PEDAGOGÍA Y METODOLOGÍA EN EL DISEÑO GRÁFICO A TRAVÉS DE

LA HISTORIA Y SU RELACIÓN CON LA APLICACIÓN ACTUAL DEL MISMO

Por Laura Marcela Arellano Martínez
El tema trata sobre la manera en la que se enseña y se enseñó el
Diseño Gráfico a través de la historia, fue elegido debido a un interés
personal por conocer la trascendencia de cómo se ha dado a conocer
el Diseño Gráfico a los que posteriormente lo aplicarán y si los
conocimientos y metodologías transferidos de maestro a alumno
afectaban en mayor o menor medida al desarrollo de la profesión;
también se busca analizar la historia de la pedagogía y enriquecerse
con la actual para buscar la manera (si la hay o si se necesita) de
mejorar los planes de estudios o encontrar los posibles problemas en
el sistema pedagógico del Diseño Gráfico.
Además se busca por medio de este ensayo hablar sobre la relación
que existe del Diseño Gráfico con el usuario y de qué manera esto ha
intervenido para la construcción de la pedagogía en el mismo.

Para lograr todo lo anterior se comenzará con un análisis histórico de

una escuela de diseño que ha sido de gran trascendencia para la
pedagogía del Diseño Gráfico: la Bauhaus.
Así mismo se mencionarán metodologías contemporáneas de varios
autores. Teniendo lo pasado y lo presente se pasarán a realizar
conclusiones sobre la manera en cómo se impartió y se imparte el
Diseño Gráfico.

La Bauhaus:

La Bauhaus (1919-1933) es un punto de partida importante para

empezar a analizar el comienzo de una pedagogía más estructurada
con principios, métodos y fines más razonados que estaban
enfocados a cumplir objetivos específicos. Las ideas de todos los
movimientos avanzados del arte y del diseño se exploraron,
combinaron y aplicaron a problemas de diseño funcional e industrial
en esta escuela alemana.

Con la Bauhaus se inició una estética del diseño moderno viable ya

que una de las metas de esta escuela fue el disolver el límite entre
las bellas artes y las artes aplicadas (funcionalidad) y que el arte
formara parte de la vida cotidiana, no sólo a la apreciación artística ni
del deleite estético. Intentaron lograr esto por medio del diseño, al
cual consideraban un vehículo para el cambio social y que ayudaría a
una revitalización cultural.
Esta visualización que tuvo la Bauhaus de separar el arte de la
funcionalidad es uno de los primeros eslabones base para los que es
el diseño que conocemos hoy en día. Bien nos han enseñado que los
diseñadores gráficos no somos artistas, porque para el diseñador
gráfico lo primordial es la funcionalidad de lo que diseñe, se agrega
como un plus (que también es bien valorado) que sea estéticamente
agradable la propuesta funcional con la que se pretende resolver
cierto problema de comunicación visual.
Con esta separación de las bellas artes y las artes aplicadas se está
tomando en cuenta algo que después sería de gran importancia para
el diseño gráfico y eso es: el usuario.
Hay que pensar por qué la Bauhaus decidió que era necesaria esta
separación, ¿el arte no satisfacía realmente al usuario? ¿el objetivo
primordial del arte buscaba o le interesaba saber lo que el usuario
necesitaba? ¿buscaba expresar los deseos del usuario o sólo era una
expresión individual del artista?. La mayoría de las respuestas a estas
preguntas pueden ser respondidas en un no, dejando al usuario no
como el objetivo final de las bellas artes, sino como un medio de
expresión individual, tal vez que a veces trataba de comunicar algo
pero no de una manera del todo razonada.
La Bauhaus comenzó a darle importancia al usuario, a fijarse en el
entorno de lo que está alrededor del usuario pero sin dejar a un lado
las bellas artes; lo siguiente es un manifiesto de la Bahaus:

“La construcción completa es el objetivo final de todas las artes

visuales. Al principio la función más noble de las bellas artes
era embellecer los edificios; estos eran los componentes
indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen en
aislamiento…arquitectos, pintores y escultores deben reprender
el carácter compuesto del edificio como una entidad…el artista
es un artesano enaltecido. En los escasos momentos de
inspiración, al trascender su voluntad conciente, la gracia divina
hará que su trabajo florezca en arte. Pero la eficiencia en su
oficio es esencial para cada artista. Allí yace la fuente principal
de la imaginación creativa.”

