Histoire des

courants artistiques
De la renaissance au 18e
 Renaissance

• L’homme devient la mesure de toute chose. L’époque

est marquée par une recherche de l’idéal fondé sur le
culte du beau.

• En peinture, la recherche de la perspective et la notion

de vérité psychologique deviennent essentielles. Les
évolutions techniques permettent de nouveaux
développements: les peintres se livrent des recherches
sur la matière et la couleur (ex: recours au sfumato). La
représentation du nu témoigne des préoccupations
centrées sur l’humain.

• En sculpture la recherche de naturalisme est

omniprésente.
 Les 3 grâces RAPHAEL
David DONATELLO
Naissance de Vénus BOTICELLI
 Renaissance
• Le nu est peint pour lui-même, il devient sujet à part entière et
expression esthétique. Le nu féminin est à la fois érotique et
l'expression d'un idéal de beauté.

• Les paysages prennent également de l'importance et sont réalisés

pour leur valeur intrinsèque, surtout par les peintres des Flandres
qui inaugurent une longue tradition.
• Les allégories et les sujets mythologiques permettent à
l'iconographie profane de se développer.

• Le portrait existait déjà au Moyen Âge, de profil ; il se diffuse dans

les milieux bourgeois de la Renaissance. Les portraits viennent
agrémenter les galeries de palais et des châteaux de plaisance. Ils
prennent de l'importance en taille et immortalisent les rois à cheval.

• Cependant, l'art de la Renaissance continue aussi, comme au

Moyen Âge, de représenter des thèmes catholiques. Jésus et sa
mère, Marie, apparaissent dans les œuvres de Léonard de Vinci ou
de Raphaël. Dans le domaine de la sculpture, les pietas sont des
sujets privilégiés.
 Athènes de Platon de Raphaël
La Joconde de L. De Vinci
 Maniérisme
1520-fin de siècle

• Le maniérisme se caractérise par une grande recherche de la

personnalité. Le goût de la déformation, de l’excès, de
l’inquiétude, s’accompagne d’une véritable obsession du
mouvement. On parle de « belle manière». Le maniérisme est
indissociable d’expériences individuelles d’artistes possédant leur
propre originalité. En ce sens, il s’agit d’un mouvement d’une
grande modernité.

• En peinture, un même mouvement antagoniste apparaît dans l’art

pictural. Certains artistes privilégient les excès de raffinement ou
l’exaltation des scènes pendant que d’autres aspirent à la simplicité.
 Maniérisme
1520-fin de siècle

• En réaction à la perfection atteinte durant la Haute Renaissance

dans la représentation du corps humain et dans la maîtrise de l'art
de la perspective, certains artistes, autour de Jules Romain et des
élèves d'Andrea del Sarto, ont cherché à rompre délibérément avec
l'exactitude des proportions, l'harmonie des couleurs ou la réalité de
l'espace, de manière à atteindre un nouvel effet émotionnel et
artistique.

• C'est ainsi que l'on voit les œuvres maniéristes présenter :

– un espace désuni,
– une image trouble et obscure,
– une déformation et une torsion des corps,
– des tons acides et crus,
– une recherche du mouvement.
 La pieta MICHEL ANGE
Chapelle sixtine MICHEL ANGE
Judith LE CORREGE Babel PIETER BRUEGEL
Arcimboldo
 Baroque et classicisme
1563-1760

• Le terme baroque vient du portugais « barroco » qui désigne les

perles orientales de formes irrégulières (et par extension bizarre).
Un sens nouveau du théâtre et de la fête se développe à l’époque.
La volonté de persuasion passe désormais par la séduction des
sens. L’art privilégie une accentuation des volumes et travaille les
effets de dynamiques. La prolifération des formes et des lignes
obliques accompagne l’exubérance des courbes et des contre-
courbes .

• En peinture, Le Caravage impose une révolution: les épisodes

religieux sont racontés comme des évènements du quotidien avec
un grand réalisme (force du clair obscur). Le goût du drame, la
gravité et la majesté s’imposent.

