Introducción a la historia del diseño industrial

Navarro Saldaña, Alfredo

Actas de Diseño Nº7

ISSN: 1850-2032
IV Encuentro Latinoamericano de Diseño "Diseño en Palermo"
Comunicaciones Académicas Julio 2009, Buenos Aires, Argentina
Año IV, Vol. 7, Julio 2009, Buenos Aires, Argentina. | 263 páginas

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El presente trabajo tiene su origen en la participación del autor en el Master en gestión del
Diseño Industrial, organizado en su primera edición, curso 2007-2009, por el Grupo de
Investigación e Innovación en Ingeniería Gráfica de la Universidad de Oviedo (Asturias,
España), con la colaboración de la Fundación PRODINTEC (Centro Tecnológico para el
Diseño y la Producción Industrial de Asturias) y la Escuela Superior de Arte del Principado de
Asturias (ESAPA), y está destinado preferentemente a ingenieros, diplomados en Diseño,
licenciados en Bellas Artes y profesionales del sector.

La orientación metodológica del mismo proporciona nuevas informaciones que actúan sobre
los esquemas de conocimiento del alumnado y favorecen la elaboración de conclusiones
basadas en la exposición y el debate.

Deja patente que la aproximación al diseño industrial es algo multidisciplinar y que no puede
ser enfocado desde un único punto de vista, ya que las visiones unilaterales son un fracaso. El
diseño competitivo adquiere en la actualidad mayor relevancia, ligado al factor humano, y por
supuesto vende, atiende a la producción, la comercialización y la innovación.

La exposición del mismo se ha organizado en un módulo denominado Introducción al Diseño

de Producto, que va incluido en la asignatura denominada Introducción a la Historia del Diseño
Industrial. En ella se muestra una perspectiva histórica, mediante el estudio de escuelas
y tendencias, los retos actuales del Diseño Industrial y las futuras tendencias.

Introducción
El concepto de diseño industrial y la cultura del proyecto desde el punto de vista histórico y
su perspectiva actual

Concepto: el diseño es la concepción, proyectación y producción de imágenes y objetos en

función de las demandas físicas y psíquicas de la sociedad y de la industria (Rey García,
1988). Este concepto, por otra parte indefinible, de lo que hoy se entiende por diseño en todas
sus modalidades, nos rodea. Todo un mundo de imágenes y objetos cotidianos que
representan los símbolos de nuestro tiempo, sus mitos y valores, actúan poderosamente sobre
nuestros comportamientos y deseos.

Nuestra actual e ingente cultura visual procede de la continua acumulación de respuestas que
generó el debate cultural que, desde el siglo XIX, se ha venido produciendo entre el arte y la
industria. El arte y el diseño contemporáneos se han confirmado como un campo de
permanente investigación estética, si bien ocupando aún un espacio minoritario, e incluso
podríamos decir, de élite, en la actual cultura visual de la sociedad.
Un poco de historia: la tecnología y la demanda del consumidor, corporativa e institucional, ha
dado forma al diseño del siglo XX. Muchas tácticas y estrategias del diseño contemporáneo,
por ejemplo, están construidas sobre la base de movimientos artísticos de comienzos del siglo
XX, como las vanguardias futurista, dadá, De Stijl y constructivista. Los avances científicos y
técnicos a lo largo de la historia aportaron un gran progreso a la actividad de proyecto,
entendida como la forma de visualizar una intuición para poder llevar a cabo su ejecución.

Con el dominio de la energía se dio paso a la industrialización.

El gran impacto producido por la industria provocó una serie de transformaciones sociales,
protagonistas de la historia del siglo XX, como la concentración de la clase obrera en las
ciudades, la suburbización incontrolada y la aparición de la clase proletaria.

Escuelas y tendencias históricas

Segunda mitad del siglo XIX

• El movimiento para la reforma de las Arts & Crafts (1860-1914): William Morris & Co., John
Ruskin, Charles R. Ashbee.

La uniformidad que trajo como consecuencia la producción industrial originó el rechazo de los
intelectuales y la aparición en Gran Bretaña del movimiento de las Arts & Crafts. Según John
Ruskin, uno de los ideólogos del movimiento, había que endulzar el trabajo diario por
la creación cotidiana del arte. Los teóricos de las Arts & Crafts se opusieron al producto
industrial reprochándole su masificación e indiferencia, sin embargo, sus teorías definieron los
principios del diseño al reconocer las posibilidades del objeto como portadores de cualidades
estéticas, las cuales, según William Morris, eran fruto de las cualidades artesanas y no de la
máquina. Destacaban además el interés social que los productos industriales podían tener.

La transición

• El cambio de siglo y la transformación de las ideas: Del Art Nouveau al Secession: los
Wiener Werkstätte (1890-1914).

• Deutscher Werkbund y Werkbund Institut (1907-1934): Hermann Muthesius.

• Art Déco (1925-1939): Ruhlmann, Chareau, Eileen Gray.

• Las escuelas expresionistas: Expresionismo alemán y Cubismo checo.

Las variantes del Art Nouveau (Guimard, Gallé, Lalique, Van de Velde, Horta), como el
Secession vienés (Hoffmann, Wagner, Olbrich, Loos, Klimt, Moser), el Modern Style británico
(Mackintosh y la Escuela de Glasgow, Mackmurdo), el Floreale o Liberty italiano, el
Jugendstil alemán (Riemerschmid, Obrist, Pankok, Endell) y el Modernismo catalán (Gaudí,
Homar, Doménech i Montaner) se inspiraron en las teorías de Morris y su orientación
liberalista frente a la estética de los “estilos históricos” y la exaltación de las técnicas
artesanas, sin embargo aceptaban, al igual que Morris al final de su vida, la intervención de la
máquina. El Art Nouveau introdujo el concepto de estética aplicada y su importancia radica
en su significado histórico, sobre todo en la actitud de rechazo hacia las corrientes clasicistas
de finales del siglo XIX, así como por la gran inventiva de que hizo alarde, dando a los objetos
de uso un interés estético.

El fracaso de ambas tendencias, Arts & Crafts y Art Nouveau, se debió a su carácter de
exclusividad, ya que los objetos, por artesanales y exclusivos, resultaron demasiado caros
para llegar a las masas, como pretendían, y acabaron en manos de las minorías burguesas.

El siglo XIX concluyó con el gran debate entre lo “bello tradicional” y lo “bello funcional”,
consecuencia de esta crisis sería la fundación de la asociación Deutscher Werkbund en 1907
en Alemania, quien por su carácter práctico reunió a mecenas, artistas, diseñadores y
fabricantes, cuyo principal interés se centró en el concepto de estandarización. La sociedad de
masas y el desarrollo tecnológico hacían necesaria la adecuación de unos estándares
cualitativos para las nuevas proporciones cuantitativas exigidas a la producción.

Una de las vanguardias, la holandesa De Stijl, realizaría la experiencia del primer equipo
creador de espíritu moderno al hacer coincidir en el mismo a los maestros en formas con los
maestros artesanos. El neoplasticismo o De Stijl es el inspirador del racionalismo que se
desarrollaría en los años siguientes. La proyección estética del neoplasticismo ha
permanecido hasta la actualidad a través del diseño fundamentalmente.