PÉDAGO PROF VIP : DEVIN TOWNSEND / ET AUSSI TOM ABRIGAN –

SATURAX – SEB GARSIA – SWAN VAUDE – FABRICE DUTOUR –

YVAN GUILLEVIC – YOANN KEMPST PRÉSENTE BORG ERECTUS
XTREME

GIVE AWAY

91 GAGNEZ
TROIS PÉDALES
VAL MARTINS
MATOS
13 PAGES
INTERVIEW DE TEST
DEVIN TOWNSEND VINTAGE MANIAC
LA GIBSON
L’étoile bipolaire EDS-1275 1960
ET AUSSI DE STEVE HOWE (YES)
CHILDREN OF BODOM REPORTAGE
GARY CLARK JR.
DEREK TRUCKS
LOÏC LE PAPE
COMME SI VOUS Y ÉTIEZ !
YAROL
SONIC FACTORY
LE SYSTÈME
WET/DRY/WET

SON HOMMAGE AU BLUES

TECHNIQUE/COACHING
MARS/AVRIL 2019 - 6,30€ BEL.: 6,50€

M 01434 - 91 - F: 6,30 E - RD
21 CONSEILS ET 10 PLANS
3’:HIKLOD=YU[XU^:?a@a@j@l@k"; HYPER EFFICACES POUR DEVENIR UNE BRUTE !!! AVEC RICHARD DAUDÉ
 SOMMAIRE

N°91
MARS/AVRIL 2019
Le site : www.guitarextrememag.com
La page Facebook : www.facebook.com/guitarextrememag
E-mail : redaction@guitarextrememag.com

News …………………………………………………………………………………………………… 4
Faits divers …………………………………………………………………………………………… 8

XTREME RENDEZ-VOUS
Yngwie Malmsteen – Rolex Blues ………………………………………………………… 12
Alexi Laiho (Children of Bodom) – Northern Star …………………………………… 20
Derek Trucks (Tedeschi Trucks Band) – Sign «O» the Times ……………………… 24
Gary Clark Jr. – Soul Boy From Texas ……………………………………………………… 30
Devin Townsend – Résonance empathique …………………………………………… 36
RUBRIQUES
Lutherie Xtreme DIY - Episode 2 – le refrettage ……………………………………… 28
ET POUR ÊTRE SÛR DE TROUVER VOTRE MAGAZINE PRÉFÉRÉ DANS
LE KIOSQUE LE PLUS PRÈS DE CHEZ VOUS : www.trouverlapresse.com
Track By Track – Yarol par Yarol …………………………………………………………… 32
Guitare Thérapie – L’optimisation du legato ………………………………………… 42
Sonic Factory – le Wet/Dry/Wet ……………………………………………………………… 44
GUITARE BUSINESS – Loïc Le Pape …………………………………………………………… 46
Vintage Maniac – La Gibson EDS-1275 de Steve Howe (Yes) …………………… 48

Édito
Records – La sélection de la rédac ………………………………………………………… 96
Anciens numéros ………………………………………………………………………………… 18
Abonnements ……………………………………………………………………………………… 35
Dans l’histoire encore toute balbutiante de la guitare électrique, deux tendances
ont commencé à se distinguer dès la fin des années 1960. D’un côté, nous
REPORTAGE
trouvons les puristes du rock à tendance minimaliste, vous savez, ceux qui
s’autoproclament souvent détenteurs du bon goût. L’arbre généalogique de NAMM 2019 …………………………………………………………………………………………… 52
cette famille remonte aux fondations du blues rural, et ses ramifications les plus
hautes ont vu bourgeonner le punk, l’indie rock ou encore la Britpop. Une certaine GIVE AWAY
idée de la musique qui voudrait que de jeunes gens bien habillés se cantonnent Gagnez 3 pédales boutique Val Martins (Honky Tonk, Tekila et Hell’s Bells) 10
à servir la sacro-sainte chanson en jouant peu de notes, si possible en affichant
une certaine désinvolture. Why not ? De l’autre, il y a les excessifs, les virtuoses
PARTITIONS
purs et durs qui vivent leur passion de façon explosive, donnant parfois dans
l’extravagance absolue et la débauche de pyrotechnie. Cette seconde catégorie Devin Townsend – (metal prog) – L’accordage CGCGCE
a largement émergé après la révolution du British blues et Jimi Hendrix, et a Yoann Kempst (electro metal) – « Armanoïde » de Borg Erectus
poursuivi sa mutation avec Ritchie Blackmore, première incarnation du guitar Fabrice Dutour (blues rock) – Le mode Dorien au pays des Allman
hero tendance néo-classique, et bien sûr avec Van Halen, et les bredouillements Robin « Saturax » Angelini (rock instru) - Le Floyd Rose et l’expressivité
du shred. Yngwie Malmsteen a poussé sur cette branche maudite que beaucoup
Sébastien Garsia (fusion/prog) – Substitutions diatoniques et pentas
de rock critics auraient aimé scier. Dans son monde rococo, les murs de Marshall
s’érigent comme des murailles de château fort, les Statocaster se changent soit Swan Vaude – (fusion) – Phrasé et modulations
en épée soit en Stradivarius de l’apocalypse, les Ferrari en montures chevalines Yvan Guillevic (pop/gospel) – Le solo de « Better Days »
et les montres Rolex en apparats de roi. Rien ne semble pouvoir ébranler les Tom Abrigan & the Shrunken Heads (rock fusion) – Le solo de « Kid Stuff »
certitudes du great master, qui malgré toute l’ampleur de sa kitchitude reste
le maître du baroque’n’roll et un guitariste touché par la grâce divine. Alors,
DOSSIER
enfilez vos futals en cuir moulants et vos chemises à jabot, creusez vos joues,
TECHNIQUE/COACHING
lancez votre jambe en l’air lors d’une furieuse descente de manche et accueillez
comme il se doit Blue Lightning, la nouvelle offrande du maestro enfantée sous 21 conseils et 10 plans hyper efficaces pour devenir une BRUTE !!! ……… 90
le signe de la blue note. Ah oui! Après cette infusion suédoise, écoutez aussi les
Smiths et les Strokes Le répertoire de notre instrument est riche et vaste, alors MATOS
profitons-en ! La Rédac’ Ace Amplification Colt – Western à l’anglaise ………………………………………… 66
Gamechanger Audio Plasma Pedal – Enfin ! ………………………………………… 68
Guitare Xtreme se réserve le droit de refuser toutes les publicités sans avoir à s’en justifier. La rédaction Springer Guitars Firehawk - #10yearschallenge …………………………………… 70
n’est pas responsable des dessins publiés, photographies ou textes, qui engagent la responsabilité de leurs Maybach Teleman T61 Red Rooster Gloss Aged – Fière comme un coq …… 72
auteurs. Les documents ne sont pas rendus et leur envoi implique l’accord de leurs auteurs pour la
libre publication. Les indications de prix et de marques, et les adresses qui figurent dans ce numéro sont Anasounds Element – La reverb bondissante ………………………………………… 74
données à titre d’information sans aucun but publicitaire. Tous droits de reproductions réservés pour tous
pays. Directeur de la Publication : Dominique Suisse - Directeur de la Photo, de la Publicité et du Marketing:
AMI Effects Umami - Elue à l’umamimité ! …………………………………………… 75
Alain Versini- Directeur Artistique : Christophe Tessier - Rédacteur en chef : Ludovic Egraz - Chef du Matériel: Val Martins Hell’s Bells, Honky Tonk et Tekila -
Judge Fredd - Transcription musicale : Thomas Hammje & Ludovic Egraz - Ont collaboré à ce numéro : Ludovic
Egraz, Sébastien Benoits, Pascal Julien, Xavier Ottavioli, Judge Fredd, Régis Savigny, Didier Saint-Grawal, De la couleur pour le pedalboard …………………………………………………………… 76
Paco Fernandes - Couverture : Austin Hargrave - Internes : 12 : Austin Hargrave, 36 : Nidhal Marzouk / DR, ROGER DAGUET Skully - Xplorer Files ……………………………………………………… 78
32 : Frank Loriou / JB Mondino, 24 : Stuart Levine / Shervin Lainez, 90 : Laurie Monk, 30 : DR, 42 : Xavier
Mallamaci, 44 : Michel Lefebvre, 46 : Matt Ninat, 20 : DR, 52 : Lars Mullen, 70 : Achim Eichstaedt - Autres
photos : Christophe Tessier, Alain Versini et Droits Réservés – Guitare Xtreme est un bimestriel (6 numéros/
an), édité par B.G.O, 15 rue de l’Église, 75015 Paris – SARL au capital de 60.000 € - RCS PARIS : 483761631 -
© Mars / Avril– N°91 – Commission paritaire : 0419K85207. Imprimerie Mordacq / Aire-sur-la-Lys –
Distribution : Presstalis. Dépôt légal à parution.

A03
FLASH INFOS

BASHUNG
CHANTEUR IMMORTEL
GREEN DAY
Cela fait déjà 10 ans que le ténébreux crooner Alain Bashung a quitté le
monde des vivants, laissant un vide béant dans le cœur de ses fans, et
plus largement de tous les amateurs de rock et de chanson française. Pour

VEND SON MATOS SUR REVERB

marque le coup dignement, Universal nous sert une intégrale somptueuse
sous la forme d’un livre d’art intitulée Alain Bashung, Immortel, l’intégrale
1977-2018. Les quatorze albums sont présentés par ordre chronologique, La marketplace Reverb.com est devenue l’endroit privilégié des musiciens célèbres pour vendre le matériel
de Roman Photo jusqu’à En amont. L’objet apporte également son lot de accumulé au fil des années et dont ils ne se servent plus. Cette fois, ce sont les boys de Green Day qui lancent
surprises avec de nombreux bonus (versions alternatives, démos, duos, une opération avec le site numéro un de l’instrument d’occasion. Les fans du groupe désireux d’acquérir une ou
reprises, enregistrements d’archive) ce qui représente 24 CD et la bagatelle plusieurs pièces collector pourront par exemple mettre la main sur l’acoustique que Billie Joe Armstrong a jouée
de 308 chansons. Visuellement parlant, l’auditeur pourra parcourir les 48 sur « F.O.D », ainsi que les enceintes utilisées durant les tournées Dookie et Insomniac. En tout, une centaine
pages d’un livre richement documenté et illustré de photos rares et inédites. de pièces emblématiques seront mises en vente à partir du 7 février (guitares, basses, amplis, kits de batterie
Une bonne occasion d’apprécier le travail des nombreux guitaristes qui ont incendiés sur scène par Tré Cool). Cette vente coïncide pile-poil avec le 25e anniversaire de la sortie de Dookie.
émaillé sa carrière et qu’il choisissait avec grand soin, d’Olivier Guindon
à Sonny Landreth en passant par Blixa Bargeld, Link Wray, Marc Ribot,
Adrian Utley, Édith Fambuena et Yan Péchin (ceux que le sujet intéresse
pourront se replonger dans le numéro 32 de Guitare Xtreme Magazine).

PAUL REED SMITH

FAIT SON TOUR DE GAULE
Avis à la population guitaristique : Paul Reed Smith, le créateur et le PDG de PRS Guitars, sera en
tournée européenne début mars, et bien sûr, il va passer par la France. Il sera le 4 mars à Paris
(La Boule Noire) et le 5 mars à Lyon (Le Ninkasi).
Outre les concerts que donnera « l’homme qui se cache derrière l’une des meilleures marques de
guitare du monde » accompagné d’un backing band français composé de Swaeli MBappe, Tiss
Rodriguez, Nicholas Vella, vous pourrez assister à l’une de ses légendaires conférences, lors de
laquelle il parlera de son métier et de son parcours, mais aussi des nouveautés 2019, et notamment
les modèles Paul’s Guitar Signature SE et Santana Singlecut SE. Paul reviendra également sur la
genèse de la Silver Sky de John Mayer et de la gamme acoustique SE.
En outre, de somptueux modèles Wood Library et Private Stock seront exposés à ces occasions
pour la plus grande joie du public. Un give away sera organisé sur place, et en fin de la soirée,
une guitare PRS sera remise personnellement par Paul au grand gagnant.
La bonne nouvelle, c’est que ces deux soirées sont gratuites et ouvertes à tous, à condition de
s’inscrire au préalable sur le site de l’importateur PRS Adagio Musique : www.adagiofrance.fr
BLUES
e
AUTOUR DU ZINC
La 24 édition du festival Blues autour du zinc de Beauvais se tiendra du
15 au 23 mars 2019. À l’affiche : Yarol, Gaëlle Buswel, Minuit, Kimberose, le
Laura Cox Band, Kenny Neal, Michelle David, Deva Mahal et bien d’autres,
sans oublier les nombreux artistes qui se produiront dans les bars de la ville
et les « secret gigs ». Du fun, des pintes et de la blue note en perspective !
www.zincblues.com
PAUL GILBERT
REVIENT EN FRANCE
Le prof numéro un des guitaristes amateurs d’extra bends, de vibrés
désinvoltes et de pentatoniques over speedées s’arrêtera le 6 avril pour
une master class exceptionnelle au Forum de Vauréal (Val d’Oise). Le
guitariste de Racer X et Mr Big distillera au public ses « terror death licks »
accompagné d’une section rythmique renommée. Une bonne façon de
patienter en attendant la livraison de Behold Electric Guitar, son nouvel
album initialement réalisé en financement participatif via la plateforme
PledgeMusic, mais qui sortira bientôt chez Mascot Records. Be there !
www.leforum-vaureal.fr
CHRIS IMPELLITTERI À L’OPÉRA
Le légendaire shreddeur Chris Impellitteri, concurrent direct de
Michael Angelo Batio, rend un hommage kitchouille mais quand
même bien poilant au film muet Phantom Of The Opera datant
de 1925 avec la vidéo d’un arrangement réalisé sur mesure par
ses soins du thème principal. À l’écran, les images originales se
mélanges à des séquences filmées du guitariste en train de jouer
avec ses musiciens, armé de sa Charvel custom shop. Comme
à son habitude, Impellitteri n’a pas lésiné sur le tricotage et
les descentes de manche périlleuses, mais après tout, comme
il s’agit de son trademark et de ce qu’il sait faire de mieux,
on ne va pas lui en vouloir. Cette reprise de « Phantom Of The
Opera » figure sur The Nature of the Beast, le tout nouvel album
de Impellitteri (Frontiers Music).
IK MULTIMEDIA
CASSE LA BARAQUE AVEC LE AXE I/O
Lors du NAMM d’Anaheim, IK Multimedia a dévoilé ses nouveautés à venir pour l’année 2019, dont une interface
audio USB plutôt haut de gamme et spécialement optimisée pour les guitaristes. Le AXE I/O (c’est son nom) offre
un enregistrement en 24 bits/192 kHz, deux entrées XLR/jack avec alimentation fantôme (embarquant chacune
un préampli accessible via la façade en jack 6,35mm), quatre sorties et une prise casque. Le AXE I/O est également
pourvu d’une sortie Amp Out afin de travailler en reamping en envoyant le signal vers un ampli et d’une fonction
Z-Tone qui permet de faire varier l’impédance et de s’adapter aux micros de votre guitare. Le AXE I/O intègre
également un accordeur et est munie d’un sélecteur permettant d’accéder directement à vos presets Amplitube
(la version 4 du soft est d’ailleurs offerte ainsi que Ableton Live Lite et dix processeurs de la série T-Racks).
UN ESCAPE GAME
DÉDIÉ AU ROCK
L’Escape Game « Les Francs Limiers » est un nouvel
espace de jeux basé en Lorraine, à 15 minutes
de Metz à Fèves dans la zone commerciale
Semécourt. Entièrement conçu et décoré par
des passionnés de jeux, « Les Francs Limiers »
ouvrira ses portes le week-end du 23/24 février
2019. Cet espace inclut deux jeux d’escape game,
dont le Rockstar Tour, le tout premier Escape
Game de France à aborder la thématique rock ! Le scénario ? Vous vous apprêtez à reprendre le flambeau des plus
grandes stars du rock avec votre groupe et vous avez une heure dans les loges pour vous préparer au concert de
votre vie. Les décors sont soignés et on y retrouve tout l’univers des stars de rock ou presque : les groupies, les
fringues, des bouteilles d’alcool vides, du maquillage et bien sûr du bon son en arrière-plan pendant l’heure
de jeu. Les Francs Limiers mettent à disposition de quoi se looker et à la fin, chaque joueur repart avec une photo
immortalisant son statut de vraie rockstar. Toutes les infos sont ici : www.lesfrancslimiers.com
A05
FLASH INFOS
MARK MORTON UN AGNEAU EN SOLO
Le guitariste du groupe américain Lamb of God se lance dans un nouveau projet en solo. Il vient tout juste de
sortir un album intitulé Anesthetic via WPP Records et Spinefarm Records. L’objet a été produit par Josh Wilbur
(Lamb Of God, Gojira, Trivium). De nombreux chanteurs invités sont venus l’épauler : Randy Blythe (Lamb of
God), Jacoby Shaddix (Papa Roach), Myles Kennedy (Alter Bridge), Alissa White-Gluz (Arch Enemy), Chuck Billy
(Testament), Jake Oni (Oni), Mark Morales (Sons of Texas), Naeemah Z. Maddox et le regretté chanteur de Linkin
Park Chester Bennington. Mark a enregistré toutes les guitares avec divers musiciens pour assurer les rythmiques :
les batteurs Roy Mayorga, Jean-Paul Gaster, Steve Gorman, Ray Luzier et Alex Bent et les bassistes Mike Inez,
Dave Ellefson et Paulo Gregoletto. De news très vite !
DAVID GILMOUR
VEND PLUS DE 120 GUITARES AUX ENCHÈRES
Afin de financer des associations caritatives venant en aide aux migrants et aux sans-abri, l’ex-guitariste de
Pink Floyd David Gilmour a pris la décision de se séparer de plus de 120 guitares, certaines ayant joué un rôle
historique dans la carrière de Pink Floyd et plus largement dans l’histoire du rock. Ces pièces de collection seront
vendues aux enchères à New York chez Christie’s le 20 juin prochain. Parmi ces merveilles, il y a la légendaire
Black Strat (un rêve pour tous les collectionneurs, puisque cette guitare a joué un rôle déterminant durant les
enregistrements de Wish You Were Here, Animals et The Wall), la Les Paul Goldtop de 1955 avec laquelle il a
enregistré le solo de «Another Brick in the Wall Part 2» ainsi que la Stratocaster Olympic White de 1954 numérotée
#0001. Le guitariste de 72 ans a déclaré : « Ces guitares m’ont tant donné. Il est temps de passer à autre chose.
Elles apporteront sûrement beaucoup de joie à d’autres personnes qui créeront, peut-être, de nouvelles choses ».
www.christies.com
A06 www.guitarextrememag.com
IN VOLT AU NEW MORNING
In Volt jouera au New Morning le 17 avril pour présenter au public parisien
son nouvel et troisième album Free, enregistré au Maarwegstudio2 de
Cologne sous la direction de John Caffery (Joy Division, Die Toten Hausen).
UNE NOUVELLE GIBSON
POUR JOE PERRY
Cela fait trois ans que le guitariste d’Aerosmith et des Hollywood Vampires
travaille avec les luthiers du Custom Shop Gibson à la réalisation d’un
nouveau modèle signature. Il avait même utilisé un proto de cette guitare
sur scène avec Aerosmith en finition noire et équipée d’un vibrato (voir
photo ci-dessus). La version définitive a été récemment dévoilée par le
guitariste sur son compte Twitter. Il s’agit d’une Les Paul Gold reliquée et
équipée d’un seul micro humbucker et d’un vibrato flottant Wilkinson.
Pour Perry, ce troisième modèle signature incarne un vieux fantasme :
retrouver sur une Les Paul les sensations du vibrato d’une Stratocaster. Il
a déclaré : « J’ai passé plusieurs décennies à jouer sur plein de différents
instruments et les gars de Gibson ont réussi le pari impossible de réunir
dans une seule et même guitare le meilleur de chacune d’entre elles ».
On a hâte de pose nos mains dessus, pas vous ?
www.gibson.com
MÉDIATORS VIDAL
PASSEZ À LA VITESSE SUPÉRIEURE !
Nous découvrons tous les jours des artisans français extraordinaires, et parmi eux, il y a Dominique Vidal, coutelier de
profession qui s’est lancé dans la production de médiators haut de gamme. Très ergonomiques et dotés d’angles d’attaque
parfaitement profilés et polis, les médiators de Dominique combleront tous les guitaristes à la recherche d’un confort supérieur.
Côté matière, le maître travaille le bois de cerf, l’ivoire végétal, l’ivoire minéral (ces trois matériaux étant particulièrement
adaptés au jeu en son saturé), l’os et surtout l’écaille de tortue, Graal absolu des guitaristes de blues et de jazz manouche,
puristes du son (étant faite de kératine pure, l’écaille produit une attaque identique à celle de l’ongle). Bien sûr, Dominique

WEBER RED ALERT

utilise l’écaille en respectant les conventions et lois en vigueur, et son stock limité provient uniquement d’objets anciens qu’il
recycle (éventails, coffrets à bijoux). Chez Guitare Xtreme Magazine, nous avons testé à peu près tous les modèles, et une
chose est certaine : après avoir goûté du Vidal, votre main droite aura beaucoup de mal à revenir au médiator conventionnel.
http://bois-de-cerf-ecaille.wixsite.com TOUT NEOGEO DANS
UNE BOÎTE !
Le guitariste YouTubeur fan du hard rock 80’s NeoGeofanatic a

10 :15 GUITARS LANCE UNE GAMME ÉCONOMIQUE

développé une pédale de distorsion hyper intrigante avec les
Belges de Weber Effects : la Red Alert. Côté son, cette pédale
Vous voulez vous offrir une vraie guitare de Stéphane Garrigue (10 :15 Guitars) mais vous n’avez pas les fonds ? Bonne nouvelle : évoque un Marshall JCM800 sous stéroïdes avec un circuit
le luthier parisien ultra talentueux vient de développer une gamme « low cost » en rognant un brin sur les détails classieux, d’overdrive indépendant et un noise gate intégré, que l’on
mais sûrement pas sur la qualité de fabrication et encore moins sur le son. Exit les tables rapportées et les bois joliment figurés, peut utiliser en « post » ou en « pre ». Weber propose une
donc, mais les bonnes essences restent de mise, tout comme les micros signés SP Custom et les options sur mesures (choix série limitée de 20 exemplaires. La pédale, magnifique, est
des bois, des frettes, du diapason, des références de micros). De même, le client pourra bénéficier d’un manche façonné à conditionnée dans un boîtier en bois luxueux contenant
sa main. Avec cette gamme baptisée Accuracy, nous conservons donc l’ergonomie, la jouabilité, le caractère et la précision en sus un album Welcome To Neocity dédicacé. Une série
des guitares 10 :15 classiques, mais à plus petit prix. Sur la photo, vous pouvez admirer la toute première Accuracy en finition standard de la Red Alert sera également commercialisée.
noir mat, qui est équipée d’un chevalet fixe San Lorenzo, de deux SP Custom Trinity et Lil Crusher et de mécaniques Schaller www.weber-effects.be
M6 Locking. Pour 1500 euros, il n’y a vraiment pas à hésiter.
www.tenfifteen.fr

A07
FAITS DIVERS
EN BOUCLE
CITATIONS
« Pas besoin d’être diplômé en

À LA RÉDAC’
sciences politiques à l’université

LTES
de Harvard pour reconnaître le

CU manque d’éthique et d’humanité

« Je me vois comme une étoile
filante. Tout le monde s’arrête,
pointe du doigt : ‘Oh regardez ça
!’ Et, whoosh, je suis parti… et ils ne
verront jamais rien de semblable, et
ne pourront jamais m’oublier... »
« Un bon ami est quelqu’un qui
vous cacherait si vous étiez en
fuite après un meurtre. Combien
en connaissez-vous ? »
de cette administration (Trump)…
Bon, il se trouve que j’ai obtenu
une licence en sciences politiques
CE MOIS-CI :
à l’université de Harvard, donc je
peux vous le confirmer. »
Tom Morello (en réponse à un internaute
qui lui reprochait de se prendre pour
un expert en politique)
« Je suis persuadé que le rock and
roll est là pour un bout de temps. Ou
bien il faudra trouver quelque chose Devin Townsend
de très fort pour le remplacer… » Empath

VICTOR LAFUENTE
Jim Morrison Lemmy Kilmister Elvis Presley InsideOut Music

QUI ?
J’ai commencé la guitare vers l’âge de 11 ans. Mon père, lui-même guitariste,
m’a montré les rudiments, puis j’ai intégré une classe de guitare classique Rival Sons
avant de me lancer quatre ans plus tard dans une formation professionnelle
à l’I.M.F.P (école de jazz à Salon de Provence).
Après ça, je suis entré au C.M.C.N, devenu le M.A.I. de Nancy, où j’ai
WHO ARE YOU ? Feral Roots
Atlantic Records

obtenu mon diplôme avec une mention spéciale et les félicitations du

jury présidé entre autres par Hans Kullock, Jean Bisello, Laurent Brondel OÙ ?
et Pascal Mulot dont la rencontre fut déterminante. Web : lafuente.fr
YouTube : youtube.com/vlf0
QUOI ? Facebook : facebook.com/victor.lafuente.35
Dans la foulée, j’ai rejoint le groupe Animal aux côtés de Pascal Mulot
(Patrick Rondat, Satan Jokers) Lol Nico (Royal Bubble Orchestra, Temple QUEL MATOS ?
of Silence) et Doudou Weiss (Johnny Hallyday) avec lesquels on a écumé J’ai le privilège d’être endorsé par des marques d’exception. Je joue sur The Pineapple Thief
les scènes à la fin des 90’s (le Zenith de Paris avec The Who, l’Elysée les guitares Vigier série Excalibur dont je ne peux pas me passer depuis Dissolution
Montmartre en tête d’affiche, le Zenith de Pau en première partie de 1997. Pour les amplis, je collabore avec Laney depuis 2015. J’ai choisi le Kscope
Scorpions…) Parallèlement à ça, j’ai enregistré une vidéo pédagogique aux modèle tout lampe Ironheart (IRT 60W) branché sur un 2x12. J’adore la
éditions Connection, et j’intervenais dans différentes écoles de musique chaleur et le mordant de cette bestiole ! Pour les cordes, j’utilise des Elixir
tout en me consacrant à ma seconde passion, la composition. J’ai sorti un Nanoweb et pour les effets, j’opte pour Keyztone et plus particulièrement
premier album en 2007, Six Strings For One Heart, dans un registre fusion la pédale EXchanger : une petite révolution niveau split de micro sans
et instrumental, puis un second en 2012, Inside, plus progressif. Ensuite, tout démonter.•
j’ai fait une incursion à la télévision sur Disney
Channel (la série musicale Camp Rock) et sur
Arte (L’Oeil et la main).
Kadinja
QUAND ? Super 90’
Actuellement, je suis ATEA (Assistant territorial Arising Empire
d’enseignement artistique) dans deux écoles
de musique se partageant plus de 1100 élèves
dans le Gard. J’y enseigne les musiques actuelles
et la guitare. Je fais toujours des démos pour
mes endorsements. Je joue dans Fuzzy Motion,
un sextet de jazz, Radiolive, un duo guitare
chant jazzy/lounge. En parallèle, je travaille
sur un projet de power trio instrumental qui
sera certainement lié à mon troisième album Yngwie Malmsteen
prévu pour 2020. Blue Lightning
Mascot Records

A08 www.guitarextrememag.com
 YNGWIE MALMSTEEN
“Blue Lightning ”
LE GUITARISTE DE LÉGENDE
EST ENFIN DE RETOUR !

Notre homme nous démontre une fois de plus son

incroyable dextérité et sa grande diversité de jeu
mais rend surtout un hommage brillant au monde
du blues qui a nourri sa fibre artistique depuis si
longtemps.
C’est avec maestria, qu’il a littéralement transformé
des classiques comme “Smoke On The Water” ou
“Purple Haze” dans son style. Il a aussi écrit quatre
nouveaux titres pour ce magnifique album !

DISPONIBLE LE 29 MARS. EN BOX CD ÉDITION LIMITÉE

(AVEC 2 TITRES BONUS, 2 SOUS-BOCKS, 4 MÉDIATORS, UNE CARTE POSTALE, UN STICKER),
EN CD, EN 2LP VINYLE BLEU

GARY HOEY
“Neon Highway Blues ”
LE NOUVEAU DISQUE DU GUITARISTE VIRTUOSE !
Avec sa six cordes, Gary Hoey est capable de jouer à merveille
tous les styles et plus particulièrement le blues !
Il a enregistré et produit lui-même l’album et fait appel à quelques amis
comme Eric Gales, Lance Lopez, Josh Smith
mais également à son fils Ian, agé de 17 ans.
DISPONIBLE LE 15 MARS EN CD DIGIPAK, LP VINYLE ET DIGITAL

ROBIN TROWER
“Coming closer to the day”
LE NOUVEL ALBUM
DU GUITARISTE ORIGINEL DE PROCOL HARUM

Son écriture et ses talents de musicien restent intacts

et semblent plus vivants que jamais !

DISPONIBLE LE 29 MARS EN CD, LP VINYLE ET DIGITAL

REESE WYNANS
“Reese Wynans and Friends
Sweet Release”
LA PREMIÈRE PRODUCTION DE JOE BONAMASSA !

Reese Wynans était clavier du fameux Allman Brothers Band,

a ensuite été l’un des piliers du groupe Double Trouble de Stevie
Ray Vaughan, pour aujourd’hui continuer à porter la bonne
parole du blues aux côtés de Joe Bonamassa.
Avec Keb’ Mo’, Kenny Wayne Shepherd, Warren Haynes et Joe
Bonamassa en guest !

DISPONIBLE LE 1ER MARS EN CD, 2LP VINYLE ET EN DIGITAL

 Jouez avec Guitare Xtreme Magazine et
Val Martins pour tenter de gagner l’une de ces
3 pédales boutique 100% made in France

TEKILA HELL’S BELLS HONKY TONK

Une fuzz hyper texturée dont le grain n’est
pas sans rappeler un vieux combo Supro
au bord de l’implosion et qui séduira à coup
sûr les fans des vieux albums de ZZ Top.
Les sons de Malcolm et Angus
Young encapsulés dans une petite
boîte infernale ? C’est possible, et Val
Martins l’a fait. Le Saint-Graal pour tous
les amateurs de hard rock !
Un overdrive chaud et coloré
tirant vers la fuzz qui évoque
le grain des vieux Magnatone
et Silvetone. Miam !

Pour participer, rendez-vous sur la page Facebook de

Guitare Xtreme Magazine (@guitarextrememag)

199€
val-martins-amps.com
@valmartinsamp
 NOUVEL ALBUM – SORTIE LE 22/02

D R E A M T H E AT E R R E T O U R N E
A SES R ACINES!
E D I T I O N C O L L E C T O R N U M É R O T É E C O N T E N A N T L E 2 C D + B L U - R AY+ D V D ,
L E 2 L P ( C O U L E U R B L A N C H E ), 1 P O S T E R (6 0 X6 0 C M ), 10 C A R T E S P O S TA L E S ,
1 D I S Q U E E N F E U T R E P O U R V I N Y L , 1 PATC H , 1 P I N ’ S

E G A L E M E N T D I S P O N I B L E E N V E R S I O N 2 C D + B L U - R AY+ D V D ·
D I G I PA K · C D · 2L P+ C D · T É L É C H A RG E M E N T

W W W. I N S I D E O U T M U S I C .C O M · W W W . I N S I D E O U T S H O P. D E
RENDEZ-VOUS

Yngwie
Malmsteen
Rolex Blues
 Le maître de la Stratocaster et des murs de Marshall poussés jusqu’à 11 revient déchaîner les Enfers avec,
sous son coude, un album rendant hommage à sa passion pour le blues. L’objet, dont le nom de code
est Blue Lightning, sera révélé au monde le 29 mars prochain. En attendant, Guitare Xtreme a tenu tête à
l’animal pour tout savoir concernant cette nouvelle oeuvre.

Par Ludovic Egraz

Photos : © Austin Hargrave

L
es fans hardcore du roi de Suède Yngwie Malmsteen
(prononcez « Yngvai » au risque de vous faire écarteler)
le savent bien : sa marotte, son violon d’Ingres, c’est
le blues, et dans le fond, toute la musique qu’il aime,
elle vient de là, comme disait l’autre. En concert, le
Viking, jamais avare en avalanches de blue notes, aime se
fendre d’un « Red House » ébouriffé, pour le plus grand plaisir
de ses aficionados. Le phrasé du blues, ce grand bonhomme
l’a définitivement sous les doigts, et même lorsqu’il joue
son heavy néo-baroque, on peut ressentir dans ses bends
et son vibrato des inflexions toutes claptoniennes. Il y a
un an, nous apprenions que le Suédois, à la croisée des
chemins, venait de sceller un deal non pas avec le diable,
mais avec le label Mascot, noble maison batave qui abrite
de nombreux bons guitaristes de blues actuels, de Joe
Bonamassa à Walter Trout, en passant par Warren Haynes
ou encore Robin Trower. L’idée était évidemment de lui
commander un album entièrement « bleu », mais réalisé
à sa façon. Ainsi, peu après les fêtes de Noël, Blue Lightning
est finalement arrivé à la rédaction de Guitare Xtreme. Plus
que de blues, il est ici question de « heavy blues », avec une “ Ce sont vraiment les chansons que j’adorais
quand j’étais gamin, celles que j’entendais
forte concentration de cover musclées, de Deep Purple à Jimi
Hendrix en passant par ZZ Top ou les Rolling Stones. Guitare
Xtreme est parti à la rencontre du maestro à Londres, où il
avait concentré sa promo européenne durant trois journées
bien remplies. Comme à son habitude, Yngwie nous a reçus
avec beaucoup de gentillesse, mais aussi avec toute cette
à la radio. ”
exubérance qui le caractérise, et qui fait de lui un personnage
bien à part dans l’univers de la guitare. Rencontre avec un
gentilhomme de la Renaissance né à la mauvaise époque,
un barde électrique sous adrénaline narguant les Enfers au étaient alignées, et c’était le bon moment. et surtout dans la musique baroque : Antonio Vivaldi,
volant de ses Ferrari. This is blues power ! Niccolo Paganini, et puis bien sûr chez les romantiques
ON S’ATTENDAIT VRAIMENT À DU « BLUES ». NE S’AGIT- comme Tchaïkovski ou Chopin. Tout ça, c’est une partie
D’OÙ EST VENUE L’IDÉE DE BLUE LIGHTNING ? IL PAS PLUTÔT DE BLUES ROCK VOIRE DE HARD ROCK ? très importante de mes influences, mais il y a aussi
L’idée de sortir un album de blues d’Yngwie Malmsteen Je comprends, mais pour moi, le rock’n’roll, quelle le rock’n’roll, et pour moi dans cette musique, c’est
n’est pas vraiment nouvelle et traîne dans les tuyaux que soit sa forme prend ses racines dans le blues. le vocabulaire du blues qui s’applique, la gamme
depuis une vingtaine d’années. Mes fans me le Dans mon monde à moi, Led Zeppelin et Deep Purple pentatonique, la gamme de blues, et c’est également un
réclament depuis longtemps, et de nombreux labels jouent du blues, pareil pour Aerosmith, AC/DC et Van registre que je connais très bien.
m’avaient déjà fait des propositions. Les gars de Mascot Halen. Toute ma vie, j’ai usé et abusé de la gamme
Records m’ont approché au bon moment. J’étais dans mineure harmonique, du mode phrygien, du mode ON S’ATTENDAIT À UN ROBERT JOHNSON, UN OTIS RUSH
une vibe blues, et j’avais très envie d’enregistrer ces phrygien dominant et des arpèges diminués, outils OU UN B.B. KING…
chansons que j’adore viscéralement. Les planètes que j’ai empruntés chez les compositeurs classiques, Hum… Je ne me suis jamais vraiment plongé dans le

