El teatro

Prof. Julio César Solís Castillo

IV Bimestre
Teatro y Arte dramático

 Teatro y arte dramático, el teatro es un género

literario, ya sea en prosa o en verso, normalmente
dialogado, concebido para ser representado; las
artes escénicas cubren todo lo relativo a la escritura
de la obra teatral, la interpretación, la producción,
los vestuarios y escenarios. El término drama viene
de la palabra griega que significa “hacer”, y por esa
razón se asocia normalmente a la idea de acción. En
términos generales se entiende por drama una
historia que narra los acontecimientos vitales de una
serie de personajes. Como el adjetivo dramático
indica, las ideas de conflicto, tensión, contraste y
emoción se asocian con drama.
Escena de Marat-Sade
 Esta escena pertenece a la obra de
Peter Weiss Persecución y asesinato de
Jean-Paul Marat representado por el
grupo teatral del hospicio de
Charenton bajo la dirección del Señor
de Sade, en la versión de 1966 de la
Royal Shakespeare Company dirigida
por Peter Brook. En Marat-Sade,
nombre abreviado con el que se conoce
la obra, los actores representan a los
locos que llevan a cabo la actuación, y
se dirigen al público como si fuese la
nobleza del siglo XVIII que les
observa, lo cual saca a los espectadores
de su habitual actitud pasiva. Los
papeles exigen mucho a los actores ya
que cada uno tiene que representar a
dos personajes
Peculiaridades del teatro

 Si se considerara al teatro como una rama de la

literatura o sólo como una forma más de
narrativa, se estaría olvidando gran parte de su
historia. En algunos periodos o culturas se ha
dado más importancia a la literatura dramática —
obras de teatro— pero en otros hay una mayor
preocupación por los aspectos de la producción
escénica. En algunas culturas se valora el teatro
como medio para contar historias; en otras como
manifestación religiosa, espectáculo o
entretenimiento
El arte como entretenimiento
popular
ha habido siempre individuos o pequeños
grupos que trabajan por su cuenta, y
ejecutan diversos tipos de representación,
desde números de circo hasta farsas para
grandes masas
El teatro como actividad pública

El teatro como actividad pública consiste

en el drama literario representado en
teatros públicos; se trata por lo general de
una actividad comercial o subvencionada
por el Estado para el público en general.
La tragedia griega, las obras didácticas
medievales y el teatro contemporáneo
entran dentro de esta categoría.
El teatro como arte

El teatro como arte para una elite lo define

su propio público, un grupo limitado con
gustos especiales. Esta fórmula puede
aplicarse tanto a las representaciones en la
corte durante el renacimiento como al
teatro de vanguardia.
Elementos para la
representación teatral
 Una representación consta sólo de dos elementos
esenciales: actores y público. La representación puede ser
mímica (véase Mimo) o utilizar el lenguaje verbal. Los
personajes no tienen por qué ser seres humanos; los
títeres o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de
la historia, así como otros recursos escénicos. Se puede
realzar una representación por medio del vestuario, el
maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación,
la música y los efectos especiales. Estos elementos se
usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos,
personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad
especial de la representación y diferenciarla de la
experiencia cotidiana.
Teatro Occidental

Aunque los orígenes del teatro occidental sean

desconocidos, la mayor parte de las teorías lo sitúan
en ciertos ritos y prácticas religiosas de la
antigüedad; aún hoy día ese tipo de rituales sigue
cargado de elementos teatrales. Las diferentes
teorías atribuyen los orígenes a múltiples prácticas:
ritos antiguos de fertilidad, celebración de la
cosecha, chamanismo y otras fuentes similares.
Teatro Clásico
Teatro Griego
Teatro Romano
El Teatro Clásico
Teatro Clásico

El primer periodo en teoría teatral

occidental se denomina clásico, porque
comprende el teatro de las civilizaciones
clásicas, de las antiguas Grecia y Roma, y
las obras están escritas en las lenguas
clásicas, griego o latín.
Teatro Griego

