ENSAYO

FRANZ
LISZT
EL
CABALLERO
DE
LA MUSICA
POR
JUAN JOSE OPPIZZI
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FRANZ
LISZT
EL
CABALLERO
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legó a la vida como Liszt Ferencz

el 22 de octubre de 1811 en Raiding (Dobrján),
localidad húngara por entonces perteneciente al
imperio de los Habsburgo, según reza la placa en el
frente de su casa natal. Más tarde, por su formación
austro-alemana, habría de cambiar el Ferencz por
Franz. Su padre era un aficionado a la música que
trabajaba con el príncipe Esterhazy, noble influyente en
Un Liszt joven. los círculos de Budapest. Al igual que Federico Chopin,
Liszt evidenció muy temprano las condiciones que
luego iban a desarrollarse de una manera excepcional.
A los nueve años debutó como pianista y varios de los
señores que regían la vida política y cultural de Hungría
–Amaden y Zopary, entre otros– ofrecieron su
colaboración para que pudiera estudiar. Fue enviado a
la capital del imperio, Viena, en donde tuvo como
maestros a Czerny (autor de un libro de estudios
pianísticos aún vigente en gran parte del mundo) y a
Salieri (demonizado por Milos Forman en su película
Amadeus, que ya había sido maestro de Mozart y de
Beethoven). Alguna referencia anecdótica habla de un
encuentro entre el niño Franz y el autor de la Novena
Marie d´Agoult Lola Montez
Sinfonía: el sordo gruñón protestó por los juegos de
Liszt en el teclado, pero al fin le dio un beso en la frente
como sublime reconocimiento.

