EL BARROCO (1600-1750)

1- CARACTERÍSTICAS DE LA ÉPOCA BARROCA

La palabra “barroco” proviene del portugués y se usó para describir las

obras artísticas demasiado recargadas y ornamentadas. Efectivamente,
durante el barroco el arte se caracteriza por ser muy complejo y con
una abundante ornamentación. El arte barroco busca impresionar a
través de lo grandioso y de la intensidad expresiva.
Esta época está marcada por el triunfo del absolutismo en casi toda
Europa, cuyo modelo es la Francia de Luis XIV, llamado “el rey sol”.
Culturalmente es Francia la que ejerce la hegemonía en esta época:
todas las cortes europeas imitan el lujo de los reyes franceses,
construyen palacios tomando como modelo el Palacio de Versalles, en
el que reside el rey de Francia, y se utiliza el francés como lengua de
cultura.

2- LA MÚSICA EN EL BARROCO

La música en esta época experimenta un desarrollo extraordinario. En

cierto sentido se puede decir que en el Barroco surge la música en
sentido moderno, escrita según los principios compositivos que se
todavía hoy se siguen utilizando.
El barroco abarca el siglo XVII y la primera mitad del XVIII, es decir,
entre 1600 y 1750. Estas dos fechas coinciden respectivamente con
dos importantes hechos de la música barroca: la invención de la
OPERA en Italia y la muerte de J. S. BACH, el músico más importante
del Barroco (y según algunos, de toda la historia de la música).
Desde el punto de vista musical los países más relevantes son Italia,
Alemania y Francia, con un claro predominio del primer país citado,
pues en Italia surgen géneros tan importantes como la ópera y el
“concerto”, que tendrán un largo desarrollo en épocas posteriores.

3- PRINCIPALES APORTACIONES DE LA MÚSICA BARROCA

En el Barroco se producen en el terreno musical una serie de

innovaciones muy importantes en la historia de la música.

• En Italia se inventan los instrumentos de la familia del violín, que

serán la base de la orquesta: (violín, viola, violonchelo y contrabajo).
• Surge la orquesta en sentido moderno.
• Nace la ópera en Italia a principios del siglo XVII, y otras nuevas
formas vocales como la cantata y el oratorio.
• Surge la forma “concerto” (concierto).
• Surgen los “castrati”, cantantes de ópera castrados con una
capacidad vocal asombrosa que se convirtieron en los primeros
músicos de la historia en alcanzar la categoría de estrellas.
• Invención de un nuevo sistema de componer y de organizar el
discurso musical llamado TONALIDAD.

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4- CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA

En el Barroco se producen una serie de cambios esenciales en la

manera de hacer música, por lo que se puede considerar esta
época como el nacimiento de una nueva era:

• La invención de la tonalidad. Consiste en dotar a las notas de la

escala de un orden jerárquico, es decir, no son todas iguales, unas
notas tienen más importancia que otras. La más importante es la
primera nota (primer grado) de la escala, llamada tónica; la siguiente
en importancia es la quinta nota (quinto grado o dominante), la
tercera nota en importancia es la cuarta (cuarto grado o
subdominante), etc.
La sucesión de notas o de acordes de mayor o menor importancia
produce en el discurso musical procesos de tensión y de relajación,
lo que contribuye al efecto dramático y expresivo de la música.
Esta nueva manera de componer llamada TONALIDAD se
desarrolló en el Barroco y sigue siendo la base del sistema
compositivo actual. Por eso decimos que en esta época surge la
música y la manera de componer en sentido moderno.

• El bajo continuo y la melodía acompañada. Frente al estilo

polifónico del Renacimiento, en el que todas las voces tenían la
misma importancia y sonaban empastadas y en equilibrio, en el
Barroco, la voz superior, que lleva la melodía, predomina sobre las
demás voces, que hacen sólo de acompañamiento (=melodía
acompañada).
De entre las voces que hacían el acompañamiento fue la voz del
bajo la que más importancia adquirió, por ser la base y el apoyo de la
armonía. Prácticamente en todas las obras del barroco hay un
acompañamiento destacado en el bajo, que generalmente era
realizado por el clave (o por otro instrumento de teclado, como el
órgano); también el laúd y sus variantes (como la tiorba), a los que, a
veces, se sumaban otros instrumentos de sonido grave, como la
“viola da gamba”, el violonchelo, o el fagot. Este tipo de
acompañamiento se denomina bajo continuo, y es característico de
la música barroca.
Cuando el bajo continuo realiza el acompañamiento tocando un
fragmento musical que se repite una y otra vez idéntico a todo lo largo
de la obra, hablamos de un tipo especial de bajo continuo llamado
bajo ostinato. El famoso “Canon” de Johann Pachelbel, una pieza
musical muy famosa de esta época, utiliza como base un bajo
ostinato.
La melodía acompañada es, como ya hemos dicho, la textura más
frecuente de la música del Barroco. Se utilizaba sobre todo en la
música vocal, por ejemplo, en la ópera, pues aquí es imprescindible
entender lo que pasa en la acción dramática y lo que dicen los
personajes. Pero también se utilizó en la música instrumental, pues
ésta imitaba la música vocal, sustituyendo tan sólo la voz por un
instrumento melódico, por ejemplo, un violín.

