De onde vem o jazz dance?

Marcela Benvegnu

Como já escrevi anteriormente, o tema da minha pós-graduação em Estudos

Contemporâneos em Dança na Universidade Federal da Bahia é o jazz dance. Mas
de onde ele vem? Como é a sua história?
Tanto a música quando a dança conhecida com o nome de jazz é resultado de uma
fusão de influências e relações que prosperaram nos territórios americanos a partir
do século 18. Suas raízes estão diretamente ligadas ao coração da África onde a
manifestação não era apenas um espetáculo, mas sim uma forma de diversão.

Considerada uma manifestação unicamente própria de escravos negros das grandes

plantações de algodão e tabaco, a cultura do jazz reflete influências de diversas
índoles. Por uma parte se apreciam ritmos e bailes africanos que duraram muito na
consciência coletiva dos negros, por outro lado estavam as manifestações de
origem religiosa onde ritmos e etnias diferentes tinham em comum o mesmo ritual:
dançavam para a chuva, para pedir fecundidade, para celebrar nascimentos. Suas
influências estão obviamente na cultura negra e suas características mais
marcantes e visíveis inspiradas nas danças africanas.

As danças serviam como suporte de narração de aventuras fabulosas e sucessos

cotidianos próprios de sociedades que desconheciam o uso da escrita. (Nesse
sentido, essas danças duraram mais nos territórios americanos do que em outros
países que também sofreram uma invasão massiva de escravos como as Antilhas e
o Brasil, que depois aderiu ao mambo, cha-cha-cha, conga, merengue e samba
como linguagem).

Em outra parte, fruto do interesse dos brancos por liquidar os ritos e formas
folclóricas, os negros só tiveram recursos para expandir os seus costumes religiosos
a partir do surgimento do cristianismo protestante dos brancos que foram se
convertendo em expressões próprias e particulares. Essas cerimônias surgiram
como uma forma de musicais, que foram muito importantes nos Estados Unidos,
onde o canto acompanhava os movimentos rítmicos.

Paralelamente a isso, os negros criaram outras formas de manifestação como os

blues ballads e também as work songs (que eram as músicas criadas no trabalho),
que cantavam em coro sempre regidos por um mestre.

Uma outra grande influência nas manifestações de origem negra veio direto da
música e da dança branca, mais propriamente da música popular de raiz européia.
Assim, pelo que parece claro a influência se deu por via de imitação, as polcas,
quadrilhas, marchas, danças irlandesas, bailes ingleses como o clog, começaram a
se misturar com danças autônomas para dar lugar ao que conhecemos como jazz.

Se bem que foram os negros que entretiam seus amos que elevaram as mudanças
da dança africana transformando-a em jazz, mas foram os brancos que começaram
a dançá-la primeiro em lugares abertos.

Desde o começo do século 19, quando alguns grupos de bailarinos irlandeses

começaram a atuar no país, as danças dos negros eram interpretadas por brancos,
que por muitas vezes pintavam suas faces de negro para parodiar, cantar e dançar
como tais.

Este cenário mudou completamente com a emancipação dos escravos, acordo

firmado por Abraham Lincoln no dia primeiro de janeiro de 1863: a dança e o canto
dos bailes dos escravos negros agora poderiam sair de lugares restritos e irem para
os públicos. Logo, essa dança que começou a tomar conta dos palcos era de negros
e brancos e esse momento teve uma influência decisiva na Comédia Musical, que
nada mais era do que os primeiros passos do que hoje conhecemos como jazz.

O jazz dance é híbrido, nascido de uma multiplicidade de formas de espetáculos

anteriores, é caracterizado pelo swing, por movimentos sincopados e pela
polirritmia, que é a combinação dos movimentos do corpo em vários ritmos ao
mesmo tempo.

Hoje, ele vem sofrendo uma perda de referenciais, os grandes nomes brasileiros
que “ontem” dominavam o estilo hoje enveredaram para a dança contemporânea,
muitos coreógrafos sofrem carência de atualização de linguagem e estilo. Nos
festivais ainda vemos alguns trabalhos que podemos chamar de “jazz dance” e
outros que mesmo inseridos nessa categoria não apresentam as principais
características da dança.

Marcela Benvegnu é bailarina, jornalista, aluna de pós-graduação da UFBa

(Universidade Federal da Bahia) e escreve às terças-feiras no TodoDia.

Dança: mais do que simples movimento

Autor ou Fonte: miriam lamas baiak

Email: mlamasbaiak@yahoo.com.br

A dança vai além de sua função artística, ela desenvolve a psicomotricidade (cognitivo, físico
e afetivo), ajudando na educação; e auxilia no tratamento e prevenção de doenças, isto é,
ela é “sinônimo” de saúde. Fazendo, assim, parte não só da área de arte, mas também da
área de educação e de saúde. Dentro da área de educação, a dança criativa ou educativa
propícia aos alunos, segundo Débora Barreto, o auto-conhecimento; as vivências de
corporeidade; relacionamentos estéticos com outras pessoas e com o mundo; incentiva a
expressividade artística e humana; libera a imaginação, a criatividade; sendo uma forma de
comunicação e de conhecimento, ajudando na formação dos cidadãos. A dança integra corpo
e mente, trazendo aos alunos relações entre o mundo à sua volta e entre o mundo que
existe dentro si.

Segundo Gesalt, Piaget, Vygostsky e Gugné (teóricos do ensino-apredizagem), a

aprendizagem ocorre através das relações externas e internas de um indivíduo; e Gallahue e
Ozmun dizem que este processo se dá através da genética de um indivíduo, do meio em que
vive e das tarefas que realiza. A dança na escola trabalha dentro deste processo de ensino-
aprendizagem, pois em uma aula o aluno recebe novas informações, relacionando com as já
existentes e com o meio em que está, criando novas informações, gerando conhecimento.

O professor fundamentado nos princípios da dança criativa proporciona ao aluno atividades

que podem estimular, motivar, desenvolver e comunicar idéias e movimentos; fazendo uma
interação entre as crianças e o ambiente. Estas atividades estimulam a capacidade de
solucionar problemas de maneira criativa; desenvolvem a memória; o raciocínio; a
socialização; auto confiança e auto estima; fazendo com que o indivíduo tenha uma melhor
relação com ele próprio e com os outros. Os conhecimentos obtidos dentro desta sala de aula
são levados para a vida, pois o indivíduo é resultado de sua genética, do meio em que vive e
das atividades que executa (GALLAHUE e OZMUN).

Na área de saúde a dança pode ajudar em várias situações, tanto na parte física quanto na
emocional. Dentro dos seus benefícios estão o controle de peso, aumento da força muscular,
fortalecimento do tecido cognitivo, aumento da flexibilidade, diminuição da pressão arterial e
dos batimentos cardíacos, aumento da ventilação pulmonar, diminuição do estresse e da
ansiedade, melhora da tensão muscular e insônia, melhora da auto-estima, da coordenação
motora; do ritmo; do raciocínio; da convivência social; da criatividade; dentre outros fatores
que ajudam o indivíduo a levar uma vida mais saudável.

Segundo as constatações de Diane Tice e as análises de Zillmann,citados por Goleman

(1995) o exercício leve pode esfriar a raiva (vários estudos vem comprovando que o
sentimento de raiva aumenta o estresse no coração, aumentando a pressão sangüínea e o
ritmo cardíaco; podendo causar micro-lesões no vaso arterial, onde se formará placas,
levando à uma doença na artéria coronária ); pois a fisiologia corporal é alterada, abaixando
a estimulação criada pela raiva e tirando-a do foco de atenção. Diane Tice também diz que o
exercício aeróbico ajuda nos casos de depressão leve e tristeza, porque a depressão é um
estado de baixo estímulo e o exercício é de alto estímulo, mudando a fisiologia emocional.
Para o caso de ansiedade e estresse, que pode levar a pessoa a ter um comprometimento no
sistema imunológico, dissipando a metástase do câncer; aumento a vulnerabilidade a
infecções virais; enfarte do miocárdio; aceleração do início da diabete Tipo I e do curso da
Tipo II; e que pode provocar ou piorar uma crise asmática; o indivíduo deveria fazer uma
aula de relaxamento, pois o processo é inverso, a ansiedade leva a uma alta estimulação e o
relaxamento abaixa esta taxa. (GOLEMAN, 1995) Vemos que em todos os casos o exercício
físico e o relaxamento mudam a fisiologia corporal e emocional de um indivíduo; a dança
vista como uma atividade física aeróbica ou anaeróbica e de relaxamento (dependendo da
técnica e/ou estilo) também é capaz de fazer estas mudanças, sem levar em conta a parte
artística que desenvolve outras habilidades.

