“El Arte, alimento del alma y fortaleza del

espíritu”.
EDUCACIÓN ARTÍSTICA
Introducción:
Educar, es favorecer el desarrollo de los valores personales. El
educador no debe influir para nada en el niño, sino respetar los
valores personales de éste. Cuando pinta un niño es capaz de dar
forma concreta a sus emociones, de entrar en contacto con el
mundo, este puede ser un medio educativo si se le pone en
condiciones determinadas. El padre y el maestro tienen que respetar
las creaciones del niño; una incomprensión, un desprecio, pueden
ser fatales y ocasionar graves perturbaciones en el tierno infante.
Educar no es influir, pero tampoco es dejar de hacer, es obrar. Al niño, la creación
artística se le presenta como el fin de su contacto con el adulto; pero para éste ha de ser
ante todo un medio, un medio educativo.
 Consecuencia de la necesidad natural de expresión es la
práctica del arte. La expresión libre y espontánea de sus
primeros días evolucionará en el niño hacia una forma
voluntaria y reflexiva.La práctica del arte permite al niño
adquirir confianza de sus posibilidades acerca de este medio
de expresión; y como medio de expresión personal (en el niño)
requiere de máximo respeto por parte del educador.
En la “Clase de dibujo”, el maestro procuraba atiborrar al niño con una serie de
“nociones técnicas…”; mientras que en la “Educación artística” se procura que el
niño se manifieste espontáneamente. No es pues una enseñanza dada por el
adulto al niño, pero si el despertar de facultades que están en este último en
estado latente (por este medio se satisface en él la necesidad de dar expansión a
uno de sus dos medios de expresión, el dibujo).
Hay que educar al niño por el arte, pero no equivocarse: EL ARTE NO DEBE ENTRAR
EN EL NIÑO, DEBE SALIR DE ÉL.
 No es por la contemplación de las obras maestras del arte
que debemos realizar “la educación artística”, sino por las
“creaciones libres” del niño en condiciones propicias.
La eficacia de un método no estriba en el número de
conocimientos que imparte, sino en los resultados que de él
derivan.
No es por la contemplación de las obras maestras del arte que debemos realizar “la
educación artística”, sino por las “creaciones libres” del niño en condiciones propicias.
La eficacia de un método no estriba en el número de conocimientos que imparte, sino
en los resultados que de él derivan.
La enseñanza prematura de la técnica, la copia de modelos expone a la niñez a perder
este medio de expresión tan útil a ella. Es en el dibujo y por el dibujo que aparecen en
el niño los primeros impulsos creadores. Este espíritu creador es el que libera al niño
de los complejos de inferioridad tan perjudiciales a la infancia.
La creación artística del niño no sólo puede servir como medio de expresión, sino
también:
a) El dibujo y la pintura pueden servir como medios de investigación.
b) Tiene un valor funcional, reemplaza transitoriamente al lenguaje hablado…
c) La creación artística puede ser un medio de curación en sí…
 El mundo plástico del niño
…el “mundo plástico” del niño es distinto al del adulto. A cada
ciclo corresponde, en el niño, un “mundo plástico” diferente. El
“mundo plástico” de cada niño es propio y peculiar de él, es
constitutivo de su personalidad.
El educador debe saber leer en un “cuadro”; debe conocer sus diversos elementos y
no equivocarse, no debe confundir una flor con un árbol, una casa con un barco.
Debe conocer los diversos elementos, más no debe interpretar el cuadro. En esto se
distingue del psicoanalista y del grafólogo. El oficio del educador y el de éstos son en
cierto modo,complementarios. Gracias al educador “nace el cuadro” pero si éste es
un “mundo explorable”, no es él, el explorador.
Algunos maestros creen, reaccionando contra los métodos antiguos que basta
proporcionar material al niño y decirle: “Haz lo que quieras”.
El niño crea muy difícilmente solo; tiene necesidad del ambiente del grupo o del
taller y sobre todo de la presencia de un maestro que lo ame, lo comprenda y lo
anime. Por preguntas más que por consejos, animando y no criticando, respetando y
no imponiéndose, el maestro desempeña ante sus alumnos el papel de confidente,
guía y consejero técnico.
El educador es quien hace “nacer el cuadro” y no obstante no debe influir o
sugestionar al niño. Su presencia es indispensable, pero debe ser lo que el niño
espera de ella.
 El “mundo infantil” se nos manifestará, cada vez más, a medida que
practiquemos la educación artística. Reconoceremos pronto el estilo
peculiar de cada niño, e igualmente sabremos apreciar toda
ingerencia extraña, como modelos, sugerencias, influjo del adulto…
en las auténticas creaciones infantiles.
El niño acostumbrado a la copia pierde poco a poco su espíritu creador.
