UNIDAD IV.- JUICIO Y ACTITUD ANTE LA OBRA DE ARTE.

Concepto de estilo artístico. Los estilos artísticos.

-Definición.

El término estilo viene del latín (“stilus”, punzón para escribir sobre una tablilla
de cera) y designa la manera peculiar de ejecutar su obra un artista. En sentido
estricto la palabra estilo hace referencia a la modalidad artística - es decir un
conjunto de rasgos artísticos- que caracteriza a una época o periodo histórico
concreto (Ejemplos: se habla de arte griego, arte romano, arte barroco, etc.)

Las funciones sociales del arte en la Historia. Su valoración en los distintos

momentos históricos y culturas diversas.

Desde que aparecieron las primeras manifestaciones artísticas en el Paleolítico

Superior (arte rupestre, arte mueble, figuras antropomorfas...) el arte se ha
constituido como un elemento básico de las sociedades humanas de
cualquier época o espacio. Para entender de manera completa una civilización
humana, a parte de estudiar su forma de vida (economía), su manera de
organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e instituciones políticas
(organización política) su sistema de ideas o pensamientos (ideologías), etc., es
preciso tener en cuenta las manifestaciones artísticas que ha generado. Las
manifestaciones artísticas no han tenido siempre la misma finalidad en las
sociedades humanas a lo largo de la historia, esta ha ido variando y
evolucionando.

Funciones sociales del arte durante los diversos momentos históricos y culturas

1) El sentido mágico que algunos historiadores del Arte han querido ver en el
Arte prehistórico. Según ellos las representaciones animalísticas de las pinturas
rupestres tendrían un carácter propiciatorio. El artista-cazador del Paleolítico
representaría las especies de animales que más tarde desasearía cazar.

Aunque otros le darían un significado sexual a estas pinturas, asimilando cada

una de las representaciones de animales a signos masculinos y femeninos
respectivamente. En el mismo sentido se interpretan las denominadas “venus”
paleolíticas. Todas estas manifestaciones artísticas habría que relacionarlas con
los cultos a la fertilidad. Es de resaltar la importancia que tendrían las funciones
reproductivas para asegurar la continuidad de los grupos humanos, en los cuales
la supervivencia era un elemento vital.
 2) En muchas civilizaciones -desde las más antiguas a las más recientes- el
arte ha estado vinculado estrechamente a los distintos poderes políticos y /o
religiosos; bien como un medio más para mostrar su dominio ante al sociedad o
como método de propaganda. Ejemplo representativos son:

a) Los bastones de mando en la Prehistoria, que se han interpretado como un

signo de supremacía de un individuo dentro de un grupo humano.

b) Las pirámides en la Civilización egipcia (Ej Pirámide de Keops), que no son

otra cosa que tumbas monumentales con la que se expresa el rango que llegaron
a ostentar los faraones, considerados como auténticos dioses en la tierra.

c) En la Civilización romana se afianza el estrechamiento de los lazos entre el

Arte y los poderes públicos. Los gobernantes romanos, especialmente los
emperadores, fueron los que impulsaron la construcción de edificios públicos:
teatros, anfiteatros, circos, templos...o bien de construcciones para mostrar sus
hazañas al pueblo, generalmente militares, mediante la erección de monumentos
conmemorativos (arcos de triunfo -Ej. Arco de Tito-), constituyendo todo ello un
efectivo método de propaganda política.

d) En relación con las monarquías europeas, durante el periodo moderno sólo

citar a modo de ilustración: el Monasterio de San Lorenzo del El Escorial, símbolo
de la fortaleza de la monarquía de los Austria, mandado levantar por Felipe II; o
más tarde, con respecto a la realeza francesa, el Palacio de Versalles, autentico
símbolo del absolutismo monárquico del s. XVIII representado en Luis XIV.

3) Otra función que ha desempeñado el arte es la de transmitir ideas, entre

ellas:

a) Las de carácter religioso, en intima conexión con la religión cristiana

fundamentalmente. Derivado de lo anterior hay que hablar también de un sentido
didáctico y moralizante, y habría que referirse al Arte como un recurso para hacer
llegar a la gente las doctrinas o normas morales del cristianismo

- Esta intención se aprecia desde los primeros momentos de difusión de los

ideales cristianos con el arte paleocristiano.; y durante la Edad Media cuando se
afianza un arte cristiano que tiene su máximas expresiones en : el arte bizantino, ;
el arte románico, con un predominio de la finalidad didáctica y moralizante. La
misión de manifestaciones artísticas como la escultura románica se inscribe en
una sociedad dominada por las ideas religiosas y con una institución tan poderosa
como la Iglesia, y teniendo en cuenta, por otro lado, que la mayor parte de la
población era analfabeta, dicha estatuaria desempeñaría la función de enseñar a
las gentes una serie de normas religiosas y morales. De ahí que la iconografía
románica haya sido interpretada por los historiadores del arte como una figuración
de los valores antagónicos del bien y del mal. Asimismo habría que citar el arte
gótico y el arte el barroco, en el cual muchas obras artísticas se hacían para
ponerlas al servicio de la Iglesia Católica, como expresión del espíritu y las normas
impuestas por la Contrarreforma (Concilio de Trento), frente a los reformadores
protestantes.

b) Ideales de carácter estético. Aquí habría que incidir en la conexión entre Arte
e ideal de belleza. La idea de belleza ha sido una manifestación constante en toda
la extensión de la Historia del Arte, que se ha manifestado con gran intensidad
durante determinados períodos o momentos

4) -En culturas como la griega, alcanzar la belleza es la máxima aspiración de

muchos artistas. La belleza se concibe como armonía o equilibrio de medidas
(“cánones) en la obra de arte

Los ideales de belleza también ocuparon un eje central durante: El

Renacimiento y el Neoclasicismo. Al recuperase en ambos momentos los valores
de la Antigüedad clásica. prevalecieron los ideales de belleza, de considerar las
obras de arte como una conjunción perfecta de mediadas o proporciones
armonizadas, muchas veces idealizadas.

5) El arte puede ser asimismo un distintivo de importancia o rango social de una

serie de individuos. El fomento de la realización de las obras de arte se convertiría
en un instrumento para destacar dentro de la estructura social. En este ámbito
podíamos citar a los “mecenas” o protectores de los artistas ( Ej: los Médici en la
Florencia “quattrocentista”) o coleccionistas bien remotos como las clases
dirigentes romanas que copiaban o importaban obras griegas, los papas durante el
Renacimiento y el Barroco, o más actuales como personajes del mundo de la
empresa o los negocios el barón Thyssen (recientemente fallecido).

6) El Arte como medio para luchar contra los valores dominantes en una época, o
como método de denuncia y oposición a la estructura de una determinada
sociedad o momento histórico. En esta línea hay que mencionar los movimientos
de vanguardia que surgieron a fines del s XIX y principios del XX /entre los tuvo
especial relieve el dadaísmo).

7) El arte, en sociedades como la nuestra de hoy en día, se ha convertido en un

elemento de consumo. Las obras de Arte son unos objetos más que se compran y
se venden en el gran mercado del capitalismo (Ej. subastas y galerías artísticas, o
fenómenos más cotidianos y populares como reproducciones de obras de arte que
se venden en: carteles, videos CD Rom, libros, fascículos de periódicos... )

EL LENGUAJE DE LAS ARTES VISUALES Y SU TERMINOLOGÍA.

a) El lenguaje artístico. Lenguaje plástico y visual.

Los lenguajes artísticos se caracterizan por ser :

1-Lenguajes plásticos, es decir, utilizan elementos que se pueden moldear o dar

forma.

2-Lenguajes visuales, o, lo que es lo mismo, que se perciben con el sentido de

la vista.

*Los lenguaje artísticos se apoyan en una gama de elementos materiales,

formales y técnicos sin los cuales no existirían y no se entenderían (Ejemplos: Una
bóveda no sería posible sin la piedra con la que está hecha; o el gótico no hubiera
sido posible sin los adelantos técnicos del arbotante o la bóveda de crucería.). Así
pues, están constituidos por un conjunto de materiales, procedimientos técnicas y
elementos formales.

- Los lenguajes artísticos más destacados son los relacionados con los medios de
expresión artística más significativos:

a- Arquitectura.

b- Escultura.

c- Pintura.

A) ARQUITECTURA: Definición. Materiales, procedimientos técnicos,

elementos formales.

* Definición . La arquitectura es el arte de la creación de espacios interiores.

* Materiales: piedra, ladrillo, tapial (pared hecha con tierra amasada), hierro,
hormigón, etc.

* Procedimientos técnicos y elementos formales: Elementos formales:

1) Elementos sustentantes (muro, pilar, columna)

2) Elementos sostenidos (dintel, arco, bóveda, cúpula).

 1-Elementos sustentantes:

# Muro (Macizo). Elemento sustentante. Es la pared u obra construida sólida,

situada entre vanos, o bien opuesta a vano. - En unos estilos como el románico
predominó el macizo sobre los vanos. Lo contrario ocurrió con el Gótico.)

a) Aparejos (se utiliza este término para designar las diferentes formas de tallar
y de disponer los materiales constructivos en un muro). Tipos:

- Regular (isodómico, a soga, a tizón, a soga y tizón...).

-Irregular (mampostería,; muro hecho con piedras irregulares unidas por

argamasa; ciclópeo.).

Vano (Hueco que interrumpe un muro o pared. En general, lo que se opone a

macizo: puertas y ventanas). Partes.

- Umbral (puerta).

- Alféizar (ventana).

- Jambas (laterales). Abocinamiento.