• En littérature, c'est le thème du double, du faux semblant qui prend

sa place. Le thème de la chute est souvent évoqué, le goût du
bizarre développé avec des fantômes, une obsession de la mort que
l'on doit à la fin récente des guerres de religion en Europe.
 Baroque
• Ce mouvement se caractérise par les prédominances du thème du
déséquilibre en sculpture, en peinture, en littérature et en musique.

• Ceci s'explique par les récentes découvertes de Copernic et de

Galilée, qui contestent le fait que la Terre soit le centre de l'univers
et qui affirment qu'elle est ronde et qu'elle tourne autour du Soleil ;
ces thèses contredisant l'idée couramment admise depuis des
millénaires, une panique générale s'installe. On ne peut en effet
avoir confiance en rien, tous les points de repères étant abolis.

• Les guerres de religion ayant tout dévasté, de grands

investissements sont faits pour reconstruire les bâtiments où
s'exprime avec puissance l'incertitude baroque au travers d'une
surcharge décorative et d'un goût prononcé pour le gigantisme.

• Les thèmes récurrents sont : la peur de la mort, le thème de l'eau

courante signifiant le temps qui passe, mais aussi en lien avec la
mort symbolisée par l'eau chez les Grecs, Romains et Celtes, la
chute qui entraîne la mort, la métaphore des sables mouvants, les
sabliers et le temps qui passe, les formes rondes en référence aux
perles de forme irrégulière, les reflets et la référence au mythe
antique de Narcisse, les mises en abyme.
Magdalena
DE LA TOUR
Conversion de
St Paul
CARAVAGE
Vieil homme
REMBRANDT
 Classicisme
1563-1760

• Le classicisme c'est l'art des proportions, de la perspective, des

mathématiques, du modelé par les ombres et des effets de
raccourci qui complètent l'enseignement. Le style classicisme reflète
une conception de l'"honnête homme", qui brille par son esprit et
domine ses passions.

• La peinture classique développe des sujets nobles à la gloire de

l'action humaine. Les peintures d'histoire s'inspire de l'Antiquité, de
la Bible, de la mythologie, de la poésie et de la littérature de
l'époque. Les dessins domine la couleur, les formes sont précises et
donnent un modelé ferme, parfois sculptural aux personnages. La
technique du pinceau donne un rendu lisse à la surface. La peinture
modérée et harmonieuse porte à la méditation et étudie les maîtres
anciens pour exprimer la morale et par ailleurs le drame.
 Classicisme

• La raison et les règles

L'idéal classique est fondé sur deux valeurs universelles et
fondamentales: l'ordre et la raison (synonyme de bon sens),
qui définissent des codifications précises. La pensée doit être
ordonnée et rigoureuse et ne doit pas s'écarter de ce qui est
raisonnable et vraisemblable, et ce, au détriment du réalisme.

• L'honnête homme
– A cet idéal de beauté correspond un idéal humain : celui de
l'honnête homme.
– Homme de cour et homme du monde , il se doit de se montrer
humble, courtois et cultivé mais aussi pouvoir s'adapter à son
entourage.
– Il possède des qualités sociales et excelle dans l'art de plaire.
– Au nom de la nature, il refuse tout excès et sait dominer ses
émotions.
Jeune fille à
la perle
VERMEER
Le
géographe
VERMEER
Versailles
 Rococo

• Le terme évoque les rocailles et les concrétions calcaires. Le style

véhicule un goût affirmé pour l’intimité et l’intimité galante.
L’élégance est privilégiée en même temps que l’idée de joie et
bonheur. Le style se fait léger et raffiné, loin de la théâtralité propre
au braque. Le rococo s’impose en France où les artistes sont
fatigués de l’austérité du classicisme.

• En peinture, le thème des fêtes galantes est particulièrement prisé.

