Istoria artei este o știință auxiliară a istoriei, care studiază evoluția artelor vizuale, adică a acelor

produse ale activității umane destinate scopurilor estetice, deci care exprimă idei, sentimente,
emoții.
Un istoric de artă este o persoană care studiază istoria artei.
De-a lungul timpului, se înregistrează mai multe modalități de clasificare a artei, de la
distincția medievală dintre artele liberale și arte vulgare până la demarcația modernă dintre artele
frumoase și artele aplicate. La acestea se pot adăuga diverse alte clasificări, care definesc arta ca o
manifestare a creativității umane.
În rândul artelor clasice se pot
enumera: arhitectura, dansul, sculptura, muzica, pictura, literatura (care include ca genuri
literare: poezia, teatrul, arta narativă), filmul, fotografia, banda desenată. La interferența dintre arte
plastice și arte vizuale, au apărut mai nou designul și artele grafice. La acestea se adaugă noi forme
de expresie artistică precum: moda și gastronomia și noi modalități de expresie ca: video, arta
digitală, artele scenice, publicitatea, animația, televiziunea și jocurile video.
Pentru a putea realiza o examinare obiectivă a formelor artistice care aparțin diferitelor epoci, istoria
artei este un domeniu multidisciplinar, realizând o clasificare a culturilor, periodizarea acestora și
stabilirea particularităților creațiilor artistice și a influențelor reciproce.
Studiul istoriei artei este realizat în mod sistematic începând cu perioada Renașterii, când domeniul
de studiu se limita doar la civilizația Europei Occidentale. Cu timpul, aria explorată se extinde și la
celelalte continente, elaborându-se noi concepte, precum cel al sincronizării culturale și
al relativismului cultural.
Astăzi, istoria artei deține un domeniu vast, incluzând, aici, și răspândirea și conservarea operelor
de artă din întreaga istorie. Astfel, în secolul al XX-lea se produce o proliferare a instituțiilor,
fundațiilor, muzeelor și galeriilor de artă, atât ca proprietate privată, cât și în spațiul public, dedicate
analizei și catalogării fenomenelor artistice, dar și expunerii către publicul larg. De asemenea,
apariția și dezvoltarea mass-media au jucat un rol crucial în popularizarea și studiul operelor de artă.
Mari expoziții periodice, precum Whitney Biennial sau bienalele de la Veneția, São Paulo sau nu mai
puțin faimoasa Documenta de la Kassel sunt manifestări expoziționale care contribuie decisiv la
cunoașterea și afirmarea a noi stiluri și tendințe în domeniu. Distincții ca Premiul Turner (acordat
de Tate Gallery), Premiul Wolf pentru Artă, Premiul Pritzker pentru arhitectură, Premiul
Pulitzer pentru fotografie, sau Premiul Oscar pentru cinema, toate acestea nu fac decât să
promoveze cele mai bune opere creatoare la un nivel internațional. Instituții precum UNESCO, care
a întocmit acea listă de locuri din patrimoniul mondial, contribuie la conservarea celor mai valoroase
monumente de artă ale planetei.
Veneția a jucat un rol crucial în această dezvoltare. Arta venețiană își datora o mare parte din măreția sa
mai mulți factori unici: locația geopolitică a Veneției, instituțiile sale republicane, caracterul său de mare și
bogat imperiu comercial și moștenirea de la vechea civilizație bizantină. Dar, cel mai important, atmosfera
naturală a Veneției le-a învățat artiștilor una dintre lecțiile esențiale ale picturii: faptul că lumina și aerul
transformă totul vizibil, dominând stările noastre de spirit și percepțiile.

Pictura venețiană începe cu Giovanni Bellini. Nicio altă mare școală de pictură nu este într-o asemenea
măsură crearea unui om. Pe parcursul îndelungatei și productivei sale cariere, a introdus noi moduri și
ordine în pictură, surprinzând o nouă viziune care i-a captivat pe studenții săi, Giorgione și Titian și a
influențat pictura în toată Europa.

Care a fost această nouă viziune? Din atelierul lui Bellini au ieșit variante interminabile pe cele mai
populare teme religioase ale vremii: Madona și Copilul și Hristosul Răstignit. Dar aceste tablouri erau
diferite de alte opere italiene sau nordice cu aceste subiecte. Bellini era îndrăgostit de lumină și de lumea
naturală și a găsit o modalitate de a le introduce în picturile sale treptat, oferind o privire de peisaj și o
sugestie de cer în spatele figurilor sale sacre. În acest fel, el a încurajat un gust pentru aceste lucruri în
audiența sa, făcându-i dornici de inovații suplimentare.

Prin opera sa putem urmări primii pași în ceea ce trebuia să fie realizarea venețiană distinctivă:
transformarea scopului picturii din una în care gesturile, pozele și expresiile personajelor spun o poveste,
la una în care scopul este expresia unei dispoziții și în care povestea în sine devine secundară sau chiar
dispare.

