UNIVERSITATEA ”OVIDIUS” CONSTANȚA

FACULTATEA DE ARTE
Educația Vizuală prin Studiul Peisajului și Figurii
Cursul: Analiza Superioara a Elementelor de Limbaj Plastic
Conf. Dr. Caruțiu Gheorghe

Goya
Masterand- Diana Cîrjaliu Meliu
EVSFP, anul I, sem.2

Născut în 1746 într-o familie din clasa de mijloc, tatăl său fiind maestru aurar,
Francisco de Goya y Lucientes a fost cel mai mic dintre cei șase copii ai
familiei.
La vârsta de treisprezece ani a intrat la Academia de desen a lui José Luzán din
Zaragoza, începand o ucenicie care a progresat lent.
A plecat pe cont propriu la Roma, unde a descoperit frescele baroce ale lui
Caravaggio și Pompeo Batoni, a căror influență avea să aibă un efect de lungă
durată asupra portretelor sale. Prin intermediul Academiei Franceze din Roma,
Goya și-a găsit de lucru și a descoperit ideile neoclasice ale lui Johann Joachim
Winckelmann, pe care începe să le transpună în practică in ” Hannibal
Cuceritorul contemplă pentru prima dată Italia din Alpi”.
În octombrie 1771, Goya s-a întors la Zaragoza, după ce a primit prima sa
comandă pentru o frescă de mari dimensiuni, finalizată în 1772, ” Adorația
numelui lui Dumnezeu”, o lucrare care a satisfăcut și a stârnit admirația
corpului însărcinat cu construcția bisericii. Imediat după aceea, a început să
picteze picturi murale pentru capela Palatului Conților de Sobradiel, cu o pictură
religioasă care a fost demolată în 1915 și ale cărei piese au fost împrăștiate,
inclusiv la Muzeul din Zaragoza. Partea care acoperea acoperișul, intitulată
Înmormântarea lui Hristos (Muzeul Lazarre Galdiano), este deosebit de
remarcabilă.
A urmat setul de picturi murale pentru o mănăstire, care relatează viața
Fecioarei de la strămoșii ei
1
Page

Între timp, la 25 iulie 1773, Goya s-a căsătorit cu Josefa Bayeu, sora a doi
pictori, Ramon și Francisco, care făceau parte din Camera Regelui. La sfârșitul
aceluiași an, datorită influenței cumnatului său Francisco, care l-a prezentat la
curte, Goya a fost numit de Raphael Mengs pentru a lucra la curte ca pictor de
cartoane pentru tapiserie, motiv pentru care s-a stabilit la Madrid.
A continuat să lucreze pentru Fabrica Regală de Tapiserie timp de doisprezece
ani, în care a produs sapte serii de lucrări, , pînă în 1792, când o boală gravă l-a
făcut să devină surd și să părăsească definitiv această meserie.
În această perioadă, Goya a început să se diferențieze cu adevărat de ceilalți
pictori de la curte, care i-au urmat exemplul prin tratarea moravurilor populare
în caricaturile lor, dar nu au dobândit aceeași reputație.
În 1780, producția de tapiserie a fost brusc redusă. Războiul pe care Coroana l-a
purtat cu Anglia pentru recuperarea Gibraltarului a provocat daune grave
economiei regatului și a devenit necesară reducerea costurilor superflue. Carol
al III-lea închide temporar Fabrica Regală de Tapiserie, iar Goya începe să
lucreze pentru clienți privați.
Din momentul în care a sosit la Madrid pentru a lucra la curte, Goya a avut
acces la colecțiile regale de pictură. În a doua jumătate a anilor 1770, l-a luat ca
referință pe Velázquez și a publicat o serie de gravuri care reproduc tablouri ale
acestuia. Colecția a fost foarte bine primită și a venit într-un moment în care
societatea spaniolă cerea reproduceri mai accesibile ale picturilor regale.
Geniul lui Goya în materie de lumină, perspectiva aeriană și desenul naturalist
este revelat în portretul lui Carlos III cazador („Charles III vânătorul”, cca.
1788), al cărui chip încremenit amintește de bărbații maturi din primele picturi
ale lui Velázquez. În acești ani, Goya a câștigat admirația superiorilor săi, în
special a lui Mengs, „care era captivat de ușurința cu care își făcea treaba”.
Ascensiunea sa socială și profesională a fost rapidă, iar în 1780 a fost numit
academician de merit al Academiei din San Fernando. Cu această ocazie, a
pictat un Hristos răstignit de factură eclectică, în care măiestria sa în anatomie,
lumina dramatică și tonurile intermediare este un tribut adus atât lui Mengs
(care a pictat și el un Hristos răstignit), cât și lui Velázquez, cu al său Hristos
răstignit.
În anii 1780, a intrat în contact cu înalta societate madrilenă, care a cerut să fie
imortalizată de pensulele sale, transformându-se astfel într-un portretist la
modă.
Goya a câștigat rapid prestigiu și ascensiunea sa socială a fost consecventă. În
1785, a fost numit director adjunct de pictură la Academia San Fernando. La 25
2
Page

iunie 1786, Francisco de Goya a fost numit pictor al regelui Spaniei, înainte de a
primi o nouă însărcinare, aceea de a realiza tapiserii pentru sufrageria regală și
pentru dormitorul infanților de la Prado. Această sarcină, care l-a ținut ocupat
până în 1792, i-a oferit ocazia de a introduce anumite trăsături de satiră socială
(evidente în Pantin sau Nunta), care contrastau deja puternic cu scenele galante
sau autocompătimitoare din desenele produse în anii 1770.
În 1788, venirea la putere a lui Carol al IV-lea și a soției sale, Maria Lucia,
pentru care pictorul lucra din 1775, a consolidat poziția lui Goya la Curte,
făcându-l „Pictor al Camerei Regelui” începând cu anul următor, ceea ce i-a
conferit dreptul de a picta portretele oficiale ale familiei regale.
Cu toate acestea, îngrijorarea regală cu privire la Revoluția Franceză din 1789,
ale cărei idei erau împărtășite de Goya și de prietenii săi, a dus la îndepărtarea
sa temporară de Curte.
În această etapă, și mai ales după ce s-a îmbolnăvit în 1793, Goya a făcut tot
posibilul pentru a crea lucrări care să fie departe de obligațiile legate de
responsabilitățile sale la curte. A pictat din ce în ce mai multe formate mici în
deplină libertate și s-a distanțat pe cât posibil de angajamentele sale, invocând
dificultăți datorate sănătății sale delicate. Nu a mai pictat cartoane de tapiserie –
o activitate care reprezenta puțină muncă pentru el – și a demisionat din
angajamentele sale academice ca maestru de pictură la Academia Regală de
Arte Frumoase în 1797, invocând probleme fizice, deși a fost totuși numit
academician onorific.
La sfârșitul anului 1792, după o boală care l-a țintuit la pat mai multe luni, a
rămas surd. În timpul recuperării, a creat un set de 14 lucrări de mic format
pictate pe tablă; opt dintre ele se referă la luptele cu tauri (dintre care șase au loc
în arena de tauri), în timp ce celelalte șase sunt pe teme diverse, catalogate de el
însuși drept „Diversiones nacionales”: Curtea cu nebuni, El naufragio, El
incendio, fuego de noche, Asalto de ladrones și Interior de prisión. Temele sale
sunt terifiante, iar tehnica picturală este schițată și plină de contraste vii și
dinamism. Aceste lucrări pot fi considerate ca fiind începutul picturii romantice.
Deși impactul bolii asupra stilului lui Goya a fost semnificativ, aceasta nu a fost
prima sa încercare de a aborda aceste teme, așa cum a fost cazul cu Atacul
diligenței (1787). Există totuși diferențe notabile: în acesta din urmă, peisajul
este liniștit, luminos, rococo, cu pasteluri albastre și verzi; figurile sunt mici, iar
cadavrele sunt dispuse în colțul din stânga jos, departe de centrul tabloului –
spre deosebire de Asalto de ladrones (cadavrele apar în prim-plan, iar liniile
convergente ale puștilor îndreaptă privirea spre un supraviețuitor care imploră
să fie cruțat.
3
Page
Prezența morții este deosebit de prezentă în lucrările din 1793, cum ar fi
monturile din Suerte de matar și capturarea unui călăreț din Moartea pictorului,
care îndepărtează definitiv aceste teme de pitoresc și rococo.
Acest set de lucrări pe plăci de tablă este completat de Actori comici ambulanți,
în care, în prim-plan, apar figuri grotești care țin o pancartă cu inscripția
„ALEG. MEN”, care asociază scena cu alegoria menandrea („alegoria lui
Menandru”), în consonanță cu operele naturaliste ale Commedia dell”arte și cu
satira (Menandru fiind un dramaturg grec clasic de piese satirice și moraliste).
Expresia alegoría menandrea este folosită frecvent ca subtitlu al lucrării. Prin
intermediul acestor personaje ridicole, apare caricatura și reprezentarea
grotescului, într-unul dintre cele mai clare precedente a ceea ce va deveni
comun în imaginile satirice ulterioare: fețe deformate, personaje de marionete și
exagerarea trăsăturilor fizice.
Odată cu„Capriciile”, a căror vânzare a fost anunțată în ziarul madrilen Diario
de Madrid la 6 februarie 1799, Goya a inaugurat gravura romantică și
contemporană cu caracter satiric.
Aceasta este prima dintr-o serie de gravuri caricaturale spaniole, în stilul celor
realizate în Anglia și Franța, dar cu o înaltă calitate în utilizarea tehnicilor de
gravură și aquatint – cu atingeri de burin, șlefuire și vârf uscat – și o temă
originală și inovatoare: Caprichos nu poate fi interpretat într-un singur fel, spre
deosebire de gravura convențională a satirilor.
Gravura era tehnica obișnuită folosită de graficienii din secolul al XVIII-lea, dar
în combinație cu acuatinta permite crearea de zone umbrite prin utilizarea de
rășini cu texturi diferite; cu ajutorul acestora se obține o gradație în scara de
griuri care permite crearea unei iluminări dramatice și neliniștitoare moștenite
din opera lui Rembrandt.
Cu aceste „subiecte capricioase” – așa cum le numea Leandro Fernández de
Moratín, cel care a scris cel mai probabil prefața la ediție – pline de
inventivitate, se dorea răspândirea ideologiei minorității intelectuale a
Iluminismului, care includea un anticlericalism mai mult sau mai puțin explicit.
Înainte de sfârșitul secolului al XVIII-lea, Goya a mai pictat încă trei serii de
mici tablouri care pun accentul pe temele misterului, vrăjitoriei, nopții și chiar a
cruzimii și care pot fi puse în legătură cu primele tablouri din Capricho e
invención, pictate după ce s-a îmbolnăvit în 1793.
Alte tablouri care au ca temă vrăjitoria completează decorul cvintetului
4
Page

Capricho, ca o
satiră ilustrată a superstițiilor populare.
În jurul anului 1797, Goya a contribuit la decorarea murală a Oratoriului Sfintei
Grote din Cadiz cu picturi despre viața lui Hristos. În aceste tablouri se
îndepărtează de iconografia obișnuită, aducerea lumii cerești mai aproape de
ochii oamenilor fiind probabil o consecință a ideilor revoluționare pe care
iluminismul le-a avut despre religie.

Perioada dintre 1808 și 1814 este dominată de turbulențele istoriei. În urma

revoltei de la Aranjuez, Carol al IV-lea a fost forțat să abdice, iar Godoy să
renunțe la putere. Revolta din 2 mai a marcat începutul Războiului de
independență spaniol împotriva ocupanților francezi.
Goya nu și-a pierdut niciodată titlul de pictor al Casei, dar era în continuare
preocupat de relațiile sale cu Iluminismul.
Contribuția sa cea mai decisivă în domeniul ideilor este denunțarea Dezastrelor
războiului, o serie în care descrie consecințele sociale teribile ale oricărei
confruntări armate și ororile provocate de războaie, în toate locurile și în toate
timpurile, asupra populațiilor civile, indiferent de rezultatele politice și de
beligeranți.
În această perioadă a apărut, de asemenea, prima Constituție spaniolă și, prin
urmare, primul guvern liberal, care a marcat sfârșitul Inchiziției și al structurilor
Vechiului Regim.
În timpul războiului, activitatea lui Goya s-a diminuat, dar a continuat să picteze
portrete ale nobilimii, prietenilor, soldaților și intelectualilor notabili, ca și
portrete militare franceze.

După restaurarea din 1814, Goya a pictat diverse portrete ale „doritului”
Ferdinand al VII-lea și a creat seria de 82 de gravuri, intitulată „Ravagiile
războiului”.
La sfârșitul războiului, în 1814, Goya a început să lucreze la două tablouri
istorice de mari dimensiuni, ale căror origini pot fi urmărite până la succesele
spaniole din 2 și 3 mai 1808 de la Madrid.
Seria de paisprezece picturi murale pe care Goya le-a pictat între 1819 și 1823
folosind tehnica uleiului al secco pe peretele Quinta del Sordo este cunoscută
5

sub numele de Picturile negre. Aceste picturi sunt probabil cele mai mari
Page

capodopere ale lui Goya, atât pentru modernitatea lor, cât și pentru forța
expresiei lor. Un tablou precum Câinele se apropie chiar de abstracție; mai
multe lucrări sunt precursoare ale expresionismului și ale altor avangarde ale
secolului XX.
Picturile murale au fost transpuse pe pânză din 1874 și sunt expuse în prezent la
Muzeul Prado.
Singura unitate care poate fi observată este cea de stil și o cromatică foarte
întunecată. Multe dintre scenele din Tablourile negre sunt nocturne, arătând
absența luminii, ziua care moare, un sentiment de pesimism, de viziune teribilă,
de enigmă și spațiu ireal. Paleta de culori este redusă la ocru, auriu, pământ,
griuri și negre, cu doar puțin alb pe haine pentru a crea contrast, albastru pe cer
și câteva tușe libere pe peisaj, unde apare puțin verde, dar întotdeauna într-un
mod foarte limitat.
Trăsăturile personajelor arată atitudini reflexive și extatice. Acestei a doua stări
îi corespund figuri cu ochii foarte deschiși, cu pupila înconjurată de alb și cu
gâtul deschis pentru a da chipuri caricaturale, animalice, grotești. Contemplăm
un moment digestiv, ceva repudiat de standardele academice. Arătăm ceea ce nu
este frumos, ceea ce este teribil; frumusețea nu mai este obiectul artei, ci
patetismul și o anumită conștiință de a arăta toate aspectele vieții umane fără a
le respinge pe cele mai puțin plăcute.

În vara anului 1824, Goya s-a stabilit la Bordeaux, unde a locuit până la
moarte.
Desenele din acești ani reunesc stampe ale vieții cotidiene din orașul Bordeaux,
pe care le-a cules în plimbările sale obișnuite, clasele umile și cei marginalizați
ocupănd un loc predominant.
A continuat să picteze în ulei, cea mai remarcabilă pictură din această perioadă
fiind Lăptăreasa din Bordeaux, o pânză care a fost considerată un precursor
direct al impresionismului. Cromatica se îndepărtează de paleta întunecată
caracteristică picturilor sale negre; prezintă nuanțe de albastru și atingeri de roz.
La 28 martie 1828 s-a stins din viață.

Evoluția stilului său de pictură

Dezvoltarea stilistică a lui Goya a fost neobișnuită. Goya a fost inițial format în
6

pictura barocă târzie și în cea rococo a primelor sale lucrări. Călătoria sa în

Page

Italia, în 1770-1771, i-a făcut cunoștință cu clasicismul și cu neoclasicismul

emergent. Cu toate acestea, nu a îmbrățișat niciodată pe deplin neoclasicismul
de la începutul secolului care a devenit dominant în Europa și Spania. La curte,
a folosit alte stiluri. În desenele sale de tapiserie, sensibilitatea rococo domină
clar, tratând teme populare cu bucurie și vivacitate. A fost influențat de
neoclasici în unele dintre picturile sale religioase și mitologice, dar nu s-a simțit
niciodată confortabil cu această nouă modă. A optat pentru căi distincte.
O ruptură stilistică abruptă apare spre sfârșitul secolului al XVIII-lea, marcată
atât de schimbările politice – domnia prosperă și luminată a lui Carol al III-lea a
fost urmată de domnia controversată și criticată a lui Carol al IV-lea -, cât și de
boala gravă pe care a contractat-o la sfârșitul anului 1792. Aceste două cauze au
avut un impact major și au determinat o ruptură radicală între artistul de succes
și „curtezanul frivol” al secolului al XVIII-lea și „geniul bântuit” al secolului al
XIX-lea. Această ruptură se reflectă în tehnica sa, care devine mai spontană și
mai vioaie, fiind descrisă ca botecismo (adică schiță), spre deosebire de stilul
ordonat și de execuția netedă a neoclasicismului în vogă la sfârșitul secolului.
Pe măsură ce a depășit stilurile din tinerețe, a anticipat arta timpului său, creând
lucrări foarte personale – atât în pictură, cât și în gravură și litografie – fără a se
supune convențiilor. Astfel, a pus bazele altor mișcări artistice care s-au
dezvoltat abia în secolele XIX și XX: romantismul, impresionismul,
expresionismul și suprarealismul.
Pe lângă influențele sale picturale și stilistice, Goya a fost influențat și de
Iluminism și de mulți dintre gânditorii acestuia.
Pictorul a realizat aproape 700 de tablouri, 280 de gravuri și câteva mii de
desene.
Lucrările au evoluat de la rococo, caracteristic desenelor sale de tapiserie, la
picturile
Tematica goyescă este foarte variată: portrete, scene de gen (vânătoare, scene
galante și populare, vicii sociale, violență, vrăjitorie), fresce istorice și
religioase, precum și naturi moarte.

Lucrări pictate
7
Page
Saturn devorandu-si fiul, Goya, 1819-1823, Muzeul Prado, Madrid
Aceasta este probabil cea mai cunoscută dintre picturile negre. A fost pictată
între 1819 și 1823 direct pe pereții Quinta del Sordo („Casa de țară a surzilor”)
de la periferia Madridului. Pictura a fost transferată pe pânză după moartea lui
Goya și a fost expusă de atunci la Muzeul Prado din Madrid. Este, de asemenea,
cel mai bine conservat. În acest moment, la vârsta de 73 de ani și după ce
supraviețuise la două boli grave, Goya era probabil mai preocupat de propria
moarte și era din ce în ce mai amărât de războiul civil din Spania.
Această pictură face referire la mitologia greacă, în care Cronos, pentru a evita
împlinirea prezicerii că va fi detronat de unul dintre fiii săi, îi devorează pe
fiecare dintre ei la naștere.
Cadavrul decapitat și însângerat al unui copil este ținut în mâinile lui Saturn, un
uriaș cu ochi halucinanți care iese din partea dreaptă a pânzei și a cărui gură
deschisă înghite brațul fiului său. Încadrarea taie o parte din zeu pentru a
accentua mișcarea, o caracteristică tipică a romantismului. În schimb, corpul
fără cap al copilului, care este imobil, este exact centrat, cu fesele la intersecția
diagonalelor pânzei.
Paleta de culori folosită, ca în toată seria, este foarte limitată. Predomină negrul
și ocrul, cu câteva atingeri subtile de roșu și alb – ochii – aplicate energic, cu
tușe foarte libere. Această pictură, ca și restul lucrărilor din Quinta del Sordo,
are trăsături stilistice caracteristice secolului XX, în special expresionismului.
8
Page
Lupta cu bătele, 1820-1823, Goya

Sabatul vrajitoarelor,

Somnul ratiunii naste monstri, Goya, 1797, 21,5x15 cm

9

Analiza superioară a lucrării ”El Quitasol”

Page
El Quitasol, Goya,1777
104x152 cm, Muzeul Prado
El Quitasol („Umbrela” sau „Parasol”) face parte din cea de-a doua serie de
cartoane de tapiserie pentru sufrageria prințului de Asturia.
Lucrarea este emblematică pentru perioada rococo a lui Goya, în care acesta a
reprezentat obiceiurile aristocrației prin intermediul majoșilor și al majilor
îmbrăcați în stilul poporului. Compoziția este piramidală, culorile sunt calde.
Un bărbat protejează o domnișoară de soare cu o umbrelă.
10
Page
Centrul de interes al lucrării este pieptul femeii. Funda alba captează lumina, în
contrast cu umbra din dreapta si de deasupra.
Plin-gol- predomina golul. Personajele sunt dispuse piramidal în centru

