Nivel Avanzado

Tema 1. El músico en la comunidad cristiana

I.Piedras Vivas

Dios mismo es comunidad, Padre, Hijo y Espíritu Santo, y al crearnos a su imagen y

semejanza puso en nosotros también esa naturaleza comunitaria, pues no es posible
que exista el amor si no existen personas a nuestro alrededor a quien podamos amar.

Por eso Cristo, aunque nos llamó a cada uno a seguirle de manera personal, quiso que
viviéramos nuestro discipulado en la Iglesia, es decir, en comunidad.

La palabra comunidad (de “com” “moenia”) significa “fortaleza común”, o “con

fortificación”, es decir, un baluarte, una ciudad amurallada, un sitio seguro y rodeado de
personas que se protegen y ayudan unas a otras.

La Palabra de Dios nos dice como debemos ser parte de una comunidad:

1 Pedro 2,4 Acercándoos a él, piedra viva, desechada por los hombres, pero elegida,
preciosa ante Dios, también vosotros, cual piedras vivas, entrad en la construcción de
un edificio espiritual, para un sacerdocio santo, para ofrecer sacrificios espirituales,
aceptos a Dios por mediación de Jesucristo.

Así pues, la comunidad no es algo opcional, es parte de nuestro llamado a seguir a

Cristo. Sería arrogante pensar que no necesitamos de los hermanos para cumplir
nuestra vocación, pues Cristo mismo fundó la primera comunidad de discípulos.
Estaban los 12 apóstoles, estaban los “70 discípulos” (Lucas 10,1-4) y estaban Pedro,
Santiago y Juan

San Pedro nos dice que somos piedras vivas de un edificio espiritual, y cada piedra
tiene su lugar en el edificio. Si quitas una piedra del edificio, lo debilitas, a cada piedra
le corresponde un LUGAR ESPECIFICO. Así a cada persona, en la comunidad, le
corresponde un ministerio, un servicio y una responsabilidad especificas.

Dice la madre Teresa de Calcuta que Dios repartió dones diferentes a cada persona
para la humildad y para la unidad.. Para la humildad porque es preciso reconocer que
yo no tengo todos los dones, y que mis hermanos tienen los dones que yo no tengo. Y
para la unidad porque al reconocer en mi hermano los dones que yo no tengo, puedo,
uniéndome a él, tener esos dones a mi alcance, en mi hermano.

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 Como dice San Pablo en 1 Corintios 12,4-30:
Hay diversidad de carismas, pero el Espíritu es el mismo; diversidad de ministerios,
pero el Señor es el mismo; …Porque en un solo Espíritu hemos sido todos bautizados,
para no formar más que un cuerpo, judíos y griegos, esclavos y libres. Y todos hemos
bebido de un solo Espíritu.

Así también el cuerpo no se compone de un solo miembro, sino de muchos. Si dijera el

pie: «Puesto que no soy mano, yo no soy del cuerpo» ¿dejaría de ser parte del cuerpo
por eso?…

…Y no puede el ojo decir a la mano: «¡No te necesito!» Ni la cabeza a los pies: «¡No os
necesito!» ...Si sufre un miembro, todos los demás sufren con él. Si un miembro es
honrado, todos los demás toman parte en su gozo...

...Ahora bien, vosotros sois el cuerpo de Cristo, y sus miembros cada uno por su parte...

La complementariedad e interdependencia de los miembros de nuestro cuerpo nos

demuestra también nuestra complementariedad e interdependencia como miembros del
Cuerpo de Cristo.

Por eso, nuestros dones y habilidades de servicio, y también los dones creativos y
artísticos, florecen y dan mayor fruto en el contexto de la comunidad.

II.La historia de los artistas en comunidad

Veamos como esto sucedió en la historia:

Durante el Renacimiento, existieron comunidades y escuelas de arte que dieron como

resultado un gran florecimiento de la creatividad, de la fe y de las artes. Miguel Ángel,
Rafael, Leonardo da Vinci, y muchos otros pintores y músicos pertenecieron a estas
escuelas/comunidades, en donde el ambiente era propicio para aprender, para
experimentar, para recibir una sana crítica de los maestros y aprendices mas
avanzados. En general en estas escuelas/comunidades todo se daba en un contexto de
RESPETO y de CONFIANZA.

También en el Antiguo Testamento, la construcción y embellecimiento del Templo, y el

ministerio profético y de los Cantores/sacerdotes, se dio siempre en un ambiente de
comunidades, incluso de familias.

Los mismos cantos inspirados e himnos de los que nos habla el Nuevo Testamento se
daban, no en solitario, sino en las Asambleas de Oración de las comunidades, como lo
vimos en la charla pasada.

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 No obstante, en la era moderna surgen los pintores y músicos solitarios, que vivían en
un ambiente mas aislado, mucho menos comunitario y muchas veces mas cargado de
individualismo. Vemos así a grandes genios como Mozart que viven una tragedia
personal y mueren a veces solos y abandonados. Mozart fue enterrado en una fosa
común! Evidentemente Mozart aún siendo un gran músico, no fue un hombre muy feliz
que digamos, y fracasó en muchos otros aspectos de su vida personal y afectiva.

Como Mozart nos encontramos también a muchos otros artistas de esta época:
Romanticismo, impresionismo, modernismo…que sufrieron de esa soledad, y que en
aquel individualismo fueron artistas admirables, pero llenos de sufrimientos e
incomprensiones.

Como veremos enseguida, en la época moderna existen muchos obstáculos para que
un músico pueda vivir en comunidad y pueda recibir ese apoyo que recibían en el
Renacimiento los artistas.

III.El aprendiz en la Comunidad

Aprender:
Ser miembro de una comunidad hace muy natural y llevadero el aprendizaje. Las
personas que te enseñan son hermanos a quienes tu respetas y admiras, hermanos
que te aman con el amor de Cristo y te pueden enseñar con genuino deseo de que
mejores. En cambio, fuera de la comunidad todo aprendizaje se dificulta por el sentido
de competencia, de desconfianza y de falta de respeto y amor. No estas seguro de la
lealtad ni de las intenciones de las personas de quienes pudieras aprender y eso te
produce inseguridad.

Recibir Crítica y Corrección Fraterna:

Cuando compuse mis primeras canciones recuerdo que me reunía con otros hermanos
de mi comunidad y se las presentaba. Recibía siempre críticas y comentarios en amor
y respeto, que me permitían corregir y mejorar las canciones.

Recuerdo también, que cuando llegué a cometer errores en mi servicio de la música,

mis hermanos me corregían con firmeza, pero siempre con amor y respeto. Recuerdo
que muy frecuentemente llegaba tarde a las reuniones de la comunidad y la música se
veía afectada porque no instalábamos bien el equipo ni orábamos; hasta que un día mis
hermanos Francisco Figueroa (Ahora Sacerdote, y un gran hombre de Dios) y John
Keating, (soltero consagrado y compositor de muchas canciones), me llamaron aparte y
me reprendieron severamente por mi irresponsabilidad. Ambos son hermanos a los que
yo quiero y admiro muchísimo, por lo que su reprensión me caló hondo…

Nunca mas volví a llegar tarde.

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Colaboración, no competencia:
En el seno de la comunidad hay muchas oportunidades de colaboración, porque hay
muchos servicios que prestar. Esto se hace siempre como Cuerpo de Cristo, cada
miembro ayudando a los demás, y nunca en un ambiente de competencia.

En cambio, en el mundo, los artistas y en especial los músicos, se ven expuestos a

fuerte competencia entre ellos, lo que no permite que se ayuden ni que aprendan unos
de otros. El mejor ejemplo de eso es una cosa que se llama “La Academia” que hay
aquí en México, y en la que cada cierto tiempo van eliminando a un “aprendiz de artista”
hasta que se quedan con el “mejor cantante”. Luego sacan un disco y lo venden y
hacen mucho dinero a costa de estos pobres muchachos, a los que convierten en
“artistas desechables”, de “música chatarra”.

Es una cosa horrible! Yo he sabido por personas que estuvieron allí y que se sintieron
explotados, que a los pobres muchachos les destruyen sus sueños y sus aspiraciones
con críticas totalmente destructivas, los pobres salen llorando y todos traumados de esa
experiencia.

Es justo lo opuesto de lo que se vive en la comunidad, en donde todos estamos allí

para quedarnos siempre, independientemente de que seamos “buenos o malos
músicos”, porque somos primeramente hermanos en Cristo, hijos de Dios, miembros de
la Iglesia.

Sin miedo a equivocarme:

En la comunidad, el ambiente es propicio para que surjan muchos talentos, que puedan
experimentar cosas nuevas, sin temor a equivocarnos, porque si nos equivocamos
sabemos que nuestros hermanos nos lo dirán honestamente mediante críticas
respetuosas, constructivas y amorosas.

La crítica en el mundo en cambio llega tarde para el músico. Muchas veces llega como
una recomendación en las revistas o periódicos: “No compres tal o cual disco, es
basura”
O bien, “el mejor disco del año es tal o cual”…
Para entonces, el pobre músico ya malgastó su tiempo, su dinero y su esfuerzo en un
estilo o en una experiencia musical que resultó que “no tiene mercado”…

En la comunidad, sabemos que nuestras canciones se van primero a probar en la

oración de las asambleas, que nuestros hermanos mayores en la fe nos dirán como
podemos mejorar, y por eso puede florecer mucho más nuestro carisma.

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IV.La vida en Comunidad: Un Don de Dios

Protección para nuestra vida:

Como músicos, necesitamos de un ambiente que nos proteja y nos apoye. A veces nos
podemos sentir fracasados o hundidos en depresión, porque tal o cual cosa no va bien.
Aunque seamos tan capaces como Mozart, es decir genios musicales, no estamos
exentos de estos altibajos en nuestra vida personal.

Tampoco estamos exentos de cometer faltas y pecados, y especialmente como

músicos estamos expuestos a las tentaciones de soberbia, envidia, división, arrogancia,
y a llevar una doble vida entre ser “cantores públicos” y “pecadores privados”.

La comunidad nos protege de estos riesgos si vivimos en la luz y compartimos

activamente nuestra vida y nuestras luchas con hermanos maduros y formados en
Cristo, en grupos pequeños de revisión de vida o “grupos célula” o “grupos de
compartir”. En ese ambiente, podemos recibir apoyo y dirección de nuestros hermanos
y dar y recibir ánimo e intercesión para seguir adelante.

Miembros del Cuerpo de Cristo para siempre:

Hay épocas de nuestra vida en que tenemos que dejar de servir como músicos, y el
pertenecer a la comunidad nos reafirma siempre que nuestra identidad es ante todo
hijos de Dios, y que ser músicos es secundario. A veces por un cambio de vida:
matrimonio, estudios, trabajo, enfermedad, dificultades económicas o familiares,
tenemos que dejar el servicio, pero no por eso debe afectarse nuestra identidad.

Fuera de una comunidad podemos sentirnos atrapados en la trampa de creer que

nuestra valía y nuestra identidad proceden únicamente de lo que hacemos, del servicio
que prestamos etcétera. Y no se diga en el mundo: El músico que deja de cantar o de
producir es “desechado” como si fuera un objeto inútil.

En la comunidad, somos hermanos para siempre, y aunque dejemos de servir,

seguimos siendo hermanos, ese vínculo de ser miembros del Cuerpo de Cristo nunca
se rompe, es más, el cuerpo vela especialmente por sus miembros afligidos, heridos o
en desgracia, por los que sufren. Me encanta la comparación del dedo meñique del pie,
que dice más o menos así:

Imagínate que eres miembro de una comunidad y hay un hermano con el que tienes
poca relación. Un día ese hermano se enferma y se queda sin trabajo. Tú pudieras
decir: “Bueno, en realidad yo no tengo mucha relación con ese hermano, por lo que no
estoy obligado a ayudarle… Es mas casi no lo conozco, por lo que se vería muy mal
que yo le ayudara…”
Ahora piensa que eres la mano en el Cuerpo de Cristo, y que ese hermano es el dedo
meñique del pie. De pronto el dedo meñique recibe un golpe. ¿Qué hace el cuerpo?

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¡Inmediatamente todo el cuerpo reacciona para sobarse el dedo, para protegerlo y
sanarlo! Imagínate que tú, como la mano del Cuerpo dijeras: “Bueno, yo no tengo
relación con ese dedo meñique DEL PIE, convivimos muy poco, está tan lejos allá
abajo…” CLARO QUE NO!!, por el contrario, tú de inmediato, en un acto reflejo vas y
ayudas al dedo lastimado junto con todo el Cuerpo.

Así es la Comunidad. A veces nos toca ser mano, y a veces nos toca ser dedo meñique
del pie, y recibir un pisotón, para luego recibir el amoroso cuidado de nuestros
hermanos.

Lugar de Fiesta y de Perdón:

En donde hay amor hay corazones abiertos, y por lo tanto vulnerables. Como dice Jean
Vanier, en su libro “Comunidad, Lugar de Fiesta y de Perdón”, la comunidad es el lugar
en donde mas heridas recibimos, mas golpes, mas ofensas, porque nos hacemos
vulnerables a nuestros hermanos.

Cristo mismo se hizo vulnerable por amor y murió en la Cruz!! Si tememos ser heridos,
terminamos por levantar muros de indiferencia, barreras de incomunicación, y ya no
seremos heridos, pero ya no podremos amar y dejaremos de ser comunidad.

La solución es, y así lo planeó Cristo mismo, que en la comunidad aprendamos a

celebrar continuamente el PERDON. En la comunidad estamos llamados a “florecer
desde nuestras heridas”, y a que nuestros frutos mas hermosos sean justamente
aquellos que surjan de nuestras heridas. Dado que hay mucha interacción y nuestro
corazón esta abierto y vulnerable, tenemos que perdonar y ser perdonados muy
seguido… Hasta 70 veces Siete!!

Como las llagas de Cristo, algunas heridas que recibimos en la comunidad nunca se
cierran, pero se convierten en ventanas de santificación, y de ellas florecen los mejores
frutos de misericordia, perdón y compasión.

Yo ya tengo 25 años en la comunidad Jésed, y creo que ya le conozco todos los

defectos a mis hermanos de comunidad. Aunque la comunidad ha crecido mucho
últimamente (somos mas de 600 miembros) y con algunos hermanos tengo poca
relación o casi no los conozco.

Pero de los “viejos hermanos”, ya se cuales siempre se equivocan en tal o cual cosa,
quienes son impuntuales, quienes piden libros prestados y no los devuelven y quienes
son desordenados. De estas y otras cosas que no voy a decir porque los amo, ya los
he perdonado muchas veces, y ellos me han perdonado a mí de muchas cosas que no
diré.

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 Ciertamente mis hermanos han cambiado un poco con los años, pero no mucho. Yo
también creo que he cambiado, creo que he mejorado un poco en 25 años, pero sigo
teniendo los mismos defectos, y mis hermanos me siguen perdonando.

En la comunidad, el perdón y la fiesta son el pan de cada día.

V.Diversas formas de Comunidad

Hablar de comunidad requeriría de todo un tratado. Recomiendo muchísimo leer ese

libro de Jean Vanier que cité arriba: “Comunidad Lugar de Fiesta y de Perdón”.

Baste aquí decir que existen muchas formas de comunidad, pero Dios a todos nos
llama a vivir comunidad de una u otra forma, en mayor o menor grado.

Comunidades super-cercanas

La familia, las casas de las congregaciones religiosas, las comunidades de alianza que
viven juntos, las fraternidades que comparten un mismo techo son este tipo de
comunidad.

Comunidades Cercanas
Las comunidades de alianza, los grupos apostólicos con grupos de compartir o grupos
de “revisión de vida”, las familias religiosas son este tipo de comunidad

Comunidades Parroquiales y diocesanas

Las parroquias, las diócesis, etc… conforman este nivel más amplio y abierto de
comunidades.

Primera identidad: La Iglesia Católica

Antes que ser miembros de tal o cual comunidad somos miembros de la Iglesia
Católica, y esa es nuestra identidad fundamental: Hijos de Dios, bautizados en el seno
de nuestra Santa Madre Iglesia. Eso no es impedimento para que nuestras relaciones
más intensas se den en un contexto comunitario más pequeño, más íntimo y familiar.
Por eso la familia es la “Iglesia doméstica por excelencia” porque aunque no agota ni
abarca a toda la Iglesia, tiene en sí los elementos fundamentales de la comunidad:
Amor y Compromiso (Que por cierto esto significa Jésed: Amor misericordioso y
comprometido).

Por eso Dios nos llama estrechar lazos y vínculos de amor y de compromiso con
nuestros hermanos, y a tener misericordia unos con otros, evitando el “capillismo” es
decir, el aislamiento del grupo respecto del resto de la Iglesia; dando mas prioridad y

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 continuidad a aquellos hermanos con los que nos hayamos comprometido a formar una
comunidad, pero no renunciando jamás a servir y a amar a los hermanos que por su
lejanía o por “no ser miembros de mi comunidad” son el “dedo meñique” del Cuerpo de
Cristo.

VI.Oración Final

Padre Celestial, en el nombre de Jesús, te pedimos que nos des el don de formar en
torno nuestro verdaderas comunidades de amor, de fidelidad y de compromiso, donde
puedan florecer los dones que nos has dado, para la Gloria de tu Nombre y para bien
de toda tu Iglesia.
Te pedimos especialmente por nuestros hermanos músicos que están solos, que no
tienen una comunidad cercana que les apoye. Dales tu amor y tu consuelo en sus
momentos difíciles. Provéeles, Señor de una comunidad, guíalos a donde tú quieres
que ellos se integren, y pon en su camino a hermanos y hermanas que les puedan
apoyar y formen con ellos una gran familia de familias.

Amén

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 Nivel Avanzado
Tema 2. El líder de la música en las asambleas

I. Introducción

I.1. Importancia del Servicio del Líder

Nuestro servicio al dirigir la música en una asamblea es sustancial y muy importante.
A veces creemos que nuestro servicio como líderes de la música es secundario, un
poco como los toreros que antes de que entre el matador tienen que marear al toro. A
veces la gente cree que el líder de música solo tiene que callar a la gente al inicio de
la asamblea con un canto, y luego ir escogiendo cantos para rellenar… es decir,
marear al toro.
Pero no es así.
Como líderes de la música, tenemos la seria responsabilidad de ser instrumentos en
las manos de Dios para, en coordinación con el líder de la asamblea, ir dirigiendo a la
comunidad a la presencia de Dios. Yo he visto asambleas llenas de unción y muy
profundas, y otras muy desarticuladas y llenas de aridez, y la diferencia entre una y
otra fue la forma en que el líder de la música llevó los cantos de la asamblea, porque
la comunidad era exactamente la misma!.

II. Relación entre el líder de la asamblea y el líder de la música

II.1. El líder de música está sometido al líder de la asamblea

Hay DOS roles muy importantes en una asamblea: El Líder de la Asamblea y el Líder
de la Música. En ocasiones poco frecuentes, una sola persona desempeña ambas
funciones, pero en general son dos personas distintas. en cierto modo somos como
el segundo de a bordo del líder de la asamblea, y debemos actuar muy
coordinadamente con él.

El responsable de la oración y de lo que suceda durante una asamblea es el Líder de

la asamblea, por lo que, el líder de música está al servicio (es un instrumento) del líder
de la asamblea, y no al contrario.

Esto no quiere decir que como líderes de música debamos ser pasivos o que no
podamos tener iniciativa, porque el líder de la música no es una grabadora, sino que
tiene un rol activo: Escoge los cantos, sugiere los momentos en que deben entrar,

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conduce el canto inspirado de la comunidad, dirige a los músicos a la intención y
carácter musical de cada canto, etcétera…

Es un servicio espiritual, por lo que debe de estar impregnado de oración, suplicando

a Dios que nos haga ser instrumentos dóciles en sus manos para conducir a la
Asamblea en la música.

II.2. Estilos de liderazgo del líder de la asamblea

Cada líder de asamblea tiene un estilo diferente de dirigir, y el líder de la música

DEBE ADAPTARSE a este estilo. El líder de la asamblea puede dar mayor o menor
libertad al líder de la música dependiendo de:
1. Lo que quiera el líder de la asamblea lograr en ella.
2. El estilo particular del líder de la asamblea, su personalidad, etc.
3. La experiencia y madurez del líder de música.
4. Las ocasiones en que ambos hayan servido juntos previamente
Conforme crezcamos en dirigir la música, el líder de la asamblea podrá “descansar”
más en nosotros (pues ya tendremos cierta experiencia) a medida que va confiando
mas en nosotros.
Nunca debemos de rivalizar con el líder de la asamblea, debemos ser dóciles a su
dirección y adaptarnos a su estilo.

II.3. Cercanía con el líder de la Asamblea

Debe existir cercanía física y espiritual de ambos líderes. Es bueno cuando son
hermanos y se conocen de tiempo atrás, porque entonces trabajan más
coordinadamente. El líder de música debe procurar sentarse de ser posible, junto a
él (o cuando menos en un lugar en que se puedan ver y comunicar fácilmente).

Como líderes de música debemos estar atentos al líder de la asamblea en todo

momento, quizás quiera sugerir un canto o acortar un canto o que comencemos a
cantar en el Espíritu, quizá quiere que animemos un canto inspirado al terminar
cierto canto, etc.

Siempre es bueno reunirse antes con él, brevemente, y que nos diga en que va a
consistir la Asamblea, que cosas especiales va a haber, y en que línea él siente que
Dios va a dirigir la Asamblea. De ese modo, desde un principio los cantos pueden ir
orientados en la dirección que quiere el líder, habrá mas consistencia en el curso de
la asamblea. También, si va a haber una charla durante la asamblea, es bueno
saber cual va a ser el tema de la charla, para así dirigir los cantos a ese tema antes
y después de la charla.

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 De ser posible, conviene comentarle al líder de la asamblea cuales cantos tenemos
pensado tocar o bien, sugerirle alguno, dependiendo de lo que él espere de
nosotros.

III. La identidad del líder de música

III.1. Un servicio “levítico”
Ser líder de la música en una asamblea es una oportunidad de ayudar a que los
hermanos entren en la presencia de Dios. En este sentido, es muy semejante al
servicio de los levitas y cantores del Antiguo Testamento, y conlleva una gran
responsabilidad espiritual.

Como levitas cantores, tenemos la responsabilidad de saber en que tiempo litúrgico

estamos, que está hablando el Señor a la Iglesia, que está sucediendo en la Iglesia
local, incluso, que ha escrito recientemente el Papa y el Obispo Local.

Recuerdo una lectura que me impactó mucho, porque nos hace ver la importancia
de saber que estamos celebrando como Pueblo de Dios. En esta lectura, vemos
como los líderes Nehemías y Esdras DIRIGEN A LA ASAMBLEA a celebrar:

Del Libro de Nehemías 8, 1 a 12:

Todo el pueblo se congregó como un solo hombre en la plaza que está delante de la
puerta del Agua. Dijeron al escriba Esdras que trajera el libro de la Ley de Moisés
que Yahveh había prescrito a Israel. Trajo el sacerdote Esdras la Ley ante la
asamblea, integrada por hombres, mujeres y todos los que tenían uso de
razón.

Esdras abrió el libro a los ojos de todo el pueblo - pues estaba más alto que todo el
pueblo - y al abrirlo, el pueblo entero se puso en pie. Leyó Esdras una parte y los
oídos del pueblo estaban atentos al libro de la Ley. El escriba Esdras estaba de pie
sobre un estrado de madera levantado para esta ocasión;

Esdras bendijo a Yahveh, el Dios grande; y todo el pueblo, alzando las manos,
respondió: «¡Amén! ¡Amén!»; e inclinándose se postraron ante Yahveh, rostro en
tierra. Esdras leyó en el libro de la Ley aclarando e interpretando el sentido, para
que todos comprendieran la lectura.

Enseguida pasa algo muy especial, que nos da luz del papel de los líderes de la
música y de la asamblea: El pueblo LLORABA AL OIR LAS PALABRAS DE LA
LEY, porque estaban conmovidos y arrepentidos (el Libro de la Ley había estado
perdido muchos años durante la deportación) pero los líderes sabían de que ese día

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 es DIA DE FIESTA conforme a la LEY!!, y por lo tanto el pueblo no debería de llorar,
sino de alegrarse. Veamos que sucede entonces:

Entonces (Nehemías - el gobernador - y) Esdras, el sacerdote escriba (y los levitas

que explicaban al pueblo) dijeron a todo el pueblo: «Este día está consagrado a
Yahveh vuestro Dios; no estéis tristes ni lloréis»; pues todo el pueblo lloraba al oír
las palabras de la Ley.

Díjoles también: «Id y comed manjares grasos, bebed bebidas dulces y mandad su
ración a quien no tiene nada preparado. Porque este día está consagrado a nuestro
Señor. No estéis tristes: la alegría de Yahveh es vuestra fortaleza.

Y el pueblo entero se fue a comer y beber, a repartir raciones y hacer gran festejo,
porque habían comprendido las palabras que les habían enseñado.

Aquí vemos la importancia de conocer y ser como Esdras, que podía explicar la Ley
y podía impulsar a la Asamblea a celebrar la fiesta de ese día. Así debemos de ser
nosotros, verdaderos liturgistas conocedores de lo que la Iglesia vive y celebra, y
llevar a la Asamblea a ese contexto celebrativo.

Recuerdo que cuando Su Santidad Juan Pablo II El Grande declaró el Año

Eucarístico hace algunos meses, con la carta “Quédate con Nosotros”, yo había
compuesto un canto, justo un par de meses antes, que decía esas palabras, y lo
pude enseñar en la Asamblea el día propicio, justo para inaugurar el Año
Eucarístico. De ese modo, la comunidad pudo profundizar y hacer propio lo que el
Papa nos estaba animando a hacer. Eso fue muy significativo para la comunidad, y
es un ejemplo de la importancia de estar empapados de lo que Dios está diciendo a
la Iglesia por medio de nuestros pastores.

Si no estamos empapados de lo que vive la Iglesia difícilmente podemos servir con

eficacia ni ser instrumentos dóciles y útiles en la mano del Señor. Es como ser una
guitarra y dejarse tocar por el Señor: ¡ES NECESARIO ESTAR AFINADO Y TENER
PUESTAS TODAS LAS CUERDAS!!!

III.2. Un servicio exigente y significativo.

Debido a que es un servicio que nos requiere estar atentos, quizás nuestra propia
oración sea un poco más difícil, pero ¡Gloria a Dios! Estamos amando y sirviendo a
nuestros hermanos
¡
Por eso es necesario aprender a hacerlo bien, invirtiendo tiempo en ello.