A13
blues classique ou le blues pionnier d’avant-guerre.
Ce n’est pas que je n’aime pas, mais je ne connais pas
suffisamment pour en parler de façon pertinente. Ma
propre culture du blues commence avec des gens comme
B.B. King ou Buddy Guy. J’ai toujours adoré leurs albums.
ALORS JUSTEMENT, PAR QUEL ALBUM TON HISTOIRE AVEC
LE BLUES A-T-ELLE COMMENCÉ ?
L’étincelle de départ, ça a été le Beano, l’album de
John Mayall & the Bluesbreakers avec Eric Clapton. Je ne
l’écoute pas souvent, mais à chaque fois, il me touche au
cœur. J’avais cinq ans la première fois que je l’ai entendu.
Je possédais déjà une guitare, même si je n’en jouais pas
encore à proprement parler. Disons que ça a commencé à
me donner des idées (sourire).
QUELLE SERAIT TA PROPRE DÉFINITION DU BLUES ?
Je ne sais pas, c’est un feeling… Pour moi, il y a les
blues typiques en douze mesures avec les sempiternels
changements d’accords sur le IV et le V et le turnaround,
mais je me réfère souvent davantage à des musiciens. Il y
a le blues « à la Hendrix », comme sur « Red House », le
blues façon Texas comme « La Grange » de ZZ Top, ou bien
le blues comme le joue AC/DC sur « The Jack ». « Since
I’ve Been Loving You » de Led Zeppelin n’est pas un blues
A14
typique dans sa structure, mais c’est la même chose, le
même langage. Il y a le phrasé pentatonique, les blue
notes et aussi des tournures très caractéristiques qu’il faut
avoir sous les doigts.
J’IMAGINE QUE TU N’AS PAS CHERCHÉ MIDI À QUATORZE
HEURES POUR ÉTABLIR LE TRACKLISTING…
Non, effectivement (rires) ! Ce sont vraiment les
chansons que j’adorais quand j’étais gamin, celles que
j’entendais à la radio. Il y en a certaines que j’ai déjà
jouées en concert. Évidemment, il y a des tonnes de
chansons de Jimi ou de Deep Purple que j’aurais pu
choisir d’enregistrer, mais celles-ci représentent vraiment
l’essence de ce que j’ai écouté.
IL Y A QUAND MÊME QUELQUES CHOIX ASSEZ ÉTONNANTS
VENANT DE TA PART…
La chanson des Beatles ?
ET ENCORE PLUS « PAINT IT BLACK »…
C’est marrant ! Les gens me disent : « C’est tellement
étrange de t’entendre jouer Paint It Black ». Bien
sûr que ce n’est pas le style de musique que je joue
habituellement, mais j’ai toujours adoré les Stones,
leur musique, leur attitude, ce qu’ils représentent dans
l’histoire de la musique populaire. Je suis un virtuose de
la guitare, mais la plupart du temps, quand j’écoute de
la musique, je ne prête pas spécialement attention à ce
que jouent les guitaristes, et du moment qu’ils sont bons
dans leur style, alors c’est ok pour moi. Le plus important,
c’est que les chansons soient bonnes. Lorsque j’ai débuté
la guitare sérieusement, à l’âge de sept ans, j’écoutais
attentivement les guitaristes. Je l’ai fait jusqu’à douze ans
et puis j’ai arrêté au profit d’une écoute plus globale. Je
m’intéresse à la composition, la production… Question
vocabulaire, je me suis rapidement intéressé à d’autres
instrumentistes tels que les violonistes ou les flûtistes
baroques. C’est en grande partie ce qui m’a permis de
forger mon style à la guitare.
PEUT-ON DIRE QUE LES GROUPES DE LA BRITISH INVASION
ONT EU UNE TOUTE PETITE INFLUENCE SUR TA MUSIQUE ?
Hum… non, je ne dirais pas cela. Ils m’ont davantage
inspiré à un niveau spirituel que musical. J’adore les
Beatles, les Stones ou Zeppelin, ce sont de superbes
artistes, mais ils m’ont surtout impacté au niveau de leur
attitude, de leur démesure, de ce qu’ils incarnaient.
TU AVAIS DÉJÀ ENREGISTRÉ UNE PREMIÈRE VERSION DE
« DEMON’S EYE » SUR INSPIRATION IL Y A 19 ANS.
POURQUOI LE REFAIRE ?
La première raison, c’est que Fireball est mon album
favori de Purple, probablement parce qu’il s’agit du tout
premier disque que j’ai entendu et possédé. J’ai eu le
« choc Blackmore » avec ce disque, et « Demon’s Eye »
est une chanson que j’ai viscéralement dans la peau.
Pour la version qui figure sur Inspiration, nous avions
dû changer la tonalité afin que Joe Lynn Turner puisse
la chanter. Donc, je voulais enregistrer MA version, avec
moi au chant, et dans la vraie tonalité. Elle est vraiment
supérieure à la première, alors ça valait le coup, non ?
BIEN SÛR ! FIREBALL… UN ALBUM QUI A DONC COMPTÉ
DANS LA VIE D’YNGWIE MALMSTEEN…
Ah oui, définitivement ! C’est en écoutant Fireball et aussi
Made in Japan que j’ai vraiment affiné mon oreille, en
apprenant chaque chanson et chaque solo au détail près.
Au bout d’un moment, je pouvais jouer ces albums par
cœur d’un bout à l’autre. Au début des 70’s en Suède, on
ne trouvait aucune documentation concernant la guitare,
alors il fallait s’accrocher et être capable de tout piger
rien qu’en écoutant. On n’avait même pas la télévision.
Même si nous ne manquions de rien, nous vivions plutôt
modestement. Quand j’ai reçu cet album en cadeau de la
part de ma sœur, alors ma vie a véritablement commencé
(rires). Avec la radio, je devais écouter et essayer de tout
mémoriser à la volée. C’était un excellent exercice, mais
là, je pouvais écouter encore et encore. Une révolution !
Mon goût invétéré pour la double grosse caisse vient du
morceau titre « Fireball », et puis il y a de sacrés bons
moments de blues à la guitare comme « No, No, No » ou
« Strange Kind of Woman ».
DE TOUTE FAÇON, LE « STYLE MALMSTEEN », C’EST UN
PEU DU « POWER BLACKMORE » AVEC ENCORE PLUS
D’INFLUENCES CLASSIQUES, NON ?
Oui, on peut dire ça (rires)… Et avec une bonne dose de
Hendrix en sus. Tu sais, ce n’est pas non plus un hasard si
je joue avec des Strats et des stacks Marshall (rires). Mais
même si je n’y ai jamais réfléchi de manière consciente
à l’époque, c’est en essayant de rejouer à la guitare des
lignes de violon issues des œuvres de Bach, Vivaldi ou
Paganini que j’ai trouvé ma voie. Ma sœur ramenait aussi
des albums de rock progressif à la maison, et des groupes
comme Emerson, Lake and Palmer ou Genesis avaient
également des influences classiques. Je n’y étais pas
insensible non plus.
CE QUI EST COOL, C’EST QUE TU T’APPROPRIES VRAIMENT
CES TITRES TOUT EN RESPECTANT LEUR ESPRIT ORIGINEL…
C’était vraiment l’un des aspects prioritaires de ma
mission avec ce disque. Évidemment, je me devais
de rendre justice à ces chansons en conservant leur
substance, mais je veux dire… Cela aurait été contre-
productif pour moi et pour le public de jouer « Blue Jean
Blues » exactement comme le fait Billy Gibbons… Blue
Lightning est un album d’Yngwie Malmsteen. A part
quelques originaux, ce ne sont pas mes chansons, mais
qu’il s’agisse de ma façon de les jouer ou de les arranger,
j’ai tout fait à ma propre sauce.
“ Quand j’écoute de la musique, je ne prête
pas spécialement attention à ce que jouent
les guitaristes, et du moment qu’ils sont bons
dans leur style, alors c’est OK pour moi. ”
IL Y A DES GENS QUI VONT HURLER EN ENTENDANT LES
DESCENTES DE MANCHE QUE TU ENVOIES EN INTRO DE
« WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS »…
Ouais, peut-être… je n’en sais rien et pour être honnête,
je m’en balance pas mal (rires). Ils peuvent aussi écouter
autre chose.
AS-TU JOUÉ TOI-MÊME TOUS LES INSTRUMENTS ?
J’ai fait appel à un batteur de session pour quelques
chansons, mais pour tout le reste, j’ai joué à l’homme-
orchestre. C’est beaucoup de boulot, mais au final, j’aime
énormément bosser de cette façon. Je peux aller au
studio au moment où je le décide, sans avoir à me soucier
si untel ou untel sera disponible, et pour les voix, c’est la
même chose. C’est cool de ne pas avoir à dealer avec les
sautes d’humeur d’un chanteur, si tu vois ce que je veux
dire (rires).
TU AURAIS PU COMMENCER À CHANTER TOI-MÊME PLUS
TÔT SUR TES ALBUMS. MANQUAIS-TU DE CONFIANCE EN
TOI ?
Non, non, je n’ai jamais eu de problème de confiance en
moi, et d’ailleurs, je chantais déjà en lead en Suède dans
mon groupe Rising Force avant de déménager aux USA.
En arrivant à Los Angeles, je devais monter un power trio
avec Billy Sheehan et Leonard Haze, le batteur du groupe
Y&T, et dans lequel j’aurais été guitariste et chanteur.
À ce moment-là, ce n’était pas le bon format pour un
guitariste de mon profil, alors j’ai préféré abandonner
ce projet pour rejoindre Steeler et puis Alcatrazz avant de
commencer ma propre carrière solo. Par la suite, même
si j’ai travaillé avec des chanteurs, j’ai toujours chanté
les chœurs en concert, ainsi que certains morceaux en
lead. De toute façon, j’ai toujours écrit les mélodies et les
paroles de mes chansons, alors quoi de plus naturel que
de chanter moi-même ?
QUAND ON TE VOIT SUR SCÈNE, TU AS L’AIR
INÉBRANLABLE. QUEL EST LE SECRET DE TON IMMENSE
CONFIANCE EN TOI ? QU’EST-CE QUI SÉPARE YNGWIE
MALMSTEEN DU COMMUN DES MORTELS ?
(Rires)… La première chose pour être bien sur scène,
c’est de maîtriser son sujet, de dominer son instrument.
Ensuite, il faut apprendre à se placer dans un certain
état d’esprit. Dès mes débuts, j’ai abordé la scène avec
beaucoup de professionnalisme, en étant aussi critique
envers les autres qu’envers moi-même, mais pour que
cela fonctionne, il faut aussi savoir faire preuve de lâcher-
prise pour être à 100% dans la musique et assurer le show
avec un maximum d’énergie. Il y a toujours des choses
qui ne tournent pas rond pendant un concert, souvent à
cause de problèmes de son, mais on ne peut pas se laisser
affecter par tout ça. Le plus important, c’est la qualité et
l’intensité de la performance. Pour moi, il s’agit vraiment
de la clé d’un concert réussi, et même pour moi, même
après toutes ces années passées à jouer, c’est toujours un
challenge, et je ne prends jamais rien pour acquis.
RÉÉCOUTES-TU TES CONCERTS ?
Mes concerts sont toujours enregistrés, mais je ne les
réécoute pas souvent. En sortant de scène, je sais très bien
si le show a été bon ou non, et puis je suis un mec de
l’instant. Ce qui est fait est fait.
TRAVERSES-TU PARFOIS DES PÉRIODES DE LASSITUDE OU DE
MANQUE D’INSPIRATION ?
Bien sûr que ça m’arrive, je suis comme tout le monde.
Ma méthode, c’est de profiter au maximum des
moments d’inspiration pour enregistrer des maquettes
des chansons tant que la musique est fraîche. Si jamais
le doute s’installe, alors je préfère appeler des potes
et aller me faire un golf ou un tennis. En forçant les
choses, on finit toujours par faire de la merde. Si je ne
suis pas inspiré, ce n’est pas grave, on verra plus tard.
Beaucoup d’artistes sont flippés à l’idée de perdre leur
créativité à jamais, mais ça ne marche pas de cette façon.
L’inspiration finit toujours par revenir. Il faut quand
même aussi garder à l’esprit que les morceaux n’arrivent
pas par pure magie. Il faut aussi y mettre de l’huile de
coude, évidemment !
ON DIT QUE POUR ÊTRE UN BON JOUEUR DE BLUES IL FAUT
EN AVOIR BAVÉ. QU’EST-CE QUE TU EN PENSES ?
Il y a une quinzaine d’années, je t’aurais probablement
dit que c’est un ramassis de conneries, mais quand on
évolue en musique, on se rend compte que jouer ne se
limite pas juste à enchaîner des notes. La musique doit
résonner avec authenticité, et pour ça, il faut y mettre de
soi, il faut y mettre notre expérience de la vie. Je n’ai pas
vécu la galère à proprement parler, mais j’ai connu dans
ma vie des épisodes douloureux et sombres, de bonnes
tuiles me sont tombées dessus, et ça a forgé l’homme que
je suis aujourd’hui.
TU FAIS ALLUSION À TES DÉBOIRES AVEC L’ALCOOL ?
Ouais, entre autres… Je ne faisais rien de bon quand
j’étais au fond du trou, mais le fait d’en être sorti, et
d’avoir aujourd’hui une vie équilibrée, avec une petite
A15

femme merveilleuse, un garçon que j’aime plus que tout
au monde et une belle maison me permet d’avoir l’esprit
complètement tourné vers ma musique. Ma vie n’est pas
tous les jours parfaite, je suis comme tout le monde, il
m’arrive de me réveiller déprimé et d’avoir de mauvais
jours, mais globalement, j’ai une belle vie. Avant, je
souffrais de mes problèmes de drogue et d’alcool. Ces
merdes me bouffaient le corps et l’esprit et affectaient
négativement mon travail, surtout l’alcool qui est un
putain de fléau.
POURQUOI AS-TU PLONGÉ DANS LES PARADIS ARTIFICIELS ?
Au départ, ma relation avec les produits et l’alcool était
purement récréative. Mec, c’était les années 80, et dans
le milieu du rock’n’roll, tout le monde était high. C’était
comme une fête permanente. Cela devient un problème
quand tu es tellement dedans que tu ne peux plus
t’arrêter. Tout cela est loin derrière moi désormais. Je n’ai
pas touché une bouteille depuis quinze ans, et j’avoue
que cela ne me manque pas particulièrement. J’ai 55 ans,
je me sens alerte, je fais du sport et je joue mieux de la
guitare que jamais.
LA CONSTANTE DANS TA MUSIQUE, C’EST CE SON DE STRATO
INCROYABLE. TE SOUVIENS-TU COMMENT TU L’AS FORGÉ ?
Ouais, je me souviens avoir pas mal tergiversé à une
époque pour trouver la bonne combinaison et la bonne
A16
“ Je n’ai pas vécu la galère à proprement parler,
mais j’ai connu dans ma vie des épisodes
douloureux et sombres et cela a forgé l’homme
que je suis aujourd’hui. ”
dynamique, en essayant beaucoup de guitares et
d’amplis différents. Pareil pour les micros, les médiators
et les cordes. Ma façon d’attaquer les cordes avec la main
droite est vraiment particulière, et une fois que je suis
parvenu à déterminer ce qui me convenait le mieux, je
n’ai pour ainsi dire jamais changé. Ça fait quarante ans
que j’utilise peu ou prou le même matos.
LES CORDES 008, C’EST UN MAILLON ESSENTIEL DE TON
SON ?
Je ne suis pas sûr que cela affecte le son. J’ai découvert
il y a longtemps que pour ma façon de jouer, les cordes
fines étaient plus adaptées. Le 008 marche super bien,
et le 011 également pour la seconde corde, même quand
la guitare est accordée un demi-ton en dessous. Par
contre, ma corde grave a toujours été un .046. Les .038
et .040 manquent de tension. C’est un équilibre que j’ai
progressivement trouvé. C’est comme la touche scallopée.
Je cherchais à avoir une meilleure intonation, et un jour,
j’ai vu un luth du 17ème siècle que j’avais entrepris de
restaurer, et dont la touche était scallopée, les frettes
étant formées par les sommets des « C ». Il y a eu comme
un déclic dans ma tête.
ET TA TECHNIQUE, TU L’AS DÉVELOPPÉE DE FAÇON
CONSCIENTE ?
Disons que j’entendais les choses d’une certaine façon,
et que je recherchais une certaine fluidité, un détaché

très précis. Je voulais que toutes les notes de mes phrases
sonnent avec autant de clarté et de précision que
possible, à l’instar d’un bon violoniste. Ma main droite
s’est débrouillée naturellement pour trouver des solutions
afin que les notes frettées par les doigts de ma main
gauche sonnent aussi proprement que possible. Après,
je laisse les pédagogues se pencher sur tout ça. Moi, je
n’analyse rien du tout.
AVAIS-TU DES EXERCICES DE PRÉDILECTION POUR
AMÉLIORER TA TECHNIQUE ?
Non, que dalle ! Je me contentais d’improviser durant des
heures, et éventuellement, je laissais tourner une cassette
pour me réécouter ensuite, et repérer des passages qui
sonnaient bien. Le meilleur conseil que je puisse donner
n’est pas bien original : si les deux mains n’arrivent
pas à se coordonner convenablement et que le jeu est
« sloppy », ralentissez un peu, et surtout jouez dans un
tempo.
L’ÉCHAUFFEMENT, TU PENSES QUE C’EST IMPORTANT ?
Je ne sais pas, je ne me suis jamais échauffé de ma vie
(rires).
TU N’AS JAMAIS DE PROBLÈMES AVEC TES MAINS ?
Non, pas vraiment. J’ai eu de petites merdouilles, comme
tous les gens qui jouent depuis des années, mais rien de
significatif.
TU AS SOUVENT DÉCLARÉ NE JAMAIS TRAVAILLER LA
GUITARE. EST-CE TOUJOURS LE CAS AUJOURD’HUI ?
Oui et pour dire la vérité, je suis assez dilettante. Quand
je suis à la maison et que je ne tourne pas, je joue très
peu, à part du tricotage devant la télé. Je préfère passer
du temps à améliorer mon revers (Yngwie possède son
propre court de tennis privatif NDLR) ou à bichonner mes
voitures. Je m’occupe aussi de ma femme (rires). Je joue
tellement quand je suis en tournée…
EN TE REGARDANT JOUER, ON SE REND COMPTE QUE TU
PASSES SANS ARRÊT DU MICRO AIGU AU MICRO MANCHE…
Oui, sans arrêt, et je n’y pense même plus. Je passe de
l’un à l’autre en fonction de la dynamique souhaitée.
Parfois, je veux que ce soit agressif et mordant, d’autres
fois que le son soit plutôt chantant et légèrement
compressé.
QUELLES SONT LES STRATS QUE
TU AS UTILISÉES SUR BLUE
LIGHTNING ?
Je possède énormément de
vieilles Stratocaster, mais pour
cet album, j’ai essentiellement
utilisé un exemplaire de mon
modèle signature réalisé par le
Custom Shop Fender, et qui est
équipé de mes micros Seymour
Duncan YJM Fury. Ces micros
sont constitués de deux bobines
stackées. Ils gardent les qualités expressives de vrais single
coils, mais restent ultra silencieux à fort volume. Côté
ampli, j’ai utilisé une de mes têtes Marshall YJM100, qui
est le Marshall dont j’ai toujours rêvé. C’est comme un
Super Lead, mais avec plus de gain et plus de patate.
A QUOI RESSEMBLE LE SON BRUT QUI SORT DE TES
MARSHALL LORSQUE TON OVERDRIVE ET TA FUZZ FACE
SONT DÉSACTIVÉES ?
Bonne question ! Le son est clair mais légèrement
crunchy, surtout que j’utilise des enceintes de 300 watts.
Le son ne se tord donc pas trop, et en ajoutant juste un
compresseur MXR, j’obtiens un beau grain bluesy. Ceux
qui connaissent les vieilles têtes Super Lead 100 de la fin
des années 70 auront une idée très précise de ce dont je
parle. Après tout, ma tête YJM100 n’est ni plus ni moins
qu’un Plexi de 1979 avec quelques légères améliorations.
Je mets tout à fond, et mon overdrive Fender, dont les
deux potards sont également à fond, sert plus de boost
qu’autre chose. Quant à la Fuzz Face de Jeorge Tripps, je
l’ai dégagé pour ce projet-là.
LES ANNÉES 80 SONT LOIN, ET NOUS NE VIVONS PLUS
DANS UN MONDE À GUITARE. COMMENT VOIS-TU L’AVENIR
DE NOTRE INSTRUMENT ?
Je ne suis pas inquiet. La guitare est toujours perçue
comme un instrument magique, et les mômes auront
toujours envie d’en jouer. Bien sûr, les groupes à guitare
et les vidéos d’Yngwie Malmsteen ne passent plus sur MTV
comme dans les années 80 et 90, mais aux USA, la guitare
est toujours un phénomène très fort. C’est en Europe que
vous déconnez complètement (rires). Nous ne pourrions
sans doute pas faire une tournée comme Generation
Axe en Europe, mais aux USA, le carton a été énorme.
Même mes propres concerts marchent du feu de dieu en
Amérique. La musique à guitare n’est pas mainstream,
mais… On s’en fout pas mal, non ?
PENSES-TU QUE TES ORIGINES SUÉDOISES AIENT EUES UNE
QUELCONQUE INFLUENCE SUR TON JEU ET TA MUSIQUE ?
C’est une bonne question ! J’étais au pays il y a quelques
jours, et putain je vais t’dire, man : je préfère le climat
de la Floride (rires). Je crois que le fait de démarrer ma
carrière en Suède m’a rendu extrêmement pugnace. Au
début des années 80, réussir dans la musique et avoir des
rêves était impossible dans ce pays. Quoi que je veuille
faire, on me mettait des bâtons dans les roues. C’était
refus après refus. En arrivant aux USA, j’ai compris ce
qu’était le rêve américain. Quelques semaines après avoir
fait le grand saut, j’avais déjà de super opportunités.
Cependant, j’aime la Suède. Tu connais la musique
folklorique suédoise ? Il y a des choses fantastiques !
POUR TES PHOTOS PROMO, TU PRENDS VOLONTIERS LA
POSE À CÔTÉ DES NOMBREUSES STRAT, CE QUE L’ON PEUT
COMPRENDRE, MAIS ÉGALEMENT DE TES FERRARI OU DE
TES ROLEX. EST-CE DU SECOND DÉGRÉ ?
Non, c’est sérieux. Je suis hyper attaché à mes
Stratocaster, mais dans le fond, ce ne sont que des outils
que j’utilise pour bosser. Mes Ferrari sont des merveilles,
des œuvres d’art que je chéris comme mes propres
enfants. Ce sont beaucoup plus que de simples voitures
à mes yeux, et il y a une connexion quasi spirituelle
entre mon âme et ces machines. Si vous n’avez jamais
possédé de Ferrari, vous ne pourrez pas comprendre. Je
les conduis tous les jours, et j’aime en prendre soin. Je
ne suis pas aussi calé que Jeff Beck en mécanique, mais
j’en connais suffisamment pour effectuer moi-même les
petites réparations du quotidien, et j’adore ça.
QUESTION OBLIGÉE : VAS-TU VENIR DÉFENDRE BLUE
LIGHTNING EN EUROPE, ET PARTICULIÈREMENT EN
FRANCE ?
J’en suis désolé, mais les tracés des tournées ne sont
pas de mon fait. Ce sont les promoteurs de concert qui
décident. Cette fois, il semblerait que des concerts chez
vous soient prévus. Trop hâte d’y être ! •
À ÉCOUTER
Yngwie J. Malmsteen’s Rising Force (1984)
Yngwie J. Malmsteen – Marching Out (1985)
Yngwie J. Malmsteen – Odyssey (1988)
Yngwie Malmsteen – Blue Lightning (2019)
À VOIR
Yngwie Malmsteen Guitar Solo and “Bouree”
https://youtu.be/CvKqxNea9iA
Yngwie Malmsteen 2 tracks Live @ Swedish TV 2011
https://youtu.be/RwhtAqFCPrs
ENDORSEMENTS
Fender, Marshall, Dunlop/MXR, Seymour Duncan
CONTACT
www.yngwiemalmsteen.com
@officialyngwiemalmsteen
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La légende au bout des doigts

Gamme Hexagonal Explosion

RENDEZ-VOUS
Alexi Laiho
Northern Star
S
i la Grande Faucheuse se met sempiternellement en
scène sur les pochettes de Children of Bodom, c’est
que la question de la destination finale tarabuste
drôlement le maître de maison Alexi Laiho, guitar
Par Xavier Ottavioli hero de son état et pochtron repenti (n’oublions
Photos : DR
pas que le groupe tire son nom du lac de Bodom, sur les
rives duquel quatre ados ont été mystérieusement assassinés
Les Finlandais de Children of Bodom ont désormais autant dans les années 60). Débarrassée de ses démons, la fine lame
d’albums au compteur que les doigts des deux mains. finlandaise s’est rachetée une conduite et son jeu de guitare
Le bad boy Alexi Laiho était récemment de passage à
s’exprime à nouveau pleinement, débarrassé des scories et
Paris pour présenter à la presse Hexed, un nouvel album
plus noir que la mort ! autres approximations alcoolisées qui ont bien failli avoir
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raison de sa réputation. Le groupe vient tout juste d’emballer
sa dixième livraison, un album tout beau tout neuf intitulé
Hexed, chef-d’œuvre thrash/death imprégné d’influences
progressives, et dont le fil conducteur reste la mort, encore
et toujours, avec en filigrane ce lot de souffrance qui nous
mène vers l’inéluctable. Le gars Alexi s’est confié à Guitare
Xtreme Magazine !
TU AS RÉCEMMENT DÉCLARÉ QUE LA ROUTE ALLAIT FINIR
PAR TE TUER. QUE VOULAIS-TU DIRE ?
C’est très sérieux, mec ! Le quotidien d’un groupe sur la
route est réellement difficile et dangereux. Bien sûr, il y
a tous les excès qui vont avec ce mode de vie, parce que
malgré le pied intégral d’être sur scène et partager cette
adrénaline avec nos fans, il y a de longs moments dans
la journée où il ne se passe rien. C’est facile pour des
gens instables comme moi de partir en vrille pour tuer le
temps. J’ai la chance de faire partie d’un groupe soudé, et
je ne touche plus à l’alcool depuis longtemps, du moins

sur la route. Néanmoins, il y a toujours ce moment
dans une tournée où mon cerveau se met à l’envers,
et où tout me semble flou. Je perds la notion du
temps, et ma famille me manque à mourir. Les
longues tournées sont aliénantes, mais malgré
tout, on est toujours content d’y retourner, et
c’est tout le paradoxe : j’aime la route, mais
elle finira par avoir ma peau !
LORSQUE TU ES « OFF » À LA MAISON,
QUELS SONT LES ASPECTS DES TOURNÉES
QUI TE MANQUENT LE PLUS ?
Écoute, ça peut sembler bizarre pour
un grand rockeur de 39 ans, mais
au bout d’un moment, il y a un
esprit « colonie de vacances »
qui commence à me manquer.
Nous jouons ensemble depuis
plus de 20 ans, et nous nous
connaissons depuis le collège, alors même si on se prend
parfois le chou, on s’amuse beaucoup quand on est
ensemble. Depuis que je vis en Australie loin de ces mecs,
j’ai encore plus de plaisir à les retrouver. Ensuite bien
sûr, il y a l’aspect émotionnel de mon métier, la scène,
l’échange avec le public, l’excitation, le volume... J’ai
donné ma vie pour pouvoir faire ça, mec !
POURQUOI CE CHOIX DE VIVRE EN AUSTRALIE ?
Pourquoi pas ? (rires)… J’ai rencontré une femme (Alexi
est marié avec Kelli Wright, une manageuse australienne
NDLR). En fait, au bout d’un moment, le climat de la
Finlande me tapait vraiment sur le système, le froid, le
manque de luminosité… C’était trop
déprimant. Je me suis barré en
Californie où j’ai vécu pas mal de
temps, et depuis quelques années, je
vis en Australie, et je m’y sens bien.
DEPUIS HALO OF BLOOD ON DIRAIT QUE
TU ESSAIES DE RENDRE LA MUSIQUE DE
COB PLUS ACCROCHEUSE ET FÉDÉRATRICE…
Honnêtement, c’est typiquement le
genre de choses auxquelles j’évite de
penser pendant que j’écris un album.
En musique, le pire, c’est de trop
intellectualiser ce qu’on fait. En tant que
compositeur et guitariste, je m’efforce
simplement de fonctionner différemment
à chaque fois et de ne jamais appliquer
les mêmes recettes. Pour rebondir sur ta
remarque, je dirais que notre musique
a toujours eu cet angle catchy, mais
de mon point de vue, Halo of Blood, I
Worship Chaos et Hexed sont des albums
vraiment très différents. Effectivement,
je m’améliore et je travaille dur pour
rendre nos chansons plus efficaces, plus
agressives, plus mélodiques, plus
hooky, bref, pour en « extraire le
jus ». Peut-être aussi que tu as
cette impression parce que les
claviers sont plus présents
dans cet album.
LE PRODUCTEUR MIKKO
KARMILA (SONATA
ARCTICA, WALTARI,
STRATOVARIUS)
GRAVITE DEPUIS
LONGTEMPS
AUTOUR DE
VOTRE PETIT
MONDE.
QUELLE EST PRÉCISÉMENT SA FONCTION ?
Lorsque nous nous sommes rencontrés, Mikko a tout de
suite compris que nous étions des musiciens accomplis et
que nous savions écrire de bonnes chansons. Peut-être
qu’il a besoin de fourrer son nez dans la musique quand
il bosse avec d’autres groupes, mais pas avec Children
of Bodom. Son travail avec nous consiste à capturer sur
bande l’essence de notre son, et à le restituer avec autant
de puissance et d’intensité que possible. Cela débute
dès la phase de préproduction, qui est très importante.
En studio, Mikko est impressionnant. Il peut placer un
micro devant un baffle et faire sonner une guitare mieux
que quiconque, et en tant que mixeur, ses oreilles sont
absolument incroyables.
EST-IL DU GENRE EXIGEANT ?
Oui, il est très exigeant et c’est ce j’aime avec lui. Il
travaille dans la bonne ambiance et peut être le mec
le plus drôle de la Terre, mais en cas de défaillance de
notre part, il ne prend pas de détour pour nous remettre
sur les rails, je veux dire… même si je me prépare très
professionnellement avant un enregistrement, il peut
m’arriver de ne pas être suffisamment « tight » sur une
partie. C’est parfois plus constructif de se prendre une
bonne rouste plutôt que d’avoir affaire à un collaborateur
trop conciliant.
TRAVAILLES-TU TOUJOURS TA GUITARE DE FAÇON ASSIDUE ?
Je travaille très sérieusement, parce que ma première
mission dans Children of Bodom, c’est d’assurer à la
guitare, et je dois être à la hauteur pour les fans, pour
la réputation du groupe. Après, j’aimerais bien vous
dire que j’ai un secret pour être shreddy et pondre tout
le temps de bons solos, mais il n’en est rien. Tout ce
que vous entendez, les mecs, c’est un tout petit peu de
talent, mais surtout énormément de boulot. Il n’y a pas
de raccourci possible en musique : « You get what you
give » !
TON STYLE TRÈS SCHENKERIEN EN LEAD EST L’UNE DES
COMPOSANTES ESSENTIELLES DE COB. DE QUELLE FAÇON
PRÉPARES-TU TES SOLOS ?
Tu sais, moi je suis de l’école de la spontanéité. Je n’ai
pas suffisamment de patience pour écrire mes solos à
l’avance. Je préfère me pointer en studio sûr de mon
jeu, bien affûté, et improviser, quitte à faire des dizaines
de prises. Au bout d’un moment, l’idée du solo définitif
commence à se définir en douceur, dans un élan très
naturel. À ce moment-là, je le retravaille intégralement
pour l’enregistrer d’un bout à l’autre.
QUAND TU TRAVAILLES TA GRATTE, QUELS SONT LES AXES
SUR LESQUELS TU TE CONCENTRES ?
La précision à la main droite est toujours un gros
challenge, surtout dans le style extrême que nous jouons.
Cependant, depuis quelque temps, j’essaie d’ouvrir mon
horizon guitaristique en travaillant le picking ou l’hybrid
picking. En ce moment, par exemple, je travaille des
morceaux de Fleetwood Mac, et les parties de Lindsey
Buckingham sont comme des trésors inépuisables.
J’apprends énormément aussi en bossant des morceaux
de country. C’est tout nouveau pour moi, et je retrouve
une certaine fraîcheur en m’initiant à ce registre.
A21
RENDEZ-VOUS

SELON TOI, QUELS SONT TES POINTS FORTS EN TANT

QUE GUITARISTE ?
Je crois que mon point fort, du moins en tant que
guitariste de metal, c’est ma personnalité, mon
style, mon son. Je ne suis pas le plus rapide ni le
plus précis au monde, mais quand je joue un solo,
on sait tout de suite que c’est moi. Je n’ai jamais
analysé le pourquoi du comment, parce que je
joue ce que je joue très naturellement… Cela est
peut-être dû au fait que je n’aime pas les solos
trop linéaires, trop modaux. J’aime bien souligner
les changements d’accords dans mes phrases,
et peu de guitaristes de notre scène jouent avec
cette approche. C’est une tendance que l’on
peut retrouver aussi bien dans le solo de « Mr
Crowley », que dans celui de « Sultans of Swing ».
Mon écoute approfondie de Randy Rhoads et
Mark Knopfler, m’a vraiment amené à combiner
technique et mélodie.

QUELLES SONT LES GUITARES QUE TU AS UTILISÉES

SUR HEXED ?
J’ai enregistré toutes mes parties avec trois ESP
Laiho signature. Il y avait la noire avec les liserés
roses, une autre noire avec les liserés jaunes, et
la blanche que j’utilise souvent en concert. Cette
guitare signature continue de me combler à 100%.
Elle est très résonante et facile à jouer, malgré
son manche plutôt rond et épais, et je me sers
énormément du boost intégré, qui me permet en
quelque sorte de rendre actif mon micro EMG ALX-
HZ, qui est un modèle passif à la base, et qui n’est
pas doté d’un niveau de sortie hallucinant. Je n’ai
jamais aimé les micros trop puissants.

ET AU NIVEAU DES AMPLIS ?

C’est un peu la même chose. J’ai trouvé l’ampli qui
me correspond avec le Marshall JVM410H. J’essaie
de temps à autre de nouvelles marques, et il y a de
bonnes choses, mais je sais ce dont j’ai besoin, et
la combinaison de ma guitare ESP et de cet ampli,
c’est vraiment magique. Je joue généralement
sur le canal OD1, dont le rendu est puissant, mais
plutôt classique et « Marshall old school », et plus
rarement sur le canal OD2 lorsque je souhaite un son plus
ouvert et brillant.
TON SON SATURÉ PROVIENT-IL UNIQUEMENT DES AMPLIS ?
Oui, toujours. Je ne suis pas un grand amateur de pédales
de distorsion. De toute façon, je n’aime pas jouer avec
trop de gain, et avec le boost embarqué sur mon ESP,
j’ai de bonnes sensations de jeu tout en conservant un
son hyper franc et dynamique. Les seules pédales que
j’utilise actuellement sont un delay Boss DD-7, un Super
Chorus Boss et une wah Dunlop Kirk Hammett, qui, en
plus d’avoir un super grain, a l’avantage de me fournir un
extra boost sympa quand je l’active.
À ÉCOUTER
Children of Bodom - Halo of Blood (2013)
Children of Bodom - I Worship Chaos (2015)
Children of Bodom – Hexed (2019)
À VOIR
Alexi Laiho rips through Are
You Dead Yet Live on EMGtv
https://youtu.be/n7FgjfcKuuo
VOTRE GUITARISTE LIVE DANIEL FREYBERG A INTÉGRÉ LE CHILDREN OF BODOM - “This
GROUPE OFFICIELLEMENT. PEUX-TU NOUS EN PARLER ? Road” (OFFICIAL LYRIC VIDEO)
Nous connaissions Daniel depuis une bonne dizaine https://youtu.be/qIsbxH7k4Sc
d’années. Nous nous étions souvent croisés sur la route
lorsqu’il tournait avec ses groupes Naildown et Norther.
ENDORSEMENTS
Il est de la même famille. Habituellement, intégrer un Marshall, ESP, Boss, Dunlop/MXR, EMG pickups, DR Strings
groupe qui existe depuis 20 ans dans lequel les gens se
connaissent depuis l’adolescence est très difficile, mais CONTACT
Daniel, en plus d’être un gratteux hors pair, partage www.cobhc.com
notre sens de l’humour, et il est aussi exigeant que nous @AlexiLaihoCOBHC
sur tout ce qui touche au groupe et à la musique. Il est @AlexiLaihoOfficial
définitivement l’un des nôtres. • @alexilaiho.official

A22
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GUITARE XTREME MAGAZINE !

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RENDEZ-VOUS
 Derek Trucks
Sign “O” the Times
Par Pascal Julien
Photos : ©Stuart Levine / Shervin Lainez

L’aventure du Tedeschi Trucks Band continue de plus

belle avec Signs, un quatrième album au titre évocateur
et lourd de sens. Il capture toute l’essence d’un Derek
Trucks au zénith de son art guitaristique.

D
ébut février, le Tedeschi Trucks Band avait établi
son campement au Ryman de Nashville pour
trois concerts consécutifs, l’occasion pour le
maestro de la slide Derek Trucks de se plonger
dans l’énergie essentielle de cette Mecque de la
musique américaine, mais également de se poser un peu
pour faire le tour des magasins de guitare locaux et donner
quelques interviews afin d’assurer la promo du quatrième
opus de son « big band », une œuvre magistrale et prophétique
intitulée Signs. Nous avons donc pu nous entretenir avec le
magicien de 39 ans. Toujours aussi remarquable, la gentillesse
naturelle du personnage désarçonne, et cette bienveillance
entoure le groupe de onze musiciens qui fonctionne comme
une vraie famille nombreuse musicale, avec le couple Derek/
Susan dans le rôle des parents. Monsieur Trucks est revenu
sur la genèse de ce grand disque enfanté dans la douleur, Lors des phases d’écriture et d’enregistrement,
nous étions un peu plus ouverts et surtout
mais qui finalement transperce les ténèbres pour laisser
jaillir la lumière. Magnéto !

