UNIVERSIDAD NACIONAL PEDRO RUIZ GALLO

ESCUELA PROFESIONAL DE ARQUITECTURA

LENGUAJE VISUAL – FUSION DE ELEMENTOS

CATEDRA:
ARQ. LUCY YANET GARCIA
INTEGRANTES:
• CEDRON PACHECO
CRISTIAN
• MORALES ACOSTA
JORGE LUIS
• VASQUEZ RUIZ JORGE

UNPRG - FICSA - EPA - ARTES II

LENGUAJE VISUAL
Vendría hacer la importancia grafica de todos aquellos elementos simples que nos ayudarán a
componer imágenes y contar historias de una manera más efectiva, de manera que permite dar
un paso más para convertirlos en los absolutos protagonistas de nuestras imágenes.
A)LINEAS
LÍNEAS HORIZONTALES
-Estas son las más tradicionales y fáciles de hallar, hay algo en ellas que transmite una sensación de
estabilidad e incluso de serenidad. Frecuentemente se utilizan para dividir una escena, pero nunca
deberían ser ubicadas en la mitad de una imagen ya que esto genera una composición inestable; es
mucho más eficaz respetar la regla del horizonte y posicionar esta línea en la parte superior o inferior, a
una altura aproximada al tercio respectivo de la fotografía.
Siempre que se desee acentuar la sensación de placidez y calma en una captura utiliza el formato
horizontal para realizar la toma.

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LÍNEAS VERTICALES
Estas líneas tienen la capacidad de transmitir una inmensa variedad de sensaciones que
van desde el poder y la fuerza (como es el caso de los grandes edificios) hasta el
crecimiento o surgimiento (como sucede con los árboles o monumentos).

Al igual que las líneas horizontales, éstas pueden acentuarse aún más cuando
disparamos en el formato que le corresponde, o sea líneas verticales tomadas en formato
vertical. Este tipo de tomas le confieren un poder de alargar y brindar una sensación de
mayor altura.

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LÍNEAS DIAGONALES
Estas líneas funcionan excelentemente bien para guiar el ojo del espectador a través de
la fotografía. Como así también para crear puntos de interés, ya que se entrecruzan con
otras líneas y, a menudo, nos guían hacia las imágenes de fondo sugiriendo de esta
forma la perspectiva.
Además tienen la virtud de añadir una sensación de dinamismo y acción a la escena,
quitando totalmente el sentido estático de una composición.

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LÍNEAS CONVERGENTES
las líneas son uno de los elementos visuales más fuertes de los que disponemos en la naturaleza
para ayudarnos a dar más interés a nuestra foto. Y si además contamos con varias líneas que
conducen al mismo punto, dispondremos de una herramienta infalible para conducir la
atención del espectador.

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LÍNEAS CURVAS
Las líneas curvas poseen un CIRCULOS
progresivo cambio de dirección, más Los círculos constituyen los elementos gráficos
ritmo y movimiento que las rectas, con mayor capacidad para contener objetos,
son suaves y fluídas. Su natural cualquier elemento que se encuentre en su
asociación con los círculos los otorga interior cobrará especial protagonismo. Al
cierta sensación de cierre. igual que las curvas, ofrecen un progresivo
cambio de dirección, ritmo y movimiento.

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 B)REPETICIONES
Podemos encontrar repetición de patrones en la naturaleza o creados artificialmente....
La frecuencia con la que se repite el elemento "PATRÓN" se denomina RITMO.
Para que sea patrón de repetición debe haber al menos 4 elementos iguales. Si sólo son 3 no se cumple
la regla.
NATURALES
La repetición de patrones que encontramos en la naturaleza suele ser menos "explícita" que
las que encontramos creados atificialmente ,aún así algunas son muy notorias

http://creerparaverfotos.blogdiario.com/1398452232/fotografia-reglas-de-composicion-1-patrones-de-repeticion-o-repeticion-de-patrones/
 NO NATURALES

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C) YUXTAPOSICION Y CONTRASTE

C-1 YUXTAPOSICION
Poner algo junto a otra cosa o inmediata a ella.

