GÉNEROS MODERNOS DE

LA MÚSICA
 MÚSICA MODERNISTA
• La música modernista se refiere a la música de la tradición europea escrita
(o música clásica), elaborada aproximadamente entre 1910 y 1975.Fue precedida por
la música del romanticismo y postromanticismo, y sucedida por la música clásica
contemporánea. El momento exacto en el cual terminó el modernismo e inició la
música contemporánea, es todavía motivo de debate entre los expertos. En ocasiones
se le equipara la música modernista con la música del siglo XX aunque esta última
abarca un tiempo cronológico en lugar de un período estético. La música modernista
está basada en los valores filosóficos y estéticos del modernismo al cual tienen como
principio principal la ruptura con la tradición, y la permanente innovación. Debido a
esto está estrechamente ligada al vanguardismo. A diferencia de los períodos
anteriores, prácticamente todos los compositores de este período participaron en
varios movimientos musicales diferentes, ya sea simultáneamente o por etapas.
 CRISIS DE LA TONALIDAD Y ATONALISMO
• Alexander Scriabin (1872-1915) fue uno de los iniciadores del atonalismo, famoso por la utilización de
su acorde místico.
• Artículos principales: Atonalidad y Cromatismo (música).
• Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran en Franz Liszt con
su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se hablaba de una "crisis de la tonalidad". Esta crisis se
generó a partir del uso cada vez más frecuente de acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos
probables, y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal. La
distinción entre lo excepcional y lo normal se hizo más y más borrosa, y como resultado, se produjo un
aflojamiento concomitante de los enlaces sintácticos a través de los cuales los tonos y armonías habían sido
relacionados entre sí. Las conexiones entre las armonías eran inciertas, las relaciones y sus consecuencias se
volvieron tan tenues que apenas funcionaban en absoluto. A lo sumo, las probabilidades del sistema tonal se
habían vuelto demasiado oscuras; en el peor de los casos, se estaban acercando a una uniformidad que
proporcionan pocas guías para la composición o la escucha. A principios del siglo XX compositores
como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev, Carl Ruggles, Igor
Stravinsky y Edgard Varèse, escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente, como
atonal. Aleksandr Skriabin realizó un particular estilo de impresionismo y atonalidad, basando obras
como Mysterium, Poema del éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en un acorde por cuartas y tritonos llamado
"acorde místico", muy alejado de los habituales acordes de tríada formados por intervalos de tercera.
• La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como
"atonalidad libre" o "cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la
armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este periodo son la
ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold
Schoenberg. El primer período de piezas libremente atonales de Schoenberg (de
1908 a 1923), tienen a menudo como un elemento integrador a una célula interválica
que, además de la expansión se puede transformar en una fila de tonos, y en el que
las notas individuales pueden "funcionar como elementos fundamentales, para
permitir la superposición de estados de una célula básica o la interconexión de dos
o más células básicas". Otros compositores en Estados Unidos como Charles
Ives, Henry Cowell y más adelante George Antheil, produjeron música impactante
para la audiencia de la época por su desprecio de las convenciones musicales.
Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad,
extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable. Charles
Seeger enunció el concepto de contrapunto disonante, una técnica usada por Carl
Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.