Pentru a vedea acest lucru, comparați Agonia în grădină a lui Bellini cu tabloul din același titlu al
cumnatului său, Andrea Mantegna , de cinci ani mai devreme. Acesta din urmă este masiv, claustrofob,
dur, piperat și dur. Aceasta este o lume cu inimi pietroase, care trebuie rupte pentru a fi atinse.

Bellini ne oferă o imagine cu totul mai blândă, mai contemplativă. El a pus în scenă dimineața devreme (o
schimbare importantă din textul Evangheliei și din Mantegna) și a localizat-o pe dealurile din nordul
Italiei. Lumina din soarele răsărit oferă întregii imagini o strălucire, la fel naturalistă și simbolică. Acest
moment, în care umbrele nopții sunt risipite cu promisiunea unei noi zile, este atât de o parte din
experiența noastră de zi cu zi, încât ne atrage în meditație atât potrivită pentru narațiune, cât și
independentă de ea.

În acest tablou, este în principal peisajul care transmite și trezește emoția - nu pozele, expresiile și
gesturile participanților (necesare deoarece sunt un ghid pentru poveste și gama noastră de răspunsuri
emoționale). Detaliile peisajului sunt transformate de Bellini în ceva care atinge mai profund inima.

Bellini a spus că îi place să „rătăcească în voie în peisajele sale” și, cu siguranță, se așteaptă ca publicul
său să i se alăture. Nu se putea face nimic mai bun decât să rătăcească prin trei dintre capodoperele
sale. În Sfântul Francisc în deșert , suveranitatea deplină a soarelui luminează o lume a detaliilor și ne
umple cu un fel de extaz la a fi în viață. Madona Luncii, setat într-o după-amiază deosebit de strălucitoare
în toamnă, este pelucid cu simbolurile destinului amar al bebelușului. Și în lucrarea sa finală, Sărbătoarea
zeilor (completată de Titian), ne face să ne simțim acasă cu aceste ființe amorale și profane,
portretizându-le ca oameni de zi cu zi.

Giorgione și Titian, cei doi mari studenți ai lui Bellini, au continuat să le dea ideilor sale o semnificație și
mai mare.

Concepția lui Giorgione despre artă aruncă o vraja puternică și intimă generațiilor succesoare. El a
exprimat mai complet decât oricine altcineva această sinteză între păgânism și creștinism, care stă la
baza vieții noastre imaginative.

Creștinismul a negat de fapt natura, dar era inevitabil ca acele

sentimente care ne leagă de natură să găsească
expresie. Giorgione a realizat acest lucru exprimând cele mai
profunde semnalări ale sentimentului nostru față de natură,
raportând intim forma figurii umane la forma peisajului.

Dacă aruncăm o privire asupra celei mai celebre opere a lui

Giorgione, „Tempesta” [dreapta], observăm în prim plan un soldat
care stă la stânga și o femeie care stă în dreapta care alăpta un
prunc. În centrul scenei se află ruinele, un pod peste un râu, câteva
clădiri și un oraș. Când privim în sus, vedem fulgere pe cer. Pentru
prima dată în pictura occidentală, peisajul în sine este centrul
picturii, iar povestea este irelevantă.

Giorgione și Titian erau oameni ai lumii, confortabili cu plăcere,

bogați și urbani. The Rape of Europe din Titian este un exemplu clasic al acestei lumi, așa cum sunt
portretele sale magnifice ale papiilor și prinților - figuri mari ale vremii lor făcute nemuritoare prin magia lui
Titian. Într-un anumit sens acești artiști au rezolvat dihotomia dintre creștinism și păgânism, negând că
există una. În tablourile lor, religia și-a găsit un loc, dar senzualitatea nu a fost respinsă.

Bellini și școala venețiană reprezenta fericirea și libertatea Renașterii, nu măreția lui intelectuală
(Leonardo, Michelangelo, Rafael) sau de Nord Sturm und Drang(Grünewald, Dürer, Hugo van der
Goes). Artiștii venețieni au demonstrat că pictura este deosebit de potrivită pentru a face aparițiile
lucrurilor cu o strălucire de lumină și bogăția de culoare care satisface nevoia noastră inalienabilă de viață
și plăcere. Și, făcând acest lucru, au indicat calea tuturor marilor artiști care au urmat.

La fel ca în Florența, Veneția a fost o republică în timpul Renașterii . De fapt,

Veneția a fost un imperiu care a controlat pământul în ceea ce este Italia
modernă în zilele noastre, o mulțime de coaste de mare în largul insulei Adriatice
și nenumărate insule. S-a bucurat de un climat politic stabil și de o economie
comercială înfloritoare, ambele supraviețuind focarelor morții negre și căderii
Constantinopolului (un partener comercial important). Veneția a fost, de fapt,
atât de prosperă și sănătoasă, încât a fost nevoie de cineva numit Napoleon
pentru a-și dezgropa statutul de imperiu ... dar, asta a fost ceva timp după ce
Renașterea a dispărut și nu a avut nicio legătură cu arta.

