FINAL HISTORIA

ACHA
(Capítulo 5)
LAS ARTES. ARTES RENACENTISTAS

Las artes son sistemas especializados de producción, que surge para satisfacer necesidades (estéticas) del hombre
occidental. Estas necesidades, surgen de los cambios económicos y sociales que ocurrieron durante el renacimiento, los
cuales rompen con lo religioso, y modifica los intereses de los hombres. Per otro lado, aunque las artes se vinculan con
las artesanías, los artistas trabajan de distinta manera y buscan la diferencia en los objetos.
Es importante ver al arte como procesos históricos que se desarrollan de acuerdo con un tiempo y un lugar concreto.
Es difícil determinar cuándo las artesanías se convirtieron en arte, pero se cree que las artes nacieron en Italia con
Giotto en 1300, aunque se encuentran restos previos por el resto de Europa. En cambio, en países como México fue a
partir del siglo XVII, cuando los artistas comenzaron a desalojar a los artesanos de sus trabajos.
A lo largo del tiempo, los conceptos de arte y de artista, de producción y de consumo, y de distribución, fueron
cambiando, y hoy se pueden distinguir 3 fases:

● ASCENDENTE (1300 al 1600): aparecen nuevos temas profanos, es decir, no religiosos. Estos se encuentran
relacionados con lo que el artista percibe del contexto.
● ESPLENDOR (1600 al 19000): dominio de los temas profanos y del naturalismo, es decir, que producen que lo
perciben del mundo.
● DESCENDENTE (1900 a nuestros días): la producción artística deja el esplendor. En la modernidad, se pone en
duda características centrales de la producción artística, se da la ruptura del ideal moderno y emerge lo conceptual, es
decir que se le otorga mayor importancia a los que te lleva a pensar que la materialidad del objeto, ya que con la
revolución industrial, se modificó la manera de entender el mundo. Es acá donde aparece el diseño, y así cumplir
necesidades estéticas.

En la actualidad, se diferencia el arte, artesanías y el diseño, según el modo de producción, el productor, el producto, la
distribución y el consumo. Estas categorías evolucionan según la manera en la que se valore el arte.

● Cambios en la PRODUCCIÓN: (para diferenciar lo artesanal de lo artístico)

- separan lo manual de lo intelectual. Lo manual,se encontraba sujeto a reglas y lo intelectual como producción
de belleza, ambos conformaban el oficio razonado, lo que diferenciaba la belleza religiosa de la belleza de la naturaleza
(relacionado con lo que ocurre en el mundo). Pero con el tiempo, la producción renacentista dejó de ser un oficio
razonado, para preocuparse per la manera en que se hace visible el mundo, es decir, per la perspectiva y las
proporciones, para otorgar veracidad.
- se generaron discusiones sobre la razón y la sensibilidad, con lo que respecta a la enseñanza de la
producción artística. A pesar de que sostienen que la razón y la sensibilidad se complementan, en la práctica, no se
apoyaba estaba complementariedad.
- comenzamos a definir cómo deben organizarse los componentes del arte: se genera una consolidación del
conocimiento, ya que, a pesar de que hay similitudes entre el arte y las artesanías, las primeras se diferencian desde el
momento en que se dispone de conocimientos artísticos, ya que el productor debe ser consciente de la tendencia
artística para realizar la obra. Una diferencia entre las artesanías y las artes, recae en que el artesano prioriza la manera
en que se hacen las cosas tradicionalmente, a diferencia del artista que busca la innovación y ser creadores. Es por
este motivo que los artistas necesitan conocimientos artísticos, para saber como modificar las materia prima, utilizada
para la creación de las obras, y que materiales utilizar para ello.