A veces es útil desenfocar ligeramente la vista para ver

si la imagen posee una composición sólida. Si hacéis
esto con esta foto veréis que aún sin reconocer
claramente las formas os quedáis pegamos a la
imagen. Personalmente lo que más me llama la
atención es la yuxtaposición de formas y colores:
triángulo y círculos, verde y rojo.

Nils Jorgensen vio una cabeza grande y oscura al lado de

una cabeza pequeña y blanca y no se lo debió pensar
mucho. Esta imagen relativamente simple y de
geometría marcada te captura como si fuera el típico
juego de buscar las diferencias.
 Dos personas con traje de chaqueta impecable
dando la espalda a la cámara y dos obreros con
casco con un mono de trabajo sucio mirándonos
directamente. Estoy seguro de que a alguno
también le parecerá esta foto una graciosa
metáfora de la crisis económica actual.
Nick Turpin

Dos coches, uno grande y uno pequeño, dos brazos, dos

Bruce Gilden
puertas y seguro que me estoy dejando algunos elementos
Bajito y alta, gordo y delgada.
yuxtapuestos por mencionar.
Simplemente funciona.
 C-2 CONTRASTE
El contraste agrega dimensión y puede hacer que tus fotografías sean más atractivas. En este caso no
solamente es importante en el blanco y negro.
Hay dos tipos de contraste:
Contraste “Tonal” que es la diferencia entre la parte más clara de la imagen y la más oscura.
Contraste de color se refiere a las características opuestas, que se acentúan entre sí, atendiendo la
luminosidad y el color de fondo sobre el que se proyectan.
CONTRASTE DE COLOR
Las combinaciones comunes de color que utilizan dos, tres, o cuatro colores contrastantes se describen
como combinaciones de colores complementarios.
Puedes encontrar un alto contraste en los colores directamente opuestos entre sí en el siguiente
circulo cromático, como el morado y amarillo.

Violeta – complementa – Amarillo Verde – complementa – Magenta Naranja – complementa – Cyan

http://galeriafotocreativa.com/contraste-color-formas-creativas/
 CONTRASTE DE LUMINOSIDAD
El contraste claro-oscuro, se produce al confrontar un color claro o saturado con blanco y un color oscuro
o saturado de negro. Es uno de los más efectivos, siendo muy recomendable para contenidos textuales,
que deben destacar con claridad sobre el fondo

CONTRASTE DE VALOR
Cuando se presentan dos valores diferentes en contraste simultáneo, el más claro parecerá más alto y el
más oscuro, más bajo.

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 CONTRASTE DE SATURACION
Se origina de la modulación de un tono puro, saturándolo con blanco, negro o gris.
El contraste puede darse entre colores puros o bien por la confrontación de éstos
con otros no puros.
Los colores puros pierden luminosidad cuando se les añade negro, y varían su
saturación mediante la adicción del blanco, modificando los atributos de calidez y
frialdad. El verde es el color que menos cambia mezclado tanto con blanco como
con negro.

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 D) PERCEPCION GESTALT
La Teoría de Gestalt surgió en la década de 1920 para explicar algunas de las maneras en las
cuales las personas percibimos el mundo alrededor nuestro. Básicamente la idea sobre la que
descansa dicha teoría es que, cuando observamos una escena caótica, la mente humana
tiende a simplificarla en formas y esquemas reconocibles: “El todo es algo más que la suma de
las partes”.
Entender esta Teoría de la GestalT nos ayudará a entender el proceso que ocurre cuando
miramos una fotografía, y podremos usar ese conocimiento a la hora de componer nuestras
fotos.
PROXIMIDAD
Cuando dos o más objetos están juntos el
uno del otro el cerebro los percibe como
relacionados y pertenecientes uno al otro
mucho mejor que si están separados uno
del otro.
En este retrato, la proximidad de la niña y
el perro sugiere una relación muy cercana
entre ellos. Si queremos mostrar cercanía
entre sujetos, la mejor manera es colocar
las cosas juntas.

