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Antropología Teatral II
Profesor: Ricardo Santillán Güemes
Alumno: Patricio López Tobares
Dirección Teatral y Puesta en Escena 2do Año
Escuela Metropolitana de Arte Dramático
“La más pequeña acción, discurso o concreción cultural (auto, cuadro, ritual,
saludo, mito, poema, formas de comer, escultura, institución) deben
considerarse siempre como partes que nos remiten a una determinada
totalidad, a una matriz cultural básica de la cual emergen (son construidas) y
adquieren funcionalidad y sentido todas esas concreciones materiales y
simbólicas que producen los miembros de una sociedad, comunidad o grupo.”
Ricardo Santillán Güemes1
LA OBRA
Fundamentación de la elección
Las tres obras cortas de Arlt que tenía sobre mi mesa eran: Prueba de Amor,
La Isla Desierta, y La Juerga de los Polichinelas.
Tres circunstancias definieron el hacer la Juerga:
- Lo rico en materia de juego que tiene el texto
- El que pudiese participar Germán en la obra.
- El hecho de que nunca había sido representada en vida de Arlt.
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Culturar, Las formas del desarrollo. Ciccus.
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¿POR QUÉ? –
Por interés artístico, dado que me interesa trabajar la obra de
Roberto Arlt. Profundizar en su hibridación de estéticas. Y por ser un
material cercano, y atractivo, que me permita adquirir nuevas
herramientas de dirección en este proceso de aprendizaje.
¿PARA QUE? –
Para crecer artísticamente ahondando un cruce de poéticas entre el
grotesco y el expresionismo.
Como un desafío artístico para el elenco, y también académico,
ahondando en nuevas alternativas de trabajos teatrales.
Para crecer en el aprendizaje.
Como búsqueda creativa y personal.
Crecer en mi desarrollo como director. Afianzar los caminos de
búsquedas alejándome del resultadismo, que es una de las premisas
fundamentales de nuestra cátedra.
La Obra
“La Juerga de los Polichinelas” fue escrita por Roberto Arlt en 1934 y publicada
en el diario La Nación. Nunca estrenada en vida de Arlt. Es una obra breve en
un acto y tres escenas denominada por su autor como “burlería”. La
denominación es de origen español. Raúl Castagnino señala al respecto: “Debe
llamarse especialmente la atención sobre la calificación elegida por Arlt para la
pieza: burlería. No creo que haya sido empleada antes por ningún autor teatral
argentino; es más, en rigor preceptístico la denominación corresponde a una
especie narrativa y no dramática. Retóricas y Diccionarios de términos literarios
denominan burlería un cuento fabuloso o conseja de viejas”.
Efectivamente en esta pieza corta hay una fabulación, un engaño sobre el cual
se articula el ácido divertimento, a la vez grotesco y absurdo: los seres-
marionetas participan de la bufonada y realizan los gags propios de los
integrantes de las farsas, pero lo connotativo del discurso cínico con que se
manejan Marido y Criado los vincula con lo tragicómico.
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Roberto Arlt
Sobre Arlt:
Dice Oscar Massotta: "Las metáforas arltianas son superficies bruñidas y
metalizadas. Sus personajes son como espejos perfectos de la putrefacción de
una sociedad."
Dice Mirta Arlt: "Para Arlt el hombre es un soñante. El sueño que se comete
como primer acto creador, de afirmación de la libertad (dónde no había nada,
hay sueño), es también un sueño desmedido."
Modelos Estéticos
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Por Patricio López Tobares.
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Sucedía algo maravilloso, una total sincronía entre las ideas y paradigmas de
Arlt y las mías propias. Sentía que él hablaba con mi lenguaje, y que de cierta
forma yo podía interpretarlo y recrearlo. Pocas veces me sucedía algo así con
un autor (fue la razón por la que estudié dramaturgia).
La carga simbólica de los textos de Arlt era lo que más me seducía para
trasladar a la escena, era más que un desafío, era un verdadero juego y placer.
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Durante gran parte de la puesta, el Manifiesto Surrealista de André Breton fue un material inspirador.