● Cambios en los PRODUCTOS y formatos:

- todos los productos son estéticos, por lo que se evalúa a las artesanías de igual manera que a los objetos
artísticos, todos los objetos deben ser evaluados por la belleza, y la diferencia recae en la forma de producción.
- a partir del Renacimiento, se comienza a embellecer los temas religiosos: a pesar de que se mantenían los
mismos personales religiosos y se buscaba mantener ciertos cánones, cada artista buscaba embellecer los temas
religiosos y buscar su máxima veracidad.
 - aparición de la fotografía. Por lo que refiere a la belleza de carácter formal: se comienza a priorizar como se
disponen las formas para producir belleza, se deja de lado lo mimético. Esta postura evoluciona (ya que hay diferencia
entre lo que pasa en el cuadro y lo que pasa en el mundo, y es así como surgen los distintos movimientos), para poder
hablar de una belleza conceptual, en donde todos los artistas realizaban las obras, pensando en su valor económico.

● Cambio en los PRODUCTORES:

- se comenzó a plantear que conocimientos requería el artista para diferenciarse del artesano. Se dejó de lado
los conocimientos del artesano, buscando la libertad de trabajo y el desarrollo de la individualidad. Se requería mayor
conocimiento estético, lo que permitió al artista tomar mejores e innovadores puestos de trabajo en las ciudades y así,
mejorar su rol social a diferencia de los artesanos, quienes tenían trabajos menores y anticuados.
- Se dejó de atribuir sus actividades a la división de trabajo y a la técnica profesional, y se comenzó a priorizar una
capacidad o privilegio innato.

● Cambio en la DISTRIBUCIÓN:
- cómo circulan las obras,impulsa el valor de la obra, con la fotografía se facilitó la distribución y reproducción de
la obra, haciéndola más conocida y permitiendo que se exponga en distintos lugares de manera simultánea, a esto se lo
denomina reproductividad técnica, lo que genera que se complejiza la relación de la obra con el artista, al hacer que su
relación sea lejana. Esto generó un cambio en la cultura y comienza a tomar poder la industria.

● Cambio en el CONSUMO:
- al principio, el consumo de arte era religioso y estético, pero con la aparición del arte profano, los espectadores se
comenzaron a sentir ajenos a la obra. Ahora, se necesita de conocimientos teóricos e históricos pero minorías tienen
el privilegio de obtenerlos. El hombre común, está limitado al consumo estético.
- el arte debía colaborar con la difusión de un nuevo concepto del “objeto bello” que parte de su funcionalidad
práctico-utilitaria. Lo que hace que el arte se aleje de los espectadores, también causado por el diseño.

Además, estos procesos internos resaltan procesos externos, los cuales impulsan a los primeros. Tales como, la
formación del capitalismo con su tendencia de reemplazar el trabajo manual por el mecánico; la evolución del hombre
hacia la racionalidad; la aparición y el desarrollo del individuo; y la lucha del Estado burgués para arrebatarle a la iglesia
el poder ideológico, político y económico.

(Capítulo 6)
LOS DISEÑOS. ARTES TECNOLÓGICAS

● El diseño es fruto de una nueva división técnica del trabajo estético, el cual tuvo su comienzo cuando se comenzó
a necesitar de profesionales capaces de introducir los recursos estéticos en los productos industriales, ya que el Diseño
“une” al trabajo estético con el industrial.
● Podemos definir a los diseños como: Actividades PROYECTIVAS para introducir RECURSOS ESTÉTICOS en
PRODUCTOS INDUSTRIALES (masivos).
● Se clasifian en: Gráfico/Industrial/Arquitectura/Urbanismo/Audiovisual/Icónico-verbales
● Los diseños constituyen otra variante de la cultura estética, junto con el arte y las artesanías. Además, se dice
que los diseños son prolongaciones de los procesos de las artes, pero con una nueva dirección.
● El diseño gráfico se centra en la publicidad y en la industria editorial y goza de una libertad conceptiva muy
próxima a la artística y mucho mayor que la del diseño industrial.
● Existen diseños de carácter proyectual, audiovisual, icónico-verbales, entre otros y todos entran en la categoría de
diseño ya que tienen fines estéticos, correspondiendo así, a la definición básica del diseño.
● El diseño constituye un fenómeno sociocultural contemporáneo y ligado a la sociedad de consumo.
● Los diseños en general, se dirigen al embellecimiento de la vida diaria del hombre común.

