemplo de la impresión del artista en
este género que estaba en plena vigencia en los ambientes madrileños. Dicen que logra una de
las escenas más emocionantes de la pintura social, primer premio de la Exposición Nacional de
1895. Interior de una bodega de barco en la que un joven marinero ha tenido un accidente y
está tumbado en el suelo mientras vemos la pobreza del señor con la camisa rasgada, dureza
de condiciones de los trabajadores del mar. Y vemos ya algunas pinceladas mucho más sueltas
que tienen que ver con el
postimpresionismo. Tiene una armonía, la
escena parece centrarse en el cuerpo del
chico donde también recae la luz en su
cuerpo tendido y blanco yacente,
también destaca su cabeza en escorzo.
También desprende ternura y
camaradería de los pescadores que
atienden al muchacho. Dramatismo
también sereno dentro de esta escena,
que contrasta después pues casi todo lo
que haga después son escenas
placenteras de mujeres paseando o niños
en la playa.
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Algunos de los paisajes muestran un gran empastado
en la pincelada, vemos la captación de la luz a través
del blanco, los amarillos y verdes y que parecen
impresionistas. Sorolla tenía un éxito arrollador y ya
en 1909 expone en NY con críticas muy favorables y
un mercado que reaccionó entusiasmado. La Hispanic
Society le manda realizar un mural en el que se
reflejen todos los tópicos de España, de ahí que viajase por toda España y recogiese todas las
costumbres de los diferentes pueblos.
Escenas marinas, niños en el mar. Mujeres caminando por la playa con vestido blanco.
Escenas más aburguesadas que la del pescado. Maternidades en la playa. Recreación hasta el
final de sus días de este tipo de pintura que tanto éxito tuvo.
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1.4. ARQUITECTURA MODERNISTA. ANTONÍ GAUDÍ (1852-1926)
Preferencia por materiales comunes: piedra y ladrillo. Vuelve la vista a las grandes tradiciones:
cerámica y forjado. Era pragmático, más que en la mesa de dibujo estaba en el terreno durante
la realización de la obra, incluso discutiendo con los obreros, perfeccionando todo sobre la
marcha, proyectaba y rehacía sobre el terreno. La arquitectura era para él la primera de las
artes plásticas. La arquitectura es la ordenación de la luz, la pintura y escultura la necesitan.
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carruajes de los invitados. Buscaba la sensación de
un palacio gigantesco. Numerosas columnas en el
interior de todas las formas y tamaños. Cúpula del
interior plagada de agujeros que semejaba el cielo.
El era considerado un elemento primordial de la
casa, utilizando las chimeneas y canales de
ventilación, con los que convirtió una especie de
bosque variado. Con esta obra comenzó a hacerse
famoso.
La bella vista, 1900-1909. Esta casa fue un encargo de una viuda amiga suya que quiso
resucitar el valor histórico del lugar, donde el último rey de la dinastía catalana, Martín, el
humano; había mandado construir una casa de campo antaño. Conservó los restos de la
antigua construcción medieval.
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2/10/17
Este nuevo arte que se quiere alejar de todo lo anterior, supone un rechazo a todo lo
académico pero no supone un rechazo a la tradición hispana, como veremos con Picasso ese
amor a los toros y simbología española pues lo español estaba de moda en los años 20.
En este paso a la vanguardia interviene la síntesis entre lo castizo y clasicista. De mano todo de
los artistas que viven afincados en Paris, ciudad que empieza a influir en las nuevas
generaciones, siendo el momento de plenitud de algunos artistas que viven en España y que
no se trasladan a Paris.
Dos artistas afincados en París, Picasso volverá en algunas ocasiones a España, muy pocas.
Su obra resulta muy vitalista y nos transmite la variedad de estilos y cuerpos. Parece no solo la
obra de un solo artista sino de varios. Hablamos de un genio, es una figura excepcional, fue
protagonista y creador imitable de las corrientes que revolucionaron las artes plásticas en esta
época. Toco la escultura, pintura, collage, cubismo, surrealismo. Su obra por tanto es inmensa
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en número, variedad y talento. Son 75 años de producción desde su primer cuadro con 10
años. El nace en Málaga a finales del XIX y será el primogénito de un matrimonio de María
Picasso López y el vasco José Ruiz Blasco, su padre era profesor de dibujo, algo mediocre, pero
esto es importante para entender el contacto de Picasso desde joven con los pinceles.
En este momento Málaga es una ciudad con ambiente de intercambio, de enclave colonial con
el puerto y es lugar donde habitaban muchísimos pintores. Quedará marcado por el sol y la
costa del Mediterráneo.
Desde muy joven Picasso tenía una gran facilidad para el dibujo y la pintura.
Vivirá hasta los 10 años en Málaga porque en 1891 su padre es nombrado
profesor de dibujo en una escuela en A Coruña, ciudad completamente
opuesta a Málaga, ciudad gris,
lluviosa, sin esa luz del Mediterráneo,
en la que Picasso nunca se sintió
cómodo. La torre de Hércules, 1895.
Dibujo de Conchita, hermana pequeña de Picasso
(morirá muy pequeña). Era también un magnifico
caricaturista como vemos en sus obras de A Coruña.
En 1895 su padre deja de trabajar en la Coruña y ocupa un puesto como docente en la Lonja,
Escuela de BBAA de Barcelona. Su llegada a Barcelona supone una impresión increíble, era una
época de transformación en la ciudad. Era una ciudad con aires de capital parisina, época de
los cafés, de impulso económico y creativo, con ambiente cosmopolita. El venia de lugares más
provincianos, en Barcelona era época de tertulias y la ciudad se
convertirá en estímulo para Picasso, quien con 15 años pide a su
padre instalarse en un taller para comenzar el oficio de pintor, y
resolverá en un solo día los ejercicios de ingreso a La Lonja que eran
para resolverse en un mes. La primera comunión, 1895-96.
Reproducirá a su padre en el cuadro, son cuadros que representan
esa pincelada academicista, tamizada por la pintura del XIX de un
realismo extremo que se aleja muchísimo de ese Picasso surrealista
de la última etapa.
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“cuando yo era un niño quería pintar como un hombre de 70 años, ahora que tengo 70 años
quiero pintar como un niño”
Una vez de regreso a Barcelona, frecuenta Els 4 Gas, quedando fascinado por el circulo catalán,
se hace muy amigo de Casas y Rusiñol, y conocerá a intelectuales y artistas como Suñer, D´Ors,
peor sobre todo se hará muy amigo de Carlos Casagemas, que será su amigo y confidente
inseparable, y será con el primero que viaje a París. Su primera exposición la realizará Picasso
con caricaturas en Els 4 Gats, aunque no tendrá mucho éxito.
A partir de esta época, Picasso empieza a experimentar con diferentes modos expresivos, algo
que no cesará a lo largo de su vida
“quizá en el fondo yo sea un pintor sin estilo […] Yo personalmente no soy nada ortodoxo, soy
un salvaje, no me sujeto a reglas y por eso no tengo estilo”
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Estando en París, Casagemas se enamorará perdidamente de una modelo (considerada de vida
alegre por la historiografía), como ella no le hace caso, Casagemas se suicida el 17 de febrero
en un café de París, lo que será un golpe durísimo para Picasso, que volverá solo como vemos
en el Entierro de Casagemas, 1900, basado en el Entierro del Conde Orgaz de El Greco. Etapa
más triste de Picasso. Vemos una complicada alegoría sobre la muerte con los placeres de la
vida que vemos arriba, y la gloria.
Casagemas, 1900. Vemos estos tintes azules, esa pincelada que casi parece postimpresionista
y que utilizará muchísimo en esta época de primeros años del siglo XX. Yo, Picasso, 1901. Tiene
mucho que ver con la pincelada postimpresionista todavía.
Desde la época de la muerte de su amigo, aparece la época azul que dura de 1900 a 1903,
comienza a pintar retratos melancólicos, fijándose en pintores, poetas, prostitutas y mendigos,
con frecuencia ciegos, que se supone que lo estaban por la sífilis. Autorretrato, 1904. Fondo
neutro que recuerda a Manet, pero que dista muchísimo de todo lo que sucedía en el
panorama español en estos años. Vemos la expresión. Parejas de amantes con aspecto triste y
desolado, fascinación por mendigos y músicos, instrumento musical vinculado a la bohemia
como la guitarra y el violín. La tragedia, 1903. El viejo guitarrista. Patente la influencia del
greco en la sensación de tristeza constante, melancolía, frialdad, en el uso del color y
alargamiento de las figuras.
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Algo muy común en los cuadros de Picasso será la historia dentro del cuadro, el espejo dentro
del espejo. La vida, 1903. Tiene fascinación por los más débiles, los dignifica, lo que es muy de
la tradición pictórica española como es el caso de Velázquez. La mujer en azul, vemos la
variante de color, empieza a dejar los azules, que recuerda a lo que se estaba haciendo en
España a principios del 20.
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acróbatas. Los dos saltimbanquis,1901. Arlequín con espejo, 1923. Acróbata y joven
arlequín, 1905. Apenas hay perspectiva, quiere romperla, contar muchas cosas en el mismo
plano, nos suena al cubismo.
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Entre abril y julio de 1907 realizará las señoritas de Aviñón, a la vez que este Autorretrato de
1907, donde vemos las máscaras africanas. Para realizar a las señoritas se basa en un estudio
preparatorio anterior de 1905-6 llamado harén. Alude a un prostíbulo de una calle
barcelonesa al que solía acudir con Casagemas, este cuadro representa el amor carnal y el
placer de la mirada, no se expondrá hasta 1916. Sus amigos pensaron que se había vuelto loco,
a casi nadie le gustó este cuadro pero con el tiempo todos reconocieron que no habían abierto
bien los ojos. Precedente de la revolución cubista que luego hará junto a Braque. En el dibujo
preparatorio vemos que la figura del marinero, visitante o voyeur va a ser eliminado en el final
pero las mujeres miran, se ofrecen al espectador como si fuesen parte de un bodegón, de
hecho hay uno en el cuadro. Escándalo de planos, estética que ya no es bella al uso, como
nosotros conocemos los cánones, sino que trabaja en un plano más intelectualizado.
A partir de 1909 Picasso empieza a experimentar con diferentes planos en lo que se llama
cubismo analítico: cuadros que se descomponen en diferentes planos, la realidad se intenta
representar desde varios puntos de vista simultáneos. Se pretende reunir en un mismo plano
todas las visiones posibles de una cara o rostro. El cubismo analítico es el de la pura
investigación, al principio ausencia humana y se centra en los paisajes, etapa muy
experimental. Paleta de ocres, marrones, parduscos, negros o grises. Estos planos representan
un conjunto de formas poliédricas a veces bastante ininteligibles y con colores bastante
austeros. Es la primera etapa del cubismo. Después comienzan los retratos como el retrato de
Ambroise Vollard, 1911, otro de sus marchantes, donde descompone los rasgos y desbarata
toda sensación de profundidad. Reproducen a veces textos, que tienen que ver con las noticias
del periódico. Hará este estilo junto a Braque y muchas veces se confunden los lienzos sin
saber cuál es de quien. El aficionado (el torero), 1912. El poeta,1910.
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Cubismo sintético: después de la experimentación aparece esta fase más plana con menos
profundidad en el plano y donde vemos una lectura más evidente de figuración. Los músicos,
1921; el arlequín, 1915; muchacha con mandolina, 1910. También hacen bodegones. Se
representa el espacio por facetas a modo de visión fragmentada quizá. Y estas parcelas
reunidas en el cuadro aparecen como un ojo facetado: nombre con el que se conoce al aparato
óptico de los insectos.
Otra de las revoluciones será en 1912, naturaleza muerta con silla de rejilla, tras pasar la fase
del cubismo. Es una revolución porque introduce un elemento que en vez de ser representado
es introducido de verdad, la cuerda, es un collage con un objeto real. Lo que hará Millares ya lo
está haciendo Picasso. El hule también es un hule estampado a modo de collage. Introduce
también pequeños textos. Esto ya no es una pintura estricta sino un hibrido entre el trabajo
realizado a pincel y el que se ejecuta con el pegamento y tijeras. Es también un guiño a
Matisse, que era rival de Picasso. La forma del lienzo ya no es un cuadro sino un óvalo que
habla de la veracidad de la representación. Un
óvalo comúnmente era un espejo de principios
de siglo y aquí se apunta a que la pintura y la
realidad se identifican sin necesidad de que un
objeto real sea representado verídicamente por
la pintura. Todo esto coincide con otra
relaciona morosa de Eva Gouel, a quien dedicó
muchas de estas obras introduciendo la palabra
“mi linda” en francés, en varios cuadros a modo
de palabras clave.
En 1914 estalla la IGM y muchos poetas y artistas se tienen que marchar al frente como
Braque y Apollinaire. Picasso se queda en Paris trabajando sin moverse aunque comienza una
etapa bastante triste no solo por la muerte de
Eva sino por la pérdida de muchos amigos en el
frente. Tras la guerra Paris retrocede un poco
como capital del arte traslados un poco a otros
lugares como Rusia o NY. En 1917 empieza a
colaborar en los diseños de Sergei Diaghilev
como el Parade, y conocerá a la primera de sus
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mujeres, que era una bailarina de este ballet: Olga Koklova. Olga le introduce en los ambientes
burgueses, con la que tendrá su primer hijo, Paul (de los cuatro que tendrá). Quizá esta época
es la más tachada de frívola. Decorados de Parade. Retrato de Olga Koklova, 1918. Retratos
más amables, con el mantón de manila, un bien pensante por la mañana y un intransigente
vanguardista por la noche. Vemos el abanico en la mano y el uso de la flor. Retrato de Olga
Klokova, 1918-19 con mantilla. Retrato de Olga Koklova, 1923. Volvemos a un clasicismo que
es usado también por Picasso. Lo clásico es moderno, lo clásico es atemporal. Comienza a
pintar muchos retratos de su hijo Paul. Empezará esta constante de la duplicidad, poder hacer
varios estilos distintos y varias obras a la vez. Será un estandarte de diferentes posturas
ideológicas y estéticas, todo a la vez. Vemos esas formas que tienen que ver con la cultura
clásica occidental y los griegos, los desnudos
Se separa de Olga y conoce a Marie- Therese Walter, cuando ésta tenía 17 años, con quien
tendrá a su hija Maya (Concepción), segunda hija, cuando él tenía más de 40 años. El sueño,
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1931. Empieza a aparecer una mujer amable, nada que ver con esas tan agresivas identificadas
con Olga, y se convierte en su amante incluso estando con Olga. Con ella ensalza el amor
fauve, este amor loco del que hablan los surrealistas, cuadros más amables, con formas más
redondeadas, de otro colorido. Retratos de su hija Maya, mundo de la infancia que culminará
con sus otros dos hijos: Paloma y Claude, que los tendrá con Françoise Gillot. Caras picassianas
en sus hijos. Escultura de Marie-Therese. Retrato de maya con su muñeca, 1938.
En 1936 estalla la guerra civil y comienzan los cuadros con sangre, crueldad y muerte como es
Sol y Mentira de Franco en Picasso, vemos el burro podrido, que harán mucho los surrealistas,
burro podrido de Juan Ramón Jiménez. Conoce a su amante, con facciones más angulosos y
colores más ácidos que será Dora Maar. En 1936 acepta simbólicamente la dirección del
museo del Prado. Gracias a Dora Maar, tenemos las fotos del proceso de producción del
Guernica. Dora Maar siempre mirando de frente, era quizá la más libre, luego acabó en
México. Hace la portada del Minotaure, 1933, y a partir de ahí se identifica con esa figura del
minotauro, por su ternura, y su fuerza y poder sexual como su alter ego. El minotauro es
humano y animal y a partir de los años 30 aparecerá como elemento y tema en muchos de sus
cuadros y dibujos. Picasso en esta época ya era un conocido político en contra del franquismo
expresando con sus cuadros lo que siente además después formará parte del partido
comunista y a ppios de 1937 le encargan pintar una obra para el Pabellón español de la
exposición internacional de Paris de 1937. El 26 de abril de 1937 varias escuadrillas de aviones
alemanas arrasan la población vasca del pueblo de Guernica, las descripciones y fotos de esa
masacre servirán a Picasso de tema central para lo que mostrará después en ese pabellón.
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El Guernica, cuadro de grandes dimensiones 8x3,5, Dora Maar fotografió todo el proceso,
Picasso lo describió como el cuadro del horros, destrucción y muerte pero en versión
surrealizante. Mientras duró la guerra civil Picasso también pintó cuadros que relataba la
angustia de esta guerra. Se dice que el Guernica está en blanco y negro porque Picasso conoció
la historia del bombardeo a través de las fotos de los periódicos.
3/10/17
Picasso conocerá a otra de sus mujeres, Françoise Gillot con quien tendrá dos hijos y tras la
guerra civil se queda como exiliado en Francia aguardando a la II GM, cuando la guerra finaliza
Picasso tendrá 64 años y se inicia una productiva y larga vejez experimentando con muchas
técnicas. Disfrutará también de nuevos amores, no solo con Françoise, de la que después se
separará. También tendrá a Jacqueline Rocque que será la última mujer y después se suicidará,
la única que no se suicida es Marie-Therese. Françoise era una joven pintora con la que inicia
una prolongada relación hasta que aparece Jacqueline.
Todo esto conduce a la faceta del Picasso surrealista, aunque todavía con tintes cubistas.
Retrato de Jacqueline Rocque, son cuadros del final, muy coloristas que tal vez recuerdan a
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Matisse. Picasso muere seis meses antes de cumplir 92 años. Las meninas. Su amigo Rafael
Alberti le dedicó un poema.
Casi toda su producción está en el IVAN. Considerado padre de la escultura del hierro. Aunque
nació en Barcelona con apenas 19 años se traslada a Paris y aunque de vocación pictórica se
forma como artesano en el taller de metalistería artística que tenía su padre en Barcelona,
como orfebre en esa Barcelona modernista como muy influido por el Art Noveau el aprende la
forja y la fundición del hierro. En su llegada a Paris da ese paso de su formación de artesano a
artista, sobre todo porque empezará a colaborar con otros artistas
entre ellos Gargaio, Brancusi y Picasso. Será quien enseñará a
Picasso a trabajar con el metal, es más Picasso le solicita ayuda para
realizar el monumento funerario a Guillaume Apollinaire.
Podríamos decir que sus esculturas son filiformes (como media luna) donde utiliza el material
en relación con el espacio y el vacío, él hablaba de dibujar en el espacio. Eran cosidas
directamente con varilla de hierro con las que conseguía un lenguaje aparentemente
abstracto. Obras de un gran esquematismo. Mujer ante el espejo, 1937. Y que algunos han
relacionado con el cubismo. Descompone los volúmenes.
54
Pero quizá una de sus obras más importantes es La
Montserrat de 1937 que también se expone en el Pabellón
Universal de la Exposición de Paris de 1937. Nos recuerda a
esa Bien plantada. Es su pieza más emblemática y se encuentra
en Ámsterdam. Rostro de la Montserrat gritando. Eso hay
quien ha dicho que es una síntesis entre el surrealismo y el
expresionismo. Tuvo muchísimo éxito en su momento y fue
llamado a participar en una exposición realizada en 1936 en el
MOMA de NY invitado por Alfred Barr. También colaboró con
Torres García
Este movimiento en realidad es especialmente intelectual y surge como una reacción frente a
la representación de objetos vistos desde un punto de vista único y determinado. En principio
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iban en contra del impresionismo que trataba de captar sensaciones lo que era subjetivo; y
ellos trataban de captar diferentes planos para hacerlo objetivo. Así las cosas se descomponen
en planos a la vez que se intentan representar desde varios puntos de vista simultáneos.
Estos artistas amplían una visión única para reunir de un único plano varias lecturas. Se rompe
la idea de espacio clásica de la perspectiva renacentista, es una auténtica revolución. Se trata
de ser absolutamente totalizador y objetivo. Es la forma más radical y revolucionaria de
representación desde el renacimiento. Intentan multiplicar en un solo plano los diferentes
puntos de vista, ya no es imitar de la imitación sino de la concepción: está presente la idea por
encima del objeto. En vez de intentar captar la belleza tratan de captar una idea, son los
primeros que se empiezan a plantear esto, antes de Duchamp, del informalismo, de Kandinsky.
Incluso Braque y Picasso se confunden en ese periodo. En parís este grupo cubista es muy
amplio y muy heterogéneo: Metzinger, Leger, los hermanos Duchamp, Picabia (que llega a
España en 1922), y además en 1912 se organiza una gran exposición en París sobre los pintores
cubistas. También tenemos la inserción en estos cuadros de letras porque el cubismo también
afecta a la tipografía.
Características generales:
CUBISMO SINTÉTICO: segunda etapa. Es más alegre, la paleta se alegra con otros
colores, colorido más brillante y mucho más contrastado a la vez que los planos se van
a simplificar con el fin de hacer más legible lo que estamos viendo, y es bastante más
sencillo. Se hará habitual utilizar en el lienzo papeles pegados, lo que se conoce como
collage. También utilizan papel de periódico, rótulos tipográficos, creando así esos
elementos en el soporte. Jugará con nuevas formas al sugerir también el uso de
nuevas texturas, la textura va a dejar de ser solo pictórica. Hay un paso más que son
los valores táctiles. Estas formas también parecen más ingenuas, más gratas, más
amables y mucho más planas visualmente en estas descomposiciones.
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JUAN GRIS (1887-1927)
Se marcha también muy pronto a París, él nace en Madrid y con apenas cumplidos los 19 se
marcha a París. Como español tenemos esta solidaridad, siendo acogido por Picasso que solía
ser punto de encuentro para todos los españoles que llegaban a la capital de las vanguardias. Y
será de Picasso de quien aprenda todas estas lecciones sobre el cubismo, empezando por el
cubismo sintético. Se instala muy cerca del estudio de Picasso.