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Es imposible no asociar la obra de Arlt con los personajes de Pirandello, más aquellos que participan en Seis
personajes en busca de un autor o Esta noche se improvisa. Pirandello se deja llevar por estos “fantasmas” y su loca
fantasía, dicho en sus propias palabras. Pirandello es un representante del expresionismo en cierta forma, sin ser
alemán y estando alejado de ese movimiento. Aunque Zamora, en la Historia del Teatro, no duda en incluirlo como
un precursor del expresionismo. El tema de Arlt y Pirandello, ya estaba en boga con Roberto Arlt vivo. Sobre el tema,
Arlt declaró antes del estreno de El fabricante de fantasmas:“Posiblemente algún crítico excesivamente avisado sitúe
mi creación dentro de la técnica pirandelliana (hoy se abusa del término); yo creo que nace de la lectura de
Flaubert, en su novela Las Tentaciones de San Antonio, y en Thais, de Anatole France.”Arlt no asiente, pero no
niega. Seguramente hay cierta admiración y homenaje a la obra Pirandelliana.
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“La locura nos proporciona una vida más agradable y libre de problemas,
puesto, que según dice, citando a Sófocles: “la existencia más placentera
consiste en no reflexionar”. La locura se presenta en determinados momentos
de demencia sublime, en el acto de amor más profundo.”
Alberto Manguel7
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La Máscara y el Rostro, 1916, comedia grotesca en 3 actos, original de Luigi Chiarelli. Estrenada en Buenos Aires
por la Compañía Argentina de Arte en el Teatro Odeón en 1918.
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Un dato importante, que no es menor, es que nunca la obra fue estrenada en vida de Roberto Arlt. El autor tenía
como costumbre, retocar sus textos a medida que avanzaban las representaciones del mismo, tomando en cuenta las
opiniones del elenco, del público, hasta de los maquinistas del teatro. El consideraba que un texto estaba listo cuando
había atravesado un número considerable de representaciones.
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Nuevo elogio de la locura. Ver obra citada.
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"La creación es algo nuevo que no se realiza con el intelecto sino con el
instinto de juego que actúa por necesidad interna. La mente creativa juega con
el objeto que ama" Carl Jung
La pauta ideal de la elección de los actores estuvo dada más por mis
necesidades respecto al equipo que lo que supuestamente la obra “pide”.
Según mi cátedra, veían a los personajes como señores mayores de cuarenta
años, curtidos, con cierta experiencia. Mis necesidades eran actores jóvenes,
con ganas de aprender, de crecer. De embarcarse en un proyecto que en
realidad no dejó nunca de ser un examen. Y lo tuvieron claro desde el primer
día hasta el estreno, y eso facilitó muchísimo la entrega de ellos al laburo.
Con el resto de los juguetes, los tres, crearon un gran juego tipo Estanciero,
dónde se contaba todo el desarrollo de la acción dramática de la obra.
29 de junio
El primer ensayo en Jufré. Todo un acontecimiento!. Sabíamos cual sería
nuestro espacio (la sala de abajo), y lo íbamos a aprovechar.
Ese día pudimos jugar más desde lo corporal, trabajar la atmósfera y los
objetos imaginarios. Seguimos con lo sensorial a través del espacio.
Se presenta una gran sincronicidad entre César y Germán. Se potencian
mutuamente y crecen todo el tiempo. En momentos no es bueno para Fernán
que queda desdibujado, y es algo que me llama la atención y tengo que pensar
como equilibrarlo.
La instalación
Fue una de las cosas que menos disfruté. No se por qué. Casi la hicimos en
conjunto con el elenco. Con las imágenes que iban tirando y manejando en los
ensayos.
La máscara pasó a ser un fuerte símbolo, en la instalación y a través de toda la
puesta.
Si me impactó la lectura que hicieron las chicas de escenografía, me sentí en
sincronía con ellas, asi fue que pedí, “las quiero a Laura y a Daniela”, y
Maiamar Abrodos y Belatti pensaron lo mismo: “Laura y Daniela son las ideales
para Patricio. Daniela va a volar con Patricio, y Laura los va a traer a la tierra.”
De las observaciones propias, ajenas y etcs, surge de la instalación consginas
que marcarían el rumbo:
- el artificio en escena
- la muerte
- la locura como juego
- el no atreverse a ser
- las sombras y las apariencias.
