TEMA 3 El claroscuro

EL claroscuro busca la representación de los objetos a partir del desarrollo de las zonas de luz y de sombra como
un contraste simultaneo de tonos. El modelado de las formas a partir del estudio de la luz es un ejercicio que
requiere un profundo estudio de valoración tonal y del funcionamiento de las graduaciones de los diferentes
grises. El trabajo del claroscuro no solo permite un modelado de las formas, es importante también como afecta
el cambio de luz en la composición del cuadro.

LUCES Y SOMBRAS. TÉCNICAS DE CLAROSCURO.

LUCES Y SOMBRAS

En la realización de un dibujo a claroscuro distinguimos:

1. Dirección de la luz.

2. Sombra propia.

3. Sombra arrojada o proyectada.

4. Luz refleja.

5. Tonos.

¿Con que técnicas vamos a realizar nuestro

dibujo de claroscuro?
LÁPIZ DE GRAFITO
El lápiz grafito es, sin duda, el elemento mas usado por la mayoría de los dibujantes.
Es el de más fácil alcance para todas las personas y las posibilidades artísticas que
nos ofrece son muchísimas. Lo podemos usar para hacer bocetos sueltos y pruebas
como para lograr obras de extrema calidad. Esto se debe principalmente a la gran
cantidad de tonalidades que podemos lograr dependiendo de la intensidad y el ángulo
con que presionemos el lápiz y la variedad que estos presentan en el mercado según
su dureza, lo que permite crear distintas intensidades. 
CARBONCILLO
La técnica del carboncillo consiste básicamente en el trabajo de los tonos por medio
de un trozo de carbón, generalmente carbón de sauce, y también como se ha
difundido ampliamente en forma de lápiz.
Esto es algo parecido a dibujar con lápiz grafito. La diferencia es que el carbón es
seco, como la tiza, por lo tanto podemos lograr distintos efectos.
Vamos a ver dos modalidades de tratar esta técnica. La primera es con carbón sobre
papel blanco y la segunda en que se utilizan tonalidades de color sepia y sanguina
sobre papel de algún color tenue, preferentemente café, para armonizar con los tonos
sepia. Como en este caso el fondo no es blanco, utilizaremos también un lápiz o tiza
blanco para agregar las luces. Este es el caso del ejemplo que vemos a continuación.
TINTA AGUADAS
En cierta forma podríamos decir que el dibujo con la técnica de tinta aguada es la
antesala a la pintura con acuarela; o sea, vendría siendo una especie de punto medio
entre el dibujo y la pintura.
Al trabajar esta técnica con un solo color, necesariamente queda encasillada dentro
del dibujo, aunque sea aplicada con pincel. Son los aspectos formales y tonales los
que definen el dibujo, quedando excluido el tema cromático, por lo que no se puede
considerar pintura.
Caso inverso es el de los lápices de colores, que si poseen cromatismo pero carecen
de las propiedades técnicas del pincel.

Tema 2 PRINCIPIO BASICO DEL USO DE LA ACUARELA

1.- DEFINICION.

La acuarela (palabra que proviene del italiano acquarella) es una pintura sobre papel o cartulina con

colores diluidos en agua. También es el nombre de la técnica empleada en este tipo de pintura, y de los
colores con los que se realiza.

El término acuarela se refiere a la pintura transparente, a diferencia del gouache, una forma opaca de

pintura similar.
La acuarela se pinta utilizando pigmento fino o tinta mezclada con goma arábiga para darle cuerpo
y glicerina o miel para darle viscosidad y unir el colorante a la superficie de pintar.
Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanta más calidad tienen
los pigmentos. Es posible encontrar los colores en tubos o pastillas, en las dos formas se aprecian las
diferencias entre pigmentos, por ejemplo con el azul de manganeso se obtiene una granulación.

2.- CARACTERISTICAS DE LA ACUARELA

Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el
fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados
con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de
lograr mayor brillo y soltura en la composición que se está realizando. En Japón, la acuarela ejecutada con
tinta es denominada Sumi-e. En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante,
realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.

3 HISTORIA DE LA ACUARELA

La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en Chinapoco después de 100 a. C. En el siglo

XII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italiadécadas
más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto
en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.
El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco —pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso
sobre yeso húmedo—. Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado
en 1514.
El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-
1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices.
En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en
Europa fue liderada por Hans Bol(1534-1593), influida por las creaciones de Durero.
Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a Van Dyck (1599-
1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (1776-1837).
4.-USO TECNICO DE LA ACUARELA
La técnica de la acuarela se basa en la superposición de capas transparentes —lavados—, utilizando la
blancura del papel para obtener efectos y toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color
se hace más profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua,
usando pinceles, esponjas o trapos.
 La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado permite crear degradados o lavados uniformes,
incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo se pinta con la acuarela sobre el
soporte previamente humedecido, obteniendo un efecto diferente. También se pueden realizar lavados
del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con
esponja u otro elemento absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que
ofrece la acuarela.