● Los audiovisuales son más diseños que todos los demás, ya que se dirigen a públicos masivos y es notoria su
estrecha unión con la tecnología.
● Se puede tomar como fecha de origen del diseño con el desarrollo de la fotografía durante el siglo XIX, precedida
por el desarrollo de la perspectiva, la cámara oscura y la lente a partir del Renacimiento. Estos son los dos factores sobre
los que operan los diseños originalmente: La creación técnica de las imágenes (fotografía). La estetización de los
productos industriales de la cultura de masas. Desde fines del siglo XVIII se comienza a percibir la necesidad de utilizar
medios técnicos para llegar a las masas.
● Actualmente, el consumo es impulsado por el estatus social que otorga poseer algo, y no per una necesidad real.
● La fotografía está ligada a los diseños per romper con el monopolio de los artistas; por transformar la visión del
hombre y obligar así a las artes a cambiar de curso.

LUCIE-SMITH

La segunda mitad del siglo XIX, no fue muy innovadora desde el punto de vista técnico, ya que se buscaba volver a la
honestidad y simplicidad, pero además, este período fue un gran reproductor en cuanto a la invención de nuevas formas.
Se comenzaron a retomar algunos estilos a partir del 1850, con el neogótico, el cual dio paso a formas más puras, las
cuales resultaron ser tan extravagantes y poco prácticas, que por el 1870 el neogótico comenzó a perder popularidad.
Por otro lado, el estilo neoclásico, continuó vigente con neo-Luis XVI, el cual trajo un estilo más decorativo. Es así, como
se comenzaron a realizar copias en Inglaterra y en Francia, además de tallar nuevos muebles antiguos y repintarlos.
Con el movimiento Arts and Crafts, es posible distinguir tres fases:
1. La que corresponde a Ruskin y Morris
2. La relacionada con el esteticismo
3. La que corresponde al Arts and Crafts
Ruskin pensaba que una sociedad justa debía representar lo que él sintetizaba en tres simples reglas: no se debía
fomentar la fabricación de un producto que no sea estrictamente necesario y en en el que no intervenga la innovación; no
se debía buscar el acabado perfecto por sí mismo, si no por algún fin noble o práctico; no se debía fomentar la copia.
Se consideraba a Morris, como el verdadero impulsor del diseño.
Los prerrafaelistas, sentían un gran interés por Ruskin, y creían que el arte debía entenderse como un todo y que las
artes aplicadas habían de regirse por los mismos principios que la pintura.
En 1860 se fundó Morris & Co, la cual dividía la producción en dos categorías: la primera correspondía a lo que se
denominaba “mobiliario de la vida diaria”, la cual debía ser lo más sencillo posible; y la segunda era el “mobiliario
ceremonial”.
El esteticismo ya figuraba con su culto a todas las artes en general y su nuevo concepto del “mueble artístico”, el cual
expresaba la rebelión de una parte de los jóvenes burgueses contra los dogmas de su época, y quienes suponían un
verdadero rechazo hacia Ruskin y Morris, ya que abominan todo lo que resultaba convencional.
Arts and Crafts tiene su verdadero comienzo en 1882, y no buscaban solo modificar la forma de los muebles, si no
también su proceso de fabricación. Sostenían que cada mueble debía ser obra de una sola mano. Ashbee, difiere de
Ruskin y Morris y opinaba, en 1908, que las artesanías y la industria podrían existir si se establece un sistema de
asociaciones para evitar problemas.