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 III.3. Espiritualidad
Nadie puede dar lo que no tiene. Por eso, la manera en que el líder dirige la música
procede de su relación con el Señor y de lo que el Espíritu le inspira. Si tu relación
con Dios es pobre, entonces también dirigirás la música de una manera pobre. Si tu
relación con Dios es fuerte y profunda, esto hará que dirijas la música lleno de
unción espiritual y de profundidad.
Para mí en lo personal, dirigir la música es algo tremendo, un don muy especial. En
ocasiones Dios me regala cantos inspirados muy hermosos cuando estoy dirigiendo,
y eso me llena de gratitud con mi Señor. A veces doy palabra profética a la
Asamblea cantando, y a veces simplemente me quedo en silencio y en medio del
silencio Dios toca los corazones de una manera especial. Todo es gracia, no es que
yo sea más santo, más inteligente o mas capaz, simplemente Dios me quiere usar y
yo me dejo usar por él.

IV. Principios fundamentales.

IV.1. Dejarse guiar por Dios
Debemos aprender a dirigir la música de acuerdo a la inspiración del Espíritu Santo
y no de acuerdo a nuestras preferencias, o las preferencias de otros. A veces nos
gustaría tocar tal o cual canto, pero debemos ser dóciles a Dios y al líder de la
Asamblea, para ir tocando los cantos que conduzcan a la comunidad en la línea que
Dios quiere.

IV.2. No dirigir por rutina

Debemos evitar usar siempre el mismo patrón (número de cantos), o ser repetitivos
con los mismos cantos. Debemos aprender y buscar nuevos cantos que
enriquezcan a la Asamblea

IV.3. Actitud de disposición y ayuda

Al dirigir la música, debemos colaborar con lo que el Espíritu quiera hacer, teniendo
cuidado de no ser un obstáculo o una distracción para los hermanos. Debemos
pensar en el bien de la Asamblea, no en nuestro ego.
A veces pasa que queremos meter un canto “con calzador” y a la fuerza queremos
que haya tal o cual canto adicional, pero el tiempo de la asamblea es limitado. El
riesgo es a sentirnos frustrados porque hubo tales o cuales charlas o avisos y “no
me dejaron cantar tal o cual canto” Esta es una tentación muy común, a sentirnos
tensos y “desplazados” por otras prioridades de la Asamblea.

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 No debemos guardar rencor o enojo por estas cosas, acordémonos siempre de que
somos siervos inútiles, y solo hacemos lo que nos ordena nuestro amo, que es el
Señor.

IV.4. Oración
Es evidente que debemos ser hombres de oración para ser instrumentos útiles y
dóciles en las manos del Señor. Siempre antes de dirigir una asamblea debemos
pedir la bendición del Señor y reconocernos incapaces de dirigir por nosotros
mismos.

Terminemos esta charla con una oración:

Padre Celestial, en el nombre de Jesús, te pedimos que derrames sobre nosotros
los dones y carismas necesarios para ser buenos líderes de la música en nuestras
asambleas y comunidades, y en las celebraciones de tu Pueblo Santo que es la
Iglesia.
Utilizanos como instrumentos en tus manos, y no permitas que nos apartemos de ti
al servir a nuestros hermanos. Toca los corazones de todas las personas que nos
escuchen en la asamblea, toca los corazones de los miembros del ministerio de
música, y unge nuestras voces e instrumentos para que podamos ser utilizados por
ti.
Te pedimos que podamos dar el fruto que tú quieres de nosotros, NO MÁS y NO
MENOS, Señor, para Gloria de tu nombre y santificación de tu Pueblo

Amén.

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 Nivel Avanzado
Tema 3. Equipos de Sonorización:
Adquisición, mantenimiento y conservación
Por el Ing. Carlos Borrego Gzz.
Y Federico Carranza

Introducción:

Durante el curso intermedio tocamos varios puntos importantes que nos pueden ayudar
a tener una buena instalación de sonido, a resolver varios problemas de acústica y
poder reducir lo más posible los efectos del rebote del audio, pero una parte esencial
para poder tener los mejores resultados es utilizar un equipo de sonido que cubra
nuestras necesidades primordiales, que logremos que se escuche correctamente, que
sea fácil y sencilla la instalación, pero sobre todo, que sea fácil de operar.

He querido hacer esta charla con Carlos Borrego porque siempre que compramos
equipo vivimos la dinámica de esta charla: Carlos siempre quiere el mejor equipo y
funcional, y yo siempre quiero que sea “bueno, bonito y barato”, porque me toca
conseguir los fondos para adquirir el equipo.

Esto siempre genera una “dialéctica materialista” jejeje: Por un lado Carlos buscará la
óptima calidad, y las mejores marcas, lo mas avanzado en tecnología, porque hay que
“tocar la mejor música para el Señor” (¿te acuerdas Fede??) y por otro lado, yo me
siento a calcular “si podremos terminar de construir la torre” y no dejarla a medias,
como dice Jesús en el evangelio.

Son dos lados de la moneda que hay que conocer, por eso los presentamos aquí.

I. Antes de comprar.

a. Definir necesidades: (Carlos) Muchísimas veces me he topado con el

problema de que los coros o grupos compran equipos de sonidos que realmente
puede que cubran las necesidades que requieren de momento, pero después de
varios meses se encuentran con el problema de que el equipo de sonido ya no
es suficiente y tienen la necesidad de venderlo (muy barato) para tratar de
comprar algo más grande, y pierden dinero en esas transiciones, por ello se
debe de pensar muy detenidamente en las necesidades que se deben de cubrir
y buscar que el equipo que se va a adquirir para que no quede obsoleto al paso
de unos meses. Cuando Fede quiso comprar una mezcladora, la quería de “solo

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 12 canales” y yo le recomendé comprar la de 16, o incluso 24, porque sabía que
en el futuro se podría llegar a necesitar.

(Fede) Charly tiene razón. El aumento de precio por pasar de 12 canales a 16 es

relativamente poco. Una de las “muchísimas veces” que menciona Charly fue la
mezcladora de Jésed. Al final terminamos vendiendo la consola y comprando
otra, porque yo me aferré a comprar la de 12 canales y no le hice caso a Charly.
Sin embargo, es importante no irte al extremo de comprar algo tan chipocludo
que luego no tengas espacio donde ponerlo o no tengas dinero para comprar el
resto de cosas que necesitas. Por eso conviene hacer UNA LISTA DE LO QUE
NECESITAS COMPRAR, y priorizar las cosas que tienes que comprar,
consiguiendo presupuestos y buscando descuentos en las tiendas al comprar “en
paquete”.

En resumen, Haz una lista de lo que vas a comprar, con cantidades de cada cosa
y por orden de prioridad.

b. Consigue apoyo, define un presupuesto y un plan de compra: (Fede) Una

vez que tienes tu “carta a Santa Claus”, es decir, una lista de todo lo que quieres
comprar, enfócate al presupuesto y al plan de compra. Por ejemplo, puede ser
que tu “carta a Santa Claus” incluya monitores inalámbricos de oído, pero son
tan caros que van al final de la lista, porque los monitores convencionales
cuestan mucho menos y DEBEN ir mas arriba en la lista. Si son 20 personas en
el coro, y quieres 20 micrófonos, pero solo te alcanza para 10, comienza
comprando 10 micrófonos BUENOS, en vez de 20 micrófonos malos!! Busca
apoyo de tu comunidad, de tu parroquia, tu grupo de oración, etcétera, para
tener acceso a más dinero para tu presupuesto, y haz un esfuerzo por
TRANSMITIRLES la importancia de comprar equipo bueno, y de que eso es
también una forma de honrar a Dios, es como hermosear el templo del Señor. A
veces me da tristeza que en un templo haya copones, ornamentis, vestimentas
e imágenes muy ostensibles y costosas y que en cambio el equipo de sonido sea
de la peor calidad. Esto denota que no se reconoce el valor de la música y el
canto en el culto a Dios. ¡Dios habita en las alabanzas de sus fieles!!

c. No te apresures a comprar de impulso (Fede) Lo peor que puedes hacer es ir

a una tienda sin una lista de cosas que comprar y un presupuesto de lo que
puedes gastar. Antes de ir a comprar, entra a Internet y busca precios de los
equipos que necesitas en tu país. Presenta tu presupuesto y lista de cosas al
equipo directivo o a la persona a quien le reportas tu servicio Y TRATA DE QUE
TE DEN PRESUPUESTO SUFICIENTE PARA TODO. No trabajes “solo”.

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II. Que pongo en la lista de compras?

(Carlos) Antes de continuar debemos de analizar las necesidades básicas de

sonido que requiere un coro o grupo:

1. Todo ligero: Primero que nada deben de buscar la manera de conseguir que el
equipo de sonido sea lo más compacto y modular posible, pero también con la
potencia suficiente para sus necesidades, esto se los comento ya que en
muchas ocasiones, o casi siempre se da el detalle de que no hay gente que
puede ayudar a cargar e instalar el sonido y toda esa carga reposa en una
persona o si a veces se tiene suerte en dos personas. En varias ocasiones me
preguntan qué es lo que puedo recomendar como la mejor opción en equipo de
sonido y yo les contesto siempre que es “lo que Jésed tiene”, ya que esta
configuración de equipo de sonido siempre ha podido cubrir todas las
necesidades del ministerio en todas sus actividades, pero además el sistema de
sonido siempre está configurado para que conforme van surgiendo necesidades
se han podido expandir sin tener que cambiar equipo, es decir, si tenemos una
actividad demasiado pequeña , donde la necesidad es solo conectar una guitarra
y un micrófono pues solo se lleva la guitarra, el pedestal, el micrófono y una sola
bocina auto amplificada con su pedestal, pero si la necesidad es de un concierto
en un auditorio o al aire libre, pues se llevan los monitores, todas las bocinas, la
mezcladora, etc. etc. Inclusive se puede separar el equipo en dos partes para
actividades simultáneas.

2. Mezcladora: El alma de todo el equipo de sonido es la mezcladora, esta

recomiendo preferentemente que venga con ecualizador y procesador de efectos
integrado y con la cantidad de canales necesarios, buscando siempre que
tengamos canales de sobra pensando en un futuro. (Fede) Recuerdo que hace
años compramos un ecualizador separado, porque la mezcladora no tenía, y
siempre era un problema mas el conectarlo y moverlo. Al final se nos perdió y ya
no volvimos a comprar otro, si puedes conseguir la mezcladora con ecualizador
es mucho mejor. Yo les recomiendo una mezcladora tipo Mackie CFX20 (de 20
canales, también hay CFX de 6, 12, 16, 24 canales etc.…) con ecualizador y
procesador de efectos integrados. Viene sin amplificador, pues las bocinas son
auto amplificadas, y de esta manera tenemos una mesa de control con todo
incluido y de fácil instalación y operación.

3. Bocinas (P.A.) (Carlos) Evita comprar bocinas para bajos (subwoofers), ya que
en iglesias, auditorios, gimnasios y lugares con acústica deficiente te va a afectar
muchísimo en vez de ayudarte, y si algún día los llegas a necesitar, pues puedes
rentarlos, ya que no los utilizarás siempre, lo que yo puedo recomendar es
adquirir bocinas con agudos y bocinas de 15” (ideales para toda tu mezcla,
voces, instrumentos, etc.), cómpralas con sus respectivos stands, para que

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 puedan estar en alto y la gente escuche bien. Para este caso personalmente
recomiendo que las bocinas sean auto amplificadas. En caso de tener bocinas
sin amplificador integrado debes de revisar con gente capacitada el tipo de
amplificador o amplificadores que necesitan y la cantidad de bocinas que se
pueden conectar como máximo, esto es mucho muy importante porque me ha
tocado ver que a un solo amplificador les conectan hasta 6 bocinas y a la hora de
estarlo operando siempre está el pobre amplificador saturado de potencia y
trabajando en formas extremas y en consecuencia se dañan las bocinas o el
amplificador. (Fede) Otras veces a un solo par de bocinas le ponen un
amplificador con demasiada potencia y truenan las bocinas. Por eso, para
nosotros lo mejor es que la bocina sea auto amplificada, así no hay riesgo de
que se truene, y cada bocina es en si misma un pequeño equipo de sonido
portátil. (Carlos) Recomendamos bocinas auto amplificadas para tener la calidad
que se desea, y porque si el lugar es pequeño solo ocupamos un par de bocinas,
pero si el lugar es grande usamos 6 o hasta 8 bocinas conectadas en cadena (ya
vienen preparadas para eso). Cada una se puede regular en el volumen
requerido y pueden estas juntas o separadas y distribuidas a lo largo o ancho del
lugar y si es necesario de cubrir lugares mucho mayores se pueden conectar la
cantidad necesaria de bocinas sin estar preocupado de que la amplificación de la
misma sea la adecuada, ya que la bocina viene con su amplificación exacta.
Recuerda que las bocinas siempre estén en alto colocadas en stands para
bocinas y dirigidas en forma estratégica para que pueda cubrir lo más posible de
área.

4. (Carlos) Monitores de piso para el coro (indispensable): estos deben de ser

los suficientes para que cada miembro pueda escuchar de igual volumen que los
demás integrantes. En algunas ocasiones me han comentado…”oye, tienen más
monitores que bocinas para la gente”.. y en algunas presentaciones de Jésed así
sucede, ya que pongo 4 bocinas para la gente y 5 monitores para el ministerio, y
eso aparentemente no tiene coherencia, pero el motivo por el que pongo muchos
monitores es para que cada miembro del ministerio se escuche y sepa lo que
está pasando, porque te puede suceder que uno escuche perfectamente o
inclusive muy fuerte y el otro no escuche casi nada y, en consecuencia, se
desafine o se pierda en el ritmo. No tienes que gastar un dineral en monitores,
puedes comprar poco a poco para que el gasto inicial no sea tan fuerte, inclusive
no se necesitan monitores enormes, con monitores que tengas bocinas de 12” es
más que suficiente….. recuerda, si el ministerio se escucha bien, cantará mejor y
más relajado, y en consecuencia, más espiritualmente, no tendrá
preocupaciones de que no se escuche, será un verdadero respiro y descanso
para el ministerio. (Fede) Los grupos con mucho dinero pueden comprar
monitores “de chicharo” es decir, inalámbricos que van al oído. Yo intenté hacer
unos “monitores inalámbricos” comprando pequeños radios portátiles y un
pequeño emisor de radio, pero la calidad no resultó buena.

Página 18
5. (Carlos) Micrófonos suficientes: Uno para cada voz participante
preferentemente. En esta área siempre les recomiendo que hagan todo lo
posible por comprar micrófonos de buena calidad, ya que de eso depende de un
buen proceso de señal en cada voz, y un tip que te puedo sugerir es que cuando
los compres veas si tiene switch para apara y encender el micrófono,
comúnmente los micrófonos que tienen el switch son los más económicos, los
que no tienen switch son los mejores, y no me pregunten porqué pero así es,
trata de elegir los últimos, otro dato que te puede servir es que los pruebes y los
talles con la mano, los buenos micrófonos tienen su cápsula más aislada contra
el ruido de la mano, los de mala calidad se escucha muy fuerte el ruido que
puede hacer con la mano. (Fede) Los micrófonos tipo SM 58 de Shure son de
buena calidad, pero hay muchas otras marcas en ese nivel de calidad y precio.
Lo importante es no comprar micrófonos “marca patito”, porque a los 3 o 4
meses vas a tener que comprar otra vez. Lo barato sale caro. (Carlos) ¿Por qué
es tan importante la selección de micrófonos? Porque dependiendo de la calidad
del micrófono es cómo se va a escuchar afuera y en monitores: un micrófono de
baja calidad provocará que tu voz se escuche opaca, sin potencia y sin vida, a
diferencia de un micrófono de buena calidad, logrará que tu voz se escuche con
brillo, con cuerpo, con claridad y con potencia. Otra causa es el feedback, el
famoso vicio, que consiste en la retroalimentación del audio que provoca los
zumbidos o pillidos en el sonido de manera por demás desagradable, un
micrófono de baja calidad provocará muchos problemas de estos sin lograr
obtener un buen sonido en las voces, en cambio, un micrófono de buena calidad
logrará tener un muy buen sonido en la voz antes de que se llegue el micrófono a
viciar.

6. Pastillas de las guitarras (Carlos) Les aconsejo que las guitarras

preferentemente cuenten con entrada de línea para poderla conectar a la
mezcladora, ya que esto es de gran ayuda a la sonorización de la guitarra; por lo
regular las guitarras son microfoneadas y la mayoría de las veces o se escucha
mal o no se escucha nada (si no se cuenta con una pastilla es recomendable
conseguir una pastilla de las que se pueden instalar a las guitarras y con la que
se pueda lograr esto, ya que será de gran ayuda para el coro).

7. Micros para batería o Batería eléctrica: Si el coro o grupo requiere de batería,

esta debe de tener un tratamiento especial para ahogar el sonido, ya que este
instrumento por lo general llega a causar muchísimos problemas, como el que no
se entienda lo que el coro está cantando, o el que el coro no puede escucharse
por medio de los monitores por causa del volumen del instrumento. Lo que les
puedo recomendar es utilizar baterías eléctricas; actualmente hay gran variedad
de precios y marcas, por lo que será de gran ayuda, además de que contarán
con la particularidad de que la batería eléctrica se puede convertir en un set muy

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 completo de percusiones. (Fede) Una de nuestras mejores compras fue la
batería eléctrica. Al principio Wicho (nuestro baterista) se rehusaba a tocar con
“Robodrum” como le decía por ser un “robot – tambor”, pero al final se
acostumbró a tocarla. Tiene grandes ventajas, excepto para el baterista: No
pesa, se instala y desinstala en un santiamén, suena bien a la primera, no hay
que ecualizar los micrófonos de los tambores, no requiere micrófonos para los
tambores, le puedes regular el volumen jejeje… y no ocupa tanto espacio. El
único que se queja es el baterista, que siempre preferiría la “batería real”, pero le
puedes decir: ¿A poco vamos a cargar un piano real para el tecladista??
Obviamente, en los eventos más chipocludos hay que conseguir la batería real
con su set de micrófonos y dedicarle su tiempo (1 hora) a microfonearla y
ecualizarla.

8. Amplificador del Bajo: (Carlos) Si tienen también un bajo eléctrico es

altamente recomendable que el bajista cuente con su propio amplificador, ya
que… ¿de qué manera se podrá escuchar? ¿por los monitores? Por monitores
es muy inconveniente, ya que, además de utilizar la mayor parte de los recursos
de los monitores, será un poco o muy molesto para los demás que necesitan
escucharse así mismo el escuchar el bajo, en cambio, si el bajista tiene su
amplificador (no tiene que ser grande) y lo pone en un tripié de tijera o una mesa
alta, pues escuchará perfectamente lo que está tocando y no aturdirá a los
demás, este debe ser portátil y de la capacidad de potencia acorde a sus
necesidades, por otro lado le es muy conveniente al bajista para sus ensayos
con el coro o sus ensayos personales. Cuando llegué con Jésed y empecé a
sonorizarlos ellos contaban con amplificador enorme, con una bocina de 15” y de
150 watts de potencia, inclusive traía rueditas, era un Peavey Combo 115, ya se
han de imaginar el uso que se le daba…. Nunca lo llevaban a las
presentaciones! Entonces tomé la decisión junto con Fede de venderlo y con lo
que lo vendimos más una cantidad extra se compró un amplificador Gallien
Krueger MB 150E-III/112, que es de la misma potencia que el anterior
amplificador, “pero” muchísimo más pequeño, con salida para bocinas grandes
de gabinete, con chorus, ecualizador excelente, para bajos pasivos o activos,
con salida a la mezcladora en plug o en canon, en estéreo o en salida
monoaural, y muchas cosas mas. (¿ven lo que les digo?)

9. (Fede) “Lo demás”: Lo demás es muy importante, y no debes de olvidar incluirlo

en el presupuesto!!!

a. Pedestales: Compra uno para cada micrófono.

b. Stands: para los cantorales
c. Pinzas de repuesto para los pedestales: Como suelen romperse las
piezas donde se sostiene el micrófono, compra 2 o 3 de repuesto.

Página 20
 d. Cables: Compra los que sean de uso rudo, de varias longitudes, compra
un cable tipo canon para cada micrófono, cables para las bocinas, cables
para los monitores, etc.… Márcalos, ponles cuanto miden, y numéralos.
e. Snake (muchos cables juntos): Es un lujo, también lo puedes fabricar
uniendo los cables con cinta de aislar o con tiras de velkro.
f. Cables eléctricos: Compra de los colores naranja de uso rudo, y una
rueda o algo para enrollarlos fácilmente.
g. Audífonos para el ingeniero de audio.
h. Cajas: Para que el equipo se conserve bien, necesitas comprar cajas
rígidas, especialmente para
i. La mezcladora.
ii. Los micrófonos
iii. Los pedestales y stands
iv. Los cables eléctricos
v. Los cables de sonido
vi. El teclado, el bajo, las guitarras, etc.…

Recuerda bien: Si no compras cajas rígidas, tu inversión se pierde, porque el

equipo se maltrata en el traslado, se golpea, se pierde, de modo que compra
cajas de buena calidad aunque cuesten, especialmente la caja de la mezcladora.

10. (Carlos): Otros Consejos:

a. Cuídense de las imitaciones: Hace 15 años la cantidad de marcas y

modelos en los equipos de sonido era muy poca, relativamente había solo
5 marcas buenas, ahora en la actualidad hay muchísimas marcas en el
mercado, en las que abundan las malas y las peores, marcas inclusive
piratas, que se ponen nombres muy parecidos a los reconocidos o
inclusive equipos que dicen ser originales pero no lo son. En este aspecto
les recomiendo muy enfáticamente que no se dejen llevar por este tipo de
productos, que lo único que lograrán es gastar sus ahorros y esfuerzos
por juntarlo en un equipo que solo les dará frustración y dolor de cabeza.
Hay un dicho muy cierto…. “lo barato sale caro” y créanme, cuando se los
reitero yo es porque lo he visto cientos de veces: gente que tiene equipos
que han comprado con la idea que se ahorraron una cantidad significativa
y creen tener un equipo muy bueno cuando la triste verdad es que no lo
es, el equipo se avería en pocos meses.

b. No compres lo que no necesitas: Esto se los digo con la experiencia que

me dio trabajar en una importante tienda de música en Monterrey durante
varios años donde me llegaban clientes con la historia de la tienda que les
vendió algo que no servía o inclusive que no necesitaban.

Página 21
 c. Busca asesorarte con un buen ingeniero: Asesórense con gente
capacitada para conocer sus necesidades primordiales y luego sus
necesidades secundarias,

d. No necesitas comprar todo de golpe: necesitan saber cuánto es el

presupuesto con el que cuentan para saber en qué forma administrar ese
presupuesto y así ver lo que se puede comprar e inclusive ver lo que
puede esperar y comprar “en fases” pero siempre teniendo en cuenta el
resultado final al que quieres llegar.

III. Cuidado y conservación

(Carlos) Ya que has comprado el equipo de sonido, es muy importante conservarlo

para que te dure muchos años. Aquí te daremos algunos consejos para que el equipo
se cuide y conserve debidamente, porque NO SE CUIDA SOLO!!!

Los principales orígenes de la pérdida de valor del equipo son: (1) El desgaste natural,
(2) la mala operación, (3) el mal manejo, (4) polvo, humedad y suciedad, (5) derrame de
líquidos y otros accidentes, (6) el robo y (7) las pérdidas por descuido.

1. Desgaste Natural: Hay que aceptar que ciertos equipos (por ejemplo los cables)
se deterioran con el uso normal mas rápido que otros equipos. La solución para
el desgaste natural es la renovación y a veces mantenimiento correctivo. A veces
es mejor y mas barato comprar un equipo nuevo que tratar de reparar uno viejo,
(por ejemplo las bujías de los coches) de modo que aquí ponemos una tabla de
duración “razonable” para cada cosa:

a. Mezcladora, ecualizador, etc.… De 7 a 15 años

b. Bocinas, amplificadores y monitores De 5 a 10 años
c. Micrófonos De 5 a 10 años
d. Cables de instrumentos, de micrófonos De 2 a 5 años
e. Cables de corriente y multicontactos De 2 a 5 años
f. Pedestales de micrófono y de bocinas De 2 a 5 años
g. Estuches para equipo De 4 a 15 años *
h. Parches para batería acústica De 6 meses a 1 año *

* La duración depende mucho del manejo y mantenimiento del mismo.

Estuches para el equipo: Es de especial importancia que busquen en todo momento

la posibilidad de adquirir estuches para el equipo en general, ya que esto incrementa en

Página 22
forma considerable la vida del equipo, como ejemplo, si compran un estuche para
teclado grande y consiguen adquirir los pedestales de micrófonos de tripies pues
podrán usar el estuche para guardar los pedestales y transportarlos en forma práctica y
agregan el hecho de que en todo momento irá protegido, lo mismo para la mezcladora,
guitarras, etc.

2. La mala operación/conexión: ¿No les ha pasado, o no les ha tocado ver a

alguien que compra un celular nuevo y lo primero que hacen es empezarle a
picar todos los botones en vez de sentarse primero a leer el manual de usuario?
Por favor, no lo caigan en este error tan común, cuando adquieran el equipo de
sonido pidan a su vendedor que les explique la forma de operación básica de lo
que están comprando, y cuando compren el equipo les recomiendo altamente
que “lean y guarden los instructivos” de verdad es básico eso, ya que, aunque no
lo crean, los manuales pueden ser los mejores maestros para enseñarnos, y de
esa manera aprovechar al máximo el equipo adquirido. Hay varios consejos que
les quisiera dar al respecto:
Cuando instalen el equipo de sonido revisen la conexión eléctrica donde
van a conectar el sonido, esta conexión debe de tener el voltaje necesario y el
amperaje suficiente para el equipo…… y algunos dirán…¿Qué dijo? Bien, el
voltaje que comúnmente debe de tener cualquier equipo de sonido es de 110 a
125 volts y el amperaje que requiere un equipo relativamente compacto es de 20
amperes y es suficiente, (el amperaje se muestra en las pastillas de corriente,
hay desde 5 hasta 30 amperes en promedio). También es muy recomendable
distribuir la corriente con extensiones de buena calidad, recuerden que toda la
inversión está conectada a ese cable, no escatimen en comprar extensiones de
uso rudo, es decir, como las extensiones naranjas son excelentes para este
trabajo y también deben de utilizar multi contactos para tener una distribución de
corriente correcta y a la vez proteger el equipo de algún corto o alto voltaje.
Otro consejo útil es no exigirle al equipo de sonido más volumen del que
puede proporcionar, ya que al sobrecalentar el equipo, provocará que las
bobinas de las bocinas se empiecen a calentar de tal manera que se empiecen a
tostar o inclusive a reventar, de igual manera el amplificador podrá entrar
fácilmente en corto interno por la sobre saturación de potencia provocada por el
exceso volumen demandado.
Cuando el equipo esté encendido y quieran desconectar ya sea un
micrófono o un instrumento verifiquen que el volumen de lo que van a
desconectar esté bajado tanto en las bocinas como en los monitores, ya que al
desconectarlos pueden dañar las bocinas o el amplificador.
En algunas ocasiones puede presentarse un zumbido de tierra en las
bocinas, esto puede ser provocado por una mala conexión del audio, e inclusive
puede provocar que el equipo les de toques, para esto es recomendable buscar
la manera de aterrizar la tierra, esto es a veces muy fácil, simplemente vean en

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 los equipos que cuentan con polaridad de tierra y los cambien de polaridad
(GND-LIFT), otra forma es ver la manera en cómo está conectado los aparatos, y
a veces la solución es cambiarlos de posición el enchufe.