La joie de vivre représentée par Fragonard semble parfois factice.
La peinture de Watteau compose une œuvre marquée par le
mystère et la délicatesse.
Les bergers WATTEAU
 Rococo

Caractéristiques
• Art du plaisir
• Reflet d'une société préservée cultivant les loisirs
• Art ostentatoire
• Inspiré de l'empirisme Instantanéité (tout est esquissé)
• Condensé de sensations fugitives
• Symbole de la jouissance et du luxe
• Surenchère dans la décoration
• Aucune dimension spirituelle (art gratuit)
• Inspiration exotique (Chine, Turquie)
• Pas de règles
• Éclatement de toutes formes de structures
• Art érotique
• Souvent thèmes champêtres
FRAGONARD
19e siècle
 Néoclassicisme

• Après le Rococo et sa sensualité exacerbée, le néoclassicisme

exalte la grandeur et la force. La beauté rencontre la vertu. Les
artistes puisent leur inspiration dans l’Antiquité qu’ils réinterprètent
selon leurs canons. L’archéologie connaît un mouvement sans
précédent. Des valeurs telles que l’héroïsme, la raison sont célébrés
à travers des sujets moraux.

• En peinture, le rejet des scènes galantes et futiles est manifeste.

L’art pictural se veut sobre, éloquente et exemplative. Jacques Louis
David fait office de précurseur dans cette nouvelle approche. La
palette chromatique est volontairement limitée pour affirmer la
volonté de précision et de grandeur des figures représentées.

• Artistes: David, Gros, Ingres, Gérome…

 Néoclassicisme
Les principales caractéristiques
• Orthogonalité générale du tableau
• Thème moralisateur, souvent propagandiste (particulièrement sous
Napoléon)
• Mise en avant des valeurs civiques
• Thèmes inspirés par l'antiquité grecque et romaine
• Couleur locale destinée à séparer les groupes de personnages
• Compositions souvent dichotomiques
• Utilisation de la lumière en coup de phare
• Perte du superflu
Napoléon à Eylau GROS
 Romantisme
• Le romantisme (apogée en 1824, fin vers 1850) se caractérise par la
prédominance de la sensibilité et de l’imagination sur la raison.
La passion et l’intuition guide la démarche artistique. La vérité prime
sur l’aspect collectif. La sensibilité tourmentée s’exprime de manière
lyrique. Le trait est rejeté au profit du pictural.

• En peinture, l’exaltation du moi est un trait essentiel du romantisme.

Le courant se distingue par une homogénéité de l’œuvre
contrairement au néoclassicisme. La couleur devient expression à
part entière tandis que l’image de l’homme se fait solitaire et
tragique.

• Le romantisme se caractérise par une volonté d'explorer toutes les

possibilités de l'art afin d'exprimer les extases et les tourments du
cœur et de l'âme : il est ainsi une réaction du sentiment contre la
raison, exaltant le mystère et le fantastique et cherchant l'évasion et
le ravissement dans le rêve, le morbide et le sublime, l'exotisme et
le passé.

• Artistes: Delacroix, Géricault, Turner, Goya, Burnes Jones…

 Romantisme
• L'homme devient une âme ; le corps perd son importance. La
souffrance physique n'est plus un sujet de tragédie : Philoctète,
Prométhée font place aux damnés de Dante, qui souffrent dans une
chair indestructible et mystique. L'amour se dépouille si bien des
sens qu'il devient parfois chimérique : c'est l'union et l'aspiration
mutuelle de deux âmes à travers le temps, à travers l'espace, à
travers la mort.

• La nature extérieure change d'aspect : elle est, comme l'homme,

plus troublée, plus inquiète ; il y voit un reflet de son âme ; il la
peuple, non plus de divinités occupées chacune de leur petit
domaine, mais de puissances amies ou malfaisantes, de génies
bons ou mauvais, fées, elfes, sylphes, gnomes, etc.,
personnifications variées du bon et du mauvais principe qui se
disputent le monde.

