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INTRODUCCIÓN.
Entendemos por género fotográfico los distintos temas sobre los que puede
tratar una fotografía. La clasificación de los géneros fotográficos nos va a servir
para:
• Retrato.
• Paisaje.
• Función informativa.
• Función didáctica.
• Función persuasiva.
• Función estética. Dentro de ésta podemos encontrar:
Reportaje.
Fotografía científica.
Fotografía publicitaria.
NO ARTÍSTICA
Reportaje. El fotógrafo actúa seleccionando imágenes instantáneas que
recogen acontecimientos humanos. No predomina la expresividad del fotógrafo,
sino la del sujeto. Pero hemos de tener en cuenta que las actitudes del sujeto o
su comportamiento o bien los acontecimientos son interpretables. Hay distintos
tipos de reportaje y en todos ellos predomina la función informativa, ya que
suele estar sujeto al texto.
ARTÍSTICA
Hay otra serie de imágenes que se consideran artísticas porque son bonitas,
pero son casuales. Son las llamadas hallazgo casual.
EL RETRATO
Un factor muy importante son las cartes du visite del fotógrafo Disderi, que eran
pequeñas fotografías de regalo que se hacían a la vez que el retrato.
Este tipo de retrato tenía poco valor desde el punto de vista fotográfico. Eran
retratos de cuerpo entero, las posturas eran muy forzadas y el rostro tenía un
tamaño muy pequeño, por lo que era difícil diferenciar un sujeto de otro. Los
posados aún eran largos, por lo que las posturas eran muy rígidas, poses muy
tiesas y altivas.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX avanza la técnica y se consigue una
mayor naturalidad en el retrato. Uno de los retratistas que mejor aprovecha
esta técnica fue Nadar. Descubrió la capacidad que tiene el rostro humano
para reflejar la personalidad. Intenta que sus modelos tengan carácter, que
digan algo. Nadar le pone un sello artístico al retrato. Hay que tener en cuenta
que este fotógrafo era además caricaturista y provenía del arte, y llegó a la
fotografía con una edad avanzada (30 años). Además, era investigador de la
fotografía y es el primero que hace fotografías aéreas en 1870. La investigación
más interesante que realizó Nadar fueron las relacionadas con la luz artificial
en las tomas fotográficas. Instaló una batería de 50 pilas a un foco y posó él
mismo junto a sus empleados para comprobar el resultado, que fue negativo. A
ese foco le añadió otro con luz más suave para matizar la anterior, y fue
añadiendo otros elementos como espejos, difusores de luz,... para reflejar la luz
donde él quería. Así, consiguió retratar como con luz solar pero sin depender
de la climatología. Tenía su propia fuente de luz dentro del estudio, un estudio
ya moderno. Todo los retratos que hacía Nadar era a amigos. Se sentía más
inspirado cuando conocía al modelo. Decía que a quien mejor retrataba era a
quien mejor conocía. Este es el mejor momento de Nadar, haciéndose cada
vez más famoso. Empieza a retratar a todo el mundo y a retocar las fotografías,
colocando a los modelos como él quería, cambiando las luces,... de manera
que va perdiendo su sello artístico. Entre 1850 y 1875 el retrato conoció una
época muy buena gracias a Nadar.
Cuando llega el siglo XX, la técnica sigue avanzando. Cada vez es más ligera y
rápida. Al fotógrafo se le da la oportunidad de salir a retratar fuera del estudio,
lo que también ayuda a modificar los retratos de interior.
Man Ray utilizó un proceso conocido como solarización, creando así estudios
tridimensionales de cabezas y figuras.
Richard Avedon es famoso por el realismo con el que retrata a los personajes
célebres.
Penn utiliza una iluminación muy sencilla con la que crea primeros planos con
mucha energía y fuerza, llenos de vida.
Todos estos fotógrafos apenas han retratado en el exterior. Los retratistas más
famosos de exterior fueron Cartier-Bresson, Eugene Smith, Bill Brandt,...
o El retrato informal.
Los encuadres verticales son los más apropiados para el retrato. Pero hay que
tener en cuenta que no es el único formato. El formato horizontal lo utilizaremos
para incluir elementos no superfluos del ambiente del sujeto que de forma
vertical no podríamos incluir. Normalmente, el ojo del fotógrafo se sitúa a la
altura del ojo del retratado, aunque se pueden buscar efectos de superioridad o
inferioridad según nos coloquemos más abajo o más arriba.
• Uso del color. La fotografía puede tener colores fríos, cálidos, suaves,...