El niño se deja influenciar por el ambiente, por los demás compañeros…; pero que un
niño influya sobre otro la cosa no perjudica, más que el educador lo haga, sí.
El educador no debe influir más que indirectamente en las creaciones infantiles.
Ejemplo: el niño dibuja una casa sin puerta. Después de varios contactos entre educador
y educando y cuando éste ha cobrado ya plena confianza en aquel; el educador puede
preguntarle: “¿Cómo se entra a tu casa?”, y deja al niño resolver su problema.
Si el niño agrega la puerta, No es un detalle más que añade a su
dibujo, sino un conocimiento más que adquiere, el conocimiento del
“espacio vacío”. Si el niño no dibuja la puerta, es que este proceso no
se llevó a cabo. Claro que nada ganaríamos con que el niño dibujara
la puerta como un elemento más en su dibujo sin ese proceso
mental.
Es de toda evidencia que si el niño, en sus primeros dibujos, “saca” de sí mismo lo que
representa, lo que “saca” debe antes haberle “entrado”. El niño que pinta se hace
observador para poder pintar y así resolver “los problemas” que la pintura le plantea.
La función del educador es fundamental, pues a él corresponde el despertar de la
imaginación del niño mediante sus preguntas, el librarlo de sus prejuicios y de su timidez,
de protegerlo contra los otros y el enseñarle a superarse por sí mismo.
En la “educación artística” no debe haber notas, premios, clasificaciones, puntos y sobre
todo concursos; pues la evoluciónde cada niño es distinta y libre, y con ello
presionaríamos a los no favorecidos a “copiar” de los agraciados.
DIBUJO
Es un arte visual en el que se utilizan varios medios para representar
algo en un medio bidimensional o tridimensional . Los materiales más
comunes son los lápices de grafito, la pluma estilográfica, crayones,
carbón, etc.
Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es
la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se
usa la mano para realizarlo.
Los materiales que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se
puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento,
pero actualmente se usa la computadora utilizando un lapicero óptico (También conocido
como Tabla o Tableta digitalizadora.) o un ratón de ordenador.
Nos valemos del dibujo para representar lo que tenemos en la mente y que no podemos
expresar detalladamente con palabras.
Podría afirmarse que el dibujo es el lenguaje universal porque sin mediar palabras,
podemos transmitir ideas que todos entiendan de modo gráfico.
Hay dibujos que son reconocidos casi universalmente a los que se llama íconos.
Ejemplos de éstos son las señalizaciones que prohíben fumar, los signos que diferencían
los géneros y muchas señales de peligro o advertencias en las que se utiliza el lenguaje
gráfico como un modo más directo y eficiente de entregar el mensaje.
El dibujo es el lenguaje del que proyecta, con él se hace entender
universalmente, ya con representaciones puramente geométricas
destinadas a personas competentes, ya con perspectivas para los
profanos. También se puede decir en otras palabras que es una
representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño
propuesto para construcción posterior.
Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen
ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.El dibujo es
una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las
artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la
humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.
El dibujo es una forma de expresión visual a través de imágenes, es una de las mayores
formas de las artes visuales.La palabra dibujo puede derivarse tanto en un verbo como
en un sustantivo:
Dibujar (verbo) que significa “Delinear en una superficie, y sombrear imitando la figura
de un cuerpoDibujo (sustantivo) que significa “Delineación, figura o imagen ejecutada
en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.”
Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por los seres
racionales para transmitir sus ideas, proyectos y en un sentido más amplio su cultura.
Dibujar y pintar no es lo mismo. Las técnicas de “pintar” y “dibujar” pueden ser
confundidas, porque las herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las
operaciones son distintas, “pintar” incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente
aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es
la delineación en una superficie que generalmente es el papel.
El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El
dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la
observación, solución de problemas y composición. En contraste, la
pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del
dibujo mediante la inserción de pigmentos. Es justo señalar que los
pintores modernos también incorporan el dibujo en su trabajo.