https://fotografiadslr.wordpress.com/2015/11/06/usando-la-teoria-de-la-gestalt-para-conseguir-una-mejor-composicion-fotografica/
 2.- SIMILITUD
Objetos que son similares en forma,
tamaño o color también transmiten la
sensación de estar relacionados entre sí.
En este paisaje, las rocas que vemos en el
primer plano las vemos relacionadas entre
sí por su proximidad (punto 1.-) y por su
similitud en cuanto a textura, color y
forma
2.- COMPLETITUD
La mente tiende a completar las formas rellenando las
huecos que no vemos. Este es un principio que se usa
en las ilusiones ópticas, pero que también se aplica en
fotografía. Parte de la habilidad para componer reside
en aprender a reconocer formas y a construir un diseño
alrededor de ellas. El principio de completitud nos
ayuda a ver formas en el sujeto.
Por ejemplo, en el paisaje siguiente podemos ver todas
esas flores formando un manto que cubre gran parte
de la imagen formando una línea en el horizonte. La
línea es interrumpida por los árboles por los que pasa,
pero aún así seguimos percibiendola como una línea
continua. La mente automáticamente llena los huecos.

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 4.- SIMPLICIDAD
Nuestra mente tiende a buscar líneas y figuras
reconocibles en las imágenes.
Nuestro cerebro trata de encontrar formas y
patrones en las imágenes. En la siguiente
imagen de Joseff Koudelka las cabezas de los
chicos forman un triangulo, y si nos fijamos un
poco más atentamente vemos como podemos
encontrar muchos más triángulos a lo largo de
la escena.

5.- CONTINUIDAD.
Nuestro cerebro asume que las líneas se
extienden más allá del encuadre. En la fotografía
de paisaje siguiente este principio nos ayuda a
crear un sentido de profundidad (junto con el
uso de un objetivo gran angular) dado que el
cerebro tiende a continuar la línea del camino
más allá del punto de fuga en el horizonte.

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 6.- SEGREGACIÓN.
Para que una figura humana sea reconocible debe destacar sobre el fondo. De esa manera podremos
identificarla fácilmente incluso si ocupa un espacio diminuto en el encuadre. Este es un principio
bastante útil dado que así podremos incluir pequeñas figuras humanas en el paisaje como indicadores
de escala. Por eso es importante que no se mezclen con el paisaje, de otra manera serán difíciles de ver.

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 DEFINICION
El Equilibrio es aquella condición de la materia que
le permite ser estable con respecto a las fuerzas con EQUILIBRIO DE LOS ELEMENTOS
las que interactúa en el espacio donde se encuentra.
No solo se logra el equilibrio por las superficies, sino
Mientras más equilibrados
también con los tonos y el color de las formas que se
estén los elementos que
encuentran en la composición alrededor del punto
componen una fotografía, más
de sostén o fulcro.
agradable acabará siendo. La
distribución de los elementos
dentro de ella es algo
fundamental.
La colocación del objeto
principal es aconsejable que no
esté en el centro de la toma. La
razón es que esto puede crear
espacios vacíos. Para corregirlo,
es necesario buscar otros
objetos de menor importancia
para ocupar ese espacio sin
referentes visuales. Lo ideal
sería la inclusión de otro objeto
que dotará de un equilibrio que,
de otra manera, sería
instintivamente descubierto por
el observador.

