INSTITUTO DE FORMACION 
 TECNICA SUPERIOR N° 15 
 
CARRERA DE DIRECCION Y 
PRODUCCION TELEVISIVA 
  
DOCENTE LIC. ALFREDO MARINO  
 
SEGUNDO AÑO 

VANGUARDIAS DEL
CINE
Teorías cinematográficas 
 
“Avant‐garde”,  es  un  vocablo  militar  que designa  a  la 
parte más adelantada del ejército, la que conforma la 
«primera  línea»  de  avanzada  en  exploración  y 
combate.  ¿Qué  tiene  que  ver  el  ejército  con  esto? 
Nada, pero el término se utilizó desde el primer cuarto 
del Siglo XX para denominar a corrientes artísticas que 
buscaban innovación; se destacaban por la renovación 
radical  en  la  forma  y  el  contenido;  exploraban  la 
relación  entre  arte  y  vida,  y  buscaban  reinventar  el 
arte confrontando movimientos artísticos anteriores. 
Bienvenidos  a  este  recorrido  por  las  vanguardias 
cinematográficas. 
 
AlINE MOSCATO 
18 de mayo de 2011 
C.A.B.A. ‐ Argentina 
 
     

Índice
Introducción..........................................................................................3

Vanguardias del Cine ...........................................................................4

Cine Abstracto ....................................................................................6

Cine Surrealista ..................................................................................7

Expresionismo Alemán .......................................................................9

Realismo Soviético ...........................................................................13

Impresionismo Francés.....................................................................15
2 Vanguardias del Cine 

Conclusión..........................................................................................17

Bibliografía .........................................................................................18

 
     

Introducción
  

En el trabajo anterior hacíamos un recorrido por los dos principales modos de representación 
que tuvo el cine en sus inicios, partiendo de aquellos primeros juegos ópticos que 
despertaron el interés de algunos curiosos, hasta los códigos que llevaron a los creadores a 
formar una manera nueva y diferente ver las cosas. 

Desde Edison hasta Griffith conocimos dos formas diferentes de hacer cine, algunos opinan 
que la segunda, el modo clásico, fue una derivación natural de la primera gracias a la 
evolución del conocimiento técnico y el descubrimiento de nuevas posibilidades. Otros 
simplemente creen que son maneras distintas de trabajar y crear. 

Lo cierto, es que Griffith y sus sucesores y algunos de sus contemporáneos en otros lugares 
del mundo establecieron un nuevo lenguaje y una manera de contarnos las cosas, y que 
aunque hoy estemos acostumbrados a ello y  creamos que es la manera “natural” de hacer 
cine, no es la única. 

Con el advenimiento de Hollywood y la industria cinematográfica, crecimos en un mundo 
donde éste es para nosotros el cine único y verdadero, sin embargo el Lic. Marino hacía un 
cuestionamiento bastante interesante en clases: 

¿Qué hubiera pasado si no hubiera sobresalido el modo clásico como lo hizo, y los más 
exitosos o afortunados en su momento hubieran sido los europeos y el cine de alguna 
manera llamado “arte”? 

Probablemente tendríamos hoy otros criterios.  

Pues bien, así como lo primitivo y lo clásico, las Vanguardias son maneras diferentes de ver y 
mostrar las cosas, partiendo de la premisa de que es un cine diferencial, no para cualquiera, 
sino destinado a cierto público y con el objeto de no solo mostrar, sino generar en el 
espectador el trabajo necesario para además de recibir algo que se cuenta, “descubrirlo” y  3 Vanguardias del Cine 
llevarlo a hacerse cargo de la avalancha de pensamientos, emociones y sensaciones que 
pudieran generarle aquello que ve. 

A continuación haremos  un nuevo viaje, esta vez con varias paradas, y en cada una 
conoceremos una nueva etapa de creación, un nuevo lenguaje y nuevas características en el 
amplio universo de las imágenes del Cine de Vanguardia.  

 
     

Las vanguardias
del cine

Cine 
 .  de  vanguardia.  Suele  denominarse  así  el cine  que  intenta  romper  con  los 
cánones  narrativos  o  visuales  habituales,  prescindiendo  de  la  lógica  narrativa 
 
basada en planteamiento, nudo y desenlace y en el predominio de la forma y la 
simbología 
  y  la  riqueza  de  lo  visual.  En  esta  denominación  han  tenido  cabida 
películas  influidas  por  movimientos  culturales  extracinematográficos,  como  el 
 
dadaísmo,  el  surrealismo,  el  futurismo,  el  impresionismo,  el  expresionismo  o  la 
abstracción, o incluso el llamado cine marginal o «underground». Luis Buñuel es 
la principal referencia de esta subdivisión del séptimo arte. 

Donde y como surgieron

La  época  de  las  primeras  vanguardias  tuvo  su  desarrollo  en  la  década  de  1920, 
especialmente  en  tres  países:  Alemania,  Unión  Soviética  y  Francia.  Fue  el  periodo  de  mayor 
efervescencia  en  cuanto  a  la  preocupación  por  definir  conceptos  propios  que  le  demarcaran 
una territorialidad al cine en los imaginarios artísticos. 

