Rolul lui Luigi Pirandello în dezvoltarea dramaturgiei

Activitatea originală a lui Luigi Pirandello ca dramaturg a început în

jurul anului 1916 cu primele mici acte(La Morsa, Lumìe di Sicilia, Il
dovere del medico, Cecé).Acum, în anii cincizeci, autorul renunță,
prin urmare, la opera sa anterioară de poet și narator pentru a da
viață unui lung proces de formare dramaturgică.El devine astfel una
dintre cele mai importante mărturii ale crizei grave traversate de
Italia și Europa în anii Primului Război Mondial; o criză care a
demolat nu numai certitudinile economice, ci și sociale. Pirandello
cu noul său teatru a reprezentat acest pasaj cu lucrări precum
,,Pensaci, Giacomino!”, ,,Liolà”, ,,La giara”, ,,La patente”.Anunțarea
acestui nou teatru realist poate fi considerată, totuși, actul unic, în
care autorul își anunță cea mai profundă credință, și anume că omul,
ca să coexiste într-un fel, trăiește într-un simbol al realității iluziilor.
Prima dramă majoră pe care Pirandello o creează se intitulează
,,Così è (se vi pare)”; o lucrare care preia tema realității ca pe o
iluzie. În schimb,Il berretto a sonagli, scrisă inițial în dialectul
sicilian, continuă credința că nu există adevăruri absolute și că viața
oamenilor nu are o valoare mai mare decât un joc de marionete.
Tema războiului, povara insuportabilă pentru om în perioada
postbelică, este folosită în schimb în ,,Plăcerea onestității”.O soluție
tristă la viața disperată este propusă și de protagonistul din ,,Il
giuoco delle parti”. Gala Leone concepe, de fapt, o apărare subtilă
care constă în golirea de orice pasiune, astfel încât să-și pună
sentimentele să doarmă în "jocul" înghețat al vieții. Omul se
prăbușește astfel, identitatea lui este pierdută, uneori viața lui este în
contradicție cu însăși esența lui.,,Șase personaje în căutarea unui
autor”, publicată în 1921, după o primă punere în scenă
dezamăgitoare la Roma, au avut mare succes abia mai târziu la
Milano.Din acest moment, lucrarea a fost considerată una dintre cele
mai mari capodopere ale autorului: în timp ce pe o scenă au loc
repetițiile, șase personaje respinse chiar de scriitorul care le-a creat,
sosesc și îi cer regizorului să dea viață poveștii lor.Este vorba despre
sosirea a șase personaje (Tatăl, Mama, Fiica vitregă, Fiul, Băiatul și
Fata), care izbucnesc pe scena, deja populată de actori (Capocomico,
primul actor, prima actriță, a doua femeie, tânăra actriță și tânărul
actor), care ilustrează povestea lor în cel mai bun mod posibil pentru
a o face pusă în scenă.Tatăl explică, potrivit punctului său de vedere
personal, cum trădarea soției sale cu un alt bărbat a fost cauza
sfârșitului poveștii lor de dragoste. Mama, soția Tatălui, a fost, prin
urmare, lipsită de Fiul, născut din căsătoria cu Tatăl, și mai târziu a
fost, de asemenea, lipsită de dragostea concubinului, care murind, a
părăsit femeia și cei trei copii (Fiica vitregă, Băiatul și Fetița) pe care
i-a avut. Evenimentul neplăcut a creat greutăți economice atât de
mare încât Mama a lucrat ca croitoreasă în atelierul Madamei Pace,
care ascunde o casă de întălniri în camera din spate. Aici fiica
vitregă se prostituează pentru a acorda ajutor financiar
familiei.Imediat după urmează prima întrerupere, timp în care atât
Personajele, cât și Actorii părăsesc scena pentru a colabora la
proiectul unei intrigi scrise în încercarea de a pune în scenă o
comedie.Întreruperea este urmată de prima parte a comediei, a cărei
scenă începe cu un strigăt de consternare a Mamei care evită incestul
dintre Tată și Fiica.
Scena este întreruptă din greșeală de regizorul de culise care închide
cortina, așa că se reia direct cu a doua parte a comediei.