A dança como arte, seja qual for seu estilo, traz ao público além de lazer, uma nova forma
de ver a vida, o mundo real e o mundo irreal; traz ao espectador o quê as palavras não são
capazes de dizer e o quê somos capaz de sentir; a dança em si tem o poder de criar um
mundo diferente na mente de cada espectador, e este mundo é capaz de gerar novas
informações e conhecimentos para uma vida. Não importa qual o estilo, se ela ta na escola,
na rua ou no teatro, a DANÇA faz parte de nossas vidas; e se prestarmos um pouco mais de
atenção nela e nos seus profissionais, veremos que sua contribuição saí de dentro das
paredes de uma sala de aula e ultrapassa as linhas de um palco, levando para a sociedade
uma contribuição infinita e de grande valor.

REFERÊNCIAS:
BAIAK, M. L. Porque ensinar dança na escola? Artigo publicado no site
www.conexaodanca.art.br em 2005;
no Jornal Dança Brasil em junho/2007 e no Guia Escolas Dança 2007, DB editora. FOSS, M;
KETEMAN, S. Bases fisiológicas do exercício e do esporte. 6 ed. Fox: São Paulo, 2002.
GOLEMAN, D. Inteligência emocional – a teoria revolucionária que redefine o que é ser
inteligente. Trad. de Marcos Santarrita. 75ª ed. Rio de Janeiro: Objetiva, 1995.

Estudo Histórico da Dança Jazz nos Estados Unidos

Autora Evelyne Correia - PUCPR

Artigo do trabalho de conclusão de curso em Bacharelado em Educação Física – PUCPR –
Maio de 2007 evecorreia@hotmail.com

1. INTRODUÇÃO

A dança é muito mais que uma simples prática corporal, é arte, forma de linguagem, de
comunicação e celebração. A dança sempre esteve enraizada em diversos aspectos sociais:
morte, guerra, religião, comemoração, amor, etc., tornado-se um modo de viver, onde o
homem afirmar-se e relaciona-se perante a comunidade, não sendo diferente com a dança
jazz. A dança não se apresenta apenas como uma prática, e sim como uma arte onde uma
linguagem, os profissionais e professores da área da dança devem estar engajados em
transmitir aos seus alunos toda a cultura relacionada a modalidade que está sendo
trabalhada. Tendo em vista que a dança muitas vezes está incluída na formação de artistas,
como em outras formas de arte, o conhecimento histórico, cultural e social faz parte desta
formação.
O presente estudo visa a contribuição para que hajam mais pesquisas sobre a dança jazz,
tendo em vista que grande parte dos estudos relacionados a esta arte encontram-se na
língua inglesa, e desta maneira enriquecer e preservar a história desta arte, auxiliando o
trabalho de professores e demais profissionais da área da dança. Enquadra-se como
pesquisa analítica histórica, (THOMAS;NELSON, 2002), e pesquisa bibliográfica e
documental, por utilizar como fonte de dados, livros, artigos e vídeos( GIL, 2002).
Este estudo delimitou-se em pesquisar histórica nos Estados Unidos, por ser considerado o
berço da dança jazz. Consta, que neste país ocorreu o grande desenvolvimento e
popularização desta linguagem. A coleta de dados foi realizada através de pesquisa teórica
documentos portadores de dados e informações como: livros, artigos e gravações de vídeos
e filmes, tais materiais foram encontrados em bibliotecas, livrarias e/ou acervos pessoais. As
fontes bibliográficas de língua estrangeira foram traduzidos para a coleta das informações
necessárias e os vídeos assistidos retirando-se as informações relevantes. Em seguida houve
a verificação de equivalência entre as informações contidas nas fontes. A análise foi focada
na observação dos seguintes itens: influência e contribuição das danças africanas no
movimento e ritmo adotados pela dança jazz, na origem da dança jazz nos Estados Unidos,
na popularização da dança jazz através do cinema musical, nas principais personalidades,
como!
bailarinos e coreógrafos que participaram com destaque da história desta modalidade e na
ilustração de elementos técnicos que compõem as movimentações da dança jazz como
modalidade específica de dança.

2. FUNDAMENTAÇÃO TEÓRICA

A Influência e a Contribuição das Danças Africanas

Para Garcia e Hass, (2003, p.65) “Desde que existe o homem, existe a dança”. Através de
figuras dançantes gravadas em cavernas foi possível observar que a dança pré-histórica era
utilizada como ritual sagrado para pedir chuvas, fertilidade, cura para as doenças,
homenagear deuses e como ritual social . Assim como as demais danças pré-históricas, as
danças africanas eram utilizadas em rituais de celebração (ELLMERICH,1988). As danças
africanas caracterizam-se pela polirritmia de movimentos, diversas partes do corpo seguem
padrões diferentes durante a dança, onde a movimentação da cabeça e tronco é muito
marcante, além dos movimentos ondulatórios da pelve.
Segundo Sanderson, (1935) na África cada tribo tinha suas crenças, seus rituais e também
suas danças, sendo que cada uma destas danças eram compostas por características
próprias como ritmos e movimentações, porém uma característica sempre foi comum a todas
elas: a utilização de quase todas, senão de todas as partes do corpo, principalmente do
tronco, da pelve e das mãos. A complexidade do ritmo também era uma característica
marcante nas danças africanas, onde além dos próprios pés, alguns instrumentos como
tambores eram utilizados para a marcação do tempo.
O comércio de escravos em torno de 1619, foi o grande “transportador” da cultura africana
para países da Europa e América do Norte, tanto na dança quanto na música. Durante a
trajetória dos navios pelo oceano Atlântico, as diferentes tribos africanas se encontravam e
acabavam por misturar seus costumes. Quando os navios chegavam a seus destinos a dança
era uma das principais formas dos escravos demonstrarem força e boa saúde, começando
neste ponto a percepção das danças africanas pelos Europeus e Norte Americanos. Como
escravos, os negros africanos cantavam enquanto trabalhavam e dançavam enquanto
descansavam. Como as leis de escravidão proibiam os negros de tocarem seus tambores eles
utilizavam instrumentos de danças folclóricas brancas, além das próprias mãos e pés para
marcar o ritmo e o tempo de suas danças, na tentativa de manter vivas as suas tradições.
Após tornarem-se livres os escravos resgataram ainda mais suas danças, músicas, costumes
e tradições (STEARNS,1968).
A religião foi um ponto crucial nesta miscigenação de culturas, a pregação do cristianismo e
principalmente do catolicismo foi bastante acentuada neste período. Os negros freqüentavam
as igrejas e tentavam reproduzir as melodias aprendidas durante as cerimônias, já que as
melodias brancas podiam ser cantadas livremente, estas canções eram acompanhadas por
instrumentos africanos, como tambores e também por pianos e cornetas.
Marshall & Stearns, (1968), apresentam seis características que evidenciam a influência e a
contribuição das danças africanas na dança jazz: a predominância dos pés nus,
primeiramente, e com sapatos leves, posteriormente, modificando os estilos de danças
européias que predominavam batidas fortes no chão com tamancos pesados, passando-se
para passos leves e arrastados; os joelhos flexionados, a posição ereta e alongada é
característica das danças européias; a utilização de movimentos similares aos de animais é
quase que exclusivamente africana, formando um amplo repertório de movimentos naturais;
a improvisação e a liberdade de movimentos, além do uso de expressões corporais
individuais; a explosão de movimentos executando-se contrações e expansões,
desmembramento durante os movimentos: os membros inferiores movimentam-se a partir
da pelve e não dos tornozelos como nas danças européias, e os membros superiores a partir
dos ombros e não das mãos e o swing, ou seja o balanço, l!
igando as diversas movimentações durante a dança.