Pevsner
(capítulo 1)
TEORÍAS DEL ARTES DESDE MORRIS HASTA GROPIUS
 Morris se dirigió contra la falta de sentimiento por la unidad esencial de la arquitectura, los edificios eran débiles o
estaban toscamente diseñados, a causa del arte industrial.
A Morris se lo consideró el verdadero profeta del siglo XX, el padre del Movimiento Moderno, es gracias a él que las
viviendas del hombre común han llegado a ser un objeto digno del pensamiento arquitectónico y de imaginación del
artista. Aunque, su tarea de la restauración del oficio manual, es constructiva, aunque la esencia de su doctrina no lo sea.
Ya que pedir por el oficio manual significa pedir por condiciones de primitivismo medieval y por la destrucción de todos
los recursos de la civilización que fueron introducidos en el renacimientos. Como consecuencia de esto, el elevado costo
de su producción (la producción manual era más cara que la industrial).
La máquina era el principal enemigo de Morris, ya que sostenía que excluía la “alegría del creador”. A pesar de esto, se
dice que los verdaderos precursores del movimiento moderno son aquellos que creían en la máquina desde un principio.
Ashbee, fue continuador de Ruskin y Morris, y sostenía que le daban la bienvenida a la máquina, pero siempre que esté
dominada por el hombre, abandonando la doctrina básica del Arts and Crafts (Artes y oficios). Sostenía que desligarse
del uso de la máquina o de algún sistema, con el fin de “favorecer la enseñanza de las artes” no era bueno, adoptando
las ideas básicas del Movimiento Moderno.
Los precursores de Morris, aceptaban que el uso de las máquinas era inevitable.
Los arquitectos admiraron la máquina y comprendieron sus características esenciales y sus consecuencias sobre la
relación de la arquitectura y el diseño con la ornamentación, es decir, con los adornos o motivos que permiten embellecer
una cosa, en este caso, objetos industriales.
La necesidad de un arte mecánico, surge por la practicidad y por el costo que el arte manual implicaba, por lo que solo
estaba dirigido a un público privilegiado, yendo en contra de lo que se planteaba, sobre que el arte, es para todos.

(capítulo 2)
DESDE 1851 HASTA MORRIS Y OFICIOS

Antes, durante el Rococó se valoraba el elaborado trabajo del artesano, pero con la industrialización y la importancia de
la ornamentación, esa idea cambió. Lo que hizo que los objetos sean más grotescos y de mayor volumen.
Para 1850, la máquina había “envenenado” a los artesanos sobrevivientes hasta ese momento.
Con la Revolución Francesa, se terminó con los artesanos y terminó lo que se venía preparando lentamente, que es la
aparición de la industria.

ARGAN
La cultura artística moderna parece estar basada en la relación antitética entre el concepto “clasico” y “romantico”. Lo
clásico está ligado al arte del mundo antiguo , grecorromano y lo romántico al arte cristiano de la edad media y más
específicamente al románico y al gótico. Se trata de dos concepciones distintas del mundo y de la vida, relacionadas con
dos metodologías distintas que tienden a ir integrándose a medida que se va perfilando en las conciencias la idea de
unidad europea, cultural e incluso política.

Con el pensamiento clásico del arte en cuanto mimesis ( que implicaba los dos planos del modelos u de la imitacion)
entra en crisis la idea del arte como dualismo de teoria y practica: la actividad artística pasa a ser una experiencia
primaria y ya no deducida, que no tiene otro fin más allá del de su propio hacer. A la estructura binaria de la mimesis le
sucede la estructura monista de la poiesis, es decir del hacer artístico y, por tanto, por la oposición entre la certeza
teórica de lo clásico y la intencionalidad romántica (poética).

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Lo clásico se relaciona con el mundo de manera racional y hace referencia a la antigüedad greco-romana.
Lo romántico hace referencia a la edad media y se relaciona con el mundo de manera sensible

Para hacer arte de debe saber alto y se debe poder hacer algo:
TEORIA: Lo clasico, lo intelectual, la mimesis.
PRACTICA: Lo romantico, el haer y la poiesis ( de la muñeca para abajo).

Evolución del arte y la belleza

FASE 1) PRE ROMÁNTICA: Se desarrolla lo sublime ( belleza extrema que produce un énfasis más allá de lo racional).
Contraposición al Rococó
Fase 2) NEOCLÁSICA: Se hacen visibles ideales de la Revolución Francesa y la era Napoleónica (libertad, igualdad,
etc.)
FASE 3) ROMANTICA: Restauración monárquica impulsada por la Revolución industrial.

Surge como re
sultado el modelo CLÁSICO como valor absoluto, universal.
-Posicion del artista:
Este se transforma en intelectual y bohemio (libre y poco organizado) y se separa de su realidad social.

-Tensión entre el clasicismo y el romanticismo ya que la belleza es subjetiva.

La belleza romántica es considerada subjetiva, partículas, mutable y convencional y la belleza clásica a diferencia de ésta
es considerada objetiva, universal e inmutable.