A  partir  de  este  momento  se  inició  la  reflexión  filosófica  en  torno  al  dispositivo 
cinematográfico,  buscando  establecer  ciertas  particularidades  que  permitieran  elaborar  un 
discurso propio como actividad artística autónoma. 

  Eran los días en que en toda Europa se vivía una atmósfera de renovación y de rechazo 
a  las  formas  clásicas  que  provenían  del  teatro  y  la  literatura.  En  Berlín,  Moscú  y  París  se 
juntaron  el  mayor  número  de  creadores  –  algunos  de  ellos  iniciados  en  la  plástica  y  en  la  4 Vanguardias del Cine 
actuación  –  para  buscar  en  el  cine  la  posibilidad  adecuada  que  les  permitiera  establecer  la 
ruptura  con  las  formas  tradicionales,  es  decir  oponerse  de  alguna  manera  al  Modo  Clásico  o 
Griffthiniano de representación.  

Para algunos la intención era generar un “cine de vanguardia” que pusiera en duda la 
“imagen‐acción”  como  la  única  constitutiva  del  cine.  Los  creadores  vanguardistas  no 
supeditaron  la  imagen  a  la  narración  o  a  la  acción  sino  que  se  desprendieron  de  la  lógica‐
causal  de  los  acontecimientos  para  que  la  imagen  definiera  su  propio  territorio. 
Consideraban  que  la  intención  de  liberarse  de  los  presupuestos  narrativos  supondría  para  el 
espectador la posibilidad de armar su propio sentido, ajeno al que el filme pudiera tener en sí 

 
      

mismo.  El  espectador,  entonces,  tomaría  parte  activa  en  la  construcción  del  proceso 
comunicativo del pensamiento.  

Para  otros  creadores  la  preocupación  que  los  movía  era  poder  desarrollar  un  cine  en 
el  que  la  forma  tuviera  vida  autónoma.  Para  alcanzarlo,  variaron  los  contornos,  los  perfiles  y 
las líneas,  de tal  manera  que  la  percepción también se  independizó  hasta  hacerse consciente 
de  su  propia  actividad  subjetiva.  Otro  grupo  tomó  como  eje  central  las  posibilidades  que  les 
daba la cámara; para éstos, la cámara estaba en todas partes al servicio de la construcción de 
la imagen‐movimiento.  

Así  siendo,  como  dijimos  anteriormente  estamos  iniciando  un  viaje  que  tendrá 
diversas  paradas,  tantas  como  movimientos  surgen  dentro  del  llamado  cine  vanguardista, 
cada  cual  con  sus  características específicas,  buscando  ciertos objetivos y utilizando para  ello 
las herramientas del cine unidas en su mayoría a conocimientos previos de otras artes.  

Pues bien, iniciemos.  

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5 Vanguardias del Cine 

 
      

2
 

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Cine  abstracto,  cine  absoluto  y  cine  puro:  Se  refiere  a  los  filmes  que 
se  comunican  solo  a  través  de  la  expresión  visual,  mediante  el  empleo  de 
líneas,  patrones,  formas y  construcciones  geométricas no  representacionales,  movidas  por el intento 
de producir en el espectador un impacto más sicológico que consciente. El término de filme absoluto 
fue  aplicado  por  primera  vez  a  los  cortometrajes  abstractos  de  Viking  Eggeling:  Symphonie 
Diagonale, 1924) y Hans Richter: Rhythmus ‐ 1921, pintores y animadores alemanes que comenzaron 
a  filmar  líneas  y  figuras  geométricas  a  principios  de  los  años  veinte.  A  partir  de  este  momento  se 
confunden  las  denominaciones  de  cine  abstracto  y  cine  absoluto,  pues  ambas  se  lían  cuando 
denominan a filmes que escamoteaban el valor de representación de la imagen y se relacionaban con 
la plástica abstracta, en contraste con la anterior figuración.  
Los filmes  verdaderamente abstractos por  lo  regular  no  se  refieren  a ninguna  realidad  concreta, 
aunque puedan emplear objetos y acciones reales. El cine abstracto se ha relacionado estrechamente 
con  ciertas  modalidades  de  la  animación,  quizás  porque  el  trazo  y  las  manchas  que  conforman  todo 
dibujo  animado  están  relacionados  con  la  intención  primigenia  de  toda  abstracción.  En  los  años 
ochenta y noventa, los realizadores interesados en el cine abstracto se han volcado a las experiencias 
en  el  video  arte,  a  la  animación  experimental  y  a  la  creación  de  imágenes  en  computadora.  El  cine 
abstracto  continúa  en  su  intento  de  descolocar  tanto  las  sensaciones  tradicionales  que  provoca  una 
película como el proceso habitual de comprensión de las mismas.  
En los links tenemos un ejemplo de 1947, una obra del autor de Ballet mecánico, otro clásico de 
este  estilo,  y  un  trabajo  de  video  creación  presentada  en  el  Festival  de  Cine  Abstracto  De  Roma: 
Abstracta2007.  Si  bien  este  último 
Links:
trabajo difiere de las características 
que  mencionamos  ya  que  utiliza  š Victor Eggeling Simphonie diagonale
fotografías  de  personas,  hoy  día  se  http://www.youtube.com/watch?v=PxqqPiVDOQ4&feature=player_embedded
š Oskar Fischinger, Circles, 1933
considera  este  tipo  de  trabajos  http://www.youtube.com/watch?v=RrZxw1Jb9vA&feature=player_embedded
dentro  del  concepto  de  cine  š Fernand Leger. "The Girl With A Pre-Fabricated Heart" La 6 Vanguardias del Cine 
abstracto,  así  como  muchas  película ganó el de “Mejor contribución al Progreso Cinematográfico”
del Festival de Venecia de 1947 
animaciones por computadora etc.    http://www.youtube.com/watch?v=bMKiF2eb8ks
  š "Mentiras piadosas"
http://www.youtube.com/watch?v=vB_xwsPH64A
š "Pollock" animaciones
http://www.youtube.com/watch?v=uG2tV-X5NiQ&playnext=1&list=PLE06805C1B1729F75