Primero se dedica al dibujo humorístico e ilustración grafica (hasta
casi 1910) para ganarse la vida, lo que era una cosa muy heredada
del modernismo.
Retrato de Picasso, 1912. Retrato de Modigliani, 1919, hecho a modo de Modigliani, no es tan
cubista sino que recuerda mucho a la propia pintura de Modigliani. Juan Gris, 1919, estos
colores más brillantes, los propios cubistas se contaminaban entre ellos, este cuadro nos
recuerda a Léger y las formas redondeadas de su pintura.
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Pintó también algunos paisajes, aunque sobre todo figuras y el tema predilecto de su pintura
será el bodegón. Se pasará toda su vida haciendo este tipo de producción, no saldrá nunca del
cubismo y será íntimo amigo de María Blanchard. Su pintura en realidad es muy austera, es
monocroma durante muchos años. Pero a partir de 1913 empieza a introducir muchos juegos
cromáticos con colores muy vivos convirtiéndose y siendo muy conocido por ser un creador de
armonías de color. Lleva a cabo también juegos de composiciones entre los verdes, los rosas,
los ocres y azules. El mismo decía que el mundo del que sacaba los elementos de su pintura no
era real sino imaginativo.
No se llevó a cabo una exposición suya en España hasta 1985, que se le hizo una exposición
individual en la Galería Teo y hasta esa fecha el Ministerio de Cultura no lo adquiere, es decir,
hasta 50 años después de muerto casi, no se le hace una exposición. Gris acaba sus días en un
pequeño pueblo de Francia tras la Primera Guerra Mundial, continuando toda su vida en una
investigación sobre el cubismo sintético. Realmente él se llamaba José Victoriano González.
Ella se llamaba María Gutiérrez pero adopta el nombre de su abuelo materno. Provenía de
Santander de una familia burguesa, su abuelo era fundador del periódico la Abeja Montañesa,
su pare también era el director del periódico El Atlántico y su madre era de ascendencia
francesa y polaca. María era jorobada, lo que marcó toda su vida, fue una persona muy
acomplejada que odiaba que sacaran fotos de ella, y eso marcó su carácter introspectivo.
Padeció continuas burlas desde la infancia que le afectaron psicológicamente el resto de su
vida y la pintura se convirtió en una escapatoria. Creció en un ambiente culto y su padre le
despertó este interés por el arte, trasladándose en 1903 a Madrid, estudiando por ejemplo con
Fernando Álvarez de Sotomayor y Emilio Sala, una pintura que era muy costumbrista.
Pero ella considerada que quiere aprender más y que tiene necesidad de irse a París a estudiar
asique será becada gracias a un cuadro llamado los primeros pasos, un cuadro bastante
costumbrista. Va a París y se encuentra con una ciudad totalmente bohemia donde empieza a
estudiar con Anglada Camarasa y se volverá una seguidora de Kees van Dongen que recuerda a
Matisse y lo fauvistas. Ellos orientan su trabajo hacia la libertad de color y la expresión,
alejándose totalmente de esa formación académica española tan costumbrista.
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Obtiene una plaza para trabajar de profesora de dibujo en la
Universidad de Salamanca, cuentan que ella lo pasa muy mal
porque los alumnos se ríen de su problema físico y decide
abandonar la cátedra marchándose definitivamente en 1916 a
París. Y allí se relaciona con Juan Gris, Picabia, Picasso y Diego
Rivera, entablando muchísima amistad con Juan Gris, quien le
influirá muchísimo. Comienza ya a concebir sus cuadros en planos
cubistas, para llegar al tipo de figuración como en La comulgante,
1914. Aunque formó parte de este grupo heterogéneo cubista,
introduce rasgos personales como es el tratamiento del color, algo
muy destacable en su obra. También es interesante la imaginación
que utilizó para muchos de sus cuadros. Y estaba muy fascinada
por Rosseau, el aduanero (pintura como naif), y esto se nota en
esta concepción como plana, un poco naif del plano.
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amarillo, el blanco o los grises claros. (la golosa, 1924). El niño con helado, 1924. María
Blanchard es una artista que sí tiene estilo, sus cuadros son identificables.
60
En 1932 en el Ateneo de Madrid, Federico García Lorca (que nunca la conoció) le dedicó una
elegía, una conferencia a María Blanchard, cuando apenas nadie la conocía.
2.5. EL SURREALISMO. MIRÓ, MARUJA MALLO, SALVADOR DALÍ, FEDERICO GARCÍA LORCA,
PONCE DE LEÓN, JOSÉ CABALLERO Y OSCAR DOMÍNGUEZ
A partir de 1925 y ya hasta más adelante. Primero nos detenemos en 1925, donde gracias a
Blanchart y Gris se había impuesto el cubismo en España. Ya hay atisbos de cambio, sobre todo
en relacion con movimientos literarios. 1920 manifiesto de Guillermo De la Torre, 1921 Ortega
y Gasset la España invertebrada, 1923 el mismo autor empieza a publicar la revista de
Occidente, que se mantiene en la actualidad. En estos años están activos Lorca, Aleixandre,
Salinas o Azorín, pero si hay algo que significa realmente una apertura es la exposición
realizada en el Retiro de los Artistas Ibéricos (1925). Ya hay en estos años por tanto una
necesidad de renovación que supone en Madrid insertar los aires internacionales.
18 de mayo de 1925, con artistas como Gores, Benjamín Palencia, Alberto Sánchez, Dalí,
Barradas -en relación con la nueva figuración madrileña-. Fotografía de la inauguración en el
retiro. Las obras reunidas eran todavía algo escasamente homogéneo y muchos artistas
estaban anclados en el último cubismo o en el modernismo. Es importante saber que tras la
misma había intelectuales y críticos como Juan de la Encina, Guillermo de Torre y Ortega y
Gasset.
Pero si hay un movimiento realmente rupturista, pese a que la historia del surrealismo se
inscribe en París, las aportaciones españolas al movimiento son determinantes (llegada tardía,
1925). Artistas como Óscar Domínguez, Dalí, Miró, etc. Muchos asimilan rasgos extranjeros,
pero la mayoría tiene características propias. Marcada la trayectoria por el surrealismo francés
y sus equivalentes en España.
Es por un lado la primera vez que dentro de la renovación artística de vanguardia, los artistas
muestran una participación activa hacia lo que se difunde desde país, y en segundo lugar, es
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un estilo más o menos heterogéneo en lenguaje y concepción (desarrollo plástico y actividad
intelectual). Cuatro focos:
Inicios del movimiento ubicados en París y cercanos a Freud y Bretón (psicología y padre del
surrealismo). Éste se difunde gracias a revistas que, sin ser propiamente surrealistas, se hacen
eco del movimiento.
Propicia formas como el collage, fotomontaje o inserción del objeto en el cuadro, además del
primero en saltar a la palestra el compromiso con el arte. Incluso tras estallar la guerra, el arte
se convierte en el medio de expresar los desastres de la guerra. Es el movimiento vanguardista
(mujer como ser espontáneo y con derechos al voto y a su cuerpo) con más mujeres. Maruja
Mallo, Remedios Varo o Ángeles Santos.
Teóricos intelectuales y artistas que han leído las teorías de Freud sobre el inconsciente, de ahí
que destaquen la figura del psiquiatra de Bretón, constituido como auténtico jefe del
movimiento: defiende el inconsciente como lugar generador de imágenes que se pueden sacar
a la esfera artística por medio de un proceso de transcripción automático donde no
interviniese la conciencia. 1924 manifiesto; el propio Breton define el surrealismo. Pretendía
hacer por pintura y escritura un dictado sin preocupación estética o intervención de la
conciencia.
Nace en París por escritores descontentos con la anarquía del dadaísmo, con orígenes en la
revista Literature (1922), que servía de base a Dada, cuyo movimiento había impresionado a
Bretón (escritura automática). Además había escrito los campos magnéticos. Pero La Oficina
surrealista (1924, ¿) ya publica la revolución surrealista (revista). Era un movimiento literario
como lo había sido el futurismo, donde el comportamiento y política tenían los campos
fundamentales. Bretón hará hincapié en pintura y ya en 1925 en la galería Pierre de París se da
la primera exposición surrealista (Miró, Chirico, Man Ray).
62
Duchamp puso 1.200 sacos de carbón en el coche y mujer gritando de Dalí. A ellos se añaden
luego artistas como Dalí y demás, así como Picasso o Picabia.
El Bosco (decían que tomaba drogas) o Goya eran surrealistas sin saberlo (onírico).
Freud se quiso desvincular (no convencido). Pretenden excluir a la razón del proceso creativo,
que sin embargo no es espontáneo. Las imágenes del subconsciente no son abstractas, sino de
cosas y personas reconocibles, pero que se inscriben en el panorama del sueño (aún así
siempre hay un tema en el sueño, que es preciso expresar de un modo concreto). Son pintores
académicos que muestran un mundo extraño.
Como el dada rechaza el arte burgués, basado en la presentación de lo externo, porque ahora
quieren presentar lo externo (subconsciente y mente del hombre).
Freud solo recibe a Dalí (1938, Londres) y afirma no entender de arte. Hay algo colectivo en la
creación. Freud descubre que el inconsciente funciona con imágenes (abre gran campo al arte,
que también funciona con imágenes, medio más adecuado para los objetivos inconsciente).
Razón da lugar a ciencia e inconsciente al arte (lo más profundo, amoral y no convencional
llevado a sus últimas consecuencias hasta que el artista sea un mero espectador de la
gestación de su obra). Equivalente plástico de la escritura automática (llevar a la pintura el
automatismo psíquico). Retrato de Magritte.
No hay ideas preconcebidas ni control de lo realizado al comienzo (de ahí los extraños
resultados), pero es un movimiento muy abierto (desde la abstracción al academicismo).
Pintaba los sueños pero al servicio de la tradición académica. Dobles imágenes de Magritte
(como Dalí).Dalí lleva este sistema a sus últimas consecuencias (fotografías de sueños a mano).
Fotografías de Ray.
En los sueños las personas, cosas y lugares se confunden y tienen múltiples lecturas (con
sentido), unidas con relaciones absurdas e incomprendidas desde la inconsciencia. Así se
generan ambientes oníricos.
63
Llevan a cabo una crítica a la burguesía en todos los aspectos (político, artístico y vital), y sobre
todo en la teoría (intelectuales, burgueses como Dalí, Lorca o Buñuel). Rechazan sus orígenes
por lo general.
Se trata de reflejar el azar y su consecuencia, el absurdo; todo ello fundamental para provocar
al público y para la aparición de lo oculto del ser humano. No es una continuación del dada,
pero es un independiente que surge a partir del mismo (resultado de una de las múltiples
posibilidades que ofrece el dada). Quizás la diferencia fundamental es el optimismo (paleta
alegre y actitud). Creen en llevar a cabo un cambio mediante la revolución. Ello también se
relaciona con posturas políticas y muchos de estos artistas se adhieren al comunismo (aunque
muchos luego son expulsados).La escritura automática es una de las bases y primer camino
(antes que las imágenes).
Los cantos de Maldoror son un conjunto de seis cantos poéticos publicados en 1869, obra de
Isidore Ducasse, más conocido por su seudónimo de conde de Lautréamont, considerado el
gran renovador de la poesía francesa del s. XIX. Importancia en la contemporaneidad y foco de
vanguardia, Peggy Guggenheim (1898-1979) traslada esta pintura a Nueva York. Galería
surrealista con paredes redondeadas en NY.
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SALVADOR DALÍ (1904-1989)
1. Hasta 1928
2. Entre 1939 y 1945
3. Las décadas de la posguerra hasta su muerte
Primeros años en Figueras, cerca de Cadaqués. Su vida transcurre entre ambas ciudades y
Madrid. En esta primera etapa asimila las lecciones del posimpresionismo y cubismo sintético.
Pocos conocidos.
Tras la muerte de su madre en 1921 marcha a Madrid al año siguiente para ingresar en la
Residencia de Estudiantes, donde conocería a Lorca, Buñuel (incipiente director de cine) o
Pepín Bello (inicios en medicina, no hace nada pero está presente en todo). Cuando se
conocen quedan completamente aturdidos por Dalí (excéntrico) con las pintas (capa, patillas y
melena y gran asimismamiento), siempre de la mano de Lorca. Se rapa la cabeza con Buñuel
(amigos en plano personal y productivo, les
invitaba en verano a Cadaqués). Rechazo a su
madre (escupe en el retrato), padre le manda a
Madrid (poco interés). Ataques de risa histérica,
no lee hora del reloj ni cruza la calle sola. Hijo
único mimado (chico). Hermano abortado con el
mismo nombre. Autorretrato con cuello
rafaelesco, lienzo, fundación Gala-Salvador Dalí,
1920-1921
65
Picasso). Su hermana se hará luego muy amiga de Lorca, con quien tiene relación epistolar tras
el enfado de ambos.
Época de su primer viaje a París con Buñuel, donde conoce a Picasso. Época de mayor apogeo
en su amistad con Lorca y por entonces (1929-30) hace un primer viaje a Bruselas, donde
conoce a Vermeer (interés). Minuciosidad y luz desde la izquierda, asimila su estilo.
De regreso comienza una carrera desenfrenada cargada de estímulos tras visitar París y
Bruselas. Su amistad con Lorca está en auge y colaborará en el desarrollo de la escenografía de
Mariana Pineda. Hablan de sus noches toledanas o
juegos surrealistas (como comer menú, presencia de
Mallo).
En 1928 hay una transición hacia el surrealismo. Se empieza a distanciar de Lorca a favor de su
amistad con Buñuel, lo que se traduce en una carta que le escribe a Lorca metiéndose con el
romancero gitano y criticando su regionalismo tradicional (le asimila a Juan Ramón, antítesis
del movimiento).
Opuesto a la sensibilidad que define Lorca por el folclore. Buñuel era comunista y testarudo,
machista, que se aleja de Lorca y luego de Dalí.
66
Admira a Tangelin (¿), Maçon o Man Ray, con quien colabora. 1929 va a París, realizando un
perro andaluz (guión, realización de Buñuel). Referencias a Magritte y Perel (¿). Buena acogida.
Conoce a Paul Eluard en París (poeta), marido de Gala, a quien conoce en un psiquiátrico,
invitándoles por vacaciones a la familia a Cadaqués (hija). Días con marchante en Port Lligat y
Gala se queda allí.
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La persistencia de la memoria, 1931. Dicen que el fondo
evoca a las calas de Port Lligat. Lo pinta una noche
asustado cuando Gala va al cine. Prácticas solitarias y gran
masturbador de nuevo. Hormigas que ya aparecen en la
edad de oro con Buñuel y los relojes blandos esperando la
llegada de Gala. Quizás su contrapunto es la
dureza de las rocas. Fondo onírico y aislado.
Alrededores
de la ciudad
paranoico-crítica, 1936. Método paranoico
crítico en relación con Bretón, Freud y
Laccaro (¿, psiquiatra). Dobles imágenes:
esfera azul reproduzca en la cúpula, rostro
de Gala con uvas en relación con la
campana trasera, círculo superior como
arquitectura o como luna. Dobles lecturas
en diferentes imágenes. Objeto que sin modificación esencial puede significar otro diferente.
Ello desemboca en: El enigma sin fin, 1938. Varias versiones. Rostro de Lorca como mono, o
galgo (perro andaluz). Hombre tumbado o islote sobre su cabeza. Culmina el método en 1938.
Con este tipo de obras muestra un modo de pensar que opera con similitudes insólitas,
fusiones o deslizamientos. Introduce en
la alta cultura lo que empezaba a ser
normal en medios de masas.
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Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en
equilibrio sobre el hombro, 1933. Carne putrefacta.
Muchos retratos de Gala. Contenidos oníricos
sometidos a lecturas más explícitas (doble cabeza
árbol en relación con Magritte. Recibimiento de Freud
(único a quien toma en serio).
10/10/17
SALVADOR DALÍ
Freud no admiraba a Miró sino a Dalí, que viajó a Londres para conocer a Freud, que le tomó
muy en serio, 1938.
Una foto en la que aparece Dali con mujeres desnudas formando una calavera, método que
también utiliza Man Ray.
69
ETAPA ATOMÍSTICA
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Además Dalí tiene una creciente actividad intelectual que no solo plasmo en las artes plásticas
sino también publicaciones de textos: Diario de un
genio, Carta abierta a Salvador Dalí.
Dalí entendía así su pintura como una parcela de un personal universo bastante complejo,
busco un ámbito genuino y universal más allá de la lógica. Incluso en el terreno político se
mostró ambiguo. Empezó perteneciendo a grupo surrealista donde todos eran comunistas y
después marxistas, pero Dalí se empezará a separar y luego después de los 40 hizo
declaraciones apoyando al régimen franquista , y claro le echaron del grupo.
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Dalí hizo de sí mismo, como Warhol, un personaje público, y de su obra de arte algo
destinado a impactar no solo a los burgueses sino también los artistas. Se posiciono como
artista excéntrico que con tanta facilidad es admitido y ensalzado por la sociedad de consumo.
Y nos mostró sus propias obsesiones hasta dar con ese incómodo narcisismo megalómano.
Pero también Dalí nos hizo comprender a través de su pintura la utilización de las técnicas, el
surrealismo como bandera que nunca dejó. Y desde luego grandes pericias visuales y una
producción impresionante.
Pasó por el cubismo, nació en Barcelona, conoció a todos los intelectuales del momento. Hasta
que en 1920 se desplaza a París donde conocerá a Mason y le introducirá en el círculo
surrealista.
Tiene textos bastante fascinantes. Era un catalán catalán, nunca escribió en castellano, escribía
en francés y hablaba en catalán. Investigó muchísimo incluso utilizó el excremento para pintar
en los años 40.
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este espacio casi único, flotante, que no debe absolutamente nada a la tradición o perspectiva
tradicional aparecen figuras que flotan: perro, escalera, luna… Este cuadro es el salto entre la
figuración y lo más abstracto. Elementos identificados con la noche, momento del sueño. Este
fue uno de sus temas preferidos, el de la oscuridad, de esta oscuridad emergen estrellas y
estas estrellas se convierten en sexos femeninos, lunas y otros símbolos que según Freud
pertenecen al inconsciente.
En este mundo Miró tenía una postura completamente independiente, nunca firmó un
manifiesto ni quiso jamás adherirse al grupo surrealista no era un hombre de polémicas ni
grupos. Tampoco se dejó ver en los cafés. Era un hombre muy metódico. Vivirá en Barcelona,
irá a París y en los años 60 se retira a Palma de
Mallorca que es donde morirá.
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tienen que ver con esas mujeres amenazadoras. Algunas de las esculturas que tienen que ver
con esa concepción infantil y colores primarios y que lo convierten en el surrealista por
excelencia. Azul, 1961.
Él llegó a ser amigo de Picasso pero después se enceró Miró en Palma de Mallorca
manteniéndose al margen en su mundo personal y complejo y sobre todo bastante enfadado
con el franquismo.
Representa una insobornable libertad en una época problemática para las mujeres. Aunque el
personaje quizás se comió a la artista. se exilió en Buenos Aires y llega a Madrid a finales de los
60, muy vinculada a la movida, pintada como una puerta siendo amiga de los Costus.
Nace en Lugo, sus padres tuvieron muchísimos hijos, por lo que ella vive con sus tíos una
temporada. Ella llega a Madrid en 1922 queriendo estudiar, mismo año que llega Dalí. Desde
pequeña comienza a pintar y sus padres la apoyan mandándola a Madrid para estudiar en la
Academia de San Fernando. Muy pronto ingresa en los círculos más intelectuales de Madrid
siendo amiga de Lorca y Dalí fundamentalmente. Era dicharachera. Sobre todo la conocerá
Ortega y Gasset que auspiciará su exposición de 1928.
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sevillana, los marineros. Tendrá un éxito relativo y pronto viajará también a París, de hecho
será becada estando un año allí donde conocerá a otros intelectuales, entre ellos a Pablo
Neruda, con el que se comenta que tuvo un affaire.
Será muy amiga de Alberti, se quedará eclipsada por él, y serán pareja, aunque él la apartó de
sus memorias. Tuvieron una relación y luego finalmente conoce a Teresa León con lo cual
Maruja Mallo será un pájaro libre.
En 1929 Maruja ya es una artista bastante consumada y conocida, siendo muy amiga de Lorca.
Ella estuvo en la residencia de señoritas, que no solo era un lugar para dormir sino lugar de
reunión de intelectualidad. Una vez estalla la Guerra Civil, le pilla en Buenos Aires y no vuelve
hasta finales de los 60. Su pintura es increíblemente minuciosa, por tanto tarda mucho en
producir, son cuadros enormes.
En el 27 las señoritas llevaban sombrero y ella decide con otra amiga quitárselo y cuentan
como paseaban así por la puerta del sol y cuenta que las llamaban maricones y travestis. Así
encabezará el movimiento de las sin sombrero.
No se casará, no tendrá hijos, no se sabe si vivió mal aunque se cree que no pasó penurias.
Conoció a muchos artistas, viajó mucho, conocerá a Andy Warhol y sobre todo a Jorge Oteiza.
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Figuras, 1937. Figuras totémicas, infinitud de dibujos preparatorios, nunca se permitió dibujar
mal. Era tan minuciosa que tiene una producción muy escasa, apenas ciento y pico cuadros.
Tierra y excrementos, 1932. A partir de su fascinación por el escombro.
