ESTRUCTURA DE TRABAJO PARA

HACER UNA BUENA MEXCLA

Es fácil poner en marcha una buena combinación si tiene

una idea fija de lo que está tratando de lograr
Pasar de una pista a otra puede crear rápidamente una
situación de mezcla caótica.
Puede comenzar haciendo niveles, luego cambiar a paneo y
luego pensar en algunos consejos de distorsión que desea
probar.
Entonces, de repente, no sabes a dónde va tu mezcla.
Me gusta la estructura cuando trabajo, así que es bueno
para mí tener un buen flujo de trabajo al mezclar. Si has
estado siguiendo mis últimos correos electrónicos, sabes
cómo funciona la estructura y sabes cómo me gusta
simplificar las cosas para que la mezcla vaya más rápido.
Pasar de una cosa a otra sin una hoja de ruta no es peligroso
ni nada de eso. Mezclar nunca es "peligroso", pero
consumirá su recurso más preciado, el tiempo.
En lugar de pasar de una idea de mezcla de música a otra,
sigue estos consejos a continuación, y estarás en camino a
esa mezcla que está en tu cabeza.
Creo firmemente en el Principio de Pareto, donde el 80% de
los resultados provienen del 20% del esfuerzo.
Las cinco cosas a continuación son el típico 20% que lo
acercará a su mezcla ideal.
1. VOLUMEN
No puedes tener tus huellas por todo el lugar.
Tampoco puedes tener todos tus instrumentos al mismo
volumen.
Equilibrar el volumen de sus pistas es el punto de partida
fundamental para cada mezcla. Un balance claro es casi la
mitad del trabajo, especialmente si tienes excelentes pistas
de sonido.
Debe mantener los elementos en la mezcla a un nivel
constante y equilibrado, sin que se produzcan cambios de
nivel anormales en todo el lugar. Subir los faders y obtener
una mezcla equilibrada es el primer orden del día después
de que haya grabado y editado sus pistas.
El ecualizador y la compresión, aunque son extremadamente
importantes, no ayudan en absoluto si su equilibrio está
fuera de control.
Es por eso que generalmente paso más tiempo obteniendo
los niveles exactos de cada pista justo antes de tocar
cualquier procesamiento.
Simplemente moviendo los faders debería acercarte mucho
a una mezcla aproximada.
Claro, obviamente tendrá que hacer una mezcla adicional,
pero si obtiene el equilibrio desde el principio, hace que el
resto de su mezcla sea más fácil y más divertido de hacer.
REEQUILIBRIO
Por supuesto, equilibrar los faders no es algo que se hace al
principio de la mezcla.
El reequilibrio es esencial a medida que agrega compresión,
EQ, envíos auxiliares y efectos si desea mantener el
equilibrio que tenía antes.
Todos los procesadores agregan o restan ganancia a sus
señales, por lo que debe tener eso en cuenta al agregar sus
complementos a la mezcla.
Siempre que gaste 20 minutos adicionales en el equilibrio al
comienzo, puede ahorrarse algo de tiempo en el futuro.
2. PANORáMICA
Stereo es importante. No quieres que todas tus pistas
luchen por el centro. Por ejemplo, desplazar el kit de batería
es una forma importante de expandir y establecer el espectro
estéreo.
Si tiene todo tipo de elementos e instrumentos diferentes,
necesita encontrar un lugar para ellos en el espectro estéreo.
Desplaza todo alrededor hasta que encuentres un buen
equilibrio.
Tenga en cuenta que tampoco desea inclinar demasiado el
equilibrio de los instrumentos hacia la derecha o hacia la
izquierda.
En cambio, trate de encontrar un buen equilibrio y equilibrio
entre el altavoz izquierdo y derecho.
Una buena manera de hacer esto es mantener las cosas en
mono y panorámica de esa manera. Le resultará más fácil
crear separación en sus instrumentos si no tiene que
escuchar sus sartenes en estéreo.
Contra-intuitivo?
Tal vez. Pero funciona.
La panorámica en mono le ofrece una forma diferente de
colocar los instrumentos en su mezcla. Ya no está haciendo
paneo en el campo estéreo ya que ha cambiado su mezcla a
mono, pero aún puede escuchar una diferencia en la
separación de instrumentos al hacerlo de esta manera.
3. EQ
EQ es su primera herramienta de mezcla después de hacer
sus niveles y paneo.
La ecualización es una herramienta increíblemente útil para
mejorar los colores sónicos de sus instrumentos.
Cortar frecuencias no deseadas y aumentar las
características fundamentales de los instrumentos es de lo
que se trata EQ.
Repare cortando y realce aumentando. EQ es una
herramienta tan tremenda que es difícil hacerle justicia
como parte de una publicación como esta, pero si está
buscando algo nuevo para probar aquí, hay seis cosas que
hacer de manera diferente la próxima vez que necesite
ecualizar sus instrumentos .
Use filtros y estanterías juntos: a veces no desea filtrar
demasiado drásticamente, pero necesita deshacerse de más
bajos o altos. Los filtros y los cortes de estanterías hacen
maravillas juntos.
Use filtros de paso bajo y agregue un impulso resonante:
pruébelo en guitarras. Filtre los agudos hasta los medios
altos, luego agregue un impulso directamente a la
frecuencia de corte para que se asome a través de la mezcla.
Intenta mantener tus aumentos mínimos: ecualizador
sustractivo y todo ese jazz. Si cortas más y solo subes el
volumen, básicamente estás aumentando las frecuencias que
quedan intactas.
Primero trate de usar la ecualización de bus: me encanta
agrupar instrumentos en buses y ecualizarlos de esa manera.
Puede significar mucho menos trabajo en las pistas
individuales si todos sus grupos están sentados juntos en la
mezcla.
También ecualice sus efectos: si no filtra el extremo inferior
de sus retornos de reverberación, es probable que termine
con una mezcla muy turbia. Siempre aplique un ecualizador
en los canales de reverberación o efectos, o use el
ecualizador incorporado si sus efectos vienen con ellos.
Piense antes de ecualizar: piense en cuántos instrumentos
tiene la mezcla, luego intente dividirlos en el espectro de
frecuencia antes de comenzar a ecualizar. Si el bajo es el
grosor y lo has DECIDIDO, intenta mantenerlo. Algunos
instrumentos deben ser brillantes; algunos no deberían. Si
lo piensa analíticamente antes de ecualizar, puede ahorrarse
algo de tiempo.
4. COMPRESIóN
La compresión es lo que hace que tu mezcla respire.
También puede aplastar su mezcla y ahogar la naturalidad
de la misma. Dependiendo del género, instrumento y otras
consideraciones, el enfoque de la compresión varía.
Podríamos decidir aplastar por completo el micrófono de
una habitación para obtener un sonido de batería más
potente, pero nunca podríamos comprimir una voz hermosa
a tal extremo.