3. Mal manejo: El manejo, transportación, carga y descarga del equipo es

fundamental para la buena funcionalidad y durabilidad del equipo, por ello es
importante que cuando transporten el equipo busquen la manera de que no se
golpee entre ellos, traten de que no esté brincando de un lado a otro cada vez
que dan una vuelta o frenan (se que les ha pasado).
Como ya les he mencionado, busquen en todo momento tener el equipo
en estuches o fundas, de esa manera estará mucho más protegido contra los
malos tratos y la transportación del mismo.
Al terminar la actividad que tengan, procuren no maltratar el equipo, ya
que lo que uno quiere es irse lo más pronto posible y eso provoca que
lastimemos en forma muy significativa el equipo, no lo hagan.

4. Polvo, humedad y suciedad: Cuando almacenen el equipo procuren ponerlo en

un lugar donde no esté expuesto a la intemperie, en un lugar húmedo o con
mucho polvo, procuren estibarlo de tal manera que no corra el riesgo de caerse o
que se lastimen botones, etc. Así mismo procuren limpiarlo regularmente, una
brocha para pintar, una franela, un bote de aire comprimido son excelentes
herramientas para limpiarlo, nunca usen solventes para la limpieza, ni aceite
para muebles “ni shampoo”………. Es broma, solo quiero ver si siguen leyendo
con la misma atención que al principio.

5. Derrame de líquidos y otros accidentes: Muy comúnmente usamos bocinas,

mezcladora, amplificadores o estuches como mesas para poner nuestras aguas,
refrescos, cafés, etc.… no lo hagan! Si cae líquido dentro de un equipo que está
generando señal o potencia es muy seguro que lo descompongan….tomen sus
precauciones por favor.
Cuando esté lloviendo en donde se estén presentando tengan extremo
cuidado! No se arriesguen si no es necesario, se los digo por experiencia propia,
he tenido varios incidentes en eventos en vivo pero especialmente en una
ocasión, donde estuve sonorizando un evento masivo con más de 10,000
personas bajo la lluvia viendo la presentación de un reconocido artista en la
explanada de los Héroes en la Macroplaza de Monterrey, la mezcladora se
empapó literalmente y tuve que seguir sonorizando con la mezcladora al revés
para que se escurriera mientras me estaba dando unos toques eléctricos
horribles, pero como la gente no se iba ni el artista paraba, pues yo tenía que
seguir. (por cierto, la mezcladora era la Mackie 32·8 Bus), en el caso de ustedes
busquen la manera de proteger todo el equipo del agua, recuerden que el agua
es el mejor conductor de la corriente y puede provocar cortos demasiado
rápidos.

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 Es también recomendable por otro lado el ver cómo se instala el equipo,
deben de buscar lugares seguros para la instalación; no pongan bocinas en
lugares donde la gente se pueda caer o tumbarlas o cables sueltos donde vean
que habrá flujo de gente, sean prevenidos y eviten riesgos.

6. Robo: En éste punto deben de ser fríos y ser objetivos…no toda la gente es
honesta y puede darse el caso de que les quieran robar algo de su equipo o
inclusive se puede dar el caso de que si compartes, por eso deben de tener un
esquema de protección:
Marquen su equipo con cintas, bordados, plumones indelebles, de esa
manera podrán identificar el equipo fácilmente de otros ajenos.
Al desinstalar el equipo recojan inmediatamente los micrófonos, ya que
estos son los más vulnerables, sigan con los instrumentos, pedestales, atriles,
cables, etc.

7. Pérdidas por descuido: Al recoger el equipo revisen minuciosamente que no se

les quede nada olvidado, ya que es muy común que se nos pueda quedar algo
sin que nos demos cuenta, hagan un recuento del equipo general y vean si no
les falta nada; recuerden que cada cosa que se nos pierda merma los bolsillos
de ustedes.

IV. Mantenimiento preventivo y correctivo

1. Mantenimiento preventivo: Limpieza

La limpieza en el equipo es esencial para la buena operación, durabilidad y buena

calidad en tu equipo de sonido; me imagino que en algunas ocasiones les ha
sucedido que en algunos equipos le suben o bajan al volumen y se escucha el
tronido o ruido, esos problemas se van originando por la falta de limpieza.
Ahora bien, en qué consiste esto, pues simplemente en no dejar que el equipo se
empiece a empolvar, en cuando el equipo esté expuesto a lugares donde se
ensucia, por ejemplo, la mezcladora es la que comúnmente se nota más el polvo y
el acumulamiento de mugre de cada vez que la usamos…. ¿lo han visto? Los
ventiladores de los amplificadores llenos de una capa abundante de polvo, las
bocinas con las telas que de ser negras se convierten en color grises, cables que
eran negros y ahora son grises, etc.
Para este tipo de limpieza preventivo les recomiendo que programen la limpieza del
equipo en forma dedicada y completa, es decir, si vas a limpiar la mezcladora pues
organízate con recipientes suficientes y quítale todos los botones, pero, antes de
hacer eso, asegúrate de memorizar o anotar la forma en que están los botones,
como por ejemplo, las posiciones, los colores de cada parte, etc., limpia cada botón

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en forma independiente, usa después una brocha mediana (como las que se utilizan
para pintar casas, muebles, etc), y con esa trata de limpiar todas las partes donde
comúnmente no puede entrar un trapo, luego que hayas limpiado lo mejor posible la
mezcladora, utiliza un trapo húmedo (importante, el trapo no debe estar mojado,
solo ligeramente húmedo, para ello exprímelo lo mejor posible y no uses ningún tipo
de líquidos de limpieza, solo agua para enjuagarlo y volverlo a exprimir lo mejor
posible para seguir con la limpieza) y limpia todas las partes de los aparatos, cuando
termines, asegúrate de colocar los botones en la correcta posición, ya que algunos
botones al ponerlos pueden indicarte que tienen un nivel incorrecto debido a una
mala colocación.
Es importante recordarte que no debes de usar productos de limpieza que no sean
fabricados para ese propósito, por eso te recomiendo que lo hagas solo con agua.
Al hacer la limpieza también es importantísimo recalcarte de que tengan mucho
cuidado de no mojar partes donde el agua se pueda introducir en los aparatos y que
luego los dañen.
Con los cables es lo mismo, solo usa un trapo humedecido ligeramente con agua,
las bocinas puedes limpiarlas primero con un cepillo, si las bocinas están muy
sucias de polvo, puedes primero quitarles todo el exceso de tierra o polvo con el
cepillo seco, y luego puedes sumergirlo en agua y sacudirlo para quitarle el exceso
del agua, luego, hacer la misma operación.

2. Mantenimiento correctivo: Reparación

Cuando el equipo falla y no hay manera de que uno lo pueda reparar es muy
importante que busquen a gente calificada que tenga experiencia en el equipo que
les están llevando, algo que les puede ser muy útil es el Internet, por ejemplo, si
tienen problemas con una bocina JBL, puedes entrar a la página
http://www.jblpro.com/pages/contacts/intdist1.htm y ahí buscar los lugares con
servicio autorizado… recuerda de nuevo… “lo barato sale caro” (esta palabrita la
van a soñar), ahora bien, si conoces algún lugar de confianza donde te lo puedan
reparar te quiero dar varios consejos:
1. Pide que te den una orden de servicio (aunque no cuenten con ellas) donde se
anote la marca del aparto, el modelo, el número de serie (en caso de tenerlo) y la
falla por la cual lo estás dejando.
2. Pide que te pongan el nombre y la firma de la persona a la que le entregas el
equipo y pide hacerle una revisión visual de los detalles que pueda tener el
equipo, como raspones, falta de botones, etc., ya que en muchos lugares son
maltratados los equipos inconscientemente.
3. Al entregarte el equipo exige que sea probado delante de ti, no te lo lleves sin
probarlo.
4. Exige garantía por el servicio y que te especifiquen la duración y qué es lo que
ampara la garantía, ésta debe de llevar el sello del lugar o cuando menos la firma
de la persona que lo reparó.

Página 26
V. Para terminar

La única intención de este curso es lograr guiarles para poder llevar el sonido del
Señor en forma profesional, en forma entregada y dedicada.

Si te surgen dudas o tienes algún tema del que tengas la necesidad de que sea
discutido en ésta área de “Curso para músicos” podrán encontrar mis contactos en
www.charlieborrego.com y con gusto lo tomaré en cuenta y lo evaluaré para contestarlo
en forma de tema o en forma personal.

Dios te bendiga.
Ing. Carlos Borrego

Página 27
 Nivel Avanzado
Tema 4. Composición Avanzada

I. Repaso

En el nivel básico vimos la charla de fundamentos de composición, que conviene

repasar ahora, como frases a recordar rápidamente:

¿Porque componemos cantos nuevos? Salmo 98, 1 dice: Cantad a Yahveh un

canto nuevo, porque ha hecho maravillas; El canto nuevo tiene un sentido de
espontaneidad y de frescura que toca nuestro corazón de manera especial.
o Salmo 96, 1 -4:
“Cantad a Yahveh un canto nuevo,
cantad a Yahveh, toda la tierra,
cantad a Yahveh, su nombre bendecid!
…
¡Aclamad a Yahveh, toda la tierra,
estallad, gritad de gozo y salmodiad!

Los cantos nuevos nos impulsan a esta exaltación, A GRITAR DE GOZO!

Para que un canto nuevo cause en nuestro corazón el impulso de alabar a Dios,
debe tocarse con rectitud, destreza y en oración, Salmo 33, 1 a 3:
Gritad de júbilo, justos, por Yahveh!,
de los rectos es propia la alabanza;
¡dad gracias a Yahveh con la cítara,
salmodiad para él al arpa de diez cuerdas;
cantadle un cantar nuevo,
tocad la mejor música en la aclamación!

Un verdadero canto espiritual es fruto de un encuentro con Dios, fruto de la

oración y del deseo de expresarle a Dios nuestro amor: Salmo 144, 9: “Oh Dios,
quiero cantarte un canto nuevo, salmodiar para ti al arpa de diez cuerdas”
Así pues, el componer un canto nuevo no es un fin en si mismo, sino un medio
para acercarnos a Dios.
El canto no surge como un ejercicio racional de composición, sino fruto de
nuestros momentos de oración y reflexión. El primer paso para la composición
de un canto nuevo es necesariamente la oración y la intimidad con Dios.

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Salmo 40, 4 “Puso en mi boca un canto nuevo, una alabanza a nuestro Dios;
muchos verán y temerán, y en Yahveh tendrán confianza”.

Este “primer paso” (oración e intimidad con Dios) debe acompañarse del
estudio de técnica musical, formación doctrinal y conocimiento de las fuentes de
composición.

Tenemos 3 fuentes de composición principales:

1. Los Salmos e himnos de la Biblia,

2. Los himnos y poemas de la liturgia, de la tradición de la Iglesia y de los
escritos santos, y
3. Las palabras que nacen de nuestra propia inspiración personal.

Entre mas conozcamos y escudriñemos las escrituras, los salmos, los libros
litúrgicos y los escritos y poemas de los santos, mas nos impregnamos del
espíritu de oración y gratitud de la Iglesia, y enriquecemos nuestras fuentes, lo
cual hace más hermosa nuestra composición.

Debemos privilegiar las fuentes probadas (las 1 y 2 de arriba) y si hacemos un

canto de nuestra propia inspiración, debemos someter el texto a una revisión
cuidadosa, haciendo ajustes de ser necesario.

Leer y orar con la Biblia, la liturgia de las horas y leer los escritos de los santos,
para enriquecer nuestra visión de lo que vamos a componer.

Usemos la Palabra de Dios, que tiene poder, y “es como espada de dos filos”;
este poder espiritual toca y mueve los corazones.

Tanto en una composición sistemática y metódica como también en el canto

inspirado, el Señor inspira la música dentro del marco cultural de la persona, y
pone en la música el lenguaje cultural de la comunidad que usará el canto para
acercarse a Dios.

Es normal que nuestras composiciones tengan el sello y el sabor de nuestro

ambiente cultural, es decir, que estén inculturadas.

En la medida en que conocemos más variedad de música, mas fuentes

musicales de composición tendremos a nuestro alcance.

Página 29
II. Importancia de componer con excelencia y amor a Dios
Pasemos ahora a la materia de esta charla, que se llama de “Composición
Avanzada” porque se orienta a que mejoremos nuestras composiciones para Gloria
de Dios.

La importancia de componer con excelencia y amor a Dios se origina de la visión

espiritual de nuestro ministerio: Vamos a cantarle eternamente a Dios, y por ello hay
que buscar hacerlo cada vez mejor.

Anécdota: Creo que ya les conté la anécdota de una noche de velada en mi casa
con mis amigos Mike Keating (sacerdote) y Nora Nelly (compositora). Si ya la conté
antes, perdónenme que sea repetitivo. Nos quedamos hasta las 3 de la mañana
leyendo poemas de Pablo Neruda y Shakespeare, muchas de las cuales exaltaban
la poesía como un medio para poder describir la belleza de una mujer, o de las
cosas…

Nos fuimos a dormir y yo soñé que seguíamos con el canto y la poesía (vaya
bohemio!) y recuerdo que en mi sueño yo cantaba una canción…
Al despertar la tenía íntegramente en la memoria, música y letra, y estoy
convencido que “me la dictaron desde el cielo”…

Dice así:
Quien le cantó a la hermosura mas grande que haya en el mundo
Le cantó a fealdad impura, ante tu hermosura, Oh Dios.

Y mas adelante dice:

Se arriesga el cantor poeta, en su pregonar tan bello

A superar aun a aquello a lo que quiso cantar,

Pero yo nunca haré tal proeza, por mas que adquiera destreza,
Pues le canto al Dios eterno, que nunca terminará.

¿Acaso puede haber voces, palabras, notas o frases

Que contengan tu grandeza, tu amor, ternura o belleza, oh Señor?

Cantaré, Cantaré, y no acabará mi canto

Será eterno ante el Dios Santo,
Mas hermoso cada vez

El poeta callará de cantarle a lo terreno

Pero al mismo Dios del cielo,
yo de eterno cantaré.

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Eso es lo que debe impulsarnos a cantar y componer cada vez mejor para Dios,
porque nuestro canto debe ser más y más hermoso cada vez, y por más hermoso
que llegue a ser, nunca podrá asemejarse a la hermosura de Dios.

Debemos pues corregir nuestros vicios de composición, elevar el nivel de calidad de

nuestras composiciones, aspirar a la excelencia, no por la excelencia misma o por
un afán de perfección, sino porque nuestro canto es ofrenda a Dios, y a Dios se le
ofrecen “los mejores frutos de nuestras cosechas”, las primicias de nuestra
creatividad, lo mas valioso que tenemos.

III. Vicios que debemos evitar en nuestra composición

Algunos vicios de composición que debemos evitar ya los hemos considerado antes,
en la charla del nivel intermedio “Elementos y fuentes de composición”. Allí
mencionamos la rima, la cadencia, respetar el tiempo, no hacer cambios de sujeto, y
también evitar errores teológicos o dogmáticos en las letras.

Veamos otros vicios que debemos evitar:

Perder la consistencia de tema: El contenido y finalidad del canto debe ser

definido y dirigido, sin divagar o saltar de tema. Como ejemplo de esto imagínense
una letra que dijera así:

Vocacióóóóón, Cantoooo, Aleluyaaaa.

Me levanto de mañana y te alabo y salto
Pero Camino triste por el mundo Y me pregunto,
¿Por qué los niños de las calles no tienen hogar?

Sale el sol de entre las nubes lejanas…

Y tú Jesús nos escogiste como pueblo,
Y tú María nos das esta vocación de vida,
Y hoy que celebramos esta misa
Te pedimos por los que no tienen fe.

Hay tantos saltos de tema como líneas en la canción lo que es un error exagerado,
deliberado y evidente. En algunas canciones este error no es tan evidente, pero hay
que estar vigilantes de tener CONSISTENCIA TEMATICA.

Lugares comunes: El hacer cantos con “lugares comunes” significa recurrir a unas
cuantas frases muy trilladas o repetitivas en la letra: “las aves cantan, el sol se pone,
la luz alumbra, la luna sale, el río corre etcétera. Imagínense una letra que dice así:

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Que bonito día, hermoso día!
Los pajaritos cantan, y sale el sol,
Y yo te amo, te amo tanto,
Soy tan feliz, feliz, feliz….

Me recuerda esos boleros románticos, que son siempre en el mismo círculo de

acordes, y que tienen letras bastante trilladas:

Iremos por el campo, tú y yo

Iremos bajo el cielo de verano,
Iremos tomados de la mano,
Iremos abrazados con loco amor

En fin, este es un vicio que debemos evitar a toda costa, buscando enriquecer
nuestras letras con las fuentes de composición y siendo creativos con la inteligencia
que nos ha dado el Señor.

Canciones incantables A algunos coros les gusta componer cantos que solo ellos
pueden cantar, como si esto fuera algo muy loable. Yo creo que componer
canciones de letra o música incantable no es conveniente, porque deja fuera la
posibilidad de que nuestras parroquias y comunidades los puedan cantar.

Excesivas sílabas silbantes Debemos evitar letras que parezcan trabalenguas o

que suenen raro: “tres tristes tigres tragaban trigo en un trigal”

Errores de acentuación: Debemos componer acomodando la letra del canto de

modo que el acento ortográfico coincida con el acento fonético y tonal de la melodía.

Hay cantos que por la melodía pueden sonar así:

Sééééñor, ten piééédad

Cristó, Cristóóóó
Ten piééédad´

Esto también le resta belleza al canto.

Pobreza de acordes musicales: Antes mencioné el ejemplo de los boleros, porque

por muchos años se compusieron cientos y cientos de canciones, todas ellas
basadas en un círculo de acordes que se repiten una y otra vez:

Sol, Mim, Lam, Re, Sol, Mim, Lam Re….

Página 32
Yo sostengo que con ese círculo se puede hacer canción de cualquier letra, por mas
absurda que sea, y para demostrarlo compuse una canción que se llama: “Círculo
de Sol”, que dice así: (con música de bolero)

Sol Mim Lam

Eeeste es….
Re Sol Mim Lam
El círculo de Soooooool
Re Sol Mim Lam
Y con él se puede hacer cualquier canción
Re Sol Mim Lam Re Sol
Con el círculo de Sol

Círculo, Círculo, es el círculo de Sol…

Luego, con el círculo de Sol, puedes tomar el periódico del día de hoy y leer la nota
del día, cantándola en tono de bolero… No falla! Te apuesto que puedes “cantar” la
nota del día y se acomoda perfectamente, si sabes usar….

Sol Mim Lam Re Sol

el circulo, el circulo, el círculo de Sol…

No tengo nada personal contra el círculo, y hay cantos muy hermosos compuestos
con él pero el problema es si TODO lo que compones lo haces solo con los mismos
acordes! Existen otras combinaciones de acordes que si se usan de manera
repetitiva o solo se compone en ellas todas tus canciones terminan sonando
demasiado parecidas.

A eso es a lo que llamo el vicio de la “pobreza de acordes”, y se cura ensayando

combinaciones de acordes mas creativas, metiendo mas variedades tonales,
etcétera.

Copia exagerada de estilos musicales Otro vicio que hay que evitar al componer
es copiar los estilos musicales sin aportar nada nuevo en nuestras composiciones.
Parte de este vicio es el de recurrir excesivamente a la “contrafactura” (cambiar la
letra a una canción que ya existe) y otra parte de este vicio es sonar siempre como
tal o cual grupo secular (o cristiano).

Toda imitación es buena cuando el modelo imitado es bueno, y la imitación “muy

fiel” es muy natural al inicio de nuestro proceso de aprendizaje. Yo creo que todos
admiramos e imitamos en mayor o menor grado a los grupos o personas que
admiramos, tanto músicos como líderes. Sin duda a quien hay que IMITAR
FIELMENTE EN TODO es a Cristo, hasta llegar a ser “otros Cristos”.

Página 33
Pero en la música, cuando pasan los años y la imitación persiste de manera
exageradamente apegada al modelo, se trata mas bien de un vicio de COPIA, lo que
debe superarse, con la creatividad propia, pidiendo a Dios que por su gracia nos
haga florecer con un estilo propio.

IV. Lo que debemos promover en nuestras composiciones: El sello de Dios

Si le preguntas a un catador como distingue el vino bueno del malo, te dirá algunas
características que él busca en el vino: Aroma, Sabor, persistencia, cuerpo, etcétera.

Si le preguntamos al Señor como distingue El un canto bueno de uno malo, nos dirá
algunas características que El infunde en el canto:

Unción: Es la gracia de Dios que impregna algunos cantos, que cuando los
comienzas a cantar te impulsan a la oración. Para mí es la gracia de Dios
presente en el canto, que se origina porque el Espíritu Santo lo impregna con
su poder espiritual, y el canto toca los corazones. Es un don, y se cultiva
orando y cantando, orando y cantando…

Integridad: Es la virtud de un canto de transmitir fielmente una intención o

finalidad. Es decir, que cumpla con su propósito: Si lees el Salmo 51 ves que
tiene una finalidad: Pedir perdón a Dios con corazón contrito. Y el salmo
tiene una gran integridad: Cumple su propósito al llevarnos a esa disposición
de corazón. No hay en el salmo nada que distraiga de esa finalidad.

Dignidad: Los cantos para Dios, por mas alegres y festivos que sean,
mantienen siempre una dignidad delante de Dios, y quien los canta puede
gozarse, saltar, danzar, pero no hay en el canto nada de burla, ni choteo, ni
excesiva familiaridad con el Señor o falta de respeto.

Devoción: Los buenos cantos están impregnados de devoción e impulsan a la

devoción como con una fuerza interior secreta. Hay cantos que con solo
escucharlos te hacen llorar, porque expresan lo que experimenta el alma que
se acerca devotamente a Dios.

Belleza: La belleza es un atributo misterioso que hay en las cosas creadas

por Dios. Se compone de armonía, dulzura y cohesión, pero es indescriptible
y no consiste solo de estética, sino también de ese don secreto que Dios da
en la creatividad artística. Dios nos ha dado el don de participar de su ser
creador siendo “creativos”, pero en la belleza de un canto también está
reflejada la grandeza de Dios que nos lo ha inspirado.

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V. Prácticas de composición

Quizá ya les he contado que en nuestros ensayos de Jésed dejábamos de tarea a

todos los miembros del ministerio de música el componer un canto cada mes, y el
canto lo teníamos que presentar y cantar a los hermanos, llevando la letra escrita y
todos aplaudíamos al final de cada canto y dábamos comentarios.

También es una magnífica práctica aprender a componer en equipo con los otros
hermanos, y luego presentar los cantos compuestos en un “plenario”.

En la medida en que ponemos este tipo de tareas y prácticas, se perfecciona el don

de composición en los hermanos y surgen los hermanos a quienes Dios ha dado un
talento especial. Al componer y recibir retroalimentación en un ambiente de
hermanos y de comunidad, (véase la charla de “El Músico en la Comunidad
Cristiana”) nos protegemos y ayudamos unos a otros, porque la crítica siempre es
amorosa y respetuosa. Debemos fomentar hacer esto en nuestros grupos y
ministerios.

Otra cosa que yo he hecho con mucho éxito es escribir letras para cantos en base a
una línea temática (por ejemplo los escritos de un santo en particular) y luego enviar
a los miembros del ministerio de música las letras por email, para que los hermanos
adapten la letra y compongan la música.

Otra práctica muy recomendable es hacer el himno de nuestra parroquia, el himno

del grupo o el canto de tal o cual fiesta, sin que la composición sea en un ambiente
de competencia.

Cuando ha habido festivales o concursos yo he notado que la sana competencia es

buena, pero cuidando que nadie se aferre a ganar el concurso como un fin en sí
mismo. Recuerdo con pena un caso de un concurso de canción vocacional donde
uno de los coros presentó una canción como propia pero yo la había oído antes en
inglés y tuvimos que descalificar al grupo (en esa ocasión yo era uno de los jueces
del concurso y me tocó la penosa tarea de informarlo a los otros jueces). Esto
resulta un contrasentido, en cuanto a que el afán por ganar un concurso llevó al
supuesto “compositor” al extremo de faltar a su integridad y mentir diciendo que el
canto era de él.

Creo que los concursos son buenos pero que hay cosas mucho mejores para
promover la composición de buenos cantos. No creo que el rey David haya jamás
convocado a un concurso de salmistas para componer los 150 salmos de la Biblia,
ni que hubiera competencias entre los cantores y salmistas para ver quien era el que
hacía los mejores salmos. Dado que eran inspirados por Dios, el salmista dócil era

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 el que sabía escuchar al Señor y cantar lo que Dios le impulsaba, como dice el
Salmo:

“Mi corazón rebosa de cantos y odas al Rey, mi lengua es la pluma de un buen

escritor, y canta alabanzas a Dios”

Si mi lengua es la pluma de un buen escritor es porque ese buen escritor es el

Señor mismo, no yo.

VI. Oración Final

Padre misericordioso, por tu inmenso amor nos diste el don de cantarte y componer
para ti “un canto nuevo”. Te pedimos que derrames sobre nosotros la gracia de poder
cantarte mejor cada día, para gloria de tu nombre y para santificación de tu pueblo.

Te pedimos que suscites compositores llenos de Unción, que compongan cantos

impregnados de tu gracia, que sus cantos tengan la integridad de los Salmos que diste
a David y a los salmistas del Templo, la Dignidad de las obras de hijos tuyos inspirados
por ti, la devoción de corazones ardiendo de amor por ti y la belleza que refleje un poco
de tu Belleza eterna.
Amén

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 Nivel Avanzado
Tema 5. El liderazgo en el ministerio de música

Anteriormente vimos la charla sobre el liderazgo de la musica en las Asambleas de

Oración, en donde nos enfocamos concretamente al tema de cómo dirigir la música en
un ambiente de asamblea de oración o de un retiro, un evento, etc.…Esta charla “El
liderazgo en el Ministerio de Música” se enfoca al líder en su servicio hacia el ministerio
de música y en relación con otros lideres de la Comunidad Cristiana.