A pesar de este predominio de la melodía acompañada, el

contrapunto o polifonía, la gran aportación de la música del
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Renacimiento, siguió utilizándose en el Barroco, y se cultivan formas
como la fuga, el tipo de composición polifónica más importante del
Barroco.
La fuga es una composición con reglas muy estrictas en la que toda
la estructura está basada en la utilización del contrapunto imitativo. El
término fuga proviene de cómo se mueven las voces en la
composición, y significa “huida” o, como su nombre indica, “fuga”: las
voces se imitan y se “persiguen” unas a otras, de manera que parece
que van “huyendo” unas de otras.
El mayor compositor de fugas y del Barroco es Johann Sebastian
BACH. Bach compuso infinidad de fugas, e incluso las improvisaba al
clave o al órgano. La mayoría de las fugas están escritas a 4 o 5
voces, pero Bach llegó a componer algunas a seis voces. De la
complejidad de estas composiciones nos puede dar una idea la
afirmación de un matemático según la cual, ”improvisar una fuga a
seis voces equivale a jugar simultáneamente seis partidas de ajedrez
sin mirar al tablero y ganarlas todas”.
Bach logra, con su conocimiento musical nunca igualado, unificar las
técnicas compositivas del Renacimiento y del Barroco, la polifonía (lo
vertical en la música) con la melodía acompañada (lo horizontal). Por
ello su obra es la culminación de toda la música del Barroco y, para
algunos, la culminación de toda la historia de la música.

• Gran desarrollo y predominio de la música instrumental , de

manera que, por primera vez en la historia, la música escrita sólo
para instrumentos adquiere más importancia que la música vocal.
Por ello surgen en esta época algunas de las más importantes
formas de la música instrumental que luego se seguirán utilizando
hasta el siglo XX: el concierto (“concerto”), la sonata y la “suite”.
Por el mismo motivo los instrumentos musicales experimentan un
gran desarrollo y evolución, y surgen muchos instrumentos
modernos: los violines, por ejemplo, van sustituyendo a las antiguas
“violas”, que tenían un sonido más apagado que los violines. De
todas maneras, durante el Barroco se seguirá utilizando mucho la
“viola da gamba”, antecesora del violonchelo, aunque
progresivamente irá desapareciendo y será sustituida por este último.
La familia del violín surge en Italia, en concreto en la ciudad de
Cremona. Allí se instalaron y trabajaron durante los siglos XVII y
XVIII los principales constructores de instrumentos musicales,
llamados luthiers, que alcanzaron tal perfección en las técnicas de
fabricación de violines que nunca han sido superados. Los más
famosos luthiers fueron Stradivarius, Amati y Guarneri.
Stradivarius fue el más famoso de todos, sus instrumentos no han
sido superados en sonido y son los más valorados en la actualidad.
El interés por los instrumentos dio lugar también al surgimiento de la
orquesta tal y como la conocemos hoy. La base de la misma son los
nuevos instrumentos de cuerda, la familia de los violines, dividida en
cuatro grupos, del agudo al grave: violines, violas, violonchelos y
contrabajos. A este grupo principal se suma el grupo de viento,
dividido en viento madera (flauta travesera –que va sustituyendo
cada vez más a la flauta de pico-, oboe y fagot) y viento metal
(trompa, trompeta y trombón). Por último la percusión, representada
básicamente por los timbales. A todo ello hay que sumar el bajo
continuo que, como hemos dicho más arriba, generalmente lo hacía
el clave, y que, a menudo, desempeñaba la función de dirección de
la orquesta.
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5- FORMAS MUSICALES DEL BARROCO

5.1- FORMAS VOCALES:

La ÓPERA: es una obra dramática con música. El origen de la ópera está

en el interés que surgió en la Italia del Renacimiento por la cultura de la
Antigüedad clásica y el deseo de imitar y de hacer resurgir sus obras de
arte. En la ciudad de Florencia un grupo de humanistas, que se reunían
bajo el nombre de “Camerata Florentina”, intentaron hacer renacer el teatro
griego antiguo, (la tragedia clásica, que bajo autores como Esquilo,
Sófocles y Eurípides, alcanzó cotas de intensidad dramática nunca
superadas y a la que sólo se puede parangonar Shakespeare). El teatro
griego, según se creía, era una obra de arte completa porque reunía la
poesía, la música y la danza. Gran parte del poder dramático del mismo se
atribuía a la música y a su capacidad de emocionar y de intensificar los
efectos dramáticos.
Así nació la ópera, a principios del siglo XVII en Florencia, cuando se
empezaron a componer obras de teatro que se cantaban y se
acompañaban con instrumentos. Los temas de estas primeras óperas eran
los mismos que los del teatro griego, historias tomadas de la mitología
griega, cuyos personajes son dioses o héroes.
Una de estas primeras óperas es ya una obra maestra y está considerada
como la primera ópera de la historia: es “ORFEO” de Claudio Monteverdi,
uno de los compositores más importantes del Barroco. Se estrenó en
Mantua en 1607 y está basada en la leyenda del héroe Orfeo, el músico
más importante de la mitología griega, que encantaba a la naturaleza y las
personas con su canto y cuya trágica historia era ideal para convertirla en
una ópera.
Partes de la ópera: la ópera está formada por cantantes-actores que actúan
y cantan en el escenario y una orquesta que acompaña y que se sitúa en el
foso. La acción se desarrolla alternando recitativos, arias e intervenciones
de la orquesta. A veces puede haber también coros y ballet. Sus partes
son:
• OBERTURA: es la “apertura” o comienzo de ópera. Toca sólo la
orquesta y sirve como introducción a la obra.
• RECITATIVO: partes recitadas con acompañamiento de instrumentos
a medio camino entre el lenguaje hablado y el canto. Tiene una orientación
dramática y en ellos los personajes dialogan entre sí y hacen avanzar el
argumento.
• ARIA: partes cantadas por los principales personajes, y en ellas se
suele expresar los sentimientos de los protagonistas. Tienen bellas
melodías, así como pasajes de difícil ejecución que sirven a los cantantes
para mostrar sus capacidades vocales. Con la evolución de la ópera a lo
largo del Barroco los “castrati” se hicieron los reyes de la ópera mostrando
su increíble manera de cantar: la gente iba a la ópera sólo para escuchar
las arias extremadamente difíciles que cantaban los castrados. Estos
cantantes alcanzaron un éxito y una fama extraordinaria en el Barroco. El
más famoso de ellos fue Carlo Broschi llamado “Farinelli” que trabajó en
España al servicio del rey Felipe V.
• INTERLUDIOS INSTRUMENTALES: partes en la que toca la orquesta
sola y sirve para unir escenas y/o cambiar el escenario.
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• COROS Y BALLET: ocasionalmente, en función de que lo requiera o
no el argumento, pueden aparecer coros cantando en el escenario o
escenas de danza (ballet).

Los principales compositores de ópera del Barroco son:

Monteverdi (Italia); autor de “Orfeo”
Lully (Francia): autor de “El burgués gentilhombre”
Rameau (Francia); autor de “Las Indias galantes”
Purcell (Inglaterra): autor de “Dido y Eneas”
Haendel (Inglaterra: alemán nacionalizado inglés): autor de “Rinaldo”,
entre otras muchas óperas.

La ópera es la principal forma vocal del Barroco y todas las demás formas
vocales serán influenciadas por ella e imitarán su estilo, aunque se trate de
obras religiosas. Así, las formas vocales religiosas del Barroco (oratorio,
pasión y cantata) adoptan los elementos de la ópera: utilizan su tipo de
canto (arias y recitativos) e introducen los instrumentos como
acompañamiento.

El ORATORIO: es como una ópera pero de tema religioso, pero no se

escenifica: los personajes no actúan, sólo cantan. Influenciado por la ópera
adopta las mismas parte que ella: recitativos, arias, coros y partes
orquestales. Al ser una obra religiosa el argumento está tomado casi
siempre de la Biblia, sobre todo personajes e historias del Antiguo
Testamento (Saúl, Salomón, etc.) Al no escenificarse se introduce la figura
de un narrador que mediante recitativos va contando lo que pasa en la
acción dramática.
El principal compositor de oratorios fue Haendel y su oratorio más conocido
es el “Mesías” que incluye el famosísimo coro “Aleluya”.

La PASIÓN: es un tipo de oratorio cuyo tema trata exclusivamente la vida

de Cristo desde el momento en que comienza su pasión: detención,
ajusticiamiento, crucifixión, muerte y posterior resurrección. El tema está
tomado, lógicamente, del Nuevo Testamento, en concreto de alguno de los
Cuatro Evangelios (San Lucas, San Mateo, San Marcos, o San Juan).
El principal compositor de pasiones fue J. S. Bach, y su pasión más
importante es “La Pasión según San Mateo”. Obra monumental, plena de
intensidad dramática y de gran belleza musical, es la culminación de este
género.
Tiene los mismos elementos que el oratorio pero en este caso el narrador
es un evangelista que va contando lo que pasa y va dando paso a los
diálogos entre los personajes: Cristo, Poncio Pilato, etc. Entre los diálogos
se introducen intercalados arias y coros (que a veces cantan “corales”
luteranos) en los que se reflexiona sobre el sufrimiento de Jesucristo y
sobre el significado de su sacrificio.