• Ainsi, partout l'âme au lieu des sens, donnant aux choses leur prix,
et partout des agents libres, substitués à la fatalité : tel est le grand
sens de cette révolution intellectuelle issue du christianisme et du
génie des peuples celto-romans et germaniques.
Friedrich,
Le
voyageur
au-dessus
de la mer
de nuages,
Le Radeau de la Méduse GERICAULT
 Réalisme

• Le réalisme (1850-fin du siècle) se place sous le signe de la réalité

immédiate. Dès lors, les artistes partent du postulat que le vrai
correspond au beau. La vie laborieuse devient un sujet de
prédilection. L’apparition de la photographie n’est pas sans
conséquence sur le travail des peintres. En même temps, la science
et le positivisme influencent le monde artistique. Le réalisme
démocratique possède également une portée politique. Cette
fascination pour le réel passe aussi par le témoignage social.

• En peinture, pour la 1ere fois, le format de la peinture d’histoire est

utilisée pour les scènes de la vie quotidienne. La peinture de
paysage se développe avec l’école de Barbizon. La fascination pour
le réel constitue une marque de modernité. Le déjeuner sur l’herbe
de Manet fait scandale.

• Artistes: Rodin, Manet, Courbet, Degas…

Un enterrement à Ornans COURBET
COURBET
 Impressionnisme
• Le courant impressionniste naît de la rencontre de peintres à Paris
vers 1860.

• L'impressionnisme est une école picturale française qui marqua la

rupture de l'art moderne avec l'académisme. Tendance générale, en
art, à noter les impressions fugitives, la mobilité des phénomènes
plutôt que l'aspect stable et conceptuel des choses.

• Le style impressionniste repose sur la vérité optique. Pour mieux

appréhender cette sensation, les peintres brisent le carcan du travail
en atelier et plantent aussi leur chevalet en plein air. Dès lors, la
liberté de l’émotion naît de l’observation de la nature. A ce titre,
l’influence d’un Turner est manifeste.

• L’attrait pour le fugace s’accompagne de l’intérêt pour la lumière

qui devient le véritable sujet du tableau et offre une palette de
variations infinies. Par conséquent le sujet se fait évanescent et
impalpable. L’influence des estampes japonaises est nette. Le nu
féminin est un sujet de prédilection qui exalte la sensualité.

• Artistes: Renoir, Monet, Sisley, Pissaro…

Le moulin de la galette RENOIR
 Néo-impressionnisme

• Le néo-impressionnisme s’inscrit dans le prolongement

de l’impressionnisme. Le divisionnisme se fait démarche
scientifique rigoureuse et va jusqu’au pointillisme.

• La sensation spontanée fait place à une démarche

intellectuelle qui s’attache à rendre le mélange optique
des couleurs. Dès lors, l’art rencontre la science et
développe une approche quasi-mathématique de la
technique picturale.

• Artistes: Seurat, Signac…

SEURAT
 Peintres « hors courants »

• Il existe un certain nombre de peintres inclassables:

• Van Gogh s’inscrit dans le mouvement impressionniste avant de

développer une création personnelle qui annonce
l’expressionnisme.

• Gauguin expose chez les impressionnistes également mais se

distingue par sa technique du cloisonnisme. Une fois installé à
Tahiti, il se fait le peintre des peuples primitifs à travers des œuvres
tout en sensualité et en douceur artistique.

• Cézanne intègre :les données impressionnistes pour construire une

œuvre à partir des formes.

• Munch annonce l’expressionnisme par l’exploitation des thèmes de

l’angoisse et la solitude.
Gauguin
Gauguin
Le cri MUNSCH
 Symbolisme

• Le symbolisme est un art d’évanescence né en France en 1880.

Son ancrage littéraire est fort mais il touche aussi la musique, la
peinture ou la sculpture. Il privilégie les scènes mythologiques et
recourt à l’utilisation de l’or pour exprimer le mystère et le
mysticisme. L’onirisme est à la base d’un art qui explore le moi.