- Alfiz

# Pilar: Es un elemento sustentante vertical de sección poligonal. Fueron muy

utilizados en el Románico y el Gótico. Tipos: cruciforme, cruciforme con columnas
adosadas, fasciculado -Gótico-

- Pilastra: es un pilar adosado a un muro.

- Estípite: pilar en forma de tronco de pirámide invertida. Se empleó mucho

durante el barroco.

- También suelen tener basa y capitel como las columnas.

# Columnas: Son elementos sustentantes verticales de sección curva,

generalmente circular. Suelen constar de tres partes: basa, fuste, capitel. En
muchas culturas como la griega fue tratada como un elemento escultórico, dando
lugar a los estilos: dórico; jónico, corintio.
 2-Elementos sostenidos:

# Dintel: Es un elemento sostenido de carácter horizontal construido,

generalmente en una sola pieza.

- Arquitectura adintelada o arquitrabada. Es la basada en elementos

horizontales. Ejemplo: los entablamentos de los templos clásicos . El
entablamento es lo que se encuentra sobre las columnas. Partes del
entablamento: dintel (arquitrabe), friso, cornisa, frontón.

Arquitecturas adinteladas fueron entre otras la de Egipto y la Griega

#Arco: Es el elemento sostenido de configuración curva. Las piezas que forman

el arco se llaman dovelas, la que ocupa la parte central se denomina clave y las
que inician el arranque del arco se llaman salmer.

En todo arco hay que tener en cuanta: 1-Las impostas, que es la separación
entre el arco y la parte recta de un vano. Es la superficie de la que arranca un
arco. 2-La fecha, que es la altura del arco, contada desde la clave hasta la línea
de impostas. 3-La luz, es la anchura del arco.

- Tipos:

1-Arco de medio punto. Es el equivalente al de media circunferencia (Arte

romano, románico...)

2-Arco peraltado. Es el equivalente al de medio punto, más el peralte en el que

se apoya (Arte islámico-periodo nazarí-, románico...)

3-Arco apuntado u ojival. Es el formado por dos segmentos de arco que forman
un ángulo. Tiene dos centros. Es el característico del arte gótico.

4-Arco de herradura. Es un arco ultrasemicircular; propio del arte musulmán.

5-Arco lobulado. Es el formado por lóbulos. Si tiene tres lóbulos se llama

trilobulado y si posee más de tres polilobulado. Es característico del arte
musulmán, aunque también de otros estilos por influencia de este ( Ej: Románico).

6- Arco mixtilíneo. Es el formado por líneas mixtas. Es típico del arte musulmán-
periodo reinos taifas.

7-Arco conopial. Es el que tiene forma de quilla de barco invertida. Consta de

cuatro centros, dos interiores y dos exteriores. Muy utilizado en el gótico.

8-Arco carpanel. Se parece al rebajado. Se traza a partir de tres centros: propio

del gótico.
 9-Arco rebajado. Es aquel cuya curva es inferior a media circunferencia. Está
descrito con un solo centro. El escarzano es un arco rebajado formando un ángulo
de 60º.

10-Otros.

# Bóveda: Es un elemento sostenido que tiene su origen en el movimiento de

un arco.

- Tipos:

1-Bóveda de medio cañón. Es la formada por el movimiento de traslación de un

arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal (Románico...)

2-Bóveda de arista. Compuesta por la intersección perpendicular de dos

bóvedas de medio cañón. Es típica del románico.

3-Bóveda de nervios (o de nervadura). Constituida por nervios y plementos.

Existen diversos tipos según el número y la disposición de los nervios:

- Bóveda de crucería (simple). También llamada ojival. Originada por la

intersección de dos arcos ojivales. Es típica del gótico.

- Bóveda sexpartita.

- Bóveda de terceletes.

- Bóveda estrellada.

4-Bóveda de cuarto de esfera (de cascarón o de horno). Equivalente a un

cuarto de esfera. Cubre generalmente el espacio de un ábside.

5-Bóveda anular. Es la de medio cañón que cubre un espacio circular o

curvilíneo.

6-Bóveda de arcos entrecruzados. Típicamente musulmana. Formada por

cruzamiento de arcos que no pasan por el centro.

7-Bóveda vaída. Se trata de una bóveda semiesférica cortada verticalmente por

cuatro planos paralelos entre sí dos a dos. Se utilizó durante el Renacimiento.

8-Otras.

- En las bóvedas podemos distinguir:

- Arcos fajones. (Perpiaño en el estilo románico). Son los que cortan la bóveda
en sentido transversal a su eje.
 - Arcos formeros. Son los paralelos al eje de al eje longitudinal de la nave, para
unir y, a la vez, separar las naves contiguas.

- Arco toral. Cada uno de los cuatro arcos que forman el crucero.

*Cúpula: Es la bóveda creada por el movimiento rotatorio de un arco. La más

común es la semiesférica o de media naranja, originada por la rotación de un arco
de medio punto. Se asienta bien sobre pechinas (son cada uno de los triángulos
esféricos que sirven para pasar de la superficie cuadrada de la planta a la circular
de la cúpula), trompas (Son bovedillas semicónicas que sirven para pasar de una
planta cuadrada a la octogonal de la cubierta sobre la que va la cúpula), tambor
(estructura cilíndrica poligonal que sustenta la cúpula otorgandole mayor altura).
En la parte superior suelen tener una abertura para dar luz: la linterna.

- Tipos:

1-Otras: Cúpula bulbosa.

*A la hora de estudiar un edificio debemos considerar, por otro lado:

1-El plano o planta. Es el dibujo (hecho a escala) de la sección horizontal de un

edificio. En él aparecen los muros, las columnas, pilares, vanos y la proyección de
la bóvedas.

- Tipos:

- Longitudinal. Es aquella planta en la que predomina un eje longitudinal (el

largo del edificio). Tipos: Planta basilical. Es que tiene su origen en las basílicas
romanas: edificio longitudinal, normalmente con tres naves - la central a mayor
altura que las dos laterales- y ábsides en la cabecera. . Dentro de las plantas
basilicales destaca la planta balilical de cruz latina., que es la que consta de un
eje longitudinal, el mayor -como la basilical- y otro transversal más corto (transepto
o crucero)

-Centralizada. Es la planta que se organiza en torno a un centro. Tipos: 1) Cruz

griega. Es la planta que consta de dos ejes iguales. 2) Circular. Es la que tiene
forma de circulo. 3) Poligonales, son las que siguen la forma de polígonos (Ej. Un
octogono).

2-El alzado. Es la proyección (a escala) o dibujo de la sección vertical de un

edificio.

B) ESCULTURA Definición. Materiales, tipología, procedimientos técnicos,

elementos formales.
 *Definición: Es el arte de la creación de volúmenes, es decir, la realización de
figuras en sus tres dimensiones; mediante el modelado, tallado o el esculpido
empleando diversos materiales.

* Materiales (son variados).

- Mármol y alabastro. Se utilizan mucho por su facilidad para esculpirse y por su

acabado brillante. Arte griego, romano, renacentista, etc.

- Granito. Se utiliza para obras de sentido monumental.

- Bronce. Aparece en estatuas de carácter urbano, ecuestre, fuentes, etc.

- Madera. Es el material más empleado para estatuas destinadas a retablos,

sillerías de coros, pasos procesionales. Policromada o no. Se muestra con
profusión en el Renacimiento y Barroco español.

- Otros: Terracota. (barro cocido).

- Oro y marfil ( esculturas crisoelefenatinas), etc.

* Tipología:

1-Bulto redondo. Es aquella escultura que se encuentra exenta (porque no está

pegada a nada, está aislada) y es independiente del marco arquitectónico;
además puede contemplarse desde todos los puntos de vista a su alrededor.

2-Relieve. Se trata de una escultura adherida a un plano (no exenta y no

liberada físicamente del plano arquitectónico) y, por tanto, solo cabe mirarla desde
un punto de vista, el frontal. Según el relieve sobresale del plano se distingue
entre:

- Alto relieve. En este tipo las figuras parecen casi de bulto redondo pero
adheridas al plano, pues sobresalen más de la mitad respecto a éste.

- Medio relieve. En él las figuras parecen estar como cortadas por la mitad, ya
que sobresalen casi un 50% respecto al plano.

- Bajo relieve. Es un tipo de relieve en el cual las figuras sobresalen muy poco
respecto al plano del fondo.

Según la actitud de la figura representada podemos también establecer varios

tipos:

- De pie.
 - Sedente. Sentada.

- Orante. De rodillas con las manos juntas

- Yacente. Tendida.

- Ecuestre. A caballo.

- De pie.

Dependiendo de la parte del cuerpo representada se diferencia entre:

- Busto. Representa solo la cabeza y la parte superior del tórax.

- Torso. Le falta cabeza, brazos y piernas.

- Cuerpo entero.

Por otro lado se puede hablar también de grupo , cuando se representa un tema
por medio de un conjunto de figuras.

* Procedimientos técnicos. Existen varios métodos para efectuar una escultura:

- Sustractivo (de quitar) Consiste en partir un bloque compacto. La escultura ya

está ahí- como decía Miguel Angel-y sólo hay que quitar lo que sobre. Al ir
desbastando la piedra o la madera, el escultor va realizando volúmenes negativos
y el resultado es lo que deja sin tocar. Para la piedra, mármol, etc. se utiliza como
técnica el esculpido (cincelado) y para la talla la madera.