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Fantoche (del francés Fantoche): 1. persona grotesca y desdeñable. 2. sujeto neciamente presumido. 3.
persona vestida o maquillada de forma estrafalaria. 4. muñeco grotesco frecuentemente movido por hilos.
Estas definiciones fueron importantísimas en la construcción de los caracteres.
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El quiebre y el reemplazo
La primer pasada frente a la cátedra.
Martes 15 de julio
Diego, César y Fernán se presentan frente a la cátedra. Realizamos un
ejercicio de puesta a punto energético, y realizamos un ejercicio de vinculación
entre ellos y el espacio, y el manejo de las energías de los personajes.
Jugando con una pelota roja, Diego y César debían avanzar continuamente
contra Fernán. Cada uno tenías dos frases claves para desarrollar:
Diego:
- ¿llamo con los pies o con las manos?
- No entiende el lenguaje de los plenipontenciarios.
César:
- Ese hombre es mi amigo.
- Quita de mi vista las armas homicidas.
Fernán:
- Es mentira.
- Me estoy volviendo loco.
Pasamos la primer prueba. Para mi era inimaginable la obra sin Germán. Pero
se siguió adelante. Con convencimiento. Con más fuerza. La vocación y el
teatro es más fuerte que cualquier relación o persona. Lo aprendí, y a pesar de
que en el momento que escribo esto, no dejo de sentir un poco de tristeza,
siento que crecí un montón como persona y como artista.
El mate además de ser compañía fue casi un rito hasta durante las funciones.
El mate fue y es Ritual, compañía, estímulo. Lo infaltable en cada ensayo. La
Pauta que concecta. Lo que nos une.
Material inspirador I
Demencia:
el camino más alto y más desierto.
Oficio de las máscaras absurdas; pero tan humanas.
Roncan los extravíos;
tosen las muecas
y descargan sus golpes
afónicas lamentaciones.
Semblantes inflamados;
dilatación vidriosa de los ojos
en el camino más alto y más desierto.
Se erizan los cabellos del espanto.
La mucha luz alaba su inocencia.
El patio del hospicio es como un banco
a lo largo del muro.
Cuerdas de los silencios más eternos.
Me hago la señal de la cruz a pesar de ser judío.
¿A quién llamar?
¿A quién llamar desde el camino
tan alto y tan desierto?
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Jacobo Fijman nació en 1898 en Besarabia, Rusia —hoy Rumania— y falleció en 1970 en el hospicio, más
precisamente en el Hospital Borda de Buenos Aires, donde permaneció casi 20 años.
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De Estrella de la Mañana:
Poema VI
“Es indudable que el ser humano es un ser integral, una totalidad compleja y
multidimensional; pero esto no quita que, dentro de un proceso de autoconocimiento y
entrenamiento psicofísico se puedan realizar ciertas distinciones transitorias,
operativas o funcionales que nos permitan optimizar determinadas prácticas siempre y
cuando nos remitamos constantemente a la mencionada integridad o unidad y, por
supuesto, a las totalidades mayores de la cual el humano forma parte. Me refiero,
entre otras cosas, a esa antigua relación o correspondencia entre microcosmos y
macrocosmos que visualizaron muchas sabidurías que aprendieron a compensar
armoniosamente las distintas partes que conforman el reino de lo vivo.” Ricardo
Santillán Güemes10
Se agranda el equipo
Continuando el trabajo
PREPRODUCCION
Capacitación
Prediseño del anteproyecto (Evaluación de la viabilidad artística, técnica y
económica del proyecto)
Análisis del texto supervisado por la profesora Estela Castronuovo.
Trabajos específicos durante tres meses interactuando las cátedras de dirección y
de Escenografía junto a los profesores Jorge Delasaletta, Eduardo Pavelik, Jorge
Merzari, Daniel Prieto y Maiamar Abrodos.
Convocatoria de Actores Protagónicos
Elección de personal creativo convocado para participar de la obra (Vestuario,
Escenografía, Iluminación, Compositor para música original)
Constitución del grupo.
Búsqueda de financiamiento
Diferentes trabajos académicos relacionados con la obra para presentar a las
diferentes materias de la cátedra.
PRODUCCION
Búsqueda creativa del elenco y del equipo creativo.