 Los primeros datos

documentados de literatura
dramática son del siglo VI
a.C.; la primera obra crítica
sobre la literatura y el teatro es
Poética (330 a.C.) de
Aristóteles. Aristóteles
sostenía que la tragedia griega
se desarrolló a partir del
ditirambo, himnos corales en
honor del dios Dioniso que no
solamente lo alababan sino
que a menudo contaban una
historia. Aristófanes
El teatro griego (II)

 Según la tradición, Thespis, el director de un coro del

siglo VI a.C., creó el drama al separar en un ditirambo
el papel del personaje principal del resto del coro: él
hablaba y el coro respondía. Según Aristóteles, desde
ese hecho sólo había que dar un pequeño paso hacia la
evolución del drama como forma independiente con la
incorporación de otros actores y personajes. Pero el
desarrollo espontáneo hacia el drama trágico, un
género muy elaborado y sin precedentes, es difícil de
documentar.
La tragedia griega

 La tragedia griega floreció en el siglo V a.C. con autores

como Esquilo, Sófocles y Eurípides. Las obras son
solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas
(episodios) entre personajes (nunca hay más de tres
actores hablando en una escena) e intervenciones del coro
en forma de canciones (odas). Las historias están basadas
en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el
objetivo no fuera simplemente volver a contar esas
historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes
libertades), sino hacer consideraciones sobre el carácter
de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo
y las consecuencias de las acciones individuales. Por lo
general, eran obras de poca acción y los hechos se
relataban a través de diálogos y canciones del coro.
Escena de Edipo Rey

 Edipo Rey, de Sófocles,

es una las tragedias
griegas más famosas y se
basa en el mito de Edipo
que, ignorando que es
hijo del rey, lo mata y se
casa con la reina, que es
su madre. La obra
presenta un lenguaje y
unos personajes de gran
riqueza. Esta escena
pertenece a la versión que
hizo el Teatro Habima de
Israel.
El teatro griego (III)

 Las obras se representaban en festivales en honor de Dioniso; entre

estos festivales se encontraban el Gran Dionisíaco de Atenas, en
primavera; el Dionisíaco Rural, en invierno; y la Lenaea, también en
invierno tras el Rural. Se seleccionaban las obras de tres poetas para
su representación. Aparte de tres obras trágicas (una trilogía), cada
poeta tenía que presentar una sátira y una farsa, a menudo atrevida
parodia sobre los dioses y sus mitos. Después se representaba la
comedia, que se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las
comedias más antiguas que se conservan son las de Aristófanes.
Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de
fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos
a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes
escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses.
El teatro griego (IV)

 Con la expansión de la cultura griega a raíz de las

conquistas de Alejandro III el Magno, las comedias
literarias y basadas en tópicos, así como las tragedias
filosóficas, pasaron a ser poco apropiadas y dejaron paso
a un tipo de comedia local, muy abundante, llamada
nueva. El misántropo es la única obra completa que se
conserva de Menandro, el gran autor de comedias nuevas.
La trama gira alrededor de una complicación o situación
que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares
y similares. Los personajes son típicos e identificables,
tipos socialmente simples, como el padre miserable o la
suegra molesta.
El teatro griego (V)

 La forma del recinto teatral griego evolucionó durante

dos siglos; es interesante observar que los teatros
permanentes de piedra, algunos de los cuales aún hoy
sobreviven, no se construyeron hasta el siglo IV a.C.; es
decir, tras el periodo clásico. Los teatros al aire libre
pueden haber constado de una orquesta, un área circular y
plana utilizada para las danzas del coro, detrás un
escenario elevado para los actores, y una zona de asientos
más o menos semicircular construida en torno a la
orquesta aprovechando la pendiente de una colina. Tenían
un aforo de 15.000 a 20.000 espectadores. Con el
aumento de la importancia de los actores y la disminución
de la del coro, los escenarios se agrandaron y elevaron
invadiendo parte del espacio de la orquesta.
El teatro griego (VI)

 Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al

uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y
ayudaban al espectador a reconocer la característica del
personaje. En grandes teatros, los gestos sutiles y las
expresiones faciales, de las que tanto dependen los
actores modernos, habrían sido inútiles. El movimiento
era aparentemente formal y estilizado, y se ponía gran
énfasis en la declamación. La música acompañaba a las
danzas. Una antigua producción griega estaba
probablemente más cerca de la ópera que del teatro
moderno.
El Arte Romano

 Con la expansión de la República de Roma en el

siglo IV a.C., se absorbieron territorios griegos y
con ellos, naturalmente, el teatro y la arquitectura
teatral griegas. El teatro propiamente romano no
se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque la
producción teatral se asociara en principio con
festivales religiosos, la naturaleza espiritual de
estos acontecimientos se perdió pronto; al
incrementarse el número de festivales, el teatro se
convirtió en un entretenimiento. Por eso, no es de
extrañar que la forma más popular fuera la
comedia.
El Arte Romano (II)

 El gran periodo de creación dramática romano

empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por
las comedias de Plauto y Terencio, que eran
adaptaciones de la comedia nueva griega. Las
obras se basaban en una intriga de carácter local,
aunque las de Terencio también aportaban un
valor didáctico. La estructura de las piezas era
muy dinámica y del gusto del público, y además
solían cantarse muchas partes de la obra.
El Arte Romano (III)

 Aunque durante este periodo se representaran tragedias

romanas y griegas, se conservan y conocen las de Séneca
que fueron escritas para ser recitadas o leídas y no
representadas, ya que en el siglo I el interés del público
por la tragedia había decaído. Las obras de Séneca
estaban basadas en mitos griegos pero tendían a destacar
los aspectos sobrenaturales, la violencia sangrienta y la
pasión obsesiva más propias del melodrama. El
contenido, la forma y los recursos de la producción de
Séneca, una estructura en cinco actos que contenía
soliloquios y discursos poéticos, ejerció una gran
influencia en el renacimiento.
El Arte Romano (IV)

 La construcción de los teatros romanos y los griegos se desarrolló

tras el fin del periodo clásico. Se debió en buena parte a que los
romanos pensaban que podían ofender a un dios al construir un teatro
en honor de otro. Solamente existían tres teatros en la ciudad de
Roma. La proliferación del arco como elemento arquitectónico
permitió la construcción de edificios independientes y prescindir del
uso de las colinas para emplazar las gradas como los griegos. Como
el coro había terminado por ser insignificante, el área destinada a él
había sido reducida a un pequeño semicírculo. El gran escenario,
entre 24 y 30 metros de ancho, tenía detrás un decorado fijo, el frons
scaenae: un muro con nichos, arcos y tres puertas adornado con tres
pisos de columnas; la mayoría de las comedias romanas se
desarrollaban en la calle frente a tres casas. Como en el caso de los
griegos, el decorado era mínimo y sugerente.
El arte romano (V)

 Alrededor del final del siglo II d.C., el teatro literario había entrado
en declive y fue sustituido por otros espectáculos y entretenimientos
más populares. Incluso las luchas de gladiadores se organizaban de
forma teatral, con una trama superficial, vestuario y decorados. La
Iglesia cristiana emergente atacó el teatro romano, en parte porque
los actores y actrices tenían fama de libertinos, y en parte porque los
mimos satirizaban con frecuencia a los cristianos. Estos ataques
contribuyeron al declive del teatro así como a considerar a las
personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del
Imperio romano en el 476 d.C., el teatro clásico decayó en
Occidente; la actividad teatral no resurgió hasta 500 años más tarde.
Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y trovadores en
el mundo medieval, sobrevivieron y proporcionaron un nexo de
continuidad.
El Teatro Medieval
El teatro medieval (I)

 Irónicamente, el teatro en forma de drama litúrgico

renació en Europa en el seno de la Iglesia católica
romana. Con idea de extender su influencia, la Iglesia
católica adoptó con frecuencia festivales que tenían un
marcado carácter pagano y popular, muchos de los cuales
tenían elementos teatrales. En el siglo X, los diferentes
ritos eclesiales ofrecían posibilidades de representación
dramática; de hecho, la misa misma no estaba lejos de ser
un drama. Algunas festividades se celebraban con
actividades teatrales, como las procesiones del Domingo
de Ramos.
El teatro medieval (II)