Puede que haya un color dominante o no. El uso de los filtros nos ayuda
a crear efectos de color.
• Luz. Hay que tener en cuenta la intensidad de la luz y cómo refleja ésta
en el sujeto. La calidad de la luz es también muy importante (si es
suave, dura,...). Dependiendo de la dirección de la luz, ésta tendrá un
efecto u otro. Si la luz está de frente, aplana la cara. La dirección lateral
hace efectos de sombra muy feos, al igual que la luz desde abajo o
desde arriba (cenital). Hay un retrato clásico que es mostrar al sujeto tal
cual es, retrato a contraluz (el foco desde atrás), retrato de la silueta
(foco desde atrás sin rastros), retrato en clave alta (muy pocos negros y
tonos muy brillantes y luminosos), retrato en clave baja (muy pocos
blancos y muchos negros),... Encontramos tres tipos de luz:
EL DESNUDO
Von Gloeden fue un aristócrata que se dedicó a realizar desnudos (siglo XVIII).
Utilizaba modelos masculinos (era homosexual), y se vio obligado a exiliarse a
Italia. Cuando murió dejó todas sus fotos a su amante italiano. Otros retratistas
de desnudo importantes fueron Schenk y Durien & Delacroix.
EL PAISAJE
Una vez claro lo que vamos a fotografiar, elegimos el encuadre. No hay que
conformarse con el primer encuentra que se tenga. Hay que jugar con el zoom,
moverse. Según el tema, se verá si la fotografía queda mejor en horizontal o en
vertical.
No se debe recargar mucho la fotografía: cuanto más limpia quede, mejor. En
ella, siempre ha de haber un centro de interés. Se trata de apoyarse en él, de
manera que se ayude al ojo a recorrer toda la fotografía. El mejor elemento
para conseguir esto son las líneas diagonales. Además de estas, otras líneas
importantes son las del horizonte, que deben situarse en el tercio superior o
inferior de la fotografía, nunca en el centro. Además, se debe procurar que la
línea del horizontal salga recta (a no ser que se quiera dar sensación de
desequilibrio). Hay que evitar las simetrías en los paisajes, ya que son las
líneas asimétricas las que dan más ritmo.
El ojo humano ve las imágenes de izquierda a derecha, al igual que lee los
textos. Si se coloca el elemento de interés en la parte izquierda, quedará una
composición abierta, mientras que si se coloca en la parte derecha, la
composición quedará cerrada. La composición abierta da más dinamismo y da
una mejor sensación en la fotografía.
El encuadre y la composición tienen mucho que ver con los objetivos que se
utilicen:
Para reforzar una situación se pueden utilizar filtros (por ejemplo, con el
polarizador se saturan los colores y se eliminan los brillos).
Situaciones específicas:
EL BODEGÓN FOTOGRÁFICO
Tuvo especial influencia en el siglo XVI en Flandes. Este género era llamado
naturaleza muerta, que era un tipo de pintura simbólica. Se solía hacer en
interiores y se le llamaba bodegón porque representaba elementos que
estaban en las cocinas, en las bodegas o en las despensas (pan, botellas de
vino, frutas,...).
• Bodegón seco. Son los que tienen más en común con los que se
realizaban en pintura (naturaleza muerta). Admiten sombras, texturas y
el color suele ser cálido: cuerda, madera, cereales, barro, frutos y flores
secas, pasta, botellas de vino,... En el caso de que quedara una
composición muy monótona en cuanto a color, se puede poner un
elemento que destaque del resto.
Componer. Una vez compuesto no se debe mover nada. Hay que juntar los
elementos.
Elegir el objetivo.
Iluminación.
EL REPORTAJE FOTOGRÁFICO
Una fotografía puede tener sentido por sí misma, pero en la mayoría de las
ocasiones, un conjunto de imágenes con el mismo motivo puede ayudar mejor
al espectador a formar una opinión sobre el hecho que se está documentando.
Éste sería el principio del reportaje.
Otro aspecto del reportaje es que los temas fotografiados no tienen por qué
tener una importancia universal. Independientemente de la importancia del
tema, podemos enfrentarnos a 2 situaciones que darán lugar a trabajos
distintos:
o Capacidad de anticipación.
Dr. Salomon. Es uno de los mejores reporteros alemanes de los años '20-'30.
Era abogado y, casualmente, entra a trabajar en una agencia de publicidad.