Kant plantea que lo bello debe ser racional (Rafael), que lo sublime debe ser considerado soble humano (M Ángel) y que
lo pintoresco debe asociarse al gusto (Hals, Rembrandt)
Surge asi, con el, el concepto de genialidad y pasión.

RENACIMIENTO
El movimiento del Renacimiento era el nombre dado al auge cultural sucedido durante los siglos XIV, XV y XVI en
Europa, y trató de rescatar la cultura olvidada durante la Edad Media.

El hombre del Renacimiento se caracteriza por el individualismo, el racionalismo, el hedonismo, el antropocentrismo, el

realismo, los valores clásicos y el naturalismo.

● Recuperación de la cultura clásica grecorromana: en oposición a la mentalidad medieval, los renacentistas

adoptaron los valores clásicos de la antigua Roma y Grecia. Sin embargo, debe tenerse en cuenta que el
Renacimiento no es una repetición de la cultura clásica sino una nueva reinterpretación a la luz de una nueva era.
● Individualismo: la burguesía trató de abandonar el espíritu empresarial que prevaleció en la Edad Media. Los
artistas comenzaron a firmar sus obras y los nobles y burgueses encargaron imagenes o estatuas de sí mismos.
● Racionalismo: se valora la relación (conciliar fe y razón). La búsqueda del conocimiento. Profundizó la crítica.
 ● Hedonismo: mientras que en la Edad Media destacó el sufrimiento, el hombre del Renacimiento buscaba auto-
satisfacción (placer) y la realización espiritual.
● Antropocentrismo y humanismo: a diferencia del teocentrismo, el hombre del Renacimiento se presenta como el
centro del universo, el hombre es la medida de todas las cosas. Esto no quiere decir que el hombre del
Renacimiento era un ateo o pagano sino que tenía un misticismo religioso diferente al que prevaleció en la Edad
Media.
● Naturalismo: la integración del hombre con la naturaleza y el descubrimiento de la íntima conexión con el
Universo.
● Realismo: es una característica notable de dibujos y pinturas del Renacimiento, porque el artista quería entender
todos los aspectos de la creación.
● Repudio de los ideales medievales: oposición a la caballería de las instituciones más importantes de la Edad
Media así como la escuela escolástica.
● Mecenazgo: la cultura renacentista fue financiada por los poderosos de la época. Los mecenas fueron
comerciantes, banqueros, papas y aristócratas.

MANIERISMO
El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a
la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se
disponen en sentido helicoidal ascendente.
En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al
clasicismo pleno.
En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, auque no cumplen una función arquitectónica.
La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

BARROCO

El barroco es un estilo artístico que dominó la arquitectura, la pintura, la literatura y la música en Europa durante el siglo
XVII.
Por eso, toda la cultura que corresponde a ese periodo, incluyendo las costumbres, los valores y las relaciones sociales,
también se denominan como barrocas.
El barroco surgió al final del Renacimiento, y se manifestó a través del uso de detalles de gran ostentación y
extravagancia entre los grupos beneficiados por las riquezas de la colonización.
Las principales características que marcaron el período barroco fueron:
● Arte que expone el gusto por lo elegante, lo extravagante y el exceso de ornamento.
● Valorización del detalle.exceso de ornamento
● Búsqueda de la espiritualidad, de las sensaciones y las pasiones internas.
● Dualismo y contradicción.
● Contraste entre luces y sombras.
● Sentido del movimiento.
● Oscuridad, complejidad y sensualismo.
● En literatura, cultismo y conceptismo.

ROCOCO
El rococó es un estilo artístico que surgió en Francia en el siglo XVII
Se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, los cuales contrastan con el pesimismo y
la oscuridad del barroco.

Características del rococó:

● Gusto por los colores luminosos, suaves y claros.
● Predomina la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos.
● Refleja los que es agradable, refinado, exótico y sensual.
● Expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño.
Pintura:
Adquiere un carácter profano, los artistas preferían en motivos de la mitología clásica que en los temas bíblicos.
La pintura es decorativa. Se decoran paredes y techo mediante grandes frescos. En cierto sentido esta pintura decoraba
las casas de la nobleza y de la burguesía.
Características de la pintura:
● Los personajes son representados con mucha elegancia
● Se basaban en la artificialidad de la vida de palacios y ambiente.