5.- SOPORTE

El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y
su elección depende del estilo del artista. También otro soporte muy extendido para el uso de la acuarela es
la tela o Tejido (textil) Con respecto al papel existen tres tipos estándar:

 Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una
superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela.
 Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
 Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado
por las cavidades del papel.
El gramaje del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más grueso tiene
menos tendencia a ondularse.
Para evitar que el papel se ondule, se humedece previamente y se pega a un cerco de madera, tensándolo.
6.- COMO PINTAR CON ACUARELA

Pintar es un gran pasatiempo que puede aliviar el estrés y la ansiedad, y es una

buena salida para la creatividad.[1] Hay una variedad de clases diferentes de
pintura que tienen sus propias características, pero la acuarela es una de las más
difíciles de dominar porque seca rápido y no deja mucho margen de error. Sin
embargo, si desarrollas una buena técnica y tienes las herramientas adecuadas, el
cielo es el límite de lo que puedes pintar.

1
Llena dos vasos de agua y colócalos al lado de tu estación de trabajo.Necesitarás mucha
agua fresca si planeas pintar con pintura de acuarela. Coloca por lo menos dos vasos de
agua al lado de tu estación de trabajo para que no tengas que levantarte y sentarte
constantemente. Deja un vaso de agua para que puedas lavar la pintura de tu pincel
después de terminar con un color particular y luego remojarlo en el otro vaso para
humedecerlo.
 Cuando cualquiera de los vasos de agua se torne negro o marrón turbio, debes
vaciarlo en el lavabo y verter agua fresca.

2
Estruja los tubos de pintura en tu paleta. Si vas a usar un juego de acuarelas en pastillas,
no necesitas realizar este paso, pero aun así sería recomendable usar una paleta para que
puedas mezclar tus colores. Separa los colores en sus propias zonas y usa el espacio
adicional en la paleta para mezclar los colores. Puedes crear más colores que los que
compraste mezclándolos.
 Puedes conseguir una paleta de madera o plástico que puedes lavar después de su
uso o paletas descartables de papel que vienen en un libro.
 Los tres colores primarios son rojo, azul y amarillo, y son imposibles de obtener
mezclando otros colores pero pueden mezclarse para crear colores secundarios. [2] Los
colores secundarios son anaranjado, violeta y verde, y pueden mezclarse más para crear 6
colores terciarios.

3
Moja el pincel en agua fresca. Podría ser instintivo simplemente sumergir tu pincel
en la pintura, pero las acuarelas requieren que primero añadas agua. Asegúrate de
que tu pincel esté saturado y dedica uno de tus vasos de agua para mojar el pincel
sin pintura.
 Los colores más débiles requieren menos agua, mientras que la pintura más
pigmentada puede soportar mucha agua sin perder intensidad.[4]
 Para obtener una punta fina en un pincel redondo, sujétalo en tu mano y gira
la muñeca mientras esté mojado. Debes hacerlo sobre una toalla de papel para que
no esparzas pintura y agua por todos lados
4
Sumerge el pincel en la pintura y crea un “charco” en tu paleta. Si vas a usar
pintura en tubo, sumerge el pincel mojado en el color que quieras usar. Luego
transfiere la pintura en el pincel a la paleta con un movimiento circular. Añade más
agua hasta crear un charco de acuarela que tu pincel pueda absorber. Si vas a usar
acuarelas en pastillas, debes ver que se forma un charco pequeño encima de los
colores que quieres usar. Sigue añadiendo agua al pincel hasta que esto suceda.
 Al mezclar, crea un charco exclusivamente para tu nuevo color.

5
Aplica pinceladas amplias para tener un sentido de la acuarela. Ve de un lado del
papel al otro en una línea gruesa. Inclina tu caballete o estación de trabajo hacia
atrás para que la acuarela se corra hacia abajo y no se acumule en la superficie
del papel. La acuarela debe ser más clara que el color en el tubo de pintura y tener
un tono uniforme. Si quieres lograr un resultado más oscuro, aplica más pintura a
la misma área.
 Puedes rellenar un dibujo a lápiz con acuarelas o solo hacerlo de forma libre.
 La acuarela podría no sentirse tan intricada como otras pinturas, como el
óleo o el acrílico, pero eso es lo que la hace tan única.
 Antes de intentar hacer una pintura de un objeto, solo siente cómo es pintar
con acuarelas primero.