 
      

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Surrealismo  y  dadaísmo:  El  surrealismo  violenta  la  narrativa  tradicional  y 
la  lógica  perceptual,  para  encontrar  una  lógica  otra,  fluida  y  onírica  que  le 
pertenece por completo. 

Lo más vivo del cine vanguardista de los años veinte nació del movimiento surrealista que prendió 
Europa  tras  el  célebre  manifiesto  de  André  Breton  (1924).  Parido  de  las  entrañas  del  dadaísmo,  el 
movimiento Surrealista arremetió con violencia contra los convencionales cánones establecidos, para 
retornar  a  la  pureza  del  “automatismo  psíquico”  y  a  las  motivaciones  irracionales  del  subconsciente. 
La  “escritura  automática”,  desconectada  de  las  riendas  de  la  voluntad,  será  el  método  expresivo 
predilecto,  que  realizarán  su  revolución  estética  a  través  de  los  senderos  del  humor,  el  horror,  la 
paradoja, el erotismo, el sueño y la locura.  

No es raro que la fiebre surrealista contagiase al cine, pues, como ha explicado Buñuel (uno de 
los  máximos  exponentes  de  las  Vanguardias),  es  “el  mecanismo  que  mejor  imita  el 
funcionamiento  de  la  mente  en  estado  de  sueño”.  Y  es  que  el  sueño  es,  no  hay  que  olvidarlo,  la 
forma más pura de automatismo psíquico. Pero este automatismo irreflexivo de los surrealistas es 
lo  que  menos  se  parece  a  la  laboriosa  y  prolongada  elaboración  de  una  películas:  será  ésta, 
precisamente, la mayor paradoja del cine surrealista. 

Germaine  Dulac,  escritora  y  militante  feminista,  fue  la  encargada  de  inaugurar  el  capítulo  del 
surrealismo  cinematográfico  con  La  concha  y  el  clérigo  (1927).  Acorde  con  la  tradición  de 
escándalo  de  toda  obra  surrealista  que  se  aprecie,  este  film  armó  lo  suyo,  y  mayúsculo,  al  ser 
presentada en el célebre Studio des Ursulines.  

En  su  autobiografía  Mi  último  suspiro,  Luis  Buñuel  describe  al  surrealismo  como  una  moral 
agresiva,  basada  en  el  rechazo  completo  a  todos  los  valores  existentes,  en  la  exaltación  del  humor 
negro  y del  insulto. Buñuel trabajo  con  Salvador  Dalí  en uno de las  más representativas    películas  del 
cine surrealista: Un perro andaluz.   
7 Vanguardias del Cine 
El  mismo  Dalí  dice  que  el  objetivo  era  romper  con  la  ansiedad  mental  del  espectador  y  revelar  la 
principal  convicción  surrealista:  la  extraordinaria  importancia  del  deseo.  La  película  nació  a  partir  de 
don sueños, uno de Buñuel y el otro de Dalí, los unieron y en poco menos de una semana escribieron 
el  guión.  Siguiendo  unos  postulados  tan  simples  como  difíciles  de  realizar,  abrieron  de  par  en  par  las 
puertas de lo irracional. En principio, solo admitían las imágenes que les impresionaban, sin averiguar 
él porque de cada impresión. Buñuel y Dalí seguían, la escritura automática.  

 
      

Un perro andaluz se inicia con el sueño antes citado de Buñuel: un ojo humano es seccionado por 
una  navaja  mientras  las  nubes  ocultan  parcialmente  la  luna.  Esta  imagen  en  realidad  funciona  como 
una metáfora: es un aviso al espectador, se le está indicando que a partir de aquí su mirada, su forma 
de ver y entender el cine, va a cambiar, o, mejor dicho, va a tener que cambiar.  