- Aditivo (de añadir) Supone ir añadiendo materia sobre una armadura mínima.
Aquí el escultor debe ir concibiendo los volúmenes positivos e irlos creando. Por lo
general se utiliza como materiales la arcilla, el metal y la madera; como técnicas
el modelado, la soldadura y el encolado

Para las estatuas obtenidas a partir de un molde- generalmente para la

fundición de figuras en bronce- se utiliza la técnica del vaciado- Supone obtener
un molde de la obra y con él reproducir la misma obra una y varias veces en un
estado que pueda obtenerse en estado líquido y que después termine fraguando y
endureciendo (cera, escayola, cemento, metal fundido, plásticos, etc.) Tipos:

a) Procedimiento de fundición “a cera perdida”. Se suele utilizar para obtener

pequeñas escultura de bronce (macizas). Pasos a dar: 1) Se hace un modelo de
cera que se recubre de arcilla mezclado con arena, yeso...(materiales refractarios:
materiales que resisten la acción del calor sin modificarse o derretirse),
constituyendo el molde, que reproduce en negativo todas las formas del modelo
en cera. 2) En el molde se dejan orificios de entrada y salida. A través del orificio
de entrada se vierte la colada de bronce fundido en estado líquido que penetra en
el interior y desplaza la cera hacia el orificio de salida, ocupando su lugar. 3) Por
último se deja enfriar el metal, se fractura y se quita el molde, quedando la
escultura lista para pulirla y acabarla.

b) Procedimiento de fundición “en hueco”. Es un método apropiado para

esculturas de gran tamaño. Modo de empleo: 1-En primer lugar se prepara un
núcleo interior en arcilla con arena, en yeso o cualquier materia refractaria. 2-
Sobre este núcleo se hace un molde de cera. 3-Posteriormente la cera se reviste
de la misma materia refractaria que el núcleo interior,tras lo cual el bronce fundido
se vierte por el orificio de entrada que se ha dejado en el molde para desplazar a
la capa de cera hasta el orificio de salida. 4) Cuando el metal ya se ha enfriado y
se ha roto el molde, liberando la escultura, a esta hay que vaciarle todavía el
interior para que quede hueca por dentro.

*Elementos formales.

- La composición. Es la disposición o distribución de los distintos elementos que

integran una escultura.

La composición en escultura se ha debatido tradicionalmente entre dos

principios rectores:

- El reposo o carácter estático.

- La ilusión de movimiento o carácter dinámico.

1-El reposo o carácter estático.

Se aprecia en la escultura egipcia y en la estatuaria griega de la época arcaica

(ss. VII y VI a.C.)

Las composiciones escultóricas responden a la “ley de la frontalidad”, según la

cual la figura humana es sometida a un principio compositivo en la que se
presenta vista de frente, con el cuerpo dividido en dos partes iguales, mediante un
eje vertical imaginario que pasa entre las cejas, por la nariz y el ombligo. Las
esculturas que se ajuntan a este principio son rígidas, hieráticas, etc.

2- La ilusión de movimiento.

Se obtiene mediante dos recursos compositivos:

a) El ritmo.
 Tiende a convertir lo estático en dinámico, mediante la armonía en la
distribución de los elementos compositivos.

Entre los recursos para conseguirlos están:

-La duplicación o multiplicación de perfiles (de frente, perfil...) (Ej. relieves

egipcios o mesopotámicos.)

-Unidades rítmicas elementales: a) Ritmos lineales: oblicuos o en diagonal. b)

En forma de “S”, helicoidales, zig-zag...c) Otros: en pirámide, en circulo, etc.

-Los basados esencialmente en la contraposición armónica de las partes del

cuerpo humano, como los utilizados en la escultura griega (“contraposto”: o sea,
disponer en una escultura un brazo que avanza y una pierna que retrocede,
buscando el equilibrio en una figura estática.).

b) La tensión

Se consigue dando forma dinámica a la la escultura mediante una fuerza

interior que pugna por exteriorizarse (Ej. Miguel Angel).

*Otros aspectos interesante de la escultura a la hora de hacer su estudio son:

-Si una escultura aparece con caracteres realistas o idealizada (pudiendo haber
intención detrás de todo esto o no)

- La luz y el color.

1-La luz. Las diferentes partes de la esculturas proyectan más o menos

luminosidad; resultan más o menos claras. Puede haber efecto de claroscuro
(unas zonas en sombra y otras iluminadas).

2-El color. En cuanto al color la obra puede ser monócroma o policromada.

- Textura. Muchas veces el escultor par a diferenciar las distintas partes del
cuerpo humano (piel, ojos, cabellos, las vestiduras, joyas, armaduras,etc no
pulimenta o trata de la misma manera el material con el que trabaja para así
sugerir al espectador sensaciones táctiles diferentes.

C) PINTURA. Definición. Materiales, procedimientos técnicos, elementos

formales.

* Definición. La pintura es el arte de aplicar colores (pigmentos) y líneas (dibujos)

sobre una superficie plana (de sólo dos dimensiones).
 * Materiales. En pintura hay que distinguir entre:

a) El soporte plano de dos dimensiones sobre el que se pinta (muro, papel,

tabla, lienzo, etc).

b) El pigmento. (Color). Es la materia colorante, es decir, los elementos

naturales o artificiales que proporcionan un color. (Ejemplo: el carbón produce el
color negro.)

c) El aglutinante, que es una sustancia líquida que fija y da consistencia a un

color (Ejemplo: el aceite en la técnica al óleo, huevo en el temple...)

d) Otros materiales pictóricos. A partir sobretodo de los movimientos de

vanguardia (fines XIX/principios del. XX) se incorporaron a la pintura materiales
como: papales pegados, arenas, trapos, maderas, objetos metálicos...

*Procedimientos técnicos:

Existe una amplia gama.

Los más destacados son:

- El fresco. Técnica utilizada para la pintura mural. Para aplicarla exige las
siguientes condiciones: 1-Revocar el muro, es decir, que se haga un enlucido a
base de arena fina, cal y polvo fino de mármol. 2-Humedecer el muro. 3- Aplican
los colores con agua de cal. Este procedimiento tiene: la ventaja, de que al
convertirse la disolución de cal en carbonato cálcico, se convierte en una
sustancia muy resistente a los agentes externos y de gran duración (de ahí su
utilización para exteriores); el inconveniente: exige gran destreza y rapidez de
ejecución al pintor, ya que el muro no se puede dejar secar: Además tampoco
admite retoques.

- La acuarela. Técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua y

aplicarlos sobre papel, por lo cual seca rápidamente y obliga a tener una ejecución
rápida. Caracteriza a la acuarela la transparencia y la luminosidad de los colores.
No utiliza el blanco como pigmento.

- La tempera. Muy parecida a la a la técnica anterior. Tiene a favor que se

pueden superponer los colores y retocarse después de estar terminada la obra. Es
menos luminosa que la acuarela-colores algo opacos y apagados-. Si utiliza como
pigmento el blanco.

- El temple. Es una de las técnicas que más se utiliza en la pintura sobre tabla,
aunque también se emplea sobre lienzo y en menor medida se puede aplicar
igualmente sobre muro. Consiste en diluir los colores en agua templada
(“temperada”) a la que se han añadido aglutinantes como el huevo, goma arábiga,
etc. Al utilizar el huevo es un procedimiento más brillante y lento de secar. Tiene la
ventaja de que, a diferencia del fresco, es posible retocarlo en frío.

- El óleo. Es el procedimiento pictórico más utilizado a partir del s. XV. Fue

pefeccionado y difundido por los pintores flamencos. Consiste en mezclar los
colores en aceites especiales (secantes) como el de nueces y el de linaza- semilla
de lino- y aplicarlos sobre un lienzo o una tabla previamente preparados. Es el
procedimiento más lento en secar de todos los conocidos, lo que permite un
trabajo sosegado, hacer interrupciones y retoques. El mayor inconveniente que
tiene es el oscurecimiento de los aceites con el paso del tiempo.

- La encáustica. Técnica pictórica consistente en diluir los colores en cera

fundida, a la que se añade resina para darle más dureza. Hay que pintar en
caliente y para aplicar los colores se emplean paletas y espátulas metálicas -
previamente calentados en una estufa -. Las ceras de colores son una versión
actualizada de esta técnica antigua.

- El acrílico. Método pictórico en el que se usa como aglutinante el ácido

acroleico, que es un emulgente, o sea , permite unir el agua con el aceite, por lo
que ambos elementos pueden utilizarse para extender el color.

Participa de las ventajas del temple y del óleo, es decir, es lento de secar. Sin
embargo, su capacidad de cubrir un color con otro es inferior, ya que unos colores
no ocultan a otros.

- El mosaico. Es un procedimiento que no utiliza colores. El color lo

proporcionan directamente las teselas o piezas pequeñas de piedra, vidrio o metal,
con las que realmente se “pinta”.

Se trabaja sobre un dibujo previo hecho en papel, y en posición horizontal, en

donde se van colocando las teselas que van configurando formas. Posteriormente
se encolan papeles sobre el trabajo acabado para poder trasladarlo, así al muro
que tendrá la argamasa (capa de cal, arena y agua) preparada. Una vez fraguada
esta se desencolan los papeles se sujeción y transporte, para proceder a la
limpieza y acabado final.

- La vidriera. Se trata de un armazón o bastidor de madera o metálico con

vidrios utilizado en puertas y ventanas. (La vidriera emplomada es la que tiene
tiras de plomo para encajar en ella los vidrios).

Al igual que en el mosaico se trabaja sobre un plano horizontal y sobre un

dibujo previo en el que han diseñado los cortes de los vidrios que irán
configurando las figuras.
 Una vez cortados los vidrios (del color que conviniere) se pintan los grafismos
de los rostros, cuerpos, pliegues de trajes, sombras... con pigmentos, y se
introducen de nuevo en el horno, para que la pintura penetre en el vidrio, que se
ha elaborado, previamente en el horno. Posteriormente se recompone el mosaico,
se unen sus bordes con plomo, se arma sobre hierros sólidos y se lleva al
ventanal.