 Las antífonas, responsos, salmos, motetes y horas

canónicas sugerían un diálogo. En el siglo IX, los
adornos antifonales, conocidos como tropos,
fueron añadidos a los complejos elementos
musicales de la misa. Un tropo pascual de tres
versos con un diálogo entre las tres Marías y los
ángeles en la tumba de Cristo se considera desde
el 925 el origen del drama litúrgico. Para el 970
ya existía un manual de acotaciones para esta
pequeña obra, incluyendo elementos de vestuario
y gestos físicos.
Teatro religioso. Autos (I)

 El drama litúrgico se fue desarrollando en el transcurso

de los doscientos años siguientes a partir de varias
historias bíblicas en las que actuaban monaguillos y
jóvenes del coro. Al principio bastaban las vestiduras
propias para la celebración de la misa y las formas
arquitectónicas de la iglesia como decorado, pero pronto
se organizó de modo más formal. El escenario se dividió
en mansión y platea. La mansión consistía en una
pequeña estructura escénica, un tabladillo, que sugería de
forma emblemática un lugar en concreto, como el jardín
del Edén, Jerusalén o el Cielo; la platea era un área neutra
frente a la mansión que era utilizada por los actores para
la interpretación de la escena.
Teatro religioso (II)

 Con la evolución del drama litúrgico, muchas

historias bíblicas temáticamente relacionadas se
representaban como un ciclo; por ejemplo, desde
la creación hasta la crucifixión. Estas obras se
denominan de diversos modos, obras de Pasión,
milagros o loas, entre otras. Se construían
mansiones al efecto alrededor de la nave central
del templo, con el cielo del lado del altar y la
boca del infierno, una elaborada cabeza de
monstruo, en el otro lado.
Teatro Religioso (III)

 Las obras eran episódicas y su acción se

desarrollaba en periodos de tiempo que
abarcaban miles de años, incluían lugares
situados a gran distancia y entornos con carga
alegórica, espiritual y temporal. A diferencia de
la tragedia griega, que estaba orientada
estrechamente a la construcción de un clímax
catártico, el drama medieval no siempre mostraba
tensión y conflicto. Su propósito era dramatizar
la salvación de la humanidad.
Teatro religioso (IV)

 Aunque la Iglesia animara los inicios del drama litúrgico,

dadas sus cualidades didácticas, el entretenimiento y el
espectáculo fueron imponiendo su hegemonía, y la
Iglesia, de nuevo, renovó sus recelos hacia el teatro. No
queriendo renunciar a sus efectos beneficiosos, zanjó la
cuestión trasladando la representación al exterior del
edificio. Se recreó la misma disposición del espacio físico
en las plazas de mercado de las ciudades. Sin deshacerse
de su contenido e intencionalidad religiosas, la
producción fue progresivamente haciéndose más secular.
El Auto de los Reyes Magos, del siglo XII, del que sólo
se conservan 147 versos, corresponde a las características
anteriores y es la primera pieza teatral española que se
conoce.
Teatro medieval profano (I)

 En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico

para representarse fuera de las iglesias especialmente en
la fiesta del Corpus Christi y evolucionó en ciclos que
podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos
creen que, aunque similares a los dramas litúrgicos, los
ciclos surgieron de forma independiente. Eran producidos
por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las
representaciones podían durar de dos días a un mes. De la
producción de cada obra se encargaba un gremio que
intentaba que el tema tuviera que ver con su ocupación
laboral; así los trabajadores de los astilleros podían, por
ejemplo, escenificar una obra sobre Noé.
Teatro medieval profano (II)