Esta  película,  excesiva  y  violenta,  que  mezcla  el  sueño  y  la  vida,  la  realidad  y  el  deseo,  haciendo 
gala de un humor cruel que pone al descubierto las represiones y el puritanismo de la moral católica, 
esta película que utiliza  la  agresión  como elemento estructural  y  de  ruptura,  fue  calificada  por  André 
Breton  (el  teórico  más  importante  del  movimiento  Surrealista)  como  un  juego  “bello  y  poético  de  lo 
que no es, en el fondo, más que una desesperada llamada a la muerte”. 

Me  parece  que  este  análisis  de  la  obra  Perro  andaluz  resume  bastante  bien  las  características  de 
este  movimiento  de  vanguardia.  Otra  Película  muy  representativa  es  El  ángel  exterminador,  de 
Buñuel,  1962.  A  lo  largo  del  relato,  el  director  se  permite  verdaderos  golpes  de  efecto  surrealista, 
cuajado  de  humor  y  desenfado.  El  núcleo  temático  de  El  Ángel  exterminador  responde  a  una  de  las 
principales  constantes  de  este  director:  uno  o  varios  personajes  que  no  pueden  hacer  todo  aquello 
que desean, la confrontación entre la realidad y el propio deseo.  

En  la  actualidad  siguen  observándose  algunas  de  éstas  tendencias  surrealistas,  aunque  fue 
difícil    encontrar  buenos  ejemplos.  En  los  links  una  película  del  año  1979:  Bolívar,  sinfonía 
tropikal  de  Diego  Rísquez,  Director  Venezolano.  Por  otra  parte  está  también  "Destino";  es  un 
corto  animado,  estrenado  en  2003  por  Walt  Disney  Pictures.  Su  producción  comenzó 
originalmente en 1945, 58 años antes de su lanzamiento. El proyecto era una colaboración entre 
el  animador  americano  Walt  Disney  y  el  pintor  español  Salvador  Dalí,  e  incluye  música 
compuesta  por  el  autor 
Links: mexicano  Armando 
Domínguez. 
š El Perro Andaluz. - Buñuel y Dali
http://www.youtube.com/watch?v=F6h51JpvcWQ&feature=fvst
š La concha y el clérigo. – Germaine Dulac       8 Vanguardias del Cine 
 http://www.youtube.com/watch?v=w0tknpfywKg
š Resumen de Cine Surrealista por Barbara Valentini.  
http://www.youtube.com/watch?v=kSlkSVZqpv8&feature=related
š Destino, de Disney y Dalí.
http://www.youtube.com/watch?v=QsxPh7sCrgY&feature=related

 
      

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Proveniente  de  antecedentes  pictóricos  es  la  vertiente  mejor 
comprometida  en  el  siglo  XX  con  la  actualización  del  imaginario  gótico  de 
la  cultura  humana.  Temáticamente,  está  anclado  en  los  grandes  temas  románticos,  así  que  su 
fuerza  renovadora  provenía  de  elementos  como  el  planteamiento  de  escenografías  alucinantes, 
geométricas  y  conscientemente  pictóricas,  las  actuaciones  exageradas  o  automáticas  y  el  culto  a  la 
iluminación cenital, a las sombras y tinieblas, a los violentos contraluces, a las angulaciones debidas 
a la total libertad de cámara. 

En  el  verdadero  expresionismo  hay  un  énfasis  simbólico  y  casi  abstracto  en  los  ambientes,  un 
origen marcadamente teatral, literario y plástico, y además la constante remisión a lo sobrenatural, 
misterioso, onírico, sombrío y angustioso, pues el cine expresionista busca revelar los interiores del 
ser  humano,  expresar  la  deformidad  de  los  sentimientos,  del  gesto,  de  las  figuras,  de  las  luces  y  de 
los  espacios.  Se  busca  la  intensidad  a  través  de  la  deformación  que  proveen  el  claroscuro  y  la 
geometría,  para  así  mostrar  las  fugas  del  inconsciente.  El  expresionismo  ha  sido  de  seguro  la 
tendencia  originariamente  vanguardista  cuyos  hallazgos  y  estilos  han  sido  saqueados  con  mayor 
asiduidad por el cine industrial.  

