Pablo Picasso

25 octombrie 1881-8 aprilie 1973

Viața artistului

Realizat:Ceburciu Iana,303 DI
Verificat:Ursachi Rodica
Pablo Picasso, integral se numea Pablo Diego José
Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín
Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad
Ruiz Picasso, numit și (înainte de 1901) Pablo Ruiz sau
Pablo Ruiz Picasso, (născut la 25 octombrie 1881,
Málaga, Spania - a murit în aprilie 8, 1973, Mougins,
Franța), pictor spaniol, sculptor, tipograf, ceramist și
scenograf, unul dintre cei mai mari și mai influenți artiști
ai secolului XX și creatorul (împreună cu Georges
Braque) al cubismului.
 Nașterea
• S-a născut mort - sau cel puțin așa au decis toți. Copilul, născut de
Dona Maria Picasso de Ruiz la 25 octombrie 1881 la ora 23:15, nu a
dat semne de viață. Abandonând încercările zadarnice de a-l
reînvia, moașa a avut grijă de Dona Maria. Don José Ruiz, soțul
doamnei Maria, la fel ca restul rudelor care se adunaseră să se uite
la copil, îl considera născut mort. Doar Don Salvador, fratele mai
mic al lui José, un renumit medic priceput, avea o altă părere. S-a
aplecat asupra copilului și a expirat fumul din trabuc chiar în nări și
a avut un efect pe care moașa nu l-a putut realiza. Așadar, cu o
grimasă și un strigăt de indignare, a venit în această lume primul
născut din familia Ruiz, care mai târziu a fost numit Pablo.
 Portret realizat de
Pablo Picasso

Dona Maria Picasso ,mama artistului.