El proceso de dibujo se aprende y se perfecciona con el tiempo. Esa evolución a base de

práctica proporciona al artista un estilo propio y personal.
No obstante, se tiene que conocer unas leyes o principios básicos aptos para poder
empezar a caminar. Sin estas nociones empezaremos con un camino muy pedregoso.
Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para
transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.
En palabras de Freinet, “diría exactamente que el niño dibuja para aprender a dibujar, es
decir, a copiar exactamente un modelo o realizar un croquis acotado, y que el dibujo
profundiza la observación y cultiva el sentido del gusto”.
 Materiales de dibujo son todos los objetos que se emplean
para realizar un dibujo, como el papel (que es el soporte), y el
lápiz (que es el instrumento).
Entre los instrumentos de dibujo, el más común es el lápiz, y
hay una gran variedad, dependiendo de la dureza de su grafo
(blandos y duros) y de la presentación que puede ser un lápiz
común, o un lápiz mecánico.
La dureza del grafo está indicada por un número y una letra. La letra nos indica
si es duro (H), o blando (B), y el número nos da el grado de dureza que tienen
respectivamente, y comienza en “2”, pues el uno se indica con la letra sola, por
ejemplo: el lápiz más duro es el 2H, uno intermedio es el HB, que no es ni
blando ni duro, el más blando es el 7B, los pinceles que deben ser de todos los
tamaños por comodidad.
Otros instrumentos son la pluma , el carboncillo,, el pastel
(puede ser de tiza o al óleo), el crayón (es un color graso), la
acuarela, los vinilos y el óleo . También están las gomas de
borrar, que vienen en diversas formas y para distintos usos,
lápiz, tinta, tinta china. Los afilalápices son muy importantes,
pues de su calidad depende el buen filo del lápiz, y de este la
calidad del dibujo.
Los soportes: el más común es el papel, y puede ser de muchas clases. Los papeles se
clasifican por su peso, grano, material.

El peso determina el grosor del papel, un papel liviano

sirve para dibujo a lápiz, pero si es muy fino, no sirve para
pintar, para acuarelar es necesario un papel grueso. El
grano determina el tipo de superficie del papel, los de
grano fino son lisos y brillantes, los de grano grueso son
ásperos, ideales para el dibujo a mano alzada y el lápiz. El
material puede ser celulosa pura, o con diferentes mezclas
de otros materiales, como la tela, empleado para
acuarelar.

También puede usarse el cartón como soporte, u otros

materiales en los que se pueda emplear el instrumento que
elegimos para dibujar. El cartón (paja), el lienzo y el bastidor (
en cartón o madera).
 ELEMENTOS PRIMARIOS DEL DIBUJO
El punto.
El punto es la unidad mínima de información visual, y está caracterizado por su forma,
tamaño, color y ubicación.
El punto es un objeto geométrico que no tiene dimensión y que se utiliza para indicar una
ubicación.
El punto, en geometría, es uno de los entes fundamentales, junto con la recta y el plano.
El punto describe una posición en el espacio.
A los puntos se les suele nombrar con una letra mayúscula: A, B, C, etc.
Algunas conceptos relacionados con los puntos
*Dos puntos determinan una recta y sólo una.
*Tres puntos no alineados determinan un plano y sólo uno.
La Línea
Es una sucesión contínua de puntos.
Es la distancia más corta entre dos puntos.
Una línea no tiene ancho ni espesor, pero si longitud.
Representa la forma de exoresión más sencilla y pura, pero también puede ser dinámica y
variada.
Cada línea tiene dos sentidos y una dirección.
Clases de líneas:
*Un segmento–, es un fragmento de recta que está comprendido entre dos puntos.
*Línea recta, sucesión continua de puntos tiende a ser infinita en ambos sentidos y
direcciones.
*Rectas — cuando todos los puntos se encuentran alineados en una misma dirección.
*Línea curva, de formas redondeadas, con uno o varios centros de curvatura.
*Línea quebrada o poligonal, formada por segmento rectos consecutivos no alineados,
presentando puntos angulosos.
*Línea curva abierta, si no están unidos los extremos.
*Línea curva cerrada, si están unidos los extremos ( por ejemplo: círculo)
*Línea mixta, una combinación de las anteriores.
 Ejemplos

LÍNEA RECTA
Así, dados dos puntos A y B, se le llama segmento AB a la intersección de la
semirrecta de origen A que contiene al punto B, y la semirrecta de origen B que
contiene al punto A. Luego, los puntos A y B se denominan extremos del
segmento, y los puntos de la recta a la que pertenece el segmento (recta sostén),
serán interiores o exteriores al segmento según pertenezcan o no a este.
CLASES DE RECTAS EN UN PLANO
Dos rectas o más pueden encontrarse entre sí en distintas posiciones posibles:
PARALELAS: dos rectas ubicadas en el mismo plano se denominan paralelas cuando todos
los puntos de ambas se encuentran a la misma distancia.