Como ejemplo más representativo tenemos “El gabinete del Doctor Caligari” de Robert Wiene, 
1919. El largometraje que narra los crímenes cometidos a través de un médium (Césare) controlado 
durante  los  trances  por  un  criminal  (Caligari).  La  primera  idea  de  los  guionistas  fue  realizar  una 
metáfora  de  la  situación  política  alemana,  de  tal 
forma  que  Cesare  representaba  al  pueblo  y  Links:
Caligari  al  gobierno  responsable  y  manipulador. 
Pero  la  inclusión  de  un  prólogo  y  un  epílogo  š El gabinete del Dr. Caligari
http://www.youtube.com/watch?v=xrg73BUxJLI&feature=related
convirtieron  la  cinta  en  sólo  la  pesadilla  de  un  š Nosferatu-1922 (Primera adaptación de
loco,  que  convierte  a  los  compañeros  del  Drácula, versión libre) 9 Vanguardias del Cine 
http://www.youtube.com/watch?v=rcyzubFvBsA&feature=related
manicomio  en  protagonistas  de  un  sueño 
š Metropolis de Fritz Lang (hay muchos
retorcido  y  al  director  del  sanatorio  en  un  fragmentos, esta es una secuencia de ellos)
criminal.  De  esta  forma  la  iluminación  http://www.youtube.com/watch?v=5PAdQ5anhZE
claroscurista  (a  veces  incluso  fingida  a  través  de 
pintura)  y  las  angulaciones  tienen  un  sentido 
lógico  como  visión  de  un    transtornado.  Los  decorados  y  los  puntos  de  vista  son  uno  de  los  puntos 
más  destacados  de  esta  película,  incluso  la  interpretación  de  los  actores  se  adapta  a  ellos  y  resulta 
desgarrada,  antinatural,  con  movimientos  siempre  subordinados  al  decorado. 

 
      

 
 
 
  
Según algunos textos que fueron consultados en la web para esta investigación, ciertos críticos 
  opinan que es una película con demasiados elementos primitivos, empezando por esa 
subordinación al decorado. Pero ello es consecuencia precisamente consecuencia 
del compromiso de este cine con la pintura expresionista alemana y su intento de cambiar la 
forma de entender el arte y sacudir las conciencias. 
Aquí van otros ejemplos del cine que mencionamos: 
™ Der Golem de Paul Wegener y Henrik Galeen ‐ 1920 
™ De la mañana a la medianoche de Karl Heinz Martin. ‐ 1920 
™ La escalera de servicio de Leopold Jessner y Paul Leni ‐1921  
™ La muerte cansada Friz Lang ‐ 1921 
™ Rieles de Lupu Pick‐ 1921 

Y  si  vamos  a  la  actualidad  tengo  el  gusto  de  hablar  de  uno  de  mis  directores  favoritos,  no 
porque últimamente haya tenido mucho auge con su obras en 3D, sino porque su estética y su 
manera de contar siempre me han llamado la atención: Tim Burton. 
Según  los  estudios  de    la  Lic.  Paloma  Espinós  del  Centro  de  Estudios  Ciudad  de  la  Luz  de 
 S
Alicante,  España;  el  cine  de  Burton  posee  claramente  unas  bases  expresionistas  con  un  toque 
gótico.  Sin  duda  el  director  estadounidense  ha  sabido  trasladar  hábilmente  y  con  éxito  a 
nuestros  tiempos  la  estética  expresionista  de  principios  de  siglo.  Ya  en  sus  primeros 
cortometrajes  se  pueden  observar  claras  similitudes  con  el  movimiento  cinematográfico 
expresionista.  Los  temas,  el  tratamiento  de  los  escenarios,  la  estética,  los  personajes,  todo 
hace  una  clara  referencia  a  este  estilo.  Los  principales  temas  que  Burton  aborda  en  sus  obras 
son  la  figura  del  hombre  contra  el  mundo  (Ed  Wood,  Edward  Scissorhands),  los  mundos 
fantásticos  (Nighmare  Before  Christmas),  las  dobles  personalidades  (Batman),  las  diferentes 
realidades  y  la  imaginación  (Big  Fish,  Charlie  y  la  Fábrica  de  Chocolate),  el  lado  oscuro  o  la 
lucha entre el bien y el mal (Sweeney Todd) y la muerte (Beetlejuice, Corpse Bride).      Estas 
temáticas  recuerdan  bastante  a  las  presentes  en  los  ejemplos  vistos:  Nosferatu,  El  Gabinete 
del Dr. Caligari o Metropolis, por citar los mas conocidos. 
En  definitiva,  pese  a  que  las  temáticas  sean  diferentes  entre  sí,  tienen  un  denominador  10 Vanguardias del Cine 
común  y  este  es  el  escapar  del  mundo  real  y  crear  nuevos  mundos  mediante  personajes 
originales,  extraños  y  complejos  que  deben  luchar  contra  la  norma,  como  querían  hacer  los 
cineastas  expresionistas,  ya  que  en  la  época  en  la  que  surgió  este  movimiento  la  sociedad 
estaba  con  una  sensación  de  incertidumbre  y  miedo  que  los  cineastas  quisieron  representar 
mediante temas fantásticos pero a la vez oscuros e inquietantes.  

  A  continuación  una  comparación  de  imágenes  de  la  Lic.  Espinós,  que  me  pareció 
interesante compartir, como siempre manifiesta el Lic. Marino: con una mirada crítica. 

 
  
 
 

 
 

   
 
 

11 Vanguardias del Cine 
 
 
 
 

12 Vanguardias del Cine 
      

 
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VâtÜàt ctÜtwtM V|Çx extÄ|áàt fÉä|°à|vÉ

Este  es  el  único  caso  de  una  cinematografía  estatal,  institucionalizada, 
casi por completo volcada a la experimentación y la vanguardia.  

