Humberto Moré

Pintor, escultor y muralista esmeraldeño nacido en 1929, y cuyo nombre de

pila fue Lalot Rivadeneira Plata.
Su vocación artística se empezó a manifestar desde su más temprana edad
cuando descubrió que los colores de los juguetes le producían satisfacción y
emoción; luego fueron el teatro y el cine las expresiones que lo envolvieron,
y, finalmente, se acercó al dibujo copiando figuras y fotografías de
revistas, las tiras cómicas de los periódicos y los anuncios del cine.
A los veinticinco años de edad, convertido en un artista autodidacto,
presentó su primera exposición en Milagro y la segunda en Guayaquil, en la
joyería “Esmeraldas”.
Fue contemporáneo de Enrique Tábara, Luis Molinari y Estuardo Maldonado,
es decir, de esa selección de artistas jóvenes que iniciaron la renovación de
la plástica guayaquileña entre las décadas del 50 y del 60.
Original en todos sus conceptos, definió sus inicios como “expresionismo
diferente”, al que siguió luego una tendencia a la geometrización apoyada en
círculos y valorada en colores luminosos; de allí pasó a una estilización post-
cubista, basada en un criterio que lo llevaría a obtener el Primer Premio en
el Salón de julio, de Guayaquil, en 1962.
Estudioso del arte contemporáneo ecuatoriano, a mediados de la década del
60 se involucró en lo que él llamó “Signología Funcional”, y diez años más
tarde, en Quito
La mayor parte, por no decir casi toda su vida, la vivió en Guayaquil, donde
desarrolló y “dio rienda suelta” a toda la fuerza expresiva de su arte
inigualable. Su obra presenta una expresión innovadora apoyada en el dibujo
de trazo grueso, iluminado con colores casi primarios en los que predominan
el azul y el rojo. También pintó paisajes y retratos con particularísimo y
personal estilo, e hizo esculturas modulares, de hierro y hormigón, que
sirvieron para adornar y dar perspectiva artística a varios parques de
Guayaquil, que –lamentablemente- hoy han desaparecido.
Fue un personaje polifacético –de rara valía- en quien se conjugaron todas
 Oswaldo Guayasamín

El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de ascendencia kichwa y su

madre (Dolores Calero) era mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín)
trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo
fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años,
hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las
semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También
vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes
y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de
Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico
militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río. Durante una
manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que
más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente
y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el
diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de
arquitectura.
A partir de 1995 inició en Quito su obra más importante, el espacio
arquitectónico denominado "La Capilla del Hombre", a la cuál le dedica todo
su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, en Baltimore (Estados
Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.
Ese mismo año se reconoció su labor, de forma póstuma, con: el
reconocimiento como "Pintor de Iberoamérica", el Premio Internacional
José Martí.
 Eduardo Kingman Riofrío

(Loja, 1913 - Quito, 1998) fue un pintor ecuatoriano.

Hijo segundo del Dr. Edward Kingman y de doña Rosa Riofrío, fue
matriculado en la escuela anexa al normal Juan Montalvo donde realizó la
primaria, pero como dibujaba desde niño, al terminar el primer curso de
secundaria en el Mejía decidió cambiarse a la Escuela de Bellas Artes.
En 1933 expuso con Antonio Bellolio en la última muestra de Allere Flamma,
al año siguiente hizo varios cuadros que vendió en el salón municipal
“Mariano Aguilera” de Quito.
En junio del 46 expuso en el Museo de San Francisco. La revista Time, le
coloca entre los grandes pintores de Hispanoamérica, luego fue a Nueva
York y expuso en la Unión Panamericana de Washington. En el l 49 expuso en
el Museo de Arte Colonial, veintiséis oleos con motivos populares y colores
frescos, briosos, alegres. En el 55 expuso en Guayaquil. El 56 en Bogotá y en
Caracas. Para el 74 había expuesto en la Maxwell Galleries de San
Francisco.
Reconocimientos
En 1953 obtuvo el I premio del quinto salón de Artes Plásticas. El 59 ganó el
Primer premio en el “Mariano Aguilera” con “Yo el prójimo”, visión
aterradora de un mundo en crisis. El 73 le fue concedida la medalla al
mérito Artístico de la Municipalidad de Guayaquil y el 75 la condecoración
Nacional al Mérito con el grado de Comendador.
Tendencia artística
Su carrera comenzó como pintor expresionista por sus ideas político-
sociales. El tema del dolor y maltrato indígena, ocupará en gran parte la
tendencia de este artista. Se hizo célebre por las grandes y poderosas
manos de sus personajes, símbolo desasosegado de fuerza. El tema de las
manos, se repite en casi todos sus cuadros, esto le ha ganado la reputación
de ser “el pintor de las manos”.
 Manuel Rendón Seminario