• ... mai târziu, în mijlocul tuturor acestor nenorociri - după cum își amintea
Pablo, s-a născut Lola. Pentru un băiat obișnuit cu atenția generală, a fost un
atac cu adevărat teribil. La vârsta de patru ani, a început să cioplească flori,
animale și creaturi bizare din hârtie și să le proiecteze pe perete, ca în teatrul
de umbre chinezesc. Odată ce a decupat chiar din hârtie un portret al unui
tânăr în care era îndrăgostită mătușa sa Eliodora și l-a proiectat pe perete,
ceea ce a făcut ca toată gospodăria, care se presupune că nu știa despre
secret, să izbucnească în râs, cu excepția Eliodorei - ea, desigur, roșea de la
ureche la ureche. Uneori Pablo a desenat animale cu un creion. Primul cuvânt
pe care l-a rostit a fost pis - scurt pentru lapis, creion. Pis, pis! - a cerut de la
mama sa, iar ea ia dat ceva de desenat.
• Ca orice magician, avea nevoie de un public, iar tinerii săi veri Concha
și Maria au fost primii care au asistat la lucrurile uimitoare pe care
Pablo le-a făcut literalmente din nimic. Faceți-o pe Dona Tola
Calderon's Newfoundland! - au cerut, sau: - Sculptați pentru noi
cocoșul, pe care mătușa Matilda l-a trimis de la Alauriniejo! Si acum?
el a intrebat. - De unde începem? Maria a cerut tot timpul să
înfățișeze măgari, uneori a cerut să înceapă să deseneze din spate,
alteori din picioare, alteori din urechi. Și oriunde a început, indiferent
dacă a mânuit o foarfecă sau un creion, s-a încheiat întotdeauna cu
faptul că animalul care i-a fost cerut a apărut magic.
 Școala
• Școala a fost întotdeauna o pedeapsă pentru Pablo. Băiatul neliniștit ura să
respecte regulile și de cele mai multe ori nu. În orice moment putea să se
ridice și să bată la fereastră, în speranța că unchiul său Antonio, căsătorit cu
una dintre surorile tatălui său, îl va vedea - locuia în casa de vizavi. Adesea
venea să-și ajute nepotul și să-și risipească plictiseala cu o plimbare. Dar a
venit doar după o oră, la cererea lui Pablo însuși - i s-a părut că odată ce unul
este cel mai mic număr, atunci nu ar trebui să treacă mult să aștepte o oră.
Nerăbdătorul Pablo nu a înțeles de ce o oră durează atât de mult - pentru
totdeauna. A primit ceea ce a cerut, dar nu ceea ce a vrut.
• Răzvrătirea lui mergea mână în mână cu cea mai profundă frică de singurătate.
De când Lola l-a alungat din centrul universului mamei lor, Pablo a încercat cu
disperare să fie aproape de tatăl său și să-l venereze profund. Îi plăcea să-l
vadă desenând ...
• […] Lui Pablo i-a fost frică teribil de a fi singur la școală, iar lecțiile l-au plictisit. De obicei,
avea suficientă perseverență și viclenie pentru a-și atinge scopul, dar când nu a reușit să
influențeze adulții, voința sa s-a întors împotriva sa și s-a îmbolnăvit - uneori a fost o
ușoară indispoziție, suficientă, totuși, pentru ca mama lui să-l lase pe o zi acasă și,
uneori, o boală gravă. A petrecut mult timp în pat cu o infecție la rinichi, motiv pentru
care părinții lui au făcut noi concesii atunci când băiatul plin de viață și-a revenit în cele
din urmă și s-a întors la școală. Acum o servitoare a fost trimisă cu el să țină porumbelul
în timp ce Pablo îl desenează; iar când s-au permis fondurile, au invitat profesorii acasă.
La școală, toată atenția i-a fost absorbită de ceas: el a urmărit constant mâinile, de parcă
printr-un efort de voință le-ar putea face să se miște mai repede - cu una după-amiază,
când tatăl său a venit după el.
• [...] Cauza problemelor lui Pablo, cel mai probabil, a fost dislexia (dificultăți în stăpânirea
cititului și scrisului - aprox. IL Vikentiev), dar, desigur, nu știau nimic despre asta atunci,
iar comportamentul său s-a speriat și a fost confuz. Ce ar trebui sa facem? se întrebau
rudele sale. - Atunci va învăța, băiatul nu este prost. Într-o zi, totul îi va fi clar de la sine.
Dar școala a continuat să fie un coșmar pentru Pablo, iar cititul și scrisul - ghicitori de
neînțeles. Fără să facă nici un efort, s-a îmbunătățit rapid în desen, ceea ce a distras
atenția părinților săi de la dificultățile studiilor sale.
• Chiar și pedepsele i-au adus bucurie: pentru un comportament prost, elevii au
fost trimiși în „chilii” - camere cu pereți și bănci văruite. Îmi plăcea să fiu
acolo: am luat cu mine un pachet de hârtie și am desenat fără oprire.
Pedepsele au fost o adevărată sărbătoare pentru mine și chiar am dat în mod
deliberat probleme, astfel încât profesorii să mă închidă acolo. Nimeni nu m-a
atins, iar eu am pictat, pictat, pictat ...
 Adolescența
• Pablo Picasso era fiul lui José Ruiz Blasco, profesor de desen, și al lui Maria Picasso López.
Abilitatea sa neobișnuită pentru desen a început să se manifeste devreme, în jurul vârstei
de 10 ani, când a devenit elevul tatălui său în A Coruña, unde familia s-a mutat în 1891. Din
acel moment abilitatea sa de a experimenta ceea ce a învățat și de a dezvolta noi expresii
mijloacele i-au permis rapid să depășească abilitățile tatălui său. În A Coruña, tatăl său și-a
mutat ambițiile către cele ale fiului său, oferindu-i modele și sprijin pentru prima sa
expoziție la 13 ani.
• Don José a decis că este timpul ca fiul său să ia în serios arta și a scris o petiție către
directorul școlii de arte plastice: Don José Ruiz Blasco, cetățean al acestui oraș, vă cere să
acceptați cu blândețe pe fiul său, Pablo Ruiz, ca student al venerabilei dvs. școli. În petiție, el
și-a folosit numele complet - numele de familie ale tatălui și ale mamei sale, așa cum se
obișnuiește în Spania, dar Pablo a fost numit doar după numele tatălui său. Petiția a fost
aprobată, iar Pablo a fost înscris la clasa tatălui său în pictura decorativă. Don Jose a
continuat să combine două roluri - tată și profesor și, înainte ca tatăl său să creadă în cele