A Origem da Dança Jazz Nos Estados Unidos

A literatura apresenta duas correntes específicas relacionadas à origem da dança jazz: as

danças sociais e as danças espetaculares, que eram utilizadas como forma de shows para
entretenimento (GARCIA;HASS, 2003).

A origem da dança jazz através das danças de salão.

As “novas” danças, ou seja, as danças americanas, com essências africanas, desenvolveram-

se tanto nos teatros quanto nos salões de dança, bares e cafés, muitas destas danças não
tinham nomenclatura definida e eram tantas que devido á fase de grande criação todas elas
eram chamadas simplesmente de jazz, ou seja tudo o que era novo em termos de dança era
jazz. Haviam casas noturnas só para negros, através delas eles podiam dançar livremente, a
dança soava como uma forma de celebrar a libertação, eram como locais sagrados. O local
de maior destaque era o Salão Savoy, aberto em 1927 e localizado, no Harlem em Nova
York. O Harlem tornou-se o centro das novas danças nos anos 20 e sua fama estendeu-se
até os anos 50. Este período era também denominado Ragtime, uma revolução tanto para a
música quanto para a dança, pois foi neste período que pianistas negros que tocavam em
tabernas começaram a compor novos sons instrumentais que futuramente seriam chamados
também de jazz (STEARNS, 1!
968).Durante o ragtime ocorreu a libertação estética das tradicionais danças de salão,
fazendo com que os dançarinos expressassem maior individualidade e personalidade durante
as danças.
Dentre estas “novas danças”, algumas tiveram maior importância como: o Camel Walk, o
Cake Walk, o Charleston, o Fox-Trot , e principalmente o Lindy Hop, talvez o estilo mais
importante para o futuro surgimento da dança jazz, (MARTÍNEZ, 1999). Algumas danças que
não fizeram parte do ragtime também sofreram influencia das danças e músicas negras para
sua criação, e de mesma forma que as novas danças estavam presentes nos salões de dança
como: o Twist e o Rock and Roll (ELLMERICH, 1988).
Durante estes períodos em que as “novas danças” invadiram os salões de dança, na fase do
ragtime, e a medida em que diversas outras danças foram surgindo, diversos tabus da
sociedade foram quebrados, contribuindo para a evolução da dança jazz, tendo em vista que
a dança jazz sempre foi uma dança extremante popular. Porém algumas destas danças de
salão também estavam presentes nas danças espetaculares, principalmente o charleston e a
claquete.

A Origem da Dança Jazz Através das Danças Espetaculares

No início século XIX grande parte dos negros, trabalhavam em plantações, e nestes locais
ocorriam festividades envolvendo danças, nesta fase pode-se dizer que eram danças
americanas, pois a grande maioria dos negros já não eram mais puramente africanos, mas
sim mestiços, ou seja norte americanos. Após a Guerra Civil, os negros migraram do sul para
o norte do país. Nesta fase surgiram os Minstrel Shows, aparecendo em larga escala em
1843 e atingindo maior popularização no início do século XX (TOOD,1950).
Os Minstrel Shows apresentavam um humor essencialmente afro-americano eram encenados
por Black- faces, ou seja brancos com os rostos pintados de preto e uma espécie de tinta
vermelha nos lábios para dar um tom ainda mais humorístico. (MARTÍNEZ, 1999). No início
os black-faces imitavam as danças dos negros, porém à medida que foram adquirindo um
perfil mais profissional, as performances procuravam apresentar o negro mais como ser
humano, e não somente como personagem satírico. As movimentações utilizadas eram
baseadas em elementos trazidos da África para a América, iniciando em círculos , semi-
círculos ou mesmo em linha reta, com acompanhamento de palmas. Melodias eram cantadas
pelos próprios personagens, com o acompanhamento de novos estilos de músicas
americanas e a percussão do banjo (TOOD, 1950). Apesar da predominância dos black-faces,
alguns dançarinos negros também participavam dos Minstrel Shows e muitos deles tiveram
tanto mérito quanto os brancos, William Henry Lane!
foi um deles, conhecido no teatro simplesmente como Juba.
Com o crescimento das cidades a indústria do entretenimento também se expandiu. Na
metade do século XIX é criado o café-concerto, ou concert salloon, com a idéia de promover
espetáculos para o público. Com o tempo ocorreu aos empresários a idéia de refinar estes
espetáculos e apresenta-los em teatros, para que toda a sociedade pudesse ter acesso,
estava criado o Vaudeville, ou Teatro de Variedades, e nestes espetáculos as novas danças,
ou seja o jazz era muito bem vindo, e os negros que o dançavam também
(ANTOLOGIA...,1980). O Jazz apareceu de forma lenta nos shows da Broadway, considerado
o maior centro cultural dos Estados Unidos no final do século XIX. Os críticos da época
comentavam muito sobre estas novas danças e estes comentários estavam sempre
relacionados às palavras “vulgar” e “grotesco”, principalmente quando escreviam sobre os
movimentos de quadril, porém o público era cada vez maior e quanto mais vulgar o show era
considerado pela sociedade, maior era também su!
a audiência (KISLAN, 1987).
No início alguns dançarinos negros eram incluídos em shows produzidos por branco e os
shows da Broadway eram dominados pelos modelos europeus, quando os negros começaram
a ser incluídos nos shows foram praticamente forçados a adotarem estereótipos similares aos
dos Minstrels, então a Comédia Musical foi o caminho utilizado pelos negros para demonstrar
seu talento, uma mistura de comédia exagerada americana com as óperas cômicas
britânicas. O ano de 1897 foi brilhante para os negros no quesito entretenimento, neste
período muitas comédias musicais foram estreadas e diversos grupos ficaram famosos nesta
década, principalmente Bert e Williams. Nesta fase houve a popularização do Cakewalk nos
shows musicais. Em 1898 Bob Cole produziu seu primeiro show chamado A Trip to
Coontown, é considerado como a primeira comédia musical negra, por ser totalmente criada
e encenada por artistas negros, era uma peça baseada nos modelos europeus, porém em
todos os momentos o cakewalk era claram!
ente reconhecido. A divulgação das novas danças também ocorreu através do casal branco
Vernon e Irene Castle, que eram dirigidos por um negro chamado James Reese Europe, este
casal encantava multidões pela forma com que traziam as danças dos salões para o palco
dos musicais de forma tão refinada e ao mesmo tempo chocante devido aos novos passos
que exibiam durante as apresentações. O efeito causado por eles foi extremamente forte e
decisivo para trazer as novas danças que surgiam nos salões para o palco dos espetáculos
musicais. Ziegfeld’s Follies foi uma série de produções teatrais que ocorreram na Broadway,
em Nova York, por volta de 1907 até 1931, montada e dirigida por Florenz Ziegfeld. As peças
eram de uma enorme variedade, desde sucessos inéditos até mostras bem elaboradas do
teatro de variedades. Grande parte dos bailarinos mais famosos da época surgiram a partir
desta companhia. Outra característica marcante eram as garotas, haviam muitas delas nos
shows, tanto que!
até receberam o nome de Ziegfeld Girls. (www.Wikipedia.org/wiki/zieg felfollies).
Em 1913 o musical “Darktown Follies” estreou no teatro Lafayette, localizado no bairro nova-
iorquino do Harlem, este musical abriu as portas das apresentações teatrais para os negros e
a partir de então as danças negras, ou seja o jazz, já não eram vistas como algo tão
escandaloso e o Lindy Hop era o estilo mais utilizado, sendo base para as danças nas
produções teatrais dos anos 30, 40 e 50 (MARTÍNEZ, 1999).
Diversos produtores queriam financiar shows negros, já que a riqueza de danças e músicas
dos espetáculos negros eram incrivelmente superiores aos tradicionais espetáculos com
características européias. Nesta fase dançarinos brancos , principalmente as mulheres
também se interessavam em aprender a dançar jazz e desta forma foram surgindo diversos
espetáculos com características negras na Broadway (STEARNS,1968).
Bill Robinson aparece no musical “Blackbirds” em 1928 e também torna-se uma estrela da
Broadway, sua especialidade era o sapateado, porém o swing do jazz já estava em seu
corpo,naturalmente, quando executava seus audaciosos passos de dança.
A partir da década de 30, ocorreu uma verdadeira chuva de musicais, que se tornaram uma
verdadeira febre do entretenimento americano. Em 1936 estréia “On Your Toes” de George
Balanchine, neste musical já era possível observar a influência dos ritmos e balanços do jazz
no balé clássico, a partir desta fase estas duas modalidades influenciaram uma á outra,
enriquecendo as técnicas e movimentações utilizadas no jazz e dando mais liberdade aos
movimentos do balé clássico, que ao mesmo tempo já estava sendo afetado também pela
dança moderna e contemporânea (STEARNS, 1968).
Após a Segunda Guerra o jazz tornou-se ainda mais atraente, por ser um estilo alegre e
contagiante, Jack Cole, coreógrafo que se destacou com a famosa obra “Wedding of a Solid
Sender” de 1943, apresentada na Broadway com grande êxito, era freqüentador do Savoy e
acompanhou de perto o nascimento e a popularização do lindy hop, apesar de utilizar
diversas outras danças em suas coreografias (danças exóticas indianas e hindus), tinha
como referência o lindy hop, que segundo ele era a base para toda e qualquer dança jazz
teatral (MARTÍNEZ, 1999).