Visión Espiritual:

A veces el estar en liderazgo puede ser una posición difícil de llevar. No siempre es una
posición popular, y muchas veces se requiere de ti que logres el balance entre lo que es
bueno para la mayoría del Ministerio y lo que es bueno para la minoría, sin olvidar que
estas trabajando con personas cuyo valor y dignidad individuales siempre debe ser
respetado y honrado, a la vez que puede tratarse de personas con intereses metas e
ideales diversos y en algunos casos no coincidentes.

Es importante dirigir con los criterios del Señor, pues si Dios te ha puesto en esta
posición de liderazgo, has de hacer lo que él te pide conforme a él lo quiere. Veamos
como lo pide en su Palabra:

Romanos 12:4 - 8

“Pues, así como nuestro cuerpo, en su unidad, posee muchos miembros, y no

desempeñan todos los miembros la misma función, así también nosotros, siendo
muchos, no formamos más que un solo cuerpo en Cristo, siendo cada uno por su
parte los unos miembros de los otros.

Pero teniendo dones diferentes, según la gracia que nos ha sido dada, si es el don de
profecía, ejerzámoslo en la medida de nuestra fe; si es el ministerio, en el ministerio; la
enseñanza, enseñando; la exhortación, exhortando. El que da, con sencillez; el que
preside, con solicitud; el que ejerce la misericordia, con jovialidad.”

1 Cor 14:40

"Que todo se haga con decoro y orden".

En cuanto a las virtudes que debes cultivar como líder, leemos lo siguiente en la carta a
Timoteo, en donde Pablo le habla a la luz de la posición de liderazgo en la que había
sido establecido:

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I Timoteo 4 , 12 ss

“Procura ser para los creyentes modelo en la palabra, en el comportamiento, en la

caridad, en la fe, en la pureza. Hasta que yo llegue, dedícate a la lectura, a la
exhortación, a la enseñanza. No descuides el carisma que hay en ti, que se te
comunicó por intervención profética mediante la imposición de las manos del colegio de
presbíteros. Ocúpate en estas cosas; vive entregado a ellas para que tu
aprovechamiento sea manifiesto a todos. Vela por ti mismo y por la enseñanza;
persevera en estas disposiciones, pues obrando así te salvarás a ti mismo y a los
que te escuchen.

Así pues, si diriges con humildad y rectitud, lo haces a la manera del Señor Jesús, que
siendo Dios y Cabeza de la Iglesia, dice “aprended de mí que soy manso y humilde de
corazón”.

Esta manera de ejercer el liderazgo es el extremo opuesto a la del dictador, que

gobierna con “mano de hierro” simplemente porque PUEDE.

Otro aspecto importante del liderazgo es que conviene que se realice de manera
“colegiada” y supervisada. Es decir, en vez de que cada uno vaya haciendo lo que en
su ministerio “se le pega la gana”, se coordina y se somete cada quien al interés de
todos los demás, y se integra con ellos de una manera armónica en la dirección y
ejecución de las diversas iniciativas de la Comunidad.

Como dicen, “muchos cocineros salan la sopa”, por eso como líderes debemos
entender cual es nuestro ámbito de liderazgo y no meternos a dirigir en el terreno de
otros líderes. En toda comunidad y ministerio siempre habrá personas con ideas
novedosas y creativas, pero estas ideas deben conducirse y ponerse a la consideración
del líder correspondiente.

Nosotros como líderes de la música debemos someter nuestras iniciativas, en la

medida en que afectan a otros ámbitos de la vida comunitaria, a la persona responsable
respectiva. Por ejemplo, si a mí se me ocurre hacer un festival de música para
adolescentes, debo presentarle mi propuesta al encargado del programa de
adolescentes, y no aventarme a hacer el festival a lo loco, porque a lo mejor la fecha
que yo escogí resulta que el programa de adolescentes ¡ya tiene programado un retiro!.

Siempre debemos trabajar organizados, acoger con especial interés las ideas de los
miembros del ministerio y aprender a coordinarnos para colaborar “a gusto”, disfrutando
el servicio que realizamos, teniendo un objetivo común, “una sola fe, un solo espíritu, un
mismo corazón” para la Gloria de Dios y la santificación y edificación de su pueblo, en
vez de tener un cúmulo de gente desorganizada trabajando cada quien por su lado y
totalmente al azar, haciendo cada uno lo que quiere.

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Posiciones de Liderazgo

Existen diversas posiciones de liderazgo en el ministerio de la música para el Señor.

Algunos ejemplos son los siguientes:

Director del Coro

Líder del Equipo de Alabanza
Líder del Ministerio de Música de Jóvenes
Director del Coro de Niños
Líder del Grupo Musical para Conciertos

Independientemente de la posición que tengas, debes asegurarte que el resto de los

miembros del equipo están en sintonía con la visión del grupo, con sus objetivos y su
finalidad. Recuerda que TODOS estamos llamados a participar de la Gloria de Dios a
través de la música.

Define los pasos para el éxito

Todos los que genuinamente nos sentimos llamados al ministerio de Música creemos
que ha sido el Señor quien nos ha llamado a servirle en este ministerio, para su gloria y
para la edificación de la Iglesia. No se trata pues de fama fortuna o simplemente el
amor a la música por sí misma lo que nos motiva, es una MISION y un APOSTOLADO
el que tenemos, es un MANDATO de Dios, y en estos términos es que debemos
visualizar lo que significa “tener éxito”, es decir, el éxito consiste en responder al
Mandato y cumplir la Misión que el Señor nos encomienda. No con los ojos de los
hombres, sino con la mirada de Dios.

Así pues, aunque para el mundo de la música el éxito se define en estándares de

difusión, fama y dinero, el éxito en servir a Dios se define como tocar la mejor música,
para la Gloria de Dios y para la santificación de su pueblo, alcanzando con la música a
todos aquellos que Dios quiere alcanzar. Puedes tener la “mejor música” pero si no es
para la gloria de Dios, no has tenido éxito. Puede ser que cantes para la Gloria de Dios,
pero si lo haces con música mediocre y mal tocada, no estás dando lo mejor de ti
mismo, no estas tocando “la mejor música”.

1. - El primer paso para dar los frutos que Dios quiere es tener raíces Hondas en él,
mediante la oración y la vida sacramental, no solo tuya como líder sino también de todo
el grupo.

2.- Después de ello, poner en el corazón de Dios tus sueños, y dejar que Dios ponga
sus sueños en tu corazón. Para esto te recomiendo programar un retiro con el grupo,
quizá una o dos veces por año.

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3.- Una vez que estás “en sintonía” con el plan de Dios, necesitas formular un plan, con
metas específicas orientadas a los sueños que Dios ha puesto en tu corazón. Formula
las líneas generarles de este plan en el mismo retiro, escribiendo claramente las metas
y objetivos que sientes que Dios te llama concretamente a realizar. En los días
posteriores, con tiempo y tranquilamente, ve depurando y “aterrizando” lo más posible
las acciones a realizar. Se lo mas específico posible en la formulación de las metas,
pero dejando siempre abierta la puerta a la guía de Dios, que puede llevarte por otro
camino y cambiar los planes.

4.- Ten en cuenta que también Dios puede conducirte en la forma concreta de llevar a
cabo un plan, pues él es un Dios de orden y de paz, y Dios, que te ha dado una misión,
es el principal interesado en que la cumplas. Así pues, elabora el plan de trabajo en un
ambiente de oración fecunda y actitud de escucha. Recuerda que Dios tiene un plan
perfecto, pero que tú y el grupo tienen que hacer su parte, no puedes simplemente
sentarte y pedirle a Dios que él lo haga todo! Tampoco vayas a creer que Dios te
mandará a la gente para que hagan LO QUE TE TOCA HACER A TI Y A TU GRUPO!
Mucha gente cree que “no debe planear”, y argumentan que si hacen planes pudieran
estar “interfiriendo con la libertad del Espíritu”, y dejando a un lado la obediencia a los
impulsos de la providencia, como si planear fuera algo contrario a seguir a Cristo en
obediencia “día a día”. Esto es falso: El mismo Cristo nos enseña a planear cuando
habla de sentarse a calcular antes de ponerse a construir una casa o una torre, no sea
que nos quedemos a medias por no haber calculado bien el costo.

Todos los líderes que sirven a Dios de manera eficaz se formulan planes, a corto,
mediano y largo plazo, y los ofrecen a Dios, primero como sueños, luego como
proyectos y finalmente como realidades.

¿Cuáles son los pasos para construir un plan?

No es algo fácil que te vaya a tomar 15 minutos o menos. Puede tomar varios dias o
semanas, y pocas veces tu primer borrador de plan será como quede el plan final. Ten
paciencia y sobre todo, camina en obediencia. Recuerda que Dios tiene el poder para
mostrarte las fallas de tus planes si tu se lo pides con fervor.

Los Pasos

Oración. Todas las sesiones de planeación inícialas con un tiempo de oración y

pide a Dios que les muestre su voluntad como Ministerio de Música y los dirija
por sus caminos. Recuerda que Dios tiene un plan perfecto, y que desde antes
de que cada uno de los miembros del ministerio nacieran, él ya los conocía y les
tenía un camino en su voluntad. Él pone en nosotros “el querer y el obrar”, como
dice San Pablo, y con su Espíritu nos conduce por sus sendas. No olvides que

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 como Ministerio de Música, estamos presentando a Dios a la gente, así que
antes de iniciar el camino asegúrate de estar unido plenamente a él.
Escribe con claridad a que sienten Ustedes que Dios los ha llamado
concretamente: ¿A servirle íntimamente unidos a la parroquia a la que
pertenecen? ¿A dar conciertos en muchas partes del país? ¿A cantar a los
enfermos y necesitados de consuelo?... Cada uno de estos caminos es diferente,
por lo que saber a cual de ellos les llama el Señor es un paso muy importante.
Escribe las metas y objetivos a alcanzar y para cada uno de ellos escribe los
pasos intermedios que te pueden llevar a su cumplimiento. Imagínate un mapa,
tú estas “aquí” y quieres llegar a “allá”, ¿cuál es la ruta a seguir? ¿Qué pasos
intermedios hay que dar?
Prepárate y prepara al Ministerio de Música para recorrer el camino: estudia las
habilidades que se requieren para lograr las metas: Capacidad musical,
regulación de sonido, diseño gráfico, publicidad?... Asegúrate que como equipo
adquieren las habilidades necesarias, como un escalador de montaña que hace
ejercicio y compra todos los ganchos y cuerdas que va a necesitar para subir un
risco. Visualiza tu ministerio como una expedición o una empresa: Necesita
recursos, habilidades, disciplinas, presupuestos, fechas límite, objetivos
medibles, medición del desempeño de cada persona, etcétera. Aún las
parroquias y las diócesis se formulan planes con estos criterios, y sin que se
trate de un “negocio”, se actúa con muchos de los principios de eficiencia y
control que manejan los negocios: liderazgo, educación visión, seguimiento de
los planes, etcétera.
Cierra esta fase con un proceso de difusión del plan al interior del grupo y con
tus líderes: El plan no debe estar “flotando en el aire” sino estar integrado al plan
pastoral de la parroquia o comunidad a la que perteneces, debe ser sancionado
y apoyado por tus hermanos mayores y debe ser acogido con entusiasmo por
todo el ministerio de música.
Da el primer paso como un verdadero paso en fe, confiando en Dios y en su
providencia.

Liderazgo en Equipo

De ser posible, es bueno que el liderazgo sea compartido por un equipo de hermanos:
Un líder de los ensayos y de formación musical un líder del servicio de la música en las
asambleas y un líder que vea la formación espiritual. Este equipo de hermanos forma
un “consejo” que se encarga de planear, orar y visualizar las necesidades del ministerio.
A este equipo conviene que se incorpore también una hermana, si ninguno de los
anteriores es mujer, para que las necesidades e inquietudes particulares de las mujeres
del ministerio estén debidamente representadas, y aporten la visión de ellas a nuestras
decisiones. Como todo cuerpo gobernativo, conviene que esté formado por un número

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impar de miembros, para que nunca haya empates en las votaciones que haya que
hacer.

Para escoger a los miembros de este equipo es importante tomar los mismos criterios
que vimos en la primera sección de esta charla. (Ser modelos de caridad,
perseverancia, servicio, etc.…)

Además, podemos ADAPTAR lo que San Pablo dice a Timoteo acerca de los hermanos
que aspiran a un cargo de autoridad en la comunidad:

I Timoteo 3,1 y ss
“Es cierta esta afirmación: Si alguno aspira al cargo de epíscopo [Nota: - en este caso
de líder -], desea una noble función. Es, pues, necesario que sea irreprensible, casado
una sola vez [Nota: - Algunos de los paganos convertidos al cristianismo habrían tenido
varias esposas de antes de su conversión - ], sobrio, sensato, educado, hospitalario,
apto para enseñar, ni bebedor ni violento, sino moderado, enemigo de pendencias,
desprendido del dinero, que gobierne bien su propia casa y mantenga sumisos a sus
hijos con toda dignidad; pues si alguno no es capaz de gobernar su propia casa, ¿cómo
podrá cuidar de la Iglesia de Dios? Que no sea neófito,(recién convertido) no sea que,
llevado por la soberbia, caiga en la misma condenación del Diablo. Es necesario
también que tenga buena fama entre los de fuera, para que no caiga en descrédito y en
las redes del Diablo. También los diáconos deben ser dignos, sin doblez, no
dados a beber mucho vino ni a negocios sucios; que guarden el Misterio de la fe
con una conciencia pura.

Primero se les someterá a prueba y después, si fuesen irreprensibles, serán diáconos.

Las mujeres igualmente deben ser dignas, no calumniadoras, sobrias, fieles en todo.

El modelo de líder por excelencia

Ya hemos comentado lo que dice Jesús: “aprended de mí que soy manso y humilde de
corazón” y también cuando lava los pies a los discípulos les dice “hagan ustedes lo
mismo”, y “yo soy el buen pastor”…

Todo liderazgo cristiano verdadero emana de Cristo y participa en alguna medida de

Cristo el Buen Pastor. Nunca debemos de olvidar esto, y debemos vivirlo plenamente
en nuestro servicio, pidiendo a Dios un corazón de pastor, y reconociendo que él es el
único y verdadero modelo a seguir en nuestro servicio.

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 Nivel Avanzado
Tema 6. Historia de la Música en la Iglesia

I.- ¿Porque conservar y estudiar la historia y Tradición de la Iglesia?

Alguien pudiera preguntarse que sentido tiene estudiar la historia de la música en la

Iglesia, sobre todo en un mundo donde lo mas nuevo parece ser siempre mejor: “¿Para
que quieres el modelo XYJ-4500 si ya salió el XYJ-4600-Turbo, que viene con mas
memoria RAM, trae coprocesador matemático, tarjeta de video y treinta mil millones de
pixeles…? ¡El XYJ-4500 ya quedó obsoleto!!”

Nuestro mundo moderno tiene la tendencia de desechar lo viejo argumentando que es

“obsoleto” y reemplazarlo por lo nuevo que es “mejor”. ¿Recuerdan ese anuncio de
Windows Office 2003, donde todos en la oficina traen cabezas de dinosaurios? ¡!Que
ridículo!! Los personajes representan usuarios de Office 2000, es decir que compraron,
2 o 3 años antes, un producto por bueno y moderno, y ahora lo tienen que cambiar,
porque si no tienen “cabeza de dinosaurio”, “están obsoletos” y prácticamente “en
peligro de extinción”.

De ese mismo modo, pero con aun mayor falta de respeto, se trata también a los
ancianos, nuestros mayores y sus ideas, argumentando que “ya no sirven para nada”, y
“sus ideas son anticuadas”. E incluso a los padres de familia se les ridiculiza en las
caricaturas de los niños, pintándolos como tontos, obsoletos e ignorantes.

Lamentablemente, con esta actitud la humanidad comete muchos errores VIEJOS, por
desechar la sabiduría de los antiguos, y desatender las prevenciones de los que ya han
vivido antes que nosotros.

Hay “teólogos modernos” (pseudos cristianos) que pretenden saber mas sobre Jesús
que sus mismos apóstoles y que los escritores de los libros del Nuevo Testamento,
rechazando todo hallazgo nuevo que respalde lo que allí se dice y acogiendo cualquier
tontería que diga algo “diferente y nuevo”. Recuerdo que cuando comenzó a salir a la
luz el descubrimiento del libro la “Didaché” o “Enseñanza de los Apóstoles”, un escrito
que efectivamente se remonta a la época de los apóstoles (se calcula que es del año
70) y puede haber sido escrito por ellos incluso antes del evangelio de San Juan. Poco
o nada se habló de la Didaché en los libros, en la TV o los periódicos, y curiosamente,
la Didaché no solo ratifica lo que enseña el Nuevo Testamento, sino que establece
explícitamente lo siguiente: “No matarás al hijo en el vientre de su madre”. (es decir, no
provocarás un aborto!!) Nadie de estas revistas y “teólogos modernos” pseudo
cristianos le prestó atención a esas palabras, pero en cambio, sale un libro apócrifo y

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legendario que a modo de fábula contradice en algo la enseñanza de la Iglesia (“el
evangelio de Judas Iscariote”) y lo ponen en primera plana los periódicos.

Pero, ¿que dice la Sagrada Escritura sobre esto? En la segunda carta a Timoteo, San
Pablo le dice lo siguiente:

II Timoteo 4, 3-4 “Porque vendrá un tiempo en que los hombres no soportarán

la doctrina sana, sino que, arrastrados por su propias pasiones, se harán con un
montón de maestros por el prurito de oír novedades; apartarán sus oídos de la verdad
y se volverán a las fábulas.”

La palabra “prurito” significa “comezón”, y son la “comezón de oír novedades” y las

“fábulas” lo que alimenta el negocio de muchas televisoras, libros (el “Código da Vinci”),
periódicos y revistas.

Nosotros en cambio, debemos de hacer lo mismo que le dice San Pablo a Timoteo:
II Timoteo 1, 13-14 Ten por norma las palabras sanas que oíste de mí en la fe y en la
caridad de Cristo Jesús. Conserva el buen depósito mediante el Espíritu Santo que
habita en nosotros.

El “buen depósito” se refiere a la enseñanza que San Pablo había transmitido a

Timoteo. En otras traducciones le dice “guarda el tesoro”. Esto también se lo dice en su
primera carta:

I Timoteo 6, 20-21: Timoteo, guarda el depósito. Evita las palabrerías profanas, y

también las objeciones de la falsa ciencia; algunos que la profesaban se han apartado
de la fe.

II ¿Acaso es la música parte de ese “tesoro” que hay que guardar?

El Concilio Vaticano II, en la constitución Sacrosanctum Concilium sobre la sagrada

liturgia afirma que: “La tradición musical de la Iglesia universal constituye un tesoro de
valor inestimable, que sobresale entre las demás expresiones artísticas, principalmente
porque el canto sagrado, unido a las palabras, constituye una parte necesaria o integral
de la Liturgia solemne”.

Todo el Capítulo VI de esta Constitución de la Iglesia está dedicado a la música sacra.

Para darnos una idea de lo que es una “Constitución”, así como las Constituciones de
los países son la máxima ley y ponen por escrito lo que el país “ES”, así de importantes
son las Constituciones de la Iglesia, entre ellas la Sacrosantum Concilium, dedicada a
la acción litúrgica de la Iglesia, porque afirma lo que la Iglesia “es” en particular en su
vida litúrgica.

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III. ¿Como estudiar la tradición musical de la Iglesia?

Con actitud de oración y respeto: Debemos acercarnos a esta tradición musical como
quien se acerca a un tesoro de valor inestimable, que está a nuestro alcance y que Dios
nos quiere regalar para nuestra santificación.

Buscando comprender el contexto histórico: Al comprender el contexto histórico de

este tesoro, podemos captar mejor su sentido, y de ese modo valoramos mas.

IV. Primeros Siglos

Los primeros cristianos ya tenían un repertorio de Salmos, himnos y cánticos

espirituales, y los usaban cada vez que se reunían. (Efesios 5, Col 3) Desde el principio
la música estuvo unida a las oraciones de los fieles cristianos, y cantaban incluso
cuando iban al martirio. Los historiadores de la época dicen que a los cristianos los
acusaban de que “solían reunirse en días determinados antes de la aurora para cantar
un himno a Cristo como a Dios. Y el procónsul romano de Bitinia, dice que ni siquiera
en tiempo de persecución cesaba la voz del canto de la Iglesia (y lo confirma
Tertuliano), cuando narra que en la reunión de los cristianos perseguidos se leen las
Escrituras, se cantan salmos, y se tiene la catequesis.

Muchos de estos himnos y cantos están en los escritos del Nuevo Testamento,
embebidos dentro de las mismas cartas de San Pablo, de San Juan, etc…
confiriéndoles, al ponerlos allí, el formar parte de la Palabra de Dios. Algunos de estos
himnos son:

Filipenses 2, 5 ss: “Cristo, siendo de condición divina, no retuvo ávidamente ser igual a
Dios…
Efesios 5, 14 ss: “Despierta tú que duermes, y levántate de entre los muertos y te
iluminará Cristo”
Colosenses 1, 15: “Él es imagen de Dios invisible, primogénito de la creación…”
Apocalipsis 5, 9ss: “Eres digno de abrir el libro y romper sus sellos, porque fuiste
degollado, y compraste para Dios con tu sangre, hombres de toda raza…”

El don de lenguas y el canto en lenguas en la Iglesia Primitiva:

La Iglesia primitiva era fuertemente carismática, y se daban en ella los mismos dilemas
que se dan hoy en día en las asambleas carismáticas: ¿Cómo saber si una palabra
profética viene realmente de Dios? ¿Qué pasa si todo mundo habla en lenguas y entra
a la asamblea alguien que no es iniciado? ¿Cómo poner orden y paz en la asamblea y
al mismo tiempo dar libertad al Espíritu Santo? Cuando San Pablo instruye sobre el don
de lenguas, vemos que también se menciona el canto en lenguas como una expresión
propia de la oración de San Pablo y de las asambleas.

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Dice en I de Corintios 14, 12ss: “Así pues, ya que aspiráis a los dones espirituales,
procurad abundar en ellos para la edificación de la asamblea. Por tanto, el que habla en
lengua, pida el don de interpretar. Porque si oro en lengua, mi espíritu ora, pero mi
mente queda sin fruto. Entonces, ¿qué hacer? Oraré con el espíritu,[es decir en
lenguas] pero oraré también con la mente. Cantaré salmos con el espíritu,[es decir en
lenguas] pero también los cantaré con la mente… ¿Qué concluir, hermanos? Cuando
os reunís, cada cual puede tener un salmo, una instrucción, una revelación, un discurso
en lengua, una interpretación; pero que todo sea para edificación [de la asamblea].

Aquí vemos que el “cantar salmos con el espíritu” y “cantar salmos con la mente” eran
dos formas de cantar que había en las asambleas. De aquí surge con espontaneidad
los primeros himnos cristianos, que su línea melódica tendría la influencia de la cultura
judía y griega, pero sobre todo la inspiración del Espíritu Santo.

No sabemos mucho de las melodías que se usaban. Como no había notación musical,
las líneas melódicas se transmitían oralmente de una comunidad a otra, y seguramente
habría muchas versiones musicales de un mismo canto, que pasaban de generación en
generación, y algunas se irían perdiendo, aunque se conserva la letra.

Se sabe que los versículos se cantaban con la misma melodía, ya sea alternando entre
dos grupos, ya sea sin alternancia, o con la respuesta consistente en una aclamación
del auditorio: es decir, en forma de canto responsorial. También sabemos que los fieles
respondían con un aleluya al canto del salmo hecho por el diácono.

Yo me imagino a los cristianos, - como en el libro de Quo Vadis -, cantando escondidos

en las catacumbas, orando y adorando a Dios, y que sus cantos eran a la vez una
alabanza a Dios y un testimonio de su fe cristiana.
Estos cantos, al ser escuchados por la gente que se acercaba, movía a algunos a su
conversión al cristianismo, (como sucede con San Agustín) y a otros les servía para
saber donde estaban escondidos, atraparlos y llevarlos a la muerte!. ¡Con razón la
palabra “mártir” significa testigo!

Además de los himnos que vemos en el Nuevo Testamento, los primeros cristianos
entonaban, con una nueva comprensión, los Salmos del Antiguo Testamento, y fueron
ellos quienes descubrieron allí muchas referencias a Cristo, el Mesías, el Siervo
doliente, el Rey, el Hijo de Dios.

En la Carta de San Atanasio (Arzobispo) a Marcelino sobre la interpretación de los

Salmos, vemos como San Atanasio, cuenta de “un anciano que, salterio en mano”,
amorosamente le va explicando la presencia profética de Cristo en los Salmos, citando
no menos de 20 salmos distintos donde hay alusiones proféticas a Cristo, su
encarnación, su naturaleza divina, su pasión, su resurrección, su ascensión a los cielos,
que está sentado a la diestra del Padre y que juzgará a las naciones.

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Como Cristo y los apóstoles eran judíos, los primeros cristianos y sus cantos reciben
mucha influencia de la liturgia judía, en donde toda la liturgia es cantada. Esto queda
plasmado en las formas de cantar y responder, de “salmodiar” la liturgia, etc… También
algunas palabras de sus oraciones llegaron hasta nuestros días en hebreo: “Aleluya”,
“Hosanna”, “Amén”, etcétera, y de palabras griegas: “Kirye Eleison”, etc… También la
liturgia cristiana toma elementos de las celebraciones y les incorpora el sentido
cristiano: Por ejemplo, en la fracción del pan, es decir la eucaristía, también llamada la
“cena del Señor” podemos descubrir ciertas semejanzas con la celebración del Sabath,
(Sábado) - la celebración del día del Señor -, que celebran las familias judías al caer la
tarde del viernes y del Seder, la cena de la Pascua Judía. Como dice el evangelio, esa
noche de Pascua Jesús y los apóstoles “cantan los himnos” (Mateo 26,30) , y como
Jesús les dijo a sus apóstoles “hagan esto en memoria mía”, ellos lo siguieron
haciendo, incorporando los cantos también.

Como ya mencionábamos en la charla “la música en la vida del pueblo de Dios”, del
nivel básico, los padres de la Iglesia de los primeros siglos hablan mucho sobre los
cantos, sobre que se debe evitar y que se debe promover por medio del canto.

San Jerónimo
“Debemos cantar, salmodiar y alabar al Señor más con el espíritu que con la voz. Esto
es lo que se dice cantando y salmodiando en nuestros corazones a Dios.
Oigan esto los muchachos, oigan esto los que tienen el oficio de salmodiar en la Iglesia:
a Dios no hay que cantar con la voz, sino con el corazón: ni hay porqué cuidar la
garganta con dulces medicamentos, a imitación de los actores de teatro; más bien hay
que atender a cantar a Dios con el temor, con las obras y con el conocimiento de las
Escrituras. Aunque alguno sea, como se suele decir, un “kakófonos”(es decir que canta
“feo”), con tal de que tenga buenas obras, para Dios es un buen cantor. El siervo de
Cristo cante de tal forma que no se goce en la voz, sino en las palabras que canta”.
Comentario a la Epístola a los Efesios 3,5: Pg. 26, 561-2.