Con  la  revolución  soviética  y  Lenin,  la  cinematografía  se  convierte  en  un  arma  poderosa  de 
instrucción,  un  medio  eficaz  de  propaganda  y  difusión  de  ideologías.  Lenin  nacionalizó  las 
productoras,  de  esta  manera,  lo  que  se  pretendía  era  mover  a  las  masas  a  través  del  cine, 
creándose  el  agit‐prop  (agitación  y  propaganda).  Desde  1917  hasta  los  primeros  años  veinte  se 
registró  particular  congruencia  entre  el  arte  de  vanguardia  y  la  ideología  radical  del  estado,  en  la 
fusión de forma y contenido, ambos dirigidos a la negación del individualismo, el sentimentalismo y 
la estética de las clases dominantes, es decir, el realismo convencional.  

La productora Sovkino, financia las obras de algunos autores: Lev Kuleshov, S. M. Eisenstein, D. 
Vertov,  V.I.  Pudovkin.  Todos  ellos  tienen  una  concepción  cinematográfica  sorprendente.  Ven  la 
potencia  que  tiene  el  cine  tanto  como  medio  de  trasmisión  ideológica  como  medio  artístico.  La 
contradicción  será  que  estos  autores  son  formalistas:  para  ellos  no  va  a  ser  tan  importante  el 
contenido,  sino  que  lo  relevante  será  el  montaje.  Se  basan  en  la  construcción  y  la  forma  y  no  en  la 
realidad. 

Kuleshov  es  el  padre  del  montaje  soviético.  En  1917‐1918,  fue  el  primero  que  estableció 
teórica  y  también  prácticamente  lo  que  llamamos  montaje  cinematográfico.  Para  el  cine  soviético 
va  a ser  más  importante el  montaje  que  la propia  escena  grabada.  El  cine soviético  va  a  abogar  por 
el  cine  de  ficción  y,  además,  tiene  bastante  de  documental.  Kuleshov  va  a  impulsar  a  todos  estos 
directores. Remontaba películas, ya que no existía película virgen. 

Experimentos de montaje de Kuleshov: 

™ Efecto  Kuleshov.  El  primer  plano  de  un  actor  puede  cambiar  de  sentido  según  los 
planos que se yuxtaponen. 
13 Vanguardias del Cine 
™ Geografía  recreada.  Se  trata  de  montar  una  escena  cogiendo  diferentes  motivos  sin 
relación y, a través del montaje, conseguir una escena narrativa coherente. 

Pudovkin  concibe  el  montaje  como  si  se  tratara  de  un  collage,  como  una  construcción.  Tuvo 
una  pequeña  formación como  psicólogo.  En su primera  película  intentó manipular  los  sentimientos 
del  espectador  a  través  del  montaje.  El  montaje  es  el  que  nos  dice  cómo  ha  de  ir  la  historia. 
Pudovkin  tiende  hacia  un  cine  narrativo,  que  contara  historias.  Es  un  defensor  del  guión  de  hierro, 
que  es  el  guión  donde  está  todo  perfectamente  preestablecido,  todas  las  partes  del  rodaje  y  del 
montaje, antes de empezar a rodar. 

 
     

A  Eisenstein  le  interesa  el conflicto entre  planos,  el  choque.  No  le interesa  la  coherencia 
narrativa sino el montaje de atracciones. Eisenstein insistió en que el cine podía manipular el 
tiempo  y  el  espacio  para  crear  nuevos  significados,  sobre  todo  si  las  imágenes  no  estaban 
simplemente  vinculadas  sino  yuxtapuestas  con  un  sentido  intelectual.  Su  primera  película: 
Huelga,  1924  posee  la  angulación  expresionista  de  la  cámara  y  metáforas  visuales  al  estilo 
surrealista,  además  del  montaje  de  tomas  en  conflicto  que  servían  cual  palabras  y  frases  con 
el  máximo  poder  de  persuasión.  Otra  manera  de  denominar  su  método  de  trabajo  es 
montaje dialéctico. Le gustaba crear absolutos impactos.  

Todos  los  autores  van  a  utilizar  los  actores  como  héroes:  un  personaje  representa  un 
modelo  social,  un  estereotipo  o  un  valor  personificado.  Pudovkin  utiliza  personajes 
psicológicos  individuales.  Eisenstein  emplea  personajes  masificados.  Los  personajes  son  la 
representación  de  un  todo.  Dejamos  algunos  ejemplos  de  las  obras  de  estos  autores  en  los 
links que ofrecemos.  

Volcándonos  como  lo  venimos  haciendo  en  cada  parada,  a  un  tiempo  más  actual,  para 
hablar  de  “realismo”  elegí  poner  como  ejemplo  lo  ocurrido  en  el  cine  latinoamericano,  que 
de  alguna  manera  optó  por  dejar  de  lado  la  escuela  de  Hollywood  con  la  producción  de 
películas comerciales y decidió mostrar al mundo sus verdades, virtudes y miserias.  