din urmă în el, profesorul a înțeles că are un elev neobișnuit de talentat. Pablo a respectat
regulile academice stricte ale școlii: a copiat piese din ipsos, a învățat să deseneze figuri, a
făcut schițe cu piciorul drept, mâna stângă, coapsa dreaptă cu cărbune.
• Familia s-a mutat la Barcelona în toamna anului 1895, iar Pablo a intrat în
academia locală de artă (La Llotja), unde tatăl său își ocupase ultimul post de
profesor de desen. Familia spera că fiul lor va avea succes ca pictor
academic, iar în 1897 eventuala lui faimă în Spania părea asigurată; în acel
an, pictura sa Știință și caritate, pentru care tatăl său a modelat pentru
doctor, a primit o mențiune de onoare la Madrid la Expoziția de Arte
Frumoase.
• În 1895, s-a confruntat cu încă două mistere: puterea secretă și moartea
secretă. La 10 ianuarie, sora lui Conchita, în vârstă de opt ani, a murit de
difterie.
• În fața ochilor lui Pablo, ea s-a transformat dintr-o fată zâmbitoare cu
bucle blond-deschis, pe care a pictat-o ​cu atâta tandrețe, într-o fantomă -
așa a pictat-o ​cu puțin timp înainte ca moartea să o răpească. A urmărit de
câte ori - dar în zadar - a venit doctorul Ramon Perez Costalez, un prieten
al tatălui său și implacabil republican, și părinții care au luptat pentru
salvarea surorii sale. Spre uimirea sa, Crăciunul și Boboteaza au fost
sărbătorite în acel an ca de obicei, iar părinții au dat cadouri tuturor
copiilor, salvându-l pe Conchita de la realizarea morții iminente. În
disperare, Pablo a făcut un pact teribil cu Dumnezeu. El a jurat să-și
sacrifice darul și să nu mai ridice niciodată pensula dacă a salvat-o pe
Conchita, ceea ce s-a condamnat la chinuri și mai mari: acum a vrut
simultan că Conchita să-și revină și, în același timp, a vrut moartea ei,
pentru a nu renunța la cadou. Cu toate acestea, când a murit, Pablo a decis
că Dumnezeu era supărat și că soarta era ostilă, dar în același timp era
convins că, din cauza gândirii sale duble, Dumnezeu a ucis-o pe Conchita.
• Capitala spaniolă a fost următoarea oprire evidentă pentru tânărul artist
intenționat să obțină recunoaștere și să îndeplinească așteptările familiei.
Pablo Ruiz a plecat în mod corespunzător spre Madrid în toamna anului 1897
și a intrat în Academia Regală din San Fernando. Dar găsind prostul învățăturile
acolo, își petrecea din ce în ce mai mult timp înregistrând viața în jurul său, în
cafenele, pe străzi, în bordeluri și în Prado, unde a descoperit pictura spaniolă.
El a scris: „Muzeul picturilor este frumos. Velázquez clasa I; de la El Greco niște
capete magnifice, Murillo nu mă convinge în fiecare dintre imaginile sale. ”
Lucrările acestor artiști și ale altor artiști ar surprinde imaginația lui Picasso în
diferite momente ale lungii sale cariere. Goya, de exemplu, a fost un artist ale
cărui lucrări Picasso le-a copiat în Prado în 1898 (un portret al toreadorului
Pepe Illo și desenul pentru unul dintre Caprichos, Bien tirada está, care arată o
Celestina [procuress] verificând ciorapii unei tinere maja ). Aceleași personaje
reapar în lucrarea sa târzie - Pepe Illo într-o serie de gravuri (1957) și Celestina
ca un fel de autoportret voyeuristic, în special în seria de gravuri și gravuri
cunoscute sub numele de Suite 347 (1968).
• Picasso s-a îmbolnăvit în primăvara anului 1898 și a petrecut cea mai mare parte a
anului rămas convalescând în satul catalan Horta de Ebro în compania prietenului
său din Barcelona, Manuel Pallarès. Când Picasso s-a întors la Barcelona la începutul
anului 1899, era un om schimbat: se îngrășase; învățase să trăiască singur în câmpul
liber; vorbea catalană; și, cel mai important, luase decizia de a rupe cu pregătirea sa
de școală de artă și de a respinge planurile familiei sale pentru viitorul său. El chiar a
început să arate o preferință hotărâtă pentru numele de familie al mamei sale și de
cele mai multe ori și-a semnat lucrările P.R. Picasso; până la sfârșitul anului 1901,
renunțase cu totul la Ruiz.
• In Barcelona Picasso moved among a circle of Catalan artists and writers
whose eyes were turned toward Paris. Those were his friends at the café Els
Quatre Gats (“The Four Cats,” styled after the Chat Noir [“Black Cat”] in Paris),
where Picasso had his first Barcelona exhibition in February 1900, and they
were the subjects of more than 50 portraits (in mixed media) in the show. In
addition, there was a dark, moody “modernista” painting, Last Moments
(later painted over), showing the visit of a priest to the bedside of a dying
woman, a work that was accepted for the Spanish section of the Exposition
Universelle in Paris in that year. Eager to see his own work in place and to
experience Paris firsthand, Picasso set off in the company of his studio mate
Carles Casagemas (Portrait of Carles Casagemas [1899]) to conquer, if not
Paris, at least a corner of Montmartre.
 Descoperirea Parisului
• Una dintre principalele descoperiri artistice ale lui Picasso în acea călătorie
(octombrie-decembrie) a fost culoarea - nu culorile plictisitoare ale paletei
spaniole, negrul șalurilor femeilor spaniole sau ochii și maronii peisajului
spaniol, dar culoarea strălucitoare - culoarea al lui Vincent van Gogh, al modei
noi, al unui oraș care sărbătorește un târg mondial. Folosind cărbune,
pasteluri, acuarele și uleiuri, Picasso a înregistrat viața în capitala Franței
(Lovers in the Street [1900]). În Moulin de la Galette (1900) a adus tribut unor
artiști francezi precum Henri de Toulouse-Lautrec și elvețianul Théophile
Alexandre Steinlen, precum și compatriotul său catalan Ramon Casas.
• După doar două luni, Picasso s-a întors în Spania împreună cu Casagemas,