Arquitectura:
El tipo de construcción del rococó se caracterizó por su ornamentación recargada, el uso de columnas en forma de
espiral.
El interior es un lugar de fantasía y colorido mientras la fachada se caracteriza por la sencillez y la simplicidad.
Características de la arquitectura:
● La distribución interna
● Las estancias especializadas para cada función
● Las habitaciones que combinan la ornamentación y los colores.

NEOCLASICISMO
Este movimiento tuvo como objetivo principal rescatar los valores estéticos y culturales de las civilizaciones de la
Antigüedad Clásica (Grecia y Roma). Surgió en el siglo XVIII en Europa extendiéndose por el mundo,
permaneciendo hasta mediados del siglo XIX.
Se trata de un movimiento de oposición a las exageraciones, rebuscamiento y complejidades del Barroco.

Características del Neoclasicismo

● Valorización del pasado histórico: Valorización de temas y patrones estéticos del arte clásico antiguo. Héroes y
seres de la mitología griega, por ejemplo, fueron temas recurrentes en las pinturas y esculturas neoclásicas.
● Influencia del arte clásico (grecorromano): el Neoclasicismo estuvo fuertemente influenciado por el arte
grecorromano.
● Basado en los ideales iluministas: Fuerte influencia de las ideas filosóficas del iluminismo, principalmente las
vinculadas a la razón.
● Oposición al Barroco y al Rococó: Valorización de la simplicidad y pureza estética (principalmente en la pintura)
en contraste con los rebuscos, dramaticidades y complejidades del Barroco y del Rococó.
● Simplicidad y equilibrio de las formas
● Temas mitológicos y cotidianos
● Racionalismo, academicismo e idealismo
● Armonía y belleza estética
● Uso de la proporción y la claridad
● Imitación de la naturaleza
● En la pintura, el uso de colores fríos y la valorización de la perspectiva fueron recursos muy utilizados.
● En la escultura, fuerte influencia de las formas clásicas del Renacimiento. A diferencia de los escultores barrocos,
que pintaban sus obras, los artistas neoclásicos optaron por el color blanco natural del mármol (como los
escultores griegos y romanos).

ROMANTICISMO
El romanticismo es todo un período cultural, artístico y literario que se inicia en Europa a finales del siglo XVIII,
extendiéndose por el mundo y perdura hasta mediados del siglo XIX.
Se oponía al clasicismo, al racionalismo e Iluminismo. Influenció la literatura, la pintura, la música, la arquitectura y la
política.
El arte romántico es una expresión usada para describir una situación que implica un universo romántico, poético o
novelístico. Está asociado a la ternura, la pasión y la sensibilidad. El mundo de color rosa de la juventud femenina está
íntimamente ligado al romanticismo.

Características del Romanticismo

● Una de las principales características fue la valoración de las emociones, la libertad de creación, el amor
platónico, temas religiosos, individualismo, nacionalismo e historia. Este período fue fuertemente influenciado por
los ideales del iluminismo y la libertad conquistada en la Revolución Francesa.
● Al contrario que el neoclasicismo, el arte romántico rechazaba la razón y los gustos clásicos. En cambio,
revalorizó la expresión de los sentimientos y la pasión, así como de la exaltación del individuo. Los románticos se
inspiraban en el dolor, la soledad, la tristeza, la melancolía… en definitiva, en una profunda insatisfacción con su
mundo. A la vez, los románticos establecieron una actitud positiva ante la naturaleza que los llevaría a establecer
una proximidad afectiva.
● Con el arte romántico se impuso una nueva visión del mundo y del ser humano que implicaba la supremacía de la
imaginación, la fantasía, la necesidad de huir y la creatividad sobre el mundo académico. Es decir, el creador
 romántico estaba marcado por un espíritu de rebeldía que le llevaba a reclamar más libertad frente a las normas
académicas.
● El romanticismo buscaba la inspiración en la edad media y no en la época clásica, porque era en aquel tiempo
donde situaban el origen histórico de los pueblos europeos y donde buscaban sus raíces culturales y lingüísticas.
Es por ello que se puso de moda la novela histórica de ambiente medieval y que en la arquitectura se recuperaron
las formas góticas, dando lugar al neogótico. También en esta estrecha relación con el historicismo encontramos
la relación que vincularía el arte romántico con los movimientos nacionalistas.