(n. París, 1894 - m. Portugal, 1982) (también conocido como Manuel Rendón)
fue un maestro pintor latinoamericano conocido por traer
el Constructivismo a Ecuador y Latinoamérica junto con Joaquín Torres
García quien trajo el Constructivismo a su país natal de Uruguay. El
Movimiento Constructivista comenzó en Rusia por Vladímir Tatlin alrededor
de 1913.
En esa época debido al auge de la exportación del cacao en el Ecuador,
SOBRE TODO DE KA ZONA DE LA COSTA, SALIENDO DEL PUERTO DE
GUAYAQUIL, la gente millonaria ecuatoriana vivía en Paris, de ahí que
Manuel Rendón Seminario, de las dos más ricas familias del GRAN CACAO
nació en Paris pero era ecuatoriano.
Nació en París el 2 de Diciembre de 1.894 en uno de los elegantes bulevares
donde residían sus padres el Dr. Víctor Manuel Rendón Pérez, médico,
literato, músico, compositor y poeta cuya biografía puede verse en este
Diccionario (1) y María Seminario Marticorena, idealizada por su esposo
como Elena en la novela “Lorenzo Cilda”, mujer de obstinada fe religiosa que
logró sacar dos monjas de sus tres hijas. Rendón estudió en la Academia de
la Grande Chaumière en París, sin embargo, se resistió a los centros de
enseñanza de arte formal, prefiriendo en cambio como destino una labor
más solitaria, asidua y tenaz. A una edad temprana, la obra de Rendón fue
regularmente exhibida en las salas de París. Aunque Rendón nació en París,
es hijo de padres ecuatorianos y es frecuentemente considerado como un
artista ecuatoriano que vivió la mayor parte de su vida en Ecuador. El padre
de Rendón fungió como embajador en París.
A principios de su carrera, Rendón vivió la vida bohemia del artista parisino,
luchando para ganar dinero. Rendón vendería pequeños trabajos hechos de
cobre para obtener dinero para pintar. En 1937, Rendón exhibió su obra en
la ciudad de Guayaquil, Ecuador, y en Quito en 1939. Estas exhibiciones
tuvieron un enorme impacto en los grandes maestros que vivieron en estas
ciudades en esos tiempos. Las obras fueron modernas y abstractas por
naturaleza. Rendón predicó: "el papel del pintor es organizar las
posibilidades que le son ofrecidas".
 Oswaldo Viteri