• En peinture, c’est la transcription formelle d’un courant intellectuel et

littéraire, qui explore le rêve, l’imaginaire, la magie ou la mort.

• Les préraphaelites ambitionnent de revenir à la première

Renaissance italienne: le style est minutieux et les couleurs se font
plus éclatantes.

• Artistes: Moreau, Khnopff, Burn-Jones, Baudelaire, Mallarmé,

Debussy…
 Symbolisme

Critères
• L’attente d'on ne sait quoi.
• Le thème funéraire est présent, mais jamais présenté comme une
solution immédiate.
• L’endormissement, la princesse endormie. Mais aussi la nature
endormie, il y a très peu de célébrations printanières.
• Les demi-tons, les demi-teintes.
• Le silence, le mutisme. Le silence est une vertu en soi, il porte en
lui la promesse de retour de l’ange, du messager.
• La mélancolie.
• Il ne faut pas s’arrêter à l’apparence, simple relais vers l’au-delà.
• Désir d’altérité, d’autre chose.
• Allusions à la religiosité.
KHNOPFF
 Fauvisme

• Le courant fauvisme (fin 19e début 20e) se fait nommer ainsi par un
critique qui compare leurs tableaux à ceux de bêtes sauvages. Les
artistes refusent l’imitation servile de la réalité et privilégient le
processus de création et l’expression de leurs sentiments.

• La peinture fauviste favorise une simplification des moyens et

abandonne la perspective illusionniste. Elle emploie des couleurs
fortes et pures. L’expression du moi et au cœur de la démarche et
favorise au contraire de l’expressionnisme, la joie et la volupté à
travers une palette chromatique chaude.

• Artistes: Matisse, Dufy, Derain…

Musique MATISSE
 Expressionnisme

• Le courant apparu à la fin du 19e siècle, privilégie la révélation des

émotions personnelles. Son influence sur le cinéma est
déterminante.

• Les figures représentées sont soumises à des déformations

formelles qui expriment leurs émotions. La couleur s’impose pour sa
force évocatrice alors que le trait bascule parfois dans la caricature.
L’expression du mal-être personnel rencontre les angoisses d’une
époque.

• Artistes: Schiele, Kirchner, De Vlaminck…

 L'expressionnisme
• L'expressionnisme est la projection d'une subjectivité qui tend à
déformer la réalité pour inspirer au spectateur une réaction
émotionnelle. Les représentations sont souvent basées sur des
visions angoissantes, déformant et stylisant la réalité pour atteindre
la plus grande intensité expressive. Celles-ci sont le reflet de la
vision pessimiste que les expressionnistes ont de leur époque,
hantée par la menace de la Première Guerre mondiale. Les œuvres
expressionnistes mettent souvent en scène des symboles,
influencées par la psychanalyse naissante et les recherches du
symbolisme.

• Au début du XXe, ce mouvement profondément ancré dans l'Europe

du Nord (en particulier l'Allemagne) est une réaction à
l'impressionnisme français. Alors que l'impressionnisme en est
encore à décrire la réalité physique, l'expressionnisme lui ne
s'attache plus à cette réalité et la soumet aux états d'âme de
l'artiste.L'expressionnisme rompt aussi avec l'impressionnisme à
travers une forme très agressive : des couleurs violentes, des
lignes acérées. Il s'inscrit alors dans la continuité du fauvisme qui
commence à s'épuiser. Pour autant l'expressionnisme n'est pas
vraiment un mouvement ou une école mais davantage une réaction
contre l'académisme et la société et les artistes expressionnistes
resteront souvent isolés.
KIRCHNER
 Art nouveau

• La fin du 19e s’accompagne d’une réaction contre le

rationalisme. La courbe et la contre courbe s’imposent
en rappelant les formes des végétaux. Selon les pays, le
style de l’époque porte des noms différents: Art nouveau
en France et en Belgique, Sezessionstil en Autriche,
Modern Style en Angleterre, Liberty en Italie, Modernisto
en Espagne.