Para un simple truco de compresión vocal que aprieta la voz
sin realmente presionarlo demasiado, intente usar solo una
relación baja de 2: 1 con un umbral bajo, por lo que siempre
se comprime un poco.
Eso comprime la voz en todo momento mientras le permite
respirar y ser dinámico.
En general, no solo para las voces, sino también para
cualquiera de las pistas, si desea utilizar la compresión de
una manera sutil que no aplaste su canción, esta es una
buena manera de hacerlo:
PASO 1 - MEZCLE LA PARTE MÁS ALTA DE LA CANCIóN
No Probablemente hayas leído sobre la importancia de
obtener una excelente mezcla estática antes. Encuentra la
parte más ruidosa de la canción, repítela y ve al pueblo en
ella.
Mezcla esa parte hasta que te haga llorar, es tan bueno. Use
todos sus compresores y limitadores para obtener esa parte
realmente oscilante.
Una vez que esa parte de la canción suena genial, puede
volver al principio y mezclar el resto de la canción.
PASO 2: DEJE SUS COMPRESORES Y LIMITADORES SOLOS
Mezcle el resto de la canción sin tocar sus compresores o
limitadores. Si toda su compresión contundente está
bombeando muy bien durante las partes más fuertes de la
canción, entonces no agregue más compresión en las partes
más tranquilas.
Este método le da a sus partes blandas un excelente rango
dinámico mientras le da a sus grandes partes el golpe que
necesitan. Si agrega más compresión a la voz durante el
verso tranquilo, entonces sonará aplastado y demasiado
comprimido en los coros.
PASO 3 - AUTOMATIZAR, NO COMPRIMIR
No piense que sus instrumentos necesitan más compresión
en los versos solo porque son más silenciosos. Simplemente
automatice las frases que necesitan un poco más de
volumen.
Por supuesto, hay múltiples formas de abordar la
compresión; esta es solo la forma conservadora de hacerlo.
Su enfoque particular a la compresión es un factor
significativo en cómo terminará su mezcla.
5. PROFUNDIDAD
Al igual que colocamos instrumentos de izquierda a derecha
con paneo, necesitamos posicionar elementos de adelante
hacia atrás. Mediante el uso de efectos, como reverb, delay
y chorus, creamos profundidad en una mezcla.
No puede distinguir ningún espacio en su mezcla si todos los
elementos están secos y en su cara.
No disfrutará escuchar una imagen de sonido bidimensional
tanto como una mezcla tridimensional llena de efectos
interesantes que crean profundidad y diversidad en su
mezcla.
Al igual que algunos elementos merecen estar en el medio
del espectro estéreo, y no se panoramizan, también hay
algunas pistas que merecen estar secas y por adelantado.
¿Qué elementos y qué tipo de espacio utilizar? Eso depende
principalmente de usted y de su gusto. A veces también es
específico de género. Por ejemplo, no pondrías
reverberaciones masivas en una canción de thrash metal
rápido, y probablemente no escatimarías en el espacio para
una balada potente grande y lenta.
REVERB Y DELAY
Los dos procesadores de efectos más comunes son la
reverberación y el retraso (gracias, Capitán Obvio).
Usar reverberación puede ser bastante desafiante.
Demasiado poco y sonará seco y sin pulir.
Demasiado y será un desastre desordenado.
También puedes usar la reverb para un contraste entre verso
y coro. Use un modo de reverberación diferente como una
placa corta para el verso y luego una sala más grande
durante los coros para que suenen más grandes.
La reverberación crea el escenario
La reverb crea el escenario en el que configuras tu mezcla.
Piénselo de esta manera: si desea que su canción tenga lugar
en una gran catedral, use la reverberación de la gran
catedral. Si desea un espacio de estudio reducido, utilice el
espacio que suena como un pequeño espacio de estudio.
Solo asegúrate de encontrar un buen espacio para tu
canción.
Pero, por supuesto, no lo deje seco.
Saltarse la reverberación dará como resultado una mezcla
bidimensional y difícil a menos que haya grabado
cuidadosamente todo con un sonido de sala en particular.
Pero no muchos grabadores de dormitorio hacen eso, por lo
que debe elegir sabiamente sus modos de reverberación.
Agrupa tus elementos
Puede facilitar su DAW utilizando grupos de instrumentos
similares. Si ya ha mezclado sus guitarras, puede agruparlas
y enviarlas a la misma reverb. Haga lo mismo con cualquier
cantidad de elementos de sonido similares, como batería,
voces o sintetizadores.
Comúnmente agrupo mis voces, mis pistas de batería y
percusión, así como mis guitarras en tres grupos separados.
Al usar tres reverberaciones cortas y diferentes en cada uno
de estos grupos, todos se acomodan en su espacio mientras
trabajan juntos como un todo.
De esa manera, puede transformar su mezcla de una
combinación de gritos bidimensionales desordenada en una
imagen 3D muy bien separada.
La reverberación mantiene todo junto
Al igual que la compresión tiende a unir pistas en el
departamento de dinámica, también lo hace la reverberación
en el departamento de espacio.
Entonces la respuesta es la reverberación, la mayoría de las
veces. Pero si tiene miedo de usar demasiado, es posible
que desee recurrir a la demora.
CUANDO EL RETRASO ES MEJOR
Tal vez quieras dejar de lado la reverb por un día y usar un
retraso en su lugar. Los retrasos son más fáciles de manejar,
y algunos son mucho menos confusos que la reverberación
promedio.
A veces solo necesitas un poco de profundidad, sin agregar
reverberación, y el retraso puede hacer el trabajo fácilmente.
 Entonces, ¿cuándo sustituirías tu reverb por un poco de
retraso?
PARA SOLOS DE GUITARRA
Claro, los solos de guitarra pueden sonar increíbles con una
gran cantidad de reverberación. Pero pueden sonar
igualmente geniales con un buen retraso.
Use un retardo estéreo corto a medio con una repetición.
Agregará ancho y profundidad a su señal de inmediato. La
demora estéreo hará que el solo suene más ancho, y la
demora agregará la profundidad. Y si tiene la pista original
en el medio, la suma a mono no arruinará el sonido.
PARA GUITARRA RíTMICA
Tanto la reverb como el delay pueden arruinar rápidamente
una toma de guitarra de ritmo apretado. Si usa demasiado
uno de los dos, terminará con una pista de guitarra
desordenada. Sin embargo, el uso de un breve eco de
bofetada o un retraso en la octava nota también puede
agregar interés. Envíe su pista de guitarra a un retraso a
través de un envío y mezcle la pista retrasada debajo solo
para agregar un poco de espacio. No tiene que saturar la
pista si la usas con poca frecuencia.