Los  dos  casos  más  marcados  han  sido,  Argentina  y  Brasil,  lugares  donde  los  filmes 
realistas  comenzaron  a  rodarse  en  cantidad  en  los  90.  Glauber  Rocha,  fundador  del  Cinema 
Novo  en Brasil  afirmaba que el problema  de  América latina  era  que el  hambre del  ciudadano 
no era solamente un síntoma alarmante de la pobreza social, sino la ausencia de su sociedad. 
Rocha  se  basaba  en  que  la  violencia  es  un  comportamiento  normal  de  alguien  que  tiene 
hambre,  y  ambas  características  las  comparten  los  personajes  de  las  principales  películas  de 
la época. 

“Pizza,  birra,  faso”  de  Adrián  Caetano  y  Bruno  Stagnaro,  fue  uno  de  los  primeros  filmes 
en  tocar  el  tema  de  la  marginalidad  desde  el  lenguaje,  la  imagen  oscura,  y  el  haber  sido 
filmada  con  cámara  en  mano,  lo  que  la  hacía  todavía  más  real.  Esta  película,  al  igual  que 
“Fuga  de  Cerebros”  de  Fernando  Musa,  y  “El  Bonaerense”  de  Pablo  Trapero,  tomaron  las 
características  del  neorrealismo  en  sus  realizaciones  y  14 Vanguardias del Cine 
así surgió el Nuevo Cine Argentino.  Links:

En  Brasil  “Estación  Central”  de  Walter  Salles,  presenta  š La Huelga

un  enigma  de  búsqueda  de  identidad.  Una  identidad  http://www.youtube.com/watch?v=wmFio7uCNHg

marginal  que  ha  sido  creada  a  partir  del  olvido,  la  š Efecto Kulechov
http://www.youtube.com/watch?v=4gLBXikghE0&feature=
discriminación  y  la  violencia  propias  del  desamparo. 
š El fin de San Petersburgo- Pudovkin.
Todos  estos  elementos  también  están  presentes  en  http://www.youtube.com/watch?v=w0EniXox42E
“Ciudad  de  Dios”  de  Fernando  Meirelles,  “Amarelo  š El Cine Verdad de Vertov- Kino Pravda.1925
Manga”  de  Claudio  Assis  y  “Carandirú”  de  Héctor  http://www.youtube.com/watch?v=J0SJyLX9MgQ

Babenco.  Estos  films  forman  parte  del  movimiento  š El Bonaerense

http://www.youtube.com/watch?v=mRahXtK4JvQ
denominado  “Cinema  da  retomada”,  surgido  en  esta 
época.

 
      

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dâ|Çàt ctÜtwtM V|Çx \ÅÑÜxá|ÉÇ|áàt YÜtÇv°á

La  denominación  provenía  de  los  pintores  franceses  del  siglo  XIX  y 
designa un tipo de cine que quiso trascender la tradición realista al modo en 
que era entendida en las primeras décadas del cine, para evocar  en el espectador las impresiones 
subjetivas del realizador. Los principales exponentes del movimiento evitaban la narración lineal y 
realista,  eludían  la  preocupación  por  el  tema  y  hasta  lo  representativo  de  la  imagen,  mientras 
buscaban emancipar al cine de la novela, el teatro y el referente fotográfico.  
Abel  Gance  buscaba  la  “música  de  la  luz”  en  filmes  ultrasubjetivos:  La  rueda  o  Napoleón; 
Marcel  L´Herbier  concebía  ensayos  sicológicos  muy  apoyados  en  efectos  visuales;  todos  en 
general  exploraban  la  visualidad  del  cine  mediante  las  variaciones  de  foco,  el  montaje  y  las 
perspectivas  inesperadas,  para  así  evidenciar  que  entendían  el  nuevo  arte  como  una  forma 
peculiar de extender lo sicológico y lo imaginario.  

Mientras  que  en  el  expresionismo  se  va  de  dentro  hacia  fuera,  en  el  impresionismo  el 
individuo contempla la naturaleza y la interpreta. 

Algunos  autores  destacados  son:  Louis  Delluc,  Jean  Epstein,  Abel  Gance,  Marcel  L'Herbier, 
Germaine  Dulac,  a  quien  ya  vimos  cuando  hablamos  de  Surrealismo.  Fue  una  de  las  primeras 
directoras  de  cine  reconocidas.  Realiza  películas  en  los  variados  tipos  de  vanguardias.  Escoge 
piezas  musicales  y  las  traslada  a  imágenes.  También  hace  películas  de  ficción  y  experimenta  con 
formas abstractas en movimiento. Es una gran teórica. 

Lo principal que introducen los cineastas impresionistas es el montaje rítmico. Éste se basaba 
en  adaptar  las  imágenes  a  un  ritmo,  a  una  banda  sonora.  No  se  debe  confundir  esto  con  añadir 
después la banda sonora a una película. 

Los  rasgos  comunes  del  impresionismo  francés  son  difíciles  de  definir,  ya  que  hay  influencias 
de otros países, pero los concretamos en lo siguiente: 
15 Vanguardias del Cine 
• Fotogenia. Es ese halo de poesía que adquieren las cosas al ser filmadas. 