San Juan Crisóstomo

… Porque no cantamos para los hombres, sino para Dios, que puede escuchar aún a
nuestros corazones y penetrar en los secretos de nuestra alma.
“Es necesario explicar el uso de los salmos y porqué los decimos bajo la forma de
canto: Dios ha unido la melodía a las verdades divinas, a fin de inspirarnos por el
encanto de la melodía un gusto muy vivo por estos himnos sagrados… Las respuestas
que cantamos, no una sola vez, ni dos, ni tres, sino muchas veces, recordadlas con
interés y entonces serán para vosotros de gran consuelo. ¡Mirad qué tesoros nos acaba
de abrir un solo verso! Yo os exhorto a no salir de aquí con las manos vacías, sino a
recoger las respuestas como perlas, para que las guardéis siempre, las meditéis y las
cantéis a vuestros amigos”.

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Comentario sobre el salmo 41: Pg. 55,156-166.

San Agustín
Canta con regocijo, pues cantar bien a Dios es cantar con regocijo. ¿Qué significa
cantar con regocijo? Entender por qué no puede explicarse con palabras lo que se
canta en el corazón. El júbilo es cierto cántico o sonido con el cual se significa que da a
luz el corazón lo que no puede decir o expresar. ¿Y a quién conviene esta alegría, sino
al Dios inefable? Es inefable aquel a quien no puedes dar a conocer, y si no puedes
darle a conocer y no debes callar ¿qué resta, sino que te regocijes, para que se alegre
el corazón sin palabras?
¿Son suficientes las palabras para nuestra alegría? ¿Será la lengua capaz de explicar
nuestro gozo? Si pues las palabras no bastan, ¡bienaventurado el pueblo que sabe
alborozarse! ¡Oh pueblo feliz! ¿Crees que entiendes el regocijo? Que sepas por qué te
alegras de aquello que no puede expresarse con palabras. El motivo no debe dimanar
de ti, para que quien se gloríe, se gloríe en el Señor. No te alboroces en tu soberbia,
sino en la gracia de Dios. Comprende que es tanta la gracia, que la lengua no es capaz
de explicarla, y habrás entendido qué es alborozo o regocijo. Pensad en aquellos que
se regocijan, en cualquier clase de canto y veréis de qué modo, entre los cánticos
modulados con la voz, se regocijan rebosantes de alegría cuando no pueden declararlo
todo con la lengua. Luego, si estos se regocijan por el gozo terreno ¿nosotros no
debemos dar gritos de alegría, regocijarnos por el gozo celestial, que ciertamente no
podemos expresar mediante palabras?

Comentarios sobre los Salmos.

Vemos claramente una característica en los cantos de los primeros siglos: Estaban
llenos de júbilo, había en ellos gran unidad entre la letra cantada y la disposición del
corazón. San Agustín, Obispo, anima a su pueblo a “dar gritos de alegría” en medio de
los cantos, cuando las palabras no pueden expresar el gozo celestial. Es evidente la
participación de todo el pueblo en el canto. En sus confesiones, San Agustín también
dice que los cantos “le conmovían hasta las lágrimas”, no por los sonidos sino por las
verdades contenidas en los cantos. Esto nos habla de que también los cantos estaban
llenos de unción espiritual, tocaban los corazones.

Me encanta lo que dice San Jerónimo “Oigan esto los muchachos, oigan esto los que
tienen el oficio de salmodiar en la Iglesia…” y luego les dice que no se fijen tanto en
tomar medicinas dulces para la voz, sino en cantar a Dios con temor, con obras y con
conocimiento de las Escrituras”.

El canto tenía una finalidad catequética, como lo dice San Juan Crisóstomo, era una
forma agradable y atractiva de meditar la palabra de Dios y las verdades de la fe, que
de otro modo hubiera sido muy árida o difícil para la mayoría de la gente. Los rabinos
aprendían y memorizaban la Biblia cantando los versículos, al punto que hasta la fecha

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algunos de ellos no pueden recitar un texto bíblico si no es acompañándolo de la línea
melódica con que lo aprendieron. Así fue también en la Iglesia Primitiva.

V. Evolución al Gregoriano y a la Polifonía

La Iglesia va cambiando de contexto cultural y de espiritualidad a medida que pasa el

tiempo y también los cantos se van ajustando a ese contexto cultural y espiritualidad. A
causa de la clandestinidad de la Iglesia hasta el siglo IV, no había unidad de principios
litúrgicos y muchos detalles que hoy nos son familiares no existían en la liturgia ni en
los cantos. Los jefes de las comunidades eran libres de improvisar en muchos casos, lo
cual motivó diferencias entre las iglesias locales e incluso muchas herejías. A partir de
la libertad de la Iglesia, cuando es establecida como la religión oficial del Imperio
Romano, la orientación cambia. Las iglesias de Occidente tenderán a una unificación
progresiva, buscando precisamente evitar los errores y herejías, mientras que Oriente
continúa con sus costumbres locales como en el pasado. Por eso encontramos
actualmente numerosos ritos en Oriente, mientras que en Occidente el rito romano es
mayoritario en Europa.

Aunque el canto Gregoriano tiene su origen en los cantos de las sinagogas y conserva
de estos los conceptos de Antífonas, Responsorios, Cantilación (leer un texto
acompañado de una línea melódica) Salmodia, etc…, el mundo occidental romano va
imponiendo la tradición escrita a la anterior tradición meramente oral, y se van
estableciendo los ritos y liturgias cada vez mas ordenadas y documentadas. La primera
compilación de estos es realizada por San Juan Crisóstomo en el Siglo IV. Después,
Justiniano (482-565) marca el siguiente hito en el proceso de recopilación y fijación del
repertorio, al regular las modalidades de la liturgia en su imponente basílica Santa
Sofía, en Estambul), y Andrés de Creta, un siglo más tarde, fija las reglas de un nuevo
género: el Kanon.

Hacia el año 600 el Papa San Gregorio comenzó el proceso de unificación de la liturgia
que llevaría al establecimiento del canto gregoriano como parte central de la liturgia.
San Gregorio Magno se ocupo en unificar la liturgia de la iglesia occidental según el
modelo del rito romano, y en seleccionar y compilar melodías que tuvieran las
características de este rito para que fueran incluidas en un antifonario y con el propósito
de que fueran utilizadas uniformemente en todas las iglesias del occidente. También se
intereso en la formación de cantores, promoviendo la creación de un grupo coral,
conocido como „schola cantorum‟.

Con el paso del tiempo, la música de la liturgia promovida por San Gregorio llego a ser
conocida como canto gregoriano, y se convirtió en el rito oficial aceptado por la iglesia.
Sin embargo, el establecimiento de este rito fue obra de mas de una generación, y
aunque San Gregorio fue quien inició el proceso de unificación, fue al paso de los

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siglos que el canto gregoriano llego a tomar el lugar que ocupa en la actualidad. Uno de
los más importantes promotores del canto gregoriano fue el emperador Carlomagno,
quien se ocupo de llevar el rito a las diferentes partes de Europa.

Por un largo tiempo durante la Edad Media, se llevo a cabo un proceso de inclusión y
expansión que promovió el rito gregoriano y que contribuyo a la desaparición de otros
ritos europeos que habían existido hasta ese momento, incluyendo los ritos Ambrosiano
de Milán, el celta de Irlanda, los ritos mozarabes de la península ibérica tales como el
rito toledano, y el rito galiciano. Al mismo tiempo que se llevaba a cabo el proceso de
expansión del rito romano, también se realizaba la obra de creación y compilación de
obras escritas según el espíritu y las características del canto gregoriano.

El sistema de notación musical: Un invento benedictino

La proliferación de piezas nuevas creó la necesidad de idear un sistema de notación

que pudiera ser utilizado para facilitar tanto la memorización como la promoción de
obras. El primer sistema de notación, que comenzó a ser utilizado alrededor del siglo
IX, estaba basado en acentos y silabas que llegaron a ser conocidos como neumas.
Este sistema era imperfecto porque no lograba registrar todos los sonidos o cambios de
sonido que ocurrían en las melodías.

El segundo sistema de notación, que ocurrió como la siguiente etapa en la historia de la

notación musical fue la de pautado musical, que fue creado por Guido De Arezzo,
monje benedictino italiano que vivió a finales del siglo X. Guido creo la primera pauta
que utilizaba cuatro líneas, así como la notación de las notas musicales, ut, re, mi, fa,
sol, la. Guido les dio nombres basados en las primeras silabas de un himno a San Juan
Bautista:

UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tuorum,
SOLve polluti
LAbii reatum,
Sancte Ioannes

Debido a que la silaba „Ut‟ era cerrada, lo que dificultaba el solfeo, este nombre fue
remplazado por „Do‟, que es una silaba abierta. Sin embargo, en algunas partes de
Francia el nombre „Ut‟ sigue siendo utilizado. El sistema pautal de Guido se expandió
rápidamente en el siglo XI, y continuó desarrollándose hasta convertirse en el
pentagrama que conocemos en la actualidad. Cuando se decidió añadir la séptima nota
a la octava, se creo su nombre usando las primeras letras de las dos palabras de la
ultima línea del himno, „Sancte Ioannes‟.

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Evolución del Gregoriano

El canto gregoriano siguió desarrollándose al paso de los siglos. Sus características

principales habían sido monodia, es decir, que todos los cantores entonaban la misma
melodía, y la ausencia de acompañamiento musical. En el transcurso de la Alta Edad
Media, sin embargo, se desarrollo la polifonía, que es considerada como una
„deformación‟ del canto gregoriano. En este nuevo estilo se sobreponían diferentes
voces a una melodía básica, utilizando sistemas de acordes y contrapuntos para crear
un equilibrio. Para facilitar la creación de polifonía, se creo el compás, una medida de
tiempo que establecía el ritmo de una pieza. La polifonía se convirtió en un muy
complejo sistema de voces que promovía tanto el talento musical del cantor individual
como la improvisación de todo el grupo, y llego a ser considerado como un elemento de
solemnidad en la liturgia.

Diferentes cambios y deformaciones en el canto gregoriano siguieron ocurriendo hasta

después de la Edad Media y los inicios del Renacimiento. Una vez mas, fue necesario
delimitar las características de la liturgia y establecer reglas para proteger la pureza del
rito. El Concilio de Trento, que se llevo a cabo desde 1545 hasta 1563, se ocupo en
establecer limites para la liturgia y recobrar la pureza original del canto gregoriano. Esto
se llevo a cabo mayormente al definir los elementos que forman parte de la liturgia, al
encargar recopilar las obras que serian nuevamente aceptadas como „Kanon‟, y en
rechazar aquellas que no fueran consideradas como litúrgicas. Por ejemplo, la iglesia
decidió que solamente se conservarían cuatro „secuencias‟ en la liturgia oficial, cuando
que hasta entonces habían existido muchas mas.

A partir de esos años comienza también la incorporación del órgano de tubos y de

algunos otros instrumentos, principalmente de cuerdas. A partir de entonces, el órgano
de tubos ha llegado a ocupar una parte central de la música en la liturgia, hasta
nuestros días.

VI. La música en las iglesias Protestantes

A partir de la Reforma de Lutero, surgen diversas corrientes cristianas que se

conformaron en comunidades cristianas o iglesias, cada una con alguna postura
particular hacia el uso de la música en el culto a Dios.

La música tuvo un papel muy importante en la difusión del protestantismo, por lo que es
valioso para nosotros estudiar su historia: Nuestros hermanos separados han caminado
por una senda distinta a la nuestra, han tenido algunos aciertos y cometido algunos
errores que conviene conocer, para, como dice San Pablo, “examinarlo todo y
quedarnos con lo bueno”.

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Las iglesias protestantes desarrollaron su riqueza musical de una manera bastante
diferente a la de la tradición católica. Un poco antes de las reformas del siglo XVI, ya
era tradición de la población alemana el traducir himnos del latín a la legua vernácula, y
el utilizar melodías populares con letra sagrada, pero esta costumbre no entraba a los
templos, se quedaba en la devoción popular de los hogares. Durante la obra de la
Reforma, y en los años siguientes, Martín Lutero se preocupó mucho por el papel que la
música desempeñaba para la oración de los fieles, y se dedicó a desarrollar aun mas
obras que estuvieran al alcance de la gente común: escritas en alemán, con lenguaje
sencillo y sin ornamentos y con las melodías populares que mucha gente ya conocía (a
esta práctica se le denomina “contrafactura”), introduciendo esta música a los templos y
predicaciones.

Lutero estaba interesado en que la música resultara atractiva para la gente común, los
campesinos y especialmente los jóvenes. No le importaba tanto el origen de las
melodías, sino más bien el que los cantos comunicaran las verdades de la fe. Se dice
que esta visión para la música religiosa fue una de las cosas que mas actuó a favor de
la difusión del pensamiento protestante, ya que mucha gente se sintió interesada en las
ideas que existían detrás de la música accesible y popular. El mismo Lutero escribió
muchos de los himnos y canciones que continúan siendo cantados en la actualidad.

Sin embargo, este uso de melodías populares y de algunas letras e instrumentos

utilizados por la Iglesia Católica causó descontento en algunos protestantes, entre ellos
Juan Calvino, quien fue líder de la reforma de algunas iglesias de Inglaterra, Escocia y
Ginebra. Calvino creía que los instrumentos musicales habían sido solamente
“tolerados” en el antiguo testamento y que no se debía cantar ninguna cosa que no
formara explícitamente parte de la Biblia. Creía que la alabanza debía ser simple, y se
opuso a cantar con acompañamiento musical, por partes, y a cualquier texto que no
fuera el de los Salmos.

Mucha gente lo siguió, se destruyeron muchos órganos de tubos en los templos

protestantes (por considerarlos “demasiado católicos”) y se descartaron muchas formas
de expresión artística que Lutero había promovido. A lo largo de mas de un siglo,
muchas iglesias siguieron fielmente las creencias de Calvino con respecto a la música,
y sus salmos, escritos en forma métrica, fueron la única música utilizada en la alabanza,
y eran inmensamente populares entre la gente común.

Estos Salmos, que llegaron a ser conocidos como el “Salterio de Ginebra”, eran el
producto de la traducción de Clemente Marot, francés, quien se refugio en Ginebra, y la
obra de Luis Bourgeois, de Ginebra, quien acomodó la métrica a melodías populares, y
quien era el encargado de a música en la iglesia de hugonetes que dirigía Calvino.

Los Salmos fueron traducidos e llevados a otras regiones de protestantes (Escocia,

Inglaterra, Francia, Suiza, Alemania, Holanda y Dinamarca.) Una vez que se volvieron

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populares, estos salmos adquirieron carácter sagrado para los calvinistas, y nadie
estaba autorizado a hacerles cambios.

La situación de la música siguió de la misma manera, hasta finales del siglo diecisiete,
cuando Isaac Watts llevó a cabo una renovación de la música religiosa por medio de la
introducción de los himnos. Los salmos métricos de Calvino habían perdido su frescura,
y eran de poca belleza estética y poética debido a la rigidez de la métrica. Watts sintió
la necesidad de introducir nuevas formas de música en el culto, y comenzó a escribir
himnos, muchos de los cuales siguen siendo utilizados actualmente. Por eso, a Watts
se le conoce como el padre de la himnología inglesa, y fue considerado “radical” por
utilizar material no solamente de los salmos, sino también del nuevo testamento, y
preocuparse por la belleza lírica de las composiciones, valiéndose de la poesía.

Al principio Watts se enfrento con el rechazo de la gente de su tiempo, que tenían muy
en alto el valor de la tradición, y a quienes les resultaba difícil abrirse a nuevas formas
de alabanza. A través del tiempo, sin embargo, los himnos fueron ganando aceptación y
popularidad, hasta convertirse en parte de la tradición, que no podría ser fácilmente
suplantada.

A principio del siglo dieciocho, los hermanos John y Charles Wesley jugaron un papel
muy importante en la renovación de la iglesia inglesa. La religión y moralidad habían
decaído, y muchas iglesias estaban sin vida. Los hermanos Wesley, fundadores del
metodismo en Norteamérica, reformaron la vida de la iglesia, y Charles en particular se
preocupo por renovar la música de alabanza. Charles desarrollo muchos himnos,
particularmente himnos que hablaran de la evangelizaron y la experiencia cristiana, y el
contenido de sus obras era mas subjetivo que objetivo, en contraste con el trabajo de
Watts.

Charles también se distinguió por utilizar la música popular de la época, tanto de la

opera como de el folclor ingles. Los himnos de los Wesley contribuyeron enormemente
a la difusión del metodismo, ya que hacían uso de lenguaje sencillo y música que la
gente ya conocía.

En Norteamérica, las canciones de “Country Gospel” vinieron a ser el producto de

distintas renovaciones y avivaciones que ocurrieron a lo largo del siglo dieciocho y
principios del diecinueve en diferentes partes de los Estados Unidos. En
Massachussets, empezando en 1734, ocurrió un “Gran Despertar” gracias a la
predicación de Jonathan Edwards, quien introdujo los salmos métricos y los himnos de
Watts y Wesley. Al paso de los tiempos, estos fueron modificados para que fueran mas
accesibles para la gente común, o las masas de la ciudad. Nuevos cantos fueron
compuestos que reflejaran el estilo popular, y las letras de los himnos de Watts y
Wesley se ajustaron a nuevas melodías de estilo popular, como baladas, marchas y
melodías de marineros. Algunos hicieron compilaciones de estas nuevas obras y los

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convirtieron en himnarios, como fue el caso de los Bautistas Rurales en 1766. Una
nueva generación, que correspondió al “Segundo Gran Despertar”, desearon un cambio
de estilo, e hicieron las letras de los himnos mas simples para que pudiesen ajustarse a
música movida y que pudiera bailarse, con influencias de la música del pueblo afro
americano.

Este desarrollo de la música evangélica preparó el terreno para la creación de la música

Country Gospel del siglo diecinueve, que fue el producto del trabajo de D. L. Moody e
Ira Sankey. Moody fue un predicador estadounidense de gran fama, quien atraía
grandes multitudes y obró para la conversión de muchos. Moody escogió a Sankey para
que dirigiera la música que él utilizaba. Sankey utilizaba un estilo muy popular, con
raíces en las melodías folklóricas inglesas, escocesas e irlandesas. Moody y Sankey
introdujeron el uso de himnos en las iglesias escocesas en un viaje que realizaron al
Reino Unido, aunque al principio se enfrentaron con algún rechazo por parte de las
autoridades, por considerarlos irreverentes, utilizando música “del mundo”, instrumentos
“del diablo” (Sankey usaba un armonio, un pequeño órgano de pipas), y letras que no
venían de la Biblia. Sin embargo, con el paso del tiempo, la música de Sankey fue
aceptada.

Otro grupo protestante que también se valió de la música para difundirse fue el Ejército
de Salvación, fundado por William Booth en la segunda mitad del siglo diecinueve en
Inglaterra. Booth había sido un ministro protestante, pero viendo como las masas no
eran alcanzadas por las labores de la iglesia anglicana, se mudó a los barrios pobres de
Londres para trabajar con la gente común en 1865. Booth promovía la música en su
movimiento porque entendía que era la mejor manera para tocar el corazón de la gente.
Los grupos del Ejercito de la Salvación utilizaban toda clase de instrumentos, como
violines, violas, cellos, trompetas y otros metales, así como percusiones y baterías de
diversos tambores y platillos. Los grupos musicales del Ejercito de Salvación, conocidas
como las “Bandas Aleluya”, se volvieron inmensamente populares y atrajeron a mucha
gente de la clase obrera a convertirse. Booth utilizaba melodías seculares, les
cambiaba la letra, y usaba mensajes sencillos y fáciles de memorizar en sus canciones,
ya que la mayoría de la gente con la que se encontraban no conocía las melodías de
los himnos tradicionales y no podían leer. La música de Booth se encontró con fuertes
criticas por parte del clero anglicano de la época victoriana, quienes se oponían al uso
de música de origen mundano, pero Booth creía firmemente que en la tarea de la
evangelización la música era un elemento clave para poder hablar de Dios, y que por la
naturaleza la música y los instrumentos musicales no eran “propiedades del diablo”,
sino de Dios.

Con el tiempo, el Ejército de Salvación logró aglutinar a miles de almas, y su labor

humanitaria y proselitismo religioso se han expandido a mas de 85 países en el mundo.

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Como vemos, nuestros hermanos separados promovieron el uso de la lengua vernácula
en el canto muchos siglos antes que nosotros los católicos, y tuvieron una gran eficacia
en sus métodos de adaptación musical a la cultura del tiempo, es decir a la
inculturación. Llama la atención la oposición que recurrentemente se presentaba entre
lo nuevo y lo tradicional, el uso de textos bíblicos y no bíblicos, el uso o no de las
formas musicales “modernas” y de los instrumentos. También destaca el hecho de que
varias veces esta oposición fue radicalizada y hasta satanizada, como aquel episodio
de la quema de órganos de tubos en los templos de los seguidores de Calvino.

Que podemos aprender?...

Podemos identificar en este “debate de 5 siglos” de nuestros hermanos separados

elementos comunes a los “puntos de equilibrio” que dieron lugar a la renovación
litúrgica impulsada en la Iglesia Católica a partir del Concilio Vaticano II. En este
Concilio pusimos las bases para un mejor equilibrio entre participación y solemnidad:

1) Incorporamos a nuestra liturgia y a nuestros cantos la lengua vernácula, pero a la

vez seguimos usando liturgia y cantos en latín cuando sea lo mas apropiado y
solemne;
2) Promovemos la participación del Pueblo en el canto, pero a la vez intentamos no
perder la belleza artística de nuestra música histórica;
3) Preservamos la riqueza de nuestra tradición musical (canto gregoriano) pero a la
vez promovemos la composición de cantos dignos y hermosos en lengua
vernácula;
4) Incorporamos a nuestra liturgia y la música los elementos valiosos de nuestra
cultura (inculturación) pero evitamos elementos inadecuados o pecaminosos;
5) Privilegiamos los cantos basados en la Biblia y en los escritos de los Padres de
la Iglesia y de los santos por encima de los cantos basados en la “inspiración
personal”

A partir del Concilio Vaticano II, una preocupación importante de la Iglesia Católica
ha sido lograr la incorporación de la lengua vernácula y a la vez la conservación de
la pureza del canto gregoriano, especialmente por medio de la teoría musical y
recopilación de obras oficiales por medio de la preservación de manuscritos.

A lo largo de los siglos diversos músicos han deseado volver a la belleza del canto
original, rechazando deformaciones y conservando la pureza y sencillez de la
monodia, un ejemplo excelente de esta belleza son los cantos y oraciones de Taize,
que se inspiran en la sencillez de ese “canto original”.

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VII. La música católica en la actualidad litúrgica

En la actualidad, la Iglesia sigue considerando el canto gregoriano como el rito oficial de

la liturgia, el canto propio de la iglesia occidental, y continúa promoviendo su uso en
latín, recomendando la creación de „scholas cantorum‟ en la medida de lo posible.

Sin embargo, también reconoce y promueve el papel de otros modos musicales, en la

medida en que sean acordes a la liturgia. Como dice San Pio X: “Cuanto mas sea la
música servidora de la liturgia, mas SAGRADA la música será”.

En este sentido, si la liturgia requiere la participación de los fieles en alguna de sus

partes, será mas sagrada la música que promueva dicha participación que aquella que
la desaliente, siempre que dicha música cumpla con los demás criterios de idoneidad
(véase la charla “Como escoger cantos de la Misa” del nivel intermedio).

La “cadencia y secuencia” de la liturgia sigue estando hermanada íntimamente con las

características del canto gregoriano, siendo los ejemplos más importantes el sagrado
oficio, también conocido como la liturgia de las horas, y el rito oficial de la misa.

VIII. La música católica en la actualidad evangelizadora

La música es un instrumento muy valioso para la evangelización y sabemos que fuera

del templo también debe resonar nuestro canto en conciertos y predicaciones para
atraer a la gente a Cristo. El tipo de música para la misión evangelizadora debe ser
“nueva en sus formas, métodos y fervor”, como lo es la Nueva Evangelización, y sin
embargo eso no significa que pueda o deba desenraizarse de nuestros valores
musicales “litúrgicos” históricos como si no existieran. Claro que no vamos a predicar
en latín, porque nadie nos entendería en la calle, pero los elementos “litúrgicos” de
nuestros cantos deben de estar allí presentes: a) Privilegiando la Biblia y los escritos de
los santos sobre nuestra inspiración personal, b) tomando los elementos buenos de la
cultura y desechando los elementos nocivos o pecaminosos, c) promoviendo la
participación de los fieles y d) sin perder la belleza artística de nuestros cantos.

Existen cantos que no son apropiados para la liturgia de la misa y otros que no son
apropiados para la evangelización en la calle, y debemos tener la sabiduría y
sensibilidad para distinguir cuales cantos deben usarse en cada contexto.

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 Nivel Avanzado
Tema 7. Taller de Producción Musical: Grabación

Por el Ing. Carlos Borrego Gzz.

y Federico Carranza

Introducción

(Federico) En la charla “Fundamentos de Producción” del nivel intermedio, vimos

que los pasos que comprende una producción de música católica son los siguientes:

1. Selección de Cantos, (pedir permisos si es necesario)

2. Grabación de un boceto o “draft”
3. Planeación conceptual de los Arreglos Musicales
4. Grabación.
5. Mezcla y Masterización
6. Diseño de la portada
7. Pruebas de color de la portada
8. Maquila

Los temas del 1 al 3 y del 6 al 8 están bastante desarrollados en esta charla, sin
embargo los temas de Grabación, Mezcla y Masterización merecen una mirada más
profunda y a detalle. Para ello, he querido pedirle a mi hermano Carlos Borrego, que
nos de una visión mas completa de estos temas, en esta charla y en la siguiente. Carlos
ha estado trabajando durante más de 14 años en eventos masivos en vivo y por más de
10 años en estudios de grabación. Carlos estuvo a cargo de "Corazón de Arpa
Estudios" (ahora Jésed, Ministerio de Música) donde desde hace varios años llevamos
a cabo la grabación, mezcla y masterización de las producciones del ministerio de
música Jésed, de Jiram, y muchas otras producciones mas, por lo que se ha enfrentado
a una infinidad de retos en las grabaciones que ha elaborado, y tiene una gran
experiencia como productor e ingeniero.

Buscar la excelencia para Dios (Carlos)

La grabación es un concepto del que la gente tiene una idea general, pero que
pocos tienen la verdadera idea de todo lo que implica, y es que al final de cuentas, la
grabación de un disco es el dejar plasmado por mucho tiempo acordes, arreglos,
armonías que, Dios mediante, la gente escuchará una y otra vez y que perdurará por
muchos años.