 Como los intérpretes eran con frecuencia

aficionados y analfabetos, las obras se escribían
en forma de copla de fácil memorización; no se
conocen los nombres de los dramaturgos. Fiel a
la visión medieval del mundo, la precisión
histórica no importaba y la lógica causa-efecto
tampoco se respetaba. La puesta en escena
empleaba un realismo selectivo. Las obras
estaban llenas de anacronismos, de referencias
locales y de tópicos; se pensaba poco en la
realidad del tiempo y de la distancia.
Teatro medieval profano (III)

 El vestuario y el atrezo eran los propios de la vida de la época. Lo

que se pudiera retratar de modo realista se llevaba a escena con la
mayor autenticidad posible (se han documentado numerosos
ejemplos de actores que casi fallecían al representar crucifixiones
excesivamente realistas o de otros que al figurar de demonios sufrían
gravísimas quemaduras). Otro ejemplo documentado es la utilización
de un trapo rojo para separar en dos partes un escenario que
representa al mar Rojo. Después de rasgarlo se lanzaba sobre los
supuestos egipcios para sugerir que eran engullidos por el mar. Al
público no le molestaba la mezcla de lo real y lo simbólico. Siempre
que se podía se utilizaban efectos espectaculares; así, la boca del
infierno se convertía en un gran despliegue mecánico y pirotécnico.
A pesar de su contenido religioso, eran en gran parte espectáculos
considerados como una forma de entretenimiento.
Teatro medieval profano (IV)

 Se empleaban varias formas básicas de puesta en escena.

Las más comunes en Inglaterra y en España fueron las
carrozas. Lo que antes fue la mansión se convirtió en un
escenario móvil, más o menos como la carroza de una
cabalgata moderna, que se movía de una parte a otra de la
ciudad. Los espectadores se congregaban a su alrededor
en cada parada; los actores interpretaban sobre el carro y
sobre la platea construida a tal efecto en la calle o sobre
alguna plataforma anexa. En España se utilizaba este
método con pequeñas variantes. En Francia, se
empleaban escenarios simultáneos, se erigían varias
mansiones una al lado de la otra, y se levantaba una
plataforma frente al público allí reunido.
Autos (I)

 Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y

dramas pastorales —siempre de autores anónimos— y,
por supuesto, persistían varios tipos de entretenimientos
populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos
durante el siglo XV. Aunque extrajeran trama y
personajes de la teología cristiana, los autos diferían de
los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de
episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban
representados por profesionales como los trovadores y
juglares. Las obras como Everyman (El hombre) o La
disputa del alma y el cuerpo, de autor anónimo español,
trataban normalmente del paso por la vida de un
individuo y su conducta.
Autos (II)

 Los personajes alegóricos incluían figuras como

la muerte, la gula, las buenas obras y otros vicios
y virtudes. Estas obras resultan a veces de tediosa
lectura para un público moderno: el esquema de
la rima del verso es a menudo repetitivo y
cansino, pueden llegar a ser dos o tres veces más
largas que una obra de Calderón, y la moraleja
final es siempre obvia y paternalista. Pero los
actores interpolaban música y acción y
explotaban las posibilidades cómicas en muchos
de los papeles asociados a los vicios y al demonio
para crear una fórmula dramática popular.
Teatro del Renacimiento
Teatro del renacimiento (I)

 La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a

mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico teatro
profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con
su simplicidad parezcan estar muy lejos de los dramas de
Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media
sobre la lucha de la humanidad y las adversidades, el giro
hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales
y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron
a la nueva forma de hacer teatro. Además, la
participación de actores profesionales en las obras fue
sustituyendo poco a poco a los entusiastas aficionados.
Teatro del renacimiento (II)

 El renacimiento empezó en diferentes momentos

dependiendo del lugar de Europa y no fue nunca
un cambio repentino sino un lento proceso de
evolución en las ideas y valores de la época. En
el teatro, supuso un intento de recrear el drama
clásico. Como los métodos de producción y
representación clásicos no se conocían
perfectamente, el teatro del renacimiento tomó
una forma totalmente nueva con algunos visos de
clasicismo. Esta fórmula se conoce generalmente
como neoclasicismo.
Teatro neoclásico (I)

 Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia

datan del siglo XV. Las primeras obras eran en latín, pero
acabaron por escribirse en lengua vernácula. Solían estar
basadas en modelos clásicos, aunque la teoría dramática
derivaba del redescubrimiento de la Poética de
Aristóteles. Este teatro no fue una evolución de las
formas religiosas, ni siquiera de las prácticas populares o
dramáticas ya existentes; se trataba de un proceso
puramente académico. Eran obras pensadas para ser
leídas —aunque fuera por varios lectores y en público—
y con fines didácticos. La mayoría de ellas, por su carga
erudita y clasicista, no tuvo éxito ni en su época —a no
ser en cenáculos restringidos, festivales cortesanos o
academias— ni después.
Teatro neoclásico (II)

 Sin embargo, algunas obras lograron un éxito

considerable, y unas pocas, como la farsa cínica
de Maquiavelo La mandrágora (1524), se
representan hoy día. Mención especial merece la
obra La Celestina del dramaturgo español
Fernando de Rojas. Desde el principio tuvo un
gran éxito de público y se sigue representando
desde entonces. Durante mucho tiempo se ha
especulado sobre si era una novela dialogada o
una pieza teatral. La dificultad para que encajara
en esta segunda categoría era el número elevado
de actos (24) y el cambio constante de escenarios
Teatro neoclásico (III)

 El concepto teatral más importante del renacimiento fue el de

verosimilitud (la apariencia de verdad). Esto no significaba que
hubiera que realizarse una copia servil del mundo real, se trataba más
bien de eliminar lo improbable, lo irracional, para destacar lo lógico,
lo ideal, el orden moral adecuado y un sentido claro del decoro; por
tanto, comedia y tragedia no podían ser combinadas, los coros y
soliloquios fueron eliminados, el bien recompensado y el mal
castigado, los personajes eran delineados como ideales más que
como individuos con sus particularidades. Las tres unidades de
tiempo, espacio y acción, debían ser respetadas. Basándose en un
pasaje de Aristóteles, los teóricos crearon reglas estrictas: una obra
sólo podía contener una trama, la acción debía desarrollarse en un
periodo de veinticuatro horas y en un sólo lugar.
Creación de la ópera y su teatro

 Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de

los intermezzi, en conjunto con los continuados intentos de recrear la
producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del
siglo XVI. Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un
público limitado, la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo
XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia;
tenían por norma un gran escenario y proscenio, un patio de butacas
en forma de herradura, y gran cantidad de palcos, cubículos
dispuestos en hileras a lo largo de los muros internos del teatro,
creando así espacios privados para sentarse. La visión del escenario
desde estos palcos era a menudo muy pobre, pero las clases altas
acudían al teatro para ver tanto como para ser vistas
Commedia dell'arte

 Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo

clasicista, el público en general se divertía con la Commedia
dell’arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación. A
partir de varias formas populares del siglo XVI, compañías de
intérpretes cómicos crearon una serie de personajes tipo, como
Arlequín o Pantaleón, que eran exageraciones y estilizaciones de
criados, locos, amantes, abogados y doctores, entre otros. Inmersos
en tramas y decorados predecibles, a cada actor le correspondían
discursos predeterminados y partes de la acción conocidas como
lazzi. Los decorados proporcionaban guías e indicaban entradas,
salidas y el foco de discursos específicos. Los intérpretes incluían sus
lazzi en estas circunstancias según les pareciera apropiado e
improvisaban la representación. Los actores de la commedia se
dispersaron por Europa. Las compañías actuaban no sólo en las
calles sino también ante los nobles. Entre 1550 y 1650 tuvo su
máximo apogeo, y ejerció su influencia desde el teatro de títeres
turco hasta las obras de Shakespeare y Molière.
Máscaras de la Commedia
dell'arte
 Las máscaras que vemos
en este cuadro cubren la
mitad del rostro y eran
utilizadas por los actores
de la Commedia dell’arte,
forma teatral italiana muy
popular durante el siglo
XVI en la que los
personajes y sus
caracterizaciones eran
muy exagerados.
Desarrollo del teatro francés