*Elementos formales:

1-La línea. /El dibujo. Son las líneas que determinan el contorno (líneas exteriores)
y los dintorrnos - líneas interiores- de las cosas o figuras representadas.

Rasgos:

- Poder limitativo, que acota y define el objeto.

- Identifica y reconoce las formas.

Tipo de trazos lineales:

- Continuos y cerrados: delimitan formas finitas y acabadas.

- Discontinuos y abiertos: producen formas indeterminadas indefinidas.

2-El color.

Es la cualidad de los objetos originada por la impresión que los rayos del Sol
producen en la retina, al reflejar unos rayos de luz y absorber otros. ( La luz al
atravesar un prisma se descompone en siete colores del espectro).

El color es un elemento básico de la pintura. Sirve para crear efectos como la

luz y el volumen, por tanto de la profundidad (sobretodo en la perspectiva aérea).
Los colores pueden ser:

- Oscuros o luminosos.

- Naturales (si son semejantes a los colores de los objetos y seres naturales) o
irreales (si no tienen parecido con el natural (cielo verde, agua amarilla, etc).

En una pintura se pueden utilizar muchos o pocos colores. Es posible que

aparezcan superficies tonales (degradaciones de un mismo color) o superficies
planas (utilización de colores sin distintos tonos).

- En cuanto a los tipos de colores, es preciso distinguir entre:

1-Colores primarios o fundamentales (elementales o simples. Son tres: el rojo,

el amarillo y el azul).
 2-Colores binarios. Formados por la mezcla de dos primarios. Son tres: el
naranja (rojo más amarillo); verde (azul más amarillo); y violeta (rojo más azul).

3-Colores terciarios. Son los originados por la combinación de un binario y un

primario. Esta forma de combinación se puede seguir indefinidamente hasta dar
una gama enorme de colores.

Por otro lado hay que hacer mención de:

- Los colores complementarios. Son los que al yuxtaponerse se intensifican

mutuamente y al mezclarse en parte iguales se destruyen dando lugar a un gris
neutro. Los colores complementarios son uno secundario y el primario que no
entra en su composición: el verde es el complementario del rojo; el naranja lo es
del azul y el violeta del amarillo.

Otra distinción es la que se hace en función de sensaciones térmicas o

espaciales que sugieren los colores y así hay que mencionar:

- Los colores cálidos o cercanos: rojo, amarillo y naranja. Expanden la luz y son
salientes, avanzan hacia el espectador ( Tb. relación con el sol, la alegría).

- Los colores fríos o lejanos,: verde, violeta y azul; Absorben luz, son entrantes
y se alejan del espectador. (Tb. relación con el agua y la naturaleza).

Esta distinción se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales.

Existen asimismo teorías que asocian los colores a:

- Emociones y sensaciones (rojo: vida, sangre; azul: cielo, agua; verde:

vegetación; amarillo: fuego y luz...) -Son asociaciones naturales.

- Ideas o conceptos (blanco y azul: pureza). - Asociaciones por tradición cultural

Otros términos relacionados con el color:

- Paleta. Conjunto o escala de colores preferidos por un pintor

- Gama. Serie de matices de un mismo color.

- Factura de color. Se llama así a la manera en la que el artista ha distribuido

los colores, bien con toques ligeros y difuminados, o con pinceladas espesas y
contrastantes.

Sobre la distribución de los valores tonales en la organización de la obra de arte

está el claroscuro.
 (Hay que resaltar que una realización pictórica prevalece unas veces el dibujo o
el color; o bien se establece un equilibrio entre ambos elementos.).

3-La composición. Es la ordenación organizada de las figuras, objetos o colores

en un una obra pictórica.

Tipos:

- Sin aparente composición: Yuxtaposición de elementos (colores, figuras...)

1) Las basadas en la línea, que han dado lugar a esquemas compositivos:

- Simétricos.

- Piramidales (triangulares).

- En diagonal

- En espiral. Línea serpentinata (Manierismo).

- Circular.

- Rectangular.

(Isocefalia. Consiste en disponer las cabezas a la misma altura).

2) Las basadas en el color (tanto en la pintura figurativa como en la abstracta)

Ej- Los movimientos de vanguardia -Pintura abstracta-

En otro orden de cosas las figuras pueden aparecer bien:

- Quietas o en reposo.

- En movimiento, mostrando tensión dinamismo.

4- La representación del volumen.

La Pintura en sí es bidimensional (dos dimensiones: alto y ancho),

extendiendose sobre una superficie, sin embargo el lenguaje pictórico ha tratado
de sugerir o representar mediante ilusiones ópticas la tercera dimensión, lo
profundo, creando así apariencia de volumétrica.

- Maneras de representación del volumen:

a) El modelado

Es posible conseguirlo mediante :

- La gradación de luz y sombra; representado las zonas más próximas al ojo

con más luz, mientras las más alejadas en penumbra o en sombra, con ello se
obtiene que la figura destaque en relieve sobre la superficie del cuadro.

(Ejemplo: claroscuro violento de Caravaggio -tenebrismo-; “sfumato” o

difuminado suave de Leonardo).

- El color. Los colores se aclaran o se transparentan en las zonas más próximas

al observador mientras se van oscureciendo en las partes más alejadas. Con ello
también se obtiene el efecto volumétrico. Además cada color se comporta de
manera diferente en relación a la luz, cada uno de ellos tiene distintos valores
respecto a la luz y puede presentar distinta intensidad. (Este último es un recurso
muy utilizado por impresionistas y postimpresionistas).

b) El escorzo.

Es un recurso plástico que consiste en disponer a los objetos en posición

perpendicular u oblicua respecto al plano de la obra pictórica

La sensación de volumen ha sido un efecto que muchas veces se ha querido

obtener en pintura, pero en otras ocasiones se ha prescindido de él dando lugar a
una pintura plana, sin profundidad.

c) La perspectiva. Se denomina así al sistema o artificio que permite

representar sobre una superficie plana, de dos dimensiones, el espacio y los
objetos que hay en éste tal como son en la realidad (tamaños, disposición, etc.),
por medio de la simulación de la tercera dimensión o profundidad.

- Si no se utiliza la perspectiva, hablamos de pintura plana, sin representar

ficticiamente el espacio (Ej. arte rupestre, egipcio, bizantino, románico, fauvismo,
arte contemporáneo en general).

- Perspectiva lineal o geométrica. Se consigue mediante líneas diagonales que

confluyen en un punto , denominado punto de fuga, en el fondo del cuadro.
Mediante este sistema se consigue representar las cosas más grandes o más
pequeñas en función de la distancia en que estarían situadas respecto al
espectador (Fue muy utilizada a lo largo del Renacimiento y del Barroco y en los
movimientos posteriores).

- Perspectiva aérea. (El comienzo de su uso así como su teorización se debe a

Leonardo da Vinci)- La perspectiva aérea es la que intenta representar la
atmósfera que envuelve los objetos, pintar el aire del cuadro; para ello partiendo
de la perspectiva lineal, se van difuminado los colores y los contornos de la figuras
en relación a la distancia. La luz y el aire interpuestos entre el ojo del espectador y
los objetos difuminan los contornos y por tanto no se aprecian con la misma nitidez
objetos situados en primer plano que los que ocupan el fondo. Al mismo tiempo los
colores también se van modificando con la distancia. (Tiene su máximo exponente
en el Barroco -Velázquez- y en los movimientos del s. XIX).

Según el punto de vista elegido para realizar la perspectiva se puede hacer una
diferenciación entre:

- Perspectiva de punto de vista normal o frontal. El punto de vista está en el

centro del cuadro. Es la más utilizada en pintura.

- Perspectiva caballera (o de punto de vista alto). También se le llama “a vista

de pájaro o militar”. Es la que se obtiene desde un punto de vista semejante a un
jinete, más elevado de lo normal. Con ella se contempla una amplísima superficie
de terreno. (Ha predominado en la pintura Flamenca).

- Perspectiva de punto de vista bajo. Se obtiene desde un punto de vista

colocado cercano al suelo. Esta perspectiva se utiliza para lograr efectos de
sensacionalismo, de grandilocuencia, etc. (Fue utilizada sobre todo en el
Renacimiento -Mantegna-).

* Forma de representación. hace referencia a si la representación de las figuras

es realista o existe una idealización.

PERCEPCIÓN Y ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE.

A la hora de contemplar, analizar y comprender una obra de arte hay que tener
en cuenta diversos tipos de elementos, que se pueden sintetizar en el siguiente
esquema:

1-La ubicación espacial y temporal de la obra de arte.

- El lugar en el que se efectuó la obra de arte.

 - La época. en la que se hizo.

- La relación de la obra de arte las características de su momento

histórico.

2-La descripción razonada de la obra (utilizando el vocabulario técnico

adecuado)

- Aspectos formales (materiales, procedimientos técnicos, elementos

formales).

- Aspectos iconográficos e iconológicos (tema, significado,

simbolismo).

3-Valoración argumentada de la obra de arte, aludiendo a:

- Estilo artístico.

- Autor - si se conoce- (características de éste).

ASPECTOS ICONOGRÁFICOS E ICONOLÓGICOS.

a) Iconografía. Es la ciencia o disciplina que tiene como objeto de estudio las

imágenes artísticas

Las dos grandes series iconográficas del arte occidental son:

-La mitológica clásica.

Es decir la representación de personajes y dioses sacados de los mitos griegos

y romanos. A parte de los períodos correspondientes a las civilizaciones griega y
romana, las referencia a la mitología clásica han estado continuamente presentes
en la Historia del Arte Occidental en múltiples obras escultóricas y pictóricas,
abundando con especial fecundidad en momentos como: La época clásica (Grecia
y Roma), el Renacimiento; el Barroco; o el Neoclasicismo, o personalidades como
Goya..