O economie care susține arta și artiștii

Partea importantă este că Veneția (din nou, ca Florența) a avut economia pentru
a sprijini arta și artiștii și a făcut acest lucru într-un mod mare. Ca un port
comercial important, Veneția a putut găsi piețe gata pentru orice artă decorativă
artizanii venețieni ar putea produce. Întreaga Republică se înghesuia cu
ceramisti, lucrători din sticlă, prelucrători de lemn, producători de dantele și
sculptori (pe lângă pictori), toți făcând livrări complet satisfăcătoare.

Comunitățile de stat și religioase din Veneția au sponsorizat cantități masive de

construcție și decorare, ca să nu mai vorbim de statuar public. Multe reședințe
private (palate, într-adevăr) trebuiau să aibă fațade grandioase pe cel puțin două
laturi, deoarece acestea pot fi văzute atât din apă, cât și de pe uscat. Până în zilele
noastre, Veneția este unul dintre cele mai frumoase orașe de pe Pământ din cauza
acestei campanii de construire.

Scuola (Școli)
Breslele artizanale - cioplitori din lemn, cioplitori de piatră, pictori etc. - au
contribuit la asigurarea compensării corespunzătoare a artiștilor și
meșterilor. Când vorbim de „Școala” de pictură venețiană, nu este doar o frază
descriptivă la îndemână. Există școli reale („Scuola”) și erau foarte selective cu
privire la cine putea (sau nu) să aparțină fiecăreia. Colectiv, au păzit piața de artă
venețiană cu zel, până la punctul că nu a cumpărat tablouri produse în afara
școlilor. Pur și simplu nu a fost făcut.
Locația geografică a Veneției a făcut-o mai puțin sensibilă la influențele
exterioare - un alt factor care a contribuit la stilul său artistic unic. Ceva despre
lumina din Veneția, de asemenea, a făcut diferența. Aceasta este o variabilă
intangibilă, sigur, dar a avut un impact enorm.

Din toate aceste motive, în perioada Renașterii Veneția a dat naștere unei școli
distincte de pictură.

Caracteristicile cheie ale școlii venețiene

Cuvântul principal aici este „lumină”. Cu patru sute de ani înainte de
impresionism, pictorii venețieni erau interesați cu interes de relația dintre lumină
și culoare. Toate pânzele lor explorează clar această interacțiune.

În plus, pictorii venețieni au avut o metodă distinctă de periaj. Este destul de

netedă și creează o textură de suprafață catifelată.

Se pare, de asemenea, că izolarea geografică a Veneției a permis o atitudine

oarecum relaxată față de subiect. O mare parte din pictură a tratat teme
religioase; nu era nici o ocolire. Anumiți patroni venețieni înstăriți au creat totuși
o piață destul de mare pentru ceea ce numim scene „Venus”.

Școala venețiană a avut o scurtă interacțiune cu manierismul , dar mai ales a

rezistat înfățișarea corpurilor contorsionate și a emoției torturatoare pentru care
se cunoaște manierismul. În schimb, manierismul venețian s-a bazat pe lumină și
culoare pictate viu pentru a-și realiza drama.

Veneția, mai mult decât orice altă locație, a ajutat la popularizarea picturii în

ulei ca mediu. După cum știți, orașul este construit pe o lagună care creează un
factor de umiditate încorporat. Pictorii venețieni aveau nevoie de ceva
durabil! Școala venețiană nu este cunoscută însă pentru frescele sale.

Când a luat naștere Școala venețiană?

Școala venețiană a luat naștere la mijlocul secolului XV. Pionierii Școlii Venetiene
au fost familiile Bellini și Vivarini (descendenții acestor minunate familii de
sticlari Murano). Bellini au avut o importanță deosebită, căci ei sunt credulați că
au adus „stilul” renascentist picturii venețiene.

Artiștii importanți
Cei mai importanți artiști ai școlilor venețiene au fost familiile Bellini și Vivarini,
după cum am menționat. Au rostogolit mingea. Andrea Mantegna (1431–1506),
din Padova din apropiere, a fost, de asemenea, un membru influent al școlii
venețiene în secolul al XV-lea.

Giorgione (1477-1510) a inaugurat pictura venețiană din secolul al XVI-lea și este

pe bună dreptate cunoscută ca primul nume cu adevărat mare. El a inspirat
adepți notabili precum Titian, Tintoretto, Paolo Veronese și Lorenzo Lotto.

În plus, o mulțime de artiști celebri au călătorit la Veneția, atrași de reputația sa

și au petrecut timp în atelierele de acolo. Antonello da Messina, El Greco și chiar
Albrecht Dürer - pentru a numi doar câteva - toate studiate la Veneția în secolele
XV și XVI .

Surse și lectură ulterioară

 Humfrey, Peter. „Pictura în Renașterea Veneției”. New Haven CT: Yale
University Press, 1995.
 Murray, Linda. „Înalta Renaștere și manierism: Italia, Nordul și Spania
1500–1600”. Londra: Thames și Hudson, 1977. 
 Tafuri, Manfredo. „Veneția și Renașterea”. Trans., Levine, Jessica. Presa
MIT, 1995.