11
Page
Valoratia- predomina pasajul.
Culori calde-reci- predomina culorile reci
Analiza contrastelor
1.Contrastul culorilor pure, format prin apropierea de galben, roşu, şi albastru reprezintă gradul
maxim de tensiune între culorile primare. Pentru a crea acest tip de contrast sunt necesare cel
puţin trei culori, distincte. Galbenul fustei si pelerinei, albastrul corsajului, haina rosie a barbatului
creează un efect puternic, proaspăt şi hotărât, care pierde din forţă pe măsură ce culorile folosite
pentru spatiul de fundal se îndepărtează de cele trei culori primare. Astfel oranjul de pe haina
bărbatului si verdele pomilor, culori secundare, estompeaza contrastul, în timp ce efectul culorilor
terţiare este şi mai slab, subliniind adancimea.

2.Contrastul clar/obscur (contrastul valoric). Clarul şi obscurul au valoare de contraste absolute.

Alăturarea albului şi negrului, punctul extrem de contrast clar/obscur, apar intre fusta femeii si
pisica, între pelerina si căptușeala.

3.Contrastul rece/cald (contrastul caloric) are posibilitatea să sugereze apropierea sau

depărtarea. Este deci instrumentul esenţial în producerea perspectivei şi iluzionismului plastic. În
El quitasol,planul îndepărtat apare mai vag, în culori deschise și reci, în timp ce prim planul este
dominat de culorile calde.
12

4.Contrastul culorilor complementare; acele culori care sunt într-o opoziţie totala, în cercul
cromatic, respectiv: G-Vi; O-A; R-Ve, se numesc culori complementare şi între ele se afla o
Page

opoziţie, adică un contrast de complementare. Fiecare dintre perechi conține o culoare caldă și una
rece.
una închisă și una deschisă, cu excepția perechii roșu-verde care au valori egale. Culorile
complementare, folosite în raporturi cantitative juste, dau efecte solide de static (tocmai datorită
echilibrului dintre ele: una este caldă, cealaltă este rece; una este luminoasă, cealaltă
întunecoasă).Contrastul culorilor complementare apare prin alaturarea intre oranjul hainelor
barbatului si albatrul corsajului si al cerului, nuantele de rosu din prim plan si verdele pomilor.

5.Contrastul simultan este proprietatea unei culori (cu cat este mai pură culoarea, cu atât această
proprietate este mai puternică) de a vira tonurile neutre cu care vine încontact, în complementara
sa.sa. Culorile nu influențează doar tonurile neutre cu care vin în contact, ci si culorile cu o calitate
mai slaba sau într-o cantitate mai mică, făcandu-le să pară mai calde, în funcție de opusul lor.

6.Contrastul de calitate (gradul de saturare a unei culori) - Este opoziția între o culoare saturată și
lu􀅵mioasă și o culoare ternă fără strălucire. Cu cât o culoare pură virează mai mult către alb sau negru
este mai desaturată, mai coruptă, iar cu cât este mai intensă cu atât este mai saturată, mai capabilă
de a atrage atenția dar în același timp de a obosi. Culori foarte saturate sunt tolerate pe suprafețe mici
spre deosebire de culorile amestecate cu negru, griuri sau alb,care sunt optime pentru acoperirea
suprafețelor mari.

7.Contrastul de cantitate. . Contrastul de cantitate se naşte din raportul cantitativ reciproc între
două sau mai multe culori. Este opoziţia “mult/puţin”, “mare/mic”. Goethe a stabilit o scară
numerică a valorilor luminoase foarte simplă şi destul de uşor de utilizat. Raporturile de cantitate
valabile pentru culorile complementare sunt următoarele: galben:violet = 1/4 : 3/4; oranj:albastru
= 1/3 : 2/3; roşu:verde = 1/2 : 1/2. sau: a)- galben:oranj = 3 : 4; b)- galben:rosu = 3 : 6; c)-
galben:violet = 3 : 9; d)- galben:albastru = 3 : 8; e)- galben:rosu:albastru = 3 : 6: 8; f)-
oranj:violet:verde = 4 : 9 : 6 ...

13
Page
Page 14
Page 15
BIBLIOGRAFIE
https://www.trenfo.com/ro/istorie/biografii/francisco-de-goya-7
https://www.angelfire.com/art/triptic/noutati/artfor/artdummies.htm
https://www.scribd.com/doc/72574132/7-contraste-cromatice
16
Page