- Ejemplo: Venus /Afrodita: Trono Ludovisi (Grecia), Botticelli (Renacimiento).

Venus de Gnido (Praxíteles, Grecia), Venus de Milo (Época helenística, Grecia);
Venus de Ticiano, de Giorgone (Renacimiento), “Venus del Espejo” Velázquez
(Barroco)...

- La iconografía cristiana. La iconografía cristiana la constituyen toda la serie de

imágenes relacionas con personajes, símbolos o historias sagradas de dicha
religión, en concreto sobre la Biblia (Antiguo y Nuevo Testamento): Cristo, la
Virgen María, Apóstoles, Profetas, etc, así como de santos/as y mártires u otras
representaciones sagradas de la religión cristiana. Las imágenes más comunes
son:

1) La cruz, o Cristo crucificado, , 2) La Virgen con el niño. La Virgen portando en

su regazo, en su piernas o en brazos a Jesús de niño. 3) El Pantocrator. (Cristo
en Majestad). Se representa a Cristo resucitado y triunfante, envuelto en la
mandorla o almendra mística portando los Evangelios en una mano y bendiciendo
con otra.. Imagen muy repetida en el arte románico 4) La Inmaculada. Se
representa a la Virgen María suspendida en el aire sobre una nube y /o la luna y
con las manos juntas. Tema frecuente del arte barroco. 5) La Anunciación. La
Virgen María recibe el anuncio del Arcángel Gabriel de que ha sido elegida por
Dios para ser la madre del Mesías, Cristo. 6) La Piedad. La Virgen María sostiene
en sus brazos el cuerpo muerto de Jesucristo.

b) Iconología.- Término en el campo de Arte para designar el significado,

contenido o sentido propio de una obra; o dicho en otra palabras los concepto,
ideas y valores de la que es portadora la obra de arte.

Para valorar el significado de la obra de arte es preciso tener en cuenta

aspectos ideológicos, filosóficos, socioeconómicos de la época

Ejemplos en la Historia del Arte:

- Significado mágico de las pinturas rupestres paleolíticas.

- Ideas del bien y el mal que descansan en la iconografía románica.

- Idea de belleza (armonía, equilibrio de medidas). Representación de Venus,

símbolo de la belleza.

- Pintura expresionista: imágenes como expresión de la interioridad de la

persona, su modo de ver las cosas, sentimientos, deseos.

- Pintura surrealista. Imágenes extraÍdas del mundo de lo onírico y del

subconsciente, etc.
 EVALUACION DE LA OBRA

ASPECTOS FORMALES

(Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales).

A) Arquitectura.

1-Materiales (piedra, ladrillo...). Aparejo (tipos, disposición).

2-Tipo de Planta.

*Longitudinal: basilical,cruz latina.

*Centralizada: cruz griega, circular, octogonal.

3-Partes del edificio. (Interior y exterior).

4-Elementos sustentantes y sostenidos.

*Elementos sustentantes (muros, pilares, columnas...).

*Elementos sostenidos (dintel -arquitectura adintelada o arquitrabada-, arcos,

bóvedas.)

B) Escultura.

1-Materiales (mármol, bronce, madera...).

2-Tipología.

*Bulto redondo.

*Relieve (alto, medio o bajo).

-Actitud (sedente, yacente...), parte del cuerpo representada (cuerpo entero,

busto,etc)

3-Composición (en diagonal, piramidal, en espiral, en zig-zag...)

(Otros aspectos: movimiento o estatismo; color; textura...)

C) Pintura.

1-Técnica pictórica (fresco, temple, óleo...). Soporte (muro, lienzo, tabla...)

2-Dibujo.
 3-Color/es. (Tipo de colores empleados)

4-Luz (Si se obtiene o no la captación de la luz).

5-Composición (yuxtapuesta, simétrica, horizontal, triangular, en diagonal...)

8-Volumen (pintura plana o intento de crear la tercera dimensión).

6-Perspectiva:

- Tipo: Lineal o geométrica; aérea.

- Punto de vista: normal o frontal, caballera (alto), punto de vista bajo.

(Otros: movimiento o quietud...).

EL AUTOR

a) El artista y el proceso de creación.-

Hacer una obra de arte es un proceso de creación, pero éste no es algo neutro,
ni abstracto si no que a la hora de abordar su estudio es preciso contar con el
artista, analizar sus circunstancias personales en un doble sentido ,por un lado
observando las conexiones de sus obras con su trayectoria vital o evolución
personal y por otra parte su personalidad da a su obra.

*La trayectoria vital. Los hechos o acontecimientos que van moldeando la vida
personal de un artista se van a ver reflejados en su proceso creador (Ejemplos: 1-
Velázquez, pintor sin problemas económicos tras ser nombrado pintor de cámara
de Felipe IV (retratos de personajes de la familia real); transformación artística de
Goya a raíz de sus desgarros interiores provocados por la sordera y los
desmanes que se cometieron con la Guerra de la Independencia).

*La personalidad. Desde el terreno de la psicología en general y del

psicoanálisis en particular se ha querido incidir en los vínculos entre la creación
artística y el modo de ser del artista, es decir , lo que le impulsa a crear una obra,
resaltando todo lo relacionado con el mundo del inconsciente (sentimientos,
deseos, frustraciones; así por el ejemplo la obra de arte aparecería como un
medio de sublimación de los instintos, manifestación de narcisismo...) o ciertas
comportamientos patológicos, en la cual la obra de arte se muestra como fruto de
la tensión interior del artista o como medio para evadirse o tratar de salir de ella
( Ej.Van Gogh).
 b) Consideración social. Circunstancias sociales.
La consideración social de los artistas ha experimentado cambios a lo largo del
tiempo. En períodos como La Edad Media el artista era normalmente un ser
anónimo, un artesano que hacía su obra por encargo, ajustandose normalmente a
los gustos patrones e ideas de la persona de que quien dependía. En otras
ocasiones, como durante el Renacimiento, los artistas se convierten en un grupo
social muy apreciado tanto por su genio intelectual, por sus habilidades técnicas y
su capacidad creadora, así como por su destreza para idear y llevar a la práctica
auténticas obras inigualables que ha pasado a la posteridad - es el caso de Miguel
Angel -. Otras veces puede ocurrir que la obra de un artista sea menospreciada o
infravalorada en la época en la que vive y posteriormente con el paso del tiempo
se convierta en un elemento de admiración y veneración (Ej. Van Gogh).

Las circunstancias sociales. El artista no es un ser que vive separado de la

sociedad de su época sino un componente más de ésta y, en consecuencia,
estará influido por las ideas, gustos , modas o tendencias de su tiempo. (Ejemplos:
El arte románico fue un arte fundamentalmente religioso debido a que la religión y
la Iglesia -como institución- ocupaban un papel esencial en la vida del Hombre
medieval y pretendía ante todo transmitir ideas religiosas y morales. En el
Renacimiento se recupera la temática mitológica por la afición a la Antigüedad
grecolatina, el ideal de belleza como máximo exponente del goce estético ...)

c) El papel de clientes y mecenas.

Los clientes en Arte serían todas aquellas personas que demandan, patrocinan
o impulsan la realización de obras artísticas. Los “mecenas” (la palabra viene de
Cayo Cilnio “Mecenas”, amigo de Augusto y protector de las letras y la literatura)
han sido personajes que se han dedicado a patrocinar las letras y las artes. En el
terreno artístico se convirtieron además en auténticos protectores de los artistas.
Todos ellos clientes y mecenas ejercieron una influencia determinante en la
promoción del Arte y de las tendencias estéticas o estilísticas.

(Ejemplos:

1- No se concibe el esplendor artístico renacentista del “Quattrocento” florentino

sin la protección de la familia Medici; o el de la Roma renacentista y barroca sin la
intervención de los Papas (Julio II-Basílica de San Pedro, frescos de la capilla
Sixtina, etc).

2-No se comprende tampoco el predominio aplastante de la temática religiosa

en la pintura y escultura barroca española sin conocer que el cliente principal fue
la Iglesia Católica).
 Otros ejemplos son:

3-Los monarcas absolutos, como los franceses, quienes para expresar su

poderío y grandeza impulsaron la realización de obras del porte del Palacio de
Versalles, mandado a construir por Luis XIV. 4-La rica y acomodada burguesía de
países como Holanda en el s. XVII, que impone sus gustos en la temática pictórica
-ausencia de representaciones religiosas, paisajes, interiores de casas burguesas,
retratos, etc.

En cuanto a personalidades individuales cabe resaltar el mecenazgo que ejerció

el rey Felipe IV respecto a Velázquez. El convertirse en pintor de cámara de dicho
monarca le permitió vivir sin estrecheces económicas y no tener que vender sus
cuadros para subsistir. Lo mismo cabe decir de Goya con respecto a personajes
como Carlos IV o nobles como el duque de Osuna.

d) Pervivencia y conservación del patrimonio artístico

El patrimonio artístico lo componen el conjunto de obras de arte que nos han

legado –dejado- las generaciones que han vivido antes que nosotros - nuestros
antepasados (Ej: los monumentos romanos de Mérida, las pinturas del Museo del
Prado, etc).

Se trata de una herencia artística de la que debemos estar orgullosos por

haberla recibido y por la cual tenemos que hacer todo lo posible por conservar y
asimismo transmitir a las generaciones futuras.