• Se empieza a utilizar el concepto de autor. 

  Los impresionistas se centran en el encuadre cinematográfico como una composición 
plástica.  Ya  se  empiezan  a  componer  los  objetos  que  no  están  centrados,  pudiendo  aparecer 
cortados. Componen cada  fotograma  como  si  se  tratara de  una  imagen fija.  Van a  utilizar  muchos 
artificios  ópticos  como  la  cámara  lenta,  el  efecto  flou,  desenfoques,...  También  van  a  realizar 
perversiones  del  encuadre,  cachés  circulares,  elípticos  (máscara),  montaje  acelerado,...  Con  las 
deformaciones ópticas van a trasmitir el estado subjetivo de los personajes.  

 
     

A  partir  de  imágenes  fotográficas  van  a  crear  imágenes  abstractas,  deformándolas 

con  montajes  acelerado  u  otros  sistemas.  Utilizan  el  montaje  alternado,  el  paralelo  y, 
además, el flashback. Las historias dejan de ser lineales 

. 

 
Links:
  š Yo Acusso – Abel Gance 1938
http://www.youtube.com/watch?v=wPr-TwPh9sk
 
š El Dorado (restaurada) - Marcel L'Herbier
http://www.youtube.com/watch?v=OsxQYnWhN3s
š La Tempestad (restaurada) – Jean Epstein
http://www.youtube.com/watch?v=WooTeg2fMX8
š Trabajo con escenas de obras de diversos
  autores del impresionismo francés.
http://www.youtube.com/watch?v=erzVHaNez7s

16 Vanguardias del Cine 

 
     

Conclusión
Más allá de los movimientos que analizamos existen otros muchos que se
introducen dentro de la categoría de Vanguardias, en una fusión con algunos de los ya
vistos o independientemente en épocas más recientes incluso.Por citar rápidamente
algunos:

™ Futurismo: decía que el cine debía asumir la evolución de la pintura, apartarse de la

realidad, del registro fotográfico de lo solemne o lo gracioso. Debe ser anti-gracioso,
deforme, sintético y dinámico.” El principal hallazgo del futurismo fue la
descomposición temporal y espacial, asumida mucho más tarde por las subsiguientes
vanguardias e incluso por el cine industrial. 

™ Independientes y underground: exponen temas controversiales y de índole social y

moral, muy a menudo como desafío al consenso moral vigente y a la censura a
enfoques laterales que de ella se deriva. Desde los años 50 se presenta la opción de
los llamados underground films, realizados con una mínima parte de lo que sería un
presupuesto medio en Hollywood y sin propósitos comerciales.  

™ Minimalismo: Tendencia vanguardista que designa la orientación hacia el uso de la

menor cantidad posible de elementos en la representación, tanto en lo concerniente a
la puesta en escena como a las ideas y los sentidos implicados. Los filmes
minimalistas apenas presentan acción o carecen por completo de ella; en ocasiones ni
siquiera presentan intérpretes o personajes. 

™ Dadaismo: pretendía elevar el escándalo a la categoría de forma artística. Promovía la

espontaneidad, la provocación, el encuentro de todas las contradicciones. Estaba
contra las convenciones burguesas, contra la institución del arte tradicional. El arte ya
no debería ser una institución, sino un acto creador libre, caótico, fugaz y subversivo. 

En resumen, cada grupo siguió sus propios instintos, guiado por el caudal de
experiencias, técnicas pictóricas o simplemente de la burda imaginación,
contrarrestando lo tradicional del momento y como decimos vulgarmente: nadando
contra la corriente.

Independientemente del gusto o atracción que se pueda sentir por cada estilo, lo
que personalmente me parece importante es que cada corriente ha sabido descubrir
maneras diferentes de expresar y contar. Aquí aparecieron diferentes técnicas, modos
de uso de la cámara, enfoques, etc. que sin duda son de suma utilidad a la hora de
buscar lo que se supone que debemos encontrar en la vida profesional, 17 Vanguardias del Cine 
independientemente de que rubro elijamos como propio: la identidad.

Ellos supieron encontrar su sello, su marca. Espero poder encontrar el mío.

Fin del recorrido, gracias por acompañarnos en este viaje, no olvide sus
pertenencias y gracias por elegirnos.

 
     

Bibliografía 

š www.Youtube.com
š www.vanguardiacine.com
š Wikipedia, enciclopedia libre.
š http://www.revista.cinedocumental.com.ar/2/resena_01.html 
š http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque1/index.html 
š www.cinecult.es 
š www.cinecrit.biz
š www.cineblog.blogia.com
š www.cinematismo.com
š http://cinecam.wordpress.com/historia-del-cine/las-primeras-vanguardias
š http://bilportosepolto.blogspot.com/2008/11/el-impresionismo-francs.html
š www.biografiasyvidas.com
š http://cinesentido.blogspot.com/2008/06/las-primeras-vanguardias.html
š www.cinissimo.com
š www.loscineastas.com
š www.monografias.com
š Otros. 18 Vanguardias del Cine