A popularização do Jazz através do Cinema Musical

O surgimento do fonógrafo no início do século XX permitiu que a população tivesse melhor

acesso á música e a dança. Nos anos 20 foi a invenção do rádio, que transformou-se
presença constante na vida de todos, e com o surgimento do rádio, o fim do cinema mudo,
consequentemente surgindo o cinema sonoro, que logo na próxima década fez sucesso
absoluto como cinema cantado, e é claro dançado, ou seja, nos anos 30 nasce o cinema
musical (ANTOLOGIA...,1987).
Lembramos que o teatro de variedades, as comédias musicais, e os demais musicais que
surgiram principalmente na Broadway, tornaram-se muito populares, o que também
significaria, muito lucrativos, muitos estavam interessados em investir no ramo do “Show
Business”, investimentos que com o cinema musical iriam render ainda mais lucros. Diversos
produtores, diretores, cantores e dançarinos que já eram considerados estrelas da Broadway
foram chamados para participar do cinema musical.
Segundo Caminada, 1999, os nomes que em primeiro lugar nos ocorrem à mente ao associar
dança e cinema são: Fred Astaire, o qual juntamente com sua parceira mais famosa Ginger
Rogers a elegância e o charme foram suas marcas registradas e Gene Kelly, lembrado por
sua dança atlética e acrobática. Entre 1940 e 1950 os musicais já dominavam a indústria
cinematográfica. Considerado por alguns como o pai do jazz Jack Cole também coreografou e
dirigiu diversos filmes musicais, dentre os mais famosos “Gentlemen Prefer Blondes” com
Marilyn Monroe em 1953, lançado no Brasil com o título, “Os Homens Preferem as Loiras”
(MARTÍNEZ, 1999). Em 1957 surge o mais famoso dos musicais da Broadway “ West Side
Story” de Jerome Robbins, neste musical a dança baseava-se totalmente na dança jazz da
época, que aliás já se despontava em escolas e academias.(PORTINARI, 1989). O coreógrafo
Bob Fosse encarregou-se de continuar a revolução de Jerome Robbins, suas outras obras
retratavam a realidade, em “S!
weet Charity”, de 1969 abordou a prostituição, em “Cabaret” de 1972 o nazismo, em
“Chicago”, com Gwen Verdon, a máfia, e no musical “All That Jazz” de 1979 Bob Fosse falou
sobre a morte.
Muitos outros coreógrafos contribuíram para o cinema musical, entretanto nenhum deles fez
tanto sucesso quanto Bob Fosse que chegou a ser considerado o salvador do gênero,
demonstrando toda a força da dança jazz através do cinema musical (PORTINARI, 1989).