AS-TU LA SENSATION QUE SIGNS SOIT VOTRE ALBUM LE

PLUS ACCOMPLI ?
A dire vrai, je manque encore de recul… Ce dont je suis
certain, c’est qu’il s’agit de notre disque le plus honnête.
J’ai l’impression qu’avec ce groupe, à chaque nouvelle
expérience en studio, nous nous mettons à nu encore
davantage. Les chansons reflètent encore plus nos
personnalités et notre force collective. Quand nous jouons
tous ensemble, nous arrivons à un niveau de lâcher-prise
vraiment très intéressant, et c’est flagrant sur Signs. Je
suis très attaché à nos disques précédents, et je les trouve
excellents, mais pour celui-ci, j’ai la sensation que nous
avons réussi à atteindre un autre niveau d’énergie et à
nous transcender. Après, nous verrons bien ce qui va se
passer. Peut-être que les gens vont trouver ça naze (rires).
IL Y A PEU DE RISQUES. JE CROIS SAVOIR QUE SIGNS A
ÉTÉ ÉCRIT DANS UNE PÉRIODE PARTICULIÈREMENT DIFFICILE
POUR VOUS TOUS…
Oui, nous avons composé ces chansons dans une période
vulnérables que d’habitude.
assez difficile pour chacun d’entre nous, et la vie n’a pas
été simple. Certains membres du groupe ont connu des
remises en question familiales, et oui, quelques-uns de
nos amis très proches sont partis, sans parler du contexte
politique aux USA qui nous affecte beaucoup. Mais ce
sont aussi ces évènements qui nous ont permis de donner
le meilleur de nous-mêmes. Lors des phases d’écriture
et d’enregistrement, nous étions un peu plus ouverts
et surtout plus vulnérables que d’habitude. Cet état
émotionnel nous a rapprochés encore davantage.
COMME TU LE MENTIONNES, IL Y AVAIT QUELQUES
FANTÔMES AVEC VOUS DANS LE STUDIO...
Oui, nous avons perdu mon oncle Butch (batteur du
Allman Brothers Band, NDLR), mais également mon
mentor Bruce Hampton, qui s’est effondré sur scène
devant mes yeux, ainsi que Gregg Allman et George Reiff,
un ami très proche qui a été emporté par un cancer.
George était un super bassiste avec qui j’ai beaucoup joué
à une époque, et qui avait posé quelques grandes lignes
de basse sur notre deuxième album Made Up Mind. J.J.
Johnson (batteur) et moi, nous avons été dévastés par son
départ. Tous ces gens étaient effectivement présents avec
nous durant toute la genèse de cet album.
L’ILLUSTRATION DE LA POCHETTE, C’EST UNE SORTE DE MISE
EN GARDE ?
Oui, bien sûr ! Nous sommes tous en grand danger
et embarqués dans la même galère. Cette image s’est
imposée à nous un jour où nous nous trouvions sur une

A25
plage de Jacksonville, en Floride, avec Josh Cheuse, un
ami photographe. Un ouragan venait de frapper la côte
et partait vers le large. Les animaux marins avaient été
comme extirpés de l’eau et jetés sur le sol. Ils étaient
là en train d’agoniser et de lutter pour tenter de se
remettre à l’eau. Ces poissons, c’est un peu nous dans ce
monde malade, d’une certaine façon. Il y a également
une connotation écologique et politique. La politique
nauséabonde qui fait monter le populisme et la haine,
la planète qui souffre et qui nous le fait comprendre
en déchaînant les éléments… Ce sont des signes qui ne
trompent pas.
VOUS ÊTES DES « ROAD WARRIORS ». AVEC VOTRE
RYTHME DE TOURNÉE, COMMENT TROUVEZ-VOUS DU TEMPS
POUR ÉCRIRE ?
C’est un véritable problème, et cela explique
partiellement pourquoi nous mettons autant de temps
à faire des albums. Nous écrivons dans toutes sortes de
contextes, durant les balances ou même dans le bus,
mais bien sûr, rien ne remplace ces moments de plus en
plus rares où nous pouvons nous retrouver tous ensemble
dans notre QG pour faire de la musique, composer des
chansons et enregistrer. Désormais, nous avons tous des
enfants à élever, et c’est vrai qu’à certains moments,
nous devons ralentir ce rythme de tournée pour pouvoir
écrire, alors que c’est la route qui nous fait bouffer.
Généralement, nous sentons quand le bon moment pour
aller en studio est arrivé. Personnellement, ce sont des
A26
phases de la vie du groupe que j’aime particulièrement.
Nous nous arrêtons et nous passons du temps ensemble
hors du speed de la route et de la scène. Quand plus rien
ne bouge autour de nous, et que nous nous retrouvons
dans ce cocon, nous partageons des choses différentes,
nous nous reconnectons les uns aux autres, et nous
digérons en quelque sorte les années que nous venons de
passer en tournée.
JE CROIS SAVOIR QUE VOUS POSSÉDEZ VOTRE PROPRE
STUDIO D’ENREGISTREMENT…
Oui, et c’est très important pour nous de disposer de cet
endroit, qui est à la fois notre local de répétition et notre
studio. Lorsqu’un groupe change de studio, il doit à
chaque fois en quelque sorte réapprendre à sonner, parce
que l’acoustique n’est plus la même. Cette pièce, c’est
chez nous, et nous y avons nos repères.
COMBIEN DE TEMPS VOUS A-T-IL FALLU POUR ACCOUCHER
DE CET ALBUM ?
Difficile à dire, parce que pour ce qui est de l’écriture
à proprement parler, il y a beaucoup de répétitions
et de sessions de travail différentes. En revanche,
l’enregistrement a été très rapide. Nous avons quasiment
tout fait d’une traite en seulement une semaine avec le
noyau dur du groupe et Jim Scott (producteur et ingénieur
du son NDLR). Mais il a quand même fallu caler d’autres
petites sessions ici et là afin de poser quelques overdubs
et aussi enregistrer les parties de cuivres. En tout, nous
avons pondu seize chansons, et après, il a fallu écrémer
tout ça pour n’en conserver que onze.
SIGNS A ÉTÉ ENREGISTRÉ À L’ANCIENNE SUR DES BANDES.
C’ÉTAIT IMPORTANT POUR VOUS DE REVENIR À CE SON-
LÀ ?
Enregistrer sur bande, c’est une autre aventure, et cela
n’impacte pas uniquement le son, mais également
la façon globale de travailler. Tout va beaucoup plus
lentement, et comme il n’est pas possible de droper à
l’infini et que la bande coûte cher et s’abîme, tout le
monde est beaucoup plus concentré dès que le magnéto
commence à tourner. La bande exige plus d’engagement
de la part de chaque musicien, il y a presque un côté
sacré dans cette façon de bosser. Le digital présente
beaucoup d’avantages, et on peut faire de bons disques
avec Pro Tools, mais avec le recul, je peux dire que l’excès
de confort et de souplesse ne nous permet pas toujours
de faire les bons choix aux bons moments. La bande exige
vraiment la Performance avec un grand « P ».
ALLEZ-VOUS CONTINUEZ DE TRAVAILLER DE CETTE FAÇON
AVEC L’ANALOGIQUE ?
Personnellement, je vais avoir du mal à revenir en arrière,
mais nous y serons peut-être contraints pour des raisons
économiques. Redécouvrir la bande m’a ramené des
années en arrière, lorsque j’ai participé à mes toutes
premières sessions pour de petits labels en Floride. Je
devais avoir 11 ou 12 ans, et il n’existait rien d’autre à cette
époque. Ce sont des souvenirs absolument magiques. Ma
première expérience de studio, si on parle de quelque
chose de sérieux et qui a été commercialisé, c’était avec
Junior Wells, pour l’enregistrement d’un album intitulé
Come On in This House. C’était la première fois que je
voyais une vraie console Neve, et bien sûr, c’était de
la bande à tous les étages. Dans la foulée, j’ai pas mal
bossé avec le producteur John Snyder, qui
m’engageait sur plein de sessions bien
cools. On bossait en analogique, et je me
souviens de cette période avec beaucoup de
tendresse.
ETANT DONNÉ VOTRE ÉTHIQUE DE
TRAVAIL TRÈS PURE, J’IMAGINE QUE VOUS
ENREGISTREZ EN JOUANT TOUS ENSEMBLE…
On essaie de le faire au maximum, mais ça
dépend vraiment des chansons. La plupart
du temps, nous tâchons de choper les
rythmiques live, J.J. Johnson (batterie), Tim
Lefebvre (basse), Kofi Burbridge (clavier),
Susan et moi. Éventuellement, nous
refaisons une des parties s’il y a des pains,
mais si tout le monde connaît le morceau et
réussit à bien le ressentir, l’affaire est pliée
en quelques prises, et si ça ne marche pas,
mieux vaut laisser reposer et y revenir plus tard, voire
carrément laisser tomber.
TES SOLOS PROVIENNENT-ILS DE CES PRISES LIVE
COLLECTIVES ?
Je dirais que c’est moitié moitié. Si je sors quelque chose
de bon pendant les prises live, c’est toujours préférable,
parce que je suis porté par l’énergie du groupe. Les
solos de « Still Your Mind » et de « Shame » proviennent
des toutes premières prises, et je n’ai rien retouché.
Cependant, en tant qu’improvisateur, il me faut parfois
davantage de temps pour m’approprier une partie de
solo.
AS-TU ENREGISTRÉ AVEC TON SETUP HABITUEL ?
Oui, je ne suis pas quelqu’un de très changeant au niveau
des « outils ». J’ai tout enregistré avec mes Gibson SG
habituelles et mes combos Fender Deluxe, Vibrolux et
Super Reverb. Sur ce disque, le seul changement notable,
c’est que j’ai repassé mes pistes dans un vieil Echoplex
durant le mix, pas systématiquement, mais pour ajouter
de l’ambiance et de l’air ici et là. J’ai aussi fait un peu de
reamping pour générer des pistes d’ambiance en plaçant
des micros loin des amplis.
QUELS SONT TES MICROS ET PRÉAMPLIS DE PRÉDILECTION ?
Je possède un très vieux Neumann U87, et c’est toujours
avec lui que je repique mes amplis en priorité. J’aime
le placer à environ 50 centimètres de l’ampli, mais sa
position peut varier en fonction des chansons. Si je fais
des overdubs, j’aime bien aussi avoir quelques micros
à rubans en ambiance pour ajouter de l’air. Pour les
préamplis, je privilégie toujours les tranches Neve 1081
de notre bonne vieille console, qui sonnent à la folie. En
revanche, je n’aime pas trop les compresseurs à la prise,
Redécouvrir la bande m’a ramené des années
en arrière, lorsque j’ai participé à mes toutes
premières sessions pour de petits labels en
Floride.
mais si la partie le nécessite, je reste ouvert et j’en utilise
un.
COMMENT EXPLIQUES-TU L’INCROYABLE LONGÉVITÉ DE CE
GROUPE DE ONZE MUSICIENS ?
Nous avons eu la chance de réunir des gens dont les
personnalités s’imbriquent plutôt bien, et qui étaient
prêts à s’investir sur le long terme. Mais tout n’est pas
idyllique non plus, et il y a parfois des problèmes et
des prises de bec. Mes expériences avec mes groupes
précédents m’ont enseigné qu’il faut énormément
communiquer et ne pas avoir peur d’engager des
conversations parfois difficiles pour crever les abcès, sinon
les non-dits finissent par tout pourrir. Par-dessus tout,
nous adorons la musique que nous jouons, et le fait de
grandir tous ensemble, d’accomplir toutes ces choses et
de recevoir autant d’amour a fait de nous une famille
bien soudée.
ES-TU À L’AISE DANS TON RÔLE DE CHEF DE CLAN ?
Non, pas forcément, mais avec Susan, cela fait partie de
notre boulot d’assumer ce rôle de leaders. Parfois, je
m’adresse à tout le monde lors de nos réunions, mais il
m’arrive aussi de voir l’un des musiciens en tête-à-tête
pour régler certains problèmes. Mais tu vois, au bout du
compte, ce n’est pas si terrible que ça parce que je me
sens extrêmement privilégié d’avoir cette vie-là et de
pouvoir faire ce boulot, qui reste quand même l’un des
plus cools de la terre, surtout quand on peut le faire dans
des conditions aussi extraordinnaires.
TIM LEFEBVRE, KEBBI WILLIAMS ET J.J. JOHNSON
ONT MONTÉ UN SIDE PROJECT, WHOSE HAT IS THIS?
AIMERAIS-TU PARFOIS T’ENVOLER UN PEU DE TON CÔTÉ
POUR DÉVELOPPER AUTRE CHOSE ?
J’adore le groupe qu’ils ont créé, et je suis même allé les
voir en concert plusieurs fois. De mon côté, le Tedeschi
Trucks Band me permet de m’exprimer totalement en
tant que musicien, et je me sens libre d’essayer tout ce
dont j’ai envie, donc non, pas vraiment. De plus, entre
le groupe et ma famille, je n’ai pas beaucoup de temps
libre. Après, il ne faut jamais dire jamais…
QUELS SONT LES GUITARISTES QUE TU SUIS EN CE
MOMENT ?
Il y a un gars à Nashville qui s’appelle Oliver Wood. Il
est guitariste au sein d’un trio, les Wood Brothers, et j’ai
rarement entendu un musicien aussi brillant. Toujours à
Nashville, il y a ce mec, Jack Pearson, qui est également
un guitariste incroyablement bon. Ce n’est pas un secret,
mais Marcus King est aussi l’un de mes coups de cœur.
Son talent est fou et il va casser la baraque. Cependant,
beaucoup des musiciens que j’admire le plus ne font pas
de disques et n’aspirent même pas à faire carrière dans
l’industrie musicale. •
À ÉCOUTER
The Derek Trucks Band - Live at Georgia Theatre (2003)
Tedeschi Trucks Band – Made Up Mind (2013)
Tedeschi Trucks Band – Let Me Get By (2016)
Tedeschi Trucks Band – Signs (2019)
À VOIR
Derek Trucks amazing solos compilation:
https://youtu.be/GBbRrvJt8G8
Tedeschi Trucks Band : Tiny Desk Concert
https://youtu.be/RRipadkd6wk
ENDORSEMENTS
Gibson, Fender
CONTACT
www.tedeschitrucksband.com
@DerekAndSusan
@derekandsusan
@DerekAndSusan
A27
LUTHERIE
XTREME DIY

o d e 2
Épis
LE REFRETTAGE
Christophe Dufour, luthier aguerri et taulier de Custom Design Guitars anime désormais cette nouvelle rubrique consacrée à la lutherie. Grâce
à ses conseils d’expert, vous pourrez bientôt travailler vous-même sur vos instruments et apprendre à les régler exactement comme vous le
souhaitez. Try this at home !
OUTILLAGE NÉCESSAIRE :
Par Christophe Dufour
- des frettes
- un maillet
- une pince coupante
- un fret bender (ou cintreuse de frettes)
- des griffes
- un tang nipper (pince coupeuse de
pied de frette)
- de la colle à bois Titebond
- une éponge

Pour ce second épisode, après le défrettage et la

préparation de la touche, nous allons passer au refrettage
à proprement parler de notre Aria Pro 2.
Important : Si vous avez loupé le premier volet de notre
aventure, il est préférable de le regarder au préalable
afin de ne pas brûler les étapes.

Tout d’abord, nous allons passer les frettes à la cintreuse

et puis les découper à la bonne taille avec l’aide de
notre pince coupante (1).

Étape suivante : couper proprement les pieds de frettes

avec le tang nipper (2 et 3).

Vient ensuite une phase fastidieuse, mais indispensable :

nous allons nettoyer bien à fond toutes les gorges sur
la touche afin d’être certains qu’elles soient bien clean
et qu’il n’y ait rien de coincé dedans.

Pour la pose des frettes, deux solutions : le maillet, ou

la presse. Dans notre cas, comme la guitare est pourvue
d’un manche conducteur sur lequel nous ne voulons
pas forcer, ce sera la méthode maillet. De plus, peu
d’amateurs possèdent une presse à la maison.

A28 www.guitarextrememag.com
Dans le cas présent, nous avons été obligés d’utiliser de
la colle (en l’occurrence de la colle à bois Titebond) afin
de « fixer » les frettes. Beaucoup de luthiers déconseillent
cette pratique, et à raison, sauf lorsque le pied de frette
n’était pas assez compressé dans la touche, ce qui
était notre cas ici. Sans colle, avec le temps, les frettes
risqueraient de bouger.

On commence par mettre un peu de colle dans la gorge

(pas trop), on met la frette en place, on tape doucement
tout du long de cette dernière avec le maillet (4), et on
termine en passant un coup d’éponge pour retirer le
surplus de colle.
Note : n’hésitez pas à donner de petits coups de maillet
sur les bouts de frette pour les plier légèrement afin
d’éviter qu’elles ne rebiquent.

Il faut ensuite laisser reposer le frettage quelques heures

pour que la colle sèche convenablement et que les frettes
soient bien scellées. En coupant les frettes directement
après la pose, nous prendrions le risque de les faire
bouger. Il faut être extrêmement patient pour effectuer
proprement ce genre de travail.

Prochain épisode : la prochaine fois, nous couperons

les bords des frettes, nous les adoucirons, et nous
nous attaquerons à l’étape finale et indispensable :
la planimétrie. Good luck !

customdesign-guitars.fr

A29
RENDEZ-VOUS
Gary Clark Jr.
Soul Boy From Texas
Le petit génie texan Gary Clark Jr. nous livre This Land, troisième chapitre de son histoire
musicale, un cocktail explosif de black music qui éclabousse l’Amérique de Donald Trump.
Par Xavier Ottavioli
Photos : DR
E
n une petite dizaine d’années, Gary Clark Jr. s’est
imposé comme l’une des figures essentielles du blues
actuel, avec un jeu de guitare brut de décoffrage et
des compositions multidimensionnelles, puisant
dans tout ce que la musique américaine possède
de meilleur, le blues roots bien sûr, mais également la soul,
le funk, le rock’n’roll et le hip-hop (de Muddy Waters à
Curtis Mayfield en passant par les Ramones et Run-DMC,
le champ d’expression de l’animal est plus que vaste).
Avec This Land, son troisième album, le Texan de 34 ans
retrousse ses manches et part au charbon, dénonçant
courageusement les dérives populistes d’une Amérique
divisée et partiellement « trumpisée », dépeignant dans
ses chansons les ravages occasionnés par ces murs invisibles
qui divisent les communautés et attisent la haine. Nouvelle
rencontre avec le groovy boy préféré d’Eric Clapton et Warren
Haynes, un peu endormi par la weed et le jetlag. Go !
A30
ON SENT QUE LE CONTEXTE POLITIQUE ACTUEL DES USA
TE PRÉOCCUPE. IL S’AGIT MÊME DU THÈME CENTRAL DE
TON ALBUM…
Je ne dirais pas que This Land est un album politiquement
orienté, même si je prononce le nom de Trump une seule
fois dans les paroles de la chanson « This Land ». Si cela
suffit à en faire un album politisé, je plaide coupable,
ok (rires). Non, dans ces chansons, je parle plutôt de
la vie sociale dans mon pays. En tant que citoyen noir
américain, je suis le témoin de ce qui se passe chez nous
depuis l’élection de Trump. Il y a une résurgence de ce que
j’appelle le « racisme ordinaire ». Ça ne sent pas bon du
tout, et oui, j’ai vraiment les boules. Il y a des gens comme
Martin Luther King qui ont payé de leur vie pour que je
puisse être libre et prendre un micro pour m’exprimer
aujourd’hui, alors la moindre des choses que je puisse
faire, c’est d’aborder ces sujets dans mes chansons.
IL Y A QUELQUES ANNÉES, TU JOUAIS DEVANT OBAMA À
LA MAISON-BLANCHE. CETTE ÉPOQUE SEMBLE LOIN, NON ?
Oui et c’est sûr que pour l’instant, je ne suis pas près d’y
remettre les pieds (rires). Quelle soirée mémorable ! C’était
incroyable de rencontrer le président Obama, et de jouer
devant lui avec quelques-unes de mes idoles, dont B.B.
King et Buddy Guy, et puis bien sûr, Jeff Beck, Mick Jagger
et bien d’autres… Quand tu es « validé » par des artistes
de cette envergure dans un contexte si particulier, tu te dis
que tu dois être sur la bonne voie (sourire).
THIS LAND EST UN ALBUM UN PEU PATCHWORK. COMMENT
EXPLIQUES-TU CETTE EXPLOSION DE DIFFÉRENTS STYLES ?
En tant qu’amoureux de musique, je ne suis jamais
limité à un seul genre musical, et depuis que j’ai la
chance de faire le tour du monde avec ma carrière, je
m’ouvre encore davantage à toutes sortes de sons et

« Il y a des gens comme Martin
Luther King qui ont payé de
leur vie pour que je puisse être
libre et prendre un micro pour
m’exprimer aujourd’hui, alors
la moindre des choses que je
puisse faire, c’est d’aborder ces
sujets dans mes chansons. »
de cultures. Pour un mec qui a passé son enfance au
Texas, il s’agit d’une chance inouïe. Alors quand je
façonne mes chansons, je ne m’interdis rien du tout, et
surtout pour cet album, qui expose toutes les différentes
facettes de ma personnalité musicale. A aucun moment
je ne me suis dit : « Tiens, je vais écrire un morceau
de soul aujourd’hui, ou un titre reggae ». Je laissais
naturellement les chansons sortir de moi.
N’AS-TU PAS EU PEUR QUE LE DISQUE MANQUE DE
COHÉRENCE ?
Non et à vrai dire, je n’ai eu peur de rien (rires). Mon seul
espoir était simplement de réussir à pondre un disque que
j’aime viscéralement et dont je sois fier. C’est vrai qu’il y a
un monde entre « This Land » et « Feed the Babies », qui
sont plutôt soul, et quelque chose de très punk/rock’n’roll
comme « Gotta Get Into Something », mais la cohérence
vient de ma personnalité, et de la façon dont nous avons
joué ensemble en studio avec le groupe. Pour mes disques
précédents, je me posais beaucoup plus de questions. Cette
fois, durant les sessions, il y avait des jours où nous avions
envie de jouer de la soul à l’ancienne façon Curtis, ou bien
du rock’n’roll ou du blues à la Muddy Waters. Peu importe
ce qui sortait, l’important était que ce soit inspiré et que la
vibe soit bonne.
AVEZ-VOUS JOUÉ LIVE EN STUDIO ?
Nous avons bossé de plein de façons différentes. Les
bases de certains titres ont été faites avec des boîtes à
rythmes et des synthés, d’autres chansons sont nées
d’une vraie interaction live. L’ossature de « Gotta Get
Into Something », par exemple, a été enregistrée par moi
à la guitare rythmique et le batteur J.J. Johnson. Nous
n’avons fait que deux prises et c’était dans la boîte. Donc,
c’est vraiment un mélange de ces deux approches.
COMMENT AS-TU FAÇONNÉ CE SON DE GUITARE TRÈS CRU
ET ORGANIQUE ?
Je ne suis pas très branché technique, mais j’ai quand
même observé Jacob Sciba (co-producteur de l’album
avec Gary NDLR) en train de travailler. Notre but était
vraiment de capturer le son d’ambiance du studio, dont
l’acoustique est assez exceptionnelle (le Arly Studios
à Austin NDLR). Donc, j’ai sorti ma tête custom Fender
Vibro-King sur une vieille enceinte Marshall, et Jacob a
placé plusieurs micros d’ambiance, d’où cette épaisseur.
Sur « Dirty Dishes Blues », c’est mon Fender Princeton
bien tordu que l’on entend. Nous n’avons pas cherché
midi à quatorze heures. Pour les grosses saturations,
j’attaquais l’ampli avec mon Octafuzz Fulltone ou
mon Zendrive, qui est un peu plus fin, et sinon, pour
les tremolos et les reverb, c’est la pédale Flint de chez
Strymon, qui est très efficace. J’avais aussi ma Cry Baby
signature.
ET AU NIVEAU DES GUITARES ?
Il y a eu deux guitares. La première est une Gibson SG
Gary Clark Jr signature Yellow TV, qui est montée avec
trois P-90. Je suis complètement dingue de cette guitare !
Au studio, il y avait une autre SG Standard avec des
humbuckers, et je l’ai utilisée sur certaines chansons. Sur
« The Governor », j’ai joué un Dobro National.
TES SOLOS SONNENT PARFOIS DE MANIÈRE SI CRUE ET
« FREESTYLE » QU’ON POURRAIT PENSER QU’IL S’AGIT DE
PREMIÈRES PRISES LÂCHÉES SUR LE VIF. EST-CE LE CAS ?
C’est vraiment ma façon de faire, oui. Pour moi, en
matière de solo de guitare, c’est vraiment l’expression du
moment présent qui prime, peu importe qu’il y ait des
approximations ou des faussetés. Il faut que ces moments
de musique racontent des histoires. Je n’ai jamais
travaillé un solo de ma vie.
TU ES SOUVENT CONSIDÉRÉ COMME LE NOUVEAU GUITAR
HERO DU BLUES. EST-CE UNE SITUATION INTIMIDANTE ?
Non, et j’essaie de ne pas trop penser à ces commentaires,
même je suis heureux d’être reconnu et apprécié en tant
que guitariste. Je suis le musicien que j’ai envie d’être,
j’ai la liberté de faire ce que je veux, et c’est tout ce qui
m’importe. Le truc, c’est que je ne voudrais pas être perçu
comme un artiste unidimensionnel. Je joue de la guitare,
mais pas uniquement. Je compose, je chante, j’écris…
J’aimerais être reconnu pour tout ce que je fais. •
À ÉCOUTER
Gary Clark Jr. - Blak and Blu (2012)
Gary Clark Jr. - The Story of Sonny Boy Slim (2015)
Gary Clark Jr. – This Land (2019)
À VOIR
Gary Clark Jr. - Bright Lights
https://youtu.
be/x_ZeDn-hHGE
Gary Clark Jr - This Land
[Official Music Video]
https://youtu.
be/9KgNaRQ_J-c
ENDORSEMENTS
Fender, Gibson/Epiphone, Dunlop/MXR, Strymon
CONTACT
www.garyclarkjr.com
@GaryClarkJr
@GaryClarkJr
@garyclarkjr
A31
TRACK BY TRACK

YAROL

A32 www.guitarextrememag.com
Le dernier lieutenant du taulier Johnny Hallyday revient faire parler la MITSOUKO…
poudre avec un éponyme qui sent le danger, le sexe et le rock’n’roll. À la Je n’y ai pas pensé, mais oui, pourquoi pas ? C’est l’un
base de ce projet, il y a eu un concert de Black Minou, collectif à géométrie des groupes français que je préfère, et qui a toujours
plus ou moins variable, au Bus Palladium. Ce soir-là, l’atmosphère magique réussi à garder une forte identité rock tout en explorant
et électrique du concert convainc le guitariste qu’il tient le bon line-up, plein d’autres directions musicales, comme j’essaie de
avec le vieux frère d’armes Philippe Almosnino à la seconde guitare, Ludwig le faire. Là encore, dans le choix des sons, il y a un angle
Dahlberg, ancien forgeron chez The (International) Noise Conspiracy à la très 80’s, et puis c’est chanté en français. J’adorais Fred
batterie, Jean-Max Mery aux claviers, et le frangin Melvil à la basse. Il Chichin.
s’enferme avec cette magic team au Black Box d’Angers. Plus qu’un simple
studio, l’endroit est une Mecque du rock alternatif, dans lequel ont enregistré
les Arctic Monkeys, Shellac, The Kills ou encore Ministry, un temple du full
6 / « NO FILTER »
analog et du son vintage qui fait fondre les tympans. Avec ses bandes sous SUR CE TITRE, VOUS N’AVEZ PAS LÉSINÉ SUR LES
le bras, Yarol a retravaillé ses diamants bruts avec le DJ et sound designer SYNTHÉS…
Dorion Fiszel, avant de traverser la Manche pour mixer l’album chez Dimitri Alors j’adore que tu dises cela, parce qu’en réalité, ce sont
Tikovoi (Placebo, The Horrors, Marianne Faithfull). Il en résulte un brûlot des guitares qui sont passées dans des fuzz et des gates.
rock’n’roll sans concession dans la lignée de The Kills ou des Black Keys, Parfois, on entend un son, et c’est impossible de deviner
mais légèrement déstructuré à grand renfort d’ambiances dancefloor très de quoi il s’agit, et ça m’intéresse vachement. La vérité
80’s. Yarol décortique pour vous son premier album solo track by track ! est souvent entre les deux, parce qu’il y a des Moog que
j’ai doublés avec des grattes un peu filtrées. Pareil pour
les batteries. Je n’aime pas quand les arrangements sont
Par Pascal Julien
Photo : Frank Loriou / JB Mondino tellement lisibles que l’auditeur peut se dire : « Ouais,
c’est une Strat branchée dans un ampli Fender ». On
1 / « SALE » commence à avoir fait le tour de tout ça.

CONNAISSANT TON AMOUR POUR LA MUSIQUE AFRICAINE,
NOUS N’AVONS PAS ÉTÉ SURPRIS PAR L’INTRO DE
« SALE »…
Ouais j’adore ça, notamment Fela Kuti, King Sunny Adé ou
Ali Farka Touré, et ce depuis très longtemps. J’étais parti
travailler avec Okwess à Kinshasa, et d’ailleurs, c’est le
chanteur du groupe Jupiter Bokondji qui chante au début
et qui ouvre l’album. J’ai eu l’idée de mélanger cette
pulse africaine avec un riff de guitare à la Dr. Feelgood.
C’est de l’afrobeat version pub rock (rires). Le texte était en
anglais au départ. Benjamin Biolay nous a soumis ce texte
en français, qui évoque la marginalité, la rébellion et la
liberté, le fait de ne pas vouloir rentrer dans le moule. Il
y a un traitement assez moderne sur la basse, et le son
particulier du solo très Isley Brothers provient d’une fuzz
branchée directement dans une tranche de la console.
J’ai beaucoup utilisé cette méthode sur l’album.
2 / « CAROLINE »
ON DEVINE QUE CETTE BELLE CHANSON FUNKY EST DÉDIÉE
À TA DOUCE (CAROLINE DE MAIGRET NDLR)…
Je voulais faire une chanson pour ma femme. Je ne
voulais pas que ce soit une balade un peu « plan-plan »,
mais plutôt quelque chose de sexy. Un jour j’ai trouvé ce
gimmick soul un peu groove et sensuel, et les mots qui
me sont venus s’imbriquaient hyper bien. Le clavinet et le
thème de cordes un peu oriental et mystique renforcent
ce côté funk visqueux. Il y a une vibe très Funkadelic, et
le solo provient de la prise live que nous avons jouée en
studio.
3 / « BOOGIE WITH YOU »
TU JOUAIS DÉJÀ CE TITRE AVEC BLACK MINOU. CETTE
NOUVELLE VERSION SONNE COMME UNE RENCONTRE ENTRE
HANNI EL KHATIB ET SUICIDE… IL Y A UN SOLO DANS CHAQUE CHANSON. QUAND ON
Oui, c’est carrément ça ! Il y a un traitement très 50’s sur S’APPELLE YAROL, ON SE SENT OBLIGÉ DE JOUER DES
la voix, et l’arrangement renvoie aux années 80. J’ai SOLOS ?
voulu remplacer les guitares par un Moog. C’est comme Je ne me sens obligé de rien du tout, c’est juste que
du rockab joué avec des synthés. Le solo a été réalisé j’adore jouer des solos, alors je ne vois pas pourquoi
avec une Boss Pitch Shifter et non avec une Whammy. je me frustrerais, même si certains trouvent que c’est
D’ailleurs, j’ai été l’un des premiers en France à utiliser ringard. Mais ce n’est jamais un exercice imposé, et je
la Whammy. Sur Blast Culture, le premier FFF, il y en a tente à chaque fois une approche différente, pour que
partout, parce que Bill Laswell, le producteur, venait de chaque solo ait son identité.
recevoir le proto.
7 / « TROUBLE ON THE WIRE »
4 / « WHAT AM I SUPPOSED TO
DO » CETTE FOIS, ON EST VRAIMENT DANS UN DÉLIRE À LA
BLACK KEYS ÉPOQUE BROTHERS/EL CAMINO…
INTRO AUX CONGAS ET AMBIANCE AFRO-CUBAINE… TU Ouais ouais, je prends ! J’adore les Black Keys. On m’a
PENSAIS À SANTANA ? aussi dit que ça ressemble à Steely Dan. C’est un morceau
Ouais à lui, et aussi à Marvin Gaye. On avait posé en question-réponse avec les deux guitares, qui pour moi
une version très live en studio, mais le
résultat me semblait trop conventionnel.
On est repartis de zéro pour échafauder
cette version plus funk et disco, limite
« princienne ». On l’a « dancefloorisé ».
TON RÔLE DE CHANTEUR-LEADER, TU AS
APPRIS À L’ASSUMER GRÂCE À BLACK
MINOU ?
Oui entre autres, et aussi en jouant avec
Johnny. Tous les soirs, je prenais une leçon
en étant aux premières loges. Je l’écoutais
chanter, bien sûr, mais j’ai pu voir à quel
point il s’investissait dans les chansons. C’est
une chance d’avoir accès à un tel métier.
5 / « GIRLS »
POUR MOI, C’EST TON HOMMAGE AUX RITA

A33
 TRACK BY TRACK

est plutôt une référence aux Strokes. Le solo harmonisé,

je l’ai conçu comme un hommage à Thin Lizzy et à
Prince. J’ai joué les deux parties. On passe par plein
d’ambiances, avec le passage psyché du milieu et cette fin
avec un arpège joué à la douze cordes.

8 / « BAD HABIT »
C’EST UN MORCEAU QUE TU AURAIS PU COMPOSER POUR
FFF, NON ?
Ouais, complètement ! Je suis désolé les mecs ! FFF,
c’est aussi mon groupe et une partie de ma vie et de
mon identité, alors forcément, ça transpire. Les chœurs
au départ évoquent Queen, et il y a plein d’éléments
rythmiques qui rappellent Off the Wall de Michael
Jackson. Le solo est doublé à l’identique avec plein de
phaser. Moi j’aime le rock’n’roll et le funk, James Brown
et les Stooges, Marvin Gaye et AC/DC… On se refait pas !