Entra en el mundo de la fotografía de manera casual. Los temas que usaba
para sus fotografías eran sobre gente importante, famosos, políticos,... Los
retrataba en actitudes informales, más relajadas y naturales. Se las ingeniaba
para sacar la fotografía de la manera más natural posible. Salomon hizo
muchas fotografías a las que llamó en su conjunto Contemporáneos Célebres
captados en momentos inesperados (1930). No tiene en cuenta la teórica sino
que trata la fotografía sincera. Su carrera fotográfica fue muy corta (1928-
1933), pero deja un buen grupo de seguidores que se agrupan en torno a una
agencia llamada Depoth. En esta agencia destaca Felix H. Man, que comienza
haciendo reportajes muy populares. Su trabajo más importante es el que lleva
por título Un día en la vida de Mussolini.
Hitler llega al poder y muchos fotógrafos alemanes huyen. Hay una fuerte
censura hacia la prensa gráfica, que disminuye en calidad en Alemania,
mientras que aumenta en aquellos países donde se acogen a estos fotógrafos
que huyeron. Es el caso de la revista francesa Vu, fundada por Vogel, cuya
especialidad era la fotografía de países de manera crítica y progresista. Al
accionariado de la revista no terminó de gustarle esta idea, por lo que Vogel fue
destituido. Finalmente, la revista fracasa.
MACROFOTOGRAFÍA.
• Iluminación básica de macro. Cuenta con un solo foco encima del objeto,
colgado del techo (cenital o picado), que se puede mover un poco para
eliminar sombras.
FOTOGRAFÍA NOCTURNA.
Tiempos:
En principio, las cámaras eran muy grandes y pesadas, pero se van aligerando,
haciéndose cada vez más transportables, con lentes cada vez más
perfeccionadas que generan imágenes más reales.
En el siglo XVIII empieza a haber una gran demanda de imágenes por parte de
la burguesía. Pero además de la cámara oscura, existían otros procedimientos
que se basaban en sus principios:
Fue Niepce quien tuvo más éxito en este ámbito. Empezó a experimentar en
1827, aunque parece ser que ya una década antes consiguió fijar imágenes,
pero no existen pruebas de ello. Se interesa por la fotografía gracias a la
litografía, que es un proceso de grabado que emplea piedra, sobre la que se
dibuja. Este dibujo se hace resaltar mediante procesos químicos de abrasión.
Como Niepce no era bueno dibujando se le ocurre que podría fijar la imagen
sobre la piedra. Durante sus investigaciones descubre que hay un componente
que es el betún de Judea, que disuelto en aceite de lavanda o de dnippel y
dispuesto sobre una placa de peltre, lograba captar la imagen, fijarla. Pero
Niepce, en lugar de utilizar la cámara oscura, obtenía la imagen por contacto,
dibujando sobre un papel traslúcido, fijando el dibujo en la placa a través de la
luz.
Un físico vienés llamado Petzval diseña una lente mejorada cuya abertura era
de 3, 6,... Otro proceso importante sería el aumento de la sensibilidad de las
placas mediante una sustancia aceleradora que permitía sensibilizar más la
placa en menos de un minuto.
A pesar de toda esta polémica, que hizo muy famosa a la fotografía pictorialista
en el siglo XIX, este tipo de imágenes empieza a decaer al finalizar el siglo. En
1866, un fotógrafo llamado Emerson publica un libro llamado Vida y paisaje en
las planicies de Norfolk, que marca un punto de inflexión en la fotografía en el
sentido de que este libro tiene un marcado carácter documental. Emerson
indica que respeta el medio fotográfico y que comprende tanto sus limitaciones
como sus posibilidades. Por ello, se puede considerar un fotógrafo moderno
que entiende la fotografía como un lenguaje nuevo.
Nada más fundarse este club, Stieglitz organiza una exposición fotográfica
sobre pictorialismo en la que selecciona el trabajo de 18 de los 32 miembros
del club. La crítica se muestra favorable, pero algunos críticos y públicos la ven
como una pintura de imitación que no gusta demasiado. En cuanto a los
miembros del club, se molestan porque creen que Stieglitz ha tenido
demasiada libertada a la hora de elegir esos trabajos y se molestan sobre todo
aquellos que no participan en la muestra. Como consecuencia, corren rumores
sobre el uso de los fondos del club por parte de Stieglitz, que termina
dimitiendo.
Nada más dejar el club, Stieglitz funda una revista llamada Camera Work.
Aparecieron 50 números de la misma entre 1903 y 1917. El diseño de la revista
es de Steichen. La revista era monográfica y recuperaba el trabajo de
fotógrafos pictorialistas presentes y pasados.