DIVERGENTES: dos rectas ubicadas en el mismo plano se denominan divergentes — cuando

los puntos de ambas van aumentando su distancia.

CONVERGENTES: dos rectas ubicadas en el mismo plano se denominan convergentes —

cuando los puntos de ambas van disminuyendo su distancia; y eventualmente ambas rectas
se cruzan en un punto.
Las rectas convergentes, pueden ser:
Perpendiculares — cuando dividen el plano en cuatro partes iguales; es decir, cuando al
cruzarse ninguna resulta estar inclinada respecto de la otra.

Oblicuas — cuando se cruzan en forma inclinada entre ellas, y por lo tanto dividen el
plano en cuatro sectores de los cuales dos son iguales, pero distintos de los otros dos que
a su vez son iguales entre sí.

Líneas curvas.
Las líneas curvas son, en sentido general, todas las que no son rectas; pero en geometría
las líneas curvas tienen de todos modos alguna regularidad en su desarrollo, de manera
que evolucionan en cierta continuidad.
Clases de líneas curvas regulares.
Las líneas curvas regulares pueden clasificarse de conformidad con el factor que
constituye la determinante de su forma, que en algunos casos resulta bastante
complejo.
La circunferencia — es una curva regular cerrada, que se caracteriza porque todos sus
puntos están a igual distancia de un mismo punto, llamado centro. Por consiguiente,
todos los segmentos determinados por la unión del centro con cualquiera de los puntos
de la circunferencia son iguales.

La elipse — es una curva regular cerrada, que se caracteriza porque la suma de la

distancia de cada uno de sus puntos respecto de dos puntos situados en su interior,
llamados focos, es siempre igual.

La espiral — es una curva regular abierta, que se caracteriza porque gira sobre sí
misma, de manera que la distancia mínima entre cada uno de los puntos de las vueltas
siguiente y anterior, es siempre igual.

La parábola — es una curva regular abierta, que se caracteriza porque cada uno de sus
puntos está a una distancia siempre igual, determinada la suma de su distancia a un
punto de una recta llamada directriz, más su distancia a un punto situado sobre la
perpendicular a la directriz, llamado foco.
PLANO.
Una idea de plano nos la sugiere la superficie de un tablero, el piso, etc. Un plano
tiene dos dimensiones, largo y ancho. Un plano tiene una extensión ilimitada. Un plano
se considera constituido por un conjunto infinito de puntos. Se denota el plano por
cuatro de sus puntos y mediante el siguiente símbolo:

DIBUJO SEGÚN SU APLICACIÓN

De acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo
se clasifica en:
Dibujo Artístico
El “Dibujo Artistico” se define como el tipo de dibujo que sirve para
expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El
artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de
acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su
entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las
personales y naturales. Pero no solo podemos referirnos a la representacion
de formas ya antes vistas sino creando nuevas imagen con significado y
mensaje propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido.
Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura
o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con
que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando
imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al
dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para
transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.
Los dibujos artísticos suelen de ser representaciones de objetos o escenas
donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas al punto
de resemblanzas de tipos de vida. Un ejemplo son los retratos, la naturaleza
o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de
perder cierta aproximación con la realidad (como la caricaturas),
relativamente alejados de la realidad (o los dibujos animados y los comics),
hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto. Los bocetos son dibujos
preparatorios para pintar, que son coloreados a lo largo del trabajo.
Dibujo Técnico
Se dice que el “Dibujo Técnico” es el lenguaje gráfico universal técnico
normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y,
su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta
clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a
través de un proceso de conocimiento y aprendizaje.
Que se subdivide en “Dibujo Técnico Especializado”, según la necesidad o aplicación los más
utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque
utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.
Dibujo a mano alzada.
El dibujo es un arte visual en la que intenta representar algo en un medio bidimensional.
Para hacer esta representación se utilizan varios medios y materiales como pueden ser los
lápices, plumas estilográficas, crayones, carbón y en superficies como por ejemplo el papel.
En el caso del dibujo a mano alzada, este es aquel que se realiza simplemente utilizando
nuestras manos y algún material para dibujar, sin utilizar ningún tipo de instrumentos
adicionales como pueden ser reglas, escuadras, etc.
El dibujo mano alzada esta enfocado hacia la parte más esencial e
inmediata del dibujo, el que se realiza simplemente con la mano,
con medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica y
carboncillos.
Existen muchos materiales para poder realizar un dibujo a mano alzada. Podemos pasar
desde pinceles, pinturas, lápices, grafitos, lápices de colores, goma de borrar, etc.
Lo que debemos tener en cuenta es que no se utilizan otros instrumentos mas que nuestra
mano. Sin reglas, escuadras ni compases.
El dibujo a mano alzada se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas
filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones, igualmente que el dibujo artístico.
El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve. El dibujo a mano alzada es todo lo
contrario del dibujo técnico.
Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales. mensaje
propia de esa imagen, paralelo con lo real o establecido.
El dibujo a mano alzada es muy utilizado. Es la parte más esencial e inmediata del dibujo,
normalmente realizados con medios muy inmediatos y cotidianos: lápiz, pluma estilográfica,
carboncillos, etc.
El dibujo a mano alzada se utiliza para realizar el croquis, el boceto y el
apunte.
Si bien todo el dibujo se realiza a mano, la particularidad del dibujo a mano
alzada, está dada precisamente, como su nombre lo indica, en que debe
realizarse con la mano alzada. Es necesario tener libertad de movimiento en
la muñeca para realizar este dibujo, para trazar las líneas, aunque en
ocasiones, se emplea un truco que consiste en apoyar la mano sobre el papel
y deslizarla a lo largo de la hoja, para conseguir líneas más rectas, evitando
que la mano tiemble.
También se conoce esta técnica como dibujo a pulso, porque no emplea ninguna
herramienta auxiliar, excepto el lápiz (o rotulador, carbón, crayón, pastel, rapidógrafo,
Mouse, etc.) y la mano.
El dibujo a mano alzada no se hace a escala, pero mantiene las proporciones, para
obtenerlas, se emplean trucos simples como tomar medidas con el brazo extendido,
ayudándonos con el lápiz, y estas medidas son trasladadas a la hoja.
Tipos de dibujo a mano alzada:
Dentro de la técnica de dibujo a mano alzada distinguimos varios tipos:
dibujo del natural, dibujo artístico, croquis, caricatura.
• Dibujo artístico: se refiere al dibujo que sirve para expresar ideas,
sentimientos, emociones. El artista dibuja las cosas no como son, sino
como las siente. Es un tipo de dibujo que requiere de un talento innato.
• Dibujo del natural: es el dibujo que copia los objetos directamente,
mediante la observación. En este tipo de dibujo, se trabaja con el
modelo en frente, no se hace de memoria, y se intenta copiar fielmente
el objeto.
• Croquis: el croquis es un tipo de dibujo rápido y eficaz, claro, preciso, sintético, captura
todos los detalles importantes, pero de una manera esbozada, sin detenerse en
pequeñeces que no aportan datos útiles.
• Caricatura: es un retrato que exagera o distorsiona la fisonomía del modelo. La técnica
usual consiste en distorsionar los rasgos más marcados de la persona, los que la distinguen.
En general se emplea con fines humorísticos, y puede resaltar rasgos que no son llamativos
en la persona, pero que se identifican con características de su personalidad.
LOS COLORES

El color es una sensación que es percibida por los órganos visuales; está producida por los
rayos luminosos y depende de su longitud de onda y de las características del órgano
receptor.
Es un fenómeno físico-químico asociado a las infinitas combinaciones de la luz, relacionado
con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que
perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación
que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión. Todo cuerpo iluminado
absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas
reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas como colores según las longitudes de
ondas correspondientes (véase: tabla de longitud de onda). El ojo humano sólo percibe el
color cuando la iluminación es abundante. Con poca luz vemos en blanco y negro.
El color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la
ausencia de color. La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro)
por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.
El ojo humano distingue unos 10.000 colores.
El círculo cromático.
El círculo cromático permite identificar las distintas familias de colores y la relación que
existe entre ellas.
Colores primarios.
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de
ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos. Tres son los colores
que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando
pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores. Si se
mezclan los tres a partes iguales, se obtiene el negro.

Los colores secundarios

Para crear los colores secundarios se mezclan dos primarios a
partes iguales.Así obtenemos el violeta (rojo y azul), el verde
(azul y amarillo) y el anaranjado (rojo y amarillo).