Nace en Girona, su padre era un funcionario que va a viajar muchísimo por España, viviendo
así en muchos lugares. Su producción es autodidacta, no estudia en San Fernando, y sobre
todo se asentará en Valladolid hacia el 1928, allí comenzará a pintar y donde ruega a su padre
participar en un concurso en el Salón de Otoño de Madrid con cuadros como el Autorretrato,
1927 o un mundo, 1929. Este último es su cuadro más conocido, ella estaba fascinada por la
76
poesía de Ramón Jiménez. Ella dice que para concebir este cuadro pensó en sus versos y Juan
Ramón quedará fascinado al conocer su pintura. Surrealismo que aboga por figuras muy
oníricas, seres que recuerdan a los extraterrestres.. Hay algunos personajes femeninos que
pueblan este cuadro, parecen como dos ciudades, el submundo que está abajo y el que está
arriba; tiene que ver mucho con esa minuciosidad de los libros de horas medievales y aparecen
mujeres con el pelo largo que iluminan el camino con estrellas que nos recuerdan a otras
surrealistas como Remedios Varo o Leonora Carrington. Incluso podríamos decir que es una
estética vinculada con lo gótico y la pintura del trecento.
Artista mujer que vivía en provincias, en ese lugar asfixiante pero que ya podíamos intuir
curiosa porque había leído algunos de los textos de realismo mágico que se acaban de traducir
en España. Y gracias a esta exposición del Salón de Otoño de 1929 hizo que intelectuales como
Lorca, o Ramón Gómez de la Serna se fascinaran por su obra y fuesen a Valladolid luego a
visitarla
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Dos hermanos, 1930. El primer cuadro de un mundo es el
más surrealista, el resto son más familiares, vinculados
mucho a los niños e infancias que recuerdan a María
Blanchard, o bien, con las mujeres.
Cena familiar, 1930. Tras alcanzar el éxito por el cuadro un mundo, este cuadro supone un
punto de inflexión en su trayectoria plástica y en
su vida familiar pues a partir de 1930 pasará
largas estancias en Madrid entrando en contacto
con estos intelectuales. Representa el ambiente
asfixiante de las cenas familiares con sus padres y
hermanos en Valladolid. Se cuenta que hay
influencias de Goya en esta paleta que se
oscurece respecto al resto. Miembros de una
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familia burguesa, en este caso es la suya, que tenían también sirvienta,
pero refleja lo brutos y maleducados también que son y su madre que
es la de rojo (Angelita) que era una señora muy fina de Valladolid que
tocaba el piano se transforma en un personaje abrupto comiendo muy
maleducadamente. Es una crítica hacia las mentes biempensantes.
Una vez pasados ese tipo de cuadros una vez casada viviendo en
Barcelona y Paris, casi toda su producción estará dedicada a los paisajes
con una pintura medio naif muy de moda en los 70 y 80 en España.
16/10/17
Nace en Girona, y siendo hija de una familia que viaja mucho por España, viajará por su padre
por diferentes provincias hasta que les dice por favor que quiere ser artista y es mandada a
Madrid a la Academia de San Fernando y sus profesores serán Julio Romero de Torres y
Manuel Benito, empieza una pintura muy academicista basada en el realismo. Pero también
conecta con la élite intelectual que en esos momentos hacia cubismo.
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Hacia la torre. Su pintura es bastante personal, compleja, se
basa en uno de los padres del surrealismo, El Bosco y en
Brueghel, en los libros de horas, esa minuciosidad extraña, en
figuras que parecen sacadas de los sueños, en lo onírico. Ella
tarda mucho en configurar estas escenas que parecen sacadas
de cuento. Está muy fascinada por lo espiritual, ella junto a su
mejor amiga Leonora Carrington hacían juegos. Fascinación por
lo mágico, el espiritismo, de las dos.
Malagueño de origen que vivió toda su vida en Madrid. Es fusilado en la guerra civil.
80
la redacción de la revista Arte. E incluso realizó una película titulada niños. Y realizo una amplia
producción de carteles publicitarios.
Algunos de sus mejores cuadros como el filatélico enamorado están hoy desconocidos.
Jóvenes y pescador, 1936. Mezcla dos escenas que no tienen mucho que ver. Quizá su obra
más conocida es este autorretrato, 1936, llamado también la caída. Es él mismo después de
tener un accidente. Artista que se afilia a la falange. Escena figurativa dentro del surrealismo.
17/10/17
Escuela de Vallecas, término que aparece en 1927, pero el nombre se lo da Alberto en un libro
de 1962 en un libro que se llama Palabras de un escultor. Es una expresión que aparece por
primera vez de forma tardía en una entrevista que le hacen a Alberto Sánchez en los años 60.
Alberto se exiliará después de la Guerra Civil a Rusia y jamás volverá, y será profesor de dibujo
de los niños de la guerra.
Desde un punto de vista artístico las formas clásicas de Alberto y Benjamín crearon en su
conexión con la naturaleza y el paisaje rural vallecano coincidiendo con los fundamentos
estéticos de lo que se llamó el Arte Nuevo, algo que ya había aparecido en 1925 con la
exposición de los artistas ibéricos. En realidad este movimiento se caracteriza por la
desconfianza hacia los lenguajes artísticos más racionales y academicistas, en este contexto
ambos artistas van a buscar una nueva plasmación estética de la naturaleza sobre todo, pero
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especialmente de la naturaleza agraria, no manipulada por el hombre. Obsesión por el paisaje
castellano más allá de los fenómenos naturales. Todo esto lo simboliza el Cerro de Almodóvar,
llamado por ellos Cerro testigo, que asume esta renovación plástica con una mirada
transformadora, entendiendo el arte como experiencia más que la experiencia como arte.
Hablan de volver a lo matérico, a lo ancestral, a la naturaleza más palpable (antecedente del
grupo El Paso).
Estos dos artistas tienen una formación basada en el postcubismo, ambos empiezan realizando
bodegones pero expresan intensamente sentimientos. Ambos publicaran libros, textos
escritos… muy típico de los artistas que se mueven en la vanguardia. Ellos hablan de las fuerzas
telúricas que son las que mueven la tierra. Empiezan a mezclar tierra, grano, trigo, con la
pintura para que aparezca la materia en el lienzo. Hablan de los apeos de labranza, los
materiales del campo, etc.
Villar del Pedroso, 1930, Benjamín Palencia. Benjamín Palencia, Paisaje, 1926. El lenguaje
plástico que utilizan hunde sus raíces en el paisaje vernáculo, pero se centrarán
fundamentalmente sobre todo en Vallecas, en Valdemoro y en las tierras de Toledo, las formas
plásticas que ambos utilizarán muestran una estrecha conexión con los lenguajes artísticos de
la vanguardia internacional de los años 30, sobre todo de corte surrealista.
Benjamín Palencia era pintor albaceteño y Alberto Sánchez era de Toledo. Alberto tiene unas
raíces completamente distintas a las de Benjamín, este último fue educado en Madrid
conquistando la atención de muchos colegas de la época y escritores; de hecho en 1923
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aparece en una selección llamada índice que hace Juan Ramón Jiménez. Benjamín será casi
apadrinado por J.R.J. y escribe un libro llamado Niños cuyo prologo es de Juan Ramón y
también colaborará en la Revista de Occidente. Muchos dibujos figuraron también en
residencia, otra de las publicaciones del momento y allí Benjamín ilustró los poemas de Alberti,
quien se convierte en un gran amigo de estos dos pintores creadores de la Escuela de Vallecas.
El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella, 1937, Alberto Sánchez. 12,5m
es la que se situó en el pabellón de la Exposición Universal de 1937. Tiene un título proclama
bastante político que ponía de relieve el punto de vista socialista, el dolor y drama de un
pueblo que en ese momento vivía una guerra civil. Reafirmación de la vanguardia frente lo que
defendía un arte de compromiso político ligado al realismo. Compartiendo escena con el
surrealismo hay otra corriente llamada del realismo. Los realistas dibujaban proclamas y
carteles de realismo político, mucho más posicionados ideológicamente que los surrealistas, a
los que se les tacharon de estar muy alejados de lo que podía entender el pueblo. Así Benjamín
y Alberto hablan de ambas cosas realismo y surrealismo. Esta obra reproduce formas muy
semejantes a las de Tanguy, con oquedades que parece que se hacen para que aniden los
pájaros, hay quien dice que recuerda a una barra de pan alzada (trigo); esto tendría sus raíces
en su formación (padre panadero). Esta obra se alza como un icono totémico que representa
las utopías sociales de entreguerras. En Palabras de un escultor, Alberto alude a la idea de
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levantar esas formas de la tierra, formas escondidas, y habla de formas con rallas dibujadas,
hierbas esmaltadas, piedras que son pisadas por los caminantes solitarios.
Mezcla singular de la españolidad y la vanguardia, solo igualada años después por el grupo El
Paso.
Nace en Albacete y con 15 años se traslada a Madrid para estudiar pintura, comienza en la
Academia de San Fernando pero luego se forma él solo acudiendo a clases de dibujo con Elías
Tormo. Su formación él dice muchas veces que será el propio museo del Prado donde sobre
todo le influyen Velázquez y el Greco. Estrecha relación con Pancho Cossío, Dalí y Juan Ramón
Jiménez. Participa en la exposición de artistas ibéricos de 1925. Retrato de Solana, 1918. Tiene
unas connotaciones muy interesantes con estos azules oníricos, tonalidades frías; con
muñecos y máscaras detrás que era la fascinación de Gutiérrez Solana. Manos delgadas y
alargadas como del Greco. Retrato de hombre, 1918, vemos los fondos. Autorretrato, 1920.
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Benjamín Palencia fue quien realizó el logotipo
de la Barraca, ese teatro universitario que
dirigió Federico García Lorca en esas misiones
pedagógicas. Benjamín Palencia tiene una
formación más intelectualizada, viajó a París, se
formó en San Fernando, retratos geométricos
de tendencias cubistas al principio, expuso en la
galería Pierre de Paris y colabora con las
misiones pedagógicas.
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su gran amigo Alberti es mucho más detallada; retratos psicológicos en los que siempre
retratan al personaje con algo que recuerda a su personalidad por eso vemos aquí el libro y
antes en Solana los muñecos.
Peces blancos, 1930. Y esa fascinación por la fauna. Paisaje astral, 1930.
Se va evidenciando la violencia de aplicar la materia en estos cuadros.
Tierras silúricas, 1931.
Molinos de Castilla, 1933, es muy característico de la época, son como palillos cincelados,
piedras… Composición, 1933. En este cuadro nos recuerda enormemente por las formas y
paleta de ocres a las formas geológicas y rocosas que fascinaron a la época surrealista de
Picasso y tienen mucho que ver con los detritus, el escombrero y basurero de Maruja Mallo.
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Dentro de su producción aparecen estos collage fotográficos y recortes
que compagina con su pintura a partir de este viaje a Paris. Sin titulo,
1935 (gato y pelotita de tenis), esto tiene mucho que ver con Man Ray.
Este fotocollage tiene que ver con la experimentación y la metodología
surrealista. este fotocollage habla de lo irreverente con esa figura en
ultimo termino con dos manos demuestra que hay algo extraño, es una
virgen enfrentada al gato quien parece maullarla, y la pone en relación
con la figura circense que parece sujetada por las manos. Hablan del
circo como algo que simboliza la propia precariedad del arte. Este
fotocollage se publicó en la revista Cruz y Raya, que incluía la
colaboración de escritores como Neruda.
Minuciosidad, retrato del campesinado, ilustración casi infantil, reivindicación de los pueblos
que veremos también en el GATEPAC. Paisaje castellano y otro paisaje. Paisaje del molino,
1950, de nuevo el campo y lo rural. La corrala. Paisaje de 1964, estos son los más conocidos,
donde ya hay campos de color directamente del tubo y luego barrida. Toros, 1978.
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ALBERTO SÁNCHEZ (1895-1962)
Alegoría del toro y el torero, 1926. Dibujos más desconocidos, con formas sinuosas que
recuerdan a los surrealistas. Bailarina, 1927, esos dibujos se relacionan después con muchas
de sus esculturas como esta.
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ese monumento a los niños que estaría destinado a colocarse en el Cerro Testigo, cosa que no
llegó a materializarse. En esta obra toma de nuevo como referencia la forma vegetal casi
erosionada en la que parece que crece una relación como de ramas. Desde un cuerpo
maternal intuimos que sale una figura que es la del niño y además representa estas formas
alargadas en las que mucha gente quiso ver las barras de pan; y luego la incisión de esos cortes
pueden vincularse con dibujos en la tierra. Se relaciona con el monolito fundamental posterior
de 1937.
Motivo decorado central Fuenteovejuna, 1932-33. Hay algo también de surrealista, formas,
paletas de colores, la paleta de Benjamín es más alegre que la de Alberto. En este paisaje hay
algo extraño con un árbol más pequeño que un pozo, una puerta a una casa atrancada por un
jarrón. Pequeños arbolitos y seres que se relacionan con muchos paisajes dalinianos. La
romería de los cornudos, 1933, es otro de estos decorados de paisajes de las misiones
pedagógicas.
Bocetos para la fuente de festival, 1957. Finalmente no se hace peor recuerda a esas formas
surrealistas y los dibujos de los años 80 de Maruja Mallo. Toro, 1962. Muere en Moscú y se
recuerda como en este exilio de los niños de la guerra fueron en Rusia muy bien tratados.
2.7. GATEPAC
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las reticencias iniciales de un sector, el arquitectónico, que estaba muy anclado en raíces del
pasado. Así se crea el GATEPAC.
Sert destaca respecto al grupo de sus compañeros. Grupo truncado por la guerra civil, muchos
serán exiliados como Sert. Se fijó en las casas solariegas, ibicencas, las de palma de Mallorca,
que generan en sí mismas, o que tienen mucho que ver con la arquitectura horizontal que
premonizó Le Corbusier quien acogerá a Sert. Hará casas privadas en España y luego lo
desarrolló en EEUU, y acabará dando clases en Harvard siendo uno de los maestros para
entender la arquitectura social que luego se pondrá de moda en los años 60.
23/10/17
Nace en Madrid pero se cría en Santander. Es considerado por los miembros de su generación
como un artista excéntrico, al margen, pero es uno de los pilares fundamentales para entender
lo que supuso la vanguardia artística.
Aparece en los años 20 como una personalidad al margen de su tiempo, reflejando en sus
pinturas atmosferas populares, tabernas, carnavales. Él va a partir de la obra de Darío
Regollos, llevando la crítica social española al extremo. Su paleta es bastante oscura, ocres,
negros, grises; incluso sórdida, y bebe de las fuentes de Goya (incluso en las pinceladas). Su
obra hay quien la considera una metáfora de la imposible modernización de España, que
reflejó en sus obras plásticas y en sus escritos: la España Negra, 1920.
Hacia 1917 llega a Madrid ingresando en la Academia de San Fernando. Su estilo además
podría decirse que es el primer expresionista español, esto tiene que ver con Kokoschka y
Nolde.
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Pintura marcada por la aparición de personajes siempre populares. Fascinación por personajes
de los bajos fondos, prostitutas, carnavalesco. Autor de corte realista que a partir de su llegada
a Madrid empieza a frecuentar las tertulias con intelectuales. Refleja la vida callejera de
Madrid también y serán muy importantes tmbn sus retratos, marcados por realismo en los
rostros aunque de corte hierático e inexpresivos. Su obra al principio es rechazada por la crítica
pero en 1929 recibe un premio muy importante: medalla de la exposición universal de
Barcelona.
Cuando finaliza la Guerra Civil, el al principio está muy cerca de los intelectuales y apoyará la
causa republicana yéndose a Valencia con los intelectuales y luego a París y luego se adhiere al
franquismo. Será un cronista de la España negra. Tiene varios ensayos: Madrid, escenas y
costumbres (1913-19)
La tertulia del Café Pombo, 1920. Su cuadro más representativo. En este cuadro, obra quizá
más emblemática, se expone su gran afición a estas tertulias de intelectuales tan habituales en
el primer tercio del pasado sigo. En principio representa a Gómez de la Serna en el centro. En
sus cuadros casi siempre hay una figura central y al lado como en cámara abierta se sientan los
demás. Aquí están representados también José Cabrero, José Bergamín, incluso él mismo en el
lateral con gafitas. Este esquema compositivo se repite en muchos de sus cuadros. Fuerte
claroscuro, frontalidad, hieratismo
en el tratamiento de los
personajes. Aparece el espejo
dentro del cuadro que tiene
mucho que ver con la tradición
pictórica española, hay quien lo ha
llamado el elemento mágico:
imagen dentro de imagen; parece
así fundirse la realidad con la
ficción. Personajes muy serios. Su
pintura es de gran solidez.
Pájaros, 1921. De nuevo aparece ese reflejo en el reloj lateral que parece un espejo, tanto
arriba como abajo pues no sabemos si es un cuadro u otro espejo. La visita del obispo, 1926.
Tiene una técnica muy apretada en los contornos, que son negros, resulta muy dramática. Las
escenas se corresponden con ambientes vitales. Sus cuadros así siempre son enormes. Son
negros muy empastados, muy matérico con pinceladas muy gruesas. Volvemos a ver la
disposición circular y abierta. Tenemos cuadro dentro del cuadro de tradición pictórica del XVII
y también el cuadro que no refleja nada. Tiene que ver con esa crítica social y costumbrista de
la España Negra. Este cuadro representa en el medio el poder eclesiástico, que era el poder
máximo, contra el que luego irán los intelectuales, la Republica.
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La procesión de la muerte, 1930. Es el Solana más
macabro. Revisión de la tradición pictórica del XVII de
los vanitas, que tiene que ver incluso con Brueghel el
viejo o tal vez una revisión de Valdés Leal, del memento
mortis. Tenemos también la iglesia, los nazarenos, los
colores apretados, los campos de castilla detrás, la
muerte. Lo carnavalesco también nos recuerda a
Zuloaga. La costurera, 1943. Los cuadros más raros en
su producción, son los cuadros más costumbristas, con
esa pincelada que nos recuerda todavía al
postimpresionismo.
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BLOQUE II. LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA (1936-1939)
Este hecho será un catalizador para muchos artistas. La guerra cambiará todo lo que hemos
visto e influenciará las siguientes décadas españolas.
Muchos artistas se exilian y otros vivirán exiliados
dentro de España. Significa hablar del esfuerzo ingente
de la recuperación y salvación del tesoro del museo del
Prado. De presidente de la republica estaba Azaña. La
contienda y este conflicto generarán obras propias
Todo había empezado en agosto del 36 cuando el Museo del Prado había cerrado sus puertas
al público. Las obras más importantes se cubren con plásticos, se bajan y se dejan apoyadas
abajo. Se crea una junta de protección del tesoro artístico presidida por el pintor Timoteo
Pérez Rubio. Camiones del Ministerio de Instrucción Pública que viajan a Valencia, se piensa
primero en Valencia pues Renau (tuvo una posición relevante cuando estaban las obras en
Valencia. El también es un artista haciendo la cartelería a favor de la república y en contra del
fascismo, haciendo un golpe de efecto a favor de la republica nombrando a Picasso esos días a
favor del Museo del Prado, aunque fue un director no presente) junto Timoteo así lo pensaron
y desde Valencia se van por la costa hasta Francia y se reparten en Museos. Las piezas se
recubren con cartón impermeable y se llevan en viajes que viajan a 15 km/h. a finales del 37
las tropas nacionales fuerzan un nuevo traslado, hacia Francia. Llegan 572 cajas a Ginebra y ahí
estarán custodiadas por el Palacio de la Sociedad de las naciones: 43 grecos, 128 goyas, 45
Velázquez…
Propaganda fascista de que si salen los cuadros serían para ser cambiada por armamento.
Realmente quien nos devuelve el tesoro artístico en el 39 serán los Suizos que siempre son
neutrales. Ellos pagaron los camiones y Franco nunca quiso devolver esa deuda económica.
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Renau colabora con Timoteo que estaba casado con Rosa Chacel, ambos preparándose para
irse de vacaciones cuando estalla la guerra y se ponen en contacto para hacer cualquier cosa
para salvaguardar el patrimonio. Timoteo era un pintor que dedica casi toda su producción a
retratos de su mujer. Rafael Alberti y Teresa León, será designada para coordinar y organizar la
evacuación desde Madrid a Valencia, presentándose en Madrid para organizar la salida de los
camiones. Desde Valencia la salida se encargará Renau. La experiencia es muy angustiosa por
el mal estado de las carreteras. Se crea que
podrían desmontarse las telas de los
bastidores, luego se cree que no y se hace una
caja por cada cuadro. Se utiliza cartón para que
no choque, son camiones no cerrados por
arriba sino tapaos con telas. Se piden
voluntarios, se genera una coordinación
exquisita pidiéndose conservadores,
restauradores…. Se fueron 2000 obras. Las que
se quedan aquí muchas se guardan en el
arqueológico y luego se hacen tesoros más
pequeños en las salas vacías.
Vinieron incluso los ingleses para ver cómo se estaban protegiendo los tesoros, vieron las
torres de Serrano y el Museo del Prado y quedaron muy impresionados y salió en el New York
Times. Muchas cajas fueron protegidas con muretes de cemento y se perforaron para evitar la
presión y que pudiese respirar y no se arrugasen. Se instaló un control de humedad y
temperatura también en las torres.
Mientras sucede esto tiene lugar en Paris la Exposición Universal del 37 y se decide en
principio enviar 150 obras maestras al Pabellón Español, pero esto provoca un debate muy
fuerte en el gobierno de Azaña y aunque estaba todo preparado no se hace y se decide que no
salga ninguna obra. Cuando tienen todo esto da un giro y en el 37 Kenyon se traslada a Madrid
siendo recibido por Pérez Rubio y Giner de los Ríos. En Valencia visitan las Torres de Serrano
donde se habían reunido ya 500 cuadros, y tenían que comprobar si las cajas contenían lo que
sus etiquetas elegían, y este hombre elige apra desembalar a las Meninas. Se consigue evacuar
casi 1000 objetos artísticos. El resto de objetos, exceptuando los muebles, irán al museo
romántico, cuyo director será nombrado posteriormente Alberti.
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devuelven las obras a España tras firmar un pacto, llegando por Figueres. Gracias a la
neutralidad internacional se crea este Comité Internacional para el Salvamento de las Obras de
Arte Españolas, formado por muchos desconocidos , no solo españoles sino también europeos
y americanos que apoyaron la causa republicana protegiendo todo esto.
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explicativos del traslado artístico de Madrid a Valencia. Hay dos patios, uno semidescubierto y
otro central donde se llevan a cabo representaciones teatrales que se habían realizado en La
Barraca.
Ésta era la séptima exposición universal llevada a cabo en Paris, fue la más compleja por la
coordinación de tan elevado número de países participantes. Se tuvo que realizar un proyecto
urbanístico específico para que se erigiesen los pabellones. Pequeña metrópolis con más de 2
km de paseos, con zonas ajardinadas, fuentes, avenidas… el lugar donde se situó todo el
complejo estaba en el mismo centro de la ciudad entre las dos orillas del Sena y quien hacía de
eje central era la propia torre Eiffel. Esta se basa mucho en la Bienal de Venecia, en el modelo
veneciano.
En 1937 Europa está en crisis política, altamente polarizada entre los discursos totalitarios y las
incipientes democracias. Esto se verá no solo en los contenidos sino en los continentes de los
países. Será fundamental para cada país apra mostrar sus ideologías y el ascenso de las
potencias. Desde 1931 que es cuando se proclama la Segunda República, las relaciones entre
España y Francia eran muuuy favorables, y en 1935 se había firmado un acuerdo comercial y
desde el ministerio de negocios francés se reiteraba una y otra vez la invitación a España a
participar en esta exposición. En abril del 36 se manda una telegrama exponiendo la
concurrencia de España a participar en esta exposición, el 17 de julio se comunica que el
comisario será Edmun no sequé y luego no será él. El 4 de septiembre del 36 aparece el nuevo
gobierno de Largo Caballero y se nombra a un nuevo tío, Luis no sé qué que se encarga de que
la participación de un nuevo rumbo. Los verdaderos artífices del contenido del pabellón serán
Renau, que saca el dinero de un fondo de guerra, se hace casi todo en ladrillo, cristal y
estructuras metálicas. En líneas generales el comité para la gestión y coordinación tiene que
ver con Max Aub como comisario. Otro que será Secretario General será Hernando Viñés.
Dentro del pabellón se crean 2 comisarios específicos que hablan de lo que ocurre en el País
Vasco y Cataluña, respondiendo a las necesidades identitarias de lo que ocurría en estos
lugares.
Renau fue muy inteligente a la hora de elegir a los artistas que debían participar y en vez de
elegir esas 150 obras, eligió a los artistas más internacionales que además en ese momento no
vivían en España. Llama a Picasso, Buñuel, Miró. Otro de los participantes más reseñables será
el estadounidense Calder. Los estadounidenses apoyaron masivamente a la republica con las
brigadas internacionales y recabaron fondos para los refugiados incluso Hollywood participó
contando los avances de la república y denunciando lo que ocurría en España.
Fuente de Mercurio, 1937-43, Calder. Calder acompañó a Miró que es quien hace ese cuadro
dentro del Pabellón. La idea era que todos los días ocurriera algo. Es una fuente de Mercurio
que representa unas minas. En un principio no dejaban a Calder participar, pero
después de unos días es llamado por Sert y así Calder genera una fuente de
mercurio fundido que tenía una especie de gris que
hacia juega con la estructura metálica del pabellón y
el blanco y negro que estaba detrás representado a
Guernica. Homenaje a Guernica, 1937, Calder.
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El pabellón se sitúa en los jardines del Trocadero, un lugar preferente en ese espacio. Cuenta
con 1400 metros cuadrados. Los arquitectos adaptan el proyecto a las irregularidades del
terreno. Empezaron la construcción en marzo del 37 tenía que ir rápido y eso determino los
materiales y el acabado. Está realizado en mampostería de piedra y muros de ladrillo, el
escenario en madera. Y además toda esta zona se cubría con una lona roja accionada con un
sistema eléctrico porq desde el piso segundo se podía ver desde el primero y esto lo hacía más
escenográfico.
Se accedía desde la parte baja, al vestíbulo que se solía cerrar con una celosía de madera. Se
encontraba dentro incluso una librería, vestuarios, baños… la planta segunda estaba dedicada
al arte popular y actualidad española: fotografías de guerra y carteles de Renau.
Años muy poco estudiados porque todo el mundo ha creído que esto era un páramo creativo.
Lola Jiménez Blanco: Campo cerrado, una de las pocas exposiciones que existen de los años 40,
con revisión de textos. Critica de Ernesto Jiménez Caballero, crítico del régimen fascista. Acaba
la guerra en 1939 y nos vamos a introducir en uno de los procesos que históricamente más han
conformado la idiosincrasia de España: 40 años bajo a la dictadura franquista, y esto se refleja
en el arte. Es quizá uno de los periodos más desconocidos y menos estudiados, han subrayado
al ausencia de una historiografía en un periodo marcado fundamentalmente por la oscuridad.
Particularidad que supone la convivencia con un conflicto mundial, IIGM, y el silencio analítico
acerca de la dictadura, imperó hasta bien entrada la democracia, a partir de 1975. Esto ha
hecho que sea una década de difícil exploración. Año 1939 como bisagra en la historia de
España, en aspectos como restauración de dogmas académicos, visiones del mundo rural
urbano, papel del exilio, debate de la figuración y abstracción (a partir de los 50 pero empieza
en los 40), nuevo arte oficial dedicado a ensalzar las victorias de un régimen (propaganda del
régimen), sufrimiento de movimientos renovadores y vanguardistas que retoman el espíritu de
antes de la guerra como la escuela de Altamira o Dau al Set.
En estos años se impone una forma de organizar la sociedad que recupera las estructuras
tradicionales apoyándose en el militarismo, catolicismo, propiedad, y defensa del orden
nacional. En 1939 estalla la IIGM, y eso va a complicar el conflicto de España, aunque España
no contó con participación formal en la IIGM, hay quien ha apuntado que la guerra civil sirvió
de ensayo a los nazis y fascistas italianos. El régimen franquista mostro una sorprendente
capacidad para adaptarse a los acontecimientos de la política internacional. Ambas
posguerras, la de 1945 y la nuestra, hacen que nuestro país empobrezca y se quede aislado,
luego veremos por qué. Asique el año 1945 va a delimitar dos fases del franquismo: la primera,
de 1939 a 1945 es la del predominio falangista, exacerbadamente fascista, apoyando las
políticas nazis y del fascismo italiano; la segunda, de 1945 a 1975 está marcada por el
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nacionalcatolicismo, en realidad esta segunda etapa es una adaptación de los viejos postulados
conservadores, esto significa que Franco hablaba en términos de un nuevo imperio. Se
restaura el concepto de la hispanidad, reflejado en el are, hay que crear una imagen de España
imperial concebida como cabeza de un imperio católico mundial. Especial atención a lo
popular, el folclore y la tradición desde otra posición que los vanguardistas.
1939 año bisagra en la historia de España y Europa año de excepcional dramatismo en el que
se sientan las bases sobre las que los vencedores querían construir un nuevo estado y una
nueva cultura. Muchos de estos planteamientos de los 40 tendrán resonancia en épocas
posteriores incluidas las postfranquistas.
Destacan Eugenio D´Ors, una de las personalidades más visibles de la cultura del régimen en
los 40, a pesar de su europeísmo. Otro de los pensadores es Giménez Caballero. En abril de
1939 con la entrada en Madrid del ejército sublevado, comienza en España una larga
dictadura. En septiembre del 39 se inicia la IIGM que culmina en el 45 con la derrota de los
países del eje. Asique un país desolado y aislado desde el 45 el régimen impone una campaña
de reconstrucción nacional que afecta decisivamente a la pintura. Años 40 tiempo de
contrastes en el que conviven, no sin violencia, la retórica de un pasado glorioso y la dureza de
un presente. Hay continuidades y rupturas, afán de supervivencia tanto en el interior como en
el exterior (exilio). Esta situación altera, endurezca y enturbia las relaciones entre el poder y el
arte y esto significa que habrá muchísimos matices para entender la eficacia del régimen y su
represión, con la capacidad de resistencia de muchos de los protagonistas que forman la
cultura.
Los años 40, en contra de lo que aparentemente se piensa, es un mapa en el que conviven
varios caminos posibles, mapa de amalgamas. Aparecen los encuentros, La escuela de
Altamira, 1948, inspirado en su defensa del primitivismo; Dau al Set toman lo oscuro, lo
irracional y mágico con una imagen heredada de ciertas formas de surrealismo. Se inspiran en
Miró o Kandinsky y son el precedente directo del informalismo de los cincuenta. Ambos grupos
recogen ideas que se vienen formulando desde las primeras décadas del siglo: fascinación de la
vanguardia por lo salvaje y formas primitivas, más que lo tradicional. Esa misma fascinación de
volver a los orígenes y la sinrazón, se verá también en el surgimiento de otros grupos que
veremos en los cincuenta como el grupo LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneo).
También surgirá el grupo Pórtico en Zaragoza, con estos precedentes, y lo veremos después.
Los años que siguen a la guerra civil tienen muchos tonos grises y blancos y negros, alianzas y
confrontaciones entre poder y arte, se producen exilios y retornos. Hablar de los años 40 es
hablar de conceptos como resignación y resistencia, imprescindibles apra entender
comportamientos individuales. Nociones fundamentales como restauración, reconstrucción o
reinvención. También recuperación y apropiación.
El debate sobre el arte en la España de Franco, cinco hilos conductores que deben de guiar la
producción nacional:
- Despolitización: que se les supone a los genios artísticos en España. Es decir, Franco
después necesitará para hablar de política exterior, encumbrar a determinados artistas
aunque se quiera morir por dentro. Por ejemplo Picasso, será una veleidad, no
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perseguido y fustigado, a pesar de que no vuelva, los genios serán despolitizados y
encumbrados por encima de su tiempo incluso.
- Carácter universal del arte español: se intenta hablar de lo español, del genio español.
De los toros, el flamenco y la tradición.
La política española de las artes se define con un perfil de gestión muy concreta: el estado será
el propio comisario de las exposiciones que programa. Ellos consideraban que gracias al
estado, el mundo admiraba a los grandes genios españoles.
En conclusión, en España hay una tradición profundamente arraigada y los artistas deben
continuarla en cada época. La política del franquismo encumbra a los artistas que responden a
este gran reto nacional de adaptarse: Tapiés y Saura, junto a otros muchos, encuentran la
fórmula para que su moderna producción cumpliera con los requisitos solicitados por el poder.
Esto es bastante complicado por eso es interesante aproximarnos a los artistas desde sus
individualidades. También tenemos a
Vázquez Díaz.
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Caídos. Asique intentará crear una imagen simbólica para el nuevo régimen que invade todos
los aspectos de la vida del país, incluso los destinados a la infancia y la juventud, porque todo
es susceptible a la pedagogía visual que se convierte en un arma crucial de propaganda.
Esta nueva imagen de lo nacional da lugar a campañas constructivas publicitadas como el valle.
Puesta en valor de la ruina como un elemento sublimador de la ruina, esto recuerda a la
pintura inglesa del XVIII y XIX. Muchos cuadros con el caudillo y detrás mucha ruina como algo
heroico. Se subliman escenarios con carga simbólica como Toledo y Ciudad Universitaria. La
política oficial ensalza esa llamada Escuela Española, entendida como la verdadera esencia
artista español y se hace visible en estas exposiciones del régimen como la Bienal de Venecia
de 1938 (comisario Eugenio D´Ors). Exposiciones de arte heroico como en Berlín 1942 y
Buenos Aires 1947.
También Franco le dará gran trascendencia a la vuelta de los cuadros del Prado desde Ginebra
en 1939. E impondrá las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes que se hacían antes pero
ahora se recuperan. Lo académico tendrá un significado confuso: conjuga modelos italianos y
alemanes, y habrá un gran eclecticismo vinculado el propio Eugenio D´Ors que será quien cree
la Academia Breve de Crítica de Arte en 1942, que realizará salones, que son exposiciones, y se
llamarán Salón de los 11 donde cada año D´Ors selecciona a los 11 artistas más destacados del
momento.
Campo y ciudad: en los años 40 se había de una construcción de un ideal agrario que será uno
de los aspectos fundamentales de la cultura. Se mitifica y estetiza y
utiliza lo agrario y rural. Uno de los elementos preferidos de esta
época será el paisaje que se convierte en un emblema intemporal.
Por contraste, la difícil supervivencia en los entornos urbanos, que
estarán bajo sospecha, con mayor represión política. El campo se
define como un lugar social, muy vinculado específicamente también
con la mujer, ahora la mujer se considera como alguien de campo y
se crea la sección femenina de la falange, muy ligada a la idea de
fertilidad. Algunos de los artistas que representan esta idea del
campo serán Benjamín Palencia que se queda aquí (Alberto Sánchez
se exilia) o Cirilo Martínez Novillo, Muchacho en Cuenca, 1943.
Se trabaja el humor, espectáculos públicos en los pueblos, quizá como vía de escape cotidiano
y que en ocasiones se manifestaban en las ciudades. Nueva relación entre la imagen artística y
el régimen encuentra muchas formas de materializarse tanto en clave interna y cotidiana
como proyección solemne al exterior.
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Esta propuesta del campo y paisaje enlaza con movimientos
anteriores como la Escuela de Vallecas, pero nos recuerdan casi a
informalismo. También tenemos a Josep Guinovart con El Blat
1948. Vemos trigo de verdad en el cuadro, como pequeños collage.
Paisajes que luego tienen que ver y derivan con el informalismo de
los 50, con la fecha clave que ya veremos de 1957.
Campo que se transforma para que todo siga igual, se contrapone el campo a la ciudad que
aparece en la literatura como un espacio lúgubre y lugar de desesperanza donde se utilizan las
cartillas de racionamiento hasta 1952, hay que reconstruir las ciudades. En las ciudades se
publican revistas como Vida Española, que solo realizó 4 números, va a haber libros
clandestinos como Pueblo Cautivo. Las revistas ensalzan el humor gráfico que adquiere un
valor de refugio y se hará visible en revistas cómicas como la Codorniz, legendaria por utilizar
la ironía o un jocoso ingenio que hará que se sale la censura. También en las ciudades los
colegios conviven con las cárceles y se sobrevive buscando vías tradicionales como las ferias,
toros, futbol y cine. A partir de los 60 cambian las tornas y habrá una emigración del campo a
la ciudad. En los 60 surge una necesidad, al estar en un país aislado, por buscar algo distinto y
es cuando Franco se da cuenta del valor del turismo y surge la frase “Spain is different”
José Guerrero, que también será fundamental, José Guerrero, Paisaje del lago Thun, 1947.
Tierra roja, 1955. La mujer principal de la mujer en l patria serán las tareas del hogar.
101
avanza la época. Eduardo de Sicharro, Edmundo de Ory. Más vinculado a lo literario que a lo
plástico que se da a conocer por dos revistas: el Postismo y la Cervatana. Organizan
exposiciones, 2, una en Madrid y otra en Zaragoza, donde reúnen a diferentes artistas de
diferentes sensibilidades y estilos, como Gloria Fuertes. Movimiento esencialmente literario
que supone quizá el primer intento de recuperar la irreverencia de las vanguardias clásicas,
desde un punto de vista absolutamente ecléctico y que a pesar de la represión política
impactó en las artes plásticas gracias a las publicaciones y exposiciones. A esta corriente se
adhirió Juan Eduardo Cirlot? Que aparecerá en nuestras clase de los 50, convirtiéndose en un
gran crítico de arte. Postismo muy vinculado a los grupos de vanguardia, a Zaragoza y Madrid.
El exilio: durante esta década, una parte de la cultura española, enfrentada a la dictadura,
parte al exilio, principalmente a México y Argentina, donde los exiliados españoles fundan
revistas, libros, compañías teatrales, editoriales… hay una dolorosa nostalgia del que sabe que
jamás va a regresar, muchos de ellos mueren sin hacerlo. A todo ello se suma un
posicionamiento político, en ocasiones muy manifiesto. Tenemos a Maruja Mallo, Buñuel,
Picasso, Miró (París). Picasso y Miró estarán al mismo tiempo presentes y ausentes en la
escena española, es curioso porque quizá es el caso más atípico de la dictadura. Picasso es
encumbrado como un gran pintor por la dictadura, y sin embargo es totalmente opuesto al
franquismo. Picasso además es aclamado en museos de arte contemporáneo internacionales,
como el MOMA de NY, y será quizá considerado como una referencia clásica de la modernidad.
Crece en el extranjero una visibilidad de los artistas españoles que nunca regresarán a su país.
102
En 1941 será el indicador de gran prestigio internacional de Picasso y Miró. Dalí también
regresó pero le dará un sentido bastante opuesto a Miró y Picasso, se adhiere a la causa
franquista. En las obras de los exiliados se hace patente el desgarro, la pérdida y la necesidad y
el deseo de incorporarse a un destino aunque sea imprevisto.
Hay quien se quedó aquí, como será Ángel Ferranz, o soportando durísimos periodos de cerca
como Juan Manuel Caneja. Otros decidieron ponerse al servicio del régimen, unos por
convicción y otros por miedo. Deseo de instalar una nueva imagen artística para el régimen de
Franco. Lo que salvó a todos ellos es que Franco no se preocupó en exceso del arte, persiguió
al arte plástico así así.
El problema arquitectónico supuso generar nuevos edificios urbanos para todo el mundo, que
habíamos visto con Sert y veremos más ampliamente en los 60.
Eugenio D´Ors es la figura que dominará la escena artística en los años siguientes a la guerra.
Elementos culturales como vehículo para sosegar algunos de los círculos biempensantes
franquistas, en especial los de tradición liberal. Manipular a través del arte las conciencias,
103
adoctrinar a través del teatro y libros. D´Ors simboliza la paradoja que se mueve en el contexto
creativo de esos años: por un lado otorga una pátina de credibilidad artística al régimen,
mientras por otro tiende un puente a los artistas más modernos, o intentar que el franquismo
no se enterara mucho. Se adhiere primero a una estética barroco franquista, en los 40 se
siente cómodo en el imaginario católico y franquista, y participa diseñando estrategias
franquistas. Es como un falangista liberal como Luis Rosales, Panero, Tobar… y percibió la
necesidad de crear vasos comunicantes.
Bajo esta coyuntura D, Ors crea la ABCA, Academia Breve de Crítica de Arte, 1941, mediante la
que intenta ordenar de referentes artísticos la criba que va a hacer la guerra civil. Intenta
recuperar a muchos artistas a través de exposiciones como Nonell, Blanchard, Torres García o
Gargallo.
31/10/17
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31/10/17
Dau al set será de los primeros grupos después de la guerra civil, muy preocupados por
reivindicar la creación artística frente a la ideología imperante. Se funda en 1948 por artistas
104
bastante abiertos a las corrientes europeas del momento sobre todo francesas, antes habían
bajado a Paris. No solo artistas plásticos sino también poetas, escritores… núcleo duro del
grupo: Joan Brossa, poeta y artista plástico (poemas visuales), tiene que ver mucho con Chema
Madoz que basa su poética en Joan Brossa. Otro de los componentes en Joan Ponç, a los que
se une Arnau Puig, Tharrats, Cuixart, y el escrito Juan Eduardo zulot?. Cuixart es el que más
enronca con la línea surrealista anterior y acaba en la abstracción en los 70.
Este grupo se propone enlazar con todas las corrientes surrealistas de preguerra,
fundamentalmente con Joan Miró, al que admiran mucho, reconocen también la influencia de
Paul Klee, Picabia, Magrit, y también las influencias del dadaísmo, de Freud, el psicoanálisis e
incluso de la magia. A través de esto quieren promover una renovación artística y cultural.
Uno de los más importantes de Dau al Set es Antoni Tapiés, que se desvinculará muy pronto
de este grupo. Se interesa por el surrealismo en los 40, por una reacción, sobre todo, al arte
conservador franquista. Figura de papel de diari i fils (figura de papel de periódico e hilos,
1947). Basa su trabajo fundamentalmente en Miró, Max Ernst y Paul Klee. Y en 1951 se desliga
completamente de Dau al Set iniciando una evolución individual en una línea informalista y
abstracta basando su trabajo en una investigación sobre la materia, el material y sobre todo, la
materia pictórica. Para Tapiés la materia es el medio de expresión artístico al que le impone un
valor por encima de la forma. En este cuadro ya hay un interés por e collage. Desde el 45 al 48
realiza pinturas que nos recuerdan a esas técnicas de Picasso de silla de rejilla y todas las
técnicas utilizadas por los surrealistas como el footage. Todo esto que utiliza Tapiés remite en
sentido simbólico a la materia llegando a utilizar en un mismo cuadro más de 15 elementos
distintos mezclados con pigmento pictórico. La poética de sus cuadros en esta etapa se
caracteriza fundamentalmente por la simbología intentando generar algo primitivo que tienen
que ver con un laberinto con esos hilos. Casi toda su obra responde a esta etapa de
experimentación. Su producción posterior anula casi todas las categorías formales en favor de
una relación en la que prevale la materia. Gato y pirámide, 1948-49. También mezcla
diferentes materiales, óleo, lápiz, borrados, ese elemento mágico de las pirámides.
105
Joan Ponç tiene una línea bastante
expresionista, esta línea expresionista fantástica.
Estará muy preocupado por la teoría freudiana
(Composición). Su mundo es mágico con
personajes deformes que lo habitan, carácter
infantil, miembros que se estiran, se alargan y
encogen y nos recuerdan también a Dalí.
Este grupo abre camino para entender la vanguardia pictórica y más tarde el surgimiento de
otros grupos como El Paso o el grupo Gargalló del 56. Influenciado por Joaquín Torrés García,
Miró, Klee. Y evoluciona desde un expresionismo pictórico postcubista.
Casi todos los han viajado antes de la guerra civil a París y siguen caminos constructivistas,
corriente que aparece en Rusia en la que dominan elementos de construcción, gamas
cromáticas, formas sinuosas, gamas rosas…
Todo esto son grupos minoritarios, fue un escándalo para los críticos oficiales, algunas veces
aclamado pero no llegaba a todo el mundo. Al principio todos estos grupos muy
incomprendidos aunque apoyados por ciertos críticos oficiales del momento, entre ellos,
Eugenio D, Ors.
106
Exponen en Zaragoza y Madrid, serán bastante conocidos peor no tan apoyados incluso
Goeritz escribirá en uno de sus catálogos.
6/11/17
Nació en Madrid, bachillerato artístico, pronto viaja a París en 1913, y este contacto directo
con la vanguardia parisina le va a impresionar muchísimo: futurismos italianos y cubismo. En
estos años es importantísima su formación pedagógica como
profesor. En 1918 posición de modelado y vaciado, profesor, en la
escuela de artes y oficios y es destinado a la Coruña. Luego se
traslada a Barcelona y en plenos años 20 (residencia, surrealismo) sus
obras empiezan a estar marcadas por nuevas influencias y en esta
Cabeza de mujer, 1930, aunque algo posterior intuimos el gusto
primitivo, el gusto arcaico, nos recuerda a esa corriente del
Mediterráneo de Eugenio D´Ors. Conocerá a Barradas.
107
El continua paralelamente haciendo desarrollos de renovación pedagógica y escribe el texto
Diseño de una configuración escolar, es un programa sobre la reorganización de la enseñanza
artística. En este texto formula un nuevo plan de estudios y realiza varias propuestas concretas
para mejorar la formación de los estudiantes de artes plásticas. Él dice que hay que dar mucha
importancia a la primacía del aprendizaje individual por encima de lo colectivo, derribar la
copia como sistema de enseñanza en las BBAA y abolir la imitación. Habla de la libertad
expresiva, de la intuición como método de conocimiento, del estudio de la naturaleza, del
estímulo de las actitudes expresivas de cada persona. Se convierte en el portavoz de la
moderna pedagogía en España. (similar al método Waldorf)
Empieza a configurar esculturas que él llama los objetos, 1932-33.que el llama de influencia
antiartística, ensamblajes de piedras y palos. Recuerda a Miró y Calder. Búsqueda del
equilibrio en el aire. Aprender a observar la naturaleza que era el precedente directo con
Alberto Sánchez. Corrientes de reacción a la figuración y retrato académico.
En 1935 crea la Asociación Internacional del Niño, preocupado por enseñarles el dibujo y
demás. Dos años después de la guerra escribirá La educación en arte y sus tangencias con la
enseñanza general. Alfred Bahrr crea unos textos para aprender a leer una colección de arte
contemporáneo o moderno: colección torpedo. Ferrant conoce esas enseñanzas y textos.
A finales de los años 30 comienza a hacer una serie llamada tauromaquia: conjunto de relieves
en barro cocido en los que habla de la fiesta del toro como un espectáculo lúdico. Habla de la
composición, del modelado y vaciado. Pase de muleta, 1939, banderillas, 1939, el diestro
volteado. Ferrant es de los que viven ese exilio interior.
108
Balear, 1943. Pasa del grafismo o de esa escultura tan de Calder pasa a
esto que tiene que ver con lo Mediterráneo, vuelta a lo tradicional como
parte de la modernidad. Para Ferrant es importantísimo trabajar con
materiales pobres, que todo el mundo puede adquirir, no solo el barro
sino trabajar con todos los materiales hallados, lo que nos suena a
Duchamp. Desnudo femenino, 1943. Pero tiene como un pañuelo de
campesina que nos recuerda a Julio González.
109
Majestad, 1952, recuerda a muchas esculturas de Dalí. Cada vez más sus
esculturas, las de Ferrant, se cuestionan los temas espaciales, lo que
evidencia su interés por el movimiento, realizará una serie a finales de los
40 y 50 que se llama móviles, son las que tienen que ver con Calder. Piezas
geométricas, la mayoría de madera policromada, unidas con alambres.
Muchas veces él hablará que estas esculturas hablan del mar, como si
fueran elementos o cuerpos flotantes inertes. Otra serie llamada
constelación, que habla
de la naturaleza.
Nació en Cuba y muere en Alicante. Su vida transcurre entre Santander y Madrid, tiene una
formación muy clásica en Santander, viaja a Madrid y acude a la escuela de Cecilio Pla,? Que
era postimpresionista. Eclipsado por la vanguardia viaja a Paris en 1923 y se queda unos 9
años. Es el fundador de Las Jons en Santander, y sus amigos eran franquistas. Síntesis entre
poscubismo muy lirico entre la escuela de Paris y una tradición muy clásica así naturalista de
bodegones y platos.
110
Tres figuras, 1927, quizá esta fascinación por el deporte hizo que se identificase con los ideales
franquistas. Tras su regreso de Paris, va a fundar en Santander las Jons (Juntas de Ofensiva
Nacional Sindicalista), vamos asociaciones falangistas. Desarrolla una actividad política dentro
de la falange, y será nombrado jefe de prensa y propaganda del gobierno franquista. En estos
años tan implicado en la política abandona un poco la pintura pero a partir del 45 pinta los
retratos de Ledesma, Primo de Rivera, etc. Retrato de Juan Antonio Vidal Abascal, impronta
de la vanguardia, no retratos relamidos ni tan académicos. Retrato de juan Antonio primo de
Rivera, 1945.
Retrato de la madre del artista, 1942. Es impresionante porque con unas pinceladas muy
sueltas vemos perfectamente el rostro y las manos muy sueltas. Parece que el cuadro está
picado y en realidad es una técnica que se debate entre un postcubismo muy lirico y nuevas
tendencias. Dos mesas, 1954. Recuerda a la tradición de bodegones clásicos, a grandes
pinceladas y muy sueltas. La gran mesa, 1962.
Nace en Tanger, estará en la escuela de BBAA de San Fernando, tendrá de profesor a Sorolla, a
Sotomayor. Pronto va a mostrar una preferencia por la ilustración y colaborará en muchísimos
periódicos y revistas como La Esfera, Nuevo mundo o Libertad. En 1925 participa en la
exposición de los artistas ibéricos del retiro, y un año después de marcha a parís donde reside
hasta el 35. Allí consolida su prestigio como colaborador en revistas ilustrando publicaciones
como Vogue o Fémina. Y realizará diferentes escenografías para diferentes compañías de
ballet. Cartel de bailes españoles, 1927. Muerte de Carmen, 1927. Dibujos muy influenciados
111
por esta mirada picassiana, de acuarela, muy sutiles, incluso por William Blake casi. Muy
influenciado también en su paleta, a veces, por Zuloaga.
112
MARTÍN SANTOS YUBERO (10903-1994)
Es un fotógrafo. Nace en Vallecas, quizá considerado como uno de los grandes reporteros
gráficos madrileños de la guerra, y sobre todo, de la posguerra española. Registra miles de
escenas de la vida cotidiana de la España franquista y en particular de la ciudad de Madrid. Se
centralizan los grandes acontecimientos en Madrid,
que suceden en la dictadura franquista.
113
7/11/17
Las década de los 50 será fundamental en el arte español, continuando con ese afán de
persistencia de la vanguardia que ya habíamos visto en los 40. A finales de los 40 surgen en
España las galerías-librerías, por tanto hay un vínculo muy estrecho con el mundo de la
literatura, destacando la Galería Buchholz, Madrid. Estas galerías desempeñan un papel
fundamental porque gracias a ellas entran las corrientes europeas en nuestro paisa a través de
libros, exposiciones de artistas extranjeros, también corrientes norteamericanas. Añadir lo que
significan en los 50 las tertulias de los cafés como el café Gijón de Madrid. Punto de encuentro
de artistas llegados de diferentes lugares de España a la capital. Madrid se empieza a poner
como cabeza de la vanguardia por encima de Barcelona.
También desde la oficialidad la década de los 50 se presenta con síntomas de apertura porque
en 1951 en el día de la hispanidad el ministro de Educación Joaquín Ruiz Jiménez va a
inaugurar junto a Franco, la primera bienal Hispanoamericana. En esta exposición aparecerán
ya algunos artistas “modernos” con propuestas muy radicales, fuera de lo figurativo. En la
tercera bienal Hispanoamericana, que se celebra en Barcelona, ya aparecerán los cuadros de
Tapies junto a Chillida, Oteiza…
En los 50 vuelven algunos de los exiliados como Miró que primero se establece en Barcelona y
luego va a Palma, esto es importante porque las nuevas generaciones estarán muy vinculadas
a estos maestros, antes vinculados al surrealismo. También vuelve Maruja Mallo, y muchos
otros mueren como Gutiérrez Solana. Estamos en una nueva generación.
Empiezan a llegar turistas y se desarrolla una incipiente industria automovilística, que hace que
se crea que es un milagro y la economía va mucho mejor y habrá un aumento del consumismo.
En 1959, Eisenhower visita nuestro país y se afianza una ambigua situación política del régimen
franquista y la llegada de las primeras franquicias norteamericanas: donuts, etc.
La España del nuevo desarrollo va a comenzar a dar sus primeros pasos, se abrirán galerías de
arte, ya de arte moderno y contemporáneo tanto en Madrid como en Barcelona, entre ellas la
114
Galería Gaspar, la Galería Juana Mordó? Donde expondrá por primera vez Saura., Galería Theo.
También aparecen revistas, libros, monografías, catálogos, dedicados a las nuevas tendencias,
críticos vinculados a la prensa y monografías como José Marí Moreno Galván o Aguilera Cerní
en Valencia. Todos los grupos vinculados a un crítico.
115
Formado por Eusebio Sempere, Andreu Alfaro y Amadeo Gabino. El promotor será este crítico
valenciano llamado Aguilera Cerní. Suelen distinguirse dos etapas: la primera, hasta 1959 y
está formada por miembros como Manuel Gil o Juan Rivera; la segunda etapa, del 59 al 61,
destacando Sempere y Alfaro.
Además de exposiciones este grupo desarrolla una revista llamada Arte Vivo. En realidad
ninguno de ellos tiene una orientación estilística común, firman individualmente y acogen
tendencias muy diversas.
Se implica muchísimo con este grupo y se le relaciona muchísimo con Brancussi y algunos
artistas futuristas como vemos en Homenaje a Picasso, 1967, que parece una pieza de un
automóvil. Su carácter innovador le sirvió para ser Premio Nacional de Artes Plásticas de 1981.
S/T, 1987, plena abstracción basada en lo geométrico y la geometrización. Perdida de nombres
y de títulos de las obras, apra intentar no ver nada más allá de la forma. También hace
escultura pública (una especie de sol con muchos rayos). Y que recuerdan posteriormente a
tendencias latinoamericanas, y tienen que ver con el concretismo.
Debió de ser un niño muy especial porque decía desde muy pronto que quería ser pintor.
Artista completamente subyugado por las formas geométricas
pero desde muy pequeño perdió la visión de un ojo y eso influye
en la concepción de su trabajo. Relieve luminoso móvil, 1959.
116
Sus comienzos están basados en paisajes pero desde el principio le
gusta experimentar con las formas y lo geométrico. En el 48 se va a
Paris y se relaciona con aristas de la vanguardia abandonando la
figuración en favor de la abstracción lírica y geométrica. S/T, 1955. Su
trabajo está basado en las formas, en las líneas, en los colores, que
intentan atrapar diferentes luces y movimientos. Esto se relaciona
con las composiciones musicales de Kandinsky. Se habla de la
sonoridad de los cuadros de Sempere. Se le considera el introductor
del arte cinético en España, S/t, 1957.
Se crea en 1957 en Madrid, se mantiene activo hasta 1960-61, y en realidad será el más
influyente y el que más se detenga en la corriente informalista europea. Reactivar y
modernizar el entramado artístico tras la guerra civil, es su ppal objetivo. Lo más importante
de sus miembros es que todos ellos se centran en la materialidad.
Estará formado por Rafael Canogar, Martín Chiniro, Luis Feito, Ginovar, Joan Hernández
Filloán, Manuel Millares, Manuel Ribera, Antonio Saura, Pablo Serrano. El Paso surge durante
117
la posguerra española gracias a un grupo de artistas de vanguardia que se proponen acabar
con el estancamiento en el que se encontraba el arte en el panorama español. Con el nombre
El Paso querían indicar su conciencia de no se run estallido breve y necesario sino ser un paso,
un avance para entender la pintura contemporánea española. Se vinculan a críticos como
Manuel Conde y José Anyón. Manuel Ribera y Manuel Viola serán de la segunda fase del
grupo. Aparece también la única mujer del grupo que se llama Juana Francés.
Se presenta por primera vez el grupo en la galería Buchholz de Madrid y también estarán muy
próximos Aguilera Cerní, echándoles un capote dentro de la crítica. Llevaran a cabo un
manifiesto fundacional en 1957. Muy influenciados por el expresionismo abstracto, por
ejemplo de Pollock. Obra autentica y libre abierta hacia la experimentación, sin fronteras. Arte
recio y profundo, grave y significativo.
Todos toman como punto de partida el gestualismo abstracto o lo que se ha llamado action
painting. Crean una pintura en la que la figuración está casi ausente, dice casi por los retratos
de Saura. Se adentran en la abstracción pictórica experimentado todos con todo tipo de
materiales y texturas. Los protagonistas son el gesto, la pincelada violenta y empastada, el
arañazo en el lienzo, el dripping (de ahí el azar), el empleo de la arpillera (sobre todo Millares),
el uso de la tela metálica, la arena y diferentes objetos que irán pegados en el lienzo.
Los artistas del Paso inician su formación en un ambiente artístico en el que la modernidad se
abre paso de una forma muy precaria. Son grupos reducidos y muy intelectuales. En realidad
podría decirse que el arte de los miembros del Paso no se correspondía con las condiciones
reales e históricas del país, son personas que han viajado, que conocen lo que está ocurriendo
en el extranjero, y estamos hablando de un país que está intentando salir de una posguerra
donde había muchísima hambre (hasta 1952 cartillas de racionamiento). La actividad de este
grupo fue una labor que tendió un puente entre una modernidad invertebrada y una
vanguardia completamente radical.
Uno de los aspectos que les define es su preocupación y actitud crítica ante la realidad
española porque muchos de ellos después pasaran a formar parte en los 60 de grupos
abiertamente opuestos al régimen. Para ellos la vanguardia significa la ruptura y rebeldía
contra lo hegemónico, cánones imperantes, burgués, y corrección social. En compromiso con
la realidad de ese momento suponía tener una actitud de lucha y negación contra lo
establecido. Su pintura se define con este rasgo casi violento. Tradición dramática en todos
ellos que tiene en su referencia en la pintura final de Goya.
118
Destacan las pinturas monocromas de Saura, los hierros encontrados y soltados de Pablo
Serrano, las condensaciones de materia en la obra de Feito, la desgarrada angustia de los
cuadros de Millares, las telas metálicas de Ribera, las espirales de Chirino, y la gestualidad
expresiva y palpitante de Canogar. En todos ellos se insiste en el valor plástico y matérico de
sus obras. En realidad el paso, es el grupo para hablar de una radical transformación en la
pintura española y de la consolidación de la modernidad artística e histórica en España. Es la
orientación, quizá más vanguardista del momento. Se relaciona muchísimo con todo lo que
tiene que ver con el carácter español: expresividad, monocromatismo, dramatismo…
MANUEL VIOLA
Es el padre de Daniel Canogar, cuyo trabajo fluctúa entre la fotografía, instalación… Era el más
joven del grupo y quizá el más abstracto haciendo este tipo de grafismos (especie de cueva en
gris y blanco, 1957), son próximas al action painting, con predominio de las tonalidades grises,
gama cromática entre el blanco y el negro, también azules. Suelen ser de proporciones
enormes, meterse dentro del cuadro (especie de acantilado en negro, 1959).
Luego evoluciona hacia la figuración con una pintura de temática social realista. Tiene una
serie llamada los abrazos o fraternidad, en 1970, compromiso social, mezcla de técnicas,
manos como relieves. El pensador, 1975, es un collage.
Ideología muy opuesta al régimen como un canto a la
libertad.
119
LUIS FEITO (Madrid, 1929)
Este otro cuadro que es uno de los más conocidos con este ocre
y marrón con una mancha enorme blanca, que tienen que ver
con los colores del Greco y se aplica con paleta cuadrada
(muchos pegotes de pintura)
120
MARTÍN CHIRINO (Gran Canaria, 1925)
A partir del año 54 se detendrá en el uso exclusivo del acero y el hierro y su trabajo además de
en la abstracción se basará en el informalismo. Hay quien ha hablado también de una
expresión severa que habla del gesto y de la intensidad apretada de los materiales. El carro,
1957. Hablará también muchísimo de la escultura de paisaje, porque la mayoría de sus
esculturas están vistas para ver en un paisaje exterior, entonces la incidencia de los elementos
naturales, luces, sombras, viento, tienen mucha importancia en las esculturas. Mediterránea
III, 1971. Gran título que no para de aparecer desde los años 20.
121
MANOLO MILLARES (1926-1972)
Él empieza haciendo
pictogramas como
Pictografía canaria, 1953. El
habla mucho del paisaje
canario, él es canario, y de
los guanches. Tenemos este
tipo de grafías que parecen
como exóticas e indígenas y
tienen que ver con estas raíces de lo tradicional.
Pictografía, 1954.
S/T, 1962, entre sus cuadros más desconocidos vemos esta figuración con lo que parece un
cura gordo muy obsceno. Asesinato del amor, 1966, es un título tremendo.
122
MANUEL RIVERA
Composición, 1957 (como dibujo de una teleraña). Es muy importante el material empleado,
sobre todo telas metálicas, estableciendo dos espacios, el que está delante y detrás. Tiene un
carácter muy constructivo que le diferencia del resto del grupo. Composición IV, 1956-57.
Metamorfosis, (espejo de la noche), 1963.
13/11/17
Desde que era pequeño tiene un gran interés por la pintura, peto no es hasta una larga
convalecencia por una enfermedad que comenzará a pintar. Es hermano del cineasta. Habla
mucho de su infancia y de aquellas visitas que hacía con su padre al padre, quedándose
subyugado por el Cristo de Velázquez y cabeza de perro de Goya. Estará muy influenciado
también por Miró, entre el año 53-55 vivirá en parís y participará en algunas de las actividades
surrealistas. Las nuevas savias. El ballet del sol, 1949. Escribe un libro (buscar)
123
Es uno de los más activos dentro del paso. Plasma la voluntad de crear En España un lenguaje
nuevo. Bailaora, 1954. Lo agónico de una ideología franquista, completamente opuesta a la
suya, era muy de izquierdas. Sudario, 1954. Vemos los colores y mezcla de materiales como las
tierras. Personaje, 1959. Vemos el manchismo, esta pincelada violenta y desgarrada que se
vincula con todo el tenebrismo del siglo XVII español.
Ecce homo, 1960, es un retrato, corona de espinas manchas. Está muy presente el azar,
azaroso, la improvisación, no son obras pensadas. Estos movimientos serán los más
aperturistas en España desde las vanguardias. La gran muchedumbre, 1963, nos recuerda a
Pollock, pero en vez de ser dripping son grandes brochazos.
Retrato imaginario de Felipe II, 1974. Hay quien habla de ese estado agónico de alguien
opuesto al régimen. Retrato imaginario de Rembrandt, 1982. Toda esta revisión. Crucifixión,
1979. Cuatro caras, 1996, muy picassiano.
124
JUANA FRANCÉS
125
A partir del años 56, ella llama a esta etapa abstracción informal
con colores austeros, pinturas muy matéricas en las que incluso
introduce arena. Aquí primaria la dinámica del gesto, la acción, la
emoción del momento. Dice que lo que quería era transmitir sus
inquietudes al espectador. Algaiat, 1960. Muchos de sus cuadros
luego los numerará, ni siquiera sin título. En el 56 expone en el
Ateneo de Madrid. Un año antes de la formación del Grupo el Paso
y conoce a Pablo Serrano, que también formará parte del grupo y
con el que se casará. Llega a pegar cosas en el lienzo como relojes, broches… En el año 60 hay
una exposición en el Guggenheim de NY Before Picasso, after Miró, y ella participará.
126
abstracción. Da paso al color, la luz, el vitalismo, que tiene que ver con el contexto político con
la llegada de la democracia.
Cometa VII, 1986. De los últimos años. Ella muere en el 90, estas son las últimas producciones.
A su muerte ella quiso que su obra se dividiera en 4
partes formando parte de los fondos de 4 ciudades
españolas: Zaragoza (al museo de pablo Serrano), en el
Reina Sofía en Madrid, en el IVAN de Valencia y en el
Museo de Alicante. Esta artista se acercó de forma
atípica a la abstracción y figuración, entendiendo
ambos conceptos de forma muy complementaria.
Realizó desde el principio una investigación bastante
tenaz utilizando diversidad de materiales y formas.
Formado por 5 artistas: Ángel Duarte, José Duarte, Juan Serrano, Juan Cuenca y Agustín
Ibarrola. Este grupo surge en París. Su pintura trata de grandes manchas de color, vinculados al
diseño industrial. Interactividad cine. Este grupo
firma como equipo 57 en conjunto aunque luego
cada uno tenga trayectoria individual. Máximo
ejemplo del arte abstracto geométrico. Son
grandes campos de color que recuerda a Rothko,
es una pintura bastante conceptualizada. Ellos
hablaban de una pintura muy teórica que estaba
marcada por la defensa de un arte de compromiso
social.