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 Por eso es tan importante hacer algo de excelente calidad y estar preparados y bien
informados antes de entrar a un estudio de grabación.

En esta charla veremos los puntos principales que debemos de tomar en cuenta
para llevar a cabo una grabación de calidad.

Preparativos para antes de entrar a Grabar: (Carlos y Federico)

1. Oración: Este consejo es fundamental y les pido que lo lleven a cabo para que su
grabación sea todo un éxito: Oren a Dios, pónganse en las manos de Él, déjense
llevar por su voluntad, despójense del yo interior, de su vanagloria, de sus
problemas, de sus preocupaciones, de su cansancio, de todo lo que pueda ser
un obstáculo y permitan que Jesucristo los use antes, durante y después de la
grabación. Créanme, por experiencia les digo que si lo hacen, se asombrarán de
los que nuestro Señor puede hacer con ustedes usándolos como instrumentos
para llevar su Palabra por medio del canto.

2. Pasos previos bien realizados: Antes de entrar a grabar se deben de haber

realizado los pasos descritos arriba: (1) Selección de Cantos, (2) Grabación de
un boceto o “draft” y (3) Planeación conceptual de los Arreglos Musicales.

3. Ensayo: Es importante haber ensayado los temas, los arreglos musicales, las
voces, los inicios y finales, la dicción en las voces, etcétera, para no “llegar a
ensayar a la grabación”. Muchos grupos terminan haciendo eso si no tienen
disciplina, y pierden tiempo y dinero en el estudio.

4. Uso del metrónomo: Les recomiendo procurar (hasta donde sea posible) ensayar
con metrónomo para obtener mejores resultados en la grabación en general, y en
lo posible ensayar con el draft, haciendo copias del draft para todos los que
participarán en la grabación.

5. Designar un productor o Coordinador: Elegir a una persona que coordine la

grabación, ya sea director musical, líder del grupo o coro o el ingeniero del
estudio para tener un orden durante las grabaciones y que sea el portavoz de las
decisiones que se deban de tomar.

6. Lleva las letras, acordes y tu hoja de control: Escribe las letras y acordes de las
canciones y llévalas a la sesión de grabación, con una copia extra para el
ingeniero. Te recomiendo que las pongas en carpetas, (haz 3 o 4 ejemplares) y
pon en tu carpeta tu hoja de control de avance de la grabación. Esta hoja de
control es un sencilla tabla de Excel donde pones en cada renglón una canción y
en cada columna las voces e instrumentos que hay que grabar, y la vas
marcando de “OK” a medida que vas avanzando.

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 7 Instrumentos: Recuerda que muchos estudios no tienen instrumentos. Revisa
tus instrumentos (bajo, guitarra, violín, etc.…) con anticipación antes de entrar a
grabar, ponle cuerdas nuevas a las guitarras con suficiente anticipación para que no
se desafinen durante la sesión, y revisa que no tengan ruidos, zumbidos o fallas
(gran parte de la calidad de una grabación depende de la calidad de sus
instrumentos).

8 Disposición: Acudir al estudio de grabación preparados para dar lo mejor de

ustedes, cada grabación es un proyecto muy importante, porque, Dios mediante,
mucha gente lo escuchará una y otra vez.

9 Programa tus sesiones: se debe planear los días y horarios de grabación, para lo
cual hay que consultar con el encargado del estudio en cuanto a su
disponibilidad, y ya teniendo esta información programar las sesiones de
grabación en función de la disponibilidad de los miembros del coro, grupo, etc.
para ir a grabar.

Consejos durante la sesión de grabación:

1. Procura apegarte al plan de arreglos y voces: Es importante no cambiar los

arreglos o figuras durante la grabación, - a menos que veamos que hay errores
evidentes o cuestiones de estilo que no funcionan para la canción - . Muchos
retrasos en el proyecto de grabación son causados por este tipo de cambios.
Para evitar en lo posible estos cambios es importante haber realizado y probado
previamente los arreglos con una buena sensibilidad musical.

2. No “sobre poblar” el estudio: Es importante que no haya demasiada gente en el

estudio, para que el ambiente sea íntimo, acogedor y propicio para la oración
mientras estás grabando. También te ayuda a evitar que en las sesiones de
grabación haya muchas opiniones y debates entre los hermanos del grupo
respecto a como se está grabando tal o cual cosa: este tipo de discusiones
muchas veces desorientan al ejecutante o cantante, lo ponen nervioso y pueden
estropear su ejecución o interpretación. Por eso

3. No permitas distracciones: A veces llega un visitante inesperado al estudio, que

de buena fe viene a apoyar, o a ver como va la grabación, o simplemente a
saludar al ingeniero. Si no se maneja bien esta situación, puede provocar
distracciones que pueden hacer más difícil concentrarse en la grabación, tanto al
ingeniero como a los ejecutantes. (lo mismo pasa con llamadas telefónicas,
etc.…) Si alguien tiene que hacer una llamada o iniciar una conversación, pídele
amablemente que lo haga fuera del estudio.

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4. No dejes errores “para corregir después”: No dejar pasar errores de voz o
instrumentos en la grabación, de los cuales después te arrepientes por muchos
años de haberlos dejado en la versión final.

5. Date un respiro: Si tus sesiones de grabación son demasiado largas, corres el

peligro de que el cansancio empiece a afectar el rendimiento del ingeniero, de los
músicos o de las voces. Conviene que cada 2 o 3 horas te des un receso de
unos 10 minutos, te despejes (tanto tú como los músicos, voces y también el
ingeniero) y verás que regresas mas fresco para continuar grabando. Estos
recesos son especialmente importantes si tu sesión de grabación es por la noche
después de un día de trabajo pesado.

6. Mantén un ambiente fraternal y positivo: A veces la tensión y el nerviosismo de

estar grabando afecta a las personas y puede crear un ambiente de mal humor,
fricciones o la sensación de que “no está saliendo bien” la grabación. No pierdas
de vista que todo lo que hacemos es para gloria de Dios, mantén un ambiente de
buen humor y cordialidad. Procura que no se generen fricciones entre los que
están en el estudio.

7. No dejes de orar!!!: cuando estés grabando procura estar ORANDO al Señor,

tanto con lo que tocas como con lo que cantas. ¡Métete en la canción! Si la
canción es de pedir perdón, ¡Pide perdón a Dios sinceramente! Si la canción es
alegre, ¡Alégrate! Todo eso se transmite en la forma en que la canción queda
grabada.

8. No te emociones “ni poco ni demasiado”: No dejes que la emotividad te afecte

demasiado al grado de perder la objetividad o de que se distorsione lo que estás
cantando. Recuerda que nuestra afectividad forma parte de nuestra relación con
Dios y de lo que estamos transmitiendo cuando grabamos, de modo que no la
reprimas, pero acuérdate que debes expresar tu emotividad mesuradamente
para no sonar meloso o falso. Fíjate como tantos discos grabados en vivo
resultan tan buenos, muchas veces mejores que grabaciones muy concienzudas
en estudio de grabación, porque los músicos y cantores le meten el corazón en la
grabación en vivo con mucha libertad, y a veces en el estudio eso puede llegar a
perderse.

9. Procura grabar con metrónomo: Es altamente recomendable que tanto en los

ensayos, como en la grabación misma sea utilizado el metrónomo. Este
maravilloso aparatito nos ayudará en todo momento a cantar y tocar
completamente “cuadrados” es decir a tiempo, llevándonos en todo momento en
la velocidad justa del canto, esto es, no de pronto ir mas rápido y luego mas
lento, sino llevar el tiempo exacto tanto al inicio, como el final. Con esto es
posible después lograr trucos increíbles en el estudio digital, como es el copiar

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 un acorde, una frase, inclusive todo un coro y pasarlo a otra parte de la canción.
Ahora bien, ésta recomendación puede costarle trabajo a muchos músicos
“líricos” pero es de vital ayuda e importancia para la grabación. Créanme, para
el ingeniero es de un estudio digital es maravilloso trabajar con el metrónomo
porque te da una gama muy amplia de posibilidades tanto en la grabación, en la
ejecución, como en lo profesional en lo posterior. Al principio cuesta trabajo
acostumbrarse a usarlo, pero al ver el resultado de su uso lo agradecerán en el
futuro.

Métodos de Grabación:

Hay diversas maneras de grabar, dependiendo de la habilidad de los músicos y

voces y de la disponibilidad de sus agendas. Si todos son músicos y voces excelentes
se pueden grabar todos juntos, y que la grabación quede en una sola toma (esto es lo
que hacen los grandes coros y orquestas). Sin embargo si no todos son “súper buenos”
esto no es recomendable, porque si bien se reduce costo (y claro que aquí todos están
contentos), y se reduce tiempo invertido (aquí todos estarán de acuerdo), también se
reduce "la calidad final"..... (¿Como que aquí no estaría muy de acuerdo nuestro Dios,
verdad?). Esto es porque con esta forma de grabar no se podrán corregir errores de
ejecución, de afinación, de dicción, de descuadres, etc. etc.

Otra forma es grabando todos los músicos al mismo tiempo, tratar de arreglar los
errores significativos y después grabar las voces. Esta opción aumenta un poco mas la
calidad, pero no queda exenta de errores en la grabación y por consiguiente quedaría
solo como una grabación satisfactoria.

La mejor y la mas recomendable forma de grabar, considerando que no tenemos

músicos y voces profesionales, (y lo digo como productor, no como ingeniero) es
llevarla a cabo comenzando por la voz e instrumento guía, luego la base rítmica,
instrumento por instrumento,(esto implica un mayor costo, mayor tiempo, "pero" con una
excelente calidad final digna de nuestro Dios), esto es, que primero entrarían a grabar
los músicos y una voz guía, y se concentraría la grabación principalmente en el ritmo o
la base principal, como por ejemplo, la batería o las percusiones y luego, ya que queda
grabada la guía general, se procede a grabar el bajo, luego la guitarra, el teclado, la
flauta, etc. y cada instrumento se graba por separado para poder darle el sonido
específico y para poder editar cada instrumento (de esto hablaremos mas adelante).

Ya que queda la música lista, entonces se lleva a cabo la grabación de las voces,
donde se cuida en cada parte del canto la intención, la dicción, la sincronización de las
frases, las terminaciones y sobre todo la afinación.

En la mayoría de los casos, es altamente recomendable tener una o varias

sesiones para grabar solo a los músicos y a una voz guía, sin que estén presentes las

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voces, mas que nada para no hacer perder el tiempo a los que cantarán, pues no
conviene tenerlos esperando en el estudio a que se termine de grabar la música.

Con respecto a la edición en la mezcla, permítanme explicarles de que se trata.

Cuando un canto es grabado en el estudio comúnmente hay equivocaciones de
ejecución o de interpretación, y para ello se recurre a la edición, que es la herramienta
fundamental del estudio, donde se detiene la grabación, se retrocede un poco el canto y
luego se vuelve a reproducir, y mientras el ejecutante o el intérprete toca encima de lo
que está escuchando el ingeniero vuelve a grabar sobre la parte equivocada y al cubrir
el error con la nueva grabación se detiene y queda arreglado el error, de esa manera no
queda indicios de que hubo alguna equivocación, y este trabajo se puede llevar a cabo
una y otra vez hasta que la falla quede corregida.

Plataformas de grabación:

1. Grabación Analógica: En los años ’80 los estudios eran analógicos, y los “tracks”
se grababan en una cinta gorda, de 16, 32 o hasta 64 canales. La cinta corría y
en ella se iba grabando todo. Cada edición de un segmento de un track borraba
la versión anterior, con el riesgo de que si la nueva versión no era buena, se
perdía una que quizá si lo era. Aunque la grabación analógica era muy tediosa,
la calidad y “calidez” auditiva era excelente. Hasta la fecha algunos estudios
conservan su plataforma de grabación analógica por esa calidez auditiva que se
logra, como se siguen usando amplificadores de bulbos a pesar de que los
puede haber de circuitos integrados. Algunas desventajas de la grabación
analógica son el “gis” o ruido ambiental que se va acumulando, el alto costo de
estos equipos, su dificultad de mantenimiento y lo tedioso que es editar en ellos.
Obviamente no se puede “copiar” un segmento de un track para reproducirlo en
otro lado. Actualmente la grabación analógica es probablemente un lujo indicado
para grabar orquestas profesionales, porque se basan en “una sola toma”.

2. Grabación tipo “ADAT”: En los años ’90 surgen las primeras plataformas
digitales, basadas en cinta tipo VHS o súper VHS, que grababan digitalmente,
pero sobre una cinta, de modo que se mejora significativamente la eliminación de
gis, las necesidades de mantenimiento se reducen, y se facilita la edición, por la
posibilidad de “marcar” digitalmente el inicio y terminación de las secciones a
editar. Cada maquina ADAT tiene 8 canales disponibles las limitantes en cuanto
a copiar y pegar, afinar, cuadrar está totalmente descartado en este sistema.

3. Grabación en disco duro: Hay otros tipos de sistemas de grabación que son
comunes como los de grabación a disco duro (sin computadora),
http://www.alesis.com/product.php?id=1 como el HD24, en este tipo de sistemas
sí se pueden llevar a cabo ediciones, copiar y pegar, y recuperar, pero el sistema
no es tan amigable como el sistema siguiente.

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 4. Grabación en Computadora: En poco tiempo este sistema de grabación en
computadora se ha convertido en el estándar de la mayoría de los estudios de
grabación, tanto home studios como los estudios profesionales. Aquí las ventajas
de una buena grabación son prácticamente infinitas, ya que no necesitamos las
molestas cintas de grabación, y no necesitamos tampoco de mucho
mantenimiento (ojo, no he dicho que no se necesita mantenimiento) ni costosos
equipos, solo requerimos (depende de lo profesional que se quiera ser), se
puede copiar y pegar, se puede afinar, se puede cuadrar, se puede duplicar, se
puede hacer prácticamente lo inimaginable, aquí lo único es el tiempo que se le
desee dedicar, mientras más tiempo, mejor producto (aplican restricciones….. es
decir…… estos sistemas no tiene una varita mágica que hace milagros), En
estos sistemas de grabación por computadora hay una gama impresionante de
marcas, compañías, precios y características, por lo que hay para todas las
necesidades, desde grabación totalmente amateur hasta la más profesional, con
sincronía para audio-video, grabación y edición midi, edición de partituras,
grabación multitrack, masterización, y todo dentro de un solo sistema de
software. Hasta ahora los software mas profesionales son operados en el
sistema de Macintosh aunque hay excelentes software y muy profesionales para
sistemas Microsoft. http://www.corazondearpa.com.mx/estudio/equipo.htm

Grabando a tiempo:

Ahora bien, otro punto que dejamos pendiente y que les voy a mencionar para
muchos no será muy agradable y para otros será desconocido, pero es de vital ayuda e
importancia para la grabación: Es altamente recomendable que tanto en los ensayos
(especialmente con los que llevan el ritmo), como en la grabación sea utilizado el
metrónomo http://www.korg.com/gear/info.asp?A_PROD_NO=MA20 , este maravilloso
aparatito nos ayudara en todo momento a cantar y tocar completamente cuadrados
llevándonos en todo momento en la velocidad justa del canto, esto es, no de pronto ir
mas rápido y luego mas lento, sino llevar el tiempo exacto tanto al inicio, como el final, y
así, poder lograr trucos increíbles en el estudio como es el copiar un acorde, una frase,
inclusive todo un coro y pasar lo en otra parte de la canción, créanme, es maravilloso
trabajar con el metrónomo porque te da una gama muy amplia de posibilidades tanto en
la grabación, en la ejecución, como en lo profesional en lo posterior, al principio se
resistirán a usarlo, pero créanme, al ver el resultado de su uso lo agradecerán.

Esto es solo una pequeña guía que espero les sea útil para su próxima
grabación, pero probablemente puedan surgir algunas otras dudas que con gusto les
podré asesorar en su momento.
Que el Señor les bendiga.
Carlos Borrego

© Copyright – Derechos Reservados Jésed Ministerio de Música www.jesed.org

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 Nivel Avanzado

Tema 8.Taller de Producción Musical:

Edición, mezcla y Masterización.

Por el Ing.Carlos Borrego Gzz.

Introducción

En esta charla profundizaremos más en lo que respecta a los detalles más importantes
(técnicamente hablando) de una producción de musical, tanto para los que son clientes
de un estudio como para los que tienen la posibilidad de tener uno:

Como veremos conceptos de edición, mezcla y masterización, conviene saber a que

nos referimos con estas palabras:

1. Edición: Por edición entendemos la tarea de corregir partes equivocadas de una

grabación, ya sea en tracks independientes como en mezcla terminada, ajustar tiempos,
entonaciones, etc.
2. Mezcla: Significa la tarea de modificar, ajustar, ecualizar y colocar los volúmenes
de cada instrumento y voces en un nivel deseado.
3. Masterización: La masterización es un proceso que se aplica a la mayor parte
de las grabaciones para crear un disco con niveles de volumen uniforme, buscando el
mismo color del sonido y ajustes generales en toda la producción, y que además se
escuche bien en cualquier equipo de sonido: desde un pequeño radio hasta un aparato
muy grande, conservando las mismas cualidades sonoras.

1.) EDICIÓN:

En el taller de “Producción musical: Grabación”, vimos el concepto de la edición: cuando

se graba un canto con errores de ejecución o de interpretación, se detiene la grabación,
se retrocede un poco el canto y luego se vuelve a reproducir, y mientras el intérprete
toca o canta de nuevo, se graba hasta que el error quede corregido.

Existen diferentes tipos de sistemas de grabación y hay ventajas y desventajas entre un

sistema y otro. Conviene conocerlas para cuando estemos en un estudio de grabación
ya sepamos lo qué pueden esperar de cada sistema.

a) Edición desde un sistema análogo: Este tipo de edición se utiliza todavía en

algunos estudios, donde graban con sistemas en cinta, se encuentran desde cintas de

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¼ hasta de 2 pulgadas y pueden grabar desde 8 hasta 24 canales. En éste tipo de
sistemas lo que se hace es detectar el lugar donde está el error, se regresa un poco la
cinta, el músico o cantante empieza a ejecutar sobre lo ya grabado y el ingeniero entra
a grabar fracciones de segundo antes del error y sale fracciones de segundo después,
siempre confiando en la habilidad del ingeniero de que no borre antes o después del
lugar del problema, de otra manera se tendrá que grabar lo que lamentablemente se
borró.

b) Edición desde un sistema de grabación digital en cinta: Existen otros

estudios que utilizan sistemas digitales en grabación a cinta. Estas grabadoras manejan
la misma logística que las grabadoras análogas, es decir, grabas encima del error las
veces que sean necesario con la esperanza de que la parte a corregir quede mejor.
Estas máquinas utilizan cintas de VHS especiales o cintas parecidas a los de las
cámaras de video análogas. Estos aparatos pueden grabar desde 8 y hasta 32 canales
dependiendo del modelo, y una desventaja adicional es que tienen las máquinas suelen
presentar problemas con la condensación interna cuando hay cambios considerables de
temperatura.

En muchas ocasiones estos sistemas tienen el grave riesgo de que, como cualquier tipo
de cinta se llegue a atorar, romper o masticar y se pierda valiosísima información que
difícilmente se pueda recuperar.

c) Sistema de grabación digital a disco duro en gabinete: Existen otros sistemas

compactos y prácticos con los que se pueden grabar, algunos de ellos vienen incluyendo la
mezcladora integrada y quemador de disco final. Estos sistemas tienen mucho más
beneficios que los arriba mencionados por varias razones, una de ellas es por la enorme
ventaja de poder deshacer la última acción (“undo”) y pueden recuperar la toma anterior
salvando la toma deseada, además de que es mucho más económico al utilizar la grabación

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a disco duro pudiendo hacer respaldos de la información en cualquier momento tanto a CD
como a DVD.

d) Sistema de grabación digital a disco duro por medio de una computadora: Este
sistema en particular es mi preferido por las ventajas que ofrece para la edición: poder
mover los tracks a nuestras necesidades, afinar instrumentos o voces, aplicar infinidad de
plug ins para incrementar la calidad final, copiar y pegar partes específicas y los
“maravillosos UNDO” infinitos, así que, si después de grabar 15 tomas se decide que la
segunda era la mejor, pues solo se pone la segunda toma y listo. Hay muchísimas marcas
dedicadas al audio profesional y para las plataformas Windows y Macintosh, yo prefiero el
sistema Macintosh por ser una plataforma mucho más confiable y rápida. Ejemplo claro es el
actual sistema de grabación con el que contamos en nuestro estudio, un sistema 100%
digital que brinda todas las ventajas inimaginables para editar, hasta inclusive convertir el
audio en midi y viceversa!

La edición para corregir errores de grabación es solo una parte de todo el concepto de
edición: en el proceso final, cuando ya todo está grabado, se recurre de nuevo a la edición,
es decir, se deben de revisar que todos los instrumentos suenen uniforme, que no tengan
errores que se hayan escapado durante la grabación, se revisan que los instrumentos y las
voces estén afinados, ejecutados en el tempo de la canción, etc…

A manera de ejemplo: Supongamos que dentro de la ejecución de la batería y el bajo

detectamos que un golpe del bombo está fuera de tiempo respecto al bajo, bueno, entonces
se recurre a la edición, donde, con los nuevos sistemas de grabación se puede seleccionar
el golpe del bombo y moverlo al tiempo del bajo.

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En algunas ocasiones escuchamos que la guitarra se escuchó mejor un acorde en el primer
coro y en el segundo se escuchó un poco mal, en esos casos, se asigna ese acorde, se
copia y se pega en el segundo coro haciendo que la guitarra se escuche perfectamente en
las dos partes.

Métodos para la edición:

a) Revisando en orden: Antes de iniciar con el trabajo de la edición se debe de

contemplar un orden en la edición, es de vital importancia revisar toda la canción con los
volúmenes lo más aproximado a la mezcla final (sin dedicar tanto tiempo a llevar los niveles
a este propósito) y de preferencia hacer la revisión sin nada de efectos para detectar con
mayor facilidad lo que deberán editar en cada canción. Al iniciar la revisión del tema es muy
útil usar marcas en el sistema para señalar el detalle que se detectó o en su defecto usar
una hoja de trabajo donde se anote el problema que se detectó, que instrumento o voz tiene
el problema y el tiempo en donde se ubicó, todo esto haciendo pausas en la canción,
regresando ligeramente la tema y al tener ya identificado el punto a editar seguir
escuchando el resto hasta finalizar.

b) Editando la voz: El instrumento más delicado, más valioso y de mayor importancia es

la voz, por lo cual, cuando se edite, preferentemente se debe hacer escuchando solamente
el canal de la voz con la que se va a trabajar y sin nada de efecto, de esta manera se podrá
detectar perfectamente todos los detalles que necesitas trabajar, como afinación, intención,
volumen, etc. En muchos sistemas digitales, como el que cuenta nuestro estudio, puedes
tener la valiosa herramienta de tener varias tomas de la voz y poder usar una pequeña frase
de una toma, la siguiente frase de otra y así sucesivamente, esto te da muchas más
opciones de un trabajo de mayor calidad. Al estar editando en estos sistemas, donde
puedes tener visualmente el audio conforme a las curvas sonoras de la grabación podrás
hacer uniones en las curvas de tal manera que logres hacer imperceptibles tus ediciones.
Una vez terminado el proceso de la edición de la voz podrás activar el audio de los
instrumentos y escuchar el trabajo realizado y revisar si no se ha escapado algún detalle.

c) Editando instrumentos: Dentro de la edición de los instrumentos pueden toparse con

algunas variaciones de sonido exageradas con las que deberán trabajar, por ejemplo, los
golpes de las percusiones o batería con muchos altibajos, el bajo eléctrico en ciertos
registros sonoros que se pueden llegar a disparar o sonidos muy graves que deberán de
ecualizar en forma independiente del resto de la toma.

Observen la gráfica de audio con detalles, muchas de las veces podrás detectar, además de
auditivamente, visualmente, esto es de gran ayuda para discernir el trabajo que se debe
elaborar.

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Peligros y prevenciones:

a) Prioridades en correcciones: Cuantas más herramientas se tengan a la mano, más

perfecta podrá quedar la edición, “pero cuidado”, se debe de evaluar el tiempo que se tiene
para dedicarle a la edición, ya que podrán enfrascarse durante muchísimo tiempo
perfeccionando la edición y no se dejará el tiempo indispensable y valioso para la mezcla.
Les recomiendo hacer una lista de las correcciones que se requieren y luego priorizarlas por
que tan relevantes son, con número 1, 2 y 3. Comienza por las mas relevantes y si te queda
tiempo sigues con las de segundo nivel, etcétera. De esta manera el tiempo para la mezcla
quedará a salvo.

b) Cuidar las exageraciones: Muchas veces durante la edición pueden llegar a caer en
la exageración usando todos los recursos posibles para detallar y afinar una voz o un
instrumento a tal grado que el trabajo final quede casi como robotizado, “ojo”, lo natural es lo
mejor, es decir, pueden existir algunos detalles que se deban de dejar tal y como están, que
no afectan en la mayoría de los casos el sonido de la canción y sí aporta un sentido natural y
humano dentro del disco.

c) Siendo objetivos: Hay muchas personas que tienen un don especial para detectar
errores a primer oído, y también hay muchas personas que tras escuchar el “supuesto error”
nunca lo detectan, por ello en este caso se debe de ser muy objetivo al trabajar en las
ediciones. Cuando se llegue a detectar un “supuesto error” paren el audio, regresen al
menos 10 o 20 segundos y vuelvan a escuchar la parte “pero objetivamente” y evalúen si
realmente existe un problema y si es necesario arreglarlo.