6
Permite que tu pintura seque al menos por 30 minutos. Evita frotar o tocar la
superficie de tu pintura porque se correrá. Mantenla en un área seca y espera para
ver los resultados. Cuando la acuarela se seque por completo, normalmente se
verá más clara que cuando está mojada.
 A diferencia de las pinturas al óleo, usualmente las acuarelas se terminan en
una sola sesión.
TEMA # 1 ANAMORFOSIS
1.-DEFINICION.-

Se conoce como anamorfosis (derivado del griego, significa 'trasformar') a un uso

particular de las leyes de la perspectiva en la pintura en el que las formas son
representaciones distorsionadas de la realidad sobre una superficie plana o curva
que cobran sentido cuando se miran desde cierto punto de vista. En otra palabras,
con esta técnica se consigue crear una ilusión óptica usando los conocimientos
de las matemáticas y la perspectiva. 
Aunque se conoce desde el siglo XV, la técnica se ha hecho muy popular con el
desarrollo del moderno 3D Street Art o Street Painting, que recurre a la
anamorfosis para crear imágenes en el pavimento que, vistas desde un ángulo
determinado, consiguen un verdadero efecto de perspectiva en tres dimensiones.
Dos de sus representantes más populares, Julian Beever y Kurt Wenner, dibujan
con tiza auténticas obras de arte que parecen cobrar vida en las calles.

Una anamorfosis o anamorfismo es una deformación reversible de una imagen producida mediante un

procedimiento óptico (como, por ejemplo, utilizando un espejo curvo), o a través de un procedimiento
matemático. Es un efecto perspectivo utilizado en arte para forzar al observador a un determinado punto de
vista preestablecido o privilegiado, desde el que el elemento cobra una forma proporcionada y clara. La
anamorfosis fue un método descrito en los estudios de Piero de lla Francesca sobre perspectiva.
Esta técnica ha sido utilizada ampliamente en el cine, con ejemplos como el Cinemascope, en el que
mediante lentes anamórficas se registran imágenes comprimidas que producen una pantalla ancha al ser
descomprimidas durante la proyección.
ANTECEDENTES HISTORICOS
Ya en el Quattrocento, Piero della Francesa (1415-1492), pintor italiano, geómetra, matemático y maestro
de la perspectiva y de la geometría euclidiana (temas, estos últimos en los que se centra a partir del año
1470), describe el método de la anamorfosis en sus estudios sobre perspectiva.
El primer ejemplo conocido de una anamorfosis es de esta época. Es una cara de un niño realizada
por Leonardo da Vinci (1452-1519) alrededor del año 1485 (a la izquierda del texto se aprecia la imagen
anamórfica y la derecha, la misma imagen sin la deformación, vista desde el ángulo correcto).
Un discípulo de Durero, Erhard Schön (1491-1542), se especializó en los Vexierbilden, o cuadros con
secreto, que no eran otra cosa que obras que, realizadas mediante esta técnica, ocultaban imágenes dentro
de otras. Así, sus obras más conocidas son Vexierbild (Imagen en secreto, 1535) y Was sihst du (Lo que se
ve, 1538) en la que, a simple vista, podemos ver una COMPOSICION
. Aunque sin duda la anamorfosis más conocida de esta época es la realizada en 1533 por Hans Holbein el
Joven (1497?-1543) en el cuadro Los embajadores. En esta obra puede observarse, en primer plano, una
extraña figura que intrigó durante años a los analistas del cuadro, sabiéndose hoy que se trata de un cráneo
deformado por un anamorfismo. Para corregir el efecto de la perspectiva en dicha pintura, nos podemos
valer del reflejo que se produce en la superficie curva del dorso de una cuchara.
Nacido en Cheltenham, UK, en 1959, comenzó a pintar sus obras con tiza por las calles de todo el
mundo a principios de los años 90. Beever crea ilusiones anamórficas que dibuja con una distorsión
especial con el fin de crear una impresión de tres dimensiones cuando se ve desde un punto de vista
concreto.
En España, contamos desde hace años con uno de los artistas anamorfistas callejeros más importantes
del mundo. Eduardo Relero(anamorfosiseduardo.blogspot.com.es), pintor y escultor afincado en
nuestro país, utiliza, al igual que Beever, la tiza para crear sus imágenes en 3D. En su país de origen
 (nació en Rosario, Argentina, en 1963) cursó Arquitectura y Bellas Artes,
complementando estos estudios con los de copista en Roma.
Esta técnica no es exclusiva de la pintura, si no que ha sido
ampliamente usada en el cine. En el sistema de filmación CinemaScope,
mediante lentes anamórficas especiales (objetivos Hypergonar)
instaladas en las cámaras de filmación y máquinas de proyección, se
registran imágenes comprimidas que producen una pantalla ancha al
ser descomprimidas durante la proyección.

La primera película estrenada en CinemaScope fue, en 1953, La túnica

sagrada, producida por la 20th Century Fox y dirigida por Henry Koster
(1905-1988).

Abrid los ojos y cambiad la perspectiva… hallaréis muchas sorpresas en vuestro camino.