Personalidades da Dança Jazz

* Alvin Ailey: Nasceu no Texas em 1931 (CASSEL, 1972). Um amigo o convidou a tomar
aulas de dança em uma escola, aceitou e iniciou aulas com Lester Horton. Ingressou no
curso de Letras na Universidade da Califórnia, em Los Angeles, porém não chegou a se
formar e logo voltou a dançar, tornando-se bailarino profissional (PORTINARI, 1985). Foi
integrante da Companhia de Dança Moderna de Lester Horton até o ano de 1953
(BOURCIER, 1987). Após a morte de Lester Horton, Alvin Ailey tornou-se coreógrafo da
companhia e em 1958 formou sua própria companhia de dança, no início formada apenas
por negros e posteriormente tornando-se multiracial, pois para ele todas as raças podiam
dançar e expressar tão bem quanto os negros a força do soul e do jazz. Além da forte
influência de Lester Horton, Alvin também com o coreógrafo de jazz Jack Cole
(PORTINARI,1985).
Utilizava em suas aulas diversas técnicas, inclusive a clássica (PORTINARI,1985). Tornou-se
um dos coreógrafos mais cotados desde a década de 1960, seu estilo caracterizava-se um
expressionismo vigoroso, podia coreografar para qualquer estilo de dança, do clássico ao
jazz. (PORTINARI,1989).
* Bert William e George Walker: Bert foi considerado o maior artista afro-americano de sua
época, sendo um dos artistas mais famosos do teatro de variedades e dos minstrel shows.
Juntamente com seu parceiro George Walker popularizou o cakewalk. Após a morte de seu
parceiro Bert Williams entrou para a companhia Ziegfield Follies (PHILLIPS,2005). Fez
trabalhos como ator e dançarino posteriormente começou a co-dirigir e a co-coreografar para
peças e musicais do teatro de variedades. Apesar da curta carreira Bert Williams juntamente
com seu parceiro George Walker abriram as portas para a raça negra no ramo do
entretenimento (PHILLIPS,2005).
* Bill “Bojangles” Robinson: O maior artista negro da década de 20. Ator, cantor e dançarino.
Em 1905 trabalhou no teatro de variedades, tendo grande sucesso, iniciou uma brilhante
carreira na comédia musical da época, atuou fortemente em minstrel shows
(HASKINS;MITGANG, 1988). Em 1893, com 15 anos, foi o primeiro negro a apresentar-se
para uma platéia branca, quebrando com os costumes da época onde os shows eram
diferentes para brancos e negros. Bill tornou-se o artista negro mais bem pago da época,
aclamado por suas inovações e seu complexo estilo de dança. Apesar de Bill ter sido o
criador do sapateado, sua influência para a dança jazz foi primordial (HASKINS;MITGANG,
1988).
* Bob Fosse: Roberto Louis Fosse nasceu em Chicago em junho de 1927, começou a atuar
ainda criança no gênero teatral e quando adolescente já trabalhava em outros tipos de
shows. Iniciou os estudos em dança com o sapateado em sua comunidade, porém logo
entrou para Frederick Weaver Ballet Scholl.. Bob Fosse atuou como bailarino em alguns
filmes, diz que seu maior sonho era ser bailarino, seu ídolo da época era Fred Astaire e se
tivesse sido um bailarino tão famoso quanto Fred, nunca teria se tornado coreógrafo nem
diretor de cinema (PORTINARI,1989). Após sua breve carreia como ator-bailarino, retornou
para Nova York e iniciou sua brilhante carreira como coreógrafo, tornando-se um dos
profissionais mais cotados do ramo .
Em 1972 Bob criou o musical “Pippin”, homenageando à presença do narrador teatral, mas
com um estilo de jazz que se referia diretamente à tradição dos Minstrel Shows (MARTÍNEZ,
1999). Neste mesmo ano estreou o filme musical “ Cabaret” premiado com oito Oscars,
incluindo melhor diretor (Bob Fosse). Em 1974 Bob Fosse tentou trabalhar em outro gênero,
“Lenny” era um filme dramático, porém não obteve muito sucesso. Então em 1975 estréia
“Chicago”, considerado um de seus melhore filmes. “Dancing’” de 1978, surpreendeu por sua
originalidade, um musical sem enredo, com dança do início ao fim, durante duas horas. No
ano de 1979 Bob Fosse estréia seu filme de maior sucesso “All That Jazz”, filme este que foi
ganhador de nove Oscars. Apesar de ser considerado, em partes, autobiográfico. Ele afirma
que quando começou a fazer o roteiro não tinha esta intenção, porém á medida que as idéias
iam fluindo Bob percebeu que realmente o personagem principal do filme, Joe Gideon, tinha
muito e!
m comum com ele, nas contradições, na inquietação, dedicação neurótica pelo trabalho e
também pelo fato de se apaixonar diversas vezes, sempre fiel ao amor e não a apenas uma
mulher. Bob também retrata fielmente no filme sua ex-mulher Gwen Verdon e sua filha
Nicole através da personagem Michele, porém o que mais chocou a imprensa e até mesmo
os espectadores de “All That Jazz”, foi o realismo e o fato de a morte ter sido utilizada como
tema central da história. (PORTINARI,1989). Bob faleceu em 23 de setembro de 1987, sendo
considerado pela imprensa americana e por colegas de trabalho como o “Salvador do
Gênero” ( GIORDANO, 1978).
* Eugene Louis Facciuto (Luigi): Nasceu em Ohio no ano de 1925. Começou a dançar bem
jovem, aos 10 anos já fazia aulas de sapateado e dança acrobática. Em 5 de dezembro de
1946 sofreu um grave acidente automobilístico, permanecendo em coma por 28 dias, ao sair
do coma estava com o lado direito de seu corpo totalmente paralisado. Nos dois anos que se
seguiram passou por diversos tratamentos e cirurgias, porém no ano de 1949, ele estava de
volta a dança. (ANTOLOGIA...,1978). Dançou em muitos filmes musicais, trabalhou como
assistente de coreógrafo em Hollywood e na Broadway e como coreógrafo em diversos
clubes noturnos de Hollywood e Las Vegas. Como professor criou toda uma nova técnica, um
estilo com a proposta de que deve-se utilizar o corpo todo durante as movimentações em
sua máxima capacidade. “Não se pode mover um braço ou uma perna separadamente, é
preciso estar por inteiro o tempo todo. Cabeça ereta, coluna ereta, carregar o corpo todo
com orgulho” (HOMSEY, 1962 p.63).!
Seu estilo misturava balé clássico, dança espanhola, afro-cubana, dança moderna, sapateado
e acrobacias, porém seu trabalho não era somente uma compilação de diversos estilos, mas
sim uma nova criação baseada nestes estilos, criação estas que muitos chamavam de
modern jazz. Em suas aulas utilizava diversos instrumentos, desde o piano até tambores e
guitarras (HOMSEY, 1962).
* Fred Astaire: Frederick Austerliz nasceu em 10 de Maio de 1899 em Omaha, no estado de
Nebrasca. Tornou-se referência mundial como ator, cantor, coreógrafo e bailarino. Fred
iniciou muito cedo na carreira artística, trabalhou no teatro de variedades em parceria com
sua irmã Adele, iniciaram na Broadway em 1917 (THOMAS,1985). Em 1933 Fred Astaire e
sua parceira Ginger Rogers estréiam o musical “ Flying Down to Rio”. Ginger Rogers tornou-
se sua melhor parceira, dos 31 filmes em que Fred Astaire atuou em toda a sua carreira, 10
deles ao lado de Ginger, dentre os musicais mais famosos estão: “Swing Time” de 1936,
“Shall We Dance” de 1937, “The Story of Vernon and Irene Castle” de 1939, “Broadway
Melody” em 1940, “One for My Bay” de 1943 e “Ziegfeld Follies” em 1946 (MUELLER,1985).
Como dançarino Fred diz nunca ter seguido um estilo de dança em especial. “Eu apenas
danço, não sou um dançarino de dança de salão, nem um sapateador ou bailarino clássico,
porém estudo muito as três modalidades, dentre outros estilos de dança” ( Fred Astaire in
THOMAS, 1985 P.98). Para o desenvolvimento da técnica da dança jazz, a constante
utilização, dos braços e mãos, além da movimentação de todo o corpo em alguns casos, foi a
forte contribuição de Fred Astaire, uma vez que estando em evidência, tudo, ou pelo menos
quase tudo o que Fred dançava se tornava popular (STEARNS, 1968).
* Gene Kelly: Nasceu em 23 de agosto de 1912, em Pittsburgh. Começou a ter aulas de
dança ainda garoto. Sempre praticou muitos esportes o que lhe rendeu um corpo musculoso,
contribuindo para caracterizar sua dança como forte e viril. Em 1938, aos 26 anos foi para
Nova York tentar a sorte como dançarino da Broadway. Tornou-se coreógrafo e diretor de
musicais, “Singin’in the Rain” de 1952 foi o musical que o consagrou para o mundo, tanto
como dançarino como coreógrafo (PORTINARI,1985). Gene Kelly tinha um estilo de dança
com grande espontaneidade e descontração, porém utilizando técnicas de dança clássica e
moderna, renovou os musicais americanos dos anos 40 e 50. Não chegou a utilizar a dança
jazz propriamente dita, porém a grande misturas de estilos encontrada em seus musicais
abriu caminho para as novas danças entrarem para o mundo cinematográfico.
* Gwen Verdon: Dançarina que atuou em diversos shows da Broadway e filmes musicais,
casou-se com o famoso coreógrafo Bob Fosse com quem teve uma filha. Gwen atuou em
diversos musicais deste coreógrafo, dentre eles “Sweet Charety” de 1966, que foi criado
especialmente para ela.
* Jack Cole: É considerado o pai da dança jazz, foi um dos primeiros coreógrafos do Savoy
do Harlem e acompanhou de perto o desenvolvimento do Lindy Hop, para ele toda
movimentação da dança jazz baseava-se nos fundamentos do lindy hop. Sua obra
apresentada na Broadway em 1943 “ Wedding of a Solid Sender”, é considerada a primeira
apresentação de êxito da dança jazz nos palcos. Trabalhou nos Estúdios da Columbia,
famosa empresa no ramo cinematográfico.. Foi um dos primeiros coreógrafos a interagir
fundamentos da dança moderna e da técnica de isolamento das partes dos corpo, técnica
esta que Cole retirou de seus estudos em danças hindianas. Sua técnica influenciou diversos
bailarinos e coreógrafos, como Matt Mattox e Gwen Verdon, ambos fizeram parte do grupo
de Jack Cole, que se apresentava em teatros, night-clus e musicais (MAHONEY,1983).
* Jerome Robbins: Coreógrafo do musical que mudou o rumo da dança na Broadway e em
Hollywood “ West Side Story”, apesar deste musical tê-lo consagrado como coreógrafo,
Jerome também teve outros tabalhos de grande sucesso, como “Ballets: U.S.A” e “N.Y.
Export: Opus Jazz” (RICE, 1958). Jerome Robbins era capaz de utilizar qualquer dança como
base e fonte de inspiração para a montagem de suas coreografias, desde danças javanesas e
siberianas até o balé clássico, porém sempre adaptando ao ritmo do jazz, apesar de nos
trabalhos de Jerome aparecerem traços de dança moderna, principalmente o estilo da
coreógrafa americana Martha Grahm. Os bailarinos de sua companhia eram famosos pela
habilidade de dançar qualquer tipo de dança com naturalidade e espontaneidade. Pelo fato
de ser um artista flexível, além de coreografar para sua própria companhia, Jerome Robbins
também foi contratado por outras companhias para trabalhar como coreógrafo, dentre elas o
Balé da Cidade de Nova York (HAL!
L, 1959).
* John Gregory: Proprietário de um Studio de Dança em Nova York, considerado um dos
maiores professores e coreógrafos de jazz da década de 50, foi um dos grandes responsáveis
pela valorização da dança jazz como modalidade de dança. Sua aula tinha duração de
aproximadamente duas horas, Gregory não ensinava uma técnica em particular, colocava
discos da moda e simplesmente criava seqüências durante as aulas. Seu estilo foi
denominado por muitos de estilo popular. Por volta de 1957 deixou Nova York para trabalhar
como diretor de danças da “Twentieth Century Fox” em Las Vegas, onde remontou seu
Studio de dança (MAHONEY, 1983).
* Katherine Dunham: Bailarina e coreógrafa negra, é considerada a dama da dança afro-
americana, nasceu em Chicago, nos Estados Unidos em 1912. Formou-se em Antropologia
Social pela Universidade de Chicago (MOMMENSOHN,1987). É considerada uma das maiores
pesquisadoras da dança primitiva. Formou sua companhia, a Katherine Dunham Company,
composta apenas por bailarinos negros e especializada em temas exóticos, nas danças
primitivas e principalmente no folclore negro, foi uma das coreógrafas que mais foi
influenciada pelo movimento da música, o jazz e o blues que também ocorria na década de
40 (HOBSBAWM, 1990). Sua companhia permaneceu atuante até os anos 60, coreografou e
dançou em Hollywood, atuando tanto na área artística como na educação. (TODD, 1961).
Katherine Dunham abriu caminho para as danças negras na Broadway, além de influenciar
futuros professores e coreógrafos de jazz, como Louis Johnson e Alvin Ailey.
* Matt Mattox: Dançarino, coreógrafo e professor de jazz. Nasceu em 1921. Teve formação
clássica antes de tornar-se dançarino de jazz em Hollywood entre os anos 1946 a 1953,
atuou em diversos filmes. Começou a trabalhar como coreógrafo em 1948, contratado por
Jack Cole, para um musical da Broadway chamado “ Magdelena”. Matt foi diretamente
influenciado por Jack Cole. Mattox coreografou filmes e musicais, porém seu trabalho como
coreógrafo foi mais reconhecido através da televisão nos anos 50 e 60.
Sua influência como professor foi muito forte, Matt criou um sistema de exercícios para os
dançarinos de jazz, claro que ele não foi o único a fazer isto, porém sua técnica e
metodologia eram as mais intrigantes e claras ao mesmo tempo. Suas aulas eram
acompanhadas por bangôs, o estilo “Cole” era claramente percebido como base para os
exercícios, incluindo alongamentos ao chão, movimentos no centro da sala e principalmente
combinações improvisadas, pois para ele a composição coreográfica devia partir da música,
servindo como total inspiração para as sequências. Para Mattox a disciplina era fundamental,
seus alunos eram praticamente pré-selecionados, aqueciam-se fora da sala antes mesmo do
início da aula. A limpeza das movimentações, com movimentos ora rápidos e fortes, ora
leves e parados, era também fator primordial para Mattox, para ele cada um deveria ter a
sensação e a segurança de um solista, destacando a importância de que cada movimento
fosse interior, ou exterior, f!
acial ou corporal (MAHONEY,1983). Mudou-se para Londres e formou sua companhia de
dança chamada Jazzart. Matt Mattox gostava de classificar seu estilo, como estilo livre. É
inegável a enorme influência de Mattox para a evolução da dança jazz, foi ele um dos
grandes responsáveis pela visão do jazz como uma modalidade específica de dança, e
principalmente foi ele o criador de muitos exercícios utilizados nas aulas de jazz, alguns
autores o consideram uma “Lenda do Jazz Dance.”
* Peter Gennaro: Como bailarino atuou no musical “Pajama Game” juntamente com Jack
Cole e participou de diversos shows da Broadway. Peter trabalhou também como professor e
coreógrafo em seu Studio de Dança em Nova York, tinha um estilo leve, solto, flexível e
rápido. Era membro da Associação dos Professores de Jazz que surgiu por volta de 1955,
auxiliando na fixação da dança jazz como modalidade de dança. Trabalhou com Jerome
Robbins como co-coreógrafo do famoso musical “ West Side Story” (MAHONEY,1983).
* Shorty George: Foi considerado o melhor dançarino da primeira geração do Salão Savoy
desde sua abertura em 1927, é creditado a ele a origem do nome Lindy Hop. Shorty era um
dançarino muito cômico, criou diversos passos cômicos e exagerados para o Lindy Hop,
como elevações de pernas e também os passos aéreos que foram inclusos no Lindy por volta
de 1935 (STEARNS,1968).
* Twyla Tharp: Coreógrafa e bailarina da dança moderna e contemporânea, fez alguns
trabalhos utilizando a dança jazz principalmente para a Broadway e para filmes musicais, o
mais famoso deles é o musical “Cats”( CAMINADA,1999)