• C’est en architecture que se développe le plus le style: le

fer s’impose en épousant la pierre, le bois ou la brique.
Partout règne la courbe qui confère à l’architecture un
modèle exubérant et dynamique.

• Artistes: Klimt, Horta, Mucha…

 L'Art nouveau
• L'Art nouveau est le fait d'une génération d'artistes qui sortent de
leur tour d'ivoire pour prendre en main le décor de la vie et couper
avec l'exploitation des styles du passé afin de proposer une
alternative à un historicisme officiel qui empêche le renouveau
des formes.

• C'est dans cette optique que les anciens matériaux comme le bois,
la pierre ont été élégamment mariés avec les nouveaux comme
l'acier, le verre. Pour chacun d'eux, des artistes ont poussé leurs
recherches à l'extrême pour en tirer le meilleur. C'est ainsi que les
pâtes de verres multicouches, les rampes d'escalier à entrelacs de
ferronneries, les meubles aux ondulations de bois ont permis de
mettre l'art à disposition de tous pour un coût abordable tout en
gardant une volonté d'innovation formelle, inspirée de la nature.

• En effet, les motifs habituellement représentés sont des fleurs, des

plantes, des arbres, des insectes ou des animaux, ce qui permettait
non seulement de faire entrer le beau dans les habitations mais
aussi de faire prendre conscience de l'esthétique dans la nature.
• L'utilisation de l'acier a aussi permis l'évolution architecturale des
immeubles de plus en plus hauts pour réaliser enfin des gratte-ciel.
KLIMT
HORTA
 20e siècle
Le 20e siècle accélère l’éclatement des
genres et des styles. Désir de liberté, rejet
des groupes, affirmation de l’individualisme,
industrialisation et commercialisation… L’art
se confronte à ses contradictions.
 Cubisme

• Il se développe à partir de 1908 sous l’impulsion de Braque et

Picasso.

• Le cubisme s’inspire des préceptes de Paul Cézanne qui voyait

dans la nature un assemblage de formes. Les artistes cubistes
s’attachent à rendre le point de vue en trois dimensions. La figure se
fragmente jusqu’à définir une nouvelle création, reposant sur la
démarche intellectuelle de l’artiste.

• Les artistes brisent les carcans entre les différentes disciplines:

collage, matérialité…

• Artistes: Picasso, Braque, Gris…

 Futurisme

• Le manifeste est publié en 1909: les artistes se présentent tournés

vers l’avenir. Ils exaltent le côté révolutionnaire. Certains
développent des slogans nationalistes qui annoncent leur
rapprochement avec le fascisme.

• Les peintures recourent au divisionnisme et au couleurs fauves.

Elles intègrent aussi les fragmentations cubistes. La ville est une
préoccupation centrale. L’ambition des artistes est de développer
une peinture complète qui s’adresserait à tous les sens.

• Artistes: Balla, Boccioni, Severini…

BOCCIONI
BOCCIONI
 Art abstrait & abstraction géométrique

• L’art abstrait ne cherche pas à rendre une reproduction réaliste

d’un modèle, mais à se libérer des objets extérieurs et ambitionne
de rendre l’essence et l’esprit de création.

• Artistes: Kandinsky, Arp…

• L’abstraction géométrique se distingue par son approche

rationnelle. Les artistes russes qualifiés de constructivistes visent la
sensation et rejettent la représentation. Aux Pays bas, le groupe DE
Stijl aspirent à l’universalité à travers des créations obéissant à des
règles géomètriques très strictes.

• Artistes: Malevitch, Von Doesburg, Mondrian…

KANDINSKY
 Composition MONDRIAN
MALEVITCH
 Art déco & Bauhaus

• Les années 20 marquent l’âge d’or des arts décoratifs et de

l’architecture. Le style peut paraître confus mais véhicule des lignes
forces: exostisme, féminité, opposition des courbes et des lignes
droites, recherche de l’élégance.