PARA VOCES PRINCIPALES

Para una voz principal directa, deseche la reverberación por
completo y use un retraso para agregar profundidad. La
demora agrega espacio sin empujar la voz hacia atrás, algo
que sucede con demasiada frecuencia cuando se usa
demasiada reverberación. Dependiendo de los BPM de la
canción, el estilo y el género, use un retraso corto, medio o
largo.
Si es una balada con palabras largas y largas, un retraso
prolongado crea un gran sonido sin dominar la voz real.
Una canción de rock rápido se beneficia de una demora
breve y sutil, y las canciones pop maravillosas usan demoras
medias para un gran efecto.
PARA LA PERCUSIóN?
Problemas similares surgen del uso de demasiado retraso en
la percusión como lo hace en la guitarra rítmica. Una breve
demora programada para el BPM de la canción le da fuerza
a la percusión sin darle demasiado espacio en la mezcla.
PARA LOS óRGANOS
Los retrasos medios a largos con una buena cantidad de
comentarios pueden reforzar el sonido de un órgano o
almohadilla. Si tienes un órgano tocando acordes largos y
sostenidos, un retraso prolongado puede dar a esa base un
sonido más grueso.
¡Ahora prueba estos consejos de mezcla!
Entre estas cinco cosas para pensar y un poco de creatividad
extra de su parte, estoy seguro de que su próxima mezcla
será una combinación sólida de pistas bien balanceadas y
panorámicas, EQ correctamente tallado y compresión
constante.
Rociado con una sutil mezcla de efectos interesantes, es
posible que haya creado su mejor mezcla hasta el momento.
La mejor parte de seguir la regla 80/20 es que no debería
llevarte mucho tiempo lograr una gran combinación. Seguir
pautas simples y un plan de acción claro lo convertirá en un
mezclador más rápido y mejor.