FUENTE: el ojo del fotógrafo (Michael Freeman)

 EQUILIBRIO EN LA FOTOGRAFIA
Una fotografía es mas destacada cuando todos sus EQUILIBRIO ASIMETRICO
elementos están bien equilibrados. Al dividir la fotografía en dos partes iguales no habrán
Podemos clasificarlo entre simétrico y asimétrico. dimensiones iguales por el color, tamaño, peso, etc.
EQUILIBRIO SIMETRICO
Al dividir la fotografía en partes iguales hay igualdad de
peso y no se encuentra ningún elemento que sobresalga.

Villa rotonda (Andrea palladio) Torre eiffel

FUENTE: el ojo del fotógrafo (Michael Freeman)

consiste en hacer uso de la energía inherente en varias estructuras y utilizarla para mantener la vista alerta y desplazar la
atención del centro de la imagen.

Es otra variable dinámica de la imagen fotográfica. Esta tensión puede aparecer en composiciones que presentan un
claro equilibrio que será de naturaleza dinámica, llamado equilibro dinámico.

Las líneas pueden en algunos casos ser decisivas para dotar de tensión a la composición, cuando estas expresan movimiento.
La representación de los elementos en perspectiva o la presencia de orientaciones oblicuas en el modo
de organizar los elementos en el interior del encuadre contribuye a transmitir tensión al observador.
El contraste de luces o el contraste cromático es también responsable de la creación de tensión compositiva.

FUENTE: el ojo del fotógrafo (Michael Freeman)

El contenido del sujeto y el fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros
elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el sujeto y el fondo es que no haya

demasiados detalles que puedan distraer la vista del
espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para

marcar la diferencia entre el sujeto y el fondo de
nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a
la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de
hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor
nitidez en el fondo.
FUENTE: el ojo del fotógrafo (Michael Freeman)
DISEÑO TEXTURA
el diseño está construido por la repetición, pero a diferencia
• La palabra textura nos define la estructura de una superficie.
del ritmo está asociado con el espacio y no con la dirección.
Áspera e irregular o suave y brillante.
La característica principal de un diseño es que cubre una • Debe transmitir una sensación táctil y de profundidad, como
zona, por lo que las fotografías que muestran el diseño con por ejemplo la rugosidad de una corteza.
más fuerza son aquellas donde este se extiende hasta los • La luz es clave para fotografiar la textura
bordes del encuadre.
Al mismo tiempo, cuanto mayor es el número de
elementos que se pueden ver en la fotografía, más intensa
es la sensación de diseño.

FUENTE: el ojo del fotógrafo (Michael Freeman)

MULTITUD
El concepto de multitud está relacionado con el diseño y la textura
Una multitud de sujetos tiene su propio atractivo por su grafismo y por
la sensación de sorpresa que causa una cantidad tan elevada.

FUENTE: el ojo del fotógrafo (Michael Freeman)

PERSPECTIVA
Y

PROFUNDIDAD
Se define como el arte de representar los objetos en
la forma y la disposición con que se aparecen a la
vista. También, como el conjunto de objetos que se
visualizan desde el punto de vista del espectador.

Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión

de un mundo tridimensional en una superficie de dos
dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una
sensación de profundidad, de espacio que retrocede.
Se caracteriza por la convergencia de las líneas. Estas
líneas son paralelas en la mayoría de las escenas,
como los lados de una carretera y la parte superior e
inferior de un muro, pero si se alejan de la cámara
parecen converger hacia uno o más puntos de fuga.

Un gran angular de 20 mm (Ife), con un punto de vista

apropiado, reproduce los lados paralelos del Muro de
Adriano, en el norte de Inglaterra, como líneas
convergentes en la distancia, lo que proporciona las
condiciones clásicas para una marcada perspectiva
lineal. La altura de la cámara por encima del muro
determina la distancia vertical visible en la fotografía.
 CONVERGENCIA Y ABERTURA

El ángulo de visión respecto a la superficie que dibujan las líneas convergentes determina la intensidad
del efecto de la perspectiva. Un ángulo demasiado abierto se lee con dificultad, mientras que un ángulo
muy agudo muestra poca convergencia.