Las obras de arte no son objetos pasivos que se guardan en los almacenes de
los museos, sino un elemento activo de la cultura. Se debe enseñar a leer y
observar las obras de arte, y utilizarlas como un bien cultural del que podemos
obtener un goce o disfrute en los momentos de ocio (Ej. Debe convertise en algo
habitual ir a una exposición de cuadros igual que se asiste al cine, a un partido de
fútbol, a una corrida de toros, a una actuación musical, etc.) (Ej. visita a La
Alcazaba de Badajoz o Museo de Bellas Artes de esta ciudad).
GUION PARA EVALUAR OBRAS DE ARTE

GUIÓN PARA COMENTAR UNA OBRA DE ARQUITECTURA

1.-Identificación de la obra

- Identificación del autor y la obra. Localización en el tiempo y en el espacio.

Estilo. ¿Qué tenemos delante?: exterior ó interior; fachada, planta, alzado etc. -
Tipología del edificio (funerario, civil, religioso,....)

2.-Descripción del edificio (análisis formal)

- Materiales: piedra, ladrillo, madera, hormigón, cristal, etc. y sus cualidades. -

Elementos sustentantes. Son los soportes. El soporte puede ser: o Continuo: el
muro (en él se analizar: cómo está aparejado, es decir la forma en que se
disponen los materiales (sillar, sillarejo, mampostería, ciclópeo...); si tiene vanos
y las características de tales vanos: puertas, ventanas, rosetones, óculos...; si
predomina el vano o el macizo. o Discontinuo, (hay que señalar: tipo: columna,
pilar, pilastra, contrafuerte,...; partes y características - Elementos sostenidos. La
cubierta, que puede ser: adintelada o arquitrabada, abovedada (en tal caso,
analiza: forma, características y función de los arcos, tipo de bóveda, forma y
disposición del tejado), artesonado (estilo mudéjar y edificios españoles de otras
épocas de influencia mudéjar) - Elementos decorativos. Debes especificar: tipos
de elementos decorativos (escultura, relieve, pintura, yeserías...; elementos
arquitectónicos usados para decorar: arcos ciegos, columnas adosadas...;
molduras); lugar en que se ubica la decoración; escasez o predomino de lo
decorativo sobre lo constructivo; integración de la decoración en las formas
arquitectónicas (resalta las formas, las enmascara...) o empleo de lo decorativo
como mero adorno - Características de la planta, indicando su tipo (longitudinal,
central...), sus componentes y sus proporciones. - Alzado del edificio (cuando se
trate de un interior y muestre peculiaridades en altura) - El espacio interior.
Puedes analizar: cómo está organizado: compartimentado o unitario; cerrado o
abierto (integrado con el exterior); si tiene direccionalidad (espacio-camino); si es
dinámico (nos invita a recorrerlo) o estático; sus proporciones: si es equilibrado o
predomina la horizontalidad o la verticalidad, si es monumental o intimista...; la luz
como elemento espacial (distribución de los vanos, zonas más iluminadas y zonas
en penumbra, luz natural o coloreada) 3.-Análisis estilístico. Relación de la obra
con la época histórica y cómo se refleja ésta en el edificio (análisis iconográfico y
sociológico) - Clasificación de la obra en su estilo, identificando los rasgos que
refleja del mismo. Identificación de la obra y de su autor en el marco de dicho
estilo. - Función de la obra (religiosa, conmemorativa, militar...) explicando por
qué y para qué se hizo, y si la obra es adecuada a su función. Circunstancias
económico-sociales y políticas del momento en relación a la obra y circunstancias
concretas de su realización.

EJEMPLO DE COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARQUITECTURA. EL

PANTEÓN DE AGRIPA

1.- Identificación de la obra. Es el edificio de la época romana mejor conservado

de Roma. (S. II). - Historia del edificio. La construcción se inició en la época de
Augusto por mandato de su yerno y ministro Agripa como homenaje al emperador
–tal como indica la inscripción en el friso del pórtico en la que también aparece la
fecha de ejecución (27 a.C.). Después de varios incendios fue reconstruido
totalmente en la época de Adriano en el S. II (115-127). El emperador, hombre
culto y amante de la arquitectura, participó en su diseño. A pesar del saqueo de
los bárbaros (410), se salvó de la destrucción gracias a que el emperador
bizantino Focas que en el año 608 lo donó al papa Bonifacio VI que lo convirtió en
la iglesia cristiana de Santa Mª de los Mártires. Es el primer caso de templo
pagano convertido en cristiano. En el S. XV se enriquece con frescos y en el S.
XVI sirvió de sepulcro para grandes artistas como Rafael y Vignola. En el S. XIX
fueron enterrados los reyes Víctor Manuel II y Humberto I. Hoy día, sigue siendo
una iglesia y panteón de hombres ilustres. A pesar de las reformas y añadidos, se
casi íntegro: la estructura del edificio, los mármoles del suelo y de la parte inferior
del muro y las puertas de bronce son originales.

- Autor: El autor se desconoce, aunque se ha atribuido al famoso Apolodoro de

Damasco, un gran ingeniero y arquitecto que trabajo en Roma para Trajano, pero
no es tan seguro que lo hiciera para Adriano.

- Tipología. Es un templo con un pórtico de entrada octástilo (8 columnas) de

inspiración griega. La cella o sala interior es redonda y cubierta por una cúpula lo
que es una novedad en la arquitectura religiosa (se había utilizado ya en salas de
las termas).

2.-Descripción del edificio (Aspectos formales)

- Materiales. Hormigón en el muro, piedra pómez en la cúpula, ladrillo en los

arcos, granito y mármol en la fachada y mármol de diversos colores en el
recubrimiento interior.

- La planta consta de dos partes:

Pronaos o pórtico de acceso asentado sobre un crepidoma de 5 escalones. Está

dividido en tres naves: la central conduce a la cella y las laterales son dos cuerpos
alargados que termina en grandes nichos.
- Cella de planta circular y gruesos muros con retranqueamientos (entrantes)
semicirculares o rectangulares.

- El alzado. El pórtico con columnas está rematado por un frontón liso. El cuerpo
circular es un cilindro con 43,20 m. de diámetro coronado por una cúpula.

- Utiliza dos sistemas constructivos: el arquitrabado de inspiración griega en la

fachada dando solemnidad al edificio y el abovedado que utiliza experiencias
constructivas de la arquitectura civil (termas). La mezcla de los dos sistemas es
una creación romana y, en este caso, produce un efecto sorpresa.

o Los soportes o elementos sustentantes son: en el pórtico, las columnas y

pilastras corintias; en la rotonda, el muro –muy grueso pero no continuo- sin
vanos (excepto en la puerta de entrada) y ocho grandes pilares –en parte huecos-
disimulados en el espesor del muro por lo que parece que son las finas columnas
las que hacen la función sustentantes cuando en realidad éstas tienen una función
más decorativa que estructural.

o La cubierta o elementos sostenidos son: en el pórtico: una armadura de madera

a dos aguas (la original de bronce fue expoliada por el papa Urbano VII para hacer
los cañones del castillo de Sant´Ángelo); en el pequeña tramo de entrada, una
bóveda de cañón; en el interior, una cúpula semiesférica.

La cúpula se apoya sobre un tambor cilíndrico con macizos y vanos alternados,

arranca de una cornisa situada en la mitad de la altura total del edificio y acaba en
un óculo redondo de iluminación; al elevarse se adelgaza y aligera gracias al
material que se usa (piedra pómez) y a los casetones decorativos (huecos
geométricos). Ha resistido hasta ahora gracias a un complejo sistema de reparto
de peso con un esqueleto interno de arcos de descarga que trasladan el peso de
la cúpula a los pilares. Los arcos de descarga se pueden observar en la parte
posterior del edificio al haber desaparecido el revestimiento original. La compleja
estructura queda oculta dando un aspecto de ligereza al aparentar que la cúpula
se apoya en finas columnas.

- Elementos decorativos. En el exterior son escasos porque se proyectó en un

entorno urbano que apenas permitía apreciarlo. En la fachada: el friso tiene una
inscripción de Agrippa en letras de bronce, el arquitrabe otra inscripción posterior,
el frontón debió estar decorado con estatuas de bronce que se han perdido. El
resto del muro se decora con unas simples cornisas.

Por el contrario, el interior es de gran riqueza decorativa, refinamiento y colorido.

El muro está adornado con elementos arquitectónicos (columnas, entablamentos,
frontones, etc.) realizados en mármol de distintos colores. La cúpula está
decorada con casetones que acentúan su forma esférica ya que en cada círculo
son de menor tamaño. En la parte superior, el casquete se ha dejado libre y el
óculo se enmarca con un anillo. El pavimento está decorado con figuras
geométricas.

- El espacio interior es estático y grandioso, con predominio de la línea curva. Las

proporciones son colosales pero es un ejemplo de armonía y equilibrio porque la
cúpula es una esfera perfecta, por la simetría axial (simetría en torno a un eje) y
por la alternancia rítmica: sucesión de macizo-hueco y de columnas y pilares en la
parte baja del muro; en el tambor se suceden macizos cuadrados y vanos
rectangulares con frontón triangular frente al circular del piso inferior.

- La iluminación, cambiante a lo largo del día, es difusa produciendo una

sensación detranquilidad.

3.- Análisis estilístico - Se trata de un edificio típico de la arquitectura romana por

el dominio de las técnicas arquitectónicas, la solidez, la monumentalidad y la
variedad de materiales que reflejan un espíritu utilitario y la importancia del
espacio interior. Es propio del Alto Imperio (S. II), el periodo de madurez del arte
romano.