REALISMO
El Realismo es una tendencia artística europea que se enmarca, aproximadamente, en la segunda mitad del siglo XIX y
que aspira a reflejar la realidad cotidiana de modo objetivo.
Se concentra en temas sociales.
Así mismo, el Realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o
alegóricos.
La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad.

Características del Realismo:

● Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser objeto de atención por parte
del escritor, desde los más heroicos hasta los más humildes.
● Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes sociales (preferentemente urbanos, y
minuciosamente descritos).
● Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al lector para comentar sus
comportamientos
● El estilo sobrio, preciso y elaborado.
● Las acciones de las novelas responden a hechos verosímiles localizados en lugares concretos y reales.

IMPRESIONISMO

El impresionismo fue un movimiento artístico (artes plásticas y música) que surgió en Francia a finales del siglo XIX. Este
movimiento es considerado el hito inicial del arte moderno. El nombre impresionismo deriva de una obra de Monet
llamado impresión, sol naciente (1872).

Características del impresionismo en las artes visuales

● Énfasis en los temas de la naturaleza, especialmente de paisajes.
● Uso de técnicas de pintura que mejoran la acción de la luz natural.
● Valorización de la descomposición de colores.
● Pinceladas sueltas buscan los movimientos de la escena representada.
● Uso de luz de color y efectos de sombra.

Principales artistas impresionistas y sus obras

● Claude Monet
● Edgar Degas
● Pierre-Auguste Renoir
● Édouard Manet

POSTIMPRESIONISMO
El postimpresionismo surgió en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX, como un conjunto de estilos,
técnicas y tendencias artísticas basadas a partir del modelo impresionista.
La idea central de los postimpresionistas no era renegar, repudiar u olvidar el impresionismo, sino perfeccionarlo.

Características del postimpresionismo

● Entre las principales características del Postimpresionismo, tenemos, el nuevo espíritu que surgía se alejaba del
impresionismo, en la medida en que admitía la importancia del lado subjetivo, humano, emocional y sentimental
expresado en las artes, y no sólo de su aspecto » superficial», de reproducción de la realidad, como lo hicieron los
autores del Impresionismo.
Otras Características:
● Superó las tendencias artísticas del impresionismo.
● Utilización de colores vivos.
● Retractación de temas de la vida real.
● Visión subjetiva del mundo.
● Uso de la técnica del puntillismo por algunos pintores postimpresionistas, entre ellos Paul Signac y Georges
Seurat.
● Tendencia de experimentación de la fuerza de la imagen, el contorno de seguridad y la libertad de color.

FAUVISMO
Características del fauvismo
El fauvismo tiene sus raíces en la obra del post-impresionista Gauguin. Es un movimiento eminentemente pictórico e,
incluso, si queremos perfilar más, centrado en pinturas al óleo.

Se caracteriza por:
● Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir, los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros
en el cuadro uno al lado del otro. Las primeras obras presentan, por ejemplo, en el rostro humano colores rojos,
verdes o morados que, en principio, es ajeno a la carnalidad.
● Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea gruesa de color negro y nada más tenemos que
observar, por ejemplo, Desnudo azul (1907) de Henri Matisse.
● Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional. El canon se sustituyó por la libertad expresiva.
Hay que recordar que Freud acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la vida
intelectual de entonces.
● Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a través de un incipiente comercio de arte que
empezaba a despuntar en los elitistas círculos de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez de
estas culturas fascinaron a estos artistas.
● Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios avanzados del movimiento, se reduce al mínimo el
“decorado” de los cuadros. La luz llega de los colores, pero no del juego de las sombras.
● Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo primitivo e instintivo.
● Con el solo uso del color se intenta captar los sentimientos. Para ello se utiliza el simbolismo de los objetos.