9 / « THE END OF THE

WORLD »
COMMENT AS-TU FORGÉ CE BEAU SON
DE TREMOLO ?
C’est une cabine Leslie (un peu gêné
NDLR)… Non en fait c’est un plug,
mais ne l’écris pas (rires). Encore
une fois, le solo est celui de la prise
live. J’ai essayé de le rejouer, mais
je n’arrivais pas à faire mieux. Plus
personne n’enregistre de bons slows façon « Purple
Rain » ou « Still in Love With You ».
TON CHANT EN ANGLAIS EST PARFAIT. TU AS BOSSÉ ?
J’ai bossé très dur avec mon ami Paddy Sherlock, le
tromboniste irlandais de FFF. Je voulais vraiment chanter
en anglais POUR les Anglais. J’en peux plus de ces albums
de groupes français qui utilisent l’anglais avec des fautes
de syntaxe et des maladresses. Paddy m’a aidé à rendre
mes textes crédibles, beaux et poétiques. En studio, Brad
Ackley m’a coaché pour la prononciation.
10 / « VOODOO LOVE »
TU DISAIS TOUT À L’HEURE QUE CETTE CHANSON EST NÉE
DANS UNE CABANE. EXPLIQUE…
Et bien avec Melvil, on a un troisième frangin qui
s’appelle César, qui est un très bon musicien. On se
retrouve régulièrement chez notre père à la campagne,
et après dîner, on va tous les trois avec nos guitares
dans une petite cabane et on fait des chansons jusqu’au
bout de la nuit. Il en ressort beaucoup de conneries,
mais de temps en temps, il y a des chansons hyper
intéressantes qui naissent, et c’est le cas de « Voodoo
Love ». C’est la dernière chanson que nous avons
enregistrée à Ferber, après les sessions du Black Box.
On la jouait avant avec Black Minou, mais la présente
version est plus acoustique, avec
contrebasse, batterie aux balais,
guitare acoustique et mandoline.
L’ambiance bayou avec cette prod
à la Daniel Lanois rend le titre bien
plus intéressant que la précédente version plus rock.
11 / « RUNAWAY »
TA FAÇON D’ATTAQUER LA GUITARE SUR CE TITRE EST
PUREMENT « RON ASHETONIENNE »…
Ouais, dans le mille ! C’est vraiment mon clin d’œil
aux Stooges, un groupe que j’adore, mais encore une
fois à ma sauce avec ce gros synthé derrière. Il fallait
des morceaux plus punk rock et monolithiques pour
contrebalancer avec les trucs dansants. Le riff est
entêtant et obsessionnel à la « TV Eye », même s’il y a un
changement de tonalité sur le solo, que j’ai ciselé avec
une wah RMC. J’espère qu’Iggy Pop ne me fera pas de
procès, ah ah ah.
12 / « BLACK CAT BONE »
LE TITRE EST-IL UN CLIN D’ŒIL À L’IDIOME DU BLUES ET À
MUDDY WATERS ?
Ouais, carrément ! Il doit y avoir plein de morceaux de
blues qui s’appellent « Black Cat Bone ». Dans mon
texte à moi, Black Cat Bone est le nom d’une nana qui se
bagarre dans la vie et qui n’arrive pas à tenir en place. Il
y a trois ambiances. La première partie est soul et psyché,
très 70’s. Ensuite, on passe dans quelque chose de plus
« white funk », façon Stones période Emotional Rescue.
La fin est basée sur un riff hard qui pourrait être d’AC/
DC. Le solo est un peu enterré dans le mix. Je voulais que
ce soit une grosse masse sonore avec tout le groupe qui
déboule, mais que le lead n’attire pas trop l’attention.
13 / « WRONG WAY TO WIN »
Il s’agit du morceau le plus brut de décoffrage de l’album.
Il est très blues façon Lynyrd Skynyrd, mais avec un côté
très Funkadelic en même temps (rires). Là aussi, c’est le
groupe en train de jouer live dans le studio. Nous avons
juste ajouté des détails, des ambiances, de petites touches
de synthé à droite à gauche. Il y a aussi les chœurs de la
fin qui apportent un côté très péplum à la George Clinton.
Le son de batterie craque de partout. On a poussé les
préamplis à fond, et j’adore ça !
14 / « SOMETHING’S GONNA
HAPPEN »
QUELQUE CHOSE VA SE PASSER PAR RAPPORT À TON
DISQUE ET TA CARRIÈRE ? EN POSITIF, BIEN SÛR…
Ah, j’aimerais bien, croisons les doigts ! En fait, c’est une
chanson sur l’incertitude, par rapport à moi-même, mais
aussi mon gamin, parce qu’on ne sait jamais de quoi
l’avenir sera fait. L’atmosphère rappelle Al Green et les
Beatles. On retrouve ce mélange de boîtes à rythmes avec
de la batterie, et un imbroglio de guitares et de Moog. Il
y a un solo d’harmonica à la fin. Je voulais appeler Greg
Zlap pour le jouer, mais finalement, celui que j’avais posé
sur les maquettes plaisait à tout le monde. C’est mon
moment Bob Dylan (rires). •

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RENDEZ-VOUS
 Devin Résonance empathique

Par Ludovic Egraz

Photos : ©Nidhal Marzouk / DR

Clown triste, dépressif chronique, Devin Townsend

Townsend
sait aussi user de son sens de l’humour subtil pour
dépeindre les méandres de l’existence. Le pape du metal
progressif était récemment à Paris pour présenter son
nouvel album Empath, fruit d’une longue période de
doute et de remise en question. Il s’est entretenu avec
Guitare Xtreme Magazine.
“ Il existe une très
légère distinction

L entre ressentir
e petit génie de Vancouver remet le… couvert. Après
une ultime expérience symphonique avec le Devin

réellement une
Townsend Project, le doux psychopathe a décidé de
saborder son beau rafiot, de se remettre en phase
avec son véritable « lui », et d’embrasser pleinement
sa personnalité bipolaire. Cette remise en question, qui
correspond à une bonne grosse crise de le quarantaine, Devin émotion et intellec-
tualiser le fait
l’a documentée dans plusieurs vidéos postées sur YouTube à
divers stades de l’élaboration de Empath, ce nouvel album que
le musicien a vécu comme la grande mutation émotionnelle
de sa vie. Devin était à Paris il y a quelques semaines pour
présenter cette nouvelle œuvre à la presse, un exercice auquel
il n’est toujours pas totalement rompu, même après vingt-
de la ressentir. ”
cinq années de carrière. Le bonhomme plaisante facilement,
mais entre les lignes, lorsque des sujets trop sensibles sont
abordés, on peut se rendre compte que cette bonne humeur
apparente cache une noirceur indicible. Intelligence affûtée
et hyper sensibilité ne forgent que rarement des humains à
l’aise dans leurs baskets. Devin était surtout très content de
nous présenter sa « nouvelle arme de destruction massive », VOUDRAIS TE LA PAYER ?
la version sept cordes de sa Framus Stormbender, qu’il venait Je pense que je vais être un peu court (rires). C’est drôle avec lesquelles tu ne peux pas partir en tournée…
tout juste de rapporter du NAMM, une guitare qu’il a voulu cet engouement pour le vintage… J’ai un très bon pote Personnellement, j’ai d’autres soucis dans la vie.
lourde puissante et très imposante, à l’image de sa musique à Vancouver qui collectionne à fond les guitares rares et
(si vous en doutez, jetez un œil à la vidéo pédagogique un anciennes. Un jour, je jouais chez lui avec une Stratocaster EMPATH EST UNE EXPÉRIENCE ÉMOTIONNELLE PLUTÔT
peu barrée que nous avons tournée en sa compagnie). Après à 300 000 dollars, et je l’ai trouvé assez creuse. Il n’y CHAOTIQUE. ON PEUT RESSENTIR LE PLAISIR QUE TU
une séance photo durant laquelle nous avons pu partager avait pas beaucoup de musique en elle, du moins c’est AS PRIS À LE FAIRE, MAIS ÉGALEMENT BEAUCOUP DE
avec Devin quelques anecdotes concernant Peter Falk et la ce que j’ai ressenti. J’ai pensé que je préférais m’acheter SOUFFRANCE…
série Columbo, nous nous sommes entretenus avec « the une maison et travailler avec une guitare à 2000 dollars Travailler sur cet album a représenté davantage de
artist » au bar d’un hôtel de la Place de Clichy autour d’un (rires). Il y a des gens qui achètent ces guitares pour placer souffrance que de plaisir (rires). Avant de m’attaquer à
café bien noir. Go ! leur argent. D’autres achètent des bouteilles de grands Empath, je me suis retrouvé en face d’un terrible constat :
crus, ou des montres de luxe… (il se marre NDLR). Au depuis des années, je travaillais en pilote automatique.
(DEVIN PARCOURT LES PAGES DE GUITARE XTREME ET final, de quoi parle-t-on ? De vin que tu ne peux pas Je pensais ressentir ma musique alors que ce n’était
TOMBE SUR LA TELECASTER DE JEFF BUCKLEY)… TU boire, de montres que tu n’oses pas porter, et de guitares plus du tout le cas. Il y avait comme un mur qui s’était

A37
érigé entre mon âme et mes émotions. En attaquant ce
nouveau projet, j’ai pris la décision de défoncer ce mur.
J’ai souffert pour y parvenir, mais je ne me plains pas,
parce qu’aujourd’hui, j’ai l’impression de revivre en tant
qu’homme et en tant qu’artiste.
AVEC LE RECUL, AS-TU DÉCOUVERT L’ORIGINE DE CE MUR ?
La peur ! Dans le monde d’aujourd’hui, il est devenu
naturel de vouloir se protéger, surtout quand on a
des enfants. Nous sommes constamment bombardés
d’images destructrices, chaotiques, et à un moment
donné, quand on a une tendance à ressentir les choses
de façon exacerbée, il faut se protéger de toute cette
violence, de toute cette laideur. Je ne supportais plus
de voir des enfants crever en Syrie, je ne pouvais plus
encaisser toute cette horreur… Je me suis protégé en
construisant ce mur. Ma vie a vraiment changé quand j’ai
fondé une famille, je veux dire… Quand j’ai commencé à
avoir peur pour d’autres personnes que moi-même.
POUR UN ARTISTE COMME TOI, LE FAIT DE SE PROTÉGER DE
CETTE FAÇON N’EST-IL PAS CONTRE-PRODUCTIF ?
Mais si, absolument ! En tant qu’artiste, je travaille
avec mes émotions. Si je m’en protège, alors à quoi
bon continuer de composer de la musique. Mon art
A38
commençait à s’appauvrir, et même dans ma vie de
tous les jours, je devenais impassible face à certaines
situations, et une petite lumière rouge s’est mise à
clignoter dans mon subconscient comme pour m’alerter :
« Réagis Devin ! Ce n’est pas normal ». Ma première
décision a été d’arrêter le Devin Townsend Project. Avec
le recul, j’ai composé beaucoup trop de musique pour
ce groupe sous l’influence de ce filtre émotionnel. J’ai
décidé de m’entourer d’autres personnes, de passer à
autre chose et d’entamer une sorte de thérapie.
VEUX-TU DIRE QUE TU JOUAIS UN RÔLE LORSQUE TU
COMPOSAIS POUR DTP ?
Ce n’était pas comme jouer un rôle, non, mais il existe
une très légère distinction entre ressentir réellement une
émotion, et intellectualiser le fait de la ressentir. Tu peux
te persuader que tu viens de passer une bonne journée
parce qu’il faisait beau et que tu as passé un bon moment
avec tes amis au restaurant. Tu le sais, mais le ressens-tu
réellement ? J’ai passé cinq ans à intellectualiser tout un
tas de concepts comme la mort, le bonheur, l’amour…
Tu comprends ce que je veux dire ? Être amoureux
de quelqu’un, c’est dangereux, il faut s’exposer
émotionnellement, risquer de souffrir. Intellectualiser
le fait de l’aimer, c’est plus rassurant. Je traversais donc
une période déstabilisante. Mes enfants grandissaient,
mes parents commençaient à devenir vieux… tout cela
a commencé à me terroriser, et d’une certaine façon,
je ne vivais plus vraiment. J’étais devenu une sorte de
machine.
QUEL A ÉTÉ L’ÉLÉMENT DÉCLENCHEUR DE CETTE REMISE EN
QUESTION ?
C’est une vision qui m’a permis de sortir de ce cercle
vicieux. J’ai vu une image de ma vie et ma musique, et
j’ai réalisé qu’elles devaient toutes deux parfaitement
s’imbriquer comme deux pièces étant les contreparties
l’une de l’autre. J’ai aussi vu la route sur laquelle j’étais
engagé et j’ai aperçu au loin un glissement de terrain. Cet
évènement inattendu, c’était Empath. J’ai sorti ma pelle
pour creuser la terre et me frayer un nouveau chemin,
et… Je suis là aujourd’hui (sourire).
L’EMPATHIE EST-ELLE SELON TOI LA CLÉ QUI POURRAIT
SAUVER L’HUMANITÉ ?
Je vais être parfaitement clair : je n’ai aucune solution
concrète à proposer pour guérir ce pauvre monde. Si je
me fie à mon expérience limitée d’être humain flippé
et torturé, je sais qu’une once d’empathie permet aux
gens de communiquer et de se sortir de certains blocages
inextricables. Comment réussir à faire dialoguer un
groupe de viandards avec un groupe de vegans ? Des
gens foncièrement politisés à droite et des communistes
convaincus ? Des riches ultra-libéraux et des prolétaires ?
Des pacifistes et des membres de la NRA ? Difficile… Dans
la vie, peu de choses sont noires ou blanches. Tout est
plus ou moins gris, ce qui représente une infinité de
nuances. Alors en communiquant les uns avec les autres
et en s’écoutant, les gens finissent par se comprendre
un peu mieux, et lorsque l’on parvient à faire preuve
d’empathie envers d’autres personnes, on peut arriver à
se dire : « Je ne suis pas d’accord avec toi, mais j’arrive à
comprendre pourquoi tu vois les choses de cette façon ».
Le monde ne peut que s’améliorer si nous tendons à aller
dans cette direction.
PENSES-TU QUE LA RÉALISATION D’EMPATH AIT JOUÉ POUR
TOI UN RÔLE CATHARTIQUE ?
Je le pense, même si ce n’est jamais dans cette intention
que je fais des albums. Nous vivons tous des expériences
profondes dans la vie : accueillir un nouvel enfant,
tenir dans nos bras un être cher qui est en train de
partir, un accident, une expérience traumatisante, ou
bien tout simplement le fait de contempler le ciel un
soir et de ressentir qu’il y a peut-être dans cet univers
quelque chose qui nous dépasse totalement. C’est de
ces moments-là que vient la créativité, du moins je le
pense, et à la base, quand je crée de la musique, mon
intention n’est jamais de me guérir, mais de retranscrire
émotionnellement ces expériences de la façon la plus
juste possible. Dans cette situation, je me trouve dans
un endroit où je ne suis plus vraiment moi-même.
Dans cet état, l’auto-analyse ou la volonté de vouloir
guérir serait improductif. En fait, je n’y pense pas du
tout, mais le fait d’affronter mes angoisses et de réussir
à les exprimer musicalement me fait beaucoup de bien.
Cette « guérison » est en réalité un sous-produit de mon
travail.
L’ÉNERGIE DE CE DISQUE ÉMANE D’OPPOSITIONS
CONSTANTES : LA BRUTALITÉ ET LA DOUCEUR, L’AMOUR ET
LA HAINE, L’HARMONIE ET LE BRUIT…
C’est comme la vie, mon ami, et la musique reflète la
vie. Comme je le disais, à une époque, je contrôlais les
choses : « Dans cette chanson, je veux apparaître comme
quelqu’un de positif ». Je pouvais le faire, mais ce n’était
pas vraiment moi. Nous en avions déjà parlé, je souffre
de bipolarité, et mon état émotionnel s’apparente à des
montagnes russes. Si je m’exprime en étant réellement
moi-même, il y a forcément beaucoup de forces
contraires qui s’affrontent. Au fond de moi-même, les
ténèbres et la colère occupent une place importante, et
je ne peux rien y faire. Mais je n’aurais jamais accepté de
redevenir moi-même sans laisser une place à l’espoir. Je
lutterai jusqu’au bout contre la dépression, et je refuse de
la laisser me définir.
LE CÔTÉ CYCLOTHYMIQUE DE TA MUSIQUE EST DONC LE
REFLET DE CE QUI SE PASSE DANS TA TÊTE…
N’est-ce pas la même chose pour tout un chacun ? Tu
peux te réveiller très dépressif et te sentir mieux en
“ Si je me fie à mon expérience limitée d’être
humain flippé et torturé, je sais qu’une once
d’empathie permet aux gens de communiquer et
de se sortir de certains blocages inextricables. ”
buvant ton café. Et puis lisant tes e-mails, tu découvres
une facture qui te met le moral dans les chaussettes. Tu
retrouves un peu de quiétude en discutant au téléphone
avec un ami, et tu t’effondres à nouveau parce que ton
chien est malade (rires). On peut traverser tous ces états
émotionnels en seulement quelques heures, et il faut
bien apprendre à surfer sur ce merdier pour pouvoir
survivre (rires). Certaines personnes acceptent les choses
qui se présentent à eux avec une certaine désinvolture,
tandis que d’autres sont constamment flippés de ce
qui leur arrive, ce qui est mon cas. Ma musique reflète
exactement cet état d’esprit.
AS-TU UNE VISION D’ENSEMBLE DE TES
MORCEAUX, OU BIEN ASSEMBLES-TU DIFFÉRENTES
PARTIES POUR FORMER UN TOUT ?
Il m’arrive de fonctionner des deux façons…
Quand j’écoute Mr Bungle ou certains groupes
japonais que j’aime et qui pratiquent une
musique assez déstructurée, j’ai l’impression
qu’ils cherchent sciemment à choquer l’auditeur
en passant du coq à l’âne, à le provoquer d’une
certaine façon. Ma démarche avec cet album a
été simplement de suivre mes émotions sans
aucune retenue. Si je me trouvais dans une
ambiance grind, je faisais du grind à fond…
Si je me trouvais dans un état d’esprit new
age, je composais quelque chose de plus
onirique, et quand j’en avais marre
et que je voulais m’amuser avec des
textures instrumentales, je me
lançais dans l’écriture d’un
mouvement symphonique.
CE VOYAGE ÉMOTIONNEL NE
RÉSUME-T-IL PAS TOUTES LES
FACETTES MUSICALES QUE TU AS
DÉVELOPPÉES DURANT TA CARRIÈRE ?
Si, absolument ! Et d’ailleurs,
j’avais toujours été assez craintif
à l’idée d’exprimer toutes ces
facettes au sein d’un seul
et même album. J’étais
d’ailleurs conforté dans
cette position par les labels
avec lesquels j’ai travaillé.
Pour eux, me laisser faire un
album regroupant des éléments
d’Ocean Machine,, de Strapping
Young Lad, et de Synchestra avec des ambiances
planantes à la Ki aurait été un suicide commercial. Cette
fois, j’ai envoyé balader toutes ces considérations.
TU AS SOLLICITÉ BEAUCOUP D’ARTISTES POUR PARTICIPER À
EMPATH . ÉTAIT-CE CRUCIAL DE LES AVOIR À TES CÔTÉS ?
Ça l’est devenu au bout d’un moment, oui, parce que
ce sont des amis, et ils m’ont beaucoup soutenu dans
cette épreuve. Tous les artistes passent par des périodes
de névroses quand ils travaillent sur un nouveau projet,
avec tous les doutes existentiels que cela implique, et
comme j’ai la chance d’être pote avec des musiciens
très talentueux partout dans le monde, et qui en plus
partagent mon éthique, c’était très réconfortant de
pouvoir leur demander des conseils, d’échanger avec
eux, et de les solliciter musicalement. Ils m’ont tiré
vers le haut… Je pense à Mike Keneally, à Morgan
Agren, à Steve Vai, et plein d’autres que je n’ai pas
mentionnés dans le dossier de presse, mais sans qui ce
disque n’aurait pas été le même.
MIKE KENEALLY EST EN QUELQUE SORTE LE
CO-PRODUCTEUR DE L’ALBUM. QUEL A ÉTÉ PRÉCISÉMENT
SON RÔLE ?
C’était un peu particulier. Je voulais juste bénéficier de
sa présence, qu’il soit lui-même, et qu’au besoin, il soit
là pour me conseiller et me nourrir de sa créativité. Je ne
voulais pas d’un producteur à proprement parler. Je lui
ai dit : « Je voudrais que tu viennes avec moi en studio à
Vancouver. Tout ce que tu auras à faire, c’est de t’assoir
et de boire du vin pendant que je travaille. Je sentirais
ta présence, et je pourrais à tout moment te poser des
questions et te demander ton avis ». Sa présence a été
cruciale pour moi, surtout au moment du
mix, où je n’arrivais plus trop à m’en sortir.
Bien sûr, il a également joué un peu de
guitare. J’aurais eu tort de m’en priver.
STEVE VAI A POSÉ UN TRÈS BEAU SOLO SUR
« SINGULARITY »…
Au départ, c’est mon pote Vernon Reid
qui était supposé jouer sur ce morceau,
cependant, nos plannings ne
collaient pas. C’est à ce moment que
Vai m’a proposé un coup de main, ce
qui m’a fait immensément plaisir.
TU AVAIS CHANTÉ « THE LAST
CHORD » SUR L’ALBUM BONUS DE LA
A39
RÉÉDITION DE PASSION AND WARFARE. VOUS N’ARRÊTEZ
PAS DE VOUS TOURNER AUTOUR…
« The Last Chord » a été une très belle expérience, et…
Je ne devrais peut-être pas en parler, mais nous sommes
actuellement en train de composer de la musique
ensemble, et c’est vraiment génial ! Cependant, je ne
veux tirer aucun plan sur la comète. Attendez-vous tout
de même à voir éclore un projet commun dans les cinq
années à venir. Nous avons composé une chanson qui
s’appelle « Stargasm » et qui est juste hallucinante. Je
comptais l’inclure dans cet album, mais j’ai préféré la
garder au chaud pour ce projet commun.

MALGRÉ VOS DIFFÉRENCES, VOUS VOUS RESSEMBLEZ

BEAUCOUP, STEVE ET TOI…
Oui, je suis assez d’accord. Quelque chose de fort nous
relie sur le plan spirituel. Bon, en tant que mec, je
suis quand même un peu plus simple que lui. Je suis
une sorte de Steve Vai en moins rococo, avec moins de
fioritures (rires).

POUR PARLER DE QUELQU’UN QUI NE TE RESSEMBLE PAS

DU TOUT, CETTE COLLABORATION AVEC CHAD KROEGER DE
NICKELBACK EST TRÈS ÉTONNANTE…
Tu trouves ? Chad a eu beaucoup d’influences sur ce
disque. A la base il avait un… disons-le comme ça, faire
de l’argent est parfois compliqué (rires). Je voulais que
Chad partage avec moi ses petites recettes d’écriture.
J’avoue que ça me tentait bien (sourire). Cependant,
son influence a été toute autre. Il m’a fait comprendre
que la pop, ce n’était pas pour moi, que je ne devais pas
me compromettre et me concentrer sur mes chansons
bizarres. Cela a été comme un cadeau du ciel !
QUELLES SONT LES GUITARES QUE TU AS UTILISÉES DURANT
LES SESSIONS DE EMPATH ?
J’ai utilisé ma Framus Stormbender six cordes, que j’utilise
depuis quelques années déjà. Elle possède un corps très
résonnant en acajou, une table en érable qui apporte
du claquant, un manche collé en érable et une touche
ébène. Le diapason est de 25,5’’. Elle est équipée de micros
Fishman spécialement créés pour moi, qui mélangent des
aimants alnico et céramique. Grâce au système Fluence de
Fishman, je peux avoir accès d’une part à un son metal très
puissant, et de l’autre à un son low gain plutôt vintage.
C’est un peu comme avoir un EMG 81 et un bridge de
Telecaster dans un seul et même micro.
TU AS ENREGISTRÉ EMPATH AU ARMOURY STUDIO DE
VANCOUVER RÉPUTÉ POUR SA VASTE COLLECTION D’AMPLIS.
EN AS-TU PROFITÉ ?
Oui, et à vrai dire, en travaillant aussi longtemps dans
ce studio, j’ai dépensé beaucoup plus d’argent que je
n’aurais dû. Bref… Ils possèdent également l’un des
parcs micros les plus déments que j’ai eu l’occasion de
voir. J’ai fait ma petite cuisine avec tout ça, et puis… J’ai
honte de le dire, mais de retour à la maison, j’ai tout
réampé avec le Axe-FX (regard penaud NDLR). J’ai quand À ÉCOUTER
même gardé quelques pistes enregistrées avec une tête Devin Townsend - Ocean Machine: Biomech (1996)
Boogie Triple Crown, ainsi que pas mal de parties clean Strapping Young Lad - Alien (2005)
sur « Castaway » et « Singularity » faites avec une vieux Devin Townsend Project - Ki (2009)
Fender Bassman redoutable. Je suis finalement assez Devin Townsend Project - Addicted (2009)
partagé dans cette histoire de « lampes versus digital ».
Ma nouvelle configuration pour le live est hybride, et À VOIR
crois-moi, ça sonne incroyablement bien. DEVIN TOWNSEND: Empath Documentary Episode
4 - «The People»
TU APPARTIENS MALGRÉ TOI À L’ÉLITE MONDIALISÉE. EST- https://youtu.be/wBKyx76-rWQ
CE PARFOIS DIFFICILE DE RESTER CONNECTÉ AUX « GENS Devin Townsend Project - Stormbending
D’EN BAS » ? https://youtu.be/YhcoLO8vZZU
Déjà, je pense que ton jugement est erroné.
Effectivement, mon statut d’artiste m’a permis de ENDORSEMENTS
m’élever socialement, et de rencontrer beaucoup de gens Framus & Warwick, Fractal Audio, Dunlop/MXR, Fishman
Pickups, Evertune
importants, mais financièrement parlant, j’appartiens
ni plus ni moins à la classe moyenne. Je ne suis pas CONTACT
quelqu’un de riche, et je garde bien les pieds sur terre. Je www.hevydevy.com
pense que les artistes qui perdent le contact avec la réalité @dvntownsend
ont déjà franchi un certain taux d’imposition, et je n’en
@dvntownsend
suis pas encore là (rires).•
@dvntownsend

A40
www.adagiofrance.fr/prs-guitares
GUITARE THÉRAPIE

OPTIMISATION DU LEGATO
Dans l’arsenal digital du guitariste moderne,
le technique du legato (ou jeu en liaisons)
est probablement l’une des plus difficiles à
appréhender, car très exigeante sur le plan
musculaire. Pour le néophyte, il s’agit d’exciter
au minimum les cordes avec le médiator, et
de générer le phrasé avec les doigts de la
main gauche qui sont amenés à travailler en
« martelage » (hammer-on) et en « arrachage »
(pull-off), tout cela dans des positions qui
sollicitent beaucoup les muscles de l’avant-
bras, et avec des temps de repos très brefs, voire inexistants. L’endurance et la précision
sont donc des enjeux essentiels dans la maîtrise de cette technique, et pour cela, la
position adoptée par le guitariste doit être absolument optimale (bon alignement
des doigts effecteurs, positionnement du poignet). L’enjeu : développer une action
très vive et précise dans un contexte de détente globale.
Par Xavier Ottavioli

PETIT RAPPEL : 1 ] L’EFFET TÉNODÈSE : UN ALLIÉ PUISSANT

Hammer-on : Dans le sens ascendant, les doigts frappent les cordes comme des marteaux
pour émettre les notes.
Pull-off : Dans le sens descendant, les doigts fonctionnent comme des médiators, tirant
légèrement sur la corde et la relâchant pour émettre les notes.
L’effet ténodèse désigne un phénomène mécanique naturel lié aux muscles et aux tendons.
Lorsque vous fléchissez (ou cassez) votre poignet, notez que vos doigts vont se tendre légèrement
sans même que vous n’ayez à y penser. À l’inverse, lorsque votre poignet se met en extension,
vos doigts auront tendance à se plier d’eux-mêmes. Il s’agit de l’effet ténodèse, qui est
induit par la longueur des muscles et des tendons. Nous allons nous servir de ce mécanisme
purement naturel afin d’optimiser la détente globale de notre main et de notre legato.
Pour ce faire, nous allons adopter une position de main gauche avec le poignet légèrement
fléchi. L’effet ténodèse va tout simplement effectuer une partie du boulot à notre place,
et grâce à lui, nos doigts vont être capables d’agir avec beaucoup de répondant sur de très
courtes distances. L’autre bénéfice non négligeable, c’est que les doigts qui ne jouent pas
vont rester plus facilement dans un état de détente relative. Puisqu’ils vont se retrouver
en légère extension, il ne sera pas nécessaire de les « écarter » des cordes activement, ils
se retrouvent d’eux-mêmes à distance du manche. On dit souvent que le secret d’un bon
legato est de pouvoir agir en souplesse dans un état de légère tension. C’est l’effet ténodèse
qui nous permet d’accomplir ce petit miracle.
Note 1 : Plus les écarts entre les doigts sont importants, moins les bénéfices de l’effet
ténodèse sur la souplesse et la vélocité deviennent probants, car les muscles doivent se
contracter pour aider la main à conserver une construction posturale plus contraignante. Les
tendons coulissent donc moins facilement. Dans ce cas, les guitaristes dotés de longs doigts
sont clairement avantagés. Les autres devront travailler leurs extensions en douceur pour
assouplir leurs structures musculaires et articulaires (mais aussi trouver « cognitivement »
le tonus le plus optimal, pour que le cerveau soit capable de gérer le meilleur compromis
entre action et détente grâce à l’acquisition fine du geste), mais attention aux blessures.
Note 2 : Un poignet trop cassé amplifie l’effet ténodèse de manière inappropriée. Trop en
extension, il leur faudra générer un effort trop contraignant pour jouer. De même, si le
poignet se positionne en extension, les muscles devront fournir beaucoup plus d’énergie pour
produire un legato harmonieux et percuter les cordes avec énergie. Les muscles fléchisseurs
se retrouvent avant même de jouer en position de flexion presque maximale, il leur est donc
difficile d’augmenter encore leur travail pour jouer dans cette position.

2 ] L’INSTALLATION DU POUCE DERRIÈRE LE MANCHE

Nous en avions déjà parlé dans une rubrique précédente : un pouce en extension et incurvé
derrière le manche bloque l’articulation et occasionne des tensions inutiles, voire dangereuses,

A42 www.guitarextrememag.com
dans la main et dans les doigts. Non seulement cela entrave la
fonctionnalité d’un bon nombre de muscles de la main, mais
cela annihile également les bienfaits de notre fameux effet
ténodèse. En plus de contrecarrer cette tension, le guitariste
devra mettre davantage de force musculaire dans son jeu, ce
qui peut avec le temps occasionner des tendinites au niveau
du poignet et du coude. Pour faire une analogie, ce serait
comme conduire une voiture en appuyant simultanément
sur le frein et l’accélérateur.
Idéalement, le pouce devra être légèrement fléchi afin
de totalement libérer les muscles de la main. Modifier ce
positionnement après des années de pratique est difficile,
mais les bénéfices encourus sont inestimables pour votre
jeu et votre santé.
Dans la pratique du legato, le pouce doit agir comme le
pilier de la main. Il assure de la stabilité à votre dispositif
main/doigts tout en étant extrêmement mobile, se déplaçant
de façon transversale et horizontale sur le manche afin de
pouvoir suivre le parcours des doigts sur les différentes cordes
et en fonction des différentes positions adoptées. Son rôle
est de constamment soulager les tensions, et c’est lui qui
aidera votre main à fonctionner le plus souplement possible
dans des configurations nécessitant beaucoup d’amplitude.
Dans le cas d’une position induisant un écartement extrême,
réfléchissez toujours au positionnement de votre pouce. En le
déportant vers le bas du manche ou légèrement en arrière, vous
trouverez un appui plus confortable qui libérera votre main.
3 ] LES POINTS D’IMPACT SUR LES CORDES
Beaucoup de mes patients, parfois des musiciens confirmés,
ont tendance à chercher le point de contact entre le doigt
et la corde au niveau de la base de la dernière phalange, et
non sur le haut de cette dernière au niveau de la pulpe. Cela
crée une cinétique un peu perturbée avec des doigts agissant
A
dans une extension globale, avec beaucoup de tension. De
fait, la flexion d’effectue à la base des doigts, au niveau de
l’articulation métacarpo-phalangienne. Si cette mauvaise
habitude prodigue de la force, elle n’est pas du tout efficace
dans la vélocité et la précision. Elle en est même dangereuse
puisqu’elle empêche la bonne construction posturale de la
voûte de la main. Il suffit d’observer votre main lorsque vous
jouez de la sorte pour vous apercevoir que la voûte s’efface
alors et que des tensions importantes peuvent apparaître
sur le dos de la main. Il est préférable de chercher un point
de contact avec le sommet de la pulpe du doigt (mais pas
trop proche de l’ongle non plus) afin de favoriser la flexion
des doigts, car c’est elle qui va nous prodiguer la vélocité et
la précision dont nous avons besoin.
Note : Plus le sommet de cette pulpe est dur et « corné », Contacts :
plus la précision de l’impact sera effective, les doigts frappant Xavier Mallamaci, 34 Rue Jules Brunard 69000 Lyon
les cordes comme de petits marteaux. N’hésitez pas à vous Facebook : Thérapie corporelle du musicien
reporter à notre rubrique relative à la respiration (Guitare www.kine-musiciens.fr
Xtreme n°89). L’oxygénation musculaire impacte drastiquement E-mail : xm.formation.musiciens@gmail.com
votre endurance.•
A43
SONIC
FACTORY

LE
WET
DRY
WET

Les maîtres du métier, qu’ils jouent live ou en studio, nous éblouissent souvent par la qualité et la EN PRATIQUE, ON FAIT
transparence de leur son. Bien sûr, l’expérience et les doigts parlent d’eux-mêmes et représentent COMMENT ?
une part non négligeable de l’équation, mais il y a aussi des secrets de fabrication, des astuces de Alors c’est bien beau, mais tout cela étant dit, il va
pro que vous pouvez reproduire avec un peu de moyens dans votre home studio ou en concert avec falloir mettre les mains dans le cambouis. Tout d’abord,
votre groupe, et qui pourraient bien transfigurer votre son. Stephane Herbuel est une épée du milieu a-t-on nécessairement besoin de trois amplis pour une
marseillais, un vétéran du métier qui parcourt actuellement les routes de France avec Jean-Baptiste telle config ? Pas forcément, comme nous allons le voir.
Guegan et son spectacle La voix de Johnny. Ce grand passionné partage ici son savoir en matière de
MISE EN ŒUVRE :
matos et quelques infos de terrain d’une rare préciosité. Profitez-en !
Il vous faudra deux éléments primordiaux :
A : Un multi-effet pour la reverbe ou delay possédant
une fonction « kill dry ». Cette dernière permet de
Par Stephane Herbuel ne laisser passer que l’effet et non le son direct pour
alimenter les baffles wet (un peu comme « retour
LE WET DRY WET, LES AVANTAGES DU d’effet » en studio).
C’EST QUOI ? WET DRY WET B : (sauf pour la méthode « Carlton ») La possibilité de
Lorsqu’on joue en mono, le son ne sort que sur un L’avantage essentiel de ce système, c’est que l’enceinte récupérer le signal en niveau ligne après le power amp
seul ampli. En stéréo, logiquement, il en faut deux. ou baffle « dry » ne restitue que du son « direct », de l’ampli « dry » (ceci afin de récupérer tout le grain
Pour la configuration wet dry wet que je vous propose c’est-à-dire un son intègre qui n’est pas pollué par les de l’ampli principal) avec un appareil de type « Rat
d’étudier ici, il nous en faudra… trois. Sur le premier reverbe ou delay. Cela permet au guitariste de gagner valve amp speaker load » par exemple, qui se connecte
sortira uniquement le son « dry », c’est-à-dire le son énormément en précision et de jouir d’un son beaucoup entre la sortie power amp et le baffle, et qui possède
brut de la guitare avec les effets de « traitement » ou plus réactif. Ce n’est pas un hasard si le Wet Dry Wet une sortie ligne qui
de « grain » (overdrive, distorsion, fuzz, compresseur, est utilisé par des pointures du métier, comme Eddie servira à alimenter
égaliseur, wah, etc). Les deux autres, quant à eux, Van Halen, Larry Carlton, Eric Johnson, Steve Lukather, le multi-effet pour
recevront uniquement les effets de spécialisation Mike Landau, et plus près de chez nous, Jean-Michel le « wet »
(reverbe, delay, entre autres). Kajdan ou Kamil Rustam.
1 ] LA MÉTHODE
Note : Ce système Wet Dry Wet peut également se révéler STEVE LUKATHER
Les enveloppes type chorus, flanger ou phaser se salutaire pour les guitaristes qui jouent avec un ampli Luke, par exemple,
placent selon les goûts sur l’ampli « dry », ou pour à faible wattage désirant bénéficier pleinement de la utilisait trois baffles
un effet beaucoup plus prononcé sur les baffles saturation de l’étage de puissance et du grain inimitable CAE avec un ampli de
« wet ». que cela procure. En mono, avec les effets, on obtient puissance VHT mono
une bouillie sonore. pour le « dry » et un

A44 www.guitarextrememag.com
autre ampli de puissance VHT stéréo pour alimenter
les deux enceintes « wet ». Il s’agit de la meilleure
solution, mais il faut prévoir trois micros pour la repique,
et accessoirement avoir des vertèbres en bonne santé
pour tout transporter de gig en gig.
2 ] LA MÉTHODE
MIKE LANDAU
Laundau utilise
quant à lui son
ampli principal pour
le « dry », et pour le
« wet » il alimente
deux cab de 2x10’’ avec
un ampli à transistor
stéréo. Comme il
récupère le signal après
la section puissance de
son ampli principal,
les amplis « wet » n’ont pas besoin d’être à lampes.
Le fait que les deux « wet » soient alimentés par un
ampli à transistors présente même des avantages (plus
neutre et droit).
Précaution d’usage :
La seule chose délicate dans cette dernière
méthode, c’est que le micro qui repique l’ampli
peut aussi repiquer d’autres instruments
dans l’environnement immédiat du guitariste
(batterie, basse, etc.) et du coup leur appliquer aussi du delay si ce dernier est réglé trop présent. On
peut opter pour le même système, mais préférer, plutôt que le micro pour alimenter le « wet », un
lecteur d’IR ou un simulateur de HP type Torpedo ou Palmer. Ainsi, on est safe sans risque de repique.
Inconvénients :
Si on opte pour le système Lukather/Landau, il y a trois micros de repique. Il va falloir négocier avec
l’ingénieur du son de votre tournée, et surtout lui faire pleinement confiance quant au mix dry/effets.
Enfin, si vous prémixez vous-même votre dry/wet avec le système Carlton/Johnson, l’ingénieur recevra
un droite/gauche qui devra être bien équilibré, autrement, il risque de ne pas avoir assez d’effets ou
au contraire d’en avoir trop. Il faudra donc être particulièrement précis.
Variante :
D’autres guitaristes, à l’instar de Scott Henderson, ne font qu’un simple « dry/wet ». Le principe est le
même, avec un ampli pour le « dry » et un pour le « wet ». Les effets sont donc en mono. Pour l’avoir
vu en master class évoquer ce point, il a vraiment insisté sur le fait qu’avoir le « dry » et les effets
séparés fait tout de même une énorme différence sur le son ainsi que sur le ressenti. A vos essais !•

3 ] LA MÉTHODE
LARRY CARLTON /
ERIC JOHNSON
Ici, nous sommes dans
une tout autre vision du
Wet Dry Wet : Carlton
repique son ampli
principal, une tête
Dumble et un baffle 1x12’’, avec un micro sur une table
de mixage. De cette mixette, il met ses effets « wet » en
auxiliaire et envoie le résultat sur la façade (comme on le
ferait pour un chanteur), et pour son écoute du « wet »,
il prend deux retours EON « pleine bande » (comme
une sono quoi). Le gros avantage de cette méthode est
que l’on n’a besoin que d’un ampli et d’un seul micro.
Mieux : si on joue avec des ear monitors, ce n’est même
pas la peine d’avoir des EON en retours ! Un ampli, une
mixette et on a un Wet Dry Wet !

A45
GUITAR
BUSINESS

LOÏC LE PAPE Punk is steel alive

Dans le paysage musical français, il y a des musiciens, bien sûr, mais aussi des fabricants de matériel, et certains d’entre eux n’hésitent pas à sortir des sentiers
battus pour proposer des instruments qui leur ressemblent comme deux gouttes d’eau, à l’image de Loïc Le Pape, luthier punk qui a choisi de s’exprimer avec
l’acier et non le bois, et qui forge dans son atelier du Puis-en-Velay des guitares de caractère, en mode total DIY. Loïc, dans la profession, c’est un personnage
fort en caractère et en gueule, un passionné écorché vif au débit de paroles impressionnant, et si le ton monte facilement lors des conversations, c’est que
chez lui, la tendresse et la colère viscérale représentent les deux pôles de sa personnalité. Pour Loïc, créer de la musique et des guitares représente un acte
militant, et sa petite entreprise de métallurgie, il ne l’envisage aucunement dans une vision capitaliste du monde. Grossir ? Rêver d’Amérique et de gros
marchés ? Très peu pour lui, qui considère que ce modèle capitaliste est justement celui qui rend les gens malheureux. Son ambition profonde reste de vivre
honnêtement de sa passion et de se nourrir du vécu de ces humains qu’il rencontre à longueur d’année, guitaristes pour la plupart, et avec lesquels il partage
des valeurs fondamentales, telles que l’empathie, l’humanité, l’intégrité, peu importe leur milieu et leur culture. Nous avions fait la connaissance de ce luthier
hors-normes il y a quasiment 10 ans, lorsqu’il avait forgé l’XploRat de notre collaborateur Judge Fredd. Quelques centaines de guitares plus loin, Loïc poursuit
sa route, et ses instruments font le tour du monde, notamment avec Johnny Depp, qui utilise sa réinterprétation de la Mosrite de Johnny Ramone avec les
Hollywood Vampires. Sa plus grande récompense reste sans doute la reconnaissance dont il jouit auprès des professionnels et de voir ses guitares jouées sur
scène et en studio par Nono de Trust, Yan Péchin, ou encore Laura Cox. Guitare Xtreme a voulu en savoir davantage sur l’homme derrière les guitares, qui a
poussé dans la révolte et la frustration, galvanisé par l’énergie et l’attitude du punk.