• Artistes: Cassandre (peinture), Van Alen (architecture)…

• Le Bauhaus fondé en 1919, ambitionne de rétablir l’harmonie entre

les différentes formes d’art. L’école du design entend abattre les
cloisons qui séparent l’art de l’artisanat.

• Artistes: Gropius, Muche…

GROPIUS
MUCHE
 Surréalisme & Dadaisme
• Le courant surréaliste apparaît après la 1ere Guerre mondiale. La
foi en la raison chancelle du fait des horreurs engendrés par la
guerre. Ce courant s’intéresse à la dimension du rêve et des
sentiments refoulés.
• En peinture, les techniques utilisées sont diverses: frottage,
grattage, rythmique oniriques (Miro), technique académique (Dali,
Magritte).Le parti de la distance et de la mise en scène des
métamorphoses est important.
• Artistes: Magritte, Dali, Miro, Delvaux…

• Le premier groupe dadaïste est créé en 1914 et constitue une

réponse à l’absurdité du monde. Il véhicule une volonté critique et
recourt à la pauvreté des moyens. Les artistes posent la question de
la nature et de la fonction de l’art. L’ironie fait souvent partie de la
démarche.
• Artistes: Arp, Duchamp, Tzara…
 Surréalisme
• Le surréalisme trouve son origine dans de multiples démarches
artistiques de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du
XXe siècle. Breton, auteur du manifeste du surréalisme, fut
particulièrement influencé par son essai Le rêve et son
interprétation, paru en 1900. Il en a retiré la conviction du lien
profond unissant le monde réel et le monde sensible des rêves.
L'analogie entre le rêveur et le poète, déjà présente chez
Baudelaire, est dépassée : Breton considère le surréalisme comme
une recherche de l'union de ces deux concepts si souvent opposés
que sont le réel et l'imaginaire, comme le montre cette phrase tirée
du Premier Manifeste du Surréalisme (1924) « Je crois à la
résolution future de ces deux états, en apparence si contradictoires,
que sont le rêve et la réalité, en une sorte de réalité absolue.

• En outre, l'expérimentation surréaliste fait appel à des techniques de

création (écriture automatique, sommeil hypnotique, « cadavre
exquis », écriture collective, prise de drogues hallucinogènes) qui
rendent inopérants les critères esthétiques traditionnels : la
« poésie » est ici avant tout moyen de connaissance de la réalité et
du psychisme, et si la « beauté » en résulte, c'est comme produit
d'une activité inconsciente occultée par des siècles de rationalisme.
DALI
 Pop art & Art cinétique

• Né en Angleterre au milieu du 20e siècle, le Pop art se développe

aux Etats-Unis et entreprend de magnifier l’objet commun. Le simple
objet ou la figure médiatique est agrandi, répété en série ou
bénéficie d’une mise en couleur variée. La bande dessinée entre
dans la peinture par Lichtenstein.

• Artistes: Hockney, Warhol, Lichtenstein…

• Art cinétique (naissance dans les années 20): les artistes rejette
l’idée que seule l’œuvre statique puisse être qualifié d’art. Au
contraire, ils estiment que le rythme saisi dans l’instant fait partie
intégrante de l’œuvre d’art.

• Artistes: Calder, Tinguely…

WARHOL
Lichtenstein
CALDER
 Land art et Hyperréalisme

• L’artiste utilise dans le land art le paysage comme matériau pour

créer son oeuvre. Dès lors, celle-ci est appelé à être éphémère. La
photo constitue la trace pérenne de l’œuvre.

• Artistes: Christo, Long…

• L’Hyperréalisme constitue la forme la plus extrême du réalisme.

Les créations de ce courant, ne sont pas exemptes de volonté
critique.

• Artistes: Hanson…
CHRISTO
HANSON