A Dança Jazz Como Modalidade Específica de Dança

Em 1920 o termo jazz-dance era utilizado para descrever as diversas formas de dança que
surgiam na década, também chamadas de novas danças, como o Charleston, o Lindy Hop,
ect. (GARCIA;HASS,2003). Nos anos 30 e 40 a comédia musical não era nada mais que o
segundo nome dado à dança jazz (WILLIAM;MOORE,1978). O processo de transformação da
dança jazz especificamente como modalidade iniciou na década de 50, porém a dança jazz
ainda tinha outras denominações, como: novo estilo, estilo livre ou dança de comédia
musical. As aulas de jazz aconteciam nas escolas como parte integrante da grade curricular,
principalmente para as meninas. Nas escolas de dança estas aulas eram lecionadas por
professores que aprendiam os passos nos salões de dança ou por inovadores que criavam
passos novos, nesta altura as aulas de dança não eram estruturadas e eram encaradas mais
como uma reunião dançante onde os alunos apenas seguiam um líder. Em 1955 iniciaram os
eventos para formalizar as aulas de ja!
zz, participavam destes eventos, professores das escolas, dançarinos e principalmente
coreógrafos (MAHONEY,1983).
Logo, a dança jazz estabeleceu-se como modalidade de dança e toda escola ou studio da
dança, centros culturais e comunitários, e até mesmo as academias de ginástica haviam
incluído a dança jazz em suas grades. Muitas universidades e faculdades de artes, incluíram
o jazz em seus currículos dentro de outras disciplinas que já existiam, como por exemplo a
de teatro musical (MAHONEY,1983).

Movimentações Técnicas Utilizadas na Dança Jazz

A dança jazz, assim como as demais modalidades de dança utiliza-se de alguns elementos, e
ou fundamentos da dança, como: transferência , locomoções , giros, saltos e quedas
(GARCIA;HASS,2003).
Além dos elementos já citados anteriormente a dança jazz também utiliza-se de técnicas e
movimentações adquiridas ao longo de seu desenvolvimento histórico: técnica de isolamento
dos segmentos corporais e utilização de formas angulares, técnicas que foram introduzidas
na dança jazz pelo bailarino e coreógrafo Jack Cole; movimentações herdadas das danças
africanas, como: amplitude nos movimentos de tronco, joelhos flexionados, exagero nos
movimentos de quadris, movimentos naturais do corpo humano, técnicas de oposição de
movimentos (cair-levantar, abrir e fechar, etc.), explosão de movimentos, ligação entre os
movimentos e também a improvisação; posicionamento de pernas e pés paralelos, contato
com o solo, em seqüências de chão e a liberdade de quebrar com padrões de movimentos,
características que foram introduzidas e utilizadas por bailarinos e coreógrafos que tiveram
contato com a dança moderna, como por exemplo: Lester Horton, Alvin Ailey e Twyla e
técnicas clássicas que !
têm por finalidade melhorar, definir e ampliar os movimentos, através da utilização de
exercícios executados na barra e no centro, a utilização de técnicas clássicas foi introduzida
na dança jazz por professores e coreógrafos, a partir dos anos 50, quando a dança jazz já
era praticamente definida como uma modalidade específica de dança.
Assim como o teatro a dança é uma forma de arte que requer interpretação, utiliza-se
principalmente da expressão corporal e facial. Sendo esta expressão corporal também uma
das fortes características da dança jazz. Ao longo da evolução histórica da dança jazz, cada
professor criava sua própria metodologia, tendo em vista seu estilo próprio, fator que
determina a dificuldade de detectar qual a mais ou a menos correta. Deve-se lembrar
também que a dança jazz era uma forma de manifestação artística e cultural, não sofrendo
restrições em suas movimentações e dificultando ainda mais sua organização.