Par Ludovic Egraz
UNE PASSION NÉE
DANS LA FRUSTRATION
Loïc grandit à Paris, au sein d’une famille stricte. Son père,
très autoritaire et psychorigide, tente de le maintenir dans
les clous en lui interdisant tout. Il l’empêche notamment
de s’habiller à la mode, une grosse déconvenue pour
le jeune fan de rock qui s’identifie déjà au punk. Au
début des années 80, l’adolescent entre dans une
phase d’opposition phénoménale : « Je commençais à
m’identifier au mouvement punk, qui me ressemblait
étrangement. J’ai dû être le plus jeune punk de la
région parisienne. » Si les USA et l’Angleterre ont été
secoués par le punk à partir de 76/77 (avec les Ramones,
les Clash et les Pistols, notamment), le séisme touche
la France à partir de 79, dopé par une nouvelle vague
de groupes (UK Subs, The Exploited, 999, Discharge,
Vice Squad, les compilations Punk And Disorderly), sans
parler du hardcore (Bad Brains, Dead Kennedys, Hüsker
Dü). Loïc précise : « Il y avait aussi une grosse scène
française, ce qu’on appelait le mouvement alternatif.
Nous ne devions être que quelques centaines de punks à
Paris, mais pourtant ce mouvement a été très reconnu.
Pour moi, ces années ont été les meilleures. Tous ces
superbes groupes, les Bérus, OTH, les Rats, incarnaient
cette déchéance dans laquelle nous nous trouvons
aujourd’hui. Ils étaient visionnaires, prophétiques,
et portés par une démarche très artistique ». Le futur
pape de la guitare acier fréquente les caves de HLM, les
répétitions de petits groupes dans les box de parking,
et assiste à ses premiers concerts : « Mes concerts les
plus fondateurs ont sans doute été ceux des Bérurier
noir à la Mutualité (un moment tellement subversif
que la salle était entourée ce jour-là par 800 CRS NDLR)
et au Printemps de Bourges pour Joyeux Merdier ».
INADAPTÉ MAIS PAS
BRANLEUR
Pour Loïc, il convient de faire une distinction entre un
« branleur » et un inadapté. Il précise : « Le branleur,
c’est le mec qui n’aime rien, qui rejette tout, mais
qui n’apporte aucune proposition. Moi, j’étais un
inadapté. Je ne trouvais pas ma place dans une
société qui voulait m’amener vers un rêve moyen et
standard, alors qu’à l’école, j’exprimais ma différence,
je débordais d’énergie et j’avais beaucoup de choses à
exprimer. Tout ce qu’on me proposait était nul, alors
j’ai refusé de rentrer dans le moule, et d’ailleurs, je
n’y suis toujours pas à 50 piges. Mais je ne suis pas

A46 www.guitarextrememag.com
un branleur, je suis un travailleur. Il ne faut juste pas
me parler d’uniformisation ». L’inadapté quitte donc
le système scolaire conventionnel pour être placé dans
un centre, un lieu de formation alternatif (encore et
toujours) où il retrouve espoir et estime de soi : « Dans
cet endroit, les propositions étaient différentes, et j’ai
trouvé des gens qui m’ont permis de comprendre que je
n’étais pas une grosse merde, que j’étais quelqu’un ».
Déjà artiste et adroit de ses mains, Loïc avait fabriqué
une petite guitare, mais n’en jouait pas encore : « Je
m’intéressais plutôt à la musique dans son ensemble,
mais j’aimais les guitares, sans non plus me pignoler
dessus. Par exemple, je ne suis jamais rentré dans
ce monde du vintage, dans lequel tout le monde
entretient les mêmes rêves ». En classe de dessin, il
réalise une affiche de Cure, qui sera exposée dans le
hall. La conseillère d’orientation le dirige vers une
formation de peintre en lettres aérographiste : « J’avais
l’impression de stagner, de ne pas avoir d’avenir, alors
j’ai suivi cette voie-là, qui m’a permis de m’adapter au
monde du travail. Je faisais des enseignes à la main
avec des pinceaux en poils de martre ». Il devient chef
d’atelier à Bagnolet : « C’était un boulot épanouissant,
j’ai trouvé ma place. J’ai fait ça pendant trois ans ».
Musicalement, à cette époque, il s’engouffre dans le
cold wave et l’after punk, avec Bauhaus et le Cult du
début : « Avant que le groupe ne devienne sans intérêt
en virant hardos », précise Loïc. D’autres groupes encore
très intéressants commençaient à éclore, avec les Pixies
en tête de liste, et aussi les B-52’s. Mais l’urgence n’est
plus au rendez-vous. L’esprit et la pureté du punk se
réincarnent dans le hip-hop : « Quand je suis revenu
à Paris, j’ai découvert le premier album de NTM, qui
a été une baffe monumentale. Je fréquentais le New
Moon, et la scène rock me semblait déjà uniformisée. Je
ne comprenais pas que les mecs, très sectaires, n’aient
pas envie de s’intéresser à un truc exceptionnel qui
était en train de se passer à quelques stations de
métro de Pigalle. Dans le rock, tout m’ennuyait, la
Mano Negra et consorts. Metallica et Slayer, ça ne
pouvait pas me parler, parce que ces groupes thrash
ont suivi les traces de la New wave of British heavy
metal, un mouvement qui s’était constitué sur un
postulat inférieur en termes d’investissement que celui
que j’avais connu. Quand tu as risqué ta vie dans la
rue, tu ne peux pas respecter des mecs qui portent
des perfectos achetés par papa et maman. Pour moi
le heavy metal est une récupération du punk et une
création des maisons de disque. Iron Maiden, c’était
satanique vite fait, ça faisait un peu chier les parents,
mais ça n’empêchait pas les gamins d’aller à l’école
et de rentrer dans le conforme ».
L’AUVERGNE, LA
BÉCANE, LA SCÈNE…
ET LES GUITARES !
Parti vivre à la campagne au Puy-en-Velay (l’amour),
mister Le Pape galère quelque temps dans le bâtiment,
travaillant comme plâtrier et peintre, et vivant dans
des conditions assez difficiles, surtout l’hiver. Curieux
et ambitieux, Loïc s’inscrit dans une petite école de
commerce financée par l’État, ce qui lui permet de
monter une affaire dans la mécanique générale, et
finalement de travailler dans l’enduro (une autre passion
forte), en vendant des motos : « En Haute-Loire, la
compétence artistique, ce n’est pas leur fort. Il ne
se passe rien culturellement. Par contre, ce sont les
meilleurs en enduro, et je retrouvais le côté extrême
et l’excellence du punk dans cette discipline ».
Le virus de la guitare le poursuit également. Sur sa Jim
Harley (on ne rit pas), le keupon taille ses premiers
power chords, et reproduit des morceaux à l’oreille.
Lorsqu’il se fait licencier, vers 35 ans et se lance dans
la musique avec le groupe Brigitte Borderline, qui
obtiendra un beau succès régional, et qui sortira un
album de rock énergique à tendance punk. Entre
l’énergie des concerts et la pratique de l’enduro, Loïc
se blesse au dos et reste sur le carreau : « J’ai eu un
problème vertébral qui m’a beaucoup handicapé. Je
ne pouvais plus forcer. Bloqué chez moi, sans avenir,
j’ai commencé à envisager de développer une activité
me permettant de gérer moi-même mon rythme de
travail. J’ai récupéré une plaque de métal et un manche,
et pour ne pas devenir fou, j’ai fabriqué ma première
guitare, une sorte de Telecaster. J’ai été étonné par
le résultat, et je l’ai vendu assez rapidement. J’avais
trouvé ma reconversion professionnelle, et un espoir
pour subvenir aux besoins de ma famille ». Depuis,
plusieurs centaines de guitares sont sorties de l’atelier
de Loïc, et accompagnent leurs propriétaires (dont de
nombreux professionnels) sur scène et en studio. Il
faut reconnaître que ces dernières années, de plus
en plus de guitaristes succombent aux déesses d’acier
du maestro, qui, même s’il s’en défend, affiche une
certaine fierté :
« Mes guitares ne sont pas conservatrices. Elles peuvent
déstabiliser, mais elles ont des couilles. J’ai même la
certitude que mes guitares sont celles qui sonnent le
mieux au monde. Je le sais, et mes clients le savent
aussi. Je vais sûrement passer pour un connard en disant
ça, mais ce résultat n’est pas le fruit du hasard. J’ai
beaucoup transpiré pour trouver les bonnes recettes.
Certains luthiers sont venus voir comment je travaille,
et ils ont craqué au bout d’une journée. Mon métier
est hyper dur, c’est une galère sans nom. L’acier est
un matériau complexe qui se déforme sans arrêt, et
le maîtriser réclame une longue expérience. Passer un
morceau de bois à la défonceuse, c’est les vacances à
côté ». Tout punk qu’il soit, la clientèle de Loïc n’adhère
pas forcément à cet idiome musical et intellectuel. Pour
l’homme de fer, c’est pas du tout un problème : « Ce
serait vachement prétentieux de ma part. J’aime tous
les gens qui jouent sur mes instruments, il n’y a pas de
hiérarchie, même ceux qui les achètent d’occasion. Le
plus important à mes yeux, ce sont les valeurs humaines.
Beaucoup de personnes pour lesquelles je fabrique des
guitares n’ont pas évolué avec cette culture punk qui
est la mienne, mais elles peuvent partager les mêmes
valeurs que moi, et c’est ce qui m’importe. Un jour un
client m’a commandé une copie d’Ibanez JEM. Sur le
coup, j’ai refusé de la faire. Puis le mec m’a raconté
son histoire, il m’a parlé de sa Bretagne, de la forêt de
Brocéliande, à laquelle il est très attaché, et le projet
a commencé à m’intéresser. On a créé une JEM qui
aurait passé 400 ans dans la forêt de Brocéliande. On
l’a fait rouiller, on a créé des traces de fougère sur la
table, et on a orné la touche d’un arbre de vie… Cela
a été un projet fabuleux ».
PETITE ENTREPRISE
NE DEVIENDRA PAS
GRANDE
Même s’il ressent de sincères émotions lorsqu’il voit
un musicien utiliser ses instrument, Loïc ne trimballe
pas un sac à dos d’égo sur ses épaules : « J’en ai déjà
suffisamment par ailleurs », plaisante-t-il. Ses plus
grandes joies, ce sont les belles rencontres qu’il fait
grâce à son métier, et le fait de partager des histoires
avec les artistes qu’il admire. De même, il ne rêve pas
d’une réussite « à l’américaine » : « Mon ambition est
de rester un artisan et de vivre de mon métier. Cette règle
du capitalisme qui voudrait qu’une entreprise qui ne
grossit pas soit vouée à disparaître, je la trouve débile,
parce que le monde n’est pas en train de progresser.
Il régresse au contraire. Il y a derrière tout cela une
démarche philosophique, voire politique. Je veux
surtout garder mon âme. C’est pour cette raison que
mes guitares ne sont pas hors de prix (entre 2000 et
3000 euros NDLR) même si je ne suis pas certain que
je pourrais m’en payer une en ce moment ».
UN AVENIR
INCERTAIN...
Depuis le début des mouvements sociaux, en novembre,
la passion du métallo de la six-cordes en a pris un
sacré coup dans la tronche. Le bonhomme traverse une
sorte de crise personnelle et professionnelle. Quelques
semaines avant cette interview, il nous confiait même
ne pas être sûr de vouloir continuer à fabriquer des
guitares : « Dans les années punk, on était des parias,
mais il existait une solidarité au sein de cette scène
musicale. Certains faisaient de la musique, d’autres
organisaient des concerts ou faisaient des fanzines, des
émissions de radio. Moi, c’est dans cet esprit-là que j’ai
commencé à fabriquer mes guitares. C’était une façon
de rester connecté à la musique et de m’inscrire dans
quelque chose qui a été important dans ma construction
individuelle. La musique accompagnait voire anticipait
les mouvements sociaux. En ce moment, je me pose
beaucoup de questions. La musique aujourd’hui, ce
n’est plus que du son, du souvenir, du faux-semblant.
Le mot « rébellion » est devenu une marque, alors qu’à
la base, il incarnait quelque chose de dangereux,
qui avait un prix. Donc, je n’attends plus rien de la
musique. Les musiciens n’ont même pas été foutus de
pondre une bande son pertinente pour accompagner
le mouvement des gilets jaunes. J’ai l’impression qu’ils
ne sont plus en phase avec l’époque. Je continuerai
mon métier de luthier, mais je vais certainement me
remettre à faire de la musique, et aussi à chercher des
solutions pour permettre à des artistes, des vrais, de
se développer ». •
A47
VINTAGE MANIAC

1960
N° DE SÉRIE :
0 0626
EDS-1275

A48 www.guitarextrememag.com
 Dès les années 1930, les musiciens américains ont commencé à s’intéresser aux guitares et lap steels à double manche (Jack Penewell, Art Pruneau et
plus tard Joe Maphis, entre autres). Gibson, précédé par Mosrite ou Stratosphere, n’a pas été la première marque à proposer des guitares électriques
à double manche, mais le géant de Kalamazoo est le premier à avoir pris au sérieux ce micro-marché à la fin des années 1950. Ainsi, deux prototypes
furent présentés au NAMM Show de 1957 : la double twelve et la double mandoline. La première, combinant un manche normal de guitare en position
basse et un manche de douze cordes en position haute, sera rebaptisée EDS-1275.

Par Ludovic Egraz

Récemment, le guitariste possède un sacré mojo. Pour la petite histoire, Howe

du groupe Yes Steve Howe
a revendu une bonne
quantité des instruments
mythiques qu’il a utilisés
durant sa prolifique
carrière. Heureusement,
les copains de Matt’s
Guitar Shop étaient sur
le coup, et ils ont réussi à
acquérir ce véritable trésor
lors d’une vente dans le
Connecticut. Cette Gibson
EDS-1275 en finition noire
a été jouée sur tous les
albums essentiels de Yes
et d’Asia. Autant vous
dire que cet instrument
très beau et imposant
avait acheté cette guitare chez George Gruhn au tout
début de l’année 1970. Le guitariste, las de réaccorder
sans arrêt l’instrument ne lui a infligé qu’une seule
modification en remplaçant les mécaniques Kluson
originales par des Grover, beaucoup plus stables. Prêts
pour une autopsie de la bête ?
BLACK SHEEP OF THE
FAMILY
Ce modèle double manche de type demi-caisse a été
fabriqué par Gibson à partir de 1957. On en recense une
petite cinquantaine d’exemplaires, la plupart en finition
blanche ou sunburst. En finition noire, il n’en existe
que trois dans le monde. La rareté et la préciosité de
l’objet frôlent donc le pur délire. La production de la
EDS-1275 a été stoppée en 1963, lorsque Gibson a pris la
décision d’adopter une architecture de type solidbody
pour toutes ses double manches.

A49
VINTAGE MANIAC

Détail intéressant : peu de temps avant de livrer notre exemplaire,

Gibson a dû recevoir une commande spéciale pour un exemplaire
noir au tout dernier moment. Ainsi, notre guitare a été repeinte
en usine avant livraison, et on peut encore apercevoir sous les
mécaniques des traces de l’ancien finish. Autre détail important :
le numéro de série stampé sur l’arrière de la crosse de l’instrument
apparaît en jaune, comme sur toutes les Gibson de cette époque,
preuve ultime que la guitare a été repeinte en usine, et non
ultérieurement.

IF 6 WAS 12
Nous avons un manche douze cordes et un autre six cordes,
comme sur beaucoup de double manche Gibson. Cependant, il
était possible à l’époque de passer commande d’un instrument
arborant d’autres combinaisons (par exemple deux manches six
cordes, ou un manche six cordes et un manche basse EB-3 ou
EB-0, ou encore un manche guitare et un manche de mandoline,
etc.). Le manche six cordes de notre exemplaire a un profil en
C plutôt « fat ». Dans l’esprit, il se rapproche des manches des
premières ES-335 (fin 50’s). Il a été cassé et très bien restauré,
probablement par Tom Holmes, luthier qui travaillait dans la
boutique new-yorkaise de Gruhn à cette époque. Le manche douze
cordes, du même acabit, est forcément plus large et imposant.

ET P.A.F !
Côté micro, nous avons du P.A.F à tous les étages, quatre en
tout, donc. Le bonus sur cette guitare, c’est qu’ils sonnent tous
magnifiquement bien, ce qui n’est pas toujours le cas. En 1961,
Gibson avait changé ses aimants traditionnels pour de l’alnico 5.
Nous sommes donc ici en présence de la toute première itération
de ce légendaire humbucker.
Le chevalet Tune-O-Matic ABR-1 est standard, mais le cordier, tout
à fait spécial, était réalisé spécifiquement pour ce modèle. Avec
le passage en solidbody, Gibson s’est mis à équiper ses doubles
manches de Stop Bar, comme sur les Les Paul et SG.

UN VRAI PIANO !
La table de la guitare est en épicéa Adirondack. C’est peut-être un
détail pour vous, mais pour nous ça veut dire beaucoup, puisque
l’Adirondack confère à cette EDS un son riche et ample absolument
unique. Le dos est en érable et les éclisses sont en érable laminé.
Cette guitare résonne comme un piano, probablement également
parce qu’elle a été énormément jouée. Le son douze cordes est
notamment très particulier, presque en trois dimensions. Selon
Matthieu Lucas de Matt’s Guitar Shop, il s’agit probablement de
la meilleure guitare du showroom.

HISTOIRE DE (GROS) SOUS

À l’origine, une Gibson EDS-1275 avec son case coûtait 550 dollars, ce
qui représentait déjà une grosse somme pour l’époque. Aujourd’hui,
évidemment, les prix se sont envolés avec l’avènement du vintage.
Une EDS-1275 en version sunburst ou blanche se négocie entre
50 et 80 000 dollars suivant son état. La rareté faisant, le prix
des versions noires est encore supérieur. Le flight de la 0 0626
est d’origine, ce qui est très important pour une telle guitare
de collection. •

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Comme chaque année, le Convention Center d’Anaheim (Los Angeles) accueillait le
Winter NAMM, qui reste encore actuellement le plus gros salon de l’instrument de
musique au monde. Malgré le climat très clément de la Californie au mois de janvier
et les nombreuses attractions qu’offre la cité des anges, le rythme du NAMM reste
tellement speed que le tourisme n’est jamais à l’emploi du temps. Notre mission
reste toujours la même : visiter les stands des centaines d’exposants présents (dont
énormément de fabricants français), profiter des évènements satellites organisés
par les grosses marques en périphérie du salon dans les palaces avoisinants, et vous
livrer la quintessence de nos essais et observations. Aller, on vous emmène à L.A
pour découvrir tout le nouveau matos qui va défoncer la baraque cette année. Go !

D’ANGELICO
On le sait, D’Angelico est une marque réputée au
niveau des guitares Archtop de très haut niveau. Par
ailleurs, depuis 2018, leur gamme de guitares solid
body s’est aussi forgée une sacrée popularité. Pas
mal, étant donné que D’Angelico s’est lancé dans ce
créneau après 85 années d’existence. La nouveauté
de cette année, c’est cette élégante double cutaway
baptisée Deluxe Brighton. La guitare, dotée d’un
manche satiné très confortable profilé en C et d’un
corps en frêne des marais, délivre un son chaud
et doux. Elle embarque une paire de humbuckers
Seymour Duncan ’59. La Deluxe Brighton est une
guitare réactive offrant une jouabilité exceptionnelle.
Côté finition, nous avons le choix entre Steel Blue,
Black, Natural et Hunter Green.

Bien sûr, la marque new-yorkaise n’a pas oublié

les amateurs de bonnes grosses guitares semi-
acoustiques. La gamme Archtop s’étoffe avec de
nouveaux coloris vibrants à souhait. La nouvelle
Deluxe EXL-1 rend hommage au design original du
master builder John D’Angelico. Cette magnifique
guitare est équipée d’un humbucker Seymour
Duncan flottant en position manche qui capture
toute la quintessence des propriétés acoustiques
de ce magnifique instrument (avec une caisse de
plus de 43 cm de largeur, il y a de la résonance).
Le manche, plutôt fin, arbore un profil en C et la
touche palissandre est sertie de frettes Jescar. Un
vrai bonheur !

A52 www.guitarextrememag.com
 KRAMER
L’esprit festif des 80’s continue d’être perpétué par
Kramer, notamment avec la nouvelle Nightswan,
qui arbore une robe noire à pois bleus. Cette arme
de destruction massive est prête à envoyer du rock
grâce à deux humbuckers Seymour Duncan et le
vibrato Floyd Rose de rigueur.

Toujours dans le rayon des guitares shreddeuses

nées pour dégainer plus vite que leur ombre, nous
avons pu apprécier une nouvelle Baretta « full
maple » (corps et manche en érable), elle aussi
montée « viril » avec deux Seymour Duncan et un
Floyd Rose. Cette dernière est disponible en Ruby
Red et en Pewter Grey.

ERNIE BALL MUSIC MAN

Ernie Ball Music Man s’apprête à fêter son 35e anniversaire et continue de sortir de son usine
de San Luis Obispo des instruments absolument étonnants. Parmi les nouveautés qui nous ont
bien tapé dans l’œil cette année,
il y avait cette nouvelle Majesty,
designée en collaboration avec
John Petrucci. Cette merveille de
metal moderne est affublée d’un
manche trois-pièces en acajou
du Honduras et d’un corps en
aulne surplombé d’une table
maple sculptée. Miam !
En outre, cette gratte née pour
le riff dru et la haute voltige est
« powerisée » par deux micros
DiMarzio Dreamcatcher et
Rainmaker, et si vous voulez
envoyer encore davantage, le
potard de volume est un push-
pull donnant accès à un boost
assassin de +20 dB. Les musiciens
de votre groupe n’auront qu’à
bien se tenir !

SUPRO
Les micros avec finition à la feuille d’or de la nouvelle Supro Silverwood sont des reproductions
fidèles des modèles originaux développés par Ralph Keller pour Valco au début des années
50. Ces micros sont munis d’une plaque de laiton qui augmente le niveau de sortie tout en
annihilant la ronflette. La guitare elle-même reste fidèle à l’esprit rétro des Supro originales,
avec cette ligne émégante et cette crosse caractéristiques.

A53
GIBSON
Après une période de trouble et d’inquiétude, le
géant américain de la guitare reprend du poil de
la bête avec un nouveau PDG (James Curleigh) et
une nouvelle vision. Aussi, Gibson, qui était absent
au salon l’année dernière, se devait de frapper fort
pour cette édition 2019 du NAMM. La liste des
nouveaux modèles était impressionnante.
Il y a eu un peu trop de Les Paul « progressistes » ces
dernières années, augmentées à grand renfort de
potards push-pull, de gadgets et de corps chambrés, à
tel point que Gibson a pris la sage décision d’écouter à
nouveau les guitaristes qui ne souhaitent rien d’autre
que de bonnes vieilles Gibson bien classiques. La
marque présentait donc à point nommé sa nouvelle
Classic Series. Au menu, des Les Paul Standard
basées sur les modèles produits dans les années Toutes les guitares de la série
1950 et 1960, réalisées avec des matériaux et un Classic possèdent un câblage et
hardware conforment à ceux de chaque époque. des composants authentiques. Les
Les modèles 50’s arborent de gros manches, des Les Paul Specials et TV Specials
micros Burstbuckers avec aimants alnico 2 et des bénéficient du même traitement
mécaniques Kluson, tandis que les modèles 60’s que la super cool SG ’61, avec une
possèdent des manches plus fins, des Burstbuckers finition Vintage Cherry à tomber
avec aimants alnico 5 et des mécaniques Grover. par terre et le chevalet « Maestro
Vibrola » ou « Sideways Vibrola ».

Toujours pour marquer le coup, Gibson avait invité

quelques-uns des luthiers de son custom shop,
qui étaient sur place pour montrer au public leur
savoir-faire, gravant des pickguards, bobinant des
micros, frettant des guitares ou encore posant des
incrustations.

Le nouveau PDG de Gibson James Curleigh (au
centre) lors du lancement de la Gibson Chuck
Berry Signature 350 T. À gauche, Chuck Berry III,
le petit-fils de Chuck, et à droite son fils Charles
qui tient la guitare.
Enfin, pour commémorer son soixantième anniversaire Gibson avait dédié un mur entier à la légendaire
Les Paul de ’59 (la Burst, le Saint Graal). Bien sûr, Gibson prétend que ces fidèles copies sont à 99,9%
identiques aux véritables Burst (on parle de guitares à 400 000 dollars minimum), que ce soit au niveau
de la résonance, de l’électronique, du câblage utilisé ou du hardware. Cette Burst « ressuscitée » est
disponible en dix finitions, en fonction des altérations (dues aux UV) les plus communes du sunburst Cherry
Red original. L’ensemble du câblage a été calqué sur les standards de l’époque, avec des condensateurs
« Paper in Oil » et des micros non waxés pour approcher au plus près du son des fameux P.A.F.

A54 www.guitarextrememag.com
 GODIN
Les Canadiens de Godin présentaient la nouvelle Summit Classic A/E Havana Burst. Prête à déchaîner
les Enfers, la guitare est montée avec deux doubles Seymour Duncan, mais elle peut également passer
« de l’autre côté » et délivrer des sons électro-acoustiques crédibles par le truchement d’un système L.R
Baggs T-Bridge. Ces sons de type acoustique sont d’autant plus aérés que le corps acajou de la Summit
Classic est chambré (la table est en frêne des marais). La touche de la guitare est en matériau composite
(Richlite), et la guitare est proposée avec cette nouvelle finition Havana Burst à tomber, et cette ouïe en
F façon violon très esthétique et stylée.

Godin a également ajouté un

modèle avec cordes en acier à
sa gamme de guitares électro-
acoustiques très versatiles Multiac.
Basée sur le modèle signature de
Doyle Dykes, la Multiac Steel est
dotée de la même électronique
custom L.R Baggs, et un contrôle
permet de mélanger le son du piezo
LB6 (sous le chevalet) avec celui
d’un Seymour Duncan Lipstick
(en position manche).

ORANGE AMPS
Les Anglais de Orange continuent de suivre une
tendance qu’ils ont eux-mêmes engendrée : celle
des amplis compacts et légers, mais néanmoins
puissants. Nous avons pu découvrir sur le stand
de la marque le nouveau Orange Baby, un 100
watts class A. Doté d’un égaliseur plus plat et
réactif, le Orange Baby a été spécialement conçu
pour être la plateforme « pedal friendly » de vos
rêves, mais en version riquiqui.

Orange présentait également le TremLord 30, annoncé comme « l’ampli qu’Orange

n’avait jamais réalisé jusqu’alors ». Il s’agit d’un combo 1x12’’ de 30 watts embarquant
une reverbe mais également un circuit high end émulant les effets de tremolo
des 50’s. Le TremLord est équipé d’un haut-parleur Lavoce qui reste très droit
même à fort volume, et la puissance est commutable entre 30, 15, 2 et 1 watts.

REVEREND
Reverend présentait sur son stand le nouveau modèle
signature de Greg Koch, fortement inspiré de la
Telecaster, mais avec une large bande centrale en
relief sur le corps, comme sur certaines Firebird. Le
nom de la guitare, la Gristlemaster, colle parfaitement
à l’image de son proprio. La guitare est disponible
en Pow Yellow, Wow Red et Blucifer (sorte de sonic
blue assez magnifique). La Gristlemaster est équipée
des micros signature Fishman Gristle-Tone de Greg,
rechargeables via une prise USB standard à l’arrière
du corps chambré de l’instrument. Un sélecteur à
cinq positions et deux voies commutables offrent
un son ouvert et cristallin ainsi qu’un niveau de
sortie plus élevé. La Gristlemaster propose une
nouvelle approche des sons traditionnels et une
superbe jouabilité.

A55
 FENDER
L’un des nombreux points forts du stand Fender
à ce NAMM 2019, c’était évidemment les deux
nouvelles Telecaster Signature de Jimmy Page, qui
commémorent le 50e anniversaire de Led Zeppelin.
Ces reproductions sont en fait des incarnations de
la même Telecaster 1959, que Page a jouée dans
les années 1960. En 1967, il avait collé dessus huit
miroirs ronds. Plus tard dans la même année, il avait
entrepris de décaper l’instrument jusqu’au bois,
et d’y peindre le fameux motif « dragon ». Outre
les versions custom shop, Fender commercialisera
bientôt des versions économiques de ces guitares.

Fabriquées à Corona en Californie, les nouvelles Fender American Performer

représentent une mise à niveau de la série American Special. Cette nouvelle
ligne allie conceptions traditionnelles et spécificités modernes, pour
proposer des instruments plus performants et polyvalents en termes
de sonorité et de jouabilité. Au menu, des Stratocaster, des Telecaster,
des Jazzmaster et des Mustang, qui sont équipées des nouveaux micros
Fender Yosemite. Un push-pull permet de récupérer le signal aux deux
tiers du bobinage du humbucker (système Double Tap), ce qui sonne mieux
qu’un split traditionnel. Niveau cosmétique, la Stratocaster, la Jazzmaster
et la Jaguar arborent de larges crosses “oversized”, des logos dorés et
une ribambelle de nouvelles finitions gloss et satinées (Satin Surf Green,
Satin Lake Placid Blue, entre autres).

Ces dernières années, Fender aussi défriché du terrain au niveau

des pédales d’effet avec des produits assez innovants. Six nouveaux
modèles étaient exposés cette année:
le Bubbler Chorus, le Lost Highway
Phaser, la MTG Tube Distorstion, le
Downtown Express (qui combine un
overdrive, un boost, un égaliseur
et une simulation de HP), la Tre-
verb et la Pinwheel (overdrive
+ chorus).

Fabriquée à Corona, à quelques encablures du Convention

Center, la nouvelle Fender Acoustasonic Serie Telecaster
a fait sensation sur le salon. Cette guitare hybride full acajou
avec touche ébène tire son super-pouvoir d’une électronique
particulièrement savante. Nous avons droit à un combo de
trois micros : un capteur piezo Fishman, un micro Fishman
Acoustasonic Enhancer et un micro électromagnétique Fender
Acoustasonic Noiseless. Mais ce n’est pas tout : l’instrument
embarque le moteur Acoustic développé conjointement par
Fender avec Fishman, et ce dernier permet d’émuler le son
de dix guitares acoustiques et électriques différentes (que
l’on peut en outre mélanger par le biais du potard « Mod »).
En sus, la Acoustasonic Serie Telecaster est équipée du
système SIRS (Stringed Instrument Resonance System)
qui enrichit le rendu harmonique de la guitare. Pour ne
rien gâcher, elle est très ergonomique avec un chanfrein
de confort pour l’avant-bras.

A56 www.guitarextrememag.com
 Les fans de King Crimson
PRS présents sur le salon ont bien
pris conscience que Jakko
Bien qu’elle ait déjà été présentée en mars 2018 (Guitare Jakszyk joue sur une PRS
Xtreme Magazine avait fait le déplacement à Londres pour Custom 24 un peu particulière,
l’occasion), la magnifique PRS Silver Sky de John Mayer faisait puisque la pochette de l’album
son premier NAMM. Pour cette occasion, PRS a introduit de In the Court of the Crimson
nouveaux coloris (Dodgem Blue, Moc Sand, Orion Green et King (1969) a été peinte sur
Golden Masa). la table. La bonne nouvelle,
c’est qu’une édition limitée
de cette guitare en version
SE est désormais disponible,
commémorant ainsi le
cinquantième anniversaire de
l’album. 1000 exemplaires de
la SE Schizoid guitar seront
donc mis sur le marché. Tenez-
vous prêts!
Autre nouveauté pour la
gamme SE, et pas des
moindres : la Santana
Singlecut Trem (24 frettes,
diapason de 24.5’’), qui est
montée avec une paire de
micros TCI « S », rendant
hommage à la Private Stock
« gold leaf » du grand Carlos.
Les micros TCI « S » ont également
été choisis pour équiper la PRS
SE-Paul’s. Par le truchement
de mini toggle switches situés
entre les deux potards contrôles,
le guitariste peut sélectionner
chaque micro ou bien les deux
ensemble en mode split. Il s’agit
du premier modèle à proposer
ce type d’électronique en dehors
des gammes Private Stock et
Core Lines. La SE Paul’s est
disponible en trois couleurs
(Amber, Aqua et Fire Red).

Pour un son chaud et boisé, la nouvelle PRS McCarty 594

Hollowbody II en impose. La belle présente une construction
de type thinline et embarque une paire de micros 58/15
LT. Avec les deux volumes et les commandes de tonalité
push-pull, les options sonores sont très vastes et offrent
des sons riches aussi bien en humbucking qu’en split. Les
spécifications additionnelles comprennent une table et un
dos en érable figuré avec des côtés en acajou, et un manche
22 frettes en acajou. La touche palissandre est ornée des
repères façon « flagship bird ».

VICTORY AMPS
Enrobé dans son magnifique tolex couleur crème, le nouveau V140 de chez Victory n’est autre que
la version 100 watts du populaire V40 Deluxe de la marque, et est lui aussi fabriqué au Royaume-Uni.
Avec sa section de puissance comprenant quatre tubes 6L6, le V140 possède un headroom plus que
conséquent, et pour ne rien gâcher, il embarque une reverbe et un tremolo à lampes. Côté graillon, le
V140 est muni d’un mini switch permettant d’activer deux types d’overdrive, l’un plutôt typé « calif » et
l’autre résolument british.

A57
 TWO-ROCK AMPLIFIERS
Les belles grosses notes et les accords chatoyants
sonnent encore plus larges avec le Two-Rock Silver
Sterling Signature, une tête 150 watts switchable
en 50 watts. La finition Grey Suede envoie du lourd,
et avec son cab 4x12”, le Silver Sterling Signature
a une sacrée gueule. L’idée est ici d’offrir un son
à lampes qui reste d’une clarté absolue même à
très fort volume pour permettre au guitariste de
forger le son avec des pédales à partir de cette
belle matière.

Two-Rock présentait également la tête Studio

Signature 35W. Avec sa finition noire, cet ampli
incarne la nouvelle génération de la série Pro-Line,
avec des toggle switchs pour le boost qui remplacent
les push-pulls.

MARSHALL
Marshall emboîte également le pas au thème de
la beauté esthétique avec deux nouveau amplis
« made in England » : le Studio Classic-SC20, qui
est un mono canal de 20 watts basé sur le circuit
du tout-puissant JCM 800, et le Studio Vintage-
SV20, dont l’architecture s’inspire à 100% du célèbre
1959SLP (le fameux Plexi). Avec la possibilité de
switcher entre 5 et 20 watts, les deux têtes disposent
d’une réserve de puissance suffisante pour arroser
n’importe quelle salle de concert, surtout lorsqu’elles
sont connectées aux nouvelles enceintes 2x12’’ de
la marque. Pour ceux qui aiment, le Studio Classic
est également dispo en version combo 1x12’’.

MAGNATONE
Le célèbre fabricant d’amplis boutique américain fête
cette année son 80e anniversaire. Sur le stand de
la marque, quelques nouveaux modèles côtoyaient
des éditions spéciales de références
classiques plutôt sympathiques. L’édition
80th Anniversary du Double V nous
a particulièrement tapé dans l’oeil (et
dans les oreilles). La machine embarque
17 tubes et deux amplis de puissance
séparés en 6L6 pour fournir une puissance
de 70 watts en stereo, mais également
de classieux circuits de tremolo et de
reverbe (à lampes évidemment). Le pied
total pour les sons à la Buddy Holly.
Parmi les nouveautés, nous avons
repéré le Super 59 80th Anniversary Edition, qui combine dans un seul et même ampli
deux modèles iconiques de la marque (le Super 59Mk2 et le Mk1). De quoi couvrir tous les
registres, du son vintage jusqu’à des niveaux de gain plus conséquents. Autre surprise, le
Super 15, très British dans les sonorités, qui dispose de la même section égalisation que
le Super 59, et embarque une sortie avec simulateur de HP afin de pouvoir travailler avec
toute la dynamique de l’ampli en attaquant directement une console ou une carte son.

A
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 ASHDOWN ENGINEERING
Le domaine d’excellence de Ashdown a toujours été la clé de fa, avec une
vaste gamme d’amplis dédiés à nos amis bassistes. Cela n’empêche pas la
marque britannique de tenter sa chance dans l’univers de la guitare électrique,
avec une ligne d’amplis à lampes bien achalandée baptisée Guitar Magnifier,
présentant des têtes et des combos de puissance variable (de 4 à 45 watts). La
tête la plus grosse embarque de nombreuses options très pratiques, comme
par exemple des sorties sélectionnables avec la possibilité d’empiler plusieurs
gains en cascade. Le guitariste souhaitant un look personnalisable sera comblé,
puisque Ashdown propose en option des panneaux incurvés en bois exotique de
toute beauté avec un vaste choix de coloris. Des baffles assortis sont disponibles
en 2x10’’, 1x12’’ et 2x12’’.

ESP/LTD
Sur les salons de guitare, vous pouvez toujours être certains que le stand
ESP/LTD sera l’un des plus colorés et flashy. Voici quelques-uns des modèles
signature exposés cette année.