care devenise descurajat de o relație amoroasă eșuată. După ce a încercat
fără succes să-și amuze prietenul din Málaga, Picasso a plecat la Madrid, unde
a lucrat ca editor de artă pentru un nou jurnal, Arte Joven. Casagemas s-a
întors la Paris, a încercat să împuște femeia pe care o iubea, apoi a întors
arma asupra sa și a murit. Impactul asupra lui Picasso a fost profund: nu doar
că și-a pierdut prietenul loial și poate că a simțit sentimentul de vinovăție
pentru că l-a abandonat; mai important, câștigase experiența emoțională și
materialul care ar stimula expresivitatea puternică a operelor așa-numitei
perioade albastre. Picasso a făcut două portrete de moarte ale lui Casagemas
câteva luni mai târziu în 1901, precum și două scene funerare (Mourners and
Evocation), iar în 1903 Casagemas a apărut ca artist în enigmatica pictură La
Vie.
Casagemas,1901
Mourners and Evocation,1901
 Perioada albastră
• Între 1901 și mijlocul anului 1904, când albastrul era culoarea predominantă în
picturile sale, Picasso s-a deplasat înainte și înapoi între Barcelona și Paris,
ducând materialul pentru lucrarea sa dintr-un loc în altul. De exemplu, vizitele
sale la închisoarea pentru femei din Saint-Lazare din Paris în 1901–02, care i-
au furnizat modele gratuite și subiecte convingătoare (The Soup [1902]), s-au
reflectat în reprezentările sale ale oamenilor de pe stradă din Barcelona - orbi
sau cerșetori singuri și naufragiați în 1902–03 (Femeia ghemuită [1902]; Masa
orbului [1903]; Evreul bătrân și un băiat [1903]). Subiectul maternității
(femeilor li s-a permis să păstreze copii care alăptează cu ei la închisoare) l-a
preocupat și pe Picasso într-un moment în care acesta căuta materiale care să
exprime cel mai bine subiectele istorice de artă tradiționale în termenii
secolului XX.
The Soup [1902]
Crouching Woman [1902
Blind Man’s Meal [1903]
Old Jew and a Boy [1903]
 Mutarea la Paris și perioada Roză
• Picasso a luat în cele din urmă decizia de a se muta definitiv la Paris în
primăvara anului 1904, iar opera sa reflectă o schimbare de spirit și mai ales
un răspuns la diferite curente intelectuale și artistice. Circul călător și
saltimbanques au devenit un subiect pe care l-a împărtășit cu un nou și
important prieten, Guillaume Apollinaire. Atât pentru poet, cât și pentru
pictor, acei interpreți rătăcitori fără rădăcini (Fata care echilibrează pe o minge
[1905]; Actorul [1905]) au devenit un fel de evocare a poziției artistului în
societatea modernă. Picasso a făcut în mod specific această identificare în
Family of Saltimbanques (1905), unde își asumă rolul de Arlechin și Apollinaire
este omul puternic (potrivit prietenului lor comun, scriitorul André Salmon).
Girl Balancing on a Ball [1905]
The Actor [1905]
Family of Saltimbanques (1905
Pablo Picasso: Seated Harlequin
• Situațiile personale ale lui Picasso s-au schimbat și atunci când la sfârșitul
anului 1904 Fernande Olivier a devenit amanta sa. Prezența ei a inspirat multe
lucrări în anii premergători cubismului, în special în călătoria lor la Gosol în
1906 (Femeie cu pâini).
• Culoarea nu a venit niciodată cu ușurință lui Picasso și a revenit la o paletă
mai general spaniolă (adică monocromatică). Tonurile perioadei albastre au
fost înlocuite de la sfârșitul anului 1904 până în 1906 în așa-numita perioadă a
trandafirilor cu cele ale olăritului, ale cărnii și ale pământului însuși (Haremul
[1906]). Picasso pare să fi lucrat cu culoarea într-o încercare de a se apropia
de forma sculpturală, mai ales în 1906 (Two Nudes; La Toilette). Portretul lui
Gertrude Stein (1906) și Autoportret cu paletă (1906) arată că dezvoltarea,
precum și influența descoperirii sale a sculpturii arhaice iberice.
Gosol in 1906 (Woman with Loaves).
(The Harem [1906])
Two Nudes; La Toilette
His Portrait of Gertrude Stein (1906)
Self-Portrait with Palette (1906)
 Les Demoiselles d’Avignon
• Spre sfârșitul anului 1906 Picasso a început să lucreze la o compoziție mare care a
ajuns să fie numită Les Demoiselles d’Avignon (1907). Tratamentul său violent
asupra corpului feminin și pictura mască a fețelor (influențată de un studiu al artei
africane) au făcut ca această lucrare să fie controversată. Cu toate acestea,
lucrarea s-a bazat ferm pe tradiția istorică a artei: un interes reînnoit pentru El
Greco a contribuit la fracturarea spațiului și a gesturilor figurilor, iar compoziția
generală se datorează mult Băieților lui Paul Cézanne, precum și lui J.-A .-D.
Scenele de harem ale lui Ingres. Cu toate acestea, Demoiselles - numite mai târziu
pentru a se referi la strada Avignon din Barcelona, ​unde marinarii au găsit
bordeluri populare - a fost percepută ca un atac șocant și direct: femeile nu erau
imagini convenționale ale frumuseții, ci prostituate care au contestat însăși
tradiția din care s-au născut. . Deși avea colecționarii săi până la acea dată
(americanii Leo și Gertrude Stein și negustorul rus Sergey Shchukin) și în curând
un dealer (Daniel-Henry Kahnweiler), Picasso a ales să înfășoare pânza
Demoiselles și să o țină departe de vedere pentru mai mulți ani.
Les Demoiselles d’Avignon (1907)
• În 1908, striațiile cu influență africană și capetele de mască au fost înlocuite
de o tehnică care a încorporat elemente pe care el și noul său prieten
Georges Braque le-au găsit în opera lui Cézanne, al cărui spațiu superficial și
periajul planar caracteristic sunt evidente în special în opera lui Picasso din
1909. Natura moartă , inspirat de Cézanne, a devenit și un subiect important
pentru prima dată în cariera lui Picasso. Capetele cubiste ale lui Fernande
includ sculptura Capul unei femei (1909) și mai multe picturi legate de
aceasta, inclusiv Femeia cu pere (1909).
 Cubism