3. CONCLUSÃO E RECOMENDAÇÕES

Considerando os dados coletados e analisados sobre a pesquisa, conclui-se que a história da

dança jazz iniciou-se através da miscigenação, em solo americano, entre duas culturas: a
cultura européia e a cultura africana, sendo as movimentações utilizadas na dança jazz uma
mistura das danças africanas com as danças européias, tendo em vista que durante todo o
desenvolvimento desta arte diversas outras danças também contribuíram para sua evolução,
como as danças indianas, o sapateado, o balé clássico e a dança moderna, o jazz tornou-se
desta forma uma dança essencialmente norte-americana, evoluindo através de duas
vertentes: das danças sociais, onde inicialmente os descendentes africanos criavam suas
próprias danças para executá-las em caráter cultural e social, e posteriormente através da
mistura destas com as danças européias, surgindo novos estilos denominados de novas
danças ou simplesmente de dança jazz; e através das danças espetaculares iniciando pelos
Minstrel Shows, pa!
ssando pelo Teatro de Variedades, pelas Comédias Musicais e pelos shows da Broadway até
seu auge no cinema musical.
A popularização do jazz através do cinema musical iniciou-se através de filmes musicais
consagrados principalmente pelos atores e bailarinos Fred Astaire e Gene Kelly, até obter seu
apogeu através de filmes musicais produzidos pelos coreógrafos Jerome Robbins, como
“West Side Story”, e Bob Fosse, como “Cabaret”, “Chicago” e “All That Jazz”.
A dança jazz iniciou como modalidade específica de dança, a partir dos anos 50, onde foi
inserida em grades curriculares de escolas e faculdade, centros comunitários e
principalmente em centros artísticos e culturais, academias e escolas de dança, sendo suas
principais movimentações técnicas: o isolamento dos segmentos corporais, as
movimentações herdadas das danças africanas, como a sensualidade e os amplos
movimentos de tronco, o posicionamento de pernas e pés paralelos e a utilização de algumas
técnicas utilizadas no balé clássico, além da marcante presença de expressão corporal e
facial.
A fim de aprimorar e complementar o presente estudo, recomenda-se futuras pesquisas
sobre a história da dança jazz no Brasil, englobando o panorama atual da dança jazz tanto
no Brasil quanto nos Estados Unidos.
4. REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS

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www.wikipedia.org/wiki/ziegfelfollies>. Acesso em: 30 nov.2006.

Alguns Aspectos Relevantes sobre o estudo do Movimento para o

Desenvolvimento Técnico, Expressivo e Criativo do Dançarino

Por Lucidélia Carpanedo Fiório

Resumo:
O presente artigo é um recorte do trabalho de mestrado que investigou o corpo no
espaço cênico. Analisando esta questão percebi que, primeiramente, deveria refletir
e compreender alguns aspectos relevantes sobre o movimento para o
desenvolvimento técnico, criativo e expressivo do dançarino. Durante, estas
reflexões ficou claro que, os conteúdos de anatomia, quando aplicado diretamente
na prática amplia as possibilidades da percepção da unidade corporal; quando
refletimos sobre nossa expressividade e percebemos que nossas expressões estão
sempre interligada aos nossos movimentos facilitamos a compreensão de nossos
movimentos dançantes; da mesma forma, quando nos deparamos com realidade de
que para toda ação e reação existe uma determinada respiração, mais uma vez
ampliamos nossas possibilidades de interpretar a nossa dança.

1.a Movimento: Organização e Coordenação motora

O corpo é formado por partes. Segundo Bertazzo (1996), o movimento é o fator

decisivo que possibilita a união destas partes, criando a unidade corpo. "O
movimento nada mais é que uma tensão conduzida de um músculo a outro,
organizando alavancas ósseas e permitindo a sensação de um braço inteiro, de uma
perna inteira, e finalmente de um corpo inteiro." (BERTAZZO, 1996 p.34) Podemos
concluir a partir da afirmação de Bertazzo que, o movimento é o meio pelo qual nos
permitimos certificar da presença de nossos corpos no espaço, pois ele coordena
toda a nossa estrutura.
Verificamos que a organização do movimento é bastante complexa, indo muito
além da interligação dos sistemas ósseoi, articularii, musculariii e nervosoiv Mesmo
quando nos atemos a um recorte do movimento para estudá-lo, a inteireza corporal
está sempre presente. Se uma determinada emoção tensiona em demasiado um
músculo, este pode puxar um osso e tirá-lo de seu alinhamento, causando assim,
um desequilíbrio ou um erro postural.
Fatores constitutivos dos movimentos, tais como, tensão, direção, equilíbrio e
unidade são orientados pela coordenação motora. A coordenação motora dos
movimentos dos dançarinos será alcançada na medida em que for praticada.
Lembramos que, esta prática, requer também reflexões sobre sua
psicomotricidadev.
O corpo funciona como um todo, cada unidade de coordenação tem um movimento
inseparável da coordenação vizinha. Quando realizamos um gesto com a mão, a
tensão se estende para o braço, para o antebraço, que a expande para o ombro,
para o tronco irradiando-se para o corpo inteiro. O fluxo do movimento permite a
troca de informações entre estas partes, propiciando ao nosso corpo uma
organização. Esta por sua vez mantém a postura necessária para a realização do
gestual de nossa mão. Neste exemplo, podemos notar que, durante um movimento
voluntário, um número enorme de ações musculares automáticas e semi-
automáticas está acontecendo para que o corpo realize o referido gestual. A esta
organização, chamamos de coordenação motora.
Os conteúdos de anatomia e fisiologia abordados, durante o desenvolvimento do
trabalho diário em dança são ferramentas que ajudam na instrumentalização dos
dançarinos. Entendemos que, nesta prática, esta abordagem nos auxilia, tanto no
sentido de manter a integridade física, quanto de proporcionar o conhecimento das
potencialidades, habilidades e qualidades expressivas que podem vir a desenvolver.

Na prática observamos que:

Quando estimulamos os dançarinos a observar atentamente seus ossos durante
seus movimentos, estamos estimulando-os a descobrir, entre outras coisas, as
direções de seus movimentos no espaço.
Quando os estimulamos a observar suas articulações durante seus movimentos,
pedindo para que ampliem os espaços entre elas, estamos estimulando a melhorar
sua postura, sem tensões.
Quando os estimulamos a perceber seus músculos durante seus movimentos,
estamos estimulando a detectar que seus músculos refletem e expressam suas
formasvi.
Por último, quando estimulamos os dançarinos a compreender o corpo como uma
unidade durante seus movimentos, por meio da coordenação motora, estamos
estimulando a compreender a tridimensionalidade de seus corpos e a relação deste
com o espaço físico.
Todavia, é importante ressaltar que a dança expressa simultaneamente
características objetivas e subjetivas do movimento; e que a abordagem separada
destes conteúdos foi apenas uma questão didática.