Stephen Carpenter (Deftones)

Gary Holt (Slayer/Exodus)

Reba Meyers (Code Orange)

Ted Aguilar (Death Angel)

SP CUSTOM PICKUPS
Parmi les français qui cassent la baraque, il y a Jeremy Begoin et ses micros SP Custom dont la qualité
supérieure n’est plus à prouver de par chez nous, et qui commencent à convaincre de plus en plus de marques
et musiciens outre-Atlantique. Du Trinity (un humbucker hybride combinant un bobinage de micro bridge
Telecaster à un bobinage de micro Jazz Master) en passant par le Pure Origin (version maison du P.A.F) à
des choses plus musclées comme le Heat Crusher ou le Boom Leacher, tous les micros sont réalisés à la
main, en France, et avec les meilleurs matériaux.

A59
 KAY GUITARS
Kay lance sur le marché une nouvelle gamme de
guitares intitulée Gold Serie, qui présente des
instruments aux finitions authentiques et un hardware
rappelant les débuts de cette marque légendaire.

La nouvelle édition de la Barney Kessel Jazz Special,

une belle semi-hollow à simple cutaway, présente
un corps en érable flammé avec dos cintré et une
somptueuse table en épicéa ornée d’un binding
cellulo multicouche noir et ivoire. Disponible en
finition blonde ou Tabacco Sunburst, cette belle
jazzeuse embarque une paire de micros « Kleenex
Box », dont le rendu sonore est assez proche des
Gretsch FilterTron, la fameuse tête 3D ornée du K
de la marque et sertie de pois dorés, ainsi qu’un
cordier trapèze style Art Déco.

KIESEL GUITARS
Les nouvelles guitares Delos D6 et D7 fabriquées
aux USA par Kiesel amènent ce style classique
d’instruments à un niveau supérieur avec une
multitude d’options en matière de hardware. Les
deux guitares arborent un manche vissé avec un
diapason de 25,5’’ et des touches en ébène. Côté
micros, nous avons deux humbuckers Kiesel au
béryllium dans des configurations optionnelles
SSS et HSS.

SBGO PEDALS
Usinées dans des boitiers en acier, les pédales
françaises SBGO sont conçues pour encaisser
tous les coups durs inhérents à la vie en tournée.
Ces pédales boutique sont entièrement faites à la
main, de leur conception jusqu’à leur réalisation, et
présentent de magnifiques décorations engravées.

MAYONES GUITARS
La marque polonaise préférée des « djenteux », des
« progueux » et des « fusionneux » présentait cette
année quatre nouveaux modèles de 6 et 7 cordes
sans tête avec des diapasons de 25,4’’ et 27’’et
des frettes en acier inoxydable. Pour ce qui est des
micros, le client a le choix entre du Bare Knuckle
ou bien des Fishman Fluence très à la mode en
ce moment. Les finitions accrocheuses laissent
la part belle aux essences exotiques.

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SAN LORENZO GUITARS
Les exposants français se sont déplacés en masse cette
année, avec une pléiade d’artisans ultra talentueux,
à l’image du luthier Sébastien Santilli (San Lorenzo
Guitars), qui amène les guitares T-style à un niveau
supérieur avec des spécifications complexes ainsi
que des corps et des manches fabriqués à partir
de matériaux composites.
DEWITTE WIRED
Le Toulousain Nicolas Dewitte a gagné son pari
et a pu faire son premier NAMM grâce au succès
de sa campagne de crowdfunding. Sur son petit
stand, il présentait aux visiteurs son ampli Brut(e)
Deluxe, un Bassman revisité et modernisé qui est
probablement l’une des plateformes à pédales les
plus performantes du moment, et son préampli au
format pédale Brut(e). Le matos Dewitte, hautement
technologique, est conçu et fabriqué à 100% en
Occitanie.
LOÏC LE PAPE
Il semblerait que le look « distressed » des Gibson
d’antan soit bien parti pour rester avec nous encore
un certain temps, et même lorsque les luthiers
troquent le bois contre l’acier, à l’image de Loïc
Le Pape, dont les guitares ont fait sensation sur le
salon. Parmi les instruments exposés (tous uniques),
nous avons surtout flashé sur une Flying V avec
crosse de Firebird reverse, et une « pretty babe »
très fenderienne inspirée de la Jaguar.
CONSTANT BOURGEOIS
Le fabricant de sangles 100% cuir et 100% made in
France a fait cette année le déplacement à Anaheim
pour présenter ses produits hautement qualitatifs
qui ont déjà convaincu quelques artistes américains,
à l’image de Gino Matteo, l’excellent guitariste du
Sugaray Rayford Band, et qui a également prêté
son talent à un certain John Mayer.
VOLA GUITAR
Comme l’an passé, Vola Guitar a mis les petits plats
dans les grands, avec un stand somptueux décoré
avec des PLV géants de ses artistes, et bien sûr une
myriade de guitares en exposition, principalement
des modèles custom fabriqués soit aux Japon, soit
aux USA. La marque présentait entre autres ses
toutes premières 7 cordes, dont les démos étaient
assurées par le duo de choc Pierre Danel/Quentin
Godet, les guitaristes du groupe Kadinja que vous
retrouvez régulièrement dans nos pages pédago.
ANASOUNDS
Toujours là où on ne l’attend pas, la marque niçoise
Anasounds prend tout le monde à contrepied avec la
Element, une reverb à ressort entièrement analogique.
Anasounds propose trois tanks de tailles différentes
(petit, moyen et grand) que l’on relie à une pédale
de contrôle, qui joue, entre autres, sur la tension des
ressorts et qui permet également de faire saturer
l’étage de transfo, ce qui fait légèrement « fuzzer »
le son. Ces tanks peuvent éventuellement se fixer
sous un pedalboard grâce à un système de fixation
maison et des patins en caoutchouc qui absorbent
les vibrations. Addictif !
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 VIGIER
Comme chaque année, la maison Vigier mettait en avant tout son savoir-faire en matière de lutherie et
d’innovation. Nous avons particulièrement flashé sur les nouvelles finitions swirl de l’Excalibur, qui mettront
en transe les fans des 80’s, et surtout la GV Hollow, la toute première hollow body de la marque, et qui
arrive à point nommé pour fêter le dixième anniversaire du modèle GV (créé en l’honneur de Georges,
le père de Patrice Vigier). Cette guitare extraordinaire pourra convaincre aussi bien les guitaristes de
rock et de blues que les amateurs de jazz, avec une caisse creusée en aulne, une table rapportée en
érable ondé, un manche vissé via des inserts avec renfort en carbone (le concept 90/10) et une paire
de humbuckers Amber bobinés à la main. La très grande classe !

HAGSTROM
Les petites guitares Ultra Max de chez Hagstrom
possèdent un corps creusé en acajou surplombé d’une
épaisse table en érable flammée. Nous retrouvons
également de l’acajou pour le manche profilé et
rapide, qui est pourvu d’un truss rod H-Expander
et d’une touche en Resinator, qui mélange bois
et matériau composite. Les deux micros sont des
Custom 60 avec aimants Alnico 5 et capot en
aluminium brossé. Toutes ces spécificités font de
l’Ultra Max une guitare attractive. Pour les finitions,
nous avons le choix entre Black, Cosmic Black,
Miky Mandarin et Fall Sky.

MOOER
BAD CAT AMPLIFIERS
Le GE300 est le nouveau processeur multi-effets
Le Players Hot Cat 30 appartient à la série de Mooer, qui embarque 108 simulations d’amplis
Bad Cat USA. Il s’agit d’un ampli tout lampe basées sur la technologie de modélisation non
à deux canaux, qui est basé sur le circuit très linéaire de la marque. Les sonorités sont assez
plébiscité Hot Cat 30 de la série Legacy. Pour authentiques, et l’appareil embarque aussi 164
souvenir, le Hot Cat 30, premier ampli hi-gain effets de haute qualité reproduisant à la perfection
en Class A, avait été une petite révolution au les délires soniques les plus fous de vos pédales
début des années 2000. Les performances et plug-ins favoris. Le GE300 propose également
du Players Hot Cat 30 vont encore plus loin, 43 simulations d’enceintes et dispose en sus d’un
avec un canal clair plus polyvalent, allant des lecteur-chargeur d’IR intégré.
sons clairs cristallins à un bel overdrive texturé.
La fonction K Master prodigue à la machine
davantage de réserve avant saturation, mais
également la possibilité de conserver toute
la richesse de la saturation en jouant à faible
volume, ce qui est franchement appréciable.
Le canal 2 offre quant à lui une saturation très
généreuse, très définie et gorgée d’harmoniques.
Le K Master, la reverb et la presence affectent
les deux canaux. De quoi combler à peu près
tous les guitaristes, du popeux au bluesman
en passant par le metalleux.

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 Les nouvelles pédales de volume
VP JR de chez Ernie Ball ont
également attiré notre attention,
puisqu’elles possèdent un
accordeur intégré, ainsi qu’un
écran tactile permettant de
visualiser la course du volume.

ERNIE BALL MUSIC MAN

Music Man présentait les nouvelles Cutlass double cutaway 7 cordes, qui possèdent un corps en aulne
avec une table en loupe de Buckeye (un somptueux bois exotique), un manche en érable (roasted maple) et
une touche ébène. Outre les micros 7 cordes maison, nous avons droit à un boost de +20 dB en push-pull.

G&L
Chez G&L, nous avons pu admirer la nouvelle Espada.
Pour la petite histoire, cette guitare a été fabriquée à
partir de plans élaborés par Leo Fender lui-même, et
qui étaient restés dans les tiroirs. Avec ses contours
qui rappellent ceux de la Telecaster, la Espada est
une guitare polyvalente équipée d’un préampli
bufferisé. Cette guitare incarnerait une nouvelle
génération d’instruments que Leo avait en tête.

PEAVEY
Le Invective Mini de chez Peavey intègre bon
nombre de fonctionnalités déjà présentent dans
la grosse tête Invective 120. Parmi ces options,
nous retrouvons une sortie variable 1,5 watts/20
watts, un noise gate et un boost, qui agissent tous
les deux sur les canaux clean et overdrive. Un switch
permet de désactiver le haut-parleur pour jouer
ou s’enregistrer en silence (l’engin est muni d’une
sortie casque et d’une sortie DI).

SUPRO USA
Lorsqu’on parle des marques d’amplis légendaires qui ont vraiment compté
dans l’histoire du rock, impossible de faire l’impasse sur Supro (remember
Led Zeppelin I). Supro est également associé au blues, et justement, le
nouveau Blues King, un petit 15 watts, a été conçu pour ressusciter le
son original des amplis Supro des années 1920-30, en gros, LE son du
Chicago Blues. Outre une réverbération à ressort analogique, une lampe
12AX7 dans le préamp et une 6L6 dans l’étage de puissance, le Blues King
donne aussi dans le
moderne avec un
pont de diodes en
cascade permettant
d’atteindre des
niveaux de saturation
généreux. Un combo
cool et polyvalent !

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 GRETSCH
Lancée sur le marché en 2016, la
gamme Streamliner de Gretsch
s’étoffe encore davantage avec
de nouvelles finitions. La grande
nouveauté, ce sont les micros
BT-25 qui viennent remplacer
les Broad’Tron. Ces micros
conservent de l’Alnico 5 pour
les aimants, mais le bobinage
a été repensé pour que le son
soit plus clair et plus ouvert.

DIEZEL AMPLIFICATION
Le nouvel ampli de chez Diezel s’appelle le VHX, et
nous avons pu admirer le prototype de la bestiole. Il
comporte des modules entièrement analogiques avec
un préampli et une section de puissance à lampes,
mais ces dernières se contrôlent numériquement à
l’aide d’une matrice spécialement conçue par les
développeurs de la marque. Niveau architecture, le
VHX combine des éléments du VH4 et du Herbert.
A suivre!

CHARVEL
Charvel a toujours le don pour attirer le chaland avec des murs remplis de belles guitares flashy. Les
fanatiques de Satchel, éminent guitariste du scandaleux hair band Steel Panther, adoreront la signature
du gaillard, la Pro-Mod DK Bengal. L’instrument arbore un corps en aulne de style Dinky avec des bords
chanfreinés et embarque deux micros Fishman Fluence. Bien sûr, cette gratte acrobatique est dotée
d’un Floyd Rose 1000, parfait pour le dive bombing. Impossible de passer inaperçu avec ces finitions
« tiger stripes » en vert et en jaune.

Le virtuose américain Angel Vivaldi présentait son modèle signature 7 cordes, la SK24-7 Nova. La guitare
possède un corps en tilleul avec une finition Satin Sage Green. Tout le hardware est plaqué or, y compris
le vibrato Gotoh 510 et les deux micros DiMarzio Air Norton.

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WILD CUSTOM GUITARS
Les guitares Wild Custom ne sont pas
uniquement fabriquées en France
artisanalement avec les meilleures
essences. Les luthiers de la marque
sont également des experts en matière
de finitions « alternatives » et de
reliquage. Nous avons beaucoup aimé
la Wildmaster Blue Flake Jazzmaster,
dotée d’un corps en aulne, d’un manche
en érable canadien et d’une touche en pau ferro, et montée avec un kit de Seymour Duncan Quarter
Pound, ainsi que la Wildmaster signature de Kurt Ballou (guitariste de Converge), qui se distingue avec
une finition « Black Over Paisley» du meilleur aloi.
Les gars de Wild Custom ont également conçu une grosse hollow body pour Richard Fortus, qui est
équipée de trois micros Arcane Dog bobinés à la main et d’un vibrato Bigsby.
DUESENBERG
Le nuancier Duesenberg
se dote de nouvelles De nouvelles couleurs
couleurs truculentes et également pour la Starplayer
tape à l’oeil, comme III, disponible en Catalina-
le Pink Pear, que nous Red et Catalina-Blue. Les
avons pu admirer Double Cat et Double Cat
sur une splendide 12 se parent également
Starplayer TV. de Catalina Blue, tandis
que la Starplayer Special
est maintenant dispo en
Catalina-Blue et Catalina-
Green.
TWO NOTES AUDIO ENGINEERING
En moins de dix ans, la société montpelliéraine Two
notes Audio Engineering est devenu l’un des leaders
mondiaux dans le domaine des loadboxes (la gamme
Torpedo) et de simulation d’enceinte assistée par
ordinateur et autres IR (le fameux logiciel Wall of
Sound). Cette année, Guillaume Pille et son équipe
de choc présentaient deux grosses nouveautés. La
première, c’est une nouvelle itération du fameux
Torpedo C.A.B baptisée C.A.B M. Cette nouvelle
pédale présente les avantages d’être autonome et de
pouvoir être contrôlée depuis un soft en USB ou bien
sans fil en Blutooth. Le C.A.B M offre également la
possibilité d’utiliser deux micros virtuels pour chaque
enceinte et un slot pour carte SD permet de loader des
IR supplémentaires en haute résolution. Autre grande
nouveauté, la carte son Sono, qui est le fruit d’une
collaboration étroite entre la société britannique Audient
et Two notes. Outre les fonctionnalités classiques
de toute bonne interface audio qui se respecte, la
Sono intègre une DI, une fonction mixage pour le
monitoring, deux préampli micro avec alimentation
fantôme et une entrée ADAT (afin de disposer de
8 entrée supplémentaires). En outre, la machine
embarque un vaste
choix de simulations
d’amplificateur et
d’IR fournis par
Two Notes, ainsi
que la possibilité
de personnaliser
son environnement
acoustique et de
placer virtuellement
un micro de repique
devant l’enceinte.
Les gauchers n’ont
pas été oubliés avec
une splendide Caribou
dispo en Paloma Red
et en Narvik Blue.
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EFFETS POUR
• Le concept simple
690€
• Le son global
• Le poids

Ace Amps Colt

• La puissance idéale
CONTRE
• Un léger voile sur le canal Plexi en
mode Low

Western à l’anglaise DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL

CONTACT
www.aceamps.com

Ace Amps est une toute nouvelle marque créée par François-Xavier Defaut, concepteur et fabricant d’amplis boutique
français établi en Grèce, qui possède déjà un label bien établi et hautement qualitatif : FX Amps. Le credo de Ace Amps
est de proposer des amplis de qualité superlative à un prix plus abordable. La vogue des lunchbox n’étant pas encore
passée et certaines marques faisant leur beurre du design mini-tête (les Anglais de Victory, au hasard), Ace se positionne
sur le marché en divisant quasiment les prix par deux par rapport à FX Amps, et on ne parle même pas de la concurrence
britannique. Voici la Colt, une tête à la couleur marshallienne évidente, à commencer par le châssis.
Par Régis Savigny

MINI-PLEXI
La couleur du châssis ne laisse aucun doute sur la filiation
du Colt, nous sommes en présence d’un clone Marshall
à tendance Plexi, le tout au format lunchbox et à prix
sympa. Le boîtier, plutôt élégant, est assez agréable à
regarder, malgré un look qui sent la sueur, le sexe et
le rock’n’roll. Il présente tous les connecteurs en face
arrière, à l’exception de l’entrée jack de l’instrument. On
retrouve donc à l’arrière du boîtier les embases jack pour
la sortie HP 8 ou 16 ohms, la boucle d’effets et l’entrée du
footswitch ainsi qu’un mini-switch pour passer en mode
« calme » ce qui, nous le verrons, reste relatif. Pendant que
nous sommes à l’arrière, admirons les lampes, deux EL-34
qui ne laissent aucun doute sur la vocation de l’ampli à
payer son tribut au grand Jim. La face avant est explicite,
décorée sobrement d’un As de pique et d’une paire de
six-coups, quoi de plus anglais, n’est-ce pas, qu’une
ambiance Far-West ? Les contrôles sont simplissimes, un
contrôle de gain pour chaque canal (Plexi et Boost), une
égalisation trois bandes commune aux deux canaux et
pour finir un volume par canal ; c’est limpide.
Un mini-switch est là pour le passage de l’un à l’autre et
on pourrait avoir une petite crainte quant à sa longévité,
ce type de sélecteur n’étant pas réputé pour encaisser
le moindre choc. Heureusement, sa position en retrait
devrait le protéger de tout incident. Pas évident de le
manipuler sur scène, néanmoins, où on privilégiera
le footswitch (non fourni). Les lampes de préampli-
fication sont des 12 AX7, comme de bien entendu, et
l’une d’entre elles est dédiée à la gestion de la boucle
d’effets, ce qui est une bonne nouvelle. Quand on se

A66 www.guitarextrememag.com
casse la tête à trouver un bon gros son bien juteux,
on n’a pas envie de le voir réduit en bouillie par une
boucle FX mal dégrossie. Le tout est relativement léger
et devrait permettre à tout un chacun de retrouver la
chaleur des Marshall des 70’s sans devoir se plier le
dos, sauf peut-être pour soulever le cab dans lequel
vous allez choisir d’envoyer les 20 watts générés par
cet adorable petit monstre.
PLAISIR MAXI
Quand on se rend compte qu’on a nommé les deux
canaux de l’ampli Plexi et Boost, on se dit que le son
clair est une option relativement floue chez Ace et
que le protège-dents est un accessoire qui devrait être
fourni en série. Toutefois, sur le premier quart de la
course du gain sur le premier canal, on arrive à se forger
un son clair ou du moins pas trop sale. Disons qu’il
y a quand même du poil mais que ces derniers sont
propres. La couleur est vraiment typée British, ce qui
est parfait pour envoyer du Hendrix, pour chatouiller
les arpèges pop avec du délai, évidemment excellent
pour rentrer méchamment dedans avec une fuzz dès
qu’on commence à cruncher. Si on continue à pousser
le gain, le canal montre sa vraie nature : une bonne
vieille usine à riffs. L’intégrale d’AC/DC y passe, avec
une tendance claire à verser du côté Malcolm, même
si le gain permet quand même d’obtenir une belle
compression sur la fin de la course. Ça se nettoie bien
en baissant le volume sur la guitare et, globalement,
il serait presque possible de ne jouer que sur ce canal
pendant 95 % du temps. L’égalisation est relative-
ment efficace en ce sens qu’elle ne sert qu’à corriger
la sonorité. Pour avoir un poil plus de consistance à
bas volume, on peut couper un peu le bas quand on
monte le volume afin de ne pas encombrer le spectre
(là où le bassiste et la grosse caisse sont sensés jouer).
Le canal Boost nous propulse à la fois chez Angus,
Slash et Van Halen, avec une montée significative du
sustain, de la compression et des harmoniques, bref, ce
qu’on attendrait d’un Marshall de base, entre le Plexi
sous-alimenté du Hollandais et le JCM800 du tonton
flingueur au haut de forme. Autant vous dire qu’avec
des doubles bobinages, même sur une guitare d’entrée
de gamme (notre Vintage, équipée de très convaincants
micros Wilkinson, était très à son aise lors du test), ça
dépote sévère. Nous avons même branché quelques
Vola très haut de gamme pour mettre le Colt à l’épreuve
et tout s’est très bien passé, tant que nous sommes
restés dans son champ de compétence. Du blues au
heavy metal anglais, pas de souci, nous avons même pu
faire quelques incursions dans le thrash façon Anthrax
ou Metallica des origines, en creusant généreusement
le medium et en abusant du palm mute. En revanche,
pour les styles métallisés plus modernes façon metal
prog à base de 7 cordes ou djent, on repassera. Nous
avons même demandé à Quentin Godet de Kadinja
de tenter la chose, donc on peut vous le dire, le Colt
n’est pas fait pour ça.
Le mode Low est pratique pour calmer très légèrement
les chevaux mais cela reste marginal, et la différence
n’est pas probante sauf pour jouer à bas volume où
le son semble plus consistant. Pour toute utilisation
« normale », nous vous conseillons de laisser le mini-
switch sur la position haute afin de laisser les lampes
faire leur job, la dynamique n’en sera que meilleure. Le
Colt se comporte comme le bon ampli à lampes qu’il est,
plus vous monterez le volume, plus il sera conseillé de
réduire le gain pour compenser la perte de dynamique
liée à la saturation des lampes de puissance (juste un
peu, mais cette discipline, pas évidente à prendre, est
payante en termes de son).
Au final, pour un prix raisonnable, Ace propose un
ampli de caractère, qui s’il n’a pas le cachet de certaines
machines haut de gamme, fait parfaitement le job pour
lequel il a été conçu. N’essayez pas de l’emmener là où
il ne veut pas aller, c’est un ampli taillé pour le rock,
le hard rock et le blues très très énervé. Parfait avec
des doubles, mais également avec des simples pour
les fans d’Yngwie ou de Blackmore. C’est un ampli
simple, agréable à jouer et à la puissance idéale pour
95 % des situations de jeu, là où les têtes 100 watts
sont irréalistes voire dangereuses, pour votre son, vos
oreilles, votre dos et vos rapports avec le voisinage et
les forces de l’ordre.•
A67
EFFETS
Gamechanger Audio
Plasma Pedal
Enfin une vraie nouveauté, pas une copie, pas un concept fumeux à base de « on va vous sortir une technologie de
l’espace pour finalement refaire un son qu’on aurait avec une bonne vieille lampe des 50’s » ! Rien que le principe me
ferait pleurer de joie, mais je vais garder ma dignité, d’autant que pour l’instant la pédale est dans sa boîte. Bon sang,
je sens qu’on va pouvoir se prendre pour Doc Brown et Marty McFly et ce simultanément. Allez, on la branche ! Allez, on
la branche ! Allez, on la branche ! Je sais pas si ça se voit mais je suis à cran, là…
Par Régis Savigny
NOM DE ZEUS
Gamechanger Audio nous propose donc une
pédale à base de foudre, ni plus ni moins. Le
concept est simple sur le papier : on préamplifie le
signal suffisamment pour alimenter un générateur
de décharge électrique dans un tube rempli de
xénon, un gaz inerte avec lequel on fait des phares
d’automobile, et surtout avec lequel on peut frimer
méchamment. Ledit tube est placé en façade,
et c’est ça qui est énorme. On va voir les éclairs
se former dans le tube au moment où on joue.
C’est simplement, totalement et définitivement la
pédale la plus badass du monde (avec la Big Muff
Pi Russian évidemment). Le boîtier est largement
plus grand que la plupart des pédales du marché.
Les contrôles sont placés en face avant et sont au
nombre de cinq : Un réglage de blend qui permet
de mélanger le son direct (indispensable sur cette
pédale), un réglage de voltage qui permet de
contrôler la tension appliquée aux bornes du
tube (jusqu’à 3 500 volts), une égalisation grave
et aigue, un réglage de volume, assez classique
lui. Un petit switch situé à l’arrière de la pédale
permet de choisir si le signal direct est affecté
par l’égalisation.
L’effet s’engage comme sur une pédale classique
via un switch on ne peut plus classique et c’est
bien la seule chose qui reste traditionnelle sur cette
pédale. En tout cas, l’ensemble a l’air très solide et
donne envie de brancher son pédalier pour la mettre
en situation de manière immédiate.
LE SON DE L’ENFER
Utilisée seule, la Plasma annonce directement la couleur.
On est dans un autre monde. Si les réglages les plus
extrêmes (voltage à fond, eq flat et blend à fond)
peuvent nous rappeler une fuzz moderne comme peut
parfois sonner une Fuzz Factory ou une Microtubes, on
A68 www.guitarextrememag.com
DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL
sent toutefois que les harmoniques s’agencent d’une
manière tellement chaotique que ce ne peut être que
l’œuvre du tube au xénon ou de Lucifer, c’est selon.
Une certaine part d’aléatoire se manifeste et, à moins
de maîtriser les équations quantiques, je doute qu’on
puisse expliquer cela de manière claire. Le fait est que
ça sature de manière non linéaire et surtout de façon
non progressive sur le spectre (le bas sature autant que
le haut). Rien que cela justifie l’achat de la Plasma.
Là où ça devient démoniaque, c’est quand on commence
à muter de manière consciencieuse. En l’absence de
signal, le tube de plasma ne laisse plus rien passer.
POUR
• Tout
• Le concept
299€
• Le son
• La folie
• Le grain
• La qualité de fabrication
CONTRE
• Pas pour le tout-venant, tant pis
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Un silence total. Autant dire que ça change du
comportement des fuzz ou distorsions habituelles
qui, poussées à ce niveau de saturation, sont
nécessairement moins propres. De fait, en
abaissant le contrôle de voltage, on accentue
cet effet qui devient addictif au point qu’on en
revoit rapidement sa manière de jouer. Les rakes
et les scratchs au médiator prennent un relief de
folie, de même que le jeu purement percussif
sur cordes étouffées. Comme je suis taquin, je
me suis amusé, quelques jours après, à faire ce
qu’on vous dit de ne JAMAIS faire : j’ai un peu
interverti l’ordre « normal » de mes pédales
plaçant plusieurs effets AVANT la Plasma. Le tremolo
devient très très funky et ultra moderne, le délai
est également transformé, notamment quand
on le laisse s’éteindre. C’est indescriptible mais
vraiment délirant. J’ai même branché la reverb
Anasounds avant la Plasma, et en jouant avec le
blend, c’est carrément l’apocalypse. Evidemment,
dans le sens conventionnel (Plasma puis reverb),
c’est aussi un gros kiff, notamment quand le blend
est dans son premier quart et le voltage quasi au
minimum. Cela faisait longtemps que je n’avais
pas pris un tel pied à découvrir et utiliser une
pédale. C’est gros, c’est gras, c’est synthétique ET
organique, c’est lourd ou perçant et c’est surtout
unique. Perso, j’ai déjà commandé la mienne.
Je vous encourage à faire de même avant que ce
ne soit en rupture de stock. Aucune objectivité, je vous
l’accorde. Mais à quel moment faut-il être objectif
quand il s’agit de musique ? Ah oui, un avertissement :
si vous voulez un son de Tube Screamer ou d’ampli
à lampes, allez voir la concurrence, ce n’est pas du
tout le propos. Pour une fois, nous avons affaire à une
pédale de distorsion qui est presque plus intéressante
sur les réglages bas. Séduisant, non ? Et vous savez
quoi ? Il existe une version rack avec un tube encore
plus grand qui envoie 5 000 volts, bon c’est 1 500 $
mais j’hésite à peine... •
 DOSSIER

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GUITARES
SPRINGER
Firehawk
#10yearschallenge
Dix ans déjà que Mikael Springer nous enchante à chaque nouvel instrument qui sort de son atelier. C’est encore le cas
avec cette fabuleuse Firehawk, bien balancée et bien née.
ParJudge Fredd
Photos © Achim Eichstaedt
O
n est en 2018, l’année tire à sa fin et, voulant
fêter ses dix ans d’activité, Mikael Springer
se demande ce qu’il pourrait fabriquer qui
trancherait avec sa production habituelle
tout en marquant le coup et les esprits. Petit à petit,
ses réflexions le dirigent vers une interprétation très
personnelle de l’oiseau de feu. Le résultat est réussi
en cela qu’il suggère sans conteste l’inspiratrice tout
en affichant un indéniable ADN Springer.
BEL OISEAU
Le dessin du corps reprend en effet l’épaulement typique
de la marque et on retrouve le goût de Mikael pour les
rappels esthétiques, en témoignent la corne inférieure
traitée un peu à la Iceman que reprennent et la tête et le
cache trussrod. La guitare est entièrement en cedro, bois
qu’affectionne le luthier pour ses qualités de légèreté
A70 www.guitarextrememag.com
DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL
(bienvenue sur des instruments plus imposants que la
moyenne) et de résonance. Elle s’avère un peu plus
épaisse qu’une Firebird, un poil moins encombrante,
et nettement plus équilibrée et confortable, tant en
position assise que debout. On retrouve un « terre-
plein central » même si le manche n’est pas traversant
mais collé avec long tenon, la jonction corps/ manche
se faisant à la 17e case.
Le profil de manche est bien rond, genre Fat C mais sans
excès, disons qu’il remplit bien la main. Un binding
ivoire court autour de la touche en palissandre indien
sertie de frettes jumbo. Un sillet en os non blanchi
(unbleached) complète le tableau. La tête, qui étrenne
un tout nouveau logo pour l’occasion, fait penser à
certaines vieilles Guild ou à la Thunderbird. Elle est
très réussie, notamment avec son double niveau et son
côté bicolore comme sur l’inspiratrice. On apprécie en
outre le vernis Pelham Blue qui recouvre l’ensemble,
POUR
• Forme très équilibrée 3500 €
• Qualité et finitions Springer
• Super confortable
• Vibrola très exploitable
CONTRE
• J’aurais préféré des micros qui saturent plus
vite (goût perso)
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www.springerguitars.com
faïencé de belle manière, juste ce qu’il faut, net et
de bon goût.
Le pickguard 3 plis adopte une forme originale, même
si, là encore, on notre la filiation. Le hardware, aged
nickel, se compose de six mécaniques Kluson de type
vintage, de deux attaches de sangles standards, d’un
chevalet ABR-1 et surtout d’un tremolo Maestro Vibrola
qui, très étonnamment, fonctionne très bien, malgré des
cordes bien fatiguées : celles que Mikael avait montées
d’origine, qui ont ensuite fait les deux jours de démos
Springer/La Chaîne Guitare aux studios Luna Rossa,
plus un concert de Julien Bitoun (oui, oui, elle est à lui
maintenant, il a craqué !). Ben ça ne bouge quasiment
pas, même en malmenant le vibrato. Seule la chanterelle
finit par se désaccorder mais très peu. Citons encore
les deux volumes et deux tones à boutons Witch Hat
Silver Cap et la plaque métallique supportant le jack
situé sur la tranche de l’instrument.

A l’arrière, une plaque en losange protège l’électronique
et on note une volute derrière le sillet pour renforcer
cet endroit, talon d’Achille des guitares dont la tête
est en angle. La Firehawk se montre donc fidèle à
son inspiration tout en prenant pas mal de libertés.
LE JUDGE EN FAUCONNIER
Debout, elle est très agréable et on peut la porter très
bas sans être embêté au niveau du jeu. Elle se montre
confortable à jouer, avec une action justkomifô, des tirés
faciles (diapason de 25 pouces) bref, tout va bien. Comme
toutes les Springer, la Firehawk sonne déjà superbement
à vide : très ample, avec de belles résonances, une
grosse projection, du claquant sur les attaques, de la
profondeur et un sustain naturel conséquent. On peut
déjà se faire plaisir sans même la brancher.
Les deux mini-humbuckers boutique, handwound by on arrive quand même assez facilement à ce qu’il faut
Tornade MS, manquent, à mon goût, un poil d’agressivité pour du bon gros rock/hard-rock ou du stoner bien
pour une guitare de type Firebird. Les guitaristes jouant greasy avec la fuzz qu’il faut.
beaucoup en sons clairs/crunchs légers ou avec de la fuzz
y trouveront leur compte, mais pour qui aime jouer un
poil plus saturé, en se reposant sur l’ampli, les Tornade 10 ANS, LE BEL ÂGE !
auraient pu attaquer ce dernier avec un peu plus de Mikael Springer fête ses dix ans de belle manière avec
niaque. Le grain est beau mais ça tarde à saturer. L’aigu cet instrument à la fois classique et original. Il montre
est bien canard, le grave assez velouté avec pas mal qu’il sait se renouveler sans se renier avec toujours
de rondeur et de chaleur. Le mélange des deux se fait ce souci du travail bien fait qui le caractérise. Ah, au
bien, de manière équilibrée produisant des sons très fait… Il sera au Salon de la Belle Guitare de Montrouge
exploitables. L’avantage de ce petit inconvénient c’est fin mars avec au moins trois ou quatre Firehawks aux
qu’on va pouvoir, même sur des sons bien saturés, options diverses. See you there ! •
revenir rapidement à du crunch, voire à du clean rien
qu’au potard de volume car ceux-ci sont des plus
progressifs tout comme les tonalités, on peut donc
s’amuser avec.
En son clair, la précision, la résonance et les belles
attaques de la Firehawk autorisent presque un jeu
en strummin’ façon guitare électroacoustique, c’est
bluffant. Avec un p’tit coup de Vibrola par là-dessus,
on se sent des flots de babacoolitude dégouliner dans
le dos. En remettant un peu de gain sur l’ampli ou la
pédale d’overdrive, on aborde les rives du blues surtout
sur le grave et en inter, l’aigu se montrant tout de suite
plus agressor quand on le sature. N’empêche que, pour
un bon chorus bluesy, il le fait bien aussi. En crunch
bien poussé, on est dans du bon classic rock avec ce
qu’il faut de brillance, d’harmoniques et de twang
(oui oui de twang), pour taper de bonnes rythmiques
stoniennes ou des solis blackcrowsesques.
Enfin, quand on envoie sur du gros saturax, c’est là
qu’on est un peu limité par le niveau de sortie mesuré
des micros, car on est obligé de pousser franchement sur
le gain de l’ampli. En même temps c’est pas une Explo
à EMG façon Metallica non plus, donc calmons-nous,
A71
GUITARES
POUR
• Le son 2160 €
Maybach Teleman T61 Red
• Le look
• Le confort
• Le hardware

Rooster Gloss Aged

• L’étui
• Le prix au regard de la qualité
CONTRE
• Pas donnée néanmoins, on pourrait
apprécier un switch 4 positions qui

Fière comme un coq DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL

augmenterait encore la polyvalence
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Maybach ne cache pas son ambition d’offrir à un prix raisonnable, à défaut de réellement démocratique, le mojo des
guitares US dont nous rêvons tous. Il est vrai que, le vintage étant devenu inabordable ces trente dernières années, il ne
reste guère que les rééditions des marques originales, mais même ces dernières crèvent le plafond depuis quelque temps.
Il y a donc une fenêtre de tir pour un fabricant comme Maybach. Exemple en est avec cette T61 très sexy qui nous rappelle
la production californienne des sixties. Bon, bah on va pas se faire prier pour la maltraiter.

elle est reliquée et présente donc

Par Régis Savigny
BIS REPETITA PLACENT
L’étui Maybach est reconnaissable, façon cuir repoussé,
plutôt baroque et assurément sexy. Il protège la T61
d’éventuels accidents même si, c’est là le paradoxe,
des marques d’utilisation.
Le corps en aulne est reconnaissable avec son
pan coupé et son design intemporel. Le manche en
érable surmonté d’une touche en palissandre est vissé
en quatre points au corps via une plaque métallique,
ce qui est dans la plus pure tradition de la Telecaster.
On note le binding caractéristique de la finition sixties :
il atténue un peu le côté brut de ce type de guitare
et a su à l’époque redonner un coup de fouet à la
carrière de ce qui reste une référence en termes de
design électrique.
Puisque nous parlons d’électricité, à la motorisation
nous retrouvons des Van Zandt True Vintage, soit ce qui
peut se faire de mieux en la matière, le tout connecté
au jack de sortie via un sélecteur trois positions et deux
potards CTS, une combinaison tout à fait convaincante
sur le papier. Le hardware est partagé entre un chevalet
Wilkinson que nous aimons beaucoup en général et
des mécaniques Gotoh que nous n’aimons pas moins.
Cela fait beaucoup d’amour d’un coup. Un sillet en os