• Picasso și Braque au colaborat îndeaproape în următorii câțiva ani (1909–12) -

singura dată când Picasso a lucrat vreodată cu un alt pictor în acest mod - și au
dezvoltat ceea ce a devenit cunoscut sub numele de Cubism analitic. Picturile
cubiste timpurii au fost adesea înțelese greșit de critici și spectatori, deoarece
se credea că erau doar arta geometrică. Cu toate acestea, pictorii înșiși
credeau că prezentau un nou tip de realitate care s-a desprins de tradiția
Renașterii, în special din utilizarea perspectivei și a iluziei. De exemplu, au
arătat mai multe vizualizări ale unui obiect pe aceeași pânză pentru a
transmite mai multe informații decât ar putea fi conținute într-o singură
viziune iluzionistă limitată.
Pablo Picasso: Still Life with Chair Caning
• După cum a văzut Kahnweiler, cubismul a însemnat deschiderea formei
închise prin „re-prezentarea” formei obiectelor și a poziției lor în spațiu în loc
de imitarea lor prin mijloace iluzioniste; iar procesul analitic de fracturare a
obiectelor și a spațiului, a luminii și a umbrelor și chiar a culorii a fost
asemănat de Apollinaire cu modul în care chirurgul disecă un cadavru. Acest
tip de analiză este caracteristic operei lui Picasso începând din 1909, în special
în peisajele pe care le-a făcut într-o călătorie în Spania în acea vară (Fabrica de
la Horta de Ebro). Acestea au fost urmate în 1910 cu o serie de portrete
ermetice (Ambroise Vollard; Daniel-Henry Kahnweiler); iar în picturile sale din
1911–12 cu figuri așezate, care cântau deseori la instrumente muzicale (The
Accordionist [1911]), Picasso a fuzionat figuri, obiecte și spațiu pe un fel de
grilă. Paleta a fost din nou limitată la ocri monocromatici, maronii și gri.
Factory at Horta de Ebro
Ambroise Vollard
Daniel-Henry Kahnweiler
The Accordionist [1911]
• Nici Braque și nici Picasso nu au dorit să se deplaseze în domeniul abstracției
totale în lucrările lor cubiste, deși au acceptat implicit inconsecvențe precum
puncte de vedere diferite, axe diferite și surse de lumină diferite în aceeași
imagine. Mai mult, includerea elementelor abstracte și reprezentative pe
același plan de imagine i-a determinat pe ambii artiști să reexamineze ceea ce
semnificau elementele bidimensionale, cum ar fi inscripționarea ziarelor. Un
titlu al cântecului, „Ma Jolie”, de exemplu, ar putea indica evenimente din
afara tabloului; s-ar putea referi în mod narativ la noua amantă a lui Picasso,
Eva (Marcelle Humbert). Dar ar putea indica și elemente compoziționale din
pictură, funcția elementelor picturale plate care joacă alte planuri plane sau
motive curvilinee. Includerea literelor a produs, de asemenea, puternica
sugestie că imaginile cubiste ar putea fi citite venind din planul imaginii, mai
degrabă decât să se retragă (în perspectiva tradițională) în el. Și manipularea
cubistei a formei imaginii - de exemplu utilizarea ovalului - a redefinit
marginea lucrării într-un mod care sublinia faptul că într-o imagine cubistă
pânza oferă spațiul real.
Pablo Picasso: Still Life with Glass, Apple, Playing Card, and
Package of Tobacco
 Colajul
• Până în 1912 Picasso și Braque lipeau hârtie adevărată (papier collé) și alte materiale (colaj) pe pânzele
lor, ducând o scenă mai departe concepția cubistă a unei opere ca obiect construit autonom. Această fază
sintetică (1912–14) a văzut reintroducerea culorii, în timp ce materialele reale aveau adesea o referință
industrială (de exemplu, nisip sau tapet tipărit). Natura mortă și, ocazional, capetele erau principalele
subiecte pentru ambii artiști. Și în operele lui Picasso, multiplele referințe inerente compozițiilor sale
sintetice - curbe care se referă la chitare și, în același timp, la urechi, de exemplu - introduc un element de
joc care este caracteristic atât de mult al operei sale (Student with a Pipe [1913 ]) și conduc la sugestia că
un lucru se transformă în altul. Absinthe Glass (1914; șase versiuni), de exemplu, este parțial sculptură
(bronz turnat), parțial colaj (o strecurătoare de zahăr de argint adevărată este sudată pe partea de sus) și
parțial pictură (periile neoimpresioniste acoperă planurile vopsea albă). Dar lucrarea nu este nici
sculptură, nici colaj, nici pictură; planurile se referă la bidimensionalitate, în timp ce obiectul posedă într-
adevăr trei dimensiuni. Opera de artă planează astfel între realitate și iluzie.