Colores Terciarios
Para crear los colores terciarios se mezclan dos
primarios en cantidades desiguales. Por ejemplo,
para obtener un violeta rojizo, mezcle una parte de
azul con dos partes de rojo.
Colores cálidos y frios

Se denominan colores fríos a todos los que participan o en su composición interviene el

azul y cálidos, a todos aquellos que “participan” del rojo o del amarillo.
Los colores cálidos (rojo, amarillo y anaranjados), los asociamos a la luz solar, al fuego…
de ahí su calificación de “calientes”.
Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, el hielo, la luz de la luna, el azul
y los que con el participan.
Estas cualidades que se les atribuyen a los colores es lo que se ha denominado
“Temperatura del color”.
Los colores complementarios
Son aquellos colores que, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro
en un círculo cromático.

Los colores pastel

Los colores pastel son aquellos que contienen gran cantidad de blanco. Como son muy
claros, es raro que creen contrastes discordantes con otros colores. Generan ambientes
cómodos y espaciosos en cualquier habitación.
La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores
similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que los pasteles son
pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos. De esta
manera se consiguen colores luminosos, intensos y bien saturados.
Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la
acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de
trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color
neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil
para que se pueda usar sobre otras superficies.
Los colores neutros
Los colores neutros son los distintos tonos de blanco, gris y negro.

Términos básicos *El tinte de un color es el color básico. Por ejemplo, tanto en
el azul claro como en el azul oscuro, el tinte es el azul.
*El matiz describe la densidad y el índice de reflexión del color. El matiz es muy
importante a la hora de elegir una combinación de colores.
*El valor (luminosidad) de un color es la cantidad de blanco o negro que contiene. El
valor puede ir de claro a oscuro en una escala de grises.
*La saturación de un color está relacionada con su pureza y su intensidad.
CARICATURA
Una caricatura es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia
física de una persona o varias, en ocasiones un estrato de la sociedad
reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y,
generalmente, humorístico. También puede tratarse de alegorías.

La técnica usual de la caricatura se basa en recoger los rasgos más marcados de una
persona (labios, cejas, etc.) y exagerarlos para causar comicidad o para representar un
defecto moral a través de la deformación de los rasgos.
Características:
La caricatura como género artístico suele ser un retrato, u otra
representación humorística que exagera los rasgos físicos o faciales, la
vestimenta, o bien aspectos comportamentales o los modales
característicos de un individuo, con el fin de producir un efecto
grotesco. La caricatura puede ser también el medio de ridiculizar
situaciones e instituciones políticas, sociales o religiosas, y los actos de
grupos o clases sociales.
En este caso, suele tener una intención satírica más que humorística, con el fin de alentar el
cambio político o social. La forma más común de las caricaturas políticas y sociales es la
viñeta. Si bien el término caricatura es extensible a las exageraciones por medio de la
descripción verbal, su uso queda generalmente restringido a las representaciones gráficas.
 Existen caricaturistas de muy distintas índoles, temas y estilos, ya que
la caricatura, con muy pocas palabras (en algunos casos, sin palabra
alguna) permite también hacer comentarios políticos en clave de
humor verdaderos chistes visuales, y por ello casi todos los diarios del
mundo suelen incluir una o más caricaturas en su sección de opinión,
también suelen observarse caricaturas en ciertas revistas de comic o
historietas.

La caricatura ha sido desde el comienzo de la historia un tipo de representación

exagerada de unos personajes o de unos hechos con el fin de poder trasmitir un mensaje,
una idea, la mayoría de veces sarcástica sobre una cuestión determinada.

Es por este motivo que desde siempre, el hombre recurrió a

realizar una serie de trazos bien expresivos, bien simbólicos,
pero tremendamente simples con los que trasmitir ideas por
medio de las imágenes y así llegar a un mayor número posible
de espectadores a los que convencer de tales ideas.
Podemos hablar de diferentes clases de caricatura:
a.- Caricatura infantil:

b.- La caricatura política:Es aquella cuyo tema gira en relación a cuestiones

estrictamente políticas, desde un nivel local o internacional; en la que no sólo
se representan a diversos personajes contemporáneos, sino que además
también se representan por medio de imágenes conceptuales, decisiones u
opiniones sobre política en general.
c.- La caricatura social: Es aquel tipo de caricatura en la que se refleja a una
determinada sociedad sea en plan de crítica, burla o chanza, y tiende a
representar a una serie de personajes en situaciones de la vida
contemporánea.