2.) MEZCLA:

Método para la mezcla:

Parámetros apropiados y tips importantísimos:

La mezcla es como una pintura, si la miran muy de cerca no les agradará y les molestarán
varios elementos, pero conforme se van alejando de la pintura empezarán a disfrutar de lo
que ven, es exactamente lo mismo en las mezclas, no necesariamente deben de lograr un
sonido fantástico en una guitarra por ejemplo, que van en armonía con un teclado, un bajo
eléctrico, una flauta, una batería y voces, probablemente al escuchar todo en conjunto
sentirás que todo se escucha muy desagradable, esto es porque te acercaste al cuadro a
tratar de una línea quedara perfecta y al alejarte del cuadro ya no hace armonía con los
demás elementos; al ecualizar, nivelar, panear, comprimir o automatizar la guitarra se darán
cuenta que el problema ha sido resuelto y encontrarán una mezcla mucho mejor.

a) Volumen, Niveles: Los niveles de cada instrumento y voces en una mezcla son
importantísimos, por ello se deben de tomar (a mi humilde criterio y experiencia) las
siguientes directrices:

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1. El instrumento principal de un tema siempre será la voz, por ello se deberá de cuidar
durante toda la mezcla para que siempre esté presente, clara y procurando un nivel
de volumen uniforme dándole siempre su libertad natural durante toda la canción.
2. En segundo término yo sugiero que deberá de estar la base rítmica, es decir,
percusiones, batería, bajo, etc. De esta manera el tema tendrá siempre su fuerza y/o
su intención.
3. En un tercer término deberá de estar la armonía, que vendría siendo, guitarras,
teclados, instrumentos de viento, instrumentos de cuerdas, instrumentos de metales,
etc. Estos instrumentos le dan un acompañamiento sin distraer o saturar al oyente.
4. Instrumentos de solistas, cuando la voz deja de cantar, se le deberá de dar el
volumen aproximado al que tiene la voz, ya que ese instrumento en ese momento es
la voz principal. “Importante” Se debe de cuidar en forma muy especial la entrada y
salida al instrumento que hace la parte de solista para que no entre muy rebuscado y
que al salir no se vaya a sentir un vacío en la canción y que con esto se provoque una
sensación de que la canción se cayó en ese momento.

b) Ecualización: ¿Quieren tener una buena ecualización? El secreto está en tratar de

hacer sonar cada instrumento tal y como suena en vivo, de manera que la mezcla se
escuche natural, pero también puedes combinar sonidos muy naturales con sonidos muy
ecualizados, para dar una sensación diferente.

c) Otros elementos importantes de la mezcla son:

1. la distribución de espacio o paneo, es decir, con un sistema estereo, algunos
instrumentos se escuchan a la izquierda otros a la derecha, al centro, o en diferente
grado de estereofonía. Deja que el ingeniero use el paneo con creatividad.
2. Los efectos, tales como: el Reverb, el Delay, el Chorus, Flanger, etcétera.
3. El compresor, que sirve para atenuar el volumen de los pasajes más altos de un
instrumento o voz, bajando el volumen de los picos de señal más altos, y permitiendo
así, una vez comprimido, elevar el volumen general del canal sin que los picos de
señal (ahora atenuados) puedan llegar a producir distorsión.

d) Premezcla: Conviene pedir al ingeniero que te de una versión preliminar de la

mezcla final para escucharla en tu casa tranquilamente y darle comentarios

e) Guarda los parámetros de la mezcla: Dado que es posible que tengas varias
sesiones de mezcla y quizá quieras hacer cambios después, pídele al ingeniero que
guarde los parámetros de la mezcla (Si su mezcladora tiene memoria, como la
Yamaha O2R, lo podrá hacer dándole “store” a la mezcla existente y guardarla bajo
un nombre, si no tiene memoria, deberá anotar en un formato en hoja de papel los
niveles y parámetros de cada canal de la mezcladora)

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Cuando terminas muy noche un día de mezcla, el ingeniero puede estar algo cansado y tú
también, entonces, con más razón, recuérdale de guardar los parámetros de la mezcla, para
que en la próxima sesión no tenga que comenzar desde cero.

Después de que escuches la “premezcla”, verás que tienes comentarios y modificaciones

que hacer a la mezcla de modo que pide una segunda sesión de mezcla y concéntrate en
las canciones en las que quieres cambios.

f) Aprovecha para hacer la pista! Cuando hayas terminado de mezclar un tema a

satisfacción, pide al ingeniero que, poniendo “mute” a las voces, vuelva a hacer la mezcla
pero ahora de la pista. No te toma mas que 5 minutos por canción, y terminarás teniendo
las pistas de todo tu disco. Si lo dejas para después te costará más tiempo de estudio y
corres el riesgo de que tus tracks ya no estén disponibles.

g) No te apresures demasiado a terminar: Recuerda que todo el trabajo de grabación

se puede echar a perder por una mezcla hecha a las carreras y que por las prisas de
terminar se te pueden quedar errores. No exijas al ingeniero demasiadas horas seguidas
de mezcla, porque se le cansa el oído y merma la calidad. No mezcles ni dejes que él
mezcle estando desvelado, porque la percepción auditiva está deteriorada

Peligros y prevenciones

a) Síndrome de “yo soy el Ingeniero”:

En éste punto, como debo de ser muy objetivo en este punto, les dejo a continuación a mi
compadre Fede con un excelente punto de vista a este tema:

(Fede) Muchas veces cometemos el error de decirle al ingeniero del estudio que es lo que
queremos que él haga, en términos demasiado específicos: “ponle menos graves a la voz”, o
“ponle más medios a la guitarra”. Lo que sucede entonces es que nosotros empezamos a
hacer el trabajo del ingeniero, con consecuencias casi siempre nefastas!! El ingeniero lo
puede hacer, pero en ese momento tú te conviertes en ingeniero, y él solo puede hacer lo
que tú le digas, lo que no necesariamente es lo que tú quieres lograr.

Para evitar este síndrome, lo que debes de hacer es abstenerte de usar un lenguaje técnico
y mas bien decir al ingeniero lo que quieres lograr, o lo que sientes que le falta a la mezcla:
“La voz la siento muy opaca, ¿Puedes hacerla mas brillante?” o “¿Puedes hacer que la
guitarra se oiga con mas cuerpo?” De esa manera dejas al ingeniero que haga su trabajo
con todos los recursos que él tiene a la mano, y no solo con los que tú conoces. Él puede
por ejemplo aumentar el reverb, o cambiar el paneo, o mover la ecualización o la
compresión, en fin, mil y una otras artimañas diferentes a simplemente “poner menos
graves” o “mas agudos”.

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Otra forma de hacer estas aproximaciones al ingeniero es decirle que estado de ánimo
quieres enfatizar, usando analogías o imágenes: “quiero que se oiga…” “…mas solemne”, o
“mas profundo”, o “mas jovial”, o “mas lánguido” o bien, “siento que se escucha demasiado
triste”, o “demasiado oscuro”, o “demasiado plano…” O incluso “Quiero que se sienta como
un amanecer…” o “como una fiesta”, o “como un desfile…”

Si te fijas, no estas usando términos de sonido, sino de imagen, y eso le da al ingeniero una
idea de cómo quieres que suene, pero sin decirle que hacer, y él tiene que ingeniárselas
(para eso es ingeniero) para encontrar lo que tú quieres.

Otra manera de referirnos a “volumen” es usar términos como “mas atrás”, “mas presente”,
“demasiado fuerte”, o de plano, “no aporta, es mejor alejarlo”. Eso deja la libertad al
ingeniero de mover volumen u otros parámetros de la mezcla (paneo, efectos, compresores)
para lograr lo que estamos pidiendo.

b) Síndrome “my baby”:

Este síndrome es de lo más común en los estudios, donde a algunos integrantes o

personajes muy específicos que están en la mezcla no son objetivos en la mezcla y en lo
único en que se preocupan es en su propia voz o instrumento, no ponen en una balanza los
niveles de cada instrumento, si no que dicen por dar un ejemplo, un bajista dice: “my baby”
no se escucha, necesita más volumen y le urge más punch, y al obedecer a sus indicaciones
inmediatamente empiezan los problemas en la mezcla, ya que al hacer los ajustes al bajo se
ve afectados otros instrumentos e inclusive las voces y ahí empieza la guerra de “my baby”.
El consejo más valioso en este caso es que valoren los niveles y sonidos de otros
instrumentos y pidan que otros revisen a su instrumento o voz

c) Síndrome “I did it my way”:

Al estar toda tu grabación lista para la mezcla muchas veces podrás toparte con personajes
o incluso ingenieros que mezclan tu producción si avisarte y solo llegan con el disco ya
terminado sin haberte tomado en cuenta, “cuidado”, es muy recomendable escuchar la
opinión “objetiva” de los integrantes o del ingeniero para la elaboración de la mezcla, y para
esto pueden juntarse para que la o las personas que se encargarán de la mezcla lleven una
idea clara del sonido que desean imprimir a la hora en que van al estudio para llevar a cabo
la mezcla de los temas.

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3) MASTERIZACIÓN:

Métodos para la masterización:

a) Cómo empezar:

Antes de sentarse usted o con el ingeniero a llevar a cabo la mezcla deben de conseguir
referencias de producciones musicales que les ayude a hacer una buena comparativa para
la masterización. Un punto muy importante es que la masterización no es una varita mágica
que puede arreglar todo, no lleguen pensando eso, lo que lograrán será unificar el sonido de
todos los temas en la producción y podrá mejorar notablemente el cuerpo, el brillo, la
presencia del disco y lograrás en la masterización que el volumen sea igual que las demás
producciones, de tal manera que no necesitarás subir y bajar tu control de volumen ni tu
ecualizador, pero “ojo”, siempre y cuando lo hagas debidamente.

b) Software para masterizar:

Hay una gran variedad de programas que lograrás conseguir para este trabajo, marcas muy
buenas, medianas y muy deficientes, algunos software incluyen las herramientas necesarias
para hacer todo en el programa, otros se deben de conseguir por separado y otros (como los
que uso yo) cuentan con ambas, es decir, viene con sus propias herramientas y puedes
reforzarlos con herramientas que se pueden instalar como plug ins.

El software que particularmente uso yo en el estudio de Corazón de Arpa (ahora Jésed

Ministerio de Música) son los siguientes:

Sony – Sound Forge

Steinberg – WeaveLab

c) Plug ins para masterizar:

¿Qué son los plug ins y cómo funcionan?

Los plug ins son unos productos que se instalan en tu computadora y que te ayudan a
reemplazar los procesadores en rack, es decir, un procesador de efectos, un compresor, un
ecualizador, un de-esser, un limitador, un maximizador, etc. etc. Estos plug ins vienen en
diferentes formatos, por lo que, antes de comprar cualquier plug in, debes de verificar si es
compatible con tu sistema operativo y con tu software. Existen varias marcas, tanto
excelentes como nefastos, por lo que, antes de adquirirlo les recomiendo que usen los plug
ins de demos para no arrepentirse después.

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Existen herramientas para eliminar ruidos indeseados como pequeñas distorsiones,
fragmentos de audio dañados o el soplo de las grabaciones analógicas (ruido producido por
las cintas de grabación).

- Declickers. A través del declicker podrá eliminar ruidos tipo “click” originados por golpes o
por fallas analógicas sin que el proceso afecte al resto del audio. También puede utilizarse
para eliminar otros ruidos puntuales como pequeños picos de distorsión o “drops” (errores
digitales de la grabación que resultan audibles). Fabricantes de software como Steinberg o
TC-Works disponen de este tipo de plug-in.

- Denoisers. El ruido de fondo producido por el siseo del soplo de los preamplificadores u
otros equipos analógicos puede eliminarse a través de los Denoisers. Normalmente, éstos
necesitan diferenciar lo que es ruido de lo que no lo es, por lo que resulta recomendable
grabar un fragmento del ruido que se desea eliminar (por separado de la música) que sirva
como guía y así el plug-in restará ese contenido (ruido) al resto del audio (música), sin
afectar a la ecualización.

- Ecualización y dinámica. El proceso más común en la masterización se lleva a cabo a

través de ecualizadores, enhancers y a través de procesadores de dinámica (compresores,
limitadores y maximizadores).

- Ecualizadores. Existen multitud de plug-in de ecualización. Estos pueden ser ecualizadores

gráficos, en los que una serie de deslizadores o potenciómetros atenúan o potencian el
volumen de frecuencias fijas. Cuantas más frecuencias se puedan atenuar o potenciar
(mayor número de bandas de ecualización), más precisión podrá tener a la hora de trabajar
sobre una frecuencia determinada sin actuar sobre las frecuencias adyacentes. Los
ecualizadores paramétricos funcionan de manera diferente, tienen un control de ganancia
(atenuación/potenciación), un selector de frecuencia (se puede seleccionar la frecuencia
exacta sobre la que se quiere actuar, a diferencia de los ecualizadores gráficos en los que la
frecuencia es fija) y un selector de ancho de banda (cuanto más estrecho es el ancho de
banda, menos se afecta a las frecuencias adyacentes y cuanto más ancho al contrario).

Los ecualizadores pueden servir para cambiar el “color” de una mezcla mediante curvas
suaves de ecualización o para potenciar instrumentos determinados que pueden haberse
quedado escondidos, actuando sobre las frecuencias en las que se mueven éstos.
Normalmente en el proceso de masterización los efectos o cambios que se realizan sobre el
audio son retoques muy sutiles: potenciar una banda de ecualización 1 o 2 dB, atenuar otra
banda en medio dB, etc. La suma de pequeños cambios es la que puede hacer que una
grabación mejore sustancialmente sin alterar el concepto ni la intención con la que los
músicos o el productor grabaron y mezclaron su trabajo.

- Enhancers. Aunque afectan a la ecualización, no son ecualizadores. Actúan añadiendo

contenido armónico a frecuencias determinadas, creando un efecto psicoacústico que ayuda
a que se perciban mejor ciertos instrumentos. Son especialmente útiles para recuperar

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grabaciones faltas de brillo, haciendo que resulten más inteligibles los instrumentos que se
encuentran en la zona más alta del espectro de la ecualización como platos de batería,
voces, guitarras y reverbs. También existen enhancers de graves como MaxxBass (Waves)
que añaden contenido armónico ultragrave.

- Compresores. El compresor es uno de los plug-in más utilizados en la masterización. Es

una herramienta que sirve para atenuar el volumen de los pasajes más altos de una canción,
bajando el volumen de los picos de señal más altos, permitiendo así, una vez comprimido,
elevar el volumen general sin que los picos de señal (ahora atenuados) puedan llegar a
producir distorsión al superar el umbral máximo de volumen que permite la grabación digital
(0 dB).

Con la compresión se consigue que la percepción de la música comprimida sea de mayor

volumen, obteniendo un mayor impacto en el oyente. Aunque el volumen máximo de los
pasajes más altos continua siendo la barrera infranqueable de los 0 dB (por encima de este
valor sólo se obtiene distorsión), el hecho de que tras la compresión, las partes más sutiles y
de menor volumen se perciban mejor, hacen que la percepción general sea de mayor
impacto.

Dependiendo de la cantidad de atenuación de los picos de señal estos plug-in pueden ser
compresores (cuando la atenuación es de suave a moderada) o limitadores (cuando la
atenuación es severa).

La compresión puede realizarse dependiente de un ecualizador; es decir que atenúe los

picos de señal que produce una frecuencia determinada. Esta combinación da lugar a otros
plug-in como los Deesers, que se utilizan para reducir la sibilancia (sonido muy agudo y
desagradable que se produce al pronunciar la letra “S”) comprimiendo únicamente la
frecuencia donde se producen las eses, sin afectar al resto de la dinámica. Prácticamente
todos los fabricantes de plug-in disponen de algún procesador de dinámica y se pueden
encontrar versiones de demostración de muchos de ellos en Internet: www.waves.com.
www.steinberg.net o www.tcworks.de son algunas de ellas.

- Maximizadores. Los maximizadores como L1 Ultramaximizer (Waves) o Maxim (Digidesign)

son limitadores inteligentes (compresores con alto rango de reducción de picos) que varían
sus parámetros de actuación dependiendo del audio que procesan, permitiendo elevar 3 o 4
decibelios el volumen general de una canción sin que se aprecien cambios importantes en la
dinámica.

- Stereoimagers. Son herramientas que sirven para incrementar o disminuir la sensación

estereofónica. Estos plug-in sirven para que la sensación de distancia entre el audio que se
reproduce en el canal izquierdo y el que lo hace en el derecho sea mayor o menor, a través
de procesos con la “fase”. Los stereoimagers pueden servir para dar compatibilidad mono a
música grabada en estéreo.

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Es frecuente que en grabaciones estéreo que no se han realizado cuidadosamente, al
ponerlas en escucha monoaural, es decir sumando los dos canales, se produzcan
cancelaciones de algunas frecuencias debido a problemas de fase. Suelen cancelarse los
instrumentos que han sido colocados totalmente a la izquierda o a la derecha,
especialmente si están doblados (grabados dos veces, uno a la izquierda y otra a la
derecha), permaneciendo los que se colocaron en el centro del panorama (voces, cajas,
bombos, bajos...).

A través de un stereoimager puede convertirse el audio estéreo en monoaural sin sufrir

estas cancelaciones; algo muy útil cuando se masteriza audio para ser reproducido en vídeo
o televisión, donde la emisión es habitualmente monoaural. Al contrario, para música que va
a ser reproducida en estéreo, el efecto que se puede conseguir con un stereoimager es el de
una mayor amplitud y mayor separación entre los instrumentos.

Las marcas de plug ins que personalmente uso para el estudio de Jésed son los siguientes:
Waves, Antares, Sony, TC Electronics, etcétera

Análisis de cada canción:

En la mayoría de los casos cada tema necesita de un tratamiento individual en su

masterización, de tal manera que la producción tenga un sonido estándar y uniforme, en
otras palabras, no podemos tener una producción donde el grave esté muy marcado y en el
siguiente el agudo esté muy presente, o que en un tema el nivel de la voz está muy bien,
pero en el siguiente la voz se escucha muy bajita. Es por eso que cada canción o tema
necesita de un análisis independiente, se debe de analizar por primera instancia que el nivel
de la voz en todos los temas sea el mismo, después se necesita ver cual es el tema que
llevará la batuta en la producción, es decir, cual tema es el que requiere del volumen
máximo y de ahí partir para estandarizar las demás.

d) Niveles uniformes:

Finalmente deben de revisar cuidadosamente que la producción no tenga altibajos de

volúmenes innecesarios, ya que eso tiene malestar en los oyentes, es muy molesto estar
escuchando un tema y que de pronto algo les haga correr al volumen para ajustarle y luego
al seguir el tema tengan que ir al volumen de nuevo para ajustarle..

Peligros y prevenciones:

a) Masterizando sin referencia:

Tal como lo comenté anteriormente, es muy conveniente masterizar la producción con una
buena referencia, con una producción que sepan que tiene buena calidad de sonido y que
se escucha excelente en cualquier tipo de reproductores de audio.

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b) Nunca exagerar:

Al masterizar la producción usen los recursos que tienen con moderación, ya que al tratar de
lograr una masterización formidable podrán caer en exagerar con los parámetros y con ello
perder la esencia de lo que mezclaron, si caen en ese error tirarán a la basura todo el
trabajo creativo de la mezcla y al escucharlo después se lamentarán en gran manera.

c) Masterizar sobre masterizado:

Cuando mastericen su producción dedíquenle el tiempo que sea necesario (sin cansar el
oído) para que ese trabajo lo hagan una sola vez, eviten lo más posible el masterizar sobre
lo ya masterizado (vaya la redundancia), ya que al hacer eso lo único que lograrán será re-
ecualizar o comprimir aún más la señal y los detalles de la mezcla original las perderán.

d) Perdidos en el espacio:

Busquen siempre el llevar un control en la masterización, comparando su referencia,

comparando el primer tema masterizado (que siempre es la que lleva más tiempo y es
donde se almacenan los parámetros de la misma), es decir, eviten hacer cambios bruscos
entre un tema y otro en los parámetros, ya que al hacer esto terminarán perdidos en el
espacio.

e) Consejo para el master en CD:

Cuando vayas a grabar el CD master dale el tiempo suficiente para hacerlo, es decir,
quémalo en la velocidad más lenta de tu sistema, de esa manera tendrás mucho menos
probabilidad de algún problema debido al quemado del CD. Frecuentemente los discos
master pueden tener en ocasiones graves problemas por un quemado rápido.

Por eso, cuando terminen al fin la masterización… dediquen un tiempo para revisarla,
preferentemente al día después, cuando ya sus oídos estén descansados, revisen la
producción con sus colegas, compañeros, y revisen su masterización en todos los
reproductores de sonido que tengan disponible: chicos, medianos, grandes.

f) Lo oíste, si…. pero…. ¿ya lo escuchaste atentamente?

Antes de enviarlo a la reproductora o maquila de discos verifiquen tema por tema, ya que
durante todo el proceso que han realizado puede ser que se les pudiera escapar algún
detalle que oyéndolo no lo hayan detectado, pero escuchándolo muy atentamente puede
aparecer; si te surge alguna duda ponlo una vez más y vuélvelo a revisar hasta estar
completamente seguro de que no haya ningún problema con el master.

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g) Una última recomendación:

Cuando al fin tengas en tus manos el disco de tu producción tómate un breve tiempo para
revisar uno de ellos, puede sucedes que la portada esté bien, que la impresión del disco
esté bien, pero que lo que tenga grabado el disco no esté correcto o inclusive, por error de la
fabrica, que no sea tu producción!

Estoy a sus ordenes en: carlosborrego@yahoo.com o visiten mi página en

www.CarlosBorrego.com.mx

Que el Señor les bendiga.

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 Nivel Avanzado

Tema 9.Producción Ejecutiva y Distribución de Música Católica.

I. De la frustración al asombro

En verano de 1992 se llevó a cabo un gran evento en Monterrey en el que fuimos

invitados a participar cantando, uniendo el ministerio de Jésed con otros ministerios de
música de la ciudad. Como es nuestra costumbre, aceptamos la invitación con mucho
gusto y sin pedir nada a cambio, solo pedimos que nos permitieran vender los cassettes
en el evento (ya en aquel entonces habíamos grabado dos o tres). El hermano que nos
invitó dijo que por supuesto no habría problema en que ofreciéramos el material en
venta y, - muy ilusionados de poder pagar algunas deudas de nuestro ministerio- ,
llegamos al evento cargados con los instrumentos y las cajas con cassettes.

Cantamos varias veces durante el evento y por fin hubo oportunidad de poner una
mesa para vender nuestro material, por lo que me dirigí al área de las mesas cargado
con las cajas. Por una omisión involuntaria, el hermano que nos invitó había olvidado
avisar de nuestra petición al área de ventas del evento, así que se imaginarán lo
incómodo que me sentí cuando me informaron que no podíamos vender nuestro
material. Mi primera reacción fue de molestia y confusión, pero haciendo un momento
de oración comprendí que debía tratarse de un malentendido. Fui a buscar al sacerdote
responsable del evento para pedirle que nos permitiera vender los cassettes, y él
amablemente nos dio permiso de vender el material. Fue así, entre la pena y el
cansancio de cargar con las cajas que comenzamos a aprender y prepararnos para la
increíble aventura de la distribución de nuestra música.

Aprendí que la labor de vender material religioso es a veces una tarea delicada e
incomprendida, ya que se presta a malas interpretaciones si no hay suficiente cuidado
de dejar las cosas claras con anticipación.

El Padre Santiago Alberione, fundador de la familia Paulina dice que la cruz del
apostolado de los medios de comunicación (libros, cine, radio, televisión, música etc…)
es precisamente que “los medios requieren medios” (es decir dinero) y que, aunque se
trate de actividades con una finalidad cristiana, están sujetos a las leyes y principios
humanos que rigen a estos medios.

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II. Una labor incomprendida

Siendo la distribución y venta de la música católica un asunto en que interviene una

transacción de dinero, es fácil que haya malentendidos en cuanto a las intenciones y
criterios que rigen esta actividad, pero eso no significa que no debamos asumirlo y
realizarlo como parte de nuestro apostolado.

Hay quienes consideran que la música católica debiera distribuirse gratuitamente, pues
“gratis lo recibisteis, dadlo gratis”… Pero, ¿es eso realmente factible en el apostolado
de los medios?

Antes de responder a esta pregunta vamos a enumerar las necesidades principales de

este apostolado:

Costo fijo de producción: aquí se valora cuánto cuesta producir y grabar el “master”:
colaboración de compositores, arreglistas e intérpretes, costos de estudio, honorarios
de profesionales involucrados, gastos, el diseño de la portada, etc. Normalmente solo
se incurre en este costo una vez, pero es bueno saber cuál es el costo exacto, sobre
todo si después queremos repetir la experiencia grabando otra producción.

Costo variable de reproducción: aquí se valora lo que cuesta reproducir el material:

¿300 copias, 1,000 copias? Si la obra se distribuye bien se re-imprimen más copias y
se incurre en este gasto cada vez que se re-imprime.

Costo de distribución: aquí podemos valorar todos los costos asociados a dar a conocer
la obra y hacerla llegar a los destinatarios: esfuerzo de “ventas”, publicidad, anuncios,
fletes, empaques, etc.

Si hacemos un cálculo estimado de estos costos, nos daremos cuenta de que es

sumamente difícil hacer que nuestro apostolado sea durable si lo basamos solamente
en donativos. En cambio si le pedimos a las personas que se van a beneficiar de esta
obra que cooperen en estos costos podemos convertir este apostolado en un servicio
sustentable, es decir que puede sostenerse, y por lo tanto permanecer para beneficio
de muchos más hermanas y hermanos. Es por eso que el Padre Santiago Alberione
llama a este un “apostolado con oferta”, que “parece comercio, parece industria, pero
no lo es”

Queremos, en esta charla, poder trasmitir una seria de principios nos han ayudado en
este caminar de más de 20 años distribuyendo nuestro material.

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III. Preguntas fundamentales

En las charlas anteriores vimos una serie de cuestiones relacionadas con la producción
o “edición” de música católica. Esperamos que eso ayude a muchos hermanos a
producir. Pero, una vez que terminaron la edición de su CD o DVD. ¿Cuál es el
siguiente paso?

Aquí les sugerimos varias preguntas para un ejercicio de planificación de la distribución:

a) ¿Dónde lo vamos a vender?
b) ¿A qué precio lo vamos a vender?
c) ¿A quiénes lo vamos a vender?
d) ¿Qué haremos con el dinero de la venta?
e) ¿Cuántas unidades necesitamos vender para que se recupere la inversión de la
producción?
f) ¿Podemos regalar parte de nuestro material? ¿Cuántas unidades podemos regalar y
a partir de qué momento podemos hacerlo?

Puede haber muchas más de estas preguntas entre ustedes como Ministerio, nosotros
solo estamos esbozando las más generales. Es importante tener en cuenta cada una
de estas preguntas pues serán clave para el buen orden en que puedan seguir en su
proyecto como ministerio.

Daremos una breve orientación de algunas de estas preguntas, un poco basados en la

experiencia nuestra y en la experiencia de otros hermanos y hermanas cantautores
católicos.

a).- ¿Dónde lo vamos a vender?:

Es importante aquí como Ministerio de Música o Coro parroquial ver los alcances del
material que elaboraron, la misión de ustedes y su trascendencia.

Se debe hacer una lista de lugares a donde queremos hacer llegar el material:
a) La parroquia o tienda parroquial
b) El decanato
c) Tiendas religiosas
d) Distribuidores a nivel nación
e) En presentaciones en conciertos en vivo
f) Con familiares, amigos y bienhechores

II.- ¿A qué precio lo vamos a vender?:

Aquí tenemos que pensar en recuperar la inversión, que todos aquellos que financiaron
la producción como préstamo recuperen aquel dinero que hayan invertido. Aún si

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recibimos un donativo para hacer la producción, debemos pensar en la conveniencia de
recuperar ese donativo para volverlo a usar en producciones futuras.
Luego pensar en un precio que sea accesible a los hermanos y hermanas de la
parroquia o de los lugares donde ustedes se presenten.