Comienzo de los ensayos
Trabajos sobre antropología teatral supervisados por Ricardo Santillán Güemes.
Construcción de escenografía (Elección de materiales, supervisión de los
escenográfos, solicitar presupuesto y comprar materiales)
Confección del vestuario (Elección de telas y géneros, supervisión de los
vestuaristas, solicitar presupuestos y comprar materiales)
Interacción constante entre las cátedras de Dirección y Escenografía.
Diferentes trabajos académicos relacionados con la obra para presentar a las
diferentes materias de la cátedra.
Presentación cada tres semanas del elenco y del equipo para mostrar a la cátedra
los trabajos realizados y los avances en los ensayos. Devolución activa de los
trabajos.
Selección de estrategias de comunicación para traer público a las funciones.
¿DONDE? –
Reuniones de producción: Domicilio del Director
Miércoles 19 a 21 hs.: reunión creativa con Escenografía y Vestuario.
Viernes 19 a 21 hs.: reunión creativa con Músico.
Ensayos:
Lunes y Jueves: de 16 a 19 hs. Sede EMAD Jufré 141
Miércoles y Viernes: de 15 a 18 hs. Domicilio Director. Medrano 582
Estreno: Jueves 9 de octubre. 21 hs. Sede EMAD Jufré 141
¿CUANDO? –
Preproducción: Abril y mayo de 2008
Comienzo de los ensayos: 10 de junio de 2008 (3 ensayos semanales de 3 horas cada
uno, sumándose un día más a partir de septiembre)
Construcción de estenografía y confección de vestuario: septiembre de 2008
Estrategias de comunicación primer semana de octubre de 2008
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¿QUIEN? –
Elenco:
El Marido: César Larroudé
El Criado: Diego Petrone
Galancete: Diego Fernan
El Juglar: Matías Tozzola
Y seguimos avanzando…
Decido que Matías no solo sea un simple músico en vivo, sino que su actuación
sea más comprometida y sea una especie de narrador de la historia.
Avanza la puesta. Trabajo con el espacio. Con los estímulos para llevar al
elenco a las sensaciones. Los hago transitar a partir de la acción.
Material inspirador II
“La vida del artista necesariamente debe estar llena de conflictos, porque
dentro de sí lleva dos fuerzas enfrentadas; por un lado el simple deseo humano
de felicidad, satisfacción y seguridad en la vida, y por el otro una pasión
despiadada que puedo llegar al punto de pasar por encima de todos los deseos
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el primer boceto trabajado fue una habitación entramada, con escaleras como
muros, y rampas para desarrollar la acción.
luego, mediante maquetas se fue desarrollando el espacio escénico completo,
que requería al público casi siendo partícipe de lo que iba ocurriendo.
el espacio quedo configurado por una calle y balcón que podría ser
tranquilamente una película muda de los veinte. Y la habitación encerrada en
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Los Personajes
Entre el Marido y Criado se iba creando una simbiosis, pero a su vez, el Criado
era el “brazo ejecutor” del Marido. En algunos ensayos el Marido trabajó su
cuerpo como si le faltasen los brazos, o los tuviese tullidos.
El juglar, personaje inventado por mí, es una especie de música interna de los
otros personajes, un ángel polichinela, el guardia de la conciencia, el
disparador de la locura.
Los temas son mas bien heterogéneos, con una raíz motívica común (no todos,
pero la mayoría). Las connotaciones culturales están bien claras: Río de la
Plata y Europa Occidental ( las alusiones a Italia, España etc, asi como las
raíces europeas de los inmigrantes, plena década del 20!). Por eso los
géneros: candombe, vals, tango, obra de forma (tema de Ella), marcha militar,
etc…
La música no hace más que brindar un marco sonoro a lo que está sucediendo
en escena; la importancia del marco puede resultar más o menos significativa
en determinados momentos. En este sentido, podemos decir que los aspectos
musicales se “desprenden” o devienen de las situaciones escénicas, en la
medida en que las complementan. Si son equiparables, ambas, escena y
música, deben poder ser abstraíbles a alguna unidad que les sea común, y es
aquí donde entramos en el terreno de las representaciones. Si bien la música
es el arte no figurativo por excelencia, podemos decir que, por cuestiones de
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Sabatino Cacho Palma. Ver obra citada.