d.- La caricatura político-social: Hay momentos en el que es sumamente

difícil clasificar una imagen como caricatura social o política, desde el
momento en el que muchas veces representando y criticando una
determinada situación social, a la vez también se está criticando lo político
que crea esa situación por lo que la diferencia que en algunos casos se da
entre estos dos subgéneros algunas veces es inexistente.
e.- La caricatura costumbrista: Sería una escena de costumbres en la
que aparece una excesiva carga de crítica o sátira que la convierte en
una caricatura dando así lugar a una observación irónica de la
realidad. O representa un hecho cotidiano o popular.

f.- La caricatura simbólica: Este tipo de caricatura representa a un

objeto determinado que dentro de un contexto especial adquiere una
fuerte carga política o social.

g.-La caricatura festiva: Es aquel tipo de caricatura alegre y

desenfadada que sólo busca la comicidad como fin utilizando para
ello la caricatura de personajes o eventos.
h.- La caricatura fantástica: Es aquella que recurre a lo fantástico con el fin de poder
reflejar así una situación fantástica.

i.- La caricatura personal: Es aquella que se centra en los personajes contemporáneos y

en su representación caricaturesca bien sea sólo de la cara o de todo el cuerpo.
LA HISTORIETA
Una historieta es una narración realizada mediante una sucesión de imágenes dibujadas o
pintadas sobre un soporte plano y estático, normalmente papel. La integración de textos
en su seno no es necesaria y hay muchas historietas mudas, es decir, sin textos. Se llama
historieta o cómic (del inglés comic) a una serie de dibujos que constituye un relato, con
texto o sin él, así como al libro o revista que la contiene. La definición de mayor
popularidad entre los especialistas es la de Scott McCloud: «Ilustraciones yuxtapuestas y
otras imágenes en secuencia deliberada con el propósito de transmitir información u
obtener una respuesta estética del lector»Las historietas pueden estar dibujadas en papel,
o estar en forma digital (e-comic, webcomics y similares).
Muchas personas han propuesto considerar la historieta como el noveno arte.En México se
le llama historieta o cómic, en Japón le dicen “Manga”, en España es conocido como
“tebeo”, mientras que en Estados Unidos simplemente usan el ambiguo nombre de
“cómic”. Aunque estas palabras son tan diferentes, todas significan lo mismo:es un medio
de comunicación con una belleza y capacidad artística única, que ha conquistado a
generaciones de artistas, lectores y seguidores.

Porque –aunque muchos no lo crean- a través de los años, la historieta ha demostrado ser
algo más que un subgénero o un arte menor, con la capacidad de transmitirnos
sentimientos y mensajes de una forma que otros medios no podrían. La característica más
importante de la historieta es que se desarrolla en una realidad estética. Es decir, a
diferencia de la fotografía y el cine, la imagen que se maneja en la historieta no proviene de
la realidad, sino de un dibujo, el cual es una manera de plasmar e interpretar la realidad.
Gracias a esto, las formas en que se presentan las imágenes pueden ser más versátiles y
únicas entre sí. A esta particularidad del trabajo del dibujante, se le llama estilo de dibujo.
Así, el estilo puede ser muy caricaturizado (como el
que se suele usar en los cartones políticos o tiras
cómicas como Garfield) o uno muy realista; con
muchos achurados y texturas o con líneas simples y
muy definidas, que en algunos casos crean
contrastes, etc. Ahora bien, a partir del estilo de
dibujo, la historieta logra presentar una gran
cantidad de ambientes diferentes de un dibujante a
otro, de una historia a otra, de un personaje a otro.