• Până în 1915 viața lui Picasso se schimbase și așa, într-un anumit sens, avea direcția artei sale. La sfârșitul
acelui an, iubita sa Eva a murit, iar pictura la care lucrase în timpul bolii ei (Arlequin [1915]) mărturisește
durerea sa - un artist pe jumătate arlequin, pe jumătate pierrot, înainte ca un șevalet să țină o pânză
neterminată un fundal negru.
Student with a Pipe [1913]
Harlequin [1915]
 Paradă

• Primul Război Mondial a dispersat cercul lui Picasso; Apollinaire, Braque și alții au plecat spre front, în
timp ce majoritatea compatrioților spanioli ai lui Picasso s-au întors în patria lor neutră. Picasso a
rămas în Franța, iar din 1916 prietenia sa cu compozitorul Erik Satie l-a dus într-un nou cerc de
avangardă care a rămas activ în timpul războiului. Liderul auto-numit al acelui nucleu de talente care
frecventa Café de la Rotonde a fost tânărul poet Jean Cocteau. Ideea sa de a organiza un eveniment
teatral în timpul războiului, în colaborare cu Ballets Russes, de Serge Diaghilev, a dus la producerea
Parade, o lucrare despre un spectacol lateral de circ care a încorporat imagini ale noului secol, cum ar
fi zgârie-nori și avioane. Cocteau a mers la Satie pentru muzică și apoi la Picasso pentru decoruri și
costume. Lucrările au început în 1917 și, deși lui Picasso nu-i plăcea călătoria, a acceptat să meargă cu
Cocteau la Roma, unde s-au alăturat lui Diaghilev și coregrafului Parade, Léonide Massine. Cu acea
ocazie, Picasso și-a întâlnit viitoarea soție, Olga Khokhlova, printre dansatori.

• Parada a fost efectuată pentru prima dată în mai 1917 la Teatrul du Châtelet din Paris, unde a fost
considerată nu mai puțin decât o încercare de a submina solidaritatea culturii franceze. Satie pare să
fi fost ținta principală a abuzului (parțial datorită includerii elicelor de avion și a mașinilor de scris în
scor), în timp ce Picasso a dezarmat publicul cu contrastul dintre cortina sa scenică practic realistă și
construcțiile uimitoare cubiste sintetice purtate de personaje. , managerii spectacolului lateral, în
balet.
 Noul mediteranism
• Picturile și desenele lui Picasso ale adolescenților târzii par adesea neașteptat
de naturaliste în contrast cu lucrările cubiste care au precedat sau uneori au
coincis cu ele (Passeig de Colom [1917]). După călătoriile sale în Italia și
întoarcerea la Barcelona în 1917 (parada a avut loc acolo în noiembrie), un nou
spirit al mediteranismului s-a făcut simțit în opera sa, în special în utilizarea
formelor clasice și a tehnicilor de desen. Acest lucru a fost întărit de o privire
conștientă înapoi către J.-A.-D. Ingres (de exemplu, în desenele portretice ale lui
Picasso ale lui Max Jacob și Ambroise Vollard [1915]) și către regretatul Pierre-
Auguste Renoir. Chiar și direcția operei cubiste a lui Picasso a fost afectată.
Clarificând planurile, formele și culoarea, artistul a împărtășit picturilor sale
cubiste o expresie clasică (Saint-Raphaël naturi moarte [1919]; două versiuni
ale celor trei muzicieni [1921]).
Passeig de Colom [1917]
• Paulo, singurul copil al lui Picasso de către Olga, s-a născut în 1921. Ca
parte a noului statut al lui Picasso de iubit al socialiștilor (încurajat în
special de soția sa și Cocteau), Picasso și-a continuat colaborările cu
Baletele Ruse și a produs modele pentru Three-Cornered Hat (1919),
Pulcinella de Igor Stravinsky (1920), Cuadro Flamenco de Falla (1921)
și, împreună cu compania Soirées de Paris, baletul lui Satie Mercure
(1924). André Breton a numit desenele lui Picasso pentru acel balet
„jucării tragice pentru adulți” create în spiritul suprarealismului.
 Suprarealism

• Suprarealism
• Deși Picasso nu a devenit niciodată membru oficial al grupului, el a avut
legături intime cu cea mai importantă mișcare literară și de artă dintre cele
două războaie mondiale, suprarealismul. Unitatea suprarealistă, inclusiv
principalul său propagandist, André Breton, l-a revendicat ca fiind unul
dintre ele, iar arta lui Picasso a câștigat o nouă dimensiune din contactul cu
prietenii săi suprarealisti, în special scriitorii. Inerente în opera lui Picasso
de la Demoiselles erau multe elemente susținute de cercul oficial. Crearea
de monștri, de exemplu, ar putea fi percepută cu siguranță prin
juxtapuneri tulburătoare și contururi rupte ale figurii umane în lucrările
cubiste; Breton a indicat în mod specific ciudata Femeie într-o chemise
(1913). Mai mult decât atât, ideea de a citi un lucru pentru altul, o idee
implicită în cubismul sintetic, părea să coincidă cu imaginea onirică
susținută de suprarealiști.
• Ceea ce mișcarea suprarealistă i-a dat lui Picasso au fost subiecte noi - în special erotice -
precum și o întărire a elementelor tulburătoare deja găsite în opera sa. Numeroasele
variații ale subiectului scăldătorilor, cu formele lor în mod evident sexual și contorsionat
(seria Dinard [1929]), arată în mod clar impactul suprarealismului, iar în alte lucrări efectul
distorsiunii asupra emoțiilor spectatorului poate fi interpretat, de asemenea, ca împlinitor.
a scopurilor psihologice ale suprarealismului (desene și picturi ale Răstignirii [1930–35]).
• În anii 1930, Picasso, la fel ca mulți dintre scriitorii suprarealisti, s-a jucat adesea cu ideea
metamorfozei. De exemplu, imaginea minotaurului, monstrul mitologiei grecești -
jumătate de taur și jumătate de om - care în mod tradițional a fost văzută ca întruchiparea
luptei dintre uman și bestial, devine în opera lui Picasso nu numai o evocare a acestei idei
dar și un fel de autoportret.
• În cele din urmă, marca suprarealistă a lui Picasso și-a găsit cea mai puternică expresie în
poezie. A început să scrie poezie în 1935 și, timp de un an, din februarie 1935 până în
primăvara anului 1936, Picasso a renunțat practic la pictură. Colecții de poezii au fost
publicate în Cahiers d’Art (1935) și în La Gaceta de Arte (1936, Tenerife), iar câțiva ani mai
târziu a scris piesa suprarealistă Le Désir attrapé par la queue (1941; Dorința prinsă de
coadă).
 Sculptura

• Reputația lui Picasso ca sculptor major din secolul al XX-lea a venit

abia după moartea sa, deoarece își păstrase o mare parte din
sculptură în propria colecție. Începând cu 1928, Picasso a început să
lucreze în fier și tablă în studioul lui Julio González din Paris. Apoi, în
1930, a achiziționat castelul Boisgeloup (nord-vest de Paris), unde a
avut loc pentru studiourile de sculptură. Acolo, cu amanta sa Marie-
Thérèse Walter ca muză, Picasso a început să lucreze în 1931 pe
capete de tencuială pe scară largă. În anii 1930 a realizat și construcții
care încorporează obiecte găsite și, până la sfârșitul vieții sale, Picasso
a continuat să lucreze în sculptură într-o varietate de materiale.
 Anii 1930

• Confidențialitatea vieții sale cu Marie-Thérèse, fără pretenții, a format un

contrast cu ritmul agitat al vieții ținut de Olga și de cercul ei burghez de prieteni
ai societății. Odată ajuns în Boisgeloup, Picasso a trăit în secret cu Marie-
Thérèse (cu care a avut un copil, Maya, în 1935), iar ea a devenit subiectul
picturilor sale adesea lirice, uneori erotice, în care a combinat culoarea intensă
cu formele curgătoare (Fata Înainte de o oglindă [1932]).
• Picasso nu s-a desprins niciodată complet de femeile care își împărtășiseră
viața odată ce un nou iubit i-a ocupat atenția. Acest lucru este evident în opera
sa, în care o femeie se transformă adesea în alta; de exemplu, într-un caiet de
schițe privat (numărul 99 [1929]) desenele de portret ale lui Picasso trădează
viața sa dublă, pentru că imaginile amantei sale secrete evoluează în imagini
îngrozitoare ale lui Olgas țipând. În 1936 a început o relație cu fotograful
francez Dora Maar. Această schimbare din propria sa viață a coincis cu o
perioadă de preocupare personală cu războiul civil spaniol, care începuse în
acel an.
• Deși Picasso nu s-a mai întors niciodată în țara sa natală după o vizită în 1934,
simpatiile sale erau întotdeauna cu Spania (guvernul republican de scurtă durată
l-a numit director onorific al Prado), iar la începutul anului 1937 a produs o serie
de gravuri și acvatice (Dream și Lie of Franco) să fie vândute în sprijinul cauzei
republicane. Contribuția sa majoră, desigur, a fost pictura murală Guernica
(numită după orașul basc bombardat în 1937 de fascisti), comandată de
guvernul republican pentru pavilionul spaniol la Târgul universal din Paris din
1937. Ca o compensație, Picasso a primit un studio la Paris, pe strada des
Grands Augustins, suficient de mare pentru a găzdui pânza enormă (3,49 × 7,77
metri). Dora Maar l-a ajutat la finalizarea lucrării finale, care a fost realizată în
puțin peste trei săptămâni. Imaginile din Guernica - calul sângerat, soldatul
căzut și mamele țipătoare cu bebeluși morți (reprezentând, respectiv, corida,
războiul și femeile victime) - au fost folosite pentru a condamna distrugerea
inutilă a vieții, în timp ce, în același timp, taurul reprezenta speranța depășirii
agresorului nevăzut, fascismul.
Pablo Picasso: Guernica
 Ceramică