1.b Movimento: Expressividade

A cada dia que passa, o ser humano se torna mais sedentário. De modo geral, seus
movimentos são reduzidos e, conseqüentemente, ele se expressa cada vez menos
por meio deles.
Desde que nascemos, estamos, a todo o momento, aprendendo formas de como
devemos nos relacionar com o próprio corpo e com o espaço que nos circunda. Na
medida em que somos submetidos às repetições de modelos de movimentos,
somos levados a estabelecer um vocabulário. Se por um lado esse processo facilita
nossa inserção no meio, por outro, a repetição de um vocabulário, sem nenhum
tipo de reflexão, dificulta o processo de autoconhecimento e, conseqüentemente,
dificulta nossa capacidade expressiva. Explicando este fato Klauss Vianna (2005)
afirma que, por meio da memória robotizada, podemos reproduzir movimentos
desse vocabulário a todo o instante, mas dificilmente podemos criar novos
movimentos ricos em expressividade.
Descobrir-se e descobrir a expressividade do movimento exige observação e
internalização até chegar à sua compreensão. À medida que repetimos
atentamentevii nossos movimentos, surgem sensações que nos ajudam a elaborar
e a entender sua expressividade. Klauss Vianna (2005) observa que ao longo desse
processo é fundamental considerarmos que nos relacionamos com o mundo. Para
ele, nossa relação com mundo é a verdadeira origem e motor do movimento e da
própria dança, pois é a partir da dinâmica existente nesse relacionamento que
emerge a singularidade, fazendo com que, cada pessoa seja um ser único e
diferenciado.
Dançar é expressar por meio de movimentos e formas nossos mais íntimos desejos.
"...é aventurar-se na grande viagem do movimento que é a vida." (VIANNA, 2005
p. 112) Por outro lado, para dançar é fundamental conhecer o próprio corpo. Klauss
dizia que um corpo inteligente é um corpo que consegue adaptar-se aos mais
diversos estímulos e necessidades, ao mesmo tempo em que não se prende a
nenhuma receita ou fórmula preestabelecida, orientando-se pelas mais diferentes
emoções e pela percepção consciente das sensações.
A descoberta da individualidade e, conseqüentemente, da criatividade e da
expressividade é prioritária para quem deseja fazer da dança um meio de
comunicação corporal. No entanto, para que se estabeleça a comunicação, é
preciso estimular os dançarinos a romper e desbloquear suas tensões e emoções,
deixando que a sensibilidade e a expressividade fluam por meio de seus
movimentos.
A coreógrafa Lia Robatto elucida que essa consciência pode ser adquirida, quando
percebemos o corpo como "depositário de toda a vivência espiritual, mental,
afetiva, sensorial, etc." (ROBATTO, 1994 p.245) Considerando-se, os objetivos
técnicos quantitativos e qualitativos a serem atingidos, pois só assim é que faremos
do corpo a dança e da dança o próprio corpo dançante.

1.c Movimento: Respiração

Diariamente, vivemos situações que nos levam a confirmar que a respiração está
intimamente ligada a toda mudança de sentimento ou antecipação de emoção
forte. Cada estado emocional corresponde, portanto, a um tipo específico de
respiração. Se estivermos agitados ou estressados, a respiração é superficial;
dormindo tranqüilamente, a respiração é profunda; em estado equilibrado de
vigília, a respiração tenderá a ser completa. "Não há dúvida de que a cada
sentimento, a cada movimento do espírito, a cada alteração de afetividade humana
corresponde uma respiração própria". (ARTAUD, 1999 p.152)
Para nos mantermos vivos é essencial que respiremos preenchendo nosso espaço
corporal com o oxigênio, pois este é o gás que alimenta as células, gerando a
energia necessária ao funcionamento de nosso metabolismo. A respiração é um ato
vital, que, por sua vez, pode ser regida pelo sistema nervoso central autônomo ou
ser controlada pela consciência, sendo um instrumento usado pelo homem para
manter contato ininterrupto com o meio. "Uma boa respiração é essencial para uma
saúde vibrante. Através da respiração, conseguimos o oxigênio para manter o fogo
aceso de nosso metabolismo, e isto nos assegura a energia que precisamos, para
estarmos vivos. Mais oxigênio cria um fogo mais quente e produz mais energia."
(LOWEN, 1985 p 35)
Entendemos que os movimentos respiratórios são como os movimentos
espiralados. Assim como os movimentos espiralados a respiração é um continuum,
a todo o tempo estamos inspirando e expirando ar, alimentando e esvaziando
nossos corpos, expressando nossas sensações, emoções, temores, lembranças,
estados etc.
Como vimos, nossa respiração pode ser involuntária, inconsciente ou voluntária,
consciente. Esta característica da respiração cria um elo entre os aspectos
inconscientes e conscientes de nosso ser, pois, quando respiramos
involuntariamente, preenchemos nossos espaços internos com o ar inspirado, mas,
como geralmente não estamos atentos a isso, não o notamos. Ao contrário, quando
nos propomos a realizar a respiração de maneira voluntária, percebemos e
sentimos que o ar penetra em nosso corpo e que ela é responsável pela
sobrevivência.
Segundo Sky (1990), em qualquer momento que estivermos, mesmo que
levemente conscientes do movimento da respiração em nosso interior, estaremos
mais conscientes como seres individuais e mais diretamente envolvidos nas funções
integradas do corpo. Para ele, a respiração é, para o ser humano, o principal
processo de transformação da energia em "forma física", pois a cada respiração ele
junta e transforma seu corpo.
Para Leal (2000) o trabalho por meio da respiração voluntária deve considerar
tanto a sua biomecânica, isto é, o conhecimento de todo trabalho muscular e
orgânico, quanto às respostas decorrentes deste processo corporal integrado,
principalmente no que se refere ao comportamento expressivo. A respiração amplia
a consciência e estimula o conhecimento de novas possibilidades quando cada um é
aprendiz de si mesmo.
Em nosso trabalho percebemos que a respiração tem sido um instrumento muito
eficaz no desenvolvimento da expressividade do dançarino. Notamos que ela
aumenta a capacidade de concentração, dilata os espaços articulares e expande
todo o corpo, além de ser um instrumento que auxilia na definição das qualidades
expressivas dos movimentos. Ao inspirarmos o ar, a sensação é de que a inalação
do oxigênio foi realizada por todos os nossos poros em forma de raios; da mesma
maneira, ao expirarmos o gás carbônico, este sai também em formas de raios que
projetam nossa imagem e movimentos no espaço.

Lucidélia Carpanedo Fiório, Mestre em Artes - Instituto de Artes - UNICAMP.

Orientadora Drª Elizabeth Bauch Zimmerann. Licenciatura e Dançarino Profissional
pela UFBA, Profª de dança da FPA.
E-mail: deiafiorio@yahoo.com

Referências Bibliográficas
ARTAUD, Antonin. O Teatro e seu Duplo. 2º ed. São Paulo: Martins Fontes, 1999.
BERTAZZO, Ivaldo. Cidadão Corpo Identidade e Autonomia do Movimento. São
Paulo: Ópera Prima,1996
DANGELO, José G., FALTINI, Carlos A. Anatomia Humana Básica. Rio de Janeiro;
São Paulo: Atheneu, 1988.
LEAL, Patrícia Garcia. As Relações entre a Respiração e o Movimento Expressivo no
Trabalho de Chão da Técnica de Martha Grahan. Dissertação de Mestrado,
Campinas, SP: 2000. Instituto de Artes/UNICAMP.
LOBO, Lenora, NAVAS, Cássia. Teatro do movimento: um movimento para o
intérprete criador. Brasília: LGE, 2003.
LOWEN, Alexander e Leslie. Exercícios de Bionergética: o caminho para uma saúde
vibrante. São Paulo: Agora. 1985
ROBATO, Lia. Dança em processo. Bahia: ed. UFBA, 1994.
SKY, Michel. Respirando: expandindo seu poder & energia. São Paulo, SP: Gente,
1990.
VIANNA, Klauss. A Dança. São Paulo: Siciliano, 1990.