Se hace público a través de un manifiesto donde cuentan sus objetivos: denuncia de los
mecanismos de producción y mercado, deseo de renovar la situación artística del momento,
búsqueda de una función social al arte e integración del artista en la sociedad. Por tanto
exponen una actitud muy reivindicativa sobre nuevos modelos de producción artística y dar la
espalda a todo lo que tenga que ver con la
convención y lo academicista. Dicen que para llevar
esto a cabo es fundamental la abstracción
geométrica.
127
Son masas de color con una pintura completamente apretada.
Muchos de sus títulos son series en diferentes momentos y años.
Este grupo duró alrededor de 2 años y tienen mucho que ver no
solo con el diseño industrial sino también con el cine.
También hablan de una tradición escultórica que tiene que ver con artistas como la escuela de
Vallecas y Alberto Sánchez, yeso, piedra, palo,
Ambos muy influidos por el expresionismo abstracto norteamericano. Desarrollarán casi toda
su trayectoria en EEUU y NY.
Se traslada a Paris conociendo a Picasso, Duffy. En principio en estos años, antes de llegar a
París su pintura tiene un toque de apunte rápido, muy amable y paisajista con bodegones
influenciados por Cézanne. Bodegón, 1925. Con ese tono de colorido pálido, algo melancólico.
S7T, París, 1934. Hará una figuración que luego desaparece. Árboles, 1936, acuarelas…
Estando en París conocerá en 1935 a la que será su mujer, una estudiante americana de la
Sorbona, volverán a España y estarán un año viviendo en Ibiza y como necesitaba él aprender
128
inglés se irá a Londres. Breve periodo de inactividad en el 36 y
luego en el 37 nace su hija Mercedes, que morirá. Una vez
llegan a Londres se cambiarán ya para siempre y
definitivamente a EEUU en 1940 se nacionaliza
estadounidense y comienza una etapa creativa que
desemboca en un encuentro con el
expresionismo abstracto y jamás
volverá a la figuración desde entonces.
Comienza a desarrollar este tipo de pintura que tiene que ver con estas
masas de color que recuerdan a Motherwell, De Kooning y Rothko. En
el 1943 se muere su hija, se divorcia u esposa, se casa con una
puertorriqueña y se vuelve a divorciar y vuelve a EEUU y se casa con
una marchante de arte que le posicionará dentro de los círculos más
importantes de la pintura norteamericana, gozando de muy buena
posición en los círculos neoyorquinos. S7T, 1950. Labels, 1956, a veces
se atisba una determinada figuración que desaparece con el tiempo;
vemos la sopa Campbell. Recuerda a Hamilton y los collage.
En estos años entabla amistad con todos los miembros de la escuela de NY y esto es
fundamental para entender que desarrollará una vena docente fundamental; colaboró no solo
con la prestigiosa Black Mountain College, creada en 1933 situada en Carolina del Norte y
desarrollará hasta 1956. Tenía un sistema pedagógico liberal con diferentes disciplinas
artísticas que se imparten tomando como base la experimentación y el intercambio de
conocimiento entre el alumno y el profesor, dividiéndose los alumnos entre junior y senior y
distribuyéndose en grupos de no más de 7 personas. Normalmente se trabaja en la naturaleza,
no hay aulas. El alumno no tiene presión respecto a exámenes y él decide cuando está
preparado para que se realice una prueba. Tenía muchos profesores de la anterior Bauhaus,
siguiendo la tradición de la misma, rechazando la división tradicional entre las Bellas Artes y las
artes técnicas como el diseño textil y la alfarería. En esta escuela tienen no solo profesores
artistas sino que están muy vinculados a escenas profesionalizadas como el Guggenheim de
NY, MOMA y muchos galeristas como Peggy Guggenheim y Becky Parsons.
129
Estará muy vinculado en grandes estancias a España, será Premio Nacional de Artes Plásticas y
tendrá muchas exposiciones en el reina. Harriet, 1984, aquí la pincelada se despoja de lo
terrosos a favor de las gamas cromáticas que parecen así tan diluidas, transparentes. Harriet
era su última esposa. S/T, 1995. S/T, 2000. Definición muy grande de lo que significa el color.
Se forma no en EEUU pero tiene casi toda su trayectoria más conocida allí. Su biografía está
estrechamente ligada a su obra. Él es de Granada y quizá sus comienzos están muy marcados
por una búsqueda de nuevos horizontes creativos que lo alejarán de la asfixia que le causaba
España tras la Guerra civil. Asique tras la guerra civil reanuda su educación estética que se
había iniciado en Granada antes de la guerra. Tras la guerra civil se establece en Madrid y
estudia en la escuela de BBAA de San Fernando hasta los 40. Se irá a París gracias a una beca,
queda conmocionado por todo lo que descubre de movimientos nuevos de vanguardias, nueva
figuración, últimos ecos de surrealismo… estará allí dos años y expondrá en el año 46 algunas
pinturas.
La aparición, 1946. Son algunas de sus primeras pinturas que poco o nada tienen que ver con
las últimas más conocida. Estará en constante búsqueda de la modernidad. Los cuadros de
finales de los 40 son muy simpáticos, parecen escenas de un comic en las que se hablando e
dos escenas diferentes. Recuerdan a la pintura naif y Rosseau. Paisaje del lago del Thun, 1947,
recuerda un poco a estas escenas surrealizantes, y a Franz Marc.
En 1945 viaja a Roma gracias a una beca y comienza a perder poco a poco la figuración. Llegará
en 1949 a NY donde creará sus primeros cuadros rigurosamente abstractos. Su último cuadro
130
figurativo será su autorretrato de 1950, centrándose después en las
formas biomórficas como Signos, 1953. Y en
EEUU entrará en contacto con algunos
artistas españolas, entre ellos Esteban
Vicente que le introducirá en los círculos de
los artistas estadounidenses como Rothko,
De Kooning Y Motherwell. En NY él halla su
lugar en el mundo del arte y desarrolla un
lenguaje propio aproximándose más que
ninguno a estos artistas de lo que se llamó la
Escuela de NY.
Él aunque viva en NY estará muy vinculado a España y entrará a formar parte del círculo de los
informalistas y el Grupo de Cuenca como Saura, Millares y Zobel. La galerista Juana Mordo será
la que realice la primera exposición individual de este artista.
Volverá a EEUU en los 70 después de 3 años en España y empezará una serie llamada
fosforescencias, plena madurez caracterizada por las formas en óvalo o en arco y que se
repiten en gran parte de su producción. Fosforescencia,1971 (cabezas de cerilla, rojo sobre
amarillo). Black Arches, 1971. Se centra en las formas circulares, con semifiguración porque
con el informalismo a veces el trazo queda muy duro distanciándose de la curva. Crecientes
horizontales, 1973.
Así su pintura y su paleta se alegran desde este momento apareciendo las líneas paralelas con
estas cabezas que recuerdan a las de cerillas que juntas o separadas forman modelos
ordenados y rítmicos y constituyen infinitas variaciones sobre un mismo tema. Capacidad de
cálculo, reiteración, uso de la pincelada. Litoral, 1979. Verde de sapén, 1990. Esta última es un
131
capo de futbol, cuando podemos mira algo detenidamente parece interesante, con esta
capacidad de abstracción respecto a la pintura.
También será muy importante en los 60 el turismo. España parece que mejora notablemente
su vida, se refuerza la burguesía, crecimiento de las clases medias, aumentos del consumo,
todo el mundo querrá tener un seat, mucha gente tendrá una segunda vivienda, se empieza a
“liberalizar” el cine, la TV y espectáculos. Pequeñas aperturas que será aprovechadas por
diversos movimientos sociales, por ejemplo surgen los cine fórum que serán coladeros de
personas opuestas al régimen franquista. El feminismo comienza a reclamar posiciones más
avanzadas en el trato de los sexos, se empieza a hablar de los derechos de todos los
ciudadanos, incluso los mismos cristianos, se agruparán en células contestatarias al régimen y
es lo que se conoce como los cristianos de base, basados en palabras del papa. Comisiones
obreras y UGT comenzarán a legalizarse. Se nombrará ministro de información y turismo a
Fraga Iribarne permitiéndose cierta liberalización.
Opositores al régimen que se van a Múnich para solicitar a Europa que no se acepte a España
en la COE a no ser que el régimen presente pruebas de democracia, al volver serán detenidos y
132
se hará más fuerte la represión hasta varias muertes en el 63. Movimientos clandestinos y
semiclandestinos. Aumenta el turismo y será muy frecuente que artistas intelectuales
empiecen a relacionarse con círculos políticos del exterior. En 1965 llegan a Madrid los Beatles
que presentaban en sí mismos una especie de libertad, con el rock and roll. En 1966 se
aprueba la ley de sucesión y la ley de prensa, que será un avance muy importante para las
ciencias, artes y letras y aparecerán revistas que habían desaparecido tras la guerra como la
Revista de Occidente. Y todo esto deja constancia de esta apertura y una inquietud
consiguiente en la sociedad.
La sociedad española en los 60 reclama un profundo cambio y transformación, sobre todo del
sistema educativo, y no tendrá su manifestación a la Ley general de educación de los 70. En los
60 entramos en un compás transitorio que en 1963 se vivificará hasta el 69 en el que se abre
una nueva etapa. Estamos como en las postrimerías del franquismo. Surgirá un arte
completamente comprometido y rechazará el arte tradicional y académico que aún continuaba
en el régimen franquista. Durante los años 60 el arte informalista español aparece como el
resurgir de una tradición renovada y los pintores españoles comenzarán a ser expuestos de
forma oficial en el extranjero. Imagen de cambio del régimen franquista. En 1960 el Museo de
Arte Moderno de NY organizará una exposición llamada New Spain Painting and Sculpture,
donde figurarán muchos de los informalistas de España.
14/11/17
Durante los años 60 el informalismo español aparece en el mundo como un resurgir, los
pintores españoles comienzan a ser expuestos en el extranjero con el fin político de dar al
mundo una imagen de cambio.
En la ciudad se podía gozar de una vida mejor, se puede vestir de otra manera. Todo esto se
traducirá en las artes y las opciones y tendencias se amplia, el arte del realismo cotidiano y
mágico de Antonio López conviven sin contaminarse con la abstracción, con el arte pop, con un
realismo muy crítico como el de Eduardo Arroyo. Aunque haya estos focos aperturistas se
siguen manteniendo las instituciones nacionales y fuera de nuestras fronteras surgen nuevos
movimientos a partir de los 60 y que nosotros veremos en los 70; además del pop art en EEUU,
surgirá el minimal, el póvera. Hay una eclosión de una imaginación creadora y sobre todo
experimental.
1960 abre mundialmente una década prodigiosa internacionalmente, a la cabeza con Andy
Warhol que desbaratará lo que significa el arte, con esa serialización. España mostrará unas
señales inequívocas de querer subirse a ese tren.
El régimen crea el SEU, sindicato de estudiantes universitarios, y crea dos revistas: Acento
Cultural y Cuadernos de Are y Pensamiento, donde colaboraran intelectuales ideológicamente
opuestos al régimen. Esto se traslada a grupos artísticos.
En estos años también aparecerá un arte objetivo y geométrico. También tenemos un arte
óptico que tiene que ver con el op art, hablan de lo seriado, de lo geométrico, mucho más
conceptual. Esto se lleva a cabo en 1968 en el centro de cálculo de la universidad complutense
de Madrid. Lo universitario es muy importante en este momento en los 60. También se
133
inaugurará en 1966 el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, que supone la entronización de los
informalistas. Primer museo de arte contemporáneo dedicado a un movimiento que surge en
España.
20/11/17
En los años 60 nosotros veníamos de los 50 con el informalismo abstracto, entonces en los 60
e configuran grupos que van a oponerse directamente al franquismo
Antes de entrar de lleno en el Pop Art. Vemos figuración, están en contra del espíritu
individualista, gestual y matérico de los expresionistas abstractos. Constituye un fenómeno
complejo cuya actividad ha de entenderse en el contexto de los movimientos políticos
antifranquista. Grupo muy extenso de subgrupos que irán surgiendo por toda España.
Apuestan por un arte asequible, comprensible, alejado de la vanguardia abstracta. Que sea un
arte muy directo. Preferencia por el realismo entendido en un sentido muy amplio.
134
Hará exposiciones conjuntas, se posicionan contra el individualismo, apoyan lo colectivo. Los
trazos son muy vigorosos, casi siempre en blanco y negro, lo que hace que se corresponda con
el mensaje social de la obra. Casi siempre exaltación de las clases sociales más desfavorecidas.
Hablan de la realidad asfixiante y mortecina de una criminal dictadura que en los 60 tenía que
enfrentarse a todos los movimientos contestaríos contraculturales que se forman ahora y se
desarrollan en los 70. Establecen un espíritu para todo el mundo pero no tendrán como mucho
éxito, será demasiado intelectualizado, este arte no llega a todo el mundo.
Hay que tener en cuenta el marco mundial, se establece la Guerra Fría que divide al mundo en
dos bloques que divide a Rusia contra EEUU, Guerra de Vietnam, Asesinato de Kenedy.
Todo ello se ve aderezado por un cambio de discurso estético en la oficialidad del propio
régimen sosteniendo de cara al público que el arte debe asumirse como algo desvinculado de
la política, subjetivo, libre e individual, y esto es imposible porque el arte es un reflejo social,
incluso ahora.
Muchos de los que habían pasado por el Paso, Parpalló e incluso Equipo 57, harán imágenes
para Estampa Popular, y levantaran un debate en torno al realismo y el compromiso político. A
finales de los 60 habrá una tendencia en EEU que será e hiperrealismo, estableciéndose así
cierto paralelismo.
Se forma en Madrid en 1961, formado por Juan Genovés, José Paredes, Fernando Viñoni? Y
Chileán Gastón Orellano. La primera exposición conjunta tendrá lugar en la Galería Neblí en
1961, una Galería en la que ya había expuesto Zobel. Reaccionará en contra de la abstracción
totalmente, pero hablando desde la plástica, no tanto desde la política como el grupo anterior.
135
Aplican técnicas rápidas, automáticas, libres que tienen que ver con un estilo expresionista
neofigurativo. Tríptico firmado por l grupo hondo (casi crucifixión). El grupo no duró mucho,
apenas 2 años. Juan Genovés trabaja casi siempre hablando de la multitud, Los aviones, que
planean sobre gente paseando, si nos acercamos al cuadro vemos que son pinceladas mínimas.
El abrazo, 1976, homenaje a los abogados de Atocha. Cartel de Amnistía internacional, 1976,
Juan Genovés.
[Se forma un grupo llamado ZAG, de happening y performance, del que hablaremos en los 70,
y comienza en 1964.]
El pop inglés es más o menos independiente del americano, nace en 1956 en el seno del
Independe Group pequeña sociedad, muy limitad, que se reunían de vez en cuando en el ICA
de Londres, entre sus miembros estará Richard Hamilton y otro, y dos críticos que dan nombre
al grupo. Este grupo inglés comienza estudiando la cultura popular, tecnología, consumo,
publicidad, es la época de la TV, auge de los medios de comunicación y auge de la producción
de masas; también los nuevos materiales influyen en todas las áreas de la vida, es la aparición
del tuperware. Todo se centra en cómo los medios de comunicación de masas influyen en la
sociedad. Las bellas artes se equiparan al cine, fotografía… rompiéndose la categorización del
arte, de las artes aplicadas en favor de las bellas artes. De estos encuentros y discusiones surge
esa exposición que se celebra en la White Chapelle de Londres, considerada como el
pistoletazo de salida del pop art, de la mano de Theo Crosby. En esta exposición participan
arquitectos, artistas, diseñadores, teóricos, y muchos de los miembros del independe Group, el
tema que se trabaja es la forma de vida moderna, la contemporaneidad. La exposición se basa
en una práctica colaborativa de 38 personas en 12 grupos de trabajo que trabajan en directo
para producir una obra. El resultado es que se transforma el espacio de la White Chapelle en
136
12 casetas en los que los grupos trabajan en
directo el tiempo que dura la exposición.
Dentro de uno de los grupos que mejor
funcionó que será el número 3, estará
Richard Hamilton, con su cuadro ¿Qué es lo
que hace a los hogares tan atractivos, tan
diferentes?, que se utilizó como cuadro de
la exposición, y dará el pistoletazo de salida
al pop art. Es un método de trabajo de
muestra vida en continua transformación
que tiene sus orígenes en la Bauhaus y el
Black Mountain College. No se utilizaron paneles de información sino que podas preguntar a
los creadores directamente. Trataban de mostrar variedad de ambientes inspirados en el
funcionamiento de la cultura de masas, tomaron símbolos de la cultura pop. Casi 1000
personas visitaron la exposición cada día y el catalogo tuvo que editarse una segunda vez
porque se editó. Es una de las exposiciones más innovadoras de la historia dela arte, y es un
caso de estudio crucial en el arte contemporáneo.
Richard Hamilton, 1956, ¿Qué es lo que hace a los hogares tan atractivos, tan diferentes?,
Auge del comic como una cosa de comunicación de masas, las latas, el magnetófono, la
música, el deporte. El hogar, la privacidad, sale a los espacios expositivos. Recrea un hogar con
los elementos típicos de la sociedad de consumo. Consumir y tirar. Se trata de recoger en una
sola imagen todos los iconos de la sociedad de consumo: culto al cuero, teléfono,
electrodomésticos, comida, fast food, cine, periódicos, hombre y mujer… Recreación de esa
exposición y fotografías reales de la exposición.
En EEUU esta exposición y este movimiento tendrán muchos ecos y a mediados de los 50 era
esencial en la nueva generación encontrar una alterativa a la hegemonía del expresionismo
abstracto. Hipermitificación de Jackson Pollock. Primera mitificación de un artista en vida, uno
de los primeros que salen en la revista Life, lo que es importantísimo. Pollock se convirtió en el
símbolo del artista genio. Por ello surge una generación más joven que tiene que contestar a lo
que estaba ocurriendo y así surge el pop como una respuesta en contra de ese estar encerrado
en el estudio. Movimiento opuesto en el que se trata de sustituir el lirismo del texto, las
significaciones metafísicas, la perturbación del artista genial solo, por la representación de los
objetos de consumo, de la vida cotidiana, de lo que los estadounidenses llamaron el American
137
Way of life. Impacto visual que se utiliza en comic, televisión, carteles publicitarios y revistas
ilustradas.
El arte deja de ser único y se quiere convertir en objeto de consumo, este término surge de la
expresión inglesa populart y los temas están motivados por la vida diaria. Tiene que ver con
Duchamp. Los orígenes del pop se encuentran así en el dadaísmo y en la poca importancia
puesta en el objeto final. Además el pop es bastante directo, intenta hacer desaparecer la idea
de no acceso al arte, trata de expresar las expresiones populares
de beber Coca-Cola. Conducta provocativa en Andy Warhol.
Inversión de los valores en las relaciones humanas cuestionando
el tradicional papel del espectador que va a poder opinar ante
esto. Lo más característico son las imágenes tomadas del mundo
de la comunicación. Manifestación plástica de una cultura
caracterizada por la tecnología, democracia, moda y
fundamentalmente, el consumismo. Movimiento joven,
ingenioso, divertido y sexy.
Destaca Jasper Johns, conocidísimo por su uso de la bandera americana, era necesario un
movimiento realmente americano. Trazos que todavía no tiene nada que ver con el acrílico,
todavía se usa oleo con pinceladas de técnicas que todavía tienen que ver con el
138
expresionismo abstracto. Y destaca también Robert Rauschenberg que vendrá del
expresionismo abstracto y fue profesor en la Black Mountain College. Ambos serán padres del
pop art norteamericano. A veces es demasiado directo y superficial y al principio recibe
críticas, muchas, en revistas y periódicos de tiradas nacionales, no especializados. Arraiga con
fuerza en EEUU desde 1964: Tom Wesselmann (tiene collage con objetos reales como el
frigorífico de verdad o cortinas del baño), Claes Oldenburg que es la representación de la
representación (comidas blancas, un helado estampado en un edificio), Roy Lichtenstein, Andy
Warhol.
Muchos de los artistas del pop en esta experimentación comenzarán a hacer colaboraciones
que tienen un espíritu muy vanguardista como caratulas para grupos musicales, o trabajarán
unidos a músicos y la televisión. Esto favorece que los movimientos se internacionalicen, así
como los estilos y formas de expresión. Habrá así una accesibilidad global a todas las artes.
Esto llegará a España transformándose en un pop patrio.
Fuera de los países anglosajones el arte del objeto tiene connotaciones precisas que le dan
otro nombre: nuevo realismo o figuración narrativa en España. En España la sociedad de
consumo también estaba en auge en los 60 pero los informalistas seguían encerrados en su
campaña de cristal, convertidos en el arte oficial viendo solamente manchas y rayas. Pero para
entonces en España surge una nueva generación de artistas más jóvenes a los que la guerra
civil y posguerra tampoco había afectado tanto y tienen los ojos puestos en el mundo que les
rodea y rendía culto al objeto como una nueva divinidad de la sociedad de consumo.
En Europa hay un grupo de franceses que se reúnen en casa de Yves Klein y firman el
manifiesto de los nuevos realistas, con ayuda del crítico Pierre D´Estaunay?.