Ceramica lui Picasso este de obicei separată de corpul său principal de lucru și este tratată
ca fiind mai puțin importantă, deoarece la prima vedere par un exercițiu oarecum frivol în
decorarea obiectelor obișnuite. Plăcile, ulcele și vazele, realizate de meșteri la ceramica
Madoura din Vallauris, erau în mâinile lui Picasso remodelate sau vopsite, scoase, zgâriată
sau marcate cu amprente și, în cea mai mare parte, au devenit inutile. Întorcându-se la
meșteșuguri, Picasso a lucrat cu un sentiment de eliberare, experimentând jocul dintre
decor și formă (între două și trei dimensiuni) și între semnificația personală și universală.
În acea perioadă faima lui Picasso a atras din ce în ce mai mulți vizitatori, inclusiv artiști și
scriitori, dintre care unii (Hélène Parmelin, Édouard Pignon, Éluard și în special Louis
Aragon) au încurajat implicarea politică în continuare a lui Picasso. Deși a contribuit de
bunăvoie la design (porumbelul său a fost folosit pentru afișul Congresului Mondial al Păcii
de la Wrocław, Polonia, în 1949), nu a fost atât dintr-un angajament față de comuniști, cât
dintr-o simpatie sinceră și de-a lungul vieții cu orice grup de oameni reprimați. Război și
pace, două panouri începute în 1952 pentru a împodobi Templul Păcii atașat unei vechi
capele din Vallauris, reflectă optimismul personal al lui Picasso din acei ani.
Ceramica
 Istoria artei

În lucrarea sa târzie, Picasso s-a îndreptat în repetate rânduri spre istoria artei
pentru temele sale. Părea uneori obsedat de nevoia de a crea variații ale
operelor artiștilor anteriori; astfel, în numeroasele sale amprente, desene și
picturi din acea perioadă, se face referire la artiști precum Albrecht Altdorfer,
Édouard Manet, Rembrandt, Eugène Delacroix și Gustave Courbet. În mod
repetat, Picasso a realizat o serie completă de variații pentru o anumită
lucrare, cea mai faimoasă fiind probabil seria din Las Meninas din Velázquez,
formată din 58 de imagini discrete. Uneori Picasso a refăcut o lucrare specifică
pentru că s-a identificat personal cu ea. De exemplu, a fost atras de Femmes
d’Alger de la Delacroix, deoarece figura din dreapta semăna cu Jacqueline. Mai
des, el părea mișcat de provocarea de a reface în felul său problemele
complexe picturale și narative pe care artiștii mai în vârstă și le propuseseră
inițial. Într-un anumit sens, Picasso se scria în istoria artei în virtutea unei
astfel de asocieri cu un număr de predecesori.
• Există un sentiment reînnoit al jocului în opera din anii ulteriori ai lui Picasso.
A transformat decupajele de hârtie în sculpturi monumentale, iar în filmul lui
Henri-Georges Clouzot Le Mystère Picasso (1956), artistul, singura stea, se
comportă ca un prestidigitor, executând trucuri cu pensula. Și, în cele din
urmă, la fel cum s-a îndreptat către picturile unor maeștri anteriori,
refăcându-și operele în mai multe variante, tot așa s-a orientat către propria
sa lucrare anterioară, determinată de același impuls. Circul și studioul
artistului au redevenit scena personajelor sale, printre care s-a plasat deseori
portretizat ca un vechi acrobat sau rege.
 Încheiere
• Corpul enorm al operei lui Picasso rămâne, iar legenda continuă - un
tribut adus vitalității spaniolului „neliniștit” cu ochii „sumbri ...
pătrunzători” care credeau superstițios că munca îl va ține în viață.
Timp de aproape 80 din cei 91 de ani ai săi, Picasso s-a dedicat unei
producții artistice care a contribuit semnificativ și a paralelizat
întreaga dezvoltare a artei moderne din secolul al XX-lea.