Pintor y escultor ecuatoriano, nacido en Ambato, provincia

de Tungurahua, Ecuador, en 1931.
Artista neofigurativo, ampliamente reconocido por su trabajo de
ensamblajes, aunque su obra abarca también la pintura, el dibujo, los
grabados y los mosaicos.
Comenzó su educación como estudiante de Arquitectura en la Universidad
Central del Ecuador, en Quito, en 1951. Colaboró en el taller de Oswaldo
Guayasamín, a quien ayudó en 1959 en el encargo de un mural para el
Ministerio de Obras Públicas.
Durante la década de 1960, se centró en la pintura y estudió Antropología y
Folklore.
En 1966, se graduó en Arquitectura y fue nombrado director del Instituto
Ecuatoriano de Folklore.
Comenzó a explorar técnicas de arte experimental incorporando a sus obras
el collage y colocando objetos superpuestos a sus lienzos. Realizó sus
primeros ensamblajes en 1968, comenzando a mostrar sus obras en
exposiciones internacionales en la década de 1960, siendo incluido en las
bienales celebradas en 1964, en Córdoba (Argentina), y en 1969, en São
Paulo, en las que recibió sendas menciones honoríficas.
Su trabajó tomó una vertiente más escultórica durante los años 70, como
reflejan sus múltiples series de ensamblajes en los que utiliza muñecas de
trapo y material de desecho.
Muchas de sus obras se encuentran en algunos de los museos y galerías más
prestigiosos del mundo, entre las que podemos destacar la galería Uffizi,
que cuenta con un autorretrato.
Ha resultado nombrado candidato en dos ocasiones al Premio Príncipe de
Asturias de las Artes.
 Gonzalo Endara Crow

(Bucay 17 de mayo de 1936 - Quito, 14 de abril de 1996) fue

un pintor y escultor ecuatoriano nacido en la ciudad Bucay. Desde una
temprana edad se mostro muy interesado en el arte, de joven estudió
pintura en la Universidad Central en Quito. Adoptó un estilo diferente al
principio de su carrera que le acompaño durante toda su vida. La geografía
ecuatoriana y los brillantes colores utilizados por los artesanos indígenas en
su labor fueron sus dos influencias principales que penetraron en su trabajo
durante toda su carrera. Endara Crow es considerado uno de los
pintores latinoamericanos más importantes de la segunda mitad del siglo 20.
Su obra es universal, y ofrece una perspectiva estética de la
cultura andina y su gente.
Su obra más reconocida es "El Tren Volador”. De niño, Endara Crow quedo
asombrado por los trenes desde que su padre trabajó en el ferrocarril, esto
se convirtió en una inspiración para su obra maestra, en la que muestra a un
tren en vuelo, de ahí el título, que combina con un paisaje montañoso de
colores. Otro motivo surrealista común en sus pinturas lluvia, campanas o
esferas como en su obra Sin títulode fecha 29 de julio 1988.
Endara fue también escultor, con dos monumentos importantes esculpidos
en Sangolquí. Estos dos monumentos son "El Choclo" y "El Colibrí", ambos
representan la belleza natural, así como la importancia de la agricultura de
la Sierra ecuatoriana.
 Víctor Mideros

(n. Ibarra, 1888- Quito, 1968, fue un pintor ecuatoriano.

Frente a todos los precursores de la modernización del arte nacional, una
figura se alza como el representante de lo tradicional: Víctor Mideros.
La burguesía ve en él al gran pintor que satisface su devoción y su visión
espiritualista del mundo anclada en ciertos símbolos entre religiosos y
esotéricos.... era pintor que no dejaba llegar a sus telas los
grandes conflictos sociales del tiempo. Mideros se convierte en el pintor
mimado de intelectuales tradicionalistas, la Iglesia y los públicos medios -
siempre, como se sabe, tremendamente conservadores-. Se pronuncian
sobre él discursos -comenzando por Velasco Ibarra-, se escriben libros
("Víctor Mideros" por José Rumazo, 1932), se lanzan exaltados elogios
("Mideros es en este momento el pintor más poderoso de la América del
Sur", proclamaba por los años treinta Elizabeth Delbrück), se lo premia
repetidas veces: gana premios en el "Mariano Aguilera"
en 1917, 1924, 1927, 1928, 1930, 1931, 1932.
Entre 1924 y 1935... domina el horizonte de la plástica nacional. A partir de
ese año comienza rápido ocaso y para los cincuentas, al imponerse las nuevas
formas, el artista -que se mostró incapaz de evolucionar e hizo gala de vivir
de espaldas a las violentas transformaciones del arte contemporáneo- se vio
marginado como artista casi anacrónico y, en todo caso, muy poco
representativo del arte ecuatoriano contemporáneo.
En 1918 viajó a Roma, como adjunto a la legación ecuatoriana. Era ya un
pintor de sólida técnica -la había aprendido con Luis Toro Moreno y Rafael
Troya-, abierto a las novedades lumínicas del Impresionismo. Pero
en Europa solo parece haberse interesado por el Simbolismo y cierta
pintura mística, y a su regreso eso mostró... En 1924 mereció el primer
premio en el "Mariano Aguilera”, con un cuadro que resume lo que sería la
obra del artista a lo largo de cuarenta y cinco años... técnica brillante en
composición, dibujo y cromática...
 Camilo Egas