Formado por Klein, Arman, Spoerri, a los que pronto se unirán César, Cristo y
Duchamp. El pop art también llega a España desde este movimiento. Hacen
arte con las cosas que forman parte de la vida cotidiana, sacándolos de su
condición de meros objetos. Son los Nuevos Realistas, que le dan otro carácter
a los objetos, recurren a la anécdota para desvelar la cara oculta de su tiempo
con una mirada también corrosiva. Tenemos a
Spoerri con la escultura objetual (mesa y silla). O
Arman con la escultura dedica a los coches como
símbolo pop. Dentro de estos Nuevos Realistas que
surgen en Francia encuadraremos al artista español Eduardo Arroyo.
139
EDUARDO ARROYO (1937)
Es uno de los artistas más interesantes de esta figuración narrativa y quizá muy destacado en
la segunda mitad del siglo XX, se autoexilia en parís en 1958 y no volverá hasta 1976. Estará en
París y conocerá a ese grupo de Nuevos Realistas. Su trayectoria
personal resulta muy representativa para su generación. Se
educa en ese Madrid de la posguerra. Representa la continuidad
de una identidad de artistas que generaron las vanguardias en
España de los años 30 y que fue decisivo el aprendizaje o
admiración por artistas como Picasso o Miró. Es una identidad
marcada por las pautas de comportamiento de lo español
(sevillana con botas militares), la falda es la bandera, vemos las
castañuelas. Tiene un lenguaje figurativo con humor corrosivo
respecto a lo que representa lo español. Su producción engloba
oleos, acuarelas, esculturas, material escenográfico.
Podemos diferenciar dos etapas, la primera desde su exilio hasta el 76, como producción en
Paris; y después del 76 hasta nuestros días porque sigue activo. Pintura cercana a la nueva
generación y el pop art.
Pintura dominada por la temática española desde la ironía y crítica en respuesta a la situación
política del país. Estando en Paris inicia trabajos como escenógrafo y realizará algunas escenas
entre lo surrealista como esa trenza colgada en la pared, el cuerpo de la mujer recuerda como
al cubismo un poco extraño. Pero pintura muy directa que tiene que ver con las imágenes del
pop. España te miró, 1967. Sí, sí, entraremos en el mercado común, 1971. Sus títulos tienen
mucha ironía. Caballero español, 1970.
Dichoso quién como Ulises, 1977. Escenas medio surrealistas. Encuentra en la figura de Ulises
la metáfora y el tema idóneos con los que narra su propia existencia. Habla de asesinatos, hay
a veces personajes que tienen que ver con
el cine de Hollywood como los gánsteres,
periódicos, resortes, pero pasados por una
pintura muy directa, colorida y plana que
tiene que ver con el pop. Madrid, París,
Madrid, 1984, de sus cuadros más
conocidos.
140
Uno de los cuadros más conocidos será Los cuatro dictadores, 1963, que recuerda mucho a la
pintura de Luis Gordillo. A partir del exilio en Paris elabora unos elementos de un imaginario
asociado a la crítica de la realidad política española. Conexiones directas con el pop art
americano y elementos abiertamente expresionistas. Son cuatro imágenes paralelas de
Franco, Salazar, Hitler y Mussolini en un gesto asociativo que recuerda a los oscuros orígenes
vinculados a los totalitarismos de entreguerras. Los cuatro personajes son como papeles
formados por un amasijo de vísceras y están decorados con elementos relativos a la
iconografía dictatorial construida por cada uno de ellos que nos remiten a hechos históricos.
Alambres de espinos de campos de concentración, alusiones a los bombardeos. Hay algo
también surrealizante y tiene mucho que ver con el pop. Este cuadro supuso su veto definitivo
en España, porque este cuadro lo presentó en la tercera bienal de París suponiendo un
auténtico escándalo.
Vivir y dejar morir o el fin trágico de Marcel Duchamp. Se habla de una detención imaginaria
de Marcel Duchamp y como muere y es enterrado en EEUU, artista europeo apropiado por
EEUU. Analiza y critica la realidad política española del último franquismo, es una metáfora
donde la naturaleza del papel del artista le sirve para hablar de estas convenciones de que
alguien que piense diferente de lo convencional, ha de ser eliminado. Reivindica la autoría
colectiva, pues hace este cuadro con otros dos artistas donde se representa esta muerte de
Duchamp cuyo entierro es llevado a cabo por otros artistas que se integran en otras
tendencias: Rauschenberg, Oldenburg, Warhol, D´Estauny y Arman.
El día que conocí a mi primer amor, 1971. Pinta al joven minero Jean Pierre Antinori que
fallece en la exposición de una mina de Francia ocurrida el 6 de enero de 1970, sin que los
hechos fueran esclarecidos. Lo que origina un movimiento de protesta
en la que participa Eduardo Arroyo junto a otros 17 artistas. Posición
reivindicativa y política contra los más desfavorecidos
141
6.4. EQUIPO CRÓNICA
1964-1981.
Después del hartón de introspección del informalismo en España. Los artistas salen a las calles,
a mirar un mundo que les rodea. Ante este panorama y provistos de un buen conocimiento e
la historia de España y la historia del arte incluso las vanguardias y acompañados de un espíritu
crítico. 3 artistas de valencia lanzan una nueva mirada sobre el país. Nace este Grupo en 1964
en Valencia, acompañado siempre por un crítico llamado Romans? Llorens y que fue el primer
director del IVAN. Juan Antonio Toledo, Manolo Valdés y Rafael Solves. Los dos primeros
continúan estando en activo y Solves morirá en 1981 que será cuando se disuelva el grupo.
Juan Toledo abandonará pronto el grupo y se quedan los otros dos hasta la muerte de Solves.
21/11/17
[Se empezará a experimentar con el cine, cine experimental, performance, a partir de los 60
habrá un estallido en las formas artísticas.]
Lo que más llama la atención es su forma de organizarse, sus obras en realidad son realizadas
en equipo, no firman individualmente sino con el seudónimo del grupo. Primero reflexionan
sobre lo que van a hacer y después lo ejecutan con fundamento. Rechazan de frente las
propuestas del informalismo y expresionismo abstracto y aunque utilizan todos los elementos
de la cultura pop, sobre todo norteamericana, se trata de una crítica feroz a una realidad social
y política. Los españoles son mucho más críticos que los artistas pop estadounidenses.
Recuerdan en su manifiesto al Equipo 57, pero a diferencia de ellos no tienen fines científicos
ni experimentales. Parten de un estilo directo y propio cuyo resultado son imágenes
impactantes.
142
Sufrirá un avance con cambio de técnicas a partir de los 70 como las tintas planas, utilización
de imágenes tomadas de los medios de comunicación, por tanto los dibujos representados son
bastante despersonalizados no los han creado ellos, por tanto es una crítica al individualismo
es una forma de entender el mundo y contárselo al espectador. Sus obras están realizadas e
serie lo que les permite un repertorio muy variado del mismo tema, acontecimientos políticos
que hablan de la realidad de su tiempo.
El intruso, 1969, otra de las referencias a la historia del arte español, y sobre todo el Guernica,
para muchos artistas de los 50 el Guernica se convirtió en un símbolo ideológico que no volvió
hasta el año 81 con un gobierno democrático. Guernica cortado, 1974, representación
simbólica de las tijeras. Han utilizado también ese blanco
y negro tan interesante porq Picasso lo pintó así porque
vio así el bombardeo a través de los medios de
comunicación, por lo que hay una reflexión interesante.
Mr. Cezanne en el Carrer Avinyó, 1980-81.
143
6.5. EQUIPO REALIDAD (1966-1976)
Se crea en valencia también. En nuestro país alcanza más desarrollo este realismo crítico que
utiliza lenguaje del pop. Formado por Jorge Ballester y Joan Cardells. Se disuelve a los 10 años
porque consideran que ya no tienen que seguir haciendo estas imágenes por estar agotadas.
También firman conjuntamente y se unen así a la figuración crítica. Hicieron muchísima obra
gráfica y serigráfica, tiene que ver con esto de la reproductividad rápida, como una máquina
que era el sueño de Warhol, ser una máquina de hacer dinero, aunque estos no piensan en el
dinero. Se apropian de imágenes de la historia del arte y de la realidad cotidiana. Utilizan
también temáticas seriadas y analizan la transformación social de los años 60, marcada por lo
tecnológico, aparición de la TV, consumismo y despegue de los medios de masas.
La divina proporción, 1967. Analiza la medida del hombre del renacimiento, de Leonardo da
Vinci que a su vez está tomado de ese canon griego y que aquí en esta ironía es un soldado.
144
Manolas y toreros, 1967. Estamos como intentando modernizarnos de cara a fuera y seguimos
con esta tradición casposa que nos persigue hasta nuestros días. El equipo realidad surge al
calor en Valencia de Estampa Popular, del cartelista también Joseph Renau que empieza a
utilizar el collage y las posiciones contra el régimen. Ellos preconizan el trabajo de los
anteriores para llegar a estas reflexiones. Hay una repulsa hacia el creador, ese genio, al
individualismo, por eso firman conjuntamente, están muy en contra de las actitudes
informalistas.
Hay una crítica social, compromiso político y tratan de mostrar la distancia entre la España
ideal y oficial. España cubierta por un estuche de neocapitalismo pero hay mucha
contradicción en esto. Los artistas plásticos más comprometidos no siempre pueden exponer,
pertenecen a grupos comunistas, marxistas etc. Había gran represión en todo esto.
En su primera etapa pictórica incorporan imágenes de los medios con fuerte carga crítica y
satírica y denuncian con ello diferentes asuntos como los falsos valores del consumismo, el
papel de la mujer, el modelo pequeño burgués. No les interesa la realidad sino su imagen.
6.6. NUEVA FIGURACIÓN Y REALISMOS. ANTONIO LÓPEZ, CARMEN LAFFÓN, AMALIA AVIA…
Nuevos realistas que surgen en España a finales de los 60 y mediados de los 70, tiene lugar en
España un debate en torno al realismo y la abstracción, surge este conflicto y surge un grupo
como una alternativa al informalismo y el pop, grupo de pintores y escultores que trabajan en
Madrid y se conocen todos sobre todo porque es un grupo generacional (nacen en los 30) y
están formados en la real academia de San Fernando. Reflejan a través de su pintura realista
su cotidianidad, no hay detrás un alegato político, ideológico, casi ni teórico. Formaban parte
de él: Antonio López García, Julio López Hernández y Francisco López Hernández (hermanos
escultores), Isabel quintanilla (esposa de Francisco) Amalia Avia (mujer de Lucio Muñoz), María
Moreno (mujer de Antonio López)
Tiene una actitud muy modesta respecto al mundo del arte, estos han sido unos pintores que
han sido un poco rechazados por ser imágenes fáciles, por ser muy realistas.
145
Es un pintor que se basa en ese hiperrealismo cotidiana, con sus temas más
destacados del paso del tiempo, el vuelve una y otra vez a cuadros que deja
abiertos, como el de la Gran vía madrileña que empieza en el 71 y vuelve una
y otra vez hasta el año 84. O su autorretrato que va modificando a lo largo del
tiempo. Retoma un aprendizaje muy académico, recuerda un poco a ese salir
del estudio de los impresionistas y pintar las cosas directamente del natural.
Es el artista de la luz también, transmite sus realidades cotidianas y casi nunca utiliza sistemas
fotográficos, y por supuesto alejado del ordenador. El sol del mebrillo, lentitud, pasión,
cercanía. La familia real. Es alucinante la influencia de la luz. Él prefiere la luz del verano que es
la más clara, es el artista de la luz blanca.
Especie de escultura realista, los dos hermanos han hecho mucha escultórica pública de
personajes como Federico García Lorca. O Picasso. Utilizan técnicas de vaciado.
146
AMALIA AVIA (1930-2011)
Hace este tipo de imágenes (vaso de agua) con una reflexión casi espiritual sobre el objeto.
Decía Baudelaire “basta ver algo lo suficiente como para que se convierta en interesante”.
Cocina de pasillo, escenas de interior muy de los años 60 también, esto nos permite estudiar
también como eran las casas. Coliflor azul.
27/11/17
Los setenta son fundamentales porque en el año 75 muere Franco y comienza la democracia.
La década de los setenta se caracteriza por ser los últimos años de la dictadura y el principio de
los movimientos de protesta ideológica contra el régimen. En Europa a pesar de las crisis
energéticas lograran igualarse a EUU como primera potencia del mundo, destacando también
los países escandinavos que consiguieron el más alto equilibrio económico y social del primer
mundo. Continuaran las dictaduras del sur: Grecia, Portugal y España, que desaparecerán en
147
los setenta dando lugar al nacimiento de nuevos países democráticos. En el ámbito social se
popularizan los electrodomésticos como el microondas, y otros dispositivos como el
ordenador, el walkman, la calculadora y la TV en color. Esto supone nuevos materiales para el
arte.
En España a finales de los setenta aparece el auge de la droga ocasionando grandes daños
sociales, epidemia que se agrava en España entrados los años ochenta. Especialmente heroína.
Lucha contra el SIDA.
Desde 1967 hubo una exposición llamada Nueva Generación y fue fundamental para el mundo
del arte y sus movimientos. Final del franquismo también con represión: tiempos de
indefinición política intercalados con fuerzas sociales opuestas al régimen. El arte jugara un
papel muy importante con estéticas renovadoras, revistas y publicaciones e incluso editoriales
específicas de arte que se convierten en fundamentales hasta nuestros días: Alianza,
Anagrama, Siglo 21… y se creará una publicidad directa que tiene que ver con el arte.
Continúan trabajando Saura, Tapies, Chillida, Sempere, intercalados con los nuevos creadores.
Revistas como Lápiz, Figura…
148
de los setenta que luego triunfarán en los ochenta y que en EEUU aparecían en los 60,
movimientos contraculturales. Todavía en este momento en España había grandes
represiones, hasta el golpe de estado de los ochenta.
Ya a finales de los 60 encontramos una llamativa cantidad de nombres fuera de España como
el póvera, los happening, cinetismo, arte conceptual, minimal, body art… en referencia a
movimientos y tendencias que se producen a finales de los 60 en EEUU y se consolidan en el
paso a la siguiente década. También hay que tener en cuenta el pop, la nueva generación, el
arte óptico, el informalismo…podemos afirmar que nos encontramos con la mayor
concentración de movimientos y tendencias de la modernidad. En estos movimiento
encontramos algo en común: crisis del objeto artístico entendido como algo tradicional, objeto
que se dispone en una pared o espacio para ser contemplado, puede ser trasladado,
comprado, vendido, regalado, donado… pero esto cambiará también el concepto y lugar del
espectador, ya no importará tanto el resultado final del objeto como la idea: puede asistir a un
happening, ser parte de una performance, o participar en una instalación. El gesto, la
naturaleza, se convierte en parte de la obra. Puede ser una obra efímera, cambiante, que
desaparezca.
Fundamental es en 1972 el libro de Simón Marchán Fiz: Del arte objetual al arte del concepto.
Es la primera vez que en nuestro país se reflexiona sobre el objeto y la prevalencia de la idea,
aunque esto ya se preconizaba en los sesenta con el dadá y Marcel Duchamp. Biblia canónica
para entender el arte en ese momento, se agotó y tuve 3 ediciones más.
Arte minimal: cuando el arte utilizada materia y crea una formalidad., normalmente muy
reiterativo. El valor estético del objeto producido esta en relación y muy unido con el aspecto
semántico. Se fijó mucho en el hierro, en la dureza de la piedra, todo como perfectamente
tallado, mucho que ver con los procesos. Hay algo en el minimal que es que hay una apariencia
muy masculinizada.
149
La historia del arte en España en estos años posee una fisionomía todavía distinta a la que se
estableció en EEUU con el resto de Europa., quizás por la complejidad de la historia de España.
El arte aquí entró mucho más tarde, hay que tener en cuenta la censura de los medios de
comunicación, de la producción artística y cultural, unida a los problemas económicos y
sociales.
Hay muchos artistas vinculados con esos movimientos de fuera de nuestro país, un crítico y
pintor casi establecido como uno de los primeros comisarios en España: Juan Antonio Aguirre,
quien organizó la exposición Nueva Generación en 1967, donde participó: García Ramos, José
Luis Alexanco (empieza a trabajar con el formato ordenador en el centro de cálculo de la
complutense), Elena Asins (venia del op art o arte cinético), Luis Gordillo, Barbadillo, Julio
Plaza. Vuelve a repetir la exposición en la Galería Edurne y publicará un texto que se llama
Nueva generación en la no sequé española, saliendo del marco del informalismo y de la
polémica informalista realista. En cualquier caso en este texto se rechazaba el puritanismo y la
inflexibilidad como rechazo de lo dogmático y se afirmaba el placer de la pintura en sus
aspectos más lúdicos y gozosos (algo de lo que ya había hablado Matisse). Hay algo como
constante en esa reivindicación pictórica. Cuando aparece esa exposición ya entra en crisis la
poética del informalismo.
Participan 350 artistas a principios de verano de 1972 durante 8 días, llevándose a cabo un
festival de vanguardia internacional, quizá el más amplio y significativo de nuestro país.
Oportunidad de subvertir el orden establecido en los años finales de la dictadura. Se abordan
entendiéndolos como un gran evento público porque tienen lugar en muchos espacios de la
calle en Pamplona. La organización del evento tuvo lugar de mano de varios artistas como el
grupo Alea, al que pertenecen Luis de Pablo y José Luis Alexanco. Ellos dos son los
responsables intelectuales de organizar este festival que fue financiado casi en su totalidad por
el grupo Uarte (familia adinerada de la construcción en Pamplona)
150
protagonismo a la interacción entre el público y artistas intentando integrarlo en la ciudad.
Sólo participan 5 navarros, el Equipo Crónica, Zaj, Esther Ferrer, Chillida…
Quizá tienen lugar aquí los movimientos más radicales de los 60 y setenta. Empiezan el 26 de
junio y duran hasta el 3 de julio. Se dieron conferencias gratuitas para formar a los ciudadanos.
Es fundamental entender ese mecenazgo privado de la familia Uarte (primer centro de arte
con una dirección colectiva y además formada por 5 mujeres)
El debate que se establece en Pamplona también fue bastante tenso por su radicalidad
estética en un ambiente sociopolítico bastante crispado. En esos 8 días tuvieron lugar dos
atentados de ETA. Era un clima de libertad muy vigilada. Ruptura del aislamiento de las artes y
del aislamiento de estas del espectador, intenta involucrar y envolver al espectador. Intención
experimental y deseo de apertura a nuevos caminos expresivos.
Pamplona era una ciudad de provincias, con el germen de la universidad de Navarra. Esto
realmente tiene que ver en Pamplona porque había mucho dinero y la financiación privada
permitía alegatos libertarios. Oorquesta santa Cecilia de Pamplona colabora o cineclub donde
ya se había expuesto el arte más novedoso. Tenía Pamplona muchas librerías y cafés por lo
que era muy proclive a los nuevos comportamientos.
151
En Madrid se está reuniendo otro circulo muy interesante entorno al arte formado por un
grupo de intelectuales entre los que está Alberto Corazón, diseñador gráfico y artista plástico,
Nacho Triado, Francés Torres, García Sevilla, Antoni Muntadas, y Simón Marchán.
ALBERTO CORAZÓN
Escribe un manifestó llamado En favor de un arte perfectamente inútil, este texto no solo
revoluciona los criterios y posiciones artísticas sino que impacta en todo el entorno cultural
español. Se cuestiona para qué sirve el arte y si el arte objetual sirve para algo, en favor de las
acciones más radicales. Alberto Corazón introduce dentro del arte el diseño gráfico, con obras
que tienen que ver con la fotocopia, fotocopia que tiene mucho que ver con los 70. O el
trabajo sobre los cuatro elementos de 1974, es una definición escrita sobre el sol, la luna, la
tierra y el fuego, el documento como obra de arte, la palabra. Exposiciones en espacios
independientes y alternativos.
La bienal de Venecia del año 76 también es fundamental y en ella participa Alberto Corazón,
está comisariada por Valeriano Bozal. Esta bienal fue muy polémica y muchos de los artistas de
los 70 estarán presentes en esta bienal. Plaza mayor, análisis de un espacio, 1970-74, son
fotocopias de la plaza mayor como un espacio que va cambiando. Palladio y Villa Rotonda, ya
aparece la figuración mezclada con planos de color. Hizo el cartel en 2011 en la feria del libro
de Madrid. Recuerda un poco a Mariscal en los 90.
Dentro de este panorama surge el Grupo ZAJ que podríamos decir que para ellos es la
provocación como medida de todas las cosas. Surge en Madrid ya en 1964, formado por Juan
Hidalgo (premio nacional de Artes plásticas el año pasado), Walter Marchetti y Ramón Barce.
También colaborarán Tomas Marco y José Luis Fernández de Castillejo. En el 67 abandona el
grupo Barce y se incorpora Esther Ferrer, madre de la performance en España. Este grupo en
realidad está formado por músicos (los 3 primeros) que no se dedicaban al arte
contemporáneo, y nunca ha funcionado como un grupo homogéneo, ni orgánico ni siquiera
cohesionado. Realizan trabajos hasta los años 89 o 90, pero los años de mayor incidencia serán
del 64 al 72.
152
el 21 de noviembre de 1964. También hay algo de humor socarrón e inteligente bastante
irónico. Ese mismo año en que empiezan, sus acciones son suspendidas la mayoría de las veces
por el orden público, muchas veces se desnudaban. Hay veces que te invitan a ti a hacer dichas
acciones “siéntese en la silla y permanezca sentado hasta que la muerte le separe”
Eran opuestos al gusto más general, era un arte muy minoritario y no encajaron con el arte
habitual de las artes plásticas. Las obras del grupo tienen un aire neodadá, dándole otro
sentido al arte, tienen un sentido bastante
irónico también, y en algunos momentos nos
hacen pensar en Brossa y en ese
conceptualismo. Alzar los brazos, 1965, Juan
Hidalgo con intervención de Marchetti.