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índole cultural, emotiva, etc, las relaciones entre sonidos tienden a configurarse
(no siempre, por sobre todo en aquellas músicas mas estandarizadas) en
“imágenes sonoras”. Dichas imágenes guardan una relación muy estrecha con
lo que sucede a nivel escénico. Por eso decimos que las escenas mismas son
las que piden determinada música que les sirva de marco de referencialidad,
así como de suplemento emotivo. La elección de los aspectos y motivos
musicales se realizó en función a las representaciones que se extrajeron de las
mismas escenas durante el proceso creativo
La calle estará planteada en colores fríos, con una clara sensación nocturna,
de muchas sombras, en momentos inquietante. Misterioso.
La habitación está muy iluminada, con colores cálidos, dando una sensación de
hogar, pero también de mucho calor climático. En realidad la habitación es lo
interior del ser humano, es una matriz, es un lugar acogedor del cual no se
quiere salir.
EL ESTRENO
Debilidades:
- El proceso de aprendizaje hacia nuevas teatralidades.
- El transitar un camino distinto al recorrido hasta el momento.
- Una obra compleja desde la hibridación estética.
- La estrecha relación de amistad en el equipo.
- La falta de dinero en efectivo.
La estrecha amistad del equipo pudo ser controlada. Nadie se protegió en eso
para no trabajar o para no cumplir responsabilidades. Se estaba muy en claro
que era un EXAMEN y que el trabajo de todos era capital.
Amenazas:
- Cierta falta de organización en la institución.
- La falta de disciplina de algunos compañeros de otros años.
- El poco tiempo de ensayos.
- Los horarios a pautar de uno de los protagonistas.
que perder tiempo en poner en orden y limpiar la sala. Durante los ensayos no
nos molestó demasiado, si, fue una vergüenza como nos dejaron la sala, el día
de la tercera función.
Fortalezas:
- La unión creativa y de espíritu del equipo.
- El aprendizaje adquirido gracias a los profes Delasaletta y Pavelick.
- Los conocimientos de antropología teatral impartidos por Ricardo
Santillán Gúemes.
- Las herramientas creativas aportadas por Merzari y Prieto.
- Un texto original y con mucho vuelo, y potencial.
- Un elenco solvente en lo actoral.
- Un equipo creativo de lujo en lo talentoso.
- Comunicación constante y fluida entre el equipo, y del equipo con la
troncal.
Oportunidades:
- El aprendizaje a adquirir. La experiencia.
- La constitución de un buen equipo de trabajo hacia el futuro inmediato.
REFLEXIÓN ACTIVA
Autoevaluación
(extractos de la autoevaluación del proceso de puesta para la materia
troncal)
Los aciertos:
-Usar lo visual como expresivo.
-Un crecimiento paulatino y sostenido desde lo actoral.
-Hice de mi propia carne el texto.
-Manejé con soltura el tempo y el ritmo.
-Resolví el texto con sutilizas.
Mi teatralidad
Antes y después de la escuela
No soy el mismo del 2007, y quizá tampoco el del 2009, pero sí, de a poco, el
que fui, el que soy y el que seré, comienzan a ser una misma identidad teatral,
a encontrar un espacio, un lugar en el mundo.
Más allá de lo humano, que salta a la vista, el grupo genial. Yo crecí muchísimo
con esto, entender un nuevo código, como se crea en teatro. Más allá de lo
musical. A mi me ayudó un montón. Me dí cuenta que hasta el viaje a la
montaña me ayudó a sacar cosas de mí para plasmar escénicamente.
Dedicatorias y agradecimientos:
Equipo querido...GRACIAS!!!
hemos atravesado la primer etapa y vamos por más!!
Gracias por cinco meses maravillosos de búsquedas personales y creativas.
Gracias por la amistad.
Gracias por tres funciones increíbles que me hicieron crecer como persona y
como director.
Gracias por cubrirme las espaldas todo el tiempo.
Gracias por aceptar laburar en este experimento tan maravilloso.
Nos queda mucho por recorrer, descubrir, el mundo de La Juerga recién está
empezando.
Los quiero con el corazón y con el alma, son de lo mejor que me encontré en
esta vida.