(Quito, 1889 - Nueva York - 1962) fue un pintor ecuatoriano.

Se formó como pintor en la escuela de "Bellas Artes" de Quito y en las
academias Real de Roma, San Fernando de Madrid y Colarroisse de París. Al
regresar de Europa tuvo la intención de radicarse en Ecuador y pintó
cuadros precursores del indigenismo. Desde 1927 hasta su muerte se radicó
en Nueva York. Entre 1935 y 1962 ocupó el cargo de director de la Escuela
de Pintura de la New School for Social Research. Entre sus alumnos, se
encuentra el escultor Arnold Henry Bergier.
 Enrique Tábara Zerna

(1930, Guayaquil, Ecuador) es un maestro de la pintura ecuatoriana y

representa en su conjunto la cultura hispana pictórica y artística.
Tábara se interesó en la pintura a la edad de tres años y dibujaba
regularmente a la edad de seis años. En estos primeros años, Tabara fue
alentado por su hermana y su madre. Enrique Tábara, sin embargo es un
creador que investiga y desmitifica la imagen en la que se refugia. El
espíritu enérgico e innovador de Tábara es una constante que revela el
espíritu inquieto y versátil del maestro. Un maestro de la experimentación,
que es plenamente consciente de sus raíces y el proceso que ha seguido en
los últimos años, con abundantes obras que mostrar a cambio.
Tábara estuvo muy influenciado por el movimiento constructivista, fundado
alrededor de 1913 por el artista ruso Vladimir Tatlin, hizo su paso en Europa
y América Latina por medio del pintor uruguayo Joaquín Torres García y el
pintor parisino ecuatoriano Manuel Rendón. Torres García y Rendón hicieron
un enorme impacto en los artistas principales de América Latina como
Enrique Tábara, Aníbal Villacís, Félix Aráuz, Theo Constante, Oswaldo
Viteri, Maldonado, Estuardo y Carlos Catasse, entre otros.
 Edgar Balseca Toral

Es un artista pintor ecuatoriano. Nació en el mes de junio de 1942 en

Salinas (Ecuador).
Desde temprana edad adquirió interés por el arte. Sus estudios los realiza
en su país natal, Ecuador y en EE. UU.
A lo largo de su vida artística se ha destacado como artista pintor de óleo
sobre lienzo siendo su estilo el realismo y el surrealismo.
Balseca ha realizado innumerables presentaciones y exposiciones de su arte
a nivel Nacional e Internacional. La mayor parte de su carrera artística se
llevó a cabo en Norte América, donde residió muchos años junto con su
esposa y tres hijos.
Laudable ha sido el trabajo de Edgar Balseca como profesor de arte en
diferentes localidades en Quito, Guayaquil y en varias ciudades de los
Estados Unidos, por lo que ha recibido homenajes y publicaciones de
reconocimiento.
En los últimos años, la nueva expresión artística de Balseca ha sido la
escultura. Por la belleza del toro de lidia y del arte taurino, que ha sido su
pasión de siempre, es que hoy podemos encontrar obras taurinas magníficas
con su impresionante fuerza y realismo.