CONVERGENCIA Y LONGITUD FOCAL

El mismo punto de vista con objetivos

de distinta longitud Focal. Cuanto menor
es fa focal, mayor es la convergencia.
Este término está relacionado con la perspectiva
lineal, y de hecho es una parle de ella.

Proporcionará un estándar de escala: en

el lugar apropiado de la escena, ayuda a
establecer la impresión de perspectiva.
Las escenas neblinosas parecen más densas de
lo que realmente son debido al efecto de la
perspectiva aérea, lo que se puede realzar
utilizando iluminación a contraluz y más aún si
no se utilizan filtros que reduzcan la neblina

Cuando sacamos fotos que están a gran

distancia el aire va perdiendo transparencia ya
que está lleno de partículas de vapor de agua,
polvo, polución, etc. Estas partículas son
capaces de cambiar la dirección de la luz por lo
que los motivos a grandes distancias parecen
tener una especie de velo o niebla.
Aparte del efecto luminoso que tiene la neblina en escenas distantes,
los tonos claros parecen avanzar y los tonos oscuros retroceder.

Por lo tanto, un objeto claro enmarcado en un fondo oscuro

generalmente destaca con un marcado efecto de profundidad.
Los colores cálidos tienden a avanzar y los colores fríos a
retroceder. Por tanto, aparte de otros factores, un sujeto
rojo o naranja contra un fondo verde o azul transmitirá
profundidad exclusivamente por razones ópticas.

NITIDEZ: Una buena definición sugiere

proximidad, y cualquier objeto que cree
una diferencia en nitidez a favor del primer
plano realza la impresión de profundidad.
El ojo asume que son idénticos. Su tamaño,
progresivamente más pequeño, crea una
intensa sensación de profundidad. La niebla
favorece además una perspectiva aérea.

Grupo de arcos conmemorativos

en la provincia de Anhui. China.
La sensación de profundidad es
puramente ilusoria, pero forma parte una
técnica de composición muy importante.

• Lineal. Hace que las líneas y planos paralelos

converjan en un punto de la imagen, lo que crea
una ilusión de profundidad tridimensional.
• Atmosférica. Sensación de borrosidad por
niebla, en la distancia.
• Tamaño. Distanciar objetos y sujetos por medio
del tamaño.
• Enfoque selectivo. Separar planos por medio del
enfoque, jugando con la profundidad de campo.
• Encuadre. Incluir en la misma foto elementos
cercanos, en contraste con otros lejanos.
 Esto significa que cuando empezamos a mirar algo, ya sea una escena real o una
imagen, recurrimos a nuestro «conocimiento almacenado» a través de la experiencia.
Ciertos tipos de contenido hacen más que otros por captar la atención visual.

Este primer plano de varios trozos de pescado

ofrece inesperadamente tres «atractivos» en uno:

En el primero, el ojo es el centro de

atención, ligeramente descentrado.
La segunda toma, con un encuadre
más abierto y desplazado hacia
arriba y la atención se desvía con
intensidad hacia esa esquina.
La tercera toma, con un encuadre
todavía más abierto y desplazado
hacia abajo, muestra un trozo de
plástico, por lo que el ojo recorre
los tres puntos de interés.
El modo en que mira la gente es un aspecto
de importancia fundamental para pintores,
fotógrafos y cualquiera que cree imágenes.

El seguimiento de la mirada proporciona la

evidencia experimental sobre cómo mira la
gente una escena o una imagen.

En el caso de una fotografía, el ojo se siente

atraído por objetos de interés y zonas de la
imagen que contienen información útil para
dar sentido al conjunto.
La relación entre el contenido y la geometría de una fotografía,
y la dificultad de separarlos para su análisis, ha provocado
cierto malestar, o al menos perplejidad, en más de un escritor.

Roland Barthes, por ejemplo, consideraba la fotografía

más o menos inclasificable porque «siempre incluye
su referente» y no hay «fotografía sin algo o alguien».