Povestea progresează cu figura Tatălui (masca remușcării), care
jignit de condițiile de mizerie ale Mamei (masca durerii) și de
evenimentul neplăcut prezentat cu Fiica vitregă (masca de
răzbunare), decide să primească întreaga familie în casa sa.
Narațiunea se concentrează pe tăcerea Fiului (masca indignării),
sinonimă cu dezaprobarea sa, lupta continuă a mamei în încercarea
de a recupera relația acum pierdută cu Fiul și relația contrastantă
dintre Tată și Fiica Vitregă. Această situație are drept consecință cele
mai naive două figuri ale lucrării: Fetița, care se îneacă în cada din
grădină, și Băiatul, care se sinucide cu un foc de armă.
Lucrarea degradează într-o asemenea măsură încât îi sperie și îi
dezorientează pe actori, care fug imediat de pe scenă.
Întreaga piesă eliberează și insuflă spectatorilor, inclusiv Actorilor,
un sentiment de melancolie și supărare, accentuat, cu atât mai mult
în partea finală, de râsul strident al fiicei vitrege. Acest râs nu
implică o stare de spirit plină de bucurie, ci, potrivit unei evaluări
umoristice și alegorice, urmează batjocura în a cere, insistent, un
sentiment de unitate.
Această lucrare reflectă în mod clar viziunea lui Luigi Pirandello
asupra fluxului vieții: care pare să fie întotdeauna mai bună decât
orice reprezentare posibilă care, inevitabil, o contaminează cu
precaritatea și fluxul magmatic al vieții.
Mai târziu, în 1922, ,,Henric al IV-lea” a fost pus în scenă la Milano,
una dintre cele mai tragice lucrări ale teatrului pirandello în care
protagonistul, pentru a-și găsi liniștea în viață, se resemnează să o
trăiască ca o mascaradă. În 1924 Pirandello a aderat la fascism: el și-
a justificat adeziunea prin aprecierea tendinței de anarhie și ruptură
în ceea ce privește convingerile burgheze. În același an a compus
Fiecare în felul său, iar în anul următor a publicat romanul
intitulat ,,Uno, nessuno, centomila”.Aceștia sunt anii în care
Pirandello a fondat ,,La Compagnia del Teatro d'Arte di Roma”.
Cariera sa se încheie cu gustul redescoperit al lucrurilor concrete: a
compus de fapt în 1930 ,,Questa sera si recita a soggetto” și ,,I
giganti della montagna” în care va afirma, având în vedere armonia
redescoperită că "nu mai trebuie să raționăm" și "toate lucrurile care
se nasc în noi sunt pentru noi înșine o minune!".
Textele teatrale ale lui Pirandello sunt în primul rând povești
paradoxale, care reflectă o viață claustrofobă pentru a o rezolva prin
gesturi nebunești și neconvenționale, care răstoarnă realitatea și
batjocoresc gravitatea excesivă a lumii. Dacă lumea este o cușcă,
teatrul trebuie să arate momentul de rebeliune și dezordine care,
chiar și în interiorul unei închisori, poate schimba sensul lucrurilor.
Cu teatrul său Pirandello distruge convențiile, elimină bariera dintre
realitate și ficțiune, dintre autor și personaj, dintre public și actor.
De obicei, teatrul lui Pirandello este împărțit în trei faze, dar aceste
periodizări nu ar trebui să fie luate niciodată prea literal, deoarece
temele unei faze coexistă adesea cu temele alteia:
 Teatrul grotescului, reprezintă situațiile din viața de zi cu zi
care demonstrează paradoxul și contradicția sa, adâncind temele
măștii și capcana. Texte precum Il giuoco delle parti și Così è
(se vi pare) aparțin acestei faze.
 Teatrul în teatru, sau metateatrul, dezvăluie ficțiunea
reprezentării teatrale. Foarte faimoasă este trilogia teatrului în
teatru, care include Șase personaje în căutarea unui autor,
Questa sera si recita a soggetto și Ciascuno a modo suo.
 Teatrul mitului, tipic din ultimii ani, se ocupă de teme arhaice și
preferă elementul fantastic, ca în I giganti della montagna.
Aceasta este o demonstrație a cât de mult a crescut Luigi Pirandello
în timpul carierei sale dramaturgice.