La segunda característica que tampoco hay que dejar

de lado, es que en ocasiones el cómic tiene más
capacidad de cercanía al público, pues a diferencia
del cine o la televisión, la historieta se produce en
tiempos mucho más cortos y/o se planea como una
serie, lo que permite adaptar sucesos e inquietudes
de la sociedad en el contexto de la historia que se
está relatando.
El tercero es que, gracias a que sólo se necesita lápiz, papel, tinta y algunos utensilios de
entintado para crear historieta, en muchas ocasiones han sido plasmados temas que no
podrían haber sido abordados tan fácilmente en otros medios, por sus restricciones
económicas y políticas. Así, en lo que respecta a la historieta se pueden destruir flotas
espaciales enteras o hundir cuantas veces se desee al Titanic sin que esto cree un gasto
extra. Por eso es que el género de superhéroes sólo se ha desarrollado en la historieta,
pues en otros medios sería muy caro presentar con regularidad a un ser humano que se
columpia a través de una ciudad, o a una batalla de seres superdotados en la que se
destruyen varios edificios.
Como podemos ver, la historieta es un medio de comunicación rico en capacidades
expresivas, que de ninguna forma tiene que ser reemplazado por otros medios.
Géneros
• Ficción • Bélico
• Aventura Misterio y serie negra • Fantástico
• Romántica • Ciencia Ficción
• Historieta Policial • Terror
• Histórica • Sátira y Humor
• Del Oeste • Historieta Expresionista
COLLAGE
collage es una técnica artística que consiste en
ensamblar elementos diversos en un todo unificado.
El término se aplica sobre todo a la pintura, pero
por extensión se puede referir a cualquier otra
manifestación artística, como la música, el cine, la
literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que
significa pegar.
En pintura, un ‘Kollaje’ se puede componer
enteramente o solo en parte de fotografías, madera,
piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano,
etc El collage es una técnica artística que consiste en
ensamblar elementos diversos en un todo unificado.
…
Imagen formada al pegar otras varias sobre un
fondo común.
Un collage es un cuadro compuesto de diferentes trozos de materiales pegados sobre la
superficie, puesto que coller significa en francés pegar. Los materiales más usados suelen
ser planos, como telas, cartón, papel, fotografías, recortes de periódicos, trozos de plástico,
etc. aunque se pueden adherir al cuadro elementos más voluminosos, como prendas, cajas,
objetos metálicos… También es frecuente que el collage se combine con otras técnicas de
dibujo o pintura, como el óleo, el grabado o la acuarela.
El origen de la técnica se encuentra en los papiers collés de los cubistas, que consistían en
simples trozos de papel con un color plano, que se adherían a los cuadros para aumentar
los efectos de color absoluto. Pero el desarrollo absoluto del collage se debe a los cubistas,
siendo atribuído el primer collage de la historia a Picasso. La técnica tuvo mucho éxito entre
surrealistas y dadaistas.
El collage con papel, materiales sólidos, pintura…
El “collage” se basa esencialmente en la manipulación de diversos materiales utilizados
como materia prima tales como periódicos viejos, revistas, papeles de colores o embalaje,
fragmentos de fotos, telas, materiales sólidos, pintura acumulada etc.

Reunir los elementos elegidos y disponerlos sobre un espacio

plano y en un cierto orden es el objetivo perseguido. A través
del manejo de estos materiales se logra como resultado la
creación de una composición original e imaginativa.
El collage supone un medio de expresión cargado de libertad
que se manifiesta en las múltiples formas y procedimientos
empleados.

El “collage” por tanto resulta ser una nueva forma de expresión artística ilimitada que
permite al artista dar rienda suelta a su inspiración y a su fantasía.
Las tres formas de “COLLAGE” más utilizadas son:
- Collage con PAPEL y CARTULINA
- Collage con MATERIALES SÓLIDO
- Collage con RELIEVES de PINTURA

Los collages hechos con papeles utilizan como materiales

distintas formas imágenes Papeles mojados por la lluvia,
papeles arrugados, papeles en blanco y negro o color,
papeles pintados o decorados con lápices, carboncillos,
con colores al agua (gouache o acrílico), periódicos,
carteles, folletos, programas, boletines (la tipografía
impresa se puede convertir en parte primordial de la
obra). Los papeles son pegados con cola blanca sobre un
soporte (un cartón rígido de cierto grosor).Collage con
materiales sólidos En Francia, los collages realizados con
ayuda de materiales sólidos reciben el nombre de
“ensamblajes”.

Los materiales básicos utilizados son elementos corpóreos tales como: Unir, combinar, fijar
materiales sobre un soporte rígido y resistente que aguante un peso importante es la misión
del trabajo realizado.
Los Fragmentos de madera: Tiras, listones, molduras de marcos, madera rota quemada o
pintada agrupadas de distintas formas.
Tejidos: Telas, hilos, cordeles, cuerdas, sacos usados…etc.
Metales: Bidones, chapas de metal, clavos, tornillos… etc.
Otros objetos: Fragmentos de cosas fuera de uso, chucherías de desecho, cabezas de
muñecas, juguetes viejos, soldaditos de plomo, cucharas, tenedores, latas de
conserva…apariencia resultante del mosaico realizado con materiales sólidos puede ser
modificado con un acabado con pintura o mediante la aplicación de fuego que altere la
textura y el color de las partes hechas con madera.

Fin