Desde 1824 en adelante, Liszt emprendió una carrera

de intérprete que fue situándolo cada vez más alto.
Conviene mencionar que su llegada al mundo artístico
europeo coincidió con la evolución técnica del piano.
En la primera mitad del siglo XIX los fabricantes
aportaron nuevos instrumentos, con sonoridad
potente, amplitud de teclado, mejores sistemas de
pedalera y cuerdas más largas. Los pianitos en forma de
mesa corta, que desesperaban a Beethoven, dieron
paso a los de cola, cuyo timbre hacía redescubrir el
valor de las partituras. El joven húngaro se vio muy
interesado en las posibilidades que esos nuevos
instrumentos le brindaban, y adquirió una destreza
rayana en lo increíble. Sus dedos tenían un largo
fenomenal y un desarrollo en los cartílagos similar a los
de Nicoló Paganini, el virtuoso del violín; ambos
Y un Liszt anciano. cargaron una fama negra; se los consideró amigos del
Diablo, a quien supuestamente le habían vendido el
alma, con la contraprestación de las cualidades a la
vista.
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Pero Franz Liszt, en paralelo con las giras
deslumbrantes, empezó a componer sus propias
obras y a darlas al público en los conciertos. Y
ahí también empezó uno de sus dramas: el
virtuosismo pianístico bloqueaba la apreciación
de sus condiciones autorales; su música era tan
nueva para los oídos de la época, que los oyentes
la tomaban como estrambóticos ejercicios de
digitación.
Pocos notaron la genuina primicia: incorporar el
sonido de la orquesta en el piano, cosa que ni el
mismísimo Chopin había podido lograr. Las
Rapsodias húngaras fueron casi las únicas
piezas, aparte de los dos conciertos para piano y
orquesta, a las que el público le dio acogida
inmediata, aunque sólo por el ropaje efectista
que las adorna. Mientras, quedaron en un
segundo plano otras, como El valle de Obermann
y la Sonata en Si Menor, de fina e inaugural
concepción.
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Vivió en París, Ginebra, Weimar y Roma. En la
primera de las ciudades conoció a Marie d’Agoult,
célebre escritora francesa, con quien tuvo tres
hijos: Blandina, Cócima (futura esposa de Richard
Wagner) y Daniel. Tras una tormentosa relación
con la bailarina española Lola Montes, realizó sus
últimas giras de conciertos por Europa, que lo
llevaron a Rusia. Allí, en 1847, conoció a la princesa
Carolina de Sayn-Wittgenstein con quien
estableció un vínculo que daría un viraje a su
carrera de músico. Ella le aconsejó abandonar los
conciertos para dedicarse de lleno a la
composición, y Franz dio comienzo a la segunda
etapa de su obra: la sinfónica. En su mente había
florecido la idea de continuar el sendero abierto por
Beethoven con la Sinfonía Pastoral: crear música
programática, es decir que tuviera una armazón
descriptiva. Además, su amigo Héctor Berlioz
incursionaba –si bien erráticamente, dado su
temperamento variable– en nuevas formas, que le
inspiraron a Liszt el origen del Poema Sinfónico.
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A partir de 1848, y a lo largo de veinte años,
escribió trece partituras, siguiendo un flamante
esquema de síntesis, inspiradas en diversos
motivos: hechos históricos, cuadros, obras
literarias, leyendas y reflexiones filosóficas. Su
importancia las elevó a la categoría de modelo y
la mayoría de los autores que le sucedieron
(Tchaikowsky, Saint Saëns, Rimsky-kórsakov,
Richard Strauss, Rachmaninov y hasta Puccini)
crearon piezas de acuerdo con esa estructura.
Paralelamente, Liszt también escribió dos
sinfonías gigantescas, según el modelo clásico,
pero agregándole coros y solistas, y dotándolas
de un argumento, con el propósito de armar una
escenografía durante su ejecución, Dante y
Fausto.
En 1861, presa de un fuerte misticismo, ya lejos
de Carolina, Liszt se instaló en Roma. Fue el
inicio de su tercer período creativo, durante el
cual escribió muchas partituras religiosas que
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incluían el órgano, instrumento que llegó a
dominar tanto como el piano.
A partir de 1869 sus actividades se desplegaron en
Weimar y en Bayreuth, ya casada su hija Cócima
con Richard Wagner. En Bayreuth cumplió, el 31
de julio de 1886, el trámite formal de acabar la
existencia del cuerpo, en tanto la del artista
proseguía la curva ascendente rumbo a la
inmortalidad.
Un capítulo ineludible de toda referencia a su vida
lo compone la actitud que el gran genio de
Hungría tuvo con sus colegas: la absoluta
generosidad con que los ayudó a ser conocidos, a
difundir sus obras y a publicarlas. Richard
Wagner, amigo por largos años y que luego sería
su yerno, fue uno de los que recibieron La mayor
colaboración. Dirigió sus óperas cuando él estaba
exiliado en Suiza, luego de participar en los
movimientos revolucionarios de 1848 en Alema-
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nia, lo asistió monetariamente y contribuyó a la
CABALLERO Erección del Teatro de los Festivales de Bayreuth,
DE templo wagneriano que aún funciona a pleno. Chopin
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fue presentado en sociedad cuando era un inmigrante
desconocido. Berlioz pudo rescatar algunas de las
obras que caóticamente escribía y luego extraviaba,
gracias a la memoria prodigiosa de Liszt, quien las
reproducía con absoluta fidelidad, habiéndolas oído
una sola vez. Las obras orquestales de Schumann,
hundido en un vaivén entre la lucidez y la locura,
hallaron en Liszt a una batuta ideal para ser
reconocidas en su justo valor. Eduard Grieg pudo
acceder a la popularidad en su Noruega natal tras la
visita que le hizo al maestro, portando su Concierto
para piano y orquesta, hasta entonces desdeñado por la
Academia Nacional de Música. Por su testimonio,
sabemos que Liszt leyó al piano y a primera vista la
pieza, como si la hubiese estudiado largamente y que
una carta suya, de fulminante apoyo al joven músico
nórdico, hizo que el ambiente musical noruego diera
una llamativa vuelta de tuerca en su favor. Las óperas de
Giuseppe Verdi se representaron en Alemania por
primera vez debido a la acción y dirección de Liszt, que
hizo lo mismo con la ópera póstuma de Franz Schubert
Alfonso y Estrella. Modesto Mussorgsky tuvo mucho
que agradecerle en materia de aliento y de consejos. La
obra de Paganini adquirió difusión en gran parte según
las adaptaciones lisztcianas para el teclado.

La influencia de la música de Liszt se reflejó en los

novedosos recursos que introdujo: acordes de índole
atrevida, uso de instrumentos poco frecuentes en
ciertos pasajes, ampliación de las posibilidades en la
orquesta sinfónica y tornasoladas combinaciones de
timbres. El impresionismo de Debussy y Ravel ya está
en las creaciones del húngaro genial, como así las
tonalidades ambiguas de Richard Strauss y el
dodecafonismo de Arnold Schömberg. El estilo de Liszt
es una mezcla de romanticismo apasionado con
fragmentos experimentales, una alternancia entre la
melodía franca y las elaboraciones complejas del
erudito. La interpretación de sus obras requiere de un
arduo trabajo exploratorio; primeramente se debe
cruzar airoso la jungla técnica, y luego beber en los
profundos sentimientos escondidos entre las notas. No
es raro que la cantidad de buenos pianistas y directores
puestos a transitarlas sea tan poca. Un mal que se ha
hecho con asiduidad es el abordaje con fines de
exhibición, desdeñando el alma de las composiciones.
De nada sirve desplegar la magnificencia de, por
ejemplo, el estudio trascendental Armonías de la tarde,
si no se lo empapa con las ternuras que deben emerger
de cada meandro que plantea. O de nada sirve dirigir el
poema sinfónico Lamento para héroes con estridencia,
si no se logra expresar el recogimiento que habita sus
poderosos acordes.

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