III.- ¿Qué haremos con el dinero de la venta?

Después de vender la primera edición de cds, gracias a Dios, ¿qué sigue?:
¿Queremos hacer más copias, queremos renovar equipo de sonido, queremos pagarle
a los que invirtieron en el cd, queremos hacer una nueva producción?
¿Quién va a administrar el dinero de la venta?
Les sugerimos documentar todo esto y dar un reporte al todo el ministerio, al asesor
espiritual, o en su caso al ecónomo de la comunidad. Todo este proceso da
transparencia, paz y orden.

Si deciden vender su material a un nivel comercial en tiendas de música o tiendas de

artículos religiosos, tomen en cuenta que necesitarán expedir una factura o recibo por el
dinero que reciban de la venta, lo que implica un proceso fiscal que requiere de una
asesoría de un despacho de contadores.

IV. La Espiritualidad de los medios de comunicación

El venerable Padre Santiago Alberione (Beato y en proceso de canonización), se hizo

cargo de una editorial de libros y revistas católicos hace ya casi 100 años, y estableció
una serie de principios y criterios que han dado abundantes frutos para la Iglesia.

En imitación de él y de la familia Paulina que él fundó, debemos aprender a hacer bien

la labor integral de (i) componer, (ii) producir y (iii) distribuir música católica de buena
calidad técnica y espiritual. Haciéndolo todo en orden y en paz, y de una manera
sustentable, con una administración prudente y al día, puesto que el Señor nuestro Dios
“es un Dios de orden y de paz”.

El Padre Alberione se sintió llamado a trabajar en una fundación en que “los miembros,
para gloria de Dios y salvación de las almas, se dediquen con todas sus fuerzas a la
divulgación de la doctrina católica por medio del apostolado de las ediciones, esto es:
prensa, cine, radio, televisión… y los demás medios fructuosos y eficaces, o sea las
invenciones que el progreso humano proporciona y que son requeridas para las
necesidades y las condiciones de los tiempos”.

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Al principio (1900 a 1920) “apostolado de las ediciones” solo era “prensa”… pero con el
paso de los años se fueron agregando otras formas: cine, radio, televisión…

Más recientemente, el “apostolado de las ediciones” ha incorporado la música, el

internet, multimedia, las redes sociales, etcétera.

El padre Alberione estaba convencido de la importancia de valorar los instrumentos (en

este caso la música) a la par que los contenidos (la Palabra de Dios, la enseñanza de la
Iglesia), entendiendo que la Palabra de Dios se “encarna” en el medio de comunicación
social, lo transforma, lo dignifica, lo hace eficaz para comunicar a Cristo, al evangelio, a
los corazones.

A esto él le llamaba la “ley de la encarnación”…

Como discípulos misioneros, evangelizadores por medio de la música, cada uno de

nosotros desde nuestro lugar en el cuerpo místico de Cristo estamos llamados a hacer
lo mismo.

A esto podemos llamarle la “espiritualidad de los medios de comunicación”: Entender

que Dios se vale de estos medios, y nos provee de sabiduría y recursos para que los
usemos respetando sus leyes y principios, siempre manteniendo la pureza del mensaje
y sin sucumbir a sus seducciones.

Respecto al riesgo de las seducciones del mercantilismo y de la manipulación

mediática, decía el Padre Alberione: “El día que se pusiese mucha agua a este vino
puro que es el espíritu cristiano, nuestra labor llegaría al caos”. Con esto se refería a
que el “vino puro” del espíritu cristiano y del evangelio no debe “aguadarse” con los
criterios seculares y mundanos que imperan en el mercado de los medios de
comunicación.

Los 4 Procesos:

El Padre Alberione sigue diciendo que debemos aceptar los procesos implícitos de los
medios de comunicación social, dominarlos y usarlos para el bien de la obra
evangelizadora. Veamos cuáles son esos 4 procesos, dando especial énfasis a
aquellos elementos que tienen que ver con la difusión y distribución de la música
católica:

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 1. Proceso técnico – industrial: (“tocad la mejor música…”1)

Dice el Padre Alberione: “nuestro apostolado tiene una parte material que se asemeja a
la industria o al comercio. No es ni uno ni otro, pero exige la misma diligencia,
prudencia y justicia tanto de la primera como del segundo… Busquen los mejores
medios para la producción del libro, … de la película 2”.

¿Por qué insiste en “tocar la mejor música” también el Padre Alberione? Porque asocia
este proceso técnico a la ofrenda material que se hace en un templo: “la máquina, el
micrófono, la pantalla, son nuestro púlpito; la sala … de grabación…es nuestro
templo3”.

2. Proceso Comercial – difusivo (“vayan por todo el mundo y prediquen la

buena noticia…4”)

Nuestros discos son el medio por el que Dios quiere que vayamos a todas las naciones
y prediquemos, aunque no podamos ir personalmente. San Pablo escribía sus cartas y
varios discípulos las copiaban, y luego llevaban personalmente las copias de las cartas
a las comunidades, ejerciendo así una autentica labor de edición, producción y
distribución. Por eso es que el Padre Alberione considera a San Pablo, - y no a sí
mismo-, como el fundador de la familia Paulina.

Dice el Padre Alberione: “No basta producir y multiplicar los productos, estos deben
alcanzar al consumidor. El productor que transmite la Palabra de Dios en forma de libro,
revista, disco… llega a los destinatarios a través de los canales ordinarios de difusión:
librerías, agencias, ofrecimiento a domicilio… Si nuestras producciones no entran a
estos canales no pueden alcanzar a los destinatarios, quedando ineficaces.”

“La distribución puede considerarse como el canal a través del cual las verdades salen
del corazón del apóstol y llegan a las almas”5.

Hay quienes piensan que como “a Dios lo que es de Dios y a César lo que es del
César”, entonces la compraventa de música, por ser una cosa “del César” tiene que
tratarse y manejarse con principios exclusivamente comerciales y lucrativos, como
cualquier actividad secular.
1
Salmo 33,3
2
Padre Alberione: El Carisma Paulino en el Corazón del Mundo (ECP).
3
Idem
4
Marcos 16,15
5
Idem

Página 83
Otros, parecería que opinan que “vender discos” es prácticamente un pecado, porque
es “lucrar con el evangelio”.

Obviamente ninguno de estos dos enfoques es correcto. Como dice San Pablo: “Y todo
cuanto hagáis, hacedlo en el nombre de nuestro Señor Jesucristo”, es decir,
realizándolo con un sentido de trascendencia, amor y con un enfoque cristiano.

Debemos aceptar que, aunque el proceso “comercial-difusivo” de nuestro apostolado no

es meramente comercio, está sujeto al proceso implícito de la difusión de un producto:
por eso es totalmente válido hacer publicidad, hacer mercadotecnia, hacer un
“apostolado con oferta”, como lo llama el Padre Alberione, fijando los precios y los
canales de distribución con sabiduría y prudencia.

“Antes de iniciar la distribución de un mensaje, hay que tener un conocimiento preciso

de la nación, región, diócesis, parroquia, asociación y personas a las cuales nos
dirigimos. Debemos escoger, producir, llevar, ofrecer lo mas conveniente; usar los
medios mas rápidos y eficaces para que la Palabra de Dios llegue en la medida mas
amplia a todos.6”

A veces nos enfrentamos al dilema de qué precio poner a nuestros discos: ¿Debemos
bajarlos de precio respecto al mercado? ¿Debemos subirlos de precio porque “valen”
mas? Una hermana religiosa, Hija de San Pablo, me decía con mucha sabiduría: “el
precio conveniente podría definirse como un equilibrio entre la justicia y la
misericordia: Por una parte, justicia, porque no sería justo que nuestra congregación
perdiera patrimonio y fracasara si vendemos algún libro por debajo de nuestros costos
incurridos, y por otra parte, misericordia, porque debemos hacer accesibles nuestros
materiales a la realidad de las personas a quienes servimos, aunque con ello limitemos
o reduzcamos lo que consideraríamos un margen razonable”.

Así pues, vender un disco no es meramente una transacción comercial, sino un acto de
genuino amor fraterno, un cumplimiento de nuestro apostolado, la culminación de una
larga cadena de esfuerzos de oración, escritura, edición, diseño, producción, transporte,
colocación del producto en un lugar atractivo… Cuando recomendamos a alguien que
compre uno de nuestros discos, no debemos estar pensando tanto en cuando dinero se
va a ganar, sino, sobre todo, en el provecho espiritual que ese disco podrá traer a la
vida de la persona que lo adquiera.

6
Padre Alberione, ECP

Página 84
Dice el Padre Alberione “Sería inútil escribir, comentar, imprimir, si después los libros no
son leídos. Los libros en la bodega son como maestros encerrados en una caja, tal
como las momias de Egipto”.

A veces yo desearía tanto regalar TODOS los discos de Jésed… ¡Todo gratis a todo el
mundo!! (mi esposa y mis hermanos de Jésed lo saben muy bien)… Pero, la
experiencia de muchas personas y la mía propia nos ha demostrado que hacer algo así
no se sostendría por mucho tiempo: Tal vez podríamos hacerlo por un mes o dos,
mientras se acaba lo que está en la bodega de nuestra oficina de Jésed, pero después
ya no tendríamos con que pagar los sueldos ni las maquilas de material, y acabaríamos
cerrando la oficina y despidiendo a los hermanos que allí laboran diligentemente.
Acabaríamos siendo mucho menos eficaces en nuestro apostolado de lo que somos
ahora.

Así pues, estamos llamados a encontrar ese equilibrio entre la justicia y la misericordia.

a) la importancia de solventar los gastos que necesariamente resultan de

producir y distribuir material de la mejor calidad y contenido musical posible.

b) la importancia de distribuir nuestro material haciéndolo económicamente

accesible al mayor número posible de personas, y (y qué)

Dios nos ha permitido dar fruto por su infinita gracia. Hemos aprendido de nuestros
errores y tenemos, me parece, un modelo de producción, distribución y patrimonio
autoral que funciona bien, que es humano y que no se centra en el afán de lucro.

Dice el Padre Alberione: “nuestras librerías son centros de apostolado… No son

negocios, sino un servicio para los fieles. No se trata de venta, sino de apostolado con
oferta. No se tienen clientes, sino cooperadores, no se tienen empleados, sino
colaboradores. No son centros de ganancias, sino centros de luz y calor en Jesucristo.
No se mira al enriquecimiento sino a servir a la Iglesia y a las almas. No son para
explotar, sino para beneficiar a las almas7”.

3. Proceso Profesional – Apostólico (“serás un buen ministro de Cristo Jesús,

alimentado con las palabras de la fe y de la buena doctrina que has seguido
fielmente”8)

Dice el Padre Alberione: “Los contenidos del mensaje de salvación deben ser
traducidos al estilo propio de los instrumentos de comunicación, que tiene un

7
Padre Alberione, ECP
8
1 Timoteo, 4

Página 85
 lenguaje, leyes y métodos propios. Debe existir capacidad profesional y capacidad
apostólica en quienes realizan esta labor: la capacidad profesional garantiza el
respeto a la dinámica propia de estos instrumentos, y la capacidad apostólica
garantiza la autenticidad del mensaje”.

Imaginemos que contratamos a un vendedor profesional que sabe colocar pedidos,

hacer buena cobranza y buena mercadotecnia. ¿De que sirve que haga esto muy
bien, si no tiene formación apostólica? Debemos asegurarnos que la persona tiene
capacidad apostólica, para garantizar la autenticidad del mensaje de Cristo en la
labor que él realiza.

Lo mismo puede decirse de un editor, de un productor, de un compositor, de un

músico: Siempre deben tener ambas capacidades para ser instrumentos útiles para
la labor evangelizadora.

“Esta misión no es cosa de aficionados sino de verdaderos apóstoles. Se requiere

personal preparado, formado y hábil en exponer el mensaje que estamos
ofreciendo”.

Es curioso cómo el Padre Alberione asocia siempre la preparación de la habilidad

con la eficacia de ser apóstoles.

4. Proceso Asociativo Comunitario (“empeñaos en conservar la unidad del

Espíritu con el vínculo de la paz, Un solo Cuerpo y un solo Espíritu…un solo
Señor, una sola fe, un solo bautismo, un solo Dios y Padre de todos, que está
sobre todos, por todos y en todos.”9)

Se necesitan varias personas reunidas en grupos de trabajo para alcanzar un mismo

objetivo en el servicio de producir, mercadear y distribuir la música católica. No
podemos trabajar solos o aislados, necesitamos hacer alianzas, trabajar en equipos,
hermanar lazos fraternos y de colaboración entre diversos talentos y habilidades.

El Padre Alberione lo comprendió muy bien: “El apostolado de los medios de

comunicación requiere de un fuerte grupo de redactores, técnicos y propagandistas.
Todos deben estar de acuerdo, como se ponen de acuerdo los artistas de teatro
cuando presentan una obra. Las voluntades y las energías desligadas,
desorganizadas, se quedan en deseos, en tentativas, en desengaños. Es necesario
que entre todos se prepare el pan del Espíritu y la verdad”.

9
Efesios 4

Página 86
 Redactores, técnicos, propagandistas, todos juntos unidos para elaborar el mensaje
de salvación, multiplicarlo y hacerlo llegar oportunamente al mayor número de
personas”.

Un modelo de apostolado sustentable

Así pues, la producción y venta de la música católica es uno de esos apostolados de los
medios de comunicación que requiere de estos cuatro procesos para funcionar, ya sea
con la labor y la aportación económica de los miembros del ministerio de música, o bien
donado por benefactores, pero siempre apoyado económicamente, en mayor o menor
medida, por quienes adquieren la música.

En todo caso, debemos administrar sabiamente los dones que Dios nos dio, ponerlos al
servicio de los demás sin un afán de lucro y a la vez con el buen sentido económico de
las cosas. Habrá actividades que podrán ser remuneradas, otras no, pero en todo se
deberá siempre estar a la caridad, la rectitud, la justicia y la misericordia.

Nuestro reto es encontrar la manera en que nuestro apostolado sea sustentable, es

decir, que podamos hacerlo un año si y otro también, de manera que nuestra
contribución de nuestro tiempo, dinero y esfuerzo subsistan en el largo plazo, y sean lo
más inmunes posible a los vaivenes, y altibajos de la vida y de la economía. Construir
la casa con cimientos sólidos, con un modelo que pueda repetirse una y otra vez y que
pueda crecer y dar fruto en abundancia para la gloria de Dios.

Ejemplo de estos apostolados sustentables son los colegios y universidades católicos,

las editoriales y librerías católicas, las obras de misericordia sostenidas con la
colaboración de muchos benefactores, las misiones… La Iglesia está llena de
apostolados sustentables, y yo creo que la producción y distribución de música católica
también puede y debe serlo, siguiendo el ejemplo que nos dejó el venerable Padre
Santiago Alberione.

“Debemos comenzar siempre desde la humildad de un pesebre: La fuente secreta de

toda nuestra labor son las largas horas de adoración eucarística y la profunda
meditación de la Palabra de Dios”. ¡Todo brota del Sagrario! 10”

© Copyright – Derechos Reservados

Jésed Ministerio de Música
www.jesed.org

10
Padre Santiago Alberione, El Carisma Paulino en el Corazón del Mundo

Página 87
 Nivel Avanzado
Tema 10. Planeación y Organización de Ensayos
Por Andrés Degollado M.

Todo cuanto hagáis, hacedlo para el Señor.

Sed perfectos, como vuestro Padre es perfecto.

Queridos hermanos en la fe:

Quiero empezar esta charla con una cita del evangelio, que yo he visto traducida de
diferentes maneras. Se trata de Mateo 5, 20. Una de las traducciones dice “Sed santos
como vuestro Padre en el cielo es santo”, y otra dice “Sed perfectos como vuestro padre
en el cielo es perfecto”.

Me resulta a mi muy interesante ver que en este caso las traducciones utilizan
indistintamente la palabra “perfecto” y la palabra “santo”. Creo yo que esto se
debe a que la santidad requiere de un elemento muy importante en nuestras vidas que
es el esfuerzo, el cual nos ayuda a mejorar, a perfeccionarnos.

Les voy a contar una experiencia interesante que viví cuando estuve trabajando en
Colorado, E.U. en la ciudad de Fort Collins.

Cuando recién llegué a Colorado con mi familia, busqué en varias parroquias hasta
encontrar una en la cual me gustó mucho como cantaba el coro (dejaré de ser
músico, ja!). Después de varias semanas encontré una en la que el coro cantaba
bellísimo y fue ahí donde regularmente asistimos a misa mi familia y yo durante nuestra
estancia en Colorado. Por supuesto que tres o cuatro meses después de asistir a
esa misa, ya formaba yo parte del coro.

Cuando recién le comenté a la directora del coro mi deseo de integrarme, ella me dijo:
“ven a cantar ahora con nosotros y agarra aquel micrófono”. Al final de la misa mi
esposa me dijo que a pesar del micrófono, mi voz prácticamente no se escuchó…
creo que la directora lo hizo porque primero quería escucharme bien antes de subirle al
micrófono (pensé, me está dando una sopa de mi propio chocolate, je!). Pero la
directora me pidió que empezara a asistir a los ensayos, los cuales eran todos los
miércoles de 7 a 8:30 de la noche en el invierno y los miércoles cada 15 días en el
mismo horario durante el verano.

Llegué el miércoles indicado a las 6:50 porque no quería perderme nada del
momento… no había una sola alma en el lugar. Dieron las 6:55… nada todavía. Pero

Página 88
un par de minutos antes había en el lugar alrededor de 25 personas listas para
ensayar y cada una en su lugar asignado. Me presentaron y asignaron un lugar de
inmediato y me dieron libros completos de cantos con letras, tonos e inclusive la
música en el pentagrama.

El ensayo comenzó a las 7:00 en punto y la directora se fue muy segura de sí misma,
ensayando canto tras canto, y todos bromeaban un poco y sonreían pero siempre muy
en orden. Yo le había dicho a mi esposa que me quedaría en el lugar hasta las 9:00
pm para poder interactuar un poco con la gente… pero…o sorpresa… a las 8:35 pm ya
no había nadie en el lugar y fui testigo de uno de los ensayos más eficientes a los
que he asistido. Después de ese, hubo muchos mas con el mismo patrón. Con razón
cantan tan bonito pensé (verdaderamente “tocan la mejor música para el Señor”).

Por supuesto que nuestra realidad latina dista mucho de esto, puesto que somos
más fiesteros y amigueros que nuestros hermanos americanos, pero creo que si
queremos dar un buen fruto (“tocar la mejor música para el Señor”) debemos aprender
a administrar bien nuestro tiempo, precisamente conociendo y aceptando nuestra
cultura y ensayando continuamente y de manera eficiente.

Cuando pienso en el servicio que prestamos como Ministerio de Música, las primeras
tres cosas que me viene a la mente son “Tocad la mejor música para el Señor” ,
“Todo cuanto hagáis, hacedlo para el Señor” y “Sed perfectos como vuestro
Padre en el cielo es perfecto”. Como recordarán, en la charla de las virtudes del
salmista decíamos que una de ellas es “saber tocar bien”, esto se logra, obviamente
con el ensayo ordenado y disciplinado de nuestras habilidades musicales.

Es precisamente en este orden de ideas que quisiera centrar los elementos que
componen esta charla. Puede parecer sencillo hablar de cómo planear y organizar
ensayos pero conforme avancemos en estos puntos que son fundamentalmente
prácticos, veremos el impacto que cada uno de ellos tienen cuando tratamos de “tocar
la mejor música para el Señor” y cuando tratamos de “hacer todo para el Señor”.

1. Establecer frecuencia y lugar de ensayos.

a. Es indispensable que el día y la hora del ensayo esté perfectamente

fijado y que sea bien conocido por todos los miembros. Lo ideal es
que el ensayo sea al menos con una frecuencia quincenal y que dure
por lo menos 2 horas, aunque podrá haber momentos en que se
requiera de un poco más de tiempo o de mayor frecuencia, como
cuando nos estamos preparando para alguna grabación o alguna
presentación especial.

Página 89
 b. Es importante que el día y la hora del ensayo se ajuste a la mayor
parte de los integrantes (de preferencia a todos).
c. Lo ideal es que el lugar de ensayo sea siempre uno solo para evitar
confusiones. Es muy importante que el lugar del ensayo sea lo
suficientemente amplio para que todos los integrantes estén cómodos.
También es importante que el lugar esté bien adecuado en cuanto a
instalaciones e higiene: sillas, baños, jabón, papel, etc.
d. La experiencia nos ha demostrado que conviene mas un BUEN
ENSAYO cada 15 días en donde asisten el 90 a 100% de los miembros
que DOS MALOS ENSAYOS cada semana al que asisten solo el 50%.
Claro, si puedes tener un ensayo cada semana al que asisten todos, pues
mucho mejor, pero que el ensayo sea de calidad, es decir, que tenga buen
contenido y preparación.

Ventajas:
- Se logra una mayor asistencia constantemente
- Evita confusiones, pues todos saben exactamente dónde y cuando
reunirse.
- Contribuye al orden y al manejo de agendas de cada integrante.

Riesgos de no establecer bien este elemento:

- Baja asistencia, confusión, desorden, pérdida de tiempo, desgaste.

2. Uso eficiente del tiempo.

Vivimos en una sociedad demandante en cuanto a tiempo y nuestros
compromisos y obligaciones pueden ser muy diversos. Los siguientes
elementos nos ayudarán a hacer un mejor uso del tiempo del ensayo.

a. Puntualidad. Es una manera de mostrar respeto a los hermanos y al

Señor. Es importante iniciar a tiempo al igual que lo es terminar a
tiempo (respetar el horario del ensayo). Esto facilita que todos puedan
organizar mejor su día y ayuda a hacer más eficiente el ensayo.
Nota: Cuidado con los cambios de horario, más de una vez nos ha
tocado un hermano despistado que llega a un ensayo adelantado o
retrasado por no considerar cambios de horario, je!

b. Oración. Es importante iniciar con una oración. En nuestro Ministerio

de Música Jésed siempre dedicamos al menos media hora del ensayo a
la oración. Muchas veces hasta 45 minutos durante los cuales estamos
orando y cantando al Señor. Debemos tener bien presente que los
hermanos que nos escuchan cuando damos el servicio de la música,
realmente lo que quieren ver es al Señor que habita en nosotros, no
al artista. Además es importante recordar que generalmente será dentro

Página 90
 de esta oración cuando podamos escuchar juntos como ministerio la
voluntad del Señor para nosotros. Esto nos ayuda también a
protegernos de la vanidad que puede surgir entre nosotros pensando
que el fruto que damos depende solo de nuestra capacidad musical.
Cuando oramos, ponemos nuestro servicio en las manos de Dios y
permitimos que todo dependa de Él, asegurándonos de dar siempre el
fruto que Dios desea que demos. Por último, debemos recordar que
nuestro servicio es un servicio de oración en donde todo lo que
hacemos es orar junto con otros hermanos en la fe, así que es
también importante aprender a orar juntos en el ministerio para poder orar
mejor junto con otros hermanos que nos escuchen en los distintos
eventos. Esto dará a nuestro servicio una eficacia muy por encima de
nuestro alcance humano.

c. Limitar tiempo de compartir previo. Es muy fácil que se nos vaya

mucho tiempo cuando recién llegamos al lugar del ensayo pues
empezamos a saludar y a platicar de diversos temas. Nuestra
recomendación es que se procure llegar al menos 10 minutos antes para
que el ensayo pueda iniciar a tiempo.

d. Control de Bromas y Comentarios. La dinámica de un ensayo puede

verse afectada por las bromas típicas que solemos hacer o por simples
comentarios. Es bueno que podamos bromear y disfrutar de nuestra
hermandad en todo tiempo pero es importante recordar que estamos
ensayando y que debemos limitar el tiempo que se pierde con esto. El
líder es quien generalmente se encarga de esta tarea y resulta a veces
difícil realizarla. Aunque no es muy popular entre la gente, es necesario
actuar con firmeza a la hora de solicitar silencio y atención. El fruto será
bueno y al final, todos los hermanos lo agradecen. Nota: “no vale la pena
enojarse ante estas circunstancias pero sí estar firmes”.

e. Avisos. Siempre habrá información que transmitir a todos los integrantes

del Ministerio. A nosotros nos ha funcionado bien que los avisos se den
inmediatamente después de la oración y no al final del ensayo cuando
ya muchos están con la prisa de irse. Es importante que la persona que
vaya a dar avisos los tenga bien preparados y los transmita de una
manera concisa. Los avisos no debieran de tomar mas de 10 minutos
del ensayo, de lo contrario se pierde tiempo. Algo que puede hacerse es
dar algunos avisos por Internet si todos tienen correo electrónico y lo
revisan con frecuencia, pero aún así hay ciertos avisos que siempre
conviene darlos en el ensayo.

Página 91
 f. Equipo de Sonido/Ensayo con instrumentos. Cuando el ensayo se va a
realizar con todo e instrumentos y equipo de sonido es necesario
considerar el tiempo extra que toma la instalación de todo el equipo y
la afinación de los instrumentos. Recomendamos que se tengan
ensayos de instrumentos por separado para la creación de arreglos y
que a las voces se les cite cuando ya los arreglos de instrumentos hayan
sido creados.

Las ventajas de llevar a cabo estas recomendaciones parecen estar claras en

el mismo texto.

3. Aspectos Prácticos. Algunos aspectos que pueden favorecer un buen ensayo

son los siguientes:
a. Letras y tonos de los cantos. Para que el uso del tiempo sea aún más
eficiente es recomendable que todos los integrantes del ministerio tengan
letras y tonos de los cantos a ensayar, especialmente cuando los cantos
son nuevos.
b. Tener preparados los arreglos de voces para llegar al ensayo a
enseñarlos y practicarlos, no a crearlos ahí mismo, a menos que se tenga
una vasta experiencia en la creación de estos arreglos.
c. Definir cantos a ensayar en el corto, mediano y largo plazo. Esto con
el objetivo de no llegar al ensayo y no saber qué hacer. Los cantos a
ensayar deben ser los que hemos notado con deficiencias o los que
queremos estrenar o grabar pronto.

El riesgo de no tomar en cuenta estas recomendaciones es que se perderá

mucho tiempo en que la gente escriba las letras de los cantos y/o en tratar de
crear arreglos en el momento. Por el contrario, seguir estas recomendaciones
permitirá ser más eficientes y poder crear arreglos más bonitos y armoniosos
para las voces, haciéndolo con tiempo.

4. Liderazgo. Un aspecto clave para todo ministerio es el liderazgo. Es preciso que

haya un líder de los ensayos de quien todos los hermanos puedan seguir
indicaciones. El líder debe tener bien claro el objetivo y alcance de cada
ensayo.

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