A72 www.guitarextrememag.com

est là pour assurer une intonation propre et exempte
de résonances désagréables pour les cordes à vide.
La finition est, comme nous l’avons dit plus haut, légèrement
vieillie à l’atelier et de façon plutôt convaincante, en tout
cas de la manière la plus agréable à l’œil, ce qui tranche
avec l’habitude prise un peu partout de reliquer, voire
de « distresser » à l’extrême. Ici, le rendu est élégant
et cela permet de ne pas stresser outre mesure si au
bout de deux heures on a mis un léger « chtar » sur la
tranche. D’ailleurs, petite parenthèse, les guitares sont
des instruments de musique, des outils donc, et s’ils se
prennent des coups, ce n’est pas grave, en particulier
les guitares solid body qui sont relativement robustes.
Le « mint » n’intéresse que les collectionneurs, les
musiciens étant étrangement bien plus intéressés par le
son que par l’état de l’instrument… Le profil du manche
est raccord avec celui de l’époque, relativement fin
sans être ridiculement inconsistant, le parfait équilibre.
L’aspect global est particulièrement réussi et le logo
Maybach vient signer cette recréation parfaitement
convaincante d’un modèle cent fois copié, et pas toujours
de la plus belle des manières, même s’il faut l’avouer,
louper une Telecaster relève de l’exploit (que certains
ont quand même réussi à accomplir, paix à leur âme).
SAINT RATAFOIN,
PRIEZ POUR NOUS
Il n’y a qu’un seul juge qui peut décider si une pelle est
ou non digne d’intérêt : le test du « 100 watts à lampes
dans ta face ». Rien de tel que de se faire déchausser
les molaires en riffant au travers d’un 2x12. Nous avons,
il faut bien l’avouer, pris un sacré plaisir à torturer la
T61, directement dans l’ampli ou en passant par un
pedalboard constitué pour l’occasion d’un compresseur,
d’une overdrive, d’un tremolo et d’un délai.
Les sons clairs sont typiques des Tele 60’s, assez claquants.
Cependant, Maybach a choisi de ne pas trop caricaturer
la Tele et les Van Zandt restent plutôt équilibrés en la
matière, d’autant que le corps aulne assez léger a
tendance à creuser le spectre au niveau des mediums.
Il faut donc garder un certain niveau de matière pour
ne pas perdre toute la consistance. Les plans soul ou
r’n’b sont tout à fait à leur aise et on convoque sans
trop forcer les fantômes des plus grands telemans. Le
jazz, les sons funky, la country (merci le compresseur),
rien ne fait peur à la T61 et on redécouvre à chaque
fois la polyvalence ahurissante de ces guitares pour
qui sait jouer de la tonalité.
On pousse un poil le canal clair pour qu’il commence
à cruncher et on ouvre le délai ainsi que la reverb de
l’ampli et là c’est, merci le potard de volume, toute la
pop, le rock, le blues et le rockabilly qui débarquent
dans le sous-sol de la rédaction. Quand on en arrive
au point où on n’écoute plus la guitare mais qu’on
prend juste du plaisir à jouer, c’est que manifestement
il se passe quelque chose. Pour comparer ce qui n’est
pas comparable, nous avions joué la Stratocaster de
1963 ayant appartenu à Jimi Hendrix quelques minutes
auparavant (objet de l’une des rubriques Vintage Maniac
de notre numéro 90), alors certes il existe un fossé entre
les deux instruments, mais la T61 n’est pas ridicule, loin
s’en faut. Le manche est particulièrement confortable et
le réglage d’usine donne vraiment l’impression d’être
à la maison. Le sélecteur est ferme et précis, de même
que les potards qui tournent avec une sensation façon
berline allemande qui n’est pas désagréable du tout.
On finit le feu d’artifice avec le drive bien velu de
l’ampli. C’est tout ce qu’on aime, dans les limites des
micros simples. Pourtant, en coupant la tonalité juste
ce qu’il faut, on peut se permettre des incursions dans
le domaine du stoner ou du metal (façon
Gojira, même si des frettes jumbo
seraient plus indiquées). Avec une fuzz, c’est aussi très
bien, notamment sur le micro aigu, plus polyvalent
que le micro grave qui atteint plus vite les limites de
sa conception. Cependant, les leads façon Gilmour ne
sont pas ridicules, il faut juste se calmer sur le gain de
l’overdrive, solliciter les doigts et gérer la dynamique
pour compenser le faible niveau de sortie et le son
caractéristique du simple bobinage côté manche. Mention
spéciale à la position intermédiaire sur les crunchs,
et le micro aigu dans à peu près toutes les situations,
notamment si la tonalité est sollicitée.
Au final, voici une Tele très réussie qui, esthétiquement
ou soniquement, coche toutes les cases. On peut lui
reprocher de ne pas être un modèle original, mais
ce ne serait que pur snobisme car, les yeux fermés,
nous vous défions de faire la différence. Une guitare
professionnelle, terriblement attachante, belle et
polyvalente. On commence à avoir l’habitude avec
Maybach.•
A73
EFFETS
Anasounds Element
La reverb bondissante
Quoi de plus évident qu’une bonne reverb ? Quoi de plus indispensable également ? Anasounds, la marque française qui
n’en veut et ne recule pas devant l’excentricité, a décidé de reproduire la reverb à ressort typique de nos amplis favoris
mais sans l’émuler, juste en la déplaçant sur notre pedalboard. Là où c’est très fort, c’est qu’ils ont décidé de proposer
trois tanks différents en fonction des budgets, envies ou possibilités de chacun. Nous avons mis la pédale Element à nos
pieds ainsi que les deux plus petits tanks (le Bon et la Brute).
Par Régis Savigny
LE DRIVER
Une reverb à ressort a besoin d’un driver
pour fonctionner, c’est-à-dire qu’un étage
de préamplification spécifique va augmenter
le signal de façon suffisante afin de pouvoir
exciter les ressorts. C’est le rôle de la pédale
Element qui reçoit toutes les connexions ainsi
que les contrôles. Cette pédale seule ne sert
à rien (de même que les tanks seuls sont
parfaitement inopérants).
Le design est un classique chez Anasounds :
un boîtier métallique couplé à une façade
en bambou décoré et sérigraphié au laser.
L’esthétique plaira ou pas mais elle a le mérite
d’être très originale et cohérente.
On retrouve sur la face arrière : les jacks
d’entrée et sortie, l’alimentation 9V DC et
l’insert en mini-jack pour envoyer et récupérer
le signal vers/en provenance du tank. Sur la position
de ce dernier, une petite critique pour ceux qui ont des
connecteurs d’alimentation coudés et qui risquent de
galérer un peu pour le positionner. Un positionnement
sur le côté à l’aide d’un mini-jack coudé aurait sans
doute permis d’éviter ce souci et de sauvegarder ledit
mini-jack qui reste un connecteur fragile.
Les contrôles disponibles sont bien évidemment le
mix entre reverb et son direct, un volume qui n’agit
que sur la partie « wet » du signal, permettant de
grossir l’effet par rapport au son direct (sans affecter
ce dernier, contrairement au réglage de mix). Une
égalisation deux bandes est présente sous la forme
de deux potentiomètres qui permettent dans un sens
de couper les graves ou les aigus jusqu’à les neutraliser
complètement, et dans l’autre de les booster pour
mettre en valeur l’une ou l’autre partie du spectre
(jusqu’à +6 dB). Un mini-switch situé pile au milieu
de la façade enclenche un drive qui suralimente les
ressorts afin d’exagérer l’effet. Attention, le but ici est
A74 www.guitarextrememag.com
DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL
de produire du crado, du sulfureux, du lourd.
LES TANKS
Nous regrettons de ne pas avoir eu accès au plus gros des
tanks (le Truand). Nous devons donc nous contenter des
deux plus petits, le Bon et la Brute. Nous commençons
par le premier qui a l’avantage d’être très compact,
et de fait assez funky dans son look. La connexion est
assez facile et on remarque les trous ménagés pour la
fixation au pedalboard à l’aide de vis et de tampons
amortisseurs permettant de limiter les mouvements
des ressorts qui, s’ils sont sollicités physiquement,
peuvent produire des bruits explosifs que tout un
chacun connaît pour peu qu’il ait un jour frappé son
ampli par inadvertance (ou écouté les Pixies).
À ce stade du test, il va sans dire que ceux qui ont une
reverb intégrée à leur ampli n’auront qu’un intérêt
très limité à investir dans une reverb supplémentaire.
Le son du Le Bon est assez compact, produisant une
POUR 249€
entre
349€
• Le concept
• Le look
• La modularité à
• Le son très flatteur du La Brute
CONTRE
• La disposition du connecteur mini-jack,
• Le son singulier du Le Bon peut dérouter les
amateurs de longues reverbs
CONTACT
www.anasounds.com
reverb assez dense mais courte, et dont la
profondeur dans le bas du spectre est limitée.
Parfaite pour mouiller des sons un peu funky,
des sons saturés ou octaviés. Les contrôles sont
assez efficaces et on peut très vite passer du
discret au vraiment typé. Toutefois, quand on
aime les reverbs amples et longues, on va être
très décontenancé par Le Bon qui est à la fois
très typé et finalement pas si évident à cerner. Il
a l’avantage de proposer une couleur de reverb
qu’on ne rencontre que très rarement, l’accent
étant souvent mis sur des reverbs un peu molles
et longues (les tanks habituels des amplis).
Le tank La Brute est lui nettement plus consensuel,
mais il faut avoir de la place pour le placer sur
son pedalboard (la marque niçoise propose
même de le fixer sous votre planche, pour
gagner de la place). Le son est immédiatement
gratifiant, bien plus large que son petit frère.
C’est typiquement le son de guitare surf ou
ambiant qu’on aime et d’emblée notre coup de cœur
va à ce tank. Les contrôles sont bien plus efficaces,
notamment le contrôle de grave qui a une vraie utilité,
permettant de redonner de la définition quand on
pousse le volume ou le mix (et on vous garantit qu’on
a envie de le pousser, ce mix). Le contrôle de saturation
permet de verser dans le psychédélisme le plus total
et excitera les expérimentateurs les plus fous, qui ne
manqueront pas de frapper le tank à l’occasion, histoire
de profiter du côté « physique » de la reverb.
On aura envie aussi de passer claviers ou boîtes à rythme
dans l’Element dont la modularité promet de longues
heures d’expérimentation. On imagine alors avec envie
ce que doit être le son du Le Truand.
Au final, une reverb singulière qui ne plaira pas à tout
le monde, loin de là. Mais l’originalité du concept, son
côté simple d’accès et l’attrait visuel supplémentaire que
constituent les ressorts vont jouer en faveur d’Anasounds.
Assurément un outil pour les nostalgiques du son 100 %
analogique, les savants fous et les anti-conformistes. •
EFFETS
AMI EFFECTS Umami
Elue à l’umamimité !
Voici un effet qu’on a bien du mal à classer : clean boost ? Oui mais… pas seulement. Overdrive ? Non mais… oui quand
même. Fuzz ? Non mais… presque à certains moments. Par contre c’est une tuerie et ça… c’est sûr !
Par Judge Fredd
B
on, on va pas se faire des nœuds au cerveau
pour savoir dans quelle catégorie la ranger, on
va plutôt essayer d’en parler et de la cerner le
mieux possible. Au départ, on a un boîtier alu
nu surmonté d’un à-plat bleu foncé (Umami, umami,
mami Blue…) à la sérigraphie… orange. Et là sera ma
seule et unique réserve sur cette pédale : dans de
mauvaises conditions d’éclairage, on a du mal à lire
le nom des réglages surtout quand on n’a plus ses
yeux de 20 ans. Ceux-ci sont au nombre de quatre (les
réglages pas les yeux…) : Volume et Master (aka drive et
volume, gain et level etc.) sur la ligne du haut, Treble
et Bass sur celle du bas. Pile au milieu de tout ça, se
dresse un mini switch pour atténuer le signal de -10dB
(vers le haut) et de -20dB (vers le bas).
UMAMPLI ?
Les rapports Volume/Master sont semblables à ceux
qu’on trouve sur un ampli chacun amenant son
lot de volume, de compression et de saturation, les
combinaisons sont aussi nombreuses que gratifiantes
et permettent à la pédale de s’adapter à toutes sortes
d’instruments et d’usages.
DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL
On peut obtenir d’un boost transparent avec volume
entre zéro et le quart. Ça renforce bien le son, lui
donne de la vie et au tiers de la course, on commence
à cruncher. On pousse encore le volume et on obtient
un overdrive superbe qui garde les caractéristiques de la
guitare et de l’ampli tout en enjolivant le son. Volume
aux trois-quarts, n’importe quel ampli même le plus
anémique est transformé radicalement en vintage à
gros baston, c’est assez incroyable.
L’égalisation est très efficace que ce soit les aigus ou
les basses, de plus les deux réglages sont interactifs,
chacun agissant de manière un peu différente suivant
la position de l’autre. C’est notamment vrai des basses
qui sonnent plus tights lorsque les aigus sont un peu
poussés. Notons d’ailleurs que l’égalisation se trouve
entre Volume et Master comme sur un ampli. Aigus à
fond, graves à zéro, on est bien tranchant bien agressif.
Tout à fond, aigus et graves, avec beaucoup de volume
et sur le micro grave de la guitare, on arrive à des
trucs quasiment fuzz, encore une nouvelle facette de
l’engin qu’on n’aurait pas soupçonné à première vue.
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Et même dans ces cas de figure un peu extrême, on
remarque qu’on a assez peu de bruit de fond, signe
d’une conception et d’une fabrication soignées. C’est
aussi dans ces réglages extrêmes qu’on apprécie de
pouvoir descendre le niveau (-10 et -20) de manière à
attaquer votre ampli de façon optimale. Notons aussi
que cela compresse légèrement le son. Comme un
ampli toujours (enfin comme un bon ampli) l’Umami
retranscrit toutes les variations de volume et de jeu,
elle est vraiment très réactive.
Enfin notons qu’à l’intérieur de l’engin se trouve deux
dip switches l’un pour diminuer les aigus (bon, j’en
n’ai pas eu besoin) et l’autre pour booster les mids
et celui-là, une fois enclenché ben je ne m’en suis
plus passé car il apportait une certaine niaque bien
appréciable.
MAIS UHÉMAMIENNE ?
L’argumentaire du fabricant décrit l’Umami comme
une boîte à épices pour guitaristes faite pour rehausser
votre son d’une pointe de saveur. Je ne saurais trouver
de meilleure définition : c’est tout à fait ça et une
rapide écoute des différents essais sur Youtube vous
montrera que chacun y trouve largement son compte
dans des registres complètement différents ; le tout
avec un rapport qualité/prix hallucinant. Let’s go ! •
A75
EFFETS
POUR
199€
Val Martins Hell’s Bells,
• Le son et le caractère de chaque pédale
• La déco naïve assumée

Honky Tonk et Tekila

CONTRE
• Une petite tonalité sur la Honky Tonk
n’aurait pas été du luxe

De la couleur pour
CONTACT
www.val-martins-amps.com

le pedalboard
DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL

Val Martins est un fabricant français, au sens artisan du terme. Ici, pas de grosses séries, la décoration est faite à la main
et on nage en plein dans l’esprit « boutique » qui a vu il y a une vingtaine d’années naître des pédales haut de gamme
et le retour en grâce de ces petits boîtiers qui avaient un temps été supplantés par les multi-effets ou les racks grands
comme des frigos (on se demande encore comment on en était arrivé là). Ce sont trois pédales qui nous ont été prêtées
pour ce test, toutes des overdrives mais pas une qui promette la même chose. Allez, on se lance !

Par Régis Savigny

HONKY TONK
C’est la plus low-gain du lot. Elle est rouge orangé,
du genre voyant, et ne dispose que de deux réglages.
Un volume et un Mojo qui correspond peu ou prou
au gain, même si cela agit également sur la tonalité.
Son nom pourrait nous faire penser qu’elle reproduit
le son des Stones, en gros celui d’un bassman bien
poussé, ce que nous vérifierons à l’essai.
Esthétiquement, la pédale est réussie et la sérigraphie
faite à la main pourrait sembler cheap, mais c’est tout
au plus naïf, et cela fonctionne très bien. La fabrication
est très bien faite et la pédale inspire confiance.
Nous l’avons branchée sur notre sempiternel stack
Orange pour voir ce qu’elle avait dans le ventre.
Le grain est effectivement assez épais sans pour autant
verser dans la distorsion. C’est grenu mais léger et en
tout cas absolument pas transparent. En revanche, la
combinaison des deux réglages permet d’obtenir quelque
chose de très réactif et de choisir entre un drive assez
classique ou quelque chose d’assez fuzzy qui fait apparaître
de belles harmoniques. Nous sommes finalement plus
proche des combos des 50’s-60’s du style Magnatone
ou Silvertone qui crunchaient méchamment bien que
n’étant pas prévus pour cela. La Honky Tonk se révèle
également très efficace devant un canal légèrement
saturé pour apporter un peu de folie à des chorus trop
sages. En tout cas, c’est original et assez singulier pour
justifier un achat quand on n’a à sa disposition que
des grains un peu trop convenus.

TEKILA
Voici une pédale qui ne cache pas ses ambitions : reproduire
le comportement d’un petit ampli de type Fender
poussé à fond. Et qui utilise ce genre d’ampli ?
Un certain Billy Gibbons, notamment dans les
premiers ZZ Top des 70’s, ce qui nous rappelle
que le texas blues n’est pas l’apanage des seules
Stratocaster jouées sur le micro manche dans un
Blackface et une Tube Screamer.
La finition est verte, évidemment, et les réglages sont
au nombre de deux. Un gain et un Level, pas de réglage
de tonalité donc.
Le son de la Tekila est assez radical. Dans les premiers degrés
de la course du potard de gain, on est effectivement, pour
peu qu’on utilise un double bobinage, complètement

A76 www.guitarextrememag.com
 BATTERIEMAGAZINE.COM

dans l’esprit des albums du groupe texan d’avant la période 80’s avec synthés
165
(Degüello). C’est très juteux et parfaitement réactif, tant au médiator qu’au
potard. Le bottleneck est le bienvenu et les harmoniques se déploient au long du
sustain. Pousser le potard de gain nous propulse plutôt du côté d’Antenna et de
ses tracks débordant d’harmoniques. Les chorus avec la tonalité presque à zéro
sont un régal et quand on l’ouvre à fond, c’est parfait pour riffer méchamment,
qui plus est quand on fait saturer l’ampli. Du très beau boulot mais assurément
pas une pédale pour qui veut passer inaperçu dans le mix.

GAVIN ON
W
INTERVIE

HELL’S BELLS
HARRIS
Cette fois, on annonce clairement l’ambition du bouzin : offrir au quidam le
son d’Angus et Malcolm, rien que ça. Pour le coup, le look est de circonstance,
ÉFLEXION
on retourne au noir avec une « sérigraphie » rouge. Davantage de contrôles :
ÉMOT ION ET R
INSTINCT,
RE
FAIT ÉQUILIB
un volume, une tonalité, un gain, couplé à un switch qui permet de choisir TE DU PAR
EN QUÊ
entre deux gains, Low et High Voltage (ahahaha, sans blague…).
Bien évidemment, les doubles bobinages sont indispensables non pour leur ET AUSSI
DOSSIER
niveau de sortie, mais plutôt pour leur équilibre tonal impossible à retrouver EURS DE PARKWAY DRIVE
LES BATT
BANDS
avec des simples (sauf à vraiment jouer de la tonalité). Entre notre Les Paul
TRIBUTE THERAPIE TAXI
et l’ampli Orange tout de même bien typé British, il y a un terrain favorable FRANCK VAILLANT
et effectivement, dès les premières notes, on nage bien en plein dans une WHILE SHE SLEEPS
REPORTAG
E STRAY FROM THE PATH
mélasse typiquement australienne.
KADINJA
Il faut vraiment faire attention au gain et ne pas trop le pousser pour retrouver
POSTER
l’esprit Malcolm quand on riffe. La position Low Voltage sera suffisante pour

3’:HIKPSB=YUZ^UW:?a@l@g@p@f";
KAZ RODRIGUEZ

M 05814 - 165H - F: 5,90 E - RD

entent
ues prés
reproduire la plupart des rythmiques du groupe, mais aussi pour se faire plaisir
Les marquveautés 2019 ! COURS ET PARTITIONS (VIDÉOS)

leurs no
dans des blues sentis, notamment en position manche. On regrette même de

Mars/Avril 2019 5,90€ Bel.: 6,80€

Les grooves de : Steve Jordan, Nate Smith
ne pas avoir pris la Gretsch pour jauger les performances de la Hell’s Bells en Hervé Chiquet : Endurance et double pédale
Cédric Hilaire : Mesures asymétriques
conditions optimales. La position Stéphane Avellaneda : Pad session
Technique : Tempo jazz doublé et dédoublé
High Voltage est vraiment faite pour
balancer des solos ou alors pour riffer,

BASSISTE
mais plutôt en mode english metal,
car on perd vraiment en attaque ce
BASSISTE

qu’on gagne en jus. Toutefois, c’est

toujours très précis et très musical,
E
la tonalité permettant de varier les REPORTAG

couleurs pour finalement pouvoir N°83 www.bassistemagazine.com

s’échapper un peu de la couleur

AC/DC. En tout cas, en fermant les
yeux, on retrouve beaucoup des
sensations typiques d’un stack

e
Marshall poussé à fond (je parle

e
de l’étage de puissance surtout).
n
u
Une pédale très attachante,
parfaite pour tout amateur des
Australiens les plus bruyants
de la planète, mais qui permet
également de faire ce qu’on peut
faire en poussant un stack anglais
à la limite de la politesse.
Une pédale qui justifie
pleinement son prix.• BOHEMIAN RHAPSODY
UNE NUIT AU CINEMA AVEC
JOHN DEACON
INTERVIEWS

VINCENT SEGAL (BUMCELLO)

STEVE TRÉGUIER (KADINJA)
IVAN ROUGNY (MÖRGLBL) MARS AVRIL 2019 -
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JIMMY HASLIP LES MAÎTRES DE LA BASSE

TIM LINDSEY
TONY VISCONTI
FRED PALLEM
PÉDAGOGIE
MAX DARMON
TESTS
22 PAGES DE PARTITIONS
CORT, G&L, WARWICK BASSE STORY
TRAVELER GUITAR
TWO NOTES LES MICROS MAGNÉTIQUES
GUITARES
ROGER DAGUET
Skully
Xplorer Files
Ca faisait un bail que Roger Daguet n’avait pas fabriqué de guitare d’inspiration Explorer. Aussi, et il le
savait, cette Skully devait obligatoirement faire un crochet au journal avant de s’envoler vers
son légitime propriétaire. Ben, on n’a pas été déçu du voyage…
Par Judge Fredd
C
ette guitare est une commande du guitariste
des Penny Dreadfuls groupe de noisy pop basé
en Guadeloupe (http://pennydreadfuls.fr). Il se
trouve que Dam (c’est son prénom) est un grand
fan de No One Is Innocent et de François « Shanka »
Maigret (qui, on s’en souvient avait commandé une
V à Roger), ce qui l’a incité à franchir le pas à son tour
en commandant cette très réussie Skully.
F.B.I. (FORT BEL
INSTRUMENT)
Alors, bien sûr, quand on a affaire à une guitare aussi
A78 www.guitarextrememag.com
DÉBUTANT CONFIRMÉ PROFESSIONNEL
clairement inspirée d’un modèle
existant on se prend à jouer au jeu
des différences. Si les dimensions sont très semblables,
Skully se love sans problème dans le case SKB prévu
pour les explos, on note dès qu’on la prend en main,
que les bords (les arêtes du corps) sont nettement plus
arrondis que sur l’originale, une touche de douceur qui
contrebalance joliment le côté angulaire de l’instrument.
Ensuite, on voit que la tête a été modifiée, permettant
aux cordes de rester absolument rectilignes derrière
le sillet (en os de bœuf du Limousin), pour une tenue
d’accord optimale. Celle-ci est encore renforcée par
l’adoption de mécaniques Kluson à bain d’huile avec
blocage sur le fût. Le manche, dont le profil commence
en demi-rond, va s’aplatissant au fur et à mesure
qu’on monte vers les aigus et se termine, côté corps,
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• Réalisation top 3500 €
• Excellents micros
• Confort de jeu
• Etui SKB compris
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• Euuuh…
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par un talon effacé, très agréable lorsqu’on joue sur
les cases les plus aigues : aucune gêne, confort total.
La touche, en palissandre indien, est sertie de frettes
jumbo dont une frette zéro, demande du comman-
ditaire. De même les repères de touche sont très perso
avec le même repère (3 dots) à la 3e et à la 12e case.
Corps et manche sont en korina avec, pour ce dernier,
un double trussrod plus un renfort de wengé et une
construction en trois pièces qui lui donnent plus de
rigidité. Les trois pièces vont du talon jusqu’au bout
de la tête, c’est à la fois efficace et très esthétique. On
reste dans le cosmétique avec un superbe placage de
wengé sur la tête et le logo de Dam en incrustation
de nacre sur le corps. Ce logo a du sens puisqu’il est
une sorte de fusion entre l’hermine bretonne et la
 croix de Lorraine, symboles pour Dam de ses
deux grands-pères, l’un breton, l’autre lorrain qui,
tous deux, se sont engagés dans la résistance lors de
la seconde guerre mondiale. Une manière pour lui
de leur rendre hommage et de penser à eux
chaque fois qu’il prend son instrument.
Comme toutes les explos, Skully est
extrêmement confortable en
jeu assis comme debout,
avec dans ce dernier cas
l’aide de Straplocks
Dunlop qui éviteront
toute chute intempestive de l’instrument.
La plaque de la cavité électronique, à l’arrière,
se démarque de l’originale par sa forme spéci-
fique, fantaisie du Daguet. La cavité, recouverte
de peinture magnétique (isolation), renferme trois
potards CTS et une capa Bumblebee. Au bout de
la corne, on trouve un gros switch Switchcraft
très agréable d’emploi qui semble capable de
supporter des milliers de manipulations sans
broncher. Moins classique, un petit killswitch
est niché sous le micro aigu et se montre assez
pratique à l’usage pour faire du son haché.
Juste devant le chevalet Tonepros à blocage,
encore un élément de qualité, on trouve les
fameux micros Daguet Moonshiners, travaillés pour
avoir le moins de perte de champ magnétique
possible, ce qui accroit le sustain, la dynamique
et la sensibilité. Pour les caractéristiques, on
reste dans les valeurs d’un PAF original mais en plus rebondies, c’est charnu et râpeux à la fois, la précision
détaillé et plus clair : par exemple le micro grave est du micro grave paie et on peut à la fois pousser à
beaucoup moins baveux que l’original et l’aigu a des la quasi fuzz et garder chaque note audible même
basses plus rondes qu’attendues. Le tout est routé via sur des accords un peu complexes. Le micro aigu se
deux volumes et une tonalité. montre royal et lorsqu’on laisse résonner le sustain
naturel et la disto on peut se laisser entraîner vers
XTRA TERRESTRIAL une interminabilité de l’infinitude sonique comme
on en voit rarement.
SOUNDS
On note rapidement les attaques nettes NON, LA VÉRITÉ N’EST PAS
et franches et la brillance que ça soit sur
le micro aigu, le grave ou la position inter.
AILLEURS
L’autre trait marquant, c’est le sustain naturel Bref, voilà encore une guitare bien née signée Roger
de l’instrument, les deux conjugués font que Daguet, un instrument avec lequel son propriétaire
cette Skully se comporte extrêmement bien en va sûrement convoler pour longtemps pour un prix
son clair avec également des graves ronds et bien somme toute très raisonnable car, à qualité égale, peu
tenus. En baissant les mids au max sur l’ampli et de marques proposent une personnalisation aussi totale
en position inter sur la guitare on a quasiment à ce niveau de prix.•
une guitare sèche d’autant que la progressivité
maximale des deux volumes permet beaucoup
de variations en inter.
Dès qu’on passe en crunch poussé on est encore
une fois porté par les qualités de l’instrument,
la précision et la profondeur des micros. On peut
forcer sur le gain sans perdre quoi que ce soit en
intelligibilité, même sur le grave. Le micro grave
gagne en mordant, l’aigu en corpulence sans pour
autant qu’aucun des deux ne perde son identité.
En grosse disto on se rapproche carrément du son
d’une Les Paul mais en plus ouvert. Les basses sont
A79
Scannez le QR code avec votre smartphone ou votre tablette pour retrouver la vidéo de ces partitions sur notre chaîne
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METAL
PROG
DEVIN TOWNSEND
L’ACCORDAGE C G C G C E

Lors de son dernier séjour à Paris pour la promo de son nouvel album Empath,
Devin a accepté de passer derrière nos caméras pour vous délivrer une leçon,
exercice avec lequel il n’est pas franchement à l’aise. Il a décidé de vous expliquer
les arcanes de son accordage fétiche, le C G C G C E, avec lequel il compose toute
sa musique.
EXEMPLE 1
On voit tout de suite l’avantage de ce tuning. Les octaves, les quartes et les quintes sont très faciles à jouer avec des doigtés symétriques.
Attention : avec la version 7 cordes de sa Framus Stormbender, Devin dispose d’un sol grave supplémentaire.

EXEMPLE 2
Un exemple de rifferie toute « Devinienne » dévoilant toute la puissance du C G C G C E.

EXEMPLE 3
Côté lead, le C G C G C E permet de répliquer des doigtés symétriques sur toutes les cordes, ce qui est hyper efficace et moins contraignant
pour les neurones. Ici, Devin dévoile son plan de tapping favori.

A80
ELECTRO
METAL YOANN KEMPST
BORG ERECTUS : Le heavy metal sauce manga

Le virtuose français Yoann Kempst se lance dans une nouvelle aventure

avec Borg Erectus, un projet un peu fou mêlant influences heavy metal des
80’s, habillages electroniques et imagerie manga. Pour cette leçon, il vous
présente en exclusivité le titre « Armanoïde ».

EXEMPLE 1
Il s’agit du riff principal de la chanson, joué en palm-mute et qui s’articule autour d’un intervalle de septième Majeure. Petite
particularité expliquée sur la vidéo : après avoir joué le sol sur la corde de ré, Yoann frappe le premier des deux la bémol en faisant un hammer.

A81
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EXEMPLE 2
Ici, Yoann harmonise à la guitare le thème qui est joué à la basse. La partie se compose d’un power chord de mi, d’une triade de ré (sur une
basse de sol), d’un Bb-7, d’un Fsus4, d’un Ab-7, d’un Eb/B et d’un EMaj7#11.

EXEMPLE 3
Voici le second riff « metal » du morceau, tout en palm-mute, avec une montée en accélération rythmique. À la fin, on retrouve une
harmonisation de la ligne mélodique jouée à la basse synthétique, avec la même coda que l’exemple 2.

A82
BLUES
ROCK FABRICE DUTOUR
Le mode dorien au pays des Allman

Nouvelle excursion de Fabrice Dutour dans le monde du blues rock avec

une leçon qu’il a choisi de baser sur « Whipping Post », célèbre standard
du Allman Brothers Band. Nous sommes donc dans un contexte global
de Am, avec une coloration modale clairement dorienne.

EXEMPLE 1
Cette première phrase attaque directement avec le fa#, c’est-à-dire la sixte, note caractéristique du mode de la Dorien. Cette empreinte modale
est renforcée par le jeu en sauts de cordes, qui induit une sensation de phrasé en arpège.

EXEMPLE 2
Fabrice commence cette seconde phrase avec un arpège de mi mineur, qui est une super structure de l’accord de la, et qui nous permet
d’entendre le si (9e), le ré (11e et le fa# (13e). Après la succession d’arpèges joués sur deux cordes, notez le petit effet chromatique qui
apporte un feeling un peu jazzy.

EXEMPLE 3
Terminons avec ce lick plus « basique », puisque le mode de la Dorien est joué dans sa continuité. Envoyé lentement, le plan n’aurait pas
vraiment d’intérêt. C’est vraiment la rapidité d’exécution qui le fait sonner.

A83
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ROCK
INSTRU
ROBIN « SATURAX »
ANGELINI
LE FLOYD ROSE ET L’EXPRESSIVITÉ

Dans l’univers « satrianien » de Saturax, les notes et les phrases

modulées à l’aide du vibrato sont prépondérantes. Le guitariste corse
vous propose une petite étude agrémentée de quelques exemples qui
devraient vous permettre de mieux cerner les possibilités expressives de
cet outil difficile à maîtriser.

EXEMPLE 1
Ce premier exemple est davantage un effet qu’un plan à proprement parler. Il vise à imiter une sorte de « miaulement ». La main gauche
effectue un grand slide sur la corde de sol tandis que l’on presse la barre de vibrato. Saisissant!

EXEMPLE 2
Pour ce deuxième plan basé sur la pentatonique de sol mineur en15e position, nous commençons par la 7e mineure que nous descendons
jusqu’à la sixte avec le vibrato avant de revenir à nouveau sur la 7e. La petite descente qui suit aboutie sur la quarte. Enfin, sur la fin du plan,
Robin assène quelques coups de vibrato un peu violents façon Eddie Van Halen.

EXEMPLE 3
Poursuivons avec ce plan en legato en triples-croches qui se décline sur trois accords (G, Bb et C). Robin place un coup de vibrato très sec sur
les notes jouées par le petit doigt.

A84
FUSION /
PROG
SÉBASTIEN
GARSIA
SUBSTITUTIONS ET PENTAS

Toujours au taquet sur le plan harmonique, Seb Garsia articule sa

nouvelle leçon autour des substitutions diatoniques. En décodé, il s’agit
de remplacer des accords par d’autres, mais tous issus de la même
tonalité. Une manière efficace de cibler directement certaines couleurs
modales sans jouer trop de notes. La grille du backing track utilisé par
Seb sur la vidéo est basée sur les accords de Esus2 et CM7#11. Go !
EXEMPLE 1
Ici, Seb joue la penta mineur de si sur l’accord de Esus2 et la penta mineure de E sur le CMaj7.

EXEMPLE 2
Pour cette seconde phrase, Seb utilise exclusivement la penta de si sur les deux accords.

EXEMPLE 3
Dans ce troisième exemple, les deux pentas sont mélangées pour former une sorte de gamme à six notes, ce qui génère une ambiguïté
intéressante.

A85
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FUSION SWAN VAUDE

PHRASÉ ET MODULATIONS La grille :
Am7 I Am7 I G#M7 I G#M7
Le Lyonnais Swan Vaude aborde dans cette Am7 I A-7 I E7Alt I E7Alt
seconde leçon une autre façon d’aborder le phrasé Am7 I Am7 I Cm7 ICm7
au sein d’une grille modulante tout en soulignant Am7 I Am7 I E7Alt I E7Alt
de belles couleurs harmoniques. C’est parti !

EXEMPLE 1
Swan utilise le mode lydien sur l’accord de G#, et cible la quarte du A-7 pour résoudre sa phrase. Hyper efficace!

EXEMPLE 2
Cette seconde phrase évolue du A-7 vers le C-7. Swan se met dans la perspective de la tonalité de Bb Majeur. Les couleurs sont donc celles du
mode Locryen pour le A- et du mode Dorien pour le C-.

EXEMPLE 3
Terminons avec ce lick qui se pose sur l’accord de E altéré qui clôture la grille. Swan joue ici un arpège mineur avec la septième Majeure, soit le
premier degré de la gamme mineure mélodique.

A86
POP/
GOSPEL YVAN GUILLEVIC
LE SOLO DE « BETTER DAYS »

La guitariste breton Yvan Guillevic poursuit sa route avec YGAS, le duo qu’il
forme avec la chanteuse de gospel Anne Sorgues. Leur nouvel EP Better Days
vient tout juste de sortir, et Yvan vous propose d’étudier le solo du single
éponyme. Au menu : ambiance floydienne et beau choix de notes.

Le solo s’articule autour d’une grille de 4 accords : Bm, F#m, A et E. Yvan reste ancré dans le mode de si mineur pentatonique avec quelques
ajouts d’extensions (6te mineure, 9e). Tout l’intérêt ici est de souligner le caractère nostalgique de la musique avec outils expressifs (rakes,
vibrés, bends). Bon courage!

A87
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FUSION TOM ABRIGAN

LE SOLO DE « KID STUFF »
L’un des énormes coups de cœur de l’année 2018 pour Guitare Xtreme Magazine
a été le premier EP de Tom Abrigan & the Shunkren Heads. Avec ce groupe
puissant drivé par le marseillais Tom Abrigan, il est question de metal, de grunge,
mais aussi de fusion. Tom vous propose d’étudier le solo final du morceau « Kid
Stuff ». Cherchez un son crunch façon Dumble et retrouvez toutes les explications
harmoniques en regardant la vidéo sur la chaîne YouTube de Guitare Xtreme !