La CANTATA: es una forma que nace en Italia pero se desarrolla sobre

todo en Alemania, dentro del rito luterano o protestante. Consiste en una
sucesión de arias, recitativos, partes orquestales a los que se suman coros
que cantan “corales” luteranos. Es más breve que el oratorio y la pasión y
no tiene carácter dramático. Se cantaba en el servicio religioso luterano.
El mayor compositor de cantatas es J. S. Bach, que a lo largo de su vida
escribió más de 200 cantatas, pues estuvo durante muchos años al

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servicio de dos iglesias de la ciudad de Leipzig, para las que tenía que
componer una cantata nueva cada semana.

5.2. FORMAS INSTRUMENTALES:

El CONCIERTO (“CONCERTO”): es la forma principal de la música

instrumental del Barroco. Es una obra para orquesta y uno o más
instrumentos solistas. Se inventa en Italia y su nombre proviene del término
“concertare” que significa concertar algo, ponerse de acuerdo. Y esto es lo
que realmente hacen la orquesta y los solistas que tocan un concierto, se
“ponen de acuerdo” para tocar juntos o alternativamente, dialogando entre
ellos.
El concerto está dividido en tres movimientos: Allegro (Rápido) – Adagio
(lento) – Allegro o Presto (Rápido o muy rápido).
En el Barroco se componen dos tipos de “concerto”: 1-“concerto grosso”:
es el más frecuente en le Barroco. Tiene varios instrumentos solistas (2, 3 o
más) que juntos o alternamente dialogan con la orquesta. El grupo de los
solistas se denomina “concertino” y la orquesta “tutti” (=todos) o también
“ripieno” (=relleno) 2-“concerto solista”: es similar al concerto grosso,
pero aquí sólo hay un instrumento solista, lo cual permite un mayor grado
de dificultad técnica y de virtuosismo. Por ello este tipo de concerto será el
que con el paso del tiempo se impondrá. Esto sucederá en el Clasicismo y
el Romanticismo, como veremos en temas posteriores.
El creador de la forma “concerto grosso” Arcangelo Corelli. Pero el
compositor más importante de conciertos del Barroco fue el italiano
Antonio Vivaldi, que escribió centenares de conciertos, aunque los más
conocidos son los cuatro que forman “Las Cuatro Estaciones”, cada uno
dedicado a una estación del año. En Alemania J. S. Bach escribió también
conciertos: destaca su ciclo de seis conciertos llamado “Conciertos de
Brandenburgo”.

La SUITE: es una obra constituida por un conjunto de danzas, alternando

rápidas y lentas, Estas danzas podían variar de una suite a otra. Las
danzas más frecuentes eran: allemande, courante, zarabanda, giga,
minueto, gavota, bourré, badinerie, air, etc. Se interpretaban con
instrumentos, tanto por solistas, por pequeños conjuntos o por una
orquesta, y no estaban destinadas a ser bailadas.
Las suites más famosas son las escritas para orquesta por Bach y Haendel.
Bach escribió cuatro suites orquestales que son obras maestras y que
contienen algunas de las melodías más inspiradas que compusiera el
“cantor” de Leipzig. Por su parte, Haendel compuso dos grandes suites
para orquesta dedicadas al rey de Inglaterra: “Música Acuática” y “Música
para los Reales Fuegos Artificiales”

La SONATA: significa en italiano “obra para ser sonada o tocada”. Está

destinada para uno, dos o tres instrumentos a los que se añadía el bajo
continuo. Suele tener cuatro movimientos alternando rápido – lento. La
evolución de la sonata barroca dará lugar a la sonata del Clasicismo que se
convertirá en una de las más importantes formas musicales a partir de
entonces.

La FUGA: (ya explicada en el apartado 4). Obra polifónica en un solo

movimiento basada en el uso constante de la imitación entre las voces. El

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principal autor es Bach. Sus obras más destacadas de este género son “El
Arte de la Fuga” y “El clave bien temperado”.

6- PRINCIPALES COMPOSITORES DEL BARROCO

ITALIA: Monteverdi, Vivaldi, Corelli.

ALEMANIA: J. S. Bach, Haendel (nacionalizado inglés), Telemann,
Pachelbel.
FRANCIA: Lully, Rameau.
INGLATERRA: Henry Purcell