10 PORTRETE

POPULARE
DE OARGA DARIUS VALENTIN
 NUMARUL 1:MONA LISA

• Este vorba de o pictură în ulei pe lemn de plop cu dimensiunea de 77 x 53 cm. Natura imaginii
redate a făcut subiectul a nenumărate interpretări. În general, se poate spune că vivacitatea și
ambiguitatea fizionomiei Giocondei se datorează procedeului de pictură „sfumato”, dând
tabloului un aer misterios. Caracteristica principală a portretului este surâsul enigmatic.
Sigmund Freud a interpretat acest surâs ca simbol al atracției erotice a lui Leonardo față de mama
sa (Complex Oedip). Identitatea personajului portretizat nu este încă sigură, deși recent
cercetătorul Giuseppe Pallanti din Florența tinde să confirme afirmația lui Giorgio Vasari, după
care ar fi vorba de Monna Lisa Gherardini, membră a micii nobilimi rurale din Toscana. Cercetări
anterioare ajunseseră la concluzia că portretul ar reda figura unei înstărite doamne
florentine, Madonna Lisa del Giocondo, al cărei nume ar explica și a doua denumire a tabloului.
POZE CU TABLOUL MONA LISA
 ISTORIA PORTRETULUI MONA LISA

• Istoria tabloului este plină de peripeții. Leonardo era foarte atașat de el și îl purta totdeauna cu sine în călătorii, inclusiv
atunci când regele Francisc I l-a invitat în 1516 să se stabilească în Franța, în castelul din Amboise. Regele i-a cumpărat
tabloul, care a fost expus mai întâi la palatul Fontainebleau, mai târziu la Versailles. După Revoluția Franceză este expus
la Luvru, Napoleon Bonaparte l-a luat pentru propriul său dormitor, apoi a revenit la muzeul Luvru. În timpul
Războiului franco-prusac din 1870-1871 a stat ascuns într-un loc necunoscut. În ziua de 22 august 1911 se constată
dispariția tabloului din muzeu. Poetul Guillaume Apollinaire este suspectat de furt și arestat, în ziua de 7 septembrie este
interogat și Pablo Picasso, dar ambii sunt eliberați din lipsă de dovezi. S-a descoperit că un angajat de la muzeul Luvru,
de origine italiană, Vincenzo Perugia, convins că tabloul aparține Italiei, l-a furat purtându-l sub manta la ieșirea din
muzeu. A fost descoperit când a încercat să-l vândă unui negustor de opere de artă din Florența. După ce a fost expus în
principalele orașe ale Italiei, revine la Luvru în 1913. În 1956, partea inferioară a tabloului suferă daune serioase în urma
unui atentat cu o soluție acidă, iar câteva luni mai târziu un vizitator a aruncat în el o piatră. În prezent se află protejat sub
o sticlă incasabilă. În anul 1962 a fost expus în America la New York și Washington, D.C., iar în anul 1974 la Tokyo și
Moscova.
 NUMARUL 2:NOAPTEA INSTELATA

• Noaptea înstelată ( olandeză : De sterrennacht ) este o pictură în ulei pe pânză

apictoruluipostimpresionist olandez Vincent van Gogh . Pictat în iunie 1889, înfățișează
vederea de la fereastra orientată spre est acamerei sale de azil din
Saint-Rémy-de-Provence , chiar înainte de răsăritul soarelui, cu adăugarea unui sat
imaginar. [1] [2] [3] Se află în colecția permanentă a Muzeului de Artă Modernă din New
York din 1941, achiziționată prinLillie P. Bliss Bequest .
Considerat pe scară largă drept opera lui Van Gogh, [4] [5] Noaptea înstelatăeste una dintre
cele mai recunoscute picturi din arta occidentală. [6] [7]
POZE CU TABLOUL
DESPRE PICTURA:

• Deși Noaptea înstelată a fost pictată în timpul zilei în studioul lui Van Gogh de la parter, ar fi inexact să afirmăm că tabloul a
fost pictat din memorie. Vederea a fost identificată ca fiind cea de la fereastra dormitorului său, orientată spre est, [1] [2] [17] [18] o
vedere pe care Van Gogh a pictat variații de nu mai puțin de douăzeci și una de ori, [ citare necesară ] inclusiv The Noapte
înstelată . „Prin fereastra cu gratii de fier”, i-a scris el fratelui său, Theo, pe la 23 mai 1889, „pot vedea un pătrat închis de
grâu... deasupra căruia, dimineața, privesc răsăritul soarelui în toată splendoarea lui. ." [2] [L 2]
• Van Gogh a descris priveliștea în diferite momente ale zilei și în diferite condiții meteorologice, cum ar fi răsăritul soarelui,
răsăritul lunii, zile pline de soare, zile înnorate, zile cu vânt și o zi cu ploaie. În timp ce personalul spitalului nu i-a permis lui
Van Gogh să picteze în dormitorul său, el a putut să facă acolo schițe cu cerneală sau cărbune pe hârtie; în cele din urmă, el ar
baza variații mai noi pe versiunile anterioare. Elementul pictural care unește toate aceste picturi este linia diagonală care vine
din dreapta, înfățișând dealurile joase și ondulate ale munților Alpilles . În cincisprezece dintre cele douăzeci și una de
versiuni, chiparoși sunt vizibili dincolo de peretele îndepărtat care înconjoară câmpul de grâu. Van Gogh și-a exagerat
dimensiunea în șase dintre aceste picturi, în special în F717 Câmp de grâu cu chiparoșiși Noaptea înstelată , aducând copacii
mai aproape de planul imaginii .
NUMARUL 3: ȚIPĂTUL

• The Scream este o compoziție creată de artistul norvegian Edvard Munch în 1893. Fața agonisită din pictură a devenit
una dintre cele mai iconice imagini ale artei, văzută ca simbolizând anxietatea condițieiumane . Lucrarea lui Munch,
inclusiv The Scream , va avea o influență formativă asupramișcăriiexpresioniste . [1]
• Munch și-a amintit că ieșise la plimbare la apus, când brusc lumina soarelui apus a transformat norii în „ roșu sânge ”. A
simțit un „țipăt infinit care trecea prin natură”. Cercetătorii au localizat locul într-un fiord cu vedere la Oslo [2] și au
sugerat alte explicații pentru cerul nenatural de portocaliu, variind de la efectele unei erupții vulcanice la o reacție
psihologică a lui Munch până la angajamentul surorii sale într-un azil de nebuni din apropiere .
• Munch a creat două versiuni în vopsea și două în pastel , precum și o piatră litografică
din care supraviețuiesc mai multe imprimeuri. Ambele versiuni pictate au fost furate, dar de atunci au fost
recuperate. Una dintre versiunile pastelate a ocupat al patrulea cel mai mare preț nominal plătit pentru o opera de artă la o
licitație publică. Titlul norvegian este Skrik (Shriek), iar titlul german a fost Der Schrei der Natur (Tipătul naturii). [3]
CATEVA POZE
IN CULTