“The African Queen” ( 1951)- „ Regina africană” ***

În Africa, în timpul Primului Război Mondial, un căpitan cu barcă de râu care este certat cu
ginerele sau este convins de un misionar îndrăzneț să-și folosească barca pentru a ataca o
navă de război inamică.
Stele: Humphrey Bogart, Katharine Hepburn, Robert Morley
Taglines: Cea mai mare aventură pe care a trăit-o vreodată un bărbat ... cu o femeie!
Genuri: Aventura | Drama | Romantic | Război

În septembrie 1914, știrile ajung în colonia germană a Africii de Est că Germania este în război,
așa că reverendul Samuel Sayer a devenit un străin ostil. Trupele imperiale germane își ard
misiunea; este bătut și moare de febră. Sora sa bine-educată, snoabă, Rose Sayer, îl îngroapă
și pleacă de la singurul transport disponibil, barca cu aburi de râu dărăpănată, „Regina africană”
a lui Charlie Allnut. De parcă o călătorie lungă dificilă, fără niciun confort, nu ar fi destul de rău
pentru astfel de însoțitori ciudati, ea este hotărâtă să găsească o modalitate de a face eforturi
pentru războiul britanic (și să se răzbune pe fratele ei) și vizează înaltul, deoarece Dumnezeu
este evident de partea lor: construiți propriul echipament, o torpilă și barca cu aburi convertită,
pentru a scoate o imensă navă de război germană, Louisa, care este greu de găsit pe lacul
uriaș și, în primul rând, de atins, de fapt, ca descurajantă o expediție ca oricine a încercat de la
târziu aventurierul explorator John Speakes, dar ea apasă până când Charlie acceptă să se
aburească pe Ulana, pe punctul de a face curaj ...
Este firesc ca cei doi protagoniști principali ai „Reginei africane” să transforme barca titulară
într-o eroină nesemnificativă a unei fapte militare, al cărei succes este la fel de improbabil ca și
gândul că un spion misionar metodist drept se va îndrăgosti de un poștaș grosier, rudimentar și
îmbibat cu gin, dar nu așa când romantismul servește drept combustibil al misiunii respective și
când este Humphrey Bogart, Katharine Hepburn și John Huston în frunte: miracolul „Reginei
africane”, ca film și poveste, este rezultatul a trei talente imense manevrând cu încredere în
aceeași direcție.
Istoricul și criticul de film Richard Schickel a spus despre Hepburn că apelul ei secret s-a bazat
pe personajele pe care le-a jucat de obicei: "o femeie de pe calul înalt, cu idei ușor
pretențioase, adesea declarate comic despre lume. Era ca bărbații să o aducă jos și să ajungă
în general, ca să se dezvăluie ca fiind destul de bună, sportivă și democratică ", sarcina ar
cădea la un„ bărbat ușor ascuțit și cu o bună natură "Dar, pentru o dată," Regina africană "oferă
o răsucire interesantă formulei obișnuite, pentru că Rose este cea care îl pune pe Charlie pe
calul ei. Efectul este cu atât mai mare pentru că îl obligă pe Bogart să renunțe la fațada lui de tip
dur și (încă o dată) să joace un bărbat care încearcă să mulțumească o femeie.
Dar Rose este mai puternică decât fratele ei nefericit și atunci când acceptă să plece la bordul
„Reginei africane”, este cea mai hotărâtă să facă parte din conflict, nu în departamentele
victimei. Și barca glorioasă, devine arena improbabilă a două un spirit dominant și unul dominat
în Allnut, tratându-l pe Rose ca o doamnă, până când află că nu este o observatoare de sex
feminin pasivă și stricată de frică. Într-adevăr, Rose este cea care sugerează ideea de a
construi o torpilă, din cilindri de oxigen și material inflamabil, pentru a distruge o navă germană
care blochează calea către navele britanice dintr-un coborător al lacului. Allnut susține că se va
ajunge la o anumită moarte, vor trebui să navigheze de-a lungul unui fort german, să negocieze
câteva repezi, să se împerecheze pe noroi pe trestii dense, șansele lor de supraviețuire sunt
puternice. Rose se confruntă apoi cu Allnut pentru propriile sale responsabilități atât ca bărbat,
cât și un subiect canadian al Uniunii Jack marcat de barcă, iar Allnut, pentru a nu-și pierde fața,
acceptă cu reticență.
Dar știm că este o chestiune de timp înainte ca Rose să alunge pe Allnut toată nuca, el se dă în
cele din urmă o mică petrecere îmbibată cu gin, antrenând suficientă furie pentru a-și lua în
sfârșit promisiunea, dezamăgindu-și gazda distinsă și curajoasă. El se trezește cu intr-un iad de
mahmureală și toate sticlele sale golite plutind pe râu; Încercând să se modifice din
comportamentul său, el explică că băutura lui este doar o expresie a naturii umane, la care
primește cea mai mare revenire cinematografică „natura, domnul Allnut este ceea ce ni se pune
în această lume să se ridice deasupra”, iar linia rezonează ca deviza filmului. Niciodată nu este
vorba despre ceea ce avem la îndemână, ci despre ceea ce putem construi pe el. Rose aprinde
focul vitejiei în Allnut, iar crucea emoționantă a primelor obstacole duce la îmbrățișarea
victorioasă, pecetluind existența unei iubiri care a ajuns dintr-o inimă în cealaltă, printr-un furtun
de cazan umplut cu adrenalina și câteva rânduri la fel de zbuciumate precum rapidele.
Aceasta nu este Hollywood-ul comedie romantică corny; acesta este John Huston care se
confruntă cu două personaje autentice unul cu celălalt, un credincios de inspirație și un
tehnician practic, care își combină punctele forte pentru supraviețuire și realizare. Katharine
Hepburn ar putea juca rolul ei obișnuit de „femeie puternică”, dar nu este niciodată însuflețită.
Pe de altă parte, Bogie este clar îndrăgostit de „Rosie” lui, el o admiră și poate vedea că îl
schimbă în bine, nu este vorba doar de formarea unui cuplu, ci de a fi o echipă, nu doar de a fi o
echipă, dar îmbunătățind, din dragoste și datorie, indiferent dacă împărtășești un cort în timpul
unei furtuni grele, să fixezi o elice sub apă sau chiar să accepți că Dumnezeu este încă cel care
are ultimul cuvânt.
Aceasta este „The Queen Queen”: palpitantă, romantică, inspirată, cu cele două vedete,
onorate de American Film Institute ca fiind cele mai mari legende ale ecranului, Bogart și
Hepburn, în interacțiuni pline de comedie, având în vedere opoziția personalităților lor și o
chimie credibilă construită în ceea ce privește încrederea, stimulentul și parteneriatul, acesta nu
este eroismul „de mână” la „Titanic”, fiecare pas este abordat cu precizie tehnică. Ceea ce face
ca duelul culminant cu nemții să fie ceva mai puțin realist prin contrast, dar acesta este un alt
aspect al clasicilor nemuritori de la Hollywood, uneori; fiecare element nu trebuie luat în serios
pentru un final triumfal.

Vagabondul – Awaara (1951)_________________***

Awaara, dramă romantică, film indian apărut în anul 1951, regia Raj Kapoor.
În rolurile principale: Prithviraj Kapoor, Nargis, Raj Kapoor.
Titlul original: Awaara
Regia: Raj Kapoor
Scenariul: Khwaja Ahmad Abbas
Distributia: Prithviraj Kapoor (Judge Raghunath), Nargis (Rita), Raj Kapoor (Raj Ragunath),
Leela Chitnis (Leela Raghunath), K.N. Singh (Jagga), Leela Mishra (Raghunath’s Sister-in-law),
Cukoo (Bar dancer), Helen (Dancer), Shashi Kapoor (Young Raj), Prem Nath..
Gen: Drama/Romantic
Filmul – Vagabondul

Pentru că tatăl o alungă de acasă pe mama sa, înainte ca el sa se nască, Raj este considerat
un copil sărman. La școală el se îndrăgostește de colega lui, Rita, o fată bogată. Când se vor
reîntâlni după mai mulți ani, Raj va descoperi că tatăl său este protectorul Ritei.
Vagabondul este un film indian din 1951, produs în studiourile Bollywood, regizat și având în rolul
principal pe Raj Kapoor. Tatăl său din viața reală, Prithviraj Kapoor, îl interpretează pe tatăl său din
film, judecătorul Raghunath. Fratele său mai tânăr din viața reală, Shashi Kapoor, îl interpretează pe
tânărul Raj. Tatăl lui Prithiviraj, Dewan Bashwanath Kapoor, are de asemenea o scurtă apariție în
film.
Filmul se axează pe viețile intersectate ale săracului Raj (Raj Kapoor) și a privilegiatei Rita (Nargis).
Tânărul Raj din Bombay (interpretat de Raj Kapoor) duce o viață de sărăcie, ca urmare a faptului că
mama sa fusese alungată de tatăl său răzbunător, un judecător dintr-un cartier bogat (interpretat de
tatăl din viața reală a lui Raj Kapoor, Prithviraj Kapoor). Judecătorul Raghunath o alungase din casă
pe mama lui Raj cu 24 de ani în urmă, bănuind-o de infidelitate. Leela, soția gravidă a judecătorului,
fusese răpită din răzbunare de răufăcătorul Jagga. Acesta fusese condamnat anterior de judecător
pentru violuri. Jagga a eliberat-o pe Leela, după câteva zile, dar judecătorul crede că aceasta fusese
violată de răufăcător. Asfel, Raghunath și-a izgonit soția, care îl va naște apoi pe Raj.
În copilărie, Raj se împrietenește cu colega sa de școală Rita, dar Raj este eliminat din școală și
trimis la o școală de corecție pentru că a furat o pâine, iar Rita se mută în alt oraș. Chiar dacă ei
sunt despărțiti, Raj continuă să se gândească la Rita.
După ce iese din închisoare, Raj începe pe străzi o viață de infracțiuni minore și găsește un tată în
persoana lui Jagga (K.N. Singh), sub a cărui influență intră. Câțiva ani mai târziu, Raj își dă seama
că Jagga este omul responsabil pentru alungarea mamei sale. În timp ce planifică jefuirea unei
bănci, hoții din gașca lui Jagga își dau seama că au nevoie de un automobil. Raj smulge poșeta unei
femei după ce ea coboară din mașină, dar nu găsește nicio cheie și pretinde că urmărește hoțul
pentru a alunga suspiciunile de la persoana sa. El restituie poșeta femeii care se dovedește în
curând a fi chiar Rita. Fata urmase studii de drept și obținuse licența de avocat, iar judecătorul
Raghunath este tutorele său. După ce Raj și Rita se recunosc, fata îl invită acasă pe Raj.
Judecătorul bănuiește că Raj nu este o persoană cinstită și-i interzice Ritei să-l mai vadă. De îndată
ce Raj își dă seama că Jagga este responsabil pentru nefericirea mamei sale, el îl ucide într-un
acces de furie și apoi încearcă să-l omoare pe judecătorul Raghunath. Din cauza acestor acțiuni,
Raj este adus în fața tribunalului unde tatăl său era judecător. Apărarea lui Raj o preia tânăra
avocată Rita.
Prin cercetările făcute, Rita descoperă că judecătorul și-a izgonit soția în urmă cu 24 de ani, întrucât,
din răzbunare, aceasta fusese răpită de răufăcătorul Jagga. Judecătorul Raghunath era convins că
fiul unui bandit nu poate deveni decât un răufăcător. La proces, iese la iveală faptul că tatăl lui Raj
este de fapt judecătorul, pe care Raj încercase să-l omoare. În cele din urmă, Raj este condamnat la
trei ani de închisoare, dar Rita, care îl iubea din copilărie pe Raj, îi promite acestuia că-l va aștepta
până la ispășirea pedepsei.

“PICNIK”-(1956 )_______________________***

Emoțiile sunt aprinse în rândul oamenilor comuni plini de forță atunci când o dimineață
frumoasă ajunge într-o comunitate mică din Kansas în dimineața picnicului Ziua Muncii.
Director: Joshua Logan
Scriitori: Daniel Taradash (scenariu), William Inge (piesă)
Stele: William Holden, Kim Novak, Betty Fiel

Hunky drifter Hal (William Holden) ajunge într-un mic oraș din Kansas, tulburând status quo-ul
în „Picnic”, un film din 1955 bazat pe piesa lui Wiliam Inge și regizat de Josh Logan. Este co-
starurile Kim Novak, Susan Strasberg, Rosalind Russell, Betty Field, Cliff Robertson, Arthur
O'Connell și Verna Felton.
Este Ziua Muncii și ora pentru marele picnic anual. Frumoasa, Madge Owens, în vârstă de 19
ani, se pregătește să participe la picnic cu Arthur (Robertson), un tânăr dintr-o familie bogată.
Se luptă cu sora ei geloasă, nerdă, Millie. Și este avertizată de mama sa (Field) că, cu fiecare
an care trece, va deveni mai puțin comercializabilă ca soție. Ea este sfătuită să solidifice
lucrurile cu Arthur. Cea care inchiriaza de la ei o camera este Rosemary, profesoară de școală -
ceea ce pe atunci se numea „o servitoare bătrână”. Un zgomot fragil, nu are prea mult folos
pentru iubitul ei Howard, dar el o duce la picnic.
Când Hal sare din tren ca să-și ridice privirea cu vechiul său prieten de la colegiu Arthur, el
devine inocent un catalizator al schimbării. Într-un fel sau altul, el reușește să trezească emoții -
în mare parte sexuale - în aproape toți cei pe care îi întâlnește. Un braggart care îi oferă vieții
sale rătăcitoare un rotație romantică, speră că tatăl lui Arthur îi va oferi o slujbă. Apoi îl vede pe
Madge.

„Picnic” este o poveste frumoasă despre singurătate, așezându-te cu ceea ce poți obține, iubire,
frustrare și vise rămase în urmă. Madge este obsedata de a fi cea drăguță, Millie este obsedata
de a fi cea deșteaptă, Rosemary de a fi o bătrână, Arthur este de a nu fi câștigător în ochii
tatălui său. „Picnic” conține câteva scene memorabile, cea mai bine amintită fiind secvența
clasică „Moonglow”, când Madge respinge tradiția și dă în sentimentele ei de femeie într-una
dintre cele mai erotice scene filmate vreodată.

William Holden este prea bătrân pentru rolul lui Hal (colegul său de clasă, interpretat de Cliff
Robertson, are 29 de ani), dar castingul său este excelent. Virile, cu o atracție sexuală și aspect
bun, Hal întoarce o mulțime de capete când este fără cămașă și când își luminează superbe
zâmbetul. În Madge, își vede ultima sa șansă de a face ceva singur; cu ea ca inspirație, el poate
face orice. Superba în lavandă, Kim Novak's Madge este visul fiecărui bărbat și, așa cum se
evidențiază în scenele ei cu Robertson, nu este sigură că asta este tot ce există. Când o
întâlnește pe Hal, el trezește sentimente în ea pe care nu le-a avut niciodată. Betty Field face o
treabă frumoasă ca Flo Owens, o femeie a cărei viață a fost una de dezamăgire, dar speră la o
căsătorie bună pentru Madge. Susan Strasberg, în calitate de geeky Millie. Personajele
principale cred cu toții că viața lor este pe un drum stabilit. Nimeni nu crede acest lucru mai mult
decât Millie. „Voi trăi în New York și voi scrie cărți pe care nu le citește nimeni”, îi anunță sora
ei. Dar ea este cea care o convinge pe Madge că pentru neînfricat, viața nu trebuie să fie pusă
în piatră.

Arthur O'Connell este eficient ca iubitul lui Rosemary - deși el merge în mod normal cu ea, el
poate fi dur atunci când este necesar. Scena în care este complet depășită de femeile orașului
și nu poate înțelege un cuvânt este una clasică. Arthur se teme de schimbare, dar viața lui se va
schimba prin acordul feminin unanim.

Una dintre cele mai bune spectacole vine de la veterana Verna Felton în rolul doamnei Potts.
Scena ei finală cu Flo Owens este atât de plină de înflăcărare, încât vorbește despre ce
înseamnă pentru ea să-i privească pe fiicele lui Flo crescând în timp ce are grijă de mama sa
invalidă. Când o întâlnește pe Hal, este ca și cum întreaga ei existență devine din nou vie. „Era
un bărbat în jur și era bine”, spune ea. Felton eseizează o femeie minunată, înțeleaptă, cu o
înțelegere a vieții și a iubirii și face ca rolul să strălucească.

Rolul problematic este cel al lui Rosemary. Când oamenii spun că picnicul este datat, ei vorbesc
poate despre Rosemary, o bătrână servitoare ale cărei dorințe sexuale devin insuportabile
odată ce o vede pe Hal și martorii Hal și Madge împreună. „În fiecare an îmi spun că se va
întâmpla ceva”, îi spune ea cu lacrimi Howard. „Dar nu se întâmplă”. Ceea ce a datat este
implicația că o femeie necăsătorită trebuie neîmplinită - conceptul este datat, dar se încadrează
în America de mijloc a anilor '50 - și nu te mai purta, ieși dintr-un oraș mare și există o mulțime
de oameni care încă simt acest lucru cale. Marea scenă de confruntare a lui Rosemary cu
Howard este o acțiune magnifică, dar am găsit sincer pe Russell în partea de sus în anumite
părți ale filmului. Unele dintre ele sunt personajul, altele nu sunt suficiente pentru a o direcționa.
Rosemary ar putea fi enervanta, dar este și un obiect de milă. Când se doreste să nu mai
vorbească și să plece, există o problemă.

„Picnicul” nu ne spune despre restul vieții acestor popoare. Scenele finale sunt cu adevărat doar
începutul. Deși atât Hal cât și Madge vor să își construiască o viață reală împreună, unul se
întreabă dacă pot și dacă dragostea și pasiunea sunt suficiente pentru a le duce prin momente
grele. Se suspectează că Madge se va întoarce într-o zi în Kansas, mai trist, dar mai înțelept.
Hal va avea întotdeauna rătăcire, va pune întotdeauna cel mai bun spin pe situații marginale și
nu va ține niciodată cu adevărat o treabă bună. Rosemary va putea să facă un act pe care îl are
pe care și-l dorește, dar asta va fi tot. Fără concurența lui Madge, Millie ar putea doar să se
surprindă prin înflorire, permițând partea femeii din ea și să aibă anumite oportunități în marele
oraș care sunt mai mult decât bazate pe carieră. De fapt, dintre toate personajele, ea poate că
are cel mai bun viitor în fața ei.

O felie de viață a anilor '50, provocatoare de gândire, caracterizări excelente - Picnic este unul
dintre cele mai bune filme ale anilor '50 cu două dintre cele mai strălucitoare stele ale sale.
Foarte recomandat.

“SHADOWS” 1958____________________***

Filmul de improvizație marcat de jazz al lui Cassavetes explorează relații și relații interraziale în
Beat-Era (1950), New York.
Regizor: John Cassavetes
Scriitor: John Cassavetes
Stele: Lelia Goldoni, Hugh Hur, Ben Carruthers

Ideea pentru film a venit dintr-un exercițiu de clasă. Cu antrenorul în rol Burt Lane (mai târziu
tatăl lui Diane Lane), Cassavetes a condus cursuri pentru actorii aspiranți la Teatrul Variety Arts
din Manhattan, în afara cartierului Union Square din Manhattan, clasele enumerate drept
„Atelierul de dramă Cassavetes-Lane”; aceasta a fost încercarea lui Cassavetes de a
contracara adepții metodei de acțiune care controlau o mare parte din teatrul și filmul din New
York. [3
Filmul a fost terminat târziu în 1958, tipărit pe stoc de 16 mm, iar Shepherd a anunțat trei
proiecții gratuite în cadrul emisiunii sale de radio.
Benny este un hipster, care se mișcă și iese din scena ritmului lui Manhattan, fără scop, poate
aproape de probleme. Sora sa Lelia, care arată mai puțin afro-americană decât Albul, este
vulnerabilă și este pe punctul de a se îndrăgosti. Hugh, fratele lor mai mare, este un cântăreț în
luptă al cărui agent, Rupert, poate fi singura persoană cu credință în talentul său. Povestea se
mișcă înainte și înapoi, ca jazz-ul, printre cele trei și ceea ce pare la început vieți separate. Lelia
îl întâlnește pe Tony și se lasă să spere că aceasta este adevărata iubire. Apoi îl întâlnește pe
Hugh și prejudecățile îi oferă lui Tony o scuză pentru a tăia și a alerga. Familia și prietenia pot
aduce mângâiere pentru răul ei, scopul pentru Benny și credința în Hugh? Viața este mai mult
decât umbre?
Ca toate cazanele, Shadows face ca fiecare film din memoria recent să pară irelevant pentru
viața fiecaruia și cum să o trăiasca. Tema Shadows din 1959 se concentrează în jurul rasei și
efectele acesteia asupra relațiilor dintre bărbați și femei. Ca și în viață, aceasta se încadrează
într-o secundă îndepărtată de tema nevoii omniprezente și epuizante de iubire. Umbrele sunt
adesea facturate ca povestea unei „femei negre care trece ca albă”. Filmul lui Cassavetes
ilustrează modul în care aceste delimitări puternice între rase îi afectează pe cei care există în
umbră. Lelia este o femeie afro-deschisă cu pielea deschisă la New York, care se încadrează
pentru un bărbat alb, rasist infantil. Când iubitul Leliei îl întâlnește pe fratele ei mai întunecat,
Hugh, adevăratele culori ale iubitului ei sunt dezvăluite. Hugh este un protector demn și grijuliu,
care refuză să lase rasismul să-și erodeze natura pozitivă, deși se confruntă cu persecuții
economice flagrante în activitatea sa. Cel de-al doilea frate al Leliei, un carismatic muzician
interpretat de frumosul Benito Carruthers, este, de asemenea, de piele deschisă la culoare.
Urmărim dureros cum deplasarea lui atât în grupurile sociale „albe”, cât și „negre” dă naștere la
dezlănțuirea de sine și la izolare. Ben rătăcind singur New York, ascunzându-se în spatele unei
serii de ochelari de soare întunecați, este o imagine de durată din film. O scenă zdrobitoare îl
arată pe Ben promițându-i iubitei Leliei că va transmite rațiunilor bolnave din spatele respingerii
către sora sa. Durerea palpabilă a lui Ben este relevantă pentru oamenii din fiecare „nuanță”.
Renunțarea la posibilitatea iubirii, bazată exclusiv pe rasă sau alte fapte periferice, este tragică
pe întregul spectru al relațiilor sociale.
Shadows este un film american de dramă independent din 1958 regizat de John Cassavetes
despre relațiile de rasă din anii Generației Beat în New York. Filmul joacă Ben Carruthers, Lelia
Goldoni și Hugh Hurd ca fiind trei frați afro-americani, deși doar unul dintre ei este cu pielea
întunecată. Filmul a fost filmat inițial în 1957 și arătat în 1958, dar o recepție slabă a determinat-
o pe Cassavetes să o reediteze în 1959. Promovat ca un film complet improvizațional, a fost
repetat intens în 1957, iar în 1959 a fost complet scenografiat.
Filmul înfățișează două săptămâni în viața a trei frați în marja societății: [1] doi frați care se luptă
cu muzicieni de jazz și sora lor mai mică de piele deschisă, care trece prin trei relații, unul cu un
scriitor alb mai vechi, unul cu un iubitor de alb adânc și în final unul cu un blând tânăr admirator
negru.

EUROPA’51 (1952)______________________***

Europe '51 este un film neorealist italian din 1952, regizat de Roberto Rossellini, în care joacă
Alexander Knox și Ingrid Bergman ca o femeie care s-a declarat nebună după sinuciderea fiului
ei.
O femeie înstărită devine obsedată de umanitarism când fiul ei mic moare după ce s-a sinucis.
Mult timp fascinat de Francisc de Assisi, Roberto Rossellini a decis să creeze un film care să
plaseze o persoană a personajului sfântului în Italia postbelică și să arate care sunt
consecințele.
Industrialul George Girard și soția sa Irene sunt un cuplu bogat care trăiește în Roma postbelică
împreună cu fiul lor Michele (Sandro Franchina) și găzduiesc atât de multe petreceri încât fiul lor
se simte neglijat. În timpul unei petreceri, Michele încearcă constant să atragă atenția mamei
sale, dar Irene este mai interesată să fie o gazdă bună pentru oaspeții săi decât o mamă atentă
și, ca urmare, Michele încearcă să se sinucidă căzând mai multe trepte pe o scară, fracturându-
și șoldul. .
La spital, Irene promite să nu il părăsească niciodată pe Michele și să fie mai atentă, dar moare
la scurt timp după un cheag de sânge. Irene este culcată timp de 10 zile pentru depresie, iar
când în cele din urmă iese din somnul profund, solicită ajutorul verișoarei sale Andrea Casatti
pentru a o ajuta să-și depășească durerea. Andrea este editor și comunist și stabilește că
trebuie să vadă „cealaltă Roma” și o duce în zonele mai sărace ale orașului.
Irene sare să ajute când Andrea menționează o familie săracă al cărei fiu are nevoie de
medicamente scumpe, iar ea decide imediat să ajute, donându-și banii pentru a ajuta copilul.
Irene este lovită de condițiile îngrozitoare de viață din mahalale. Întâlnește o femeie fără pene,
pe nume Passerotto, într-o căsuță lângă un râu și o ajută să aibă grijă de un puiet mare de copii
zdrenți. Irene își asigură o slujbă în fabrică pentru Passerotto și chiar o completează pentru
prima zi. Ea este îngrozită de condițiile de muncă ale fabricii, pe care le vede drept sclavie.
Irene are grijă apoi de o prostituată care moare de tuberculoză.
Un preot care o face prietenă, de asemenea, se întoarce în cele din urmă atunci când apelul
său la ea pentru a se supune lui Dumnezeu nu este reciproc, iar Irene are o lungă conversație
cu el despre „adevăratele îndurări ale lui Dumnezeu, în timp ce săracii suferă inutil și nimeni
face orice în acest sens.
Ca urmare a ajutării acestor persoane, ea petrece tot mai puțin timp acasă. Mama lui George și
Irene sunt îngrijorate de absențele ei inexplicabile din casă și George o acuză că are o aventură
cu Andrea, ceea ce o determină să-l părăsească. În cele din urmă, este ridicată de poliție după
ce a ajutat un băiat care a comis un furt să se sustragă. Irene este atât de șocată de
supraacțiunea lui George încât nu încearcă să se certe cu el, dar soțul ei și autoritățile decid să
o introducă într-un instituție mentală, iar el o abandonează.
În sfârșit, este adusă în fața comisiei de revizuire pentru a rămâne acolo unde va rămâne
permanent. S-a decis că filozofia ei de a ajuta oamenii este periculoasă pentru societatea fragilă
de după război și, prin urmare, ea rămâne închisă acolo permanent. Oamenii pe care i-a ajutat,
alături de mulți pe care nu îi are, stau în afara ferestrei celulei, rugându-se ca noua „sfântă
patron”.
Irene Girard este soția unui ambasador și obișnuia să trăiască în lux. După moartea dramatică a
fiului ei, se simte vinovată că l-a neglijat și se simte obligată să ajute oamenii nevoiași care îi
traversează calea. Într-o zi ea oferă adăpost unui bărbat care se sustrage justiției, iar ea
sfârșește să fie arestată singură. Soțul ei, de dragul proprietății sociale, aranjează ca un medic
să-i declare nebunie. Irene scapă dintr-o închisoare pentru a intra în alta și pentru a reflecta la
ce fel de societate trăiește.
„Europa 51” poate fi cea mai bună dintre toate colaborările Bergman / Rosselini din anii
cincizeci, declinând lucrări precum „Viaggio in Italia” sau „Stromboli, terra de dio”. Există două
lumi în acest univers atotputernic al zeului: cea în care timpul este doar un râu liniștit, și cea în
care timpul te omoară.Irène (Bergman) aparține fostului personaj.Masina și Inès, prostituata
partea greșită a orașului. Când fiul ei s-a sinucis, Irène a stat de vorbă, făcând schimb de
banale conversatii cu oaspeții ei. Mâncat cu remușcări, își dă seama că gustul său pentru viața
societății a luat cele mai bune din ea și acum este prea târziu!
Una dintre prietenele ei deschide porțile unei lumi de atunci necunoscute: fabrici unde transpiră
bărbații, străzi în care se plimbă puterile, mahalale în care mamele se străduiesc să-și
hrănească copiii înfometați. Bărbatul este marxist și îi spune lui Irene despre o nouă lume în
care dreptatea și solidaritatea vor fi regula de aur.
Totuși, Irene nu se poate abona la această ideologie: „Această lume nu este a mea pentru că
nu il include pe Michel” - fiul său târziu ”. Sub acest punct, filmul devine creștin; materialismul
marxist nu poate satisface o femeie disperată al cărei dor spiritual este intens. Așa că duce
altruismul la noi limite, uitând totul de ea însăși, devenind un fel de mamă Tereza.Cristiana,
prea creștină ... Familia ei începe să creadă că și-a pierdut mințile și au închis-o într-un azil
nebunesc.

Mama India (1957)______________***

Mother India este un film indian de epopee din 1957, regizat de Mehboob Khan și în care joacă
Nargis, Sunil Dutt, Rajendra Kumar și Raaj Kumar. Un remake al filmului anterior al lui Khan,
Aurat (1940), este povestea unei femei din satul afectat de sărăcie, pe nume Radha (Nargis),
care, în absența soțului ei, se luptă să-și crească fiii și să supraviețuiască în fața unui creditor
credincios în bani. multe necazuri. În ciuda greutăților sale, ea pune un exemplu moral
asemănător unei zeițe a unei femei indiene ideale.
Titlul filmului a fost ales pentru a contracara cartea polemică a autorului american Katherine
Mayo din 1927, Mother India, care a vilificat cultura indiană. Aluziile la mitologia hindusă sunt
abundente în film, iar personajul său principal a fost văzut ca o reprezentare metonimică a unei
femei hinduse care reflectă valori morale înalte și conceptul a ceea ce înseamnă să fii mamă în
societate prin sacrificiu de sine. Mama India reprezintă metaforic India ca națiune în urma
independenței și face aluzie la un simț puternic al naționalismului și al construirii națiunilor. În
timp ce unii autori tratează Radha ca simbolul împuternicirii femeilor, alții o văd aruncată în
stereotipuri feminine. Filmul a fost filmat în studiourile Mehboob din Mumbai și în satele
Maharashtra, Gujarat și statele Uttar Pradesh. Muzica de Naushad a introdus muzică globală,
inclusiv muzică clasică occidentală și orchestră în cinematografia hindi.
Filmul a fost printre cele mai scumpe producții cinematografice hindi (Bollywood) și a obținut
cele mai mari venituri pentru orice film indian din acea perioadă.
Filmul a câștigat Certificatul de merit All India pentru cel mai bun lungmetraj, Premiul pentru cel
mai bun film Filmfare din 1957, a fost, de asemenea, nominalizat la premiul Oscar pentru cel
mai bun film în limbi străine, devenind primul film indian care a fost vreodată nominalizat.
Nunta dintre Radha și Shamu (Raaj Kumar) este plătită de soacra lui Radha, care împrumută
banii de la creditorul Sukhilala (Kanhaiyalal). Condițiile împrumutului sunt contestate, dar
bătrânii satului decid în favoarea creditorului, după care Shamu și Radha sunt nevoiți să
plătească trei sferturi din recolta lor ca dobândă la împrumutul de 500 $ (evaluat la aproximativ
105 USD în 1957) [a] [b] În timp ce Shamu lucrează pentru a folosi mai mult din pământul lor
stâncos, brațele sale sunt zdrobite de un bolovan. Rușinat de neputința sa (fiind fără brate) și
umilit de Sukhilala pentru că a trăit din câștigurile soției sale, Shamu decide că nu îi este de
folos familiei sale și îi lasă definitiv pe Radha și cei trei fii ai lor, mergând spre propria sa moarte
probabilă prin foame. Curând după aceea, cel mai tânăr fiu al lui Radha și soacra ei au murit. O
furtună severă și inundația rezultată distrug casele din sat și distrug recolta. Sukhilala se oferă
să o salveze pe Radha și pe fiii ei dacă își tranzacționează trupul cu el pentru mâncare. Radha
a refuzat vehement oferta sa, dar a trebuit să-și piardă și copilul (al patrulea fiu) din cauza
atrocităților furtunii. Deși sătenii încep inițial să evacueze satul, ei decid să rămână și să-l
reconstruiască, convinși de Radha.
Câțiva ani mai târziu, cei doi copii supraviețuitori ai lui Radha, Birju și Ramu sunt bărbați tineri.
Birju, împietrit încă din copilărie de cerințele lui Sukhilala, își scoate frustrările bătând peste
fetele satului, în special fiica lui Sukhilala, Rupa. În schimb, Ramu are un temperament mai
calm și este căsătorit la scurt timp. Furia lui Birju devine în sfârșit periculoasă și, după ce a fost
provocată, atacă Sukhilala și fiica sa și îi fură kanganul Radha (brățări de căsătorie) care erau
amanate cu Sukhilala. Este alungat din sat și devine bandit. Radha îi promite lui Sukhilala că
nu-l va lăsa pe Birju să facă rău familiei Sukhilala. În ziua nunții lui Rupa, Birju se întoarce cu
gașca sa de bandiți pentru a-și exact răzbunarea. Îl omoară pe Sukhilala și îl răpește pe Rupa.
Când încearcă să fugă din sat pe calul său, Radha, mama lui, îl împușcă. El moare în brațele ei.
Filmul revine în 1957; Radha deschide poarta canalului și apa lui roșiatică curge pe câmpuri.
Titlul Mama India a fost inspirat din cartea polemică cu același nume a autorului american
Katherine Mayo din 1927, în care a atacat societatea, religia și cultura indiană. [3] Scrisă
împotriva cererilor indiene de a se autodepărta și independența față de stăpânirea britanică,
cartea a indicat tratamentul femeilor Indiei, intocmirea, animalele, murdăria și caracterul
politicienilor săi naționaliști.

“Banditul Sansho” ( “Sansho dayo” Sansho the Bailifi –

1954)_________________***

Sansho the Bailiff este un film japonez din perioada 1954 regizat de Kenji Mizoguchi. Bazat pe o
poveste scurtă cu același nume de Mori Ōgai, care, la rândul său, se baza pe un folclor
legendar, urmează doi copii aristocratici care sunt vândute în sclavie.

Sansho, executorul judecătoresc este un film istoric, jidai-geki, stabilit în perioada Heian din
Japonia feudală. Un guvernator virtuos este alungat de un domn feudal într-o provincie
îndepărtată. Soția și copiii săi sunt trimiși să locuiască cu fratele ei. Câțiva ani mai târziu, soția,
Tamaki și copiii, Zushiō și Anju, călătoresc în țara sa exilată, dar sunt păcăliți în călătorie de o
preoteasă trădătoare. Mama este vândută în prostituție în Sado, iar copiii sunt vândute de către
comercianții de sclavi într-o moșie din cadrul căruia sclavii sunt brutalizați, care lucrează în
condiții oribile și sunt marcați atunci când încearcă să scape. Moșia, protejată de ministrul
Dreptului, este administrată de Sanshō, un executor judecătoresc (sau steward). Fiul lui
Sanshō, Tarō, cel de-al doilea comandant, este un stăpân mult mai uman și îi convinge pe cei
doi că trebuie să supraviețuiască în conac înainte de a putea scăpa pentru a-și găsi mama.

Copiii cresc la vârsta adultă tânără în lagărul de sclavi. Anju mai crede în învățăturile tatălui ei,
care pledează pentru tratarea altora cu umanitate, dar Zushiō și-a reprimat umanitatea,
devenind unul dintre supraveghetorii care pedepsește pe ceilalți sclavi, în convingerea că
aceasta este singura cale de a supraviețui. Anju aude o melodie de la o nouă sclavă din Sado,
care îi menționează pe ea și pe fratele ei în versuri. Acest lucru o duce să creadă că mama lor
este încă în viață. Ea încearcă să-l convingă pe Zushiō să scape, dar el refuză, invocând
dificultatea și lipsa lor de bani.

Zushiō este comandat să-l scoată pe Namiji, o femeie mai în vârstă, din lagărul de sclavi pentru
a fi lăsat să moară în pustie din cauza bolii ei. Anju îi însoțește și, în timp ce rupe crengile
pentru a oferi acoperire femeii decedate, își amintesc amintirile din copilărie anterioară. În acest
moment, Zushiō se răzgândește și îi cere lui Anju să scape cu el pentru a-și găsi mama. Anju îi
cere să-l ia pe Namiji cu el, convingându-l pe fratele ei că va rămâne în urmă pentru a distrage
paznicii. Zushiō promite să se întoarcă pentru Anju. Cu toate acestea, după evadarea lui
Zushiō, Anju se sinucide mergând într-un lac, înecându-se astfel încât să nu fie torturat și
obligat să dezvăluie unde se află fratele ei.

După ce Zushiō evadează în pustie, își găsește vechiul mentor, Tarō - fiul lui Sanshō - la un
templu imperial. Zushiō îi cere lui Tarō să aibă grijă de Namiji, care se recuperează după ce i s-
a administrat medicament, pentru a putea merge la Kyoto pentru a face apel la consilierul-șef în
condițiile îngrozitoare ale sclavilor. Preotul șef scrie o scrisoare pentru el ca dovadă despre cine
este. Deși inițial a refuzat să-l vadă, consilierul șef își dă seama de adevăr după ce a văzut o
statuetă a lui Kannon de la Zushiō. El îi spune apoi lui Zushiō că tatăl său exilat a murit cu un an
înainte și îi oferă lui Zushiō postul de guvernator al Tango, chiar provincia în care se află
conacul lui Sanshō.

În calitate de guvernator al tangoului, primul lucru pe care îl face Zushiō este să dispună un
edict care să interzică sclavia atât pe motive publice, cât și private. Nimeni nu crede că poate
face acest lucru, deoarece guvernanții nu au nicio comandă pentru motive private; deși Sanshō
oferă rezistență inițială (având ca oamenii săi să distrugă semnele care afirmă edictul), Zushiō îi
ordonează arestării lui și a bărbaților săi, eliberând astfel sclavii. Când îl caută pe Anju printre
sclavii lui Sanshō, află că sora sa s-a sacrificat pentru libertatea sa. Conacul este incendiat de
foștii sclavi, în timp ce Sanshō și familia sa sunt exilați. Zushiō demisionează imediat după
aceea, afirmând că a făcut exact ceea ce intenționase să facă.

Zushiō pleacă spre Sado unde își caută mama în vârstă, despre care crede că este încă o
curtezană. După ce a auzit un bărbat afirmând că ea a murit într-un tsunami, el merge la plaja
pe care se presupune că a murit. El găsește o bătrână aproape orbă, decretă, așezată pe plajă
cântând aceeași melodie pe care o auzise cu ani înainte. Dându-și seama că este mama lui, el
îi dezvăluie identitatea, dar Tamaki presupune că este un truc până când îi dă statueta lor.
Zushiō îi spune că atât Anju, cât și tatăl lor au murit și își cere scuze că nu au venit pentru ea în
pomana postului său de guvernator. În schimb, el a urmat proverbul tatălui său și a ales milă
față de alții, eliberând sclavii deținuți de Sanshō. El îi spune mamei sale că a fost fidel
învățăturilor tatălui său, pe care le recunoaște cu nerăbdare.

Sansho a câștigat Leul de Argint pentru cea mai bună regie în cadrul Festivalului Internațional
de Film de la Veneția, care l-a adus din nou pe Mizoguchi în atenția criticilor și a producătorilor
de film occidentali, după „Viața lui Oharu” (premiul internațional, 1952) și Ugetsu (Leul de argint,
1953 ).
“Detour” -1945

Detour este un film american noir din 1945, regizat de Edgar G. Ulmer, cu Tom Neal și Ann
Savage. A fost adaptată de Martin Goldsmith și Martin Mooney (necreditat) din romanul
Goldsmith din 1939, cu același nume, și lansat de Producătorii de presă Corporation, unul dintre
așa-numitele studiouri de film Poverty Row de la Hollywoodul de la mijlocul secolului XX.
Pianistul Al Roberts (Neal) bea cafea la un restaurant de pe marginea drumului din Reno,
autostopul la est de California, când un coleg de patron cântă o melodie pe jukebox, care îi
amintește de viața sa din New York. Își amintește o perioadă în care era amărât de risipirea
talentului său muzical, lucrând într-un club de noapte ieftin. După ce prietena sa, Sue Harvey
(Claudia Drake), solistul clubului de noapte, pleacă să-și caute faima la Hollywood, el se
scufundă în depresie. După oarecare supărare, decide să plece în California și să se
căsătorească cu ea; cu bani puțini, totuși, este forțat să facă drum în toată țara.
În Arizona, cartierul Charles Haskell, Jr. (Edmund MacDonald) îi oferă lui Al obosit și descurajat
o plimbare în decapotabilul său și îi spune că are noroc: se conduce până la Floridato Los
Angeles pentru a pune un pariu pe un cal. . În timpul deplasării, Al are pastile lui Al în mai multe
rânduri, pe care le înghite în timp ce conduce. În noaptea aceea, Al se conduce în timp ce
Haskell doarme. Când o furtună îl obligă pe Al să tragă pentru a pune partea superioară a
convertibilului, el nu este în stare să-l ridice pe Haskell. Al deschide ușa din partea pasagerului
și Haskell se dăruiește, lovindu-și capul de o stâncă. Al apoi își dă seama că bookie-ul este
mort. Temându-se că poliția va crede că l-a ucis pe Haskell, Al trage cadavrul de pe drum.
După ce a luat în considerare opțiunile sale și, cu frica de a-i aresta cea mai mare preocupare,
ia banii, hainele și identificarea mortului, și pleacă, intenționând să abandoneze mașina în
apropiere de Los Angeles.
Se traversează în California după ce a răspuns întrebărilor puse de poliție și petrece o noapte
într-un motel. A doua zi, când pleacă dintr-o benzinărie în apropierea Aeroportului Desert
Center, alege un autostop, Vera (Ann Savage). La început, călătorește în tăcere cu Al, care s-a
identificat ca Haskell, apoi îi provoacă brusc identitatea și proprietatea mașinii. Ea dezvăluie că
fusese ridicată de Haskell mai devreme în Louisiana; ea a ieșit în Arizona după ce a încercat să
se forțeze asupra ei. Al îi spune cum a murit Haskell, dar ea îl șantajează amenințându-l să-l
transfere la poliție. Ea ia banii pe care Al i-a preluat din portofelul lui Haskell și își dorește orice
bani pot obține vânzând mașina.
În Hollywood, aceștia închiriază un apartament, pozând ca domnul și doamna Haskell, pentru a
oferi o adresă atunci când vând mașina. Ei petrec un timp fracturan împreună în apartament, Al
resentent de situație, dar Vera se dezvăluie că are mâna superioară. Când urmează să vândă
mașina, Vera află de la un ziar că tatăl bogat al lui Haskell este aproape de moarte și este în
curs de căutare pentru fiul său îndepărtat. Vera cere ca Al să înlocuiască Haskell odată ce tatăl
moare și să se poziționeze pentru a moșteni moșia. Al refuză, argumentând că impersonarea
necesită cunoștințe detaliate de care îi lipsesc.
Înapoi la apartament, Vera se îmbată și încep să se certe din nou. Într-o furie îmbătată,
amenință să sune poliția, alergând în dormitor cu telefonul și blocând ușa, căzând pe pat cu
cablul telefonic încurcat în jurul gâtului. Din cealaltă parte a ușii, Al trage de cablu în efortul de
a-l sparge de la telefon. Când Vera nu reușește să răspundă în timp ce îi strigă numele, el
sparge ușa și o descoperă pe Vera sugrumată de cablul telefonic.
Al renunță la ideea de a o contacta din nou pe iubita lui Sue și se întoarce la autostop. Ulterior
află că Haskell este dorit în legătură cu uciderea soției sale, Vera. Revenind la narațiunea de
încadrare din sala de mese din Reno unde s-a deschis filmul, își imaginează inevitabil arestarea
de către poliție.
Acest film din rândul sărăciei de la Hollywood, filmat în șase zile, plin de erori tehnice și
narațiune cu șuncă, în care are un bărbat care nu poate decât să bâlbâie și o femeie care nu
poate decât să se strecoare, ar fi trebuit să se estompeze din vedere la scurt timp după ce a
fost lansat în 1945. Și totuși, trăiește, bântuitor și înfiorător, o întruchipare a sufletului vinovat al
filmului noir. Nimeni care a văzut-o nu a uitat-o cu ușurință.
Povestea se simte mai mult decât puțin încordată în mai multe ocazii. Este greu să nu te
îndrăgostești de nădejdea care constituie Detour. Un thriller cu buget redus regizat de Edgar G.
Ulmer. Sigur, este un film B extrem de simplu, dar este plin de citate interesante, cinism
prietenos, întuneric negru și cel puțin la fel de multă ploaie. Este nesăbuit de distractiv să-i vezi
pe Vera și Al să se arunce cu barbe ascuțite unul pe celălalt, în timp ce tonurile sunt atât de
mizerabile, încât le este greu să râdă de ele.

Cu un timp de joc de peste 70 de minute spune adio lui Detour cu mult înainte de a avea timp
să înceapă să se simtă obositor.

“All That Heaven Allows” -1955___________________***

All That Heaven Allows este un film de romantism melodrama din Technicolor din 1955, cu Jane
Wyman și Rock Hudsonin, o poveste despre o văduvă bine făcută și un designer de peisaj mai
tânăr care se îndrăgostește. Scenariul a fost scris de Peg Fenwick pe baza unei povești a lui
Edna L. Lee și Harry Lee. Filmul a fost regizat de Douglas Sirk și produs de Ross Hunter.
În 1995, filmul a fost selectat pentru păstrare în Registrul Național al Filmelor din Statele Unite.
Cary Scott (Jane Wyman) este o văduvă bogată în Stoningham, în New England-ul suburban, a
cărei viață socială îi implică pe colegii ei de cluburi de țară, copii în vârstă de facultate și câțiva
bărbați care se luptă pentru afecțiunea ei.
Ea se interesează de Ron Kirby (Rock Hudson), grădinarul ei, un bărbat mai tânăr inteligent,
pământesc și respectuos, dar pasionat. Ron se mulțumește cu viața sa simplă în afara societății
materialiste, iar cei doi se îndrăgostesc. Ron o prezintă oamenilor care par să nu aibă nevoie de
avere și statut și răspunde pozitiv. Cary acceptă propunerea sa de căsătorie, dar devine
neliniștită atunci când prietenii și copiii de vârsta universității sunt furioși. Ei privesc în jos pe
Ron și prietenii lui și își resping mama pentru acest aranjament social inacceptabil. În cele din
urmă, înclinându-se la această presiune, ea întrerupe logodna.
Cary și Ron își continuă viața separată, amândoi cu multe regrete, dar copiii lui Cary anunță
curând că se mută. După ce și-a distrus șansa de fericire, fiul ei îi cumpără un televizor pentru
a-și păstra compania. Înainte de a face acest lucru, totuși, fiica ei își cere scuze mamei sale
pentru reacția sa impulsivă și nechibzuită față de Ron, spunând că mai este timp dacă într-
adevăr îl iubește pe Ron. Doctorul lui Cary subliniază că Cary este acum mai singură decât era
înainte de a-l întâlni pe Ron.
Când Ron are un accident care pune în pericol viața, Cary își dă seama cât de greșită a fost să
permită opiniilor celorlalți și convențiilor sociale superficiale să-și dicteze alegerile de viață și
decide să accepte viața pe care Ron o oferă. Când se recuperează, Cary se află lângă noptiera
lui, spunându-i că s-a întors acasă.
Dar „All That Heaven Allows” este imaginea lui Jane Wyman până la capăt, iar ea este
cerească în toate.
Desi tot ceea ce face arata nestudiat si complet naturalist, al ei este o afisare tehnica
consumata a filmului care actioneaza la cel mai inalt nivel.
Ascultă singur inflexiunile ei vocale. Complet naturalist. Cu excepția unei variații dramatice și
susținute de o emoție accentuată, care este orice „naturală” și este tot „artă”. (De asemenea,
putea să cânte și să cânte bine.)
Urmărește-ți mișcările. Același lucru. Toate cu caracter, nu o uncie de fonetism. Dar atât de
precis, de economic și de scalat pentru aparatul foto, încât, din nou, te uiți la arta unui
profesionist bine pregătit performând la un nivel înalt.
Apoi, urmăriți-i apropiații uimitori. Îi poți citi fiecare gând și emoție și reacție - variază în mare
măsură de-a lungul arcurilor de complot emoțional - fără ca ea să spună un cuvânt. Fără o
uncie de depășire.
Simplitatea ei aparentă, în calitate de artistă, de actriță, este atât de concentrată, dar subtilă,
încât te trage și te ține complet în fiecare moment în care este pe ecran.
Asta, fără a fi o „frumusețe” naturală sau clasică precum Lana Turner sau Elizabeth Taylor, și
fără manifestarea agresivă a unor actrițe precum Bette Davis sau Joan Crawford sau Katharine
Hepburn.
Scenariul nu oferă lui Wyman artificiile istorice ale unor roluri mai flambante, date fiind alte
actrițe.
Dar bogăția stratificată și onestitatea performanței lui Wyman aici este realizarea centrală care
te ține să te întorci din nou la „All That Heaven Allow”.