Sus propuestas tienen que ver con el lenguaje, el espacio artístico y sobre todo con lo
experimental. Estuvo vinculado ZAJ en principio a Fluxus, con quienes compartirán la urgencia
de la creación que se materializa en los límites específicos de la
consideración de arte o no.
153
contemporáneo español que son los encuentros de Pamplona.
28/11/17
Dentro del contexto del land art. Desarrolló toda su carrera artística en España, es austriaca y
llega a España en los 60, y utiliza en su producción la lona, el fieltro, la cera, la parafina,
elementos humildes. Está ahora mismo viva, desarrolló en el 200 una súper instalación en el
palacio de cristal llamada la lengua de los pájaros, donde realizó una pajarera analizando el
sonido de los pájaros que se colocaban en el palacio uniéndolo a sonidos ficticios. En el centro
un gran cono de arena, puedes subir, bajar, rodearla, dependiendo del sonido de los pájaros la
obra era cambiante, cada día diferente.
Ella tiene una serie llamada las lenguas, 1989 que realiza con acuarelas y otros materiales. En
los años dosmiles tiene una serie llamada Ellas (María Zambrano, 2009). Como el silencio de
una gran orquesta, 1995-1996. Tiene que ver con la artista norteamericana Eva Hesse.
También tiene una serie centrada en las minas de sal de rio tinto en Tabacalera el año pasado,
y otra serie dedicada a los obreros que son cascos azules en unas estanterías.
154
ADOLFO SCHLOSSER (Austria, 1939-2004)
Llegó de la mano de Eva Lootz en los 60 y los dos se quedan aquí en España. Su trabajo
también tiene mucho ver que con los principios de la naturaleza, él vivía en Austria en el
bosque y dice que desde pequeño tiene una relación con la naturaleza que está por encima de
cualquier material. También se enrola en un barco durante 4 años y por ello tiene relación con
el mar. Impulsa nuevos planteamientos plásticos mediante materiales que tienen que ver con
la tierra y la naturaleza sin apenas manipulación. Empieza a realizar poemas que apenas tienen
éxito en España por ser en alemán. El cielo sobre la tierra, son círculos concéntricos de pinos
quemados y se supone que es del mismo tronco. Cuando hablamos de estos círculos
concéntricos en una mirada hacia lo primitivo y primigenio, si a un niño le das un palo hará un
círculo: el círculo significa la
tierra, el sor, y la luna.
Normalmente el circulo es
lo masculino y el cuadrado
lo femenino. Los troncos del
medio parece que se
abrazan, es como generar
otra vida de algo quemado.
155
Creó una comunidad de artistas donde vivía. Aprender a observar la naturaleza y llevarla a una
sala
Uno de los artistas conceptuales más relevantes de nuestra historia. En principio fue escultor y
artista experimental, empezó a experimentar con la fotocopia y acciones, aunque realmente
estudió arquitectura en Madrid y luego ciencias sociales en Barcelona aunque él es de Jaén. Su
obra se encuadra en el arte conceptual y minimal trabajando materiales como el hierro y
madera. En los años 70 su producción se centra en el land art, arte de la tierra y naturaleza y el
arte conceptual. Está muy preocupado por el uso de materiales y aspectos procesuales de la
obra, muy importante en los 70 y luego se reivindicará en los 90.
Pasos y recorridos, 1974, mucho registro por lo procesual que ya habíamos visto con la plaza
mayor de Alberto corazón. Es un recorrido descalzo por el campo que dura más de 10 horas.
Escalera, 1971 (serie rastreos), a través de la fotografía y la fotocopia va desapareciendo el
original y se desdibuja.
A finales de los 70 en Madrid también hay un grupo Trama, que surge en Barcelona en 1974.
Ellos en realidad proponen un nuevo espacio de pensamiento y acción radical, también a
través de la pintura pero una pintura en gran medida muy intelectualizada. Una pintura que no
es figurativa, hablan de la pintura-pintura, de nuevo del gesto, tienen que ver con los
156
informalistas pero se distancian de ellos en el uso de planos de color. Tienen mucho que ver
con el grupo francés Supports-Surfaces (1966-72), que además influyo mucho en los pintores
conceptuales españoles; hablan del objeto pictórico y superficies y campos de color. El grupo
Trama surge así enfrentado a esta nueva generación madrileña.
Surge un grupo de artistas llamados la nueva figuración madrileña, son pintores que surgen en
Madrid y abordan el complejo ambiente cultural de esta ciudad en los últimos años del
franquismo y primeros de la democracia. Exposición del 2010 en el MNCARS. Los esquizos se
llaman así porque fueron llamados así por el grupo de abstractos de Barcelona. Son como una
vuelta más a todo esto, no tienen nada que ver con los conceptuales de hecho los
conceptuales se ríen de ellos. En los 80 se hablaba de que la pintura había muerto y estos
artistas reivindicarán la figuración pictórica. Utilizaban los colores del pop.
Centran s actividad de 1970 a 1985, intentan realizar una pintura al margen de las
convenciones estéticas políticas del final de la dictadura. Su pintura no es ideológica, se
posicionan de otra manera a lo que está ocurriendo. Chema Cobo, Luis Gordillo, Rafael Pérez
Mínguez, Luis Pérez Mínguez, Herminio Molero, Carlos Alcolea, Carlos Franco, Pérez Villalta. Se
contaminarán mucho en las formas y colores. No es un grupo homogéneo ni programático sino
que es un grupo de artistas que comparten inquietudes y deseos y estarán apoyados por un
creciente grupo de galerías de arte y una nueva generación de críticos como el profesor Ángel
González, Bonet, Kiko Rivas. Comparten interés y ambiciones, nacidos en la posguerra
española, han viajado a Londres… con inquietudes en la escena del punk, y el underground.
Apreciaremos diferentes influencias y todos ellos volverán a una pintura narrativa en la que el
uso de los colores será una característica predominante; estarán muy influenciados por el pop
inglés como Hoffney en Alcolea, las películas de Disney, la cultura del comic, David Bowie y
John Cage. La mayoría de ellos intenta que prime en su pintura el carácter conceptual pero a
través de sus propias vivencias, es una especie de reivindicación “más gamberra” y
aparentemente menos serios pero luego teorizaron muchísimo sobre la pintura. Las
referencias son casi todas a la historia del arte. Uno de los teóricos será Javier Utray?.
Esquizos, es una etiqueta irónica que les aplican los pintores abstractos de Barcelona aunque
en realidad se llevaban bastante bien. Los pintores firmaron un pacto tácito de apoyo
generacional entre todos ellos.
Es uno de los que más destacan convirtiéndose en uno de los maestros de los pintores a la luz
de los setenta, en los ochenta, será Luis Gordillo. El maestro de todos ellos será Eduardo
Arroyo.
157
ALFREDO ALCAÍN (Madrid, 1936)
Junto con Gordillo será un gran seguidor del pop y estará muy relacionado al principio con los
informalistas del Paso. Su pintura evolucionará hacia una especie de cubismo que recuerda a
Juan Gris pero con colores más brillantes que además recuerdan al diseño gráfico, industrial y
la televisión. A partir de los 80 su pintura sufre un enfriamiento incluso en las formas como si
fuesen diseños o trabajos en series aunque es óleo, que desembocará muchas veces en la
disección dentro del cuadro de elementos tridimensionales.
Uno de los personajes más interesantes para analizar los 80 y finales de los 70. Su posición
ante la vida tiene que ver con el espíritu rebelde de los80, muy vinculado a la movida
madrileña, muy amigo de Alaska y de Almodóvar al principio. Su pintura tiene mucho que ver
con la de Eduardo Arroyo. Él estudió arquitectura. Su obra se desarrolla dentro de la figuración
y en ella abundan referencias a la arquitectura, mitología clásica y metafísica, de hecho su
pintura nos recordará muchísimo a Quirico, habiendo algo incluso de surrealismo, con estas
perspectivas que serán análisis de los grandes maestros de la pintura.
158
LUIS GORDILLO (Sevilla, 1934)
Tenemos otras donde utiliza el plano pcitorico detrás y encima collage fotográficos y de nuevo
el tema de la reiteración recordando a los cuatro dictadores de Arroyo (cuatro caras así raras).
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CARLOS ALCOLEA (1949.1992)
Considera como un dandee y muy influenciado por Hoffney y sus piscinas. Él era asmático y el
agua y lo líquido se convirtió en algo fundamental para él. Era alguien que vivía
apasionadamente la pintura y pasionalmente el hecho pictórico. Él habla de la gramática de las
formas, los colores, los gestos. En sus inicios su pintura está muy relacionada con el pop
británico y él decía que no hay pintura sin ideas pero que además tenía que ser
experimentación y visión. El habla de la práctica pictórica como una posición casi ideológica y
el pintor como oficio.
Sus planos pictóricos fueron muy revolucionarios (especie de infinito). Vemos planos de color
con colores ácidos, muy vivos y una tendencia al uso de amplios campos de color
delicadamente difuminados, sobre todo en el segundo plano en el caso de estos dos. Se
aprecia también el uso de la línea y el dibujo.
Tenemos otros cuadros del principio (dos planos súper oscuros como
fuego cayendo del cielo), podemos ponerlo en conexión con José Guerrero
por la paleta de color, también con Rothko y la utilización de la pintura.
Suelen ser lienzos muy grandes
Casi todos sus fondos son muy difuminados y estos personajes como en brochazos, muchos de
ellos diseñan entradas de cine o carteles para el rockhola.
160
CHEMA COBO
Introduce muchas veces dentro del plano pictórico letras, como aquí smoker. Habla de la
retórica de lo sublime. Su pintura es muy extensa e intensa. En cada etapa se dedica a
diferentes personajes, una muy interesante es la figura del Joker, como aquí que aparece en
muchísimos planos (Joker y Hércules). También es un dibujante increíble. Casi siempre
inclusión de letras que tiene que ver con el lenguaje del comic y estructuras como del rastro
(figura azul tocándose la cabeza cerca de un aguacate), vemos este suelo que luego se pondrá
muy de moda en los 80 en España, incluso en el diseño de tejido con las cositas que parecen
como confetis y tiene que ver con lo que se llamó la transvanguardia italiana.
Chema Cobo se parece muchísimo en esta época a Alcolea, hay na contaminación en la que
comparten intereses y talleres.
CARLOS FRANCO
Es un personaje muy difícil de encasillar representando genial ese espíritu de cambio de finales
de los 70 y principios de los ochenta. Comienza su actividad a finales de los 60 y 70 que tiene
mucho que ver con el dibujo pero antes encamina su creatividad a la música, dando clases con
Luis de Pablo, y al teatro.
161
Es uno de los componentes de Radio Futura (1979) y además uno de
los primeros compositores de música electrónica en España, en 1978
dio un concierto bajo el nombre de Sonido Molero. Participa de toda
esa estética del cartel, de la nueva figuración, de lo infantil. Los aires
de libertad quedaron muy plasmados en unas fiestas de los ochenta
por San Isidro en la que el concierto de Radio Futura recibió a más de
20.000 personas.
Grupo de personas en un atrio o alegoría del arte y la vida o del presente y el futuro, 1975-
76, son artistas, críticos, galeristas asociados al fenómeno de la nueva figuración madrileña.
Intenta retratar a todos los que forman parte de esa nueva concepción, incluyendo su retrato.
Mucha alegoría simbólica que recuerda a la escuela de Atenas o el Parnaso de Rafael. Vemos
los diferentes planos incluso en el techo. Está cortado en 3 escenas en un tríptico que es
enorme y recuerda también a Max Ernst. El habló de que esta pintura representa al grupo que
reivindicó el cambio a través de la pintura de una versión más libre y subjetiva con una versión
despolitizada frente a todas las prácticas conceptuales que tanta primacía alcanzaron en los
70. Significación y connotación histórica muy determinada. Obra central de su producción.
Factura clásica y muy relamida, colores contrastados, universo alegórico. Estudio de esa
articulación espacial mediante los elementos arquitectónicos y perspectivas. También hay una
162
acumulación ecléctica llena de referencias. En casi todos estos pintores hay una dimensión
muy autobiográfica como en este caso con el autorretrato.
Tríptico en el que aparece él, el artista pensativo, con las musas de las 3 gracias, cuerpos
desnudos y esas caras entre la realidad y el uso del comic. Son escenas oníricas o surrealistas.
Referencia a la pintura clásica y mitológica. O la difusión de colores en este hombre con la
bandera, rallajos que se ponen de moda en el diseño de la ropa. Monos con sandía. Muchos
de sus cuadros fueron utilizados para carteles, uso de lo pictórico como tal, volúmenes y
clores, lo iconográfico.
RAFAEL PÉREZ-MÍNGUEZ
163
MANOLO QUEJIDO
Algo en esa trama, uso del pincel y gama cromática que recuerda al informalismo (monstruo
en rojo y amarillo/ mono azul y marrón con fondo amarillo que se llama el comedor/ la regla
con una enorme S). Otros cuadros con ropa desordenada en la cama sobre fondo amarillo y
recuerda a un pintor actualmente en boga llamado Miki Leal.
Al morir Franco empiezan nuevas libertades con luchas a favor del aborto, todo recogido por
una fotógrafa llamada Colita. Cuando desaparece la ley de peligrosidad social en el año 77-78,
hasta entonces esta gente era perseguida, apaleada y encarcelada. Esto tiene que ver con
Ocaña y con Azario. En estos ambientes surge también la película de Pepi Luci Bom y otras
chicas del montón con Alaska de 14 años. En el 79 surge la película Arrebato que habla de las
drogas y lo que significa ser artista, el propio director consume heroína.
164
AÑOS 80:
Con la llegada de la democracia hay iniciativas que fomentan el arte contemporáneo una de
ellas será ARCCO en 1982 y promocionan a los artistas fuera de las fronteras y fomentan el
arte nacional.
Movimientos:
Movida madrileña
Llegada del Guernica
Primera feria de arte contemporáneo 1982
La creación del centro de arte museo reina Sofía 1985 y la incursión en la UE.
Fuera de las fronteras la década se cierra con Magaciens de la tierre y se inaugura en
1989 y es la primera vez que se integran lenguajes no occidentales.
Y la caída del muro de Berlín.
Es un momento de inicios los nuevos vicios, la playa, las ganas de ganar dinero, el futbol, la
prensa, Alaska, se empieza a permitir el desnudo, interviú…etc. La música tendrá una gran
fuerza en el momento y series como Verano azul, Talas, Falcon Crees y en animación Willy Fog,
el inspector Gachet, en arte esto se caracteriza con el retorno de la pintura, podemos hablar
de Miguel Angel Campano, de Alfonso Alabecete…etc.
Se dice que los 80 cambiaron la escultura como con Susana Solano y Adolfo Schlosser.
Susana Solano:
Evoluciona desde la escultura minimalista hasta obras de gran tamaño y solidez, a dia de hoy
sigue esculpiendo y tiene una pequeña obra en el museo de cuenca.
Esta obsesionada por crear recintos o ciudades, símbolo de un lugar en el que podemos
quedar encerrados, su obra es solemne, y utiliza materiales como el bronce, hierro…etc. En su
trabajo nos muestra lo artesanal. Normalmente usa materiales frios, para ella las esculturas
son lugares de comunicación, usando por ejemplo el agua.
*Autografo.
*Colinas huecas.
Miguel navarro:
165
Es el escultor valenciano por excelencia, habla de lo materico y los utiliza para que parezca
algo que no es.
Francisco Leiro:
Es un escultor en activo estuvo en N.Y. hasta el 88 y utiliza materiales como la madera con
talla artesanal y tiene mucha escultura publica.
Cristina Iglesia, en los 90 Juan Muños artista enigmático escultor del silencio en los 90.
Juan Ugalde:
Viene del mundo del colage y tenia un colectivo en los 80 llamado Strugenbang. Creo una
política muy impulsada a los artistas como Carmen Jimenez juntos crearon becas y arroparon a
los artistas.
En los 90 esta ilusión fue cayendo y se caracteriza por el disparate, el año de las olimpiadas y
los macro-eventos culturales.
Miquel Barceló:
(mañana en clase)
El resultado de todo esto es la consideración del sistema democrático, con la libre expresión y
la perdida del sentido en que se articula la crisis del socialismo. Crisis de la figura del artista
como un intelectual comprometido esta gente convierta la fiesta en un activismo de guerrilla y
un nuevo poso intelectual. Desde la victoria del PSOE en 1982 se intensifica el apoyo de la
administración a la actividad artisitica que rompia con el secular aislamiento de nuestro país se
habla de cambio se hacen esfuerzos por ser modernos y acerca el arte español exterior se
alirenta el arte joven se relaciona con un exceso de optimismo.
Movida madrileña:
Se crea en Madrid a finales de los 80, fruto de toda la pasión artística y se funda en las cloacas
undergroun del franquismo aunque también viene contra la cultura de los 70, habrá una
cantidad de propuesta que llena las calles entre 70-76: Nuevo marco de deseo y la aparición de
nuevos protagonistas.
Se presta atención a las mujeres, los homosexuales, los presos y sobretodo diran los jóvenes,
nuevos lenguajes se abrirán paso dentro de las tribus urbanas, todo esto muy diferente al
clima de los 70 mucho mas burócrata y de parroquia. Artistas queriendo uir del gris del
franquismo y la movida cogera esa mezcla de jóvenes obreros mezclado con los mas altos
como Leopoldo Maria Panero, Will Bur?, Eduardo Aribaltz. Se crean nuevas luchas obreras, de
166
barrio, de bandas e intentas distanciarse de la época anterior. En el ambiente opresivo de los
70 todo lo que ocurria fuera de España era una ventana para mirar a fuera, como los negros de
la base americana de Torrejon. Habia muchas organizaciones políticas clandestinas y todo eso
serán las grietas que se cuelen para pensar de otro modo. Se comenzaron a dibujar los
primeros espacios de reunión ya no clandestinos, se reunian en bares, conciertos…etc.
Habia la ley de peligrosidad social, que miraba a toda esa sociedad crecidas en los bares o
lugares ocultos creada en 1970, dentro estaban los homosexuales, pornográficos, pandilleros,
borrachos, discapacitados, tribus…etc. Muchos de estos jóvenes se acercan a organizaciones
políticas como anarquistas, y se abrirá nuevos frentes de luchas.
Entre el 75-77 se abrieron nuevos proyectos que ocuparon las calles, las plazas, universidades,
colegios mayores, se acuña una gramatica y lenguajes subrrealistas, de hay pasamos de los 70
que es verde botella al 80 que es fosforito, 1977 es la fecha que da el pistoletazo de salida a los
nuevos lenguajes: PREMAMA, LACOCHU, CASCORRO FACTORY de fanzines como Vicios
modernos, aparecen los roqueros, aparecen revistas como bicicletas, ajoblanco, en formato
libro anagrama, campo abierto, la banda de Moebius…etc. Todas estas nuevas tribus y formas
las sustentaron sitios como chueca, rockola, y la movida madrileña será la nueva cultura de
Madrid desde 77 hasta los 80, muestran un Madrid en crisis intentando mostrar su fuerza. Sera
un gran carnaval en las calles.
Desde 1976 habria sus puerta el Pentagrama en Malasaña hasta 1986 hasta que habría el
Rockola, la Via Lactea.
En este ambiente esta radio futura, Glumato Yeye, diseñadores como Agatha Ruiz de la Prada
todos buscan un espíritu mucho mas edonista, evocador, se da la espalda al Madrid cañana,
machista, chulesco.
Revistas como la luna de Madrid dirigida por Borja Casani o la revista Madrid me mata.
Hay una dimensión publica tomata como estandarte de un alcando de Madrid que es Enrique
Tierno Galvan que se da cuenta de lo que esta ocurriendo.
El era profesor de lingüística y será destinado a Madrid y se convertirá en uno de los fotógrafos
no oficiales, muy interesado en los jóvenes del momento, será muy conocido porque en el año
83 hara una exposición en una galería Ovidio a través del fanzine llamado Rockocó expo “Pop
urri”.
La bobia 1982.
Sus fotografías siempre son el color, aunque desde el 80-84 utiliza imágenes fotocopiadas en
b/n, el no formara parte como tal de la estética madrileña sino que captara objetivamente lo
que estaba ocurriendo.
167
CEESEPE (Carlos Sanchez Perez 1958):
El participa en el mundo del comic y a finales de los 90 entra en contacto con dibujantes como
Max y Nazario compartio piso Garcia Lix y juntos hicieron el fanzine a través de la Cascorro
Factory. Sera un colaborador asiduo de Pedro Almodovar sigue en activo. Su pintura se vincula
con la época nocturna de Madrid y Barcelona a través de escenografías muy abordadas de
color que le debe a la estituca amerciana.
Colabora en revistas como el Víbora. La ley del deseo y su pintura recuerda a Perez Villalba.
Realizo muchos carteles que les encargaba el ayuntamiento para las fiestas.
Su pintura empieza a evolucionar con el paso de los años a quitar los personajes, mas cerca del
collage.
Es un fotógrafo muy conocido, premio nacional en 1989 desde los años 80 realiza fotos en b/n
y el quizá penetro en los aspectos menos mediatico del Madrid de los 80. El fotografía a sus
amigos, muchas veces retrato al mismo personaje, estaba muy fascinado en el mundo del
tatuaje. Cuenta muchas historias perdidas y en muchas de sus fotos aparece la gente
drogándose, es muy poético.
Ouka Lele:
Muy amiga de los fotógrafos anteriores, ella empieza a estudiar bellas artes pero deja la
facultad y empieza a estudiar piano y ella hacia fotografía en blanco y negro pero todo el
mundo le pide fotografías en color entonces decide colorearlas a mano. Tambien viene del
subrrealismo, tiene elementos del pop, con una tradición barroca de colores mas marcados.
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