La metodología de la Bauhas en Weimar se organizó siguiendo la

costumbre medieval Bauhütte, maestro, oficial y aprendiz. La
metodología que seguía la Bauhaus es como la que se presenta en la
figura 1.
En 1920 se crea el curso básico, con el pintor Johannes Itten como
profesor. Su objetivo fue liberar las habilidades creativas de cada
estudiante para desarrollar un entendimiento de la naturaleza física
de los materiales y enseñar los principios fundamentales del diseño
cimentado así todas las artes visuales. Su metodología de la
experiencia directa buscó desarrollar una conciencia de percepción,
habilidades intelectuales y experiencia emocional. Lo que buscaba
Itten con su metodología era llevar a los alumnos a un estado de
inocencia en el que él creía era cuando se podía comenzar la
verdadera enseñanza.
Esta metodología de Itten se ha retomado en la enseñanza del Diseño
Gráfico en la manera en que se nos siguen dando materias que están
más relacionados con el expresionismo, con la técnica de la
representación y con el conocimiento de nuestros materiales de
trabajo; y también en que estos conocimientos nos los quieren
transmitir a inicios de nuestros estudios, como lo hizo en su momento
la Bauhaus. Estoy de acuerdo en que todos estos aspectos son
necesarios para la formación de un profesionista en diseño gráfico,
pero creo que sólo serían las bases y no que el diseño gráfico se
basará sólo en estos conocimientos. Groupius, director de la Bauhaus,
visionó esto e Itten dejó la Bauhaus. La Bauhaus estaba
evolucionando de un interés por el medievalismo, el expresionismo y
la artesanía hacia un mayor énfasis al racionalismo y el diseño
mecánico. Groupius comenzó a considerar el misticismo de Itten
como si fuera de otro mundo, inconsistente con el naciente interés
por un lenguaje de diseño objetivo, capaz de vencer los peligros de
los estilos pasados y del gusto personal.
Es lo que en la actualidad se busca en la enseñanza del diseño
gráfico, un racionalismo.
No podremos despegarnos del todo del arte, ya que las técnicas que
se usan en esta nos son de gran utilidad para comunicar mensajes;
pero el problema radica en que la sociedad crea que por su uso o por
los sentimientos de agrado estético que los diseñadores podamos
llegar a provocar en un individuo nos convierta en artistas ante los
ojos de ellos. Para evitar esto necesitamos de seguir aportando
conocimientos y razonamiento a nuestros actos como diseñadores
gráficos.

La Bauhaus nos brinda buenos antecedentes para lograr una mejor

metodología y estructura para nuestra profesión. La reflexión sobre el
diseño de un modo teóricamente introspectivo es una de las
principales aportaciones de la Bauhaus.

“Creemos que una renovación de la teoría del diseño podría

revigorizar la comunidad de los diseñadores gráficos, al alentar
el pensamiento critico sobre los medios y fines de nuestro
trabajo.”
- Groupius

Como conclusión de este apartado de la Bauhaus podemos decir que

gracias a la aparición de escuelas de diseño como la Bauhaus y la
Buchutemas (URSS 1918) surgieron técnicas pedagógicas que
permitieron que no sólo el talento personal permitiera a unos cuantos
elegidos a realizar tareas de nuestro ámbito, sino que capacitó a un
nivel de eficiencia aceptable a distintos individuos para realizar tareas
con más conciencia.

¿Por qué se necesita un ordenamiento metodológico?

La pedagogía está relacionada con la metodología en el sentido de

que se nutre de ésta y de las diferentes bases teóricas. La
metodología es el estudio del método y los métodos son los
procedimientos para alcanzar objetivos. La pedagogía ha ido
formándose de metodologías para la mejor enseñanza, es por eso que
considero necesario hablar en este ensayo también de las
metodologías, porque después de todo se tratan de un razonamiento
ordenado y a lo que está a favor este ensayo en la enseñanza para
los diseñadores gráficos.

Las tres razones por las cuales se plantea la necesidad de un

ordenamiento metodológico en el diseño gráfico son las siguientes1:
1.- La actividad de diseñar se convierte en una serie de acciones que
permiten llegar a resultados en el trabajo con mayor rapidez y
seguridad, economía de esfuerzo y sobre todo un alto grado de
responsabilidad de respuesta. La capital y recursos que se invierten
en el diseño ha exigido en los últimos 20 años a que los diseños y sus
procesos se argumenten más lógicamente y no salidos como por arte
de magia.
2.- Más que reflexionar del valor de los objetos de “en sí” y “para sí”,
es necesario relacionar a los sujetos y a los objetos en sus relaciones
continuas.
3.- Los tiempos han cambiado y se ha ampliado el marco
problemático del diseño con la explosión demográfica, el desarrollo
económico y la adaptación de un modelo consumista de vida; todo lo
anterior ha ocasionado una proliferación masiva de objetos y
modalidades de uso. Esto nos obliga a manejar tales situaciones
desde un marco teórico de referencia y mediante un instrumental
analítico que permita tratarlo multitufacético.

Por las 3 razones mencionadas es recomendable un ordenamiento

metodológico, incluso se podría decir que es indispensable, aunque
siguen ocurriendo casos de caja negra, que es cuando el diseñador
resuelve algo y no supo cómo llego a esa solución. Tenemos que
tratar de evitar estas situaciones en que solucionamos problemas de
comunicación visual basados únicamente en la intuición. Al seguir un
razonamiento podremos tener en mucho mejor control los aspectos
pertinentes al proyecto, si algo sale mal, poder tener una idea de
dónde fue la falla y mejorarla y también el construir a futuro el
proyecto y de esta manera anticipar posibles soluciones a problemas
futuros; pero lo más importante de todo es que tenemos que tomar
en cuenta al usuario, porque después de todo es él el consumidor
final y al que van dirigidas nuestras soluciones de comunicación.
1
OLEA ÓSCAR, Metodología para el diseño, Editorial Trillas, México, 1991,
páginas 11-14.
El usuario y herramientas importantes a tomar en
cuenta en el proceso de diseño:

El sistema pedagógico del diseño gráfico se ha ido moldeando en

función de la ideología y época propia de la sociedad. Por esto
debemos tener muy presente en la pedagogía al usuario.
Esto nos lleva a reflexionar sobre las consecuencias que nuestros
diseños tendrán sobre las personas, qué uso les darán.
El diseño gráfico sirve a la sociedad y por lo tanto está íntimamente
vinculado con los convenios sociales del signo, que nos son de gran
utilidad para comunicarnos de una manera más sencilla con los
usuarios, al saber que algunos significados son universales y a pesar
de las particularidades ideológicas de cada lugar puede seguir
habiendo entendimiento.

Uno de los principales intereses de la Bauhaus era la abstracción y su

énfasis en los aspectos de lo visual que podrían describirse como
elementales, irreductibles, esenciales, fundacionales y originarios. De
ahí el famoso trío de formas básicas y colores primarios de Kandisky
(nlp ). Trataban de liberar el elementalismo de sus asociaciones con
el expresionsimo.
La abstracción y la síntesis son también herramientas de gran
importancia para el diseñador gráfico y ayudan a que los mensajes al
contener menos elementos sean más fáciles de interpretar. Aunque
como mencionamos la manera de codificar un mensaje es en base al
usuario y el contexto que rodea a éste, por lo tanto el diseñador
gráfico se tiene que adaptar a universalidades y particularidades,
tiene que hacer uso del método deductivo (de lo general a lo
particular) y el inductivo (particular a lo general).

Kandisky realizó una prueba entre los estudiantes de la Bauhaus; les

pidió que colorearan de amarillo, rojo y azul a las 3 figuras básicas,
como según su criterio sería el mejor color para cada figura básica.
Encontré con un escrito de un autor que habla de cómo hubiera
resuelto la prueba de Kandisky que me agradó:

“He rellenado cada forma con los tres colores, obteniendo un

fongoso color pardusco oscuro. Más que demostrar una
correspondencia universal y singular entre color y forma, mi
prueba demuestra que cada forma puede contener
“naturalmente” cualquiera de los colores o todos. La relación
entre la forma y el color, o el signo y el significado, no es una
constante intemporal sino un “acuerdo” pactado culturalmente,
discutido y en constante cambio. La correspondencia entre las
formas y los colores (el significado del lenguaje) es una batalla
política librada dentro de las formas de un contexto histórico
particular. Validar un lenguaje universal de la visión
naturalizaría el orden fabricado que hombres como Kandinsky
crearon para obtener el dominio sobre el mundo”

Como nos dice el texto mucho de lo que interpretamos son acuerdos

que pacta la sociedad, pero está ligado ese acuerdo a un contexto
histórico y regional.

Algunos métodos de diseño:

Aparte de escuelas de diseño como la Bauhaus ha habido autores que
han propuesto métodos para diseñar, estos son los más
sobresalientes:
Christopher Jones, Morriz Asimos, Bruce Archer, Hans Gugelot,
Christopher Alexander y Oscar Olea y Carlos González Lobo.

Todos estos métodos en general pide que se realice una serie de

pasos que requieren de razonamiento, análisis, retroalimentación,
manejo de variables, establecer objetivos.
El autor que más llamó mi atención fue Hans Gugelot (método usado
en la escuela Ulm) por tomar en cuenta al usuario como parte del
proceso de diseñar. Las etapas de su método son las siguientes: 2
1.- De información. Recolección de la información.
2.- De investigación. Necesidades del usuario, contexto,
funcionalidad, requerimientos.
3.-De diseño. Estudio tipológico, apoyo en conocimientos científicos,
no en la inspiración.
4.- De decisión. Estudios de costo/beneficios, estudio tecnológico
fundamentado.
5.- De cálculo. Ajuste del diseño a las normas y estándares de
materiales y producción.
6.- Construcción del prototipo. Pruebas y evaluación.

En su método habla de puntos importantes que hemos tratado a lo

largo del ensayo: usuario, contexto del usuario, razonamiento,
funcionalidad, economización, conocimiento, etc.
2
http://teoria-diseno.blogspot.com/2007/02/algunos-mtodos-de-diseo.html

Conclusiones:

Hemos visto a lo largo de la historia como ha ido evolucionando la

pedagogía y las metodologías que se aplican hoy en día el diseño
gráfico. Desde la importante separación del arte y el diseño, punto de
gran importancia que permitió y exigió una enseñanza del diseño
diferente al de las artes y con esto surgieron pedagogías enfocados a
la enseñanza de esta nueva necesidad; hasta la exploración del
usuario y su contexto.

Considero que la pedagogía en el diseño gráfico se debería de basar

en metodologías. Una buena enseñanza del diseño gráfico debería
contener los siguientes puntos:
-Fomentar la creatividad y mantener la enseñanza de técnicas
de representación para ayudar a una mejor expresión de las
 ideas a comunicar.
-Razonamiento, evitar caer en soluciones de caja negra.
-Proyección de nuestra solución enfocada al usuario y su
contexto ya que el diseño gráfico evoluciona con éste.
-Retroalimentación por parte de maestros y alumnos.

El maestro debe hacer conocer al alumno sus herramientas básicas y

que serán suficientes para motivar más a adelante al alumno a
buscar por sí mismo más conocimiento, por medio del análisis de
variables que ya conoce.

Bibliografía:

RIVERA DÍAZ LUIS ANTONIO, Didáctica del Diseño Gráfico, Editorial

Asociación mexicana de escuelas de diseño gráfico, México, 2006

MEGGS PHILIP B., Historia del Diseño Gráfico, editorial Mc Graw Hill,
tercera edición, México, 2000

LUPTON ELLEN Y MILLER ABBOTT, el abc de la bauhaus y la teoría del

diseño, ediciones G.Gili, segunda edición, México, 1994

OLEA ÓSCAR, Metodología para el diseño, Editorial Trillas, México,

1991

http://teoria-diseno.blogspot.com/2007/02/algunos-mtodos-de-
diseo.html

http://www.encuadre.org/