 A finales del siglo XVI era popular en Francia un

tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno
dificultó el establecimiento total del drama
renacentista. En aquel tiempo no existían en París
edificios expresamente dedicados al teatro; se
utilizaban con ese propósito recintos destinados
al juego de pelota. La fuerte influencia italiana en
Francia llevó a popularizar representaciones
parecidas al intermezzo, que fueron denominados
ballets.
Pierre Corneille

 El dramaturgo francés
del siglo XVII, Pierre
Corneille, se hizo
conocido por sus
tragedias y comedias.
Entre otras obras
deben destacarse El
Cid y Horacio.
Teatro francés

 Hasta la década de 1630-1640, con las obras de Pierre

Corneille y, más tarde, de Jean Baptiste Racine, no se
estableció plenamente el drama neoclásico. Bajo la
influencia ejercida por el cardenal de Richelieu, las
normas neoclásicas fueron rígidamente aplicadas, y la
obra de Corneille El Cid (1636 o 1937), aunque
extremadamente popular, fue condenada por la Académie
Française por violar los principios del decoro y la
verosimilitud. Las obras de Racine combinan con éxito la
belleza formal de la estructura y el verso clásicos con
temas mitológicos para crear obras austeras de elevado
estilo.
Molière

 Molière, dramaturgo del siglo XVII y

quizá el autor satírico francés más
importante, creó un gran número de
personajes cómicos que utilizó para
denunciar la hipocresía de la sociedad de
la época. Fue más allá de las
posibilidades de la farsa, desplegando
ante su público profundas observaciones
sobre el carácter y satirizando el
autoengaño y la adhesión incondicional
a las convenciones sociales. Este es un
extracto de Tartufo cuya traducción es:
"Es el escándalo público lo que lo
convierte en ofensa, pues el pecado en
secreto no es pecado". (Recitado por un
actor).
Moliere

 Molière fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y

trabajó con el objetivo de alterar el estilo histriónico y ampuloso que
entonces dominaba la escena francesa. Hizo que los miembros de su
compañía, para quienes escribía papeles a la medida en sus obras,
adoptaran un estilo más coloquial y se movieran de un modo más
natural. Aunque tuvo gran éxito con sus producciones, el estilo
grandioso sobrevivió en Francia hasta principios del siglo XIX. Unos
años después de su muerte, acaecida en 1673, su compañía teatral fue
fusionada por orden de Luis XIV con otras de París. De esta fusión
surgió en 1680 la Comédie-Française, la compañía de teatro estable
más antigua del mundo aún en activo. Durante el siglo siguiente el
teatro francés estuvo dominado por los actores y no hubo
producciones notables hasta finales del siglo XVIII. Los teatros de
bulevar y feria tomaron gran auge a lo largo de esta época.
Teatro isabelino inglés y de la
restauración
El teatro renacentista inglés se desarrolló
durante el reinado de Isabel I a finales del
siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían
tragedias academicistas de carácter
neoclásico que se representaban en las
universidades; sin embargo, la mayoría de
los poetas isabelinos tendían a ignorar el
neoclasicismo o, en el mejor de los casos,
lo usaban de forma selectiva.
Christopher Marlowe

 Christopher Marlowe,
considerado como el autor
teatral inglés más
importante anterior a
William Shakespeare,
hizo de la tragedia una de
las más destacadas formas
teatrales de su país. Fue
asimismo el primer
dramaturgo inglés que
utilizó el verso libre.
 A diferencia del teatro continental (creado con el objetivo
de ser presentado ante un público de elite) el teatro inglés
se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y
en las exigencias del público en general. Bajo la
influencia del clima de cambio político y económico en la
Inglaterra del momento, así como de la evolución de la
lengua, dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher
Marlowe dieron lugar al nacimiento de un teatro
dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el
variado y complejo trabajo del más grande genio del
teatro inglés, William Shakespeare.