A88
A89
DOSSIER
RICHARD
DAUDÉ

TECHNIQUE,
DÉCONTRACTION,
ENDURANCE,
COACHING…

21 CONSEILS
POUR DEVENIR
UNE BRUTE !!!
Parmi les guitaristes français de stature internationale, le Nîmois Richard Daudé
casse la baraque sur internet, mais également sur les salons du monde entier.
Très récemment, il a été l’une des sensations 2019 du NAMM Show d’Anaheim
en mettant le feu sur le stand de nos amis de Wild Customs, dont il est devenu
l’ambassadeur au début de l’année. Virtuose accompli, mister Daudé touche à
toutes les musiques, du rock au metal en passant par le jazz et la fusion, et son
appétit insatiable pour tout ce qui touche à la guitare l’a amené à s’approprier toutes les
techniques, des plus simples aux plus acrobatiques (son DVD 51 Extreme Tapping Licks, sorti
chez Lick Library, est devenu une référence mondiale).
Richard dirige également sa propre école à Nîmes, Guitar Academy, un véritable dojo
guitaristique au sein duquel il prodigue son savoir à plus d’une centaine d’élèves. À l’instar
d’un athlète de haut niveau, le maestro a appréhendé sa route comme un sacerdoce, faisant
face aux doutes, aux remises en question et à tous les sacrifices qu’exige la pratique d’un
instrument au plus haut niveau. Spécialement pour Guitare Xtreme Magazine, il vous livre
21 conseils afin de vous aider à développer au maximum votre potentiel guitaristique et de
réveiller la brute qui sommeille en vous. En sus, il vous offre 10 plans démentiels pour franchir
le mur du son. Go !
1/
DÉVELOPPEMENT
DE LA MAIN
GAUCHE
Si je me fie à mon expérience personnelle,
ce ne sont pas les exercices « didactiques »
qui m’ont fait du bien. Les profs préconisent
souvent de travailler ces sempiternels enchaînements
chromatiques à jouer sur chaque corde (1234 – 1243 –
1324 etc.)… Ils peuvent éventuellement être intéressants
au tout début, mais rapidement, on se rend compte
qu’ils ne permettent qu’à… devenir bon en exercice
(rires). Ils n’ont aucun impact sur le phrasé, or la main
gauche, c’est la main du phrasé. Pour être efficace,
l’articulation doit vraiment venir de quelque chose
ayant du sens, et le guitariste, quel que soit son niveau,
tirera un bénéfice énorme en créant ses propres idées,
ses propres phrasés, et ses propres cheminements sur le
manche. La technique ne doit JAMAIS être déconnectée
de la musique, car elle n’est que l’outil qui nous permet

A90 www.guitarextrememag.com
de nous exprimer aussi librement que possible sur
l’instrument.
2 / ERGONOMIE ET
MORPHOLOGIE
Il faut toujours garder à l’esprit
que notre technique est
intimement liée à
notre ergonomie, à
notre morphologie,
à la forme de
notre main, et aux
possibilités musculaires et
articulaires de notre corps. À chaque fois que
l’un de mes étudiants souffre d’une blessure, c’est parce
qu’il a cherché à travailler textuellement et en force des
phrases d’autres guitaristes morphologiquement très
différents de lui, d’où un certain inconfort. Contrarier
notre structure occasionne des conflits qui finissent par se
manifester par des tendinites. D’une part, l’articulation
prend du sens quand elle a une réelle signification
musicale, et encore plus lorsqu’elle émane d’idées
personnelles.
3 / ÉCARTEMENTS
MAIN GAUCHE ET
DÉPASSEMENT DE
SOI
Voici encore un point qui touche à
notre morphologie. Il m’est arrivé
de bourriner des exercices qui
n’étaient pas du tout adaptés aux
possibilités articulaires de
ma main. Résultat, je
n’y arrivais pas et je me
faisais mal. Cependant, il est
naturel de vouloir repousser ses limites
afin de recréer un certain son que l’on a
vraiment dans la peau. Cela m’est arrivé
lorsque j’ai commencé à aborder le style de
Shawn Lane, qui comporte des choses physiques
et mécaniques assez extrêmes. Cependant, je ne l’ai pas
fait « pour le sport et la performance » mais purement
pour la musique et en étant extrêmement patient. Je
me souviens également de Derryl Gabel, un guitariste
de fusion, qui m’avait offert ses propres relevés d’Allan
Holdsworth, qu’il avait réalisés au détail près avec les
vrais doigtés d’Allan. Au bout de deux heures, j’ai
compris que je n’y arriverai jamais. Avec les patterns
à quatre notes par cordes, j’étais dans un inconfort
permanent. Ma démarche a donc été de recréer
l’univers de Holdsworth, mais en tenant compte
de ma propre morphologie, en utilisant
d’autres doigtés et d’autres techniques
telles que le tapping. En conclusion, ma
technique actuelle, aussi poussée soit-
elle, est autant le reflet de mes possibilités
que de mes limites.
4 / DÉVELOPPER UN
LEGATO FLUIDE
Pour développer un bon legato bien fluide, il faut
commencer par trouver une posture de jeu idoine afin
que les notes sonnent et qu’il n’y ait pas de tension. Le
premier point, quand on joue assis, c’est de trouver
sa jambe d’appui. Beaucoup de guitaristes
sont à l’aise avec la guitare reposant sur la
jambe droite. Personnellement, ma posture
est plus proche de celle des guitaristes
classiques, avec appui sur la jambe gauche.
J’ai une meilleure aisance et une
meilleure amplitude de jeu avec ma
main gauche. Des gens comme Rick
Graham ou Christophe Godin adoptent une
posture similaire. Cela rejoint à nouveau
la morphologie. Les doigts doivent être
prêts à jouer au-dessus des cordes sans
avoir à « aller chercher » les notes.
5 / L’ÉCONOMIE DE
MOUVEMENT
L’économie d’énergie et l’optimisation des mouvements
est une chose que nous recherchons naturellement
tous dans tous les domaines de la vie courante. La
première fois que quelqu’un conduit une voiture, ses
gestes sont saccadés. Il ressent de la crispation et du
stress. Avec l’habitude, les gestes s’optimisent et la
conduite devient fluide. Un guitariste est comme un
prestidigitateur qui apprend un nouveau tour de carte.
Ses gestes sont un peu contrariés au départ, même s’il
est très doué. Après quelque temps, il peut bluffer tout
le monde, parce que les « trucs » ne se voient
plus. Au bout d’un moment, en
guitare, on prend conscience
de l’énergie superflue que
l’on met dans notre jeu, et
on finit par apprendre à la
réduire au minimum. Une
bonne façon de prendre conscience
de cela, c’est de jouer devant un miroir.
L’impact du doigt qui frappe la note doit s’effectuer
de manière très vive et sur une distance très courte.
Finalement, la force qui entre en jeu dans un legato
fluide n’est pas énorme, surtout quand on joue avec
un instrument bien réglé et avec le son adéquat.
6 / DÉVELOPPEMENT
DE LA MAIN DROITE ET
ALLER-RETOUR
À force d’enseigner, j’ai la certitude qu’il
existe des guitaristes de main
gauche et des guitaristes de
main droite. L’enjeu majeur
du jeu de main droite, c’est
l’aller-retour et la gestion des
changements de cordes dans la
vélocité. Plus un guitariste avance
dans une logique « Al Di Meolienne » du jeu, plus il se
retrouvera confronté au problème de l’inclinaison de sa
main droite, qui va lui permettre de changer de corde
dans un sens ou dans l’autre avec aisance et sans que
les cordes adjacentes n’entravent les déplacements de
son médiator. Quand on constate une stagnation dans
l’exécution d’un trait particulier, il faut réfléchir à la
question, et intégrer à la phrase ces légers changements
d’inclinaison. Avec le travail et la répétition, ces réflexes
vont finir par s’intégrer au jeu.
7 / LA
CYBERNÉTIQUE
DE LA MAIN
DROITE
Personnellement, mon aller-retour ne
provient pas d’un mouvement rotatif
de mon poignet. Ma main bouge du bas
vers le haut avec mon avant-bras plaqué
sur la guitare. Cependant, dans l’accélération,
je fais intervenir légèrement mon avant-bras qui
ramène un peu d’énergie dans le jeu et me permet
de gagner en force et en vitesse. Lorsque mes élèves
stagnent en aller-retour sur une phrase précise, je leur
demande de bloquer les cordes avec la main gauche,
et de jouer uniquement le pattern de main droite en
« ghost-notes ». Au départ, ce travail qui pousse l’élève
à être honnête et objectif est extrêmement difficile,
mais en s’affranchissant de la main gauche, il prend
peu à peu pleinement conscience de chaque micro
déplacement effectué par le médiator. Une fois que
cette cybernétique de la main droite est acquise, on
peut ajouter la main gauche.
8 / LE MUTING
Le muting ou « palm-muting » est un aspect
très important du jeu de main droite,
surtout pour tout ce qui est rythmique et
percussif. Ma tendance naturelle lorsque
je monte une gamme en aller-retour est
d’étouffer les trois premières cordes avec
la paume de ma main, parce que je recherche
mentalement ce son-là, et « d’ouvrir » le son sur les
trois dernières cordes, encore une fois pour une histoire
de préférence timbrale. Ensuite, bien sûr, l’influence
de guitaristes comme Di Meola m’a amené à travailler
le jeu en notes étouffées sur toutes les cordes. Il faut
envisager le palm-muting comme une texture de son,
mais jamais comme une facilité visant à masquer un
manque de technique.
9 / MAIN DROITE
ET GROOVE
Si la main gauche est la main du phrasé,
la main droite est celle du rythme, du
groove et de la pulse. C’est pour cette raison
que les guitaristes ayant des faiblesses sur
le plan rythmique ont tendance à manquer
A91
DOSSIER
de confiance en leur main droite. Personnellement,
je ne travaille jamais avec un métronome. Je travaille
en revanche contre ma propre pulse en battant la
mesure, ou bien en musique, avec un morceau ou un
backing track. C’est important de toujours développer
sa technique dans un contexte musical.
10 / ALLER-RETOUR
ET ILLUSIONS
POLYRYTHMIQUES
Le jeu en legato apporte une certaine
liberté rythmique. Le phrasé flotte
parfois au-dessus de la pulse tout
en y restant connecté. On
retrouve cet effet de
« vagues de notes »
chez Satriani ou
Holdsworth. Avec
l’aller-retour, le débit
devient naturellement plus
rigide, avec des débits indéboulonnables
en triolets, doubles-croches ou sextolets. C’est
intéressant d’essayer de « casser » ce côté arithmétique
de l’aller-retour en travaillant des accélérations au
ressenti, pour se détacher de la pulse du morceau tout
en essayant d’en garder une conscience accrue. Il s’agit
d’un travail mental et conceptuel qui touche un peu
à la polyrythmie, et grâce auquel votre jeu en aller-
retour va devenir plus intéressant, libre et frénétique.
11 / LA
SYNCHRONISATION DES
DEUX MAINS
La synchronisation est un gros challenge
pour beaucoup de guitaristes. Si tel
est votre cas, ayez en tête qu’il
ne s’agit pas uniquement de
quelque chose de mécanique.
En réalité, ce qui unifie nos deux
mains dans une seule et même
intention, ce sont nos oreilles. Si vous
prenez pleinement conscience du son
que vous voulez obtenir, si vous l’entendez clairement
dans votre tête, alors vous le jouerez clairement, et
il n’y aura plus aucune raison que vos mains soient
désynchronisées. Souvent, nous pensons : « j’additionne
deux gestes ». Il s’agit d’une vision erronée. En réalité,
nos deux mains doivent fonctionner dans un
élan commun pour concrétiser une idée
musicale. La clé : jouez davantage avec
vos oreilles qu’avec vos mains et votre
synchro s’améliorera drastiquement. Il
existe également un rapport physique assez
troublant entre le son et la précision des
gestes. Un guitariste habitué à jouer à faible
A92 www.guitarextrememag.com
volume avec un préamp et des enceintes d’ordinateur
sera complètement déconcerté lorsqu’il se retrouvera
dans un contexte où il devra jouer plus fort avec un
ampli. Il perdra forcément une partie de ses moyens
et ses mains ne fonctionneront pas de la même façon.
12 / LA GESTION DES
BRUITS PARASITES
Lorsque l’on commence à jouer avec des taux de saturation
importants, la gestion des bruits et résonances parasites
devient un très gros challenge. Le guitariste se focalise
souvent uniquement sur la main gauche. En réalité, les
deux mains doivent fonctionner de concert. Lorsque
l’on joue sur les cordes graves, l’index de la main
gauche recouvre les cordes, les empêchant ainsi
de résonner. Par sécurité, la pulpe de
l’index entre en contact avec la
corde supérieure adjacente.
Plus on va jouer vers les
cordes aiguës, plus la paume
de la main droite prend le
relais. Le but est que seules les
cordes sur lesquelles on joue puissent
résonner. Certains guitaristes utilisent des dumpers
ou des chouchous pour contrecarrer les résonances
des cordes à vide. Pourquoi pas ? Personnellement, je
n’utilise pas ce genre de dispositifs, mais si vous vous
sentez à l’aise avec, foncez ! Veillez tout de même à
contrôler les doigts de votre main gauche afin d’éviter ces
« pull-offs accidentels » qui peuvent intervenir sur les
changements de cordes et qui sont responsables de pas
mal de petits buzz. Pour le tapping à plusieurs doigts,
la clé est de minimiser l’amplitude de vos pull-offs (en
quittant vos cordes gentiment). Les pull-offs sont
ainsi moins amples par rapport à ceux que
l’on fait avec la main gauche. Le dosage
de la distorsion est important aussi. Ne
forcez pas trop sur le gain !
13 / DOIGTS
FORTS / DOIGTS
FAIBLES
En matière de doigtés, il y a plusieurs écoles : ceux
qui jouent à trois doigts, avec l’index, le majeur et
l’annulaire, et ceux, plus académiques, qui utilisent
le petit doigt (un doigt par case). Personnellement,
j’oscille entre ces deux tendances. J’aime me mettre
à l’aise dans les phrases bluesy et jouer avec
les trois premiers doigts et naturellement,
sans y penser, j’incorpore le petit doigt
dans mon jeu en montant dans le bas
du manche, exactement comme le fait
Yngwie Malmsteen. J’utilise aussi mon
petit doigt pour développer certains écarts
importants à la main gauche qui aèrent le
jeu. Il faut faire selon ses aptitudes naturelles, mais
les deux perspectives sont valables. Au départ, j’ai
eu une grosse facilité avec les trois premiers doigts
que j’utilisais principalement. Mon petit doigt était
à la ramasse. Au bout d’un moment, j’ai ressenti le
besoin de le mettre à niveau. J’ai donc développé
une façon d’équilibrer l’énergie sur les quatre doigts.
Très tranquillement, je vous conseille de poser votre
annulaire sur la corde et travailler en douceur de petits
hammers et pull-offs avec le petit doigt. Soyez patient,
et au bout d’un moment, il fonctionnera avec la même
indépendance que les autres.
14 / DÉCONTRACTION
ET ÉCONOMIE
D’ÉNERGIE
Atteindre un état de décontraction optimal
passe par une notion primordiale : ne plus
avoir aucun doute quant à ce que l’on
veut jouer. À l’instar de la synchronisation,
c’est vraiment quelque chose qui passe
par la tête. Dès que le doute s’installe,
on tend à vouloir s’appliquer davantage,
le corps se crispe, et on ne peut plus jouer. À
l’inverse, quand le discours musical est clair et que l’on
sait exactement où aller, on est forcément plus détendu,
on joue avec moins de force et de tension, et la vélocité
opère naturellement. Il faut aussi prendre du plaisir
en jouant et rester positif. Lorsque le guitariste entre
dans une boucle de souffrance et d’auto-flagellation,
bien jouer devient impossible.
15 / FAUT-IL TRAVAILLER
LENTEMENT OU
VITE ?
Voilà une question récurrente ! Je pense
qu’il faut faire les deux. Les minutes
durant lesquelles on aborde un nouvel
exercice pour la première fois sont les plus
importantes. C’est dans cette phase que
l’on donne des instructions très précises à
notre cerveau. Il faut prendre son temps et le
faire très clairement. Une fois les gestes parfaitement
mémorisés, on peut accélérer, mais ne soyez jamais trop
impatients. Forcément, en jouant plus vite, vous allez
parfois commettre des erreurs et vous ramasser. Non
seulement ce n’est pas grave, mais c’est aussi naturel.
La vitesse est une sensation. La tête et les doigts vont
plus vite, et il faut s’immerger dans ce ressenti-là pour
réussir à franchir un cap.
16 / AUTO-ÉVALUATION
C’est très enrichissant pour un guitariste de s’enregistrer
ou de se filmer. En prenant l’habitude de le faire,
vous pourrez prendre du recul sur votre jeu, voir où ça
 pèche, et aussi mieux apprécier
votre progression. Vous pourrez
profiter immédiatement de
ces enregistrements ou
de ces vidéos, mais
également le faire à
plus longue échéance.
Il sera par exemple
intéressant de comparer deux vidéos
réalisées à un an d’intervalle pour mesurer
votre progression. Nous avons toujours la
sensation de stagner, or ce n’est pas vrai. On
parcourt toujours du chemin. Vous pourrez aussi
demander l’avis de personnes de confiance quant à
vos enregistrements, mais attention : cela peut être
risqué. Certaines vérités sont parfois difficiles à entendre
lorsqu’on est sensible.
17 / LA
CONFIANCE EN
SOI
La confiance en soi est l’une des
clés de la réussite. On peut réussir
à surmonter partiellement la
peur et l’appréhension,
mais sachez que même
à mon niveau, je ne
suis jamais serein quand
j’entre dans une pièce avec ma guitare
pour jouer en public. Demandez à tous
les professionnels que vous rencontrez :
on ne se sent jamais « prêt », mais à un
moment, il faut bien sauter à l’eau. Mon point
de vue, c’est qu’en travaillant dur sur l’instrument, on
gagne de la marge. De cette façon, même en perdant
un peu de contrôle dans les situations stressantes,
on en garde suffisamment sous le pied pour réussir à
donner le change et assurer. Finalement, nous jouons
plus de la guitare avec notre mental qu’avec nos
mains. Il y a des techniques de relaxation
et de méditation qui fonctionnent très
bien pour certaines personnes. Gardez
également en tête que le jeu d’un musicien
est une pure émanation de « qui il est ».
Plus on se stabilise dans la vie et plus on
gagne en hauteur et en sagesse, et moins on
tend à stresser et à appréhender le jugement
des autres. Pour l’anecdote, lorsque j’ai été chez Lick
Library en Angleterre pour le shooting de mon DVD,
j’étais sur-entraîné. Physiquement, je ne craignais
rien et tout a été filmé en seulement cinq heures. On
ne le voit pas à l’image, mais dans ma tête, j’étais
terrorisé (rires).
18 / ORGANISATION pas dramatique. Le plus important, c’est de jouer vos
D’UNE SÉANCE DE morceaux et d’inventer votre propre musique. Mes
TRAVAIL conseils : commencez par écouter le morceau jusqu’à
Personnellement, je n’organise pas réellement mes pouvoir chanter les thèmes et les solos et connaître
séances de travail et je n’ai pas de « routines ». par cœur la trame harmonique pour avoir une vision
Je pense que pour rendre le travail aussi d’ensemble. En bref, appropriez-vous totalement la
efficace que possible, il faut faire des musique avant même de vous attaquer au dur du
pauses régulièrement, durant lesquelles travail. Ensuite, isolez chaque partie du morceau et
on pense complètement à autre chose. travaillez-là indépendamment en étant très patient.
Cela permet de se vider la tête. Durant
ces petites récréations, notre cerveau 21 / LA RECHERCHE
continue d’assimiler ce que l’on DE SOI
vient de travailler, et quand on y revient, À un certain stade de son évolution, un
généralement, tout fonctionne beaucoup guitariste a toujours peur de ne pas avoir
mieux. Ce système s’applique également de style propre et de trop se fondre dans
à des laps de temps plus longs. Parfois, la masse. J’ai eu cette appréhension à
un jour d’abstinence pour un guitariste un moment donné, et je me suis mis à
peut être salutaire, et on revient plus frais chercher ma personnalité, en vain. Au bout
sur l’instrument. Bien sûr, une certaine dose d’un moment, j’ai envoyé tout ça balader,
d’obstination est nécessaire pour progresser. Si vous et étrangement, c’est à partir du moment où j’ai
voulez réussir à dominer un plan, focalisez-vous commencé à m’en foutre que les gens se sont mis
dessus jusqu’à ce que mort s’ensuive, mais toujours à me reconnaître, parce que je jouais enfin pour les
en segmentant le travail avec des pauses. bonnes raisons en suivant mon cœur et mon instinct,
et en étant complètement à l’écoute de mes envies
19 / AVEC QUEL et de mes frissons. Nous avons tous une personnalité
SON FAUT-IL unique, mais pour la laisser émerger, il ne faut pas y
TRAVAILLER ? penser, aimer ce que l’on fait et s’éclater en jouant. •
On peut être tenté de s’infliger un handicap
au niveau du son pour travailler, un peu
comme lorsqu’on monte un flanc de colline
avec un sac rempli de pierre sur le dos.
Travailler le legato ou le tapping avec un
son clair ou très peu saturé peut être bénéfique,
mais attention : cela peut aussi devenir une source
de découragement. L’idée n’est pas mauvaise en soi,
il m’est arrivé de le faire, mais je préconise tout de
même de travailler avec le son le plus adéquat possible.
20 / COMMENT
TRAVAILLER
UN MORCEAU
DIFFICILE
Travailler un morceau intense du répertoire
comme « Eruption » de Van Halen ou « For
the Love of God » de Steve Vai, c’est comme
vouloir gravir un sommet de l’Himalaya. Cela
pourra vous apporter énormément si vous y
parvenez, mais ayez toujours conscience des risques
encourus. Déjà, il s’agit de pièces très exigeantes sur le
plan technique. Veillez à ne pas trop vous miner le moral
ni à entamer votre motivation. Enfin, gardez en tête que
lorsqu’on commence à rentrer dans l’ergonomie d’un
autre guitariste, on se met en danger. Le cas échéant,
acceptez le fait que vous n’êtes pas fait pour jouer tous
les morceaux, et que si vous n’y arrivez pas, ce n’est
A93
DOSSIER
Envie de lustrer votre legato, d’affûter votre fast-picking et de fluidifier votre sweep ? En bonus de ses précieux conseils
guitaristiques, Richard vous offre 10 plans super ciblés et super efficaces qui vous permettront à coup sûr de prendre
des points en termes de technique, et qui présentent des principes du jeu que vous pourrez appliquer à toutes sortes de
gammes et d’arpèges. À vous de jouer !

Lick #1
Une montée en sol majeur
utilisant l’economy picking.
Pour faire simple, le strict aller-
retour n’est pas respecté et
les changements de cordes
s’effectuent dans le même
sens avec des mini sweeps.
Un bon moyen de jouer plus
vite dans la décontraction.

Lick #2
En aller-retour strict, exécuter
des pentas ou des formes
d’arpèges à deux notes par
cordes représente toujours
un challenge et un excellent
moyen de repousser ses limites.
L’exercice est basé sur un arpège
de CM7.

Lick #3
Dans l’arsenal du guitariste
moderne, l’hybrid picking,
technique combinant le jeu au
médiator avec un ou plusieurs
doigts de la main droite, est
devenu incontournable,
permettant d’envoyer plus
facilement des phrases
acrobatiques avec des sauts
de cordes. Ce plan fonctionnera
parfaitement sur un Am7.

Lick #4
Un plan assez terrifiant en mi
Majeur, un peu inspiré de Frank
Gambale. Les changements de
cordes consécutifs sont joués
vers le haut en sweeping. La
coordination des deux mains
doit être parfaite.

Lick #5
Avec la nouvelle génération
de super guitaristes, dont
Guthrie Govan et Andy James,
le legato a encore évolué, avec
des plans que la main gauche
peut exécuter seule. Ici, la
main droite étouffe les cordes
en bas du manche pour éviter
les résonances intempestives.

A94 www.guitarextrememag.com
Lick #6
Avec le tapping et l’avènement
du son hi gain, les limites de
la virtuosité ont été repoussées
par toute une génération de
guitaristes. Ce plan inspiré de
la technique de Ron Thal utilise
deux doigts de la main droite
pour le tapping. Attention aux
bruits parasites !

Lick #7
Une autre idée assez moderne
en tapping à plusieurs doigts
utilisant des sauts d’octave.
L’effet mélodique obtenu est
très intéressant. Le plan est basé
sur la gamme de sol mineur
pentatonique.

Lick #8
Ce plan utilise une combinaison
de legato et d’hybrid picking
afin de briser la gamme de
la Majeur de façon musicale
tout en boostant la vitesse. A
travailler lentement !

Lick #9
Envie de transfigurer le rendu
de vos pentatoniques ? Cette
phrase en hybrid picking
utilisant liaisons et sauts de
cordes devrait vous inspirer
de nouvelles pistes de travail.

Lick #10
Histoire de rester dans l’esprit
néo-classique de la couverture
de ce numéro, terminons avec
un plan d’inspiration baroque
qui s’articule à l’aide d’aller-
retour et de sweep. Les deux
arpèges de la mineur et ré
mineur sont entrecoupés de
motifs avec note pivot très «
JS Bach » dans l’esprit.

A95
LE MARCHÉ OPUS
YNGWIE
MALMSTEEN
Blue Lightning
Mascot
L’archange suédois des arpèges diminuées,
du mode phrygien dominant, des micros
sweeps fulgurants et des gammes brisées
foudroyantes exécutées sur une seule
corde, gare ses Ferrari devant la porte
de Mascot Records, le temps de déclarer
une nouvelle fois sa flamme au blues,
enfin au blues… façon de parler. Parce
que même s’il a plaqué ses premières
notes en jouant sur le Beano de John
Mayall et ses Blues Breakers, quand
Yngwie pense « blues », il a plutôt en
tête le blues rock de son enfance (Jimi
Hendrix, ZZ Top), voire carrément le hard
rock sous testostérone de Deep Purple, et
hormis quatre compos originales, ce Blue
Lightning prend l’allure d’une collection
de revisite de classiques qui ont forgé sa
personnalité musicale. Sans surprises,
nous retrouvons « Foxy Lady » et « Purple
Haze », déjà jouées live par le maestro,
ou encore « Smoke On the Water » et
« Demon Eye’s ». Plus étonnant, Yngwie
secoue sa Rolex frénétiquement lors de
furieux vibrés sur le « While My Guitar
Gently Weeps » des Beatles, ou encore
le « Paint it Black » des Stones, dévoilant
sa propre vision, très personnelle, de
la british invasion. Si le viking connait
son blues sur le bout des doigts (« Blue
Jean Blues », « Sun’s Up Top’s Down »),
le naturel revient vite au galop, et ses
doigts lestes ne tardent pas à se lâcher
sans la moindre économie (difficile de
ne pas sourire lors de la succession de
débouleries sur l’intro du « Forever Man »
de Clapton). Au final, Blue Lightning
possède les qualités de ses défauts, et
qu’il s’attaque à ce répertoire ou ses
propres compos, le style de Malmsteen
reste entier, avec ses contradictions, sa
vulgarité mais aussi et surtout ce talent
complètement fou qui continue de faire du
A 96
lascar l’un des virtuoses les plus brillants
de l’histoire de la guitare électrique. Nous,
on le prend comme il est, et on achète !
DREAM THEATER
Distance Over Time
Century Media/Inside Out
Le quintet le plus clivant de la scène metal
s’apprête à nous livrer son quatorzième
album, composé et enregistré « en
famille » près de Woodstock dans un
grand chalet des Catskill aménagé en
studio d’enregistrement. Premier constat
agréable : les ingénieurs en chef du metal
progressif ont fait subir à leur musique
un « choc de la simplification », et passé
« Untethered Angel », le titre magistral
qui ouvre l’album en grande pompe,
les influences primaires du groupe
commencent à ressortir, de Metallica
(« Fall Into the Light ») à Rush (« Barstool
Warrior », « Pale Blue Dot ») ou encore Pink
Floyd (« At Wit’s End ») Journey (« Out of
Reach ») et Deep Purple («Viper King »). La
technicité est toujours bien présente dans
l’exécution, mais les longues fresques à
tiroir laissent place ici à des compos plus
musclées, mid tempo et linéaires, et les
variations de dynamique se ressentent
plutôt d’une chanson à l’autre. Comme
à l’accoutumée, John Petrucci et Jordan
Ruddess se tirent la bourre, et si les parties
solos du guitariste apparaissent toujours
aussi grandioses et abouties, celui-ci
mise davantage sur l’impact mélodique
et émotionnel de son phrasé que sur
les challenges techniques. L’esprit de
camaraderie qui anime aujourd’hui
le groupe transpire également lors de
passages plus ou moins jammés que
le groupe a conservés tels quels. Sans
conteste le meilleur album du gang de
Long Island depuis Train of Thought, qui
marque clairement un renouveau créatif
et pourquoi pas l’ouverture d’un nouvel
âge d’or pour Dream Theater.
JIMM
Distorsion Cérébrale
Juste une trace
Le rock français pourrait très bien se porter,
du moins si on laissait plus souvent la
parole à des artistes de la trempe de
Jimm. Sur les traces d’un Damien
Saez, le chanteur guitariste se pose en
héritier de Trust et OTH, avec une plume
acide et sans concession, démontant
méthodiquement la télésurveillance (Big
Brother), les politiciens (« No Elites »,
« L’ivresse du pouvoir »), le fanatisme
religieux (« Prisonniers de Dieu »), et
la pensée unique (« Prêt à penser »).
En filigrane, Jimm distille son mal-être
et ses doutes existentiels, évoquant la
fustration amoureuse (« Ton blues dans
la peau ») et la déchéance (« Je ne veux
pas vieillir »). Côté musique, l’énergie
viscérale du punk côtoie les guitares
débridées du metal, et quand il s’agit
de riffer et de partir en solo, le musicien
déchaîne les enfers façon Zakk Wylde et
Slash à grand renfort de Les Paul massives
et de Marshall surchauffés. Un excellent
rockeur qui gagnerait à être connu.
MAT NINAT
Mat Ninat
Autoproduction
Le garçon Mat Ninat, photographe et
réalisateur, gravite depuis longtemps
dans l’univers de la télévision. En outre, il
accompagne la smala Trust sur les routes
et gère le community management du
groupe. Ce que l’on savait un peu moins,
c’est que Mat peut aussi se la raconter
derrière un micro et un manche de guitare,
et pas qu’un peu. Pour ce coup d’envoi, il
s’est constitué un power trio à la hauteur
de ses ambitions rock’n’rolleuses, avec
Aurélien Ouzoulias et Pascal Mulot.
Autant dire que l’assise rythmique et
la grosse patate sont au rendez-vous.
Musicalement, cet album s’inscrit dans
une veine classique. L’ami Mat connait
son Aerosmith et son Great White sur le
bout des doigts, et ne peut pas renier le
son de sa génération, à savoir la fusion
funk/rock des années 90 (Living Colour,
Fishbone). Il y a du gros riff poilu, du solo
bien véloce qui gicle, de la voix gorgée
de whisky, mais aussi du groove et de la
syncope. Histoire ne pas faire la fiesta tout
seul, Mat s’offre quelques guest, et pas
des moindres : Renaud Hantson, Norbert
Krief (pas vraiment surprenant) et Patrick
Rondat, qui se fend d’un redoutable
chorus sur « Dilemma ». Un album fun
et récréatif. Let’s boogie !
IN VOLT
Free
Volt Prod/M&O Music
Chez Guitare Xtreme, on a un petit
faible pour le combo francilien In Volt,
qui pratique un hard rock viscéral et
venimeux, fortement connecté aux
sonorités du blues. Aux commandes du
rafiot, il y a le Franco-allemand, Jérôme
« Double G » Gauthier, rockeur et biker,
Les Paul Black Beauty en bandoulière,
qui riffe et « soloïse » façon Warren
Haynes et son freak de frangin Enton,
frontman extravaguant et charismatique
qui apporte au groupe une dimension
théâtrale. Pour ce troisième album, In
Volt a posé ses flight cases en Allemagne,
et plus précisément à Cologne, dans le
studio de Jon Caffery, producteur anglais
émigré en terre teutonne qui a collaboré
avec Joy Division, Einstürzende Neubauten
et Jeff Beck. Ce dernier est parvenu à
extraire la quintessence du son de In Volt
et à dégraisser les chansons pour n’en
conserver que la substantifique moelle.
Le groupe garde son cap, avec un rock
lourd, funky et énergique évoquant
GXT 91
 LE MARCHÉ OPUS
parfois Clutch ou Cheap Trick, mâtiné
d’atmosphère plus intimistes voire
acoustiques. Petite nouveauté : In Volt
revendique désormais ouvertement sa
filiation teutonne dans ses lyrics, avec
des passages écrits dans la langue de
Claudia Schiffer. Une galette de bon aloi !
CHILDREN OF BODOM
Hexed
Nuclear Blast
Le petit génie finlandais du « melo death »
signe le dixième album de son groupe
Children of Bodom, juste avant de passer
le cap critique de la quarantaine. Le gars
Laiho a connu des hauts et des bas, aussi
bien sur le plan créatif que dans sa vie
personnelle (le musicien combat encore et
toujours son alcoolisme chronique), mais
depuis l’excellent Halo of Blood (2013), le
collectif d’Espoo évolue dans une phase
très positive, et Hexed marque à nouveau
un crescendo en termes de qualité. Le
style classique de COB, brutal et tellurique,
reste de mise, mais cette agressivité,
canalisée par un regain mélodique et
des arrangements de guitares/clavier plus
sophistiqués, gagne en efficacité, avec
des réminiscences subtiles du Rush de
Moving Pictures/Grace Under Pessure.
Ce nouvel album permet également à
COB de mettre dans le bain son tout
nouveau guitariste, Daniel Freyberg (ex
Naildown, ex Norther), solide rythmicien
qui apporte au groupe une nouvelle
dynamique. Alors que beaucoup de
groupes de leur génération sont rincés
et au bout du rouleau, Children of Bodom
continue d’évoluer au top niveau et de
nous surprendre. Bravo !
GARY CLARK JR.
This Land
Universal
Le prodige texan, encensé par Eric
Clapton himself, poursuit lentement
A 98
mais sûrement son ascension, et
confirme avec ce troisième album qu’il
faudra définitivement compter avec lui.
Le musicien de 34 ans laisse s’exprimer
sa colère, et dépeint ici l’Amérique
boursoufflée et clivante de Donald Trump,
la lente gueule de bois qui a suivi son
élection et l’exacerbation des tensions
sociales et raciales qui se sont ravivées
ces deux dernières années. Les racines
du blues (ou plutôt des blues) restent les
mamelles nourricières de son art, mais
l’artiste, totalement décomplexé, élargit
copieusement son horizon musical, avec
des détours assumés vers le hip-hop, le
rhythm’n’blues, la soul (avec en prime
la voix de falsetto façon Curtis Mayfield),
le reggae, mais aussi le pur rock’n’roll,
voir le punk rock. Habile songwriter, Gary
parvient à lier tous ces ingrédients en
évitant les grumeaux, grâce à sa forte
personnalité vocale, son groove et bien
entendu son jeu de guitare aussi funky
et gras que débridé (le solo à rallonge de
« Pearl Cadillac » restera gravé à jamais
dans les tablettes du blues rock. De la
très bonne came !
PAPA ROACH
Who Do You Trust?
Eleven Seven Music
L’un des rares groupes de neo metal à
avoir traversé les décennies, Papa Roach,
revient avec son dixième album. Après le
succès de leur précédent opus Crooked
Teeth, les Californiens continuent de se
renouveler. S’ils sont connus pour leur
large palette de styles, ils semblent
pencher vers un son plus pop et moderne
avec des touches électro, et ce dès la
première chanson de l’album, un hymne
appelé ironiquement « The Ending ».
« I Suffer Well » surprend, tirant vers le
punk, mais à l’inverse, « Not The Only
One » commence dans une ambiance
acoustique, avant d’entamer des breaks de
rap plus heavy. Si l’on sent l’influence de
Rage Against The Machine sur « Renegade
Music », un morceau énervé ponctué
de motherfucker, les chœurs aériens et
les percussions d’« Elevate » rappellent
l’ambiance d’Imagine Dragons. Mélange
de nouveauté et de nostalgie, Who Do
You Trust? est une fusion parfaite entre
adolescence éternelle et maturité,
abordant les thèmes de l’anxiété, de la
douleur et de la confiance. Certes loin
des débuts, Papa Roach n’est pas en mal
d’inspiration !
JOHN MAYALL
Nobody Told Me
Forty Below Records
Toujours bon pied, bon œil, papa John.
Le vétéran fête, avec cet album, son 85ème
birthday… Le rock conserve. Oui, enfin
ça dépend, mais apparemment le blues
aussi. Dorénavant, John ne découvre plus
de jeunes guitaristes plein d’ambition,
mais au contraire, utilise les grosses
pointures venant lui prêter main forte.
On groove « rhythm’n’blues » à fond
avec cuivres et tout, dès que commence
l’album avec « What Have I Done Wrong ».
C’est Joe Bonamassa qui s’y colle avec de
méchants licks bien bluesy. Ensuite, Larry
McRay enlumine « The Moon is Full »
sans complexes et efficace. Mayall qui
a toujours aimé picorer un peu partout
emprunte « Evil And Here Today » au
regretté Jeff Healey, aidé ici par Alex
Lifeson dans un registre plus tranquille
mais non moins tumultueux, question
« blue note »… Le vocal spécifique de
Mayall se fait proche d’un Muddy Waters
(blanc !) et l’on entend le son chaud
du micro manche, de ce qui semblerait
être une Strato chauffée à blanc, nous
chatouiller les tympans. Notre légendaire
parrain (du blues) est allé chercher le roi
du New Jersey, Steve Van Zandt, fidèle
lieutenant de Bruce the boss. Steve connaît
son blues sur le bout des doigts et assure
grave sur « It’s So Tough » écrit par Mayall.
Enfin, honneur aux dames, avec Carolyn
Wonderland, from Houston Texas, invitée
sur les deux derniers titres, ça le fait…
Tony Grieco
WATERMELON SLIM
Church of The Blues
Northern Blues-Bettus France
Voici des nouvelles fraîches de ce bluesman
iconoclaste, avec son look de rescapé
de plusieurs guerres, visage buriné et
voix éraillée… Mais pour le bon vieux
blues, ok, il connaît le sujet. Guitariste et
harmoniciste, il jette ici dans la marmite,
tout ce qui fait encore sa force, un jeu
de guitare énergique, notamment au
slide crunchy, et aussi à l’harmonica,
qu’il maîtrise aussi fort bien. Il avait sorti
l’excellent Golden Boy en 2017, à tendance
acoustique, mais ici, il rebranche la gratte
et c’est sévère car ça envoie du feu de
dieu. « St. Peter’s Ledger » réveillerait
un mort, avec cette incroyable pêche.
Monsieur s’offre des cuivres chauds
bouillants, sur « Post-Modern Blues »
pour bien épicer sa slide mordante. Le gus
possède une solide culture et le prouve
avec cette relecture musclée de « Get
of My Life Woman » d’Allen Toussaint
popularisé par Lee Dorsey. Idem avec ce
« Smokestack Lightnin’ » du géant Howlin’
Wolf, auquel notre homme redonne ici
une seconde jeunesse. Enfin, fans de feu
Johnny Winter, ce « Too Much Alcohol »
est fait pour vous, à consommer sans
modération, l’album, pas la bouteille !…
Tony Grieco
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*LES COULEURS DU ROCK’N’ROLL