- La función del edificio es religiosa. Se trata de un templo dedicado a diversas

divinidades celestes de la mitología romana cuyas estatuas estarían colocadas en
los siete nichos. El edificio parece simbolizar la tierra y la esfera celeste donde el
óculo parece el sol y parece estar concebido para unir al hombre con la divinidad,
pero también con el emperador que era considerado un dios. Por tanto, une la
finalidad religiosa y política como es habitual en la arquitectura romana. Ha tenido
gran influencia en la arquitectura occidental siendo el punto de partida de las
cúpulas posteriores. En ella se inspiró el arte bizantino y Brunelleschi para hacer la
de la catedral de Florencia, el Barroco y hasta el S. XIX. La influencia llegó hasta
los EEUU.
LA ESCULTURA

La escultura es el arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera,

metal u otra materia, representando en volumen figuras de personas, animales u
otros objetos de la naturaleza o asuntos de la imaginación del escultor.

Dentro de la escultura hay que diferenciar entre dos fórmulas:

 Exenta o de bulto redondo: es la que permite contemplar una figura desde

cualquier punto de vista a su alrededor. Si sólo representa la cabeza y la parte
superior del tórax se llama busto -generalmente retratos-. Si representa el tronco
humano sin cabeza, ni brazos ni piernas se llama torso.

 Relieve: es una escultura no exenta. Se llama altorrelieve si sobresale del fondo

más de la mitad del volumen de las figuras y bajorrelieve si las figuras sobresalen
menos de la mitad del fondo.

En el análisis de una escultura hay que tener en cuenta:

a) Técnicas artísticas

 El modelado: Usa materiales blandos (barro, cera, etc.) y se trata de ir

añadiéndolos.

 La talla: Supone la eliminación del material hasta dar forma y volumen a la

figura.

 La fundición: Se inyecta en un molde material líquido fundido al fuego

(bronce, hierro…) o licuado con agua (cemento...).

 Soldadura. Se unen distintas partes metálicas. Es propia de la época

industrial.

 Policromía: Consiste en aplicar color a la pieza, lo que ha sido habitual en

todas las culturas. En el caso de la madera se utilizan técnicas como:el
estofado (se utilizan panes de oro debajo y color encima para después raspar o
bruñir y que la policromía resalte).

b) Materiales. La utilización de distintos materiales para la realización de

una escultura es determinante, ya que cada uno proporciona una calidad
táctil diferente, transmitiendo sensaciones distintas. La calidad depende del
material y el tratamiento (superficies finas, pulidas, aristadas, rugosas…).
Los empleados habitualmente son: madera, bronce, mármol, hierro,
terracota, marfil, hueso, etc.
c) Volumen: espacio ocupado por la masa escultórica. Toda escultura
implica un volumen pero cuando la escultura ha estado muy ligada a la
arquitectura (ej. románico) creaba poco espacio a su alrededor
(frontalidad). Por el contrario, en otros periodos (época clásica, gótico)
adquieren volumetría, lo que permite observarlas desde distintos puntos
de vista.

d) Movimiento: las figuras se pueden disponer de forma estática, rígida e

inmóvil (crean sensación de inaccesibilidad y alejan al espectador) o en
forma de movimiento en potencia (figuras quietas, pero con fuerza
contenida) o de movimiento en acto (conseguido por multiplicación de
líneas, ritmos ondulados, posiciones inestables, etc.)

e) Composición: está determinada por el deseo o no de movimiento.

Puede adoptar distintas estructuras: diagonal, piramidal, geométrica, etc.
que se pueden resumir en dos tendencias. Cerrada: la escultura se recoge
sobre si misma limitando su movimiento -se suele encuadrar en una figura
geométrica simple (ej. pirámide)-. Abierta: la escultura se abre al exterior
(miembros que se estiran o agitan).

f) Proporción: en unas épocas se ha entendido que la belleza había de

ajustarse a unos cánones que establecían un equilibrio entre las partes y
una semejanza con la realidad; pero en otras épocas se han buscado la
desproporción o la deformación de las figuras con fines expresivos.

g) Masa: Se refiere a la sensación de peso que provoca la visión de una

escultura. Es una apreciación intelectual por la que nos parece que una
figura puede ser pesada, rotunda, compacta o por el contrario, liviana,
ingrávida. h) Luz: luminosidad homogénea o contrastada (juego de luces
aprovechando la textura y la forma de la obra (pliegues, trépano en el
cabello,...); posible función de la luz en la obra: aumento de la expresividad,
el dramatismo.
GUIÓN PARA COMENTAR UNA ESCULTURA

1.-Identificación de la obra:

- Identificación del escultor y su obra. Localización en el tiempo y en el

espacio.

- Tipología de la obra: bulto redondo o relieve (alto, medio bajo), su posición

(sedente, orante, yacente), si es de cuerpo entero, busto o cabeza.

- Tema: descripción del asunto.

2.- Análisis de los elementos formales:

- Materiales: piedra, barro, madera, marfil, bronce, etc.
- Técnica: tallado, fundido, modelado, etc. (No es imprescindible)
- Modelado y textura (lisa o rugosa, blando o duro, inacabado, etc.).
- Forma de expresión: antinaturalismo, naturalismo, naturalismo idealizado,
expresividad, ausencia de expresividad.
- Volumen: frontalidad o volumetría.
- Movimiento: estatismo y rigidez, movimiento en potencia o dinamismo.
- Composición: Cerrada y abierta. Estructuras: diagonal, piramidal,
geométrica, etc.
- Proporción: equilibrio o desequilibrio.
- Masa: pesada o compacta y ligeras o ingrávidas.
- Luz: luminosidad homogénea o contrastada (juego de luces
aprovechando la textura y la forma de la obra (pliegues, trépano en el
cabello,...); posible función de la luz en la obra: aumento de la expresividad,
el dramatismo.
- Color: policromía o no, tipo (estofado), función del color

3.-Analísis estilístico

- Clasificación la obra en el estilo a que pertenece, identificando los rasgos

que refleja del mismo. Identifica la obra y su autor. Explica qué rasgos
estilísticos propios del artista encuentras en esta escultura.
- Función de la obra (decorativa, religiosa, mágica, propagandística...).
- La obra, reflejo de la época. Circunstancias históricas en que se realizó.
Circunstancias concretas de su realización (papel de los mecenas).
- Aportación de la obra al arte de su tiempo o al arte universal.
EJEMPLO DE COMENTARIO DE UNA ESCULTURA. Apolo y Dafne de Bernini

1. Identificación de la obra - Autor: Gian Lorenzo Bernini (1598-1690), gran

escultor y arquitecto del barroco italiano que realizó gran parte de su obra al
servicio de los Papas. Esta obra fue encargada por el cardenal Borghese,
realizada en el S. XVII (16211623) y se expone en la Galería Borghese en
Roma.

- Tipología. Es un grupo escultórico bulto redondo, de cuerpo completo y de

tamaño real.

- Tema. Se trata de un tema mitológico griego, recogido de las

Metamorfosis de Ovidio: el mito de Apolo y Dafne. Eros (Cupido), dios del
amor, muy ofendido con Apolo porque éste se había burlado de sus
cualidades como arquero, decidió vengarse lanzando dos flechas: una, que
provocaba el amor a primera vista, hacia Apolo; y la otra, que provocaba
rechazo, hacia la ninfa Dafne, hija Peneo, dios del río. Apolo persigue a la
ninfa y ésta huye despavorida pero, viéndose a punto de caer en manos del
dios, pide ayuda a su padre y éste la convierte en laurel. Apolo decidió
convertir el laurel (Dafne significa laurel en griego) en su planta sagrada con
la que se coronaba a los vencedores en los juegos griegos. La obra capta
el instante de máxima tensión al elegir el momento justo en que comienza
la metamorfosis. De los dedos y cabellos brotan ramas y hojas, de sus pies
nacen raíces mientras su cuerpo se va cubriendo de la corteza del tronco.
Según el lugar desde donde se observe a la ninfa aparece como humana o
como arbusto.

2. Análisis de los elementos formales

- Materiales y técnica. Es una obra tallada en mármol.

- La forma de expresión es el naturalismo idealizado clásico pero, frente al
estatismo y la serenidad renacentista, se busca sobre todo la expresividad y
el movimiento.
La obra es de gran dramatismo y teatralidad: Dafne expresa terror y Apolo
perplejidad ante lo que ocurre ante sus ojos
El movimiento es una característica fundamental de la obra que se
manifiesta en forma de dos movimientos contrapuestos: el impulso hacia
delante del dios, acentuado por los movimientos opuestos de piernas,
brazos y túnica –hacia delante y hacia atrás-; frente al movimiento
ascendente en "serpentinata" de la joven Dafne.
- La composición tiene como fin acentuar el dinamismo. Se organiza en
torno a dos curvas, formadas por los cuerpos que se unen en el suelo, y
una diagonal en forma de aspa (diagonal barroca) formada por los dos
brazos. Con esta composición se consigue un espacio abierto – el
espectador ha de dar la vuelta en torno a la figura si quiere contemplar la
metamorfosis en su totalidad- y dinámico – las curvas y diagonales
acentúan el dinamismo de los paños y cabellos.
- El modelado del mármol aumenta la expresividad de la obra: el cuerpo
de la joven tienen una textura pulida y brillante frente a la textura rugosa de
las raíces y la corteza que empieza a cubrir la superficie del cuerpo de la
joven es pulida y brillante.
- La masa también presenta contrastes: la figura de Dafne es más
ingrávida y la de Apolo algo más pesada.
- La proporción de las figuras sigue el canon clásico siete cabezas y
media creado por Lisipo cuyo resultado es un cuerpo proporcionado pero
esbelto.
- La luz se utiliza para acentuar el dramatismo de la escena mediante los
contrastes violentos de luces y sombras en los pliegues del manto de Apolo
o en la hojarasca del pelo de la joven y suaves en la superficie de la piel de
los cuerpos de ambos.

3. Análisis estilístico. Es una escultura típica del Barroco por el dinamismo

y expresividad; por la captación de un momento fugaz y por los múltiples
contrastes. Su finalidad es estética
El arte barroco es la expresión de una época de crisis e inseguridad en la
que se ha abandonado la confianza en la razón y la obra de arte se dirige a
conmover a los sentidos. En este sentido, Bernini se muestra como un
genio de la escultura por su capacidad para representar las emociones y el
movimiento y por su maestría en el tratamiento del mármol
LA PINTURA

La pintura es una representación sobre una superficie plana mediante la

línea y el color. - La materia pictórica la forman varios elementos: el
soporte (muro, lienzo, madera, papel….); el colorante o pigmentos
minerales o químicos y el aglutinante o elemento que se añade al colorante
para que se pueda aplicar. Entre otros, se han utilizado agua, clara de
huevo, aceite, etc. La pintura contemporánea ha añadido además a la
materia pictórica elementos que hasta ahora eran extraños al lenguaje de la
pintura, tales como arena, trapos, metal… Todos estos elementos dan a la
pintura una textura (lisa, pastosa, mate, brillante, rugosa) que a veces llega
a ser tan densa que se habla de pintura matérica.

a) Técnicas pictóricas. Existen técnicas diversas que varían según el

soporte, el efecto y los materiales.Las más utilizadas son:

- Fresco. Técnica muy utilizada desde la Antigüedad para pintar sobre

muro. Consiste en preparar la pared con una capa de yeso (enlucido) y
aplicar sobre ella los colores, disueltos en agua, mientras todavía está
“fresco” o húmedo y tierno.

- Temple. Técnica de pintura en la que los pigmentos de color se

disuelven en un aglutinante viscoso, espeso, como puede ser la clara de
huevo. Se utiliza sobre tabla o muro. Es característica de la pintura
medieval europea y de los iconos bizantinos.

- Óleo. Técnica de pintura que consiste en disolver los colores en un

aglutinante oleoso, como el aceite de linaza, el de nuez o aceites
animales. Se utiliza sobre tabla.

La técnica fue desarrollada por Jan Van Eck (escuela de los primitivos
flamencos) y se convirtió en la técnica más frecuente a partir del S. XVI.
Fue una novedad respecto al temple ya que permite retocar y corregir.

- Acuarela: Utiliza mucha agua como diluyente, y muy poca cantidad de

aglutinante (goma, baba de caracol, glicerina...).

- Collage. Técnica utilizada en la pintura contemporánea en la que se

mezclan materiales de uso cotidiano (periódicos, cartones o plásticos)
que se combinan en ocasiones con la pintura.
- Acrílica. Pintura de origen plástico que se seca con facilidad. Se usa en
el arte contemporáneo.

b) La línea: Permite la identificación y el reconocimiento de las formas.

Tiene un valor esencial en la transmisión de un mensaje pictórico.
Según su trazo varía la expresión plástica:
- Continuo y cerrado = descriptivo.
- Grueso y vehemente = expresivo.
- Abierto = imaginativo y poético.
- Curvilíneo = sensualidad.
Además, el trazo predominante en una obra tiene un significado
simbólico: los trazos verticales se suele identificar misticismo; los
triangulares, equilibrio; si son circular, perfección, etc.

c) El volumen: Es una ficción en la pintura, ya que ésta es siempre

bidimensional; pero, si el autor quiere transmitir una sensación de
tridimensionalidad, lo hace modelando las figuras mediante la luz, el
color, la línea, etc.

d) La perspectiva: Trata de simular profundidad (la tercera dimensión)

en todo el conjunto del cuadro (el volumen solo lo crea en un objeto) ya
que la obra se concibe como una ventana a través de la que se enseña
la realidad. En la Edad Media apenas se tenía en cuenta la perspectiva
ya que el arte era simbólico y no pretendía ser un reflejo de la realidad;
pero en ocasiones se representaba la distancia disminuyendo el tamaño
de los objetos del segundo plano. En el Renacimiento se ideó la
perspectiva lineal gracias a una fórmula matemática que simulaba la
profundidad trazando líneas que forman una pirámide, cuyo vértice es el
punto de fuga de las mismas. La perspectiva aérea es una aportación de
Leonardo da Vinci y consiste en modificar los contornos de los perfiles y
objetos en la distancia, difuminar las figuras del fondo, etc.

e) El color: Es la esencia de la pintura. Los artistas usan el color como

forma de expresión. Existen colores primarios (que no son fruto de
ninguna mezcla: amarillo, rojo, azul), los secundarios, surgen cuando los
primarios se mezclan entre sí (anaranjado: amarillo + rojo, violeta: azul y
rojo; verde: amarillo y azul, etc.). Los colores se dividen a su vez en
cálidos (amarillo, anaranjado y rojo) que expanden luz y avanzan hacia
el espectador (se utilizan generalmente para provocar emoción); y fríos
(violeta, azul y verde) que absorben la luz y se alejan del espectador (se
utilizan para provocar una reflexión intelectual) Los colores tienen un
valor simbólico que varía según las culturas o la psicología de los
artistas (ej: el blanco y el azul han simbolizado la pureza; el negro, la
muerte; el rojo, la pasión.)

f) La luz: Es algo irreal o ilusorio que el artista utiliza como elemento de

expresión o composición. Así, una luz clara y homogénea transmite
equilibrio; la contrastada refuerza la expresividad y el movimiento; la
oblicua la profundidad y el movimiento.

g) La composición: Determina la ordenación de todos los elementos en

el conjunto del cuadro. Como en la escultura predominan dos
tendencias: cerrada y abierta. Se organizan de múltiples formas:
piramidal (transmite armonía y equilibrio), diagonal (movimiento),
simétrica (orden y claridad), etc. Cada estilo tiene preferencia por un tipo
de composición.

GUIÓN PARA COMENTAR UNA OBRA DE PINTURA

1.-Identificación de la obra:

- Identificación del pintor y de la obra. Fecha de ejecución. Dimensiones.

Lugar de conservación.

- Tipología: indica si se trata de un cuadro de caballete, de una pintura

mural, de pintura sobre tabla, de una miniatura, de un relieve pintado...

- Género: pintura abstracta o figurativa. Y si es ésta última: retrato,

naturaleza muerta (bodegón), paisaje, escena religiosa o mitológica,
histórica, pintura de género (escenas de la vida cotidiana), etc.

- Tema. Descripción de ambiente, personajes (naturalistas,

idealizados,...), objetos representados, etc.

2.-Análisis de los elementos formales:

- Técnica utilizada: dibujo, acuarela, fresco, óleo, grabado, etc. y si eso

se refleja o influye en la obra de alguna manera. - Forma de expresión:
antinaturalismo, naturalismo, naturalismo idealizado, expresividad,
ausencia de expresividad.

- La composición: distinguir planos ayudándose de la perspectiva.

Luego buscar las grandes líneas directrices, señalando la sensación de
equilibrio o de movimiento, así como los tipos de figuras geométricas
que forman las masas (rectángulo, cuadrado, círculo, triángulo, espiral,
etc.).

- El color: caracterizar la paleta empleada, buscando colores

dominantes, tonalidad de conjunto (cálida o fría) y la pincelada (espesa
o ligera).

- La luz: observar si es natural o artificial, si es homogénea (colores

planos, sin gradación) o si se buscan los contrastes. Focos de luz.

- La línea: fijarse en si el dibujo es neto o flojo, si es enérgico o

delicado, es decir, si predomina la línea o el dibujo (pictórico). Cómo son
esas líneas, muy marcadas, poco, etc.
- El volumen. Los objetos tienen apariencia de corporeidad, de
tridimensionalidad. Cómo se consigue: uso de la luz y sus contrastes, el
color, uso de los escorzos (figura o parte de la misma dispuesta en
posición oblicua o perpendicular al plano, para conseguir la tercera
dimensión).

3. Análisis estilístico: - Clasifica la obra en el estilo a que pertenece,

identificando los rasgos que refleja del mismo. Identifica la obra y su
autor.
Explica qué rasgos estilísticos propios del artista encuentras en esta
pintura.

- Función de la obra (decorativa, religiosa, mágica, propagandística...).

- La obra, reflejo de la época. Circunstancias históricas en que se

realizó. Circunstancias concretas de su realización (papel de los
mecenas). Mensaje que se quiere transmitir.

- Aportación de la obra al arte de su tiempo o al arte universal.

Influencias posteriores.
EJEMPLO DE COMENTARIO DE UNA PINTURA: ÁBSIDE DE SAN
CLEMENTE DE TAHULL

1.- Identificación de la obra

- Identificación. Se trata de una pintura mural que representa al

Pantocrátor y otras figuras del Nuevo Testamento. Se localiza en
iglesia de San Clemente de Tahull en el valle pirenaico de Bohí (Lérida)
en el ábside o cabecera de la iglesia, lugar que cobija el altar mayor y
hacia el que conducen todas las líneas. Actualmente se encuentran en
el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona, conservándose
una copia en su localización inicial. - Autor. Los autores son
desconocidos pero se sabe que a este pueblo llegaron a principios del
S. XII dos pintores italianos, que conocían bien las técnicas de los
miniaturistas hispanos, y se encargaron de la decoración de los dos
edificios: Santa Mª y San Vicente. El pintor del ábside de San Vicente es
conocido como maestro de Tahull por su calidad. Los absidiolos serían
pintados por otro artista de calidad inferior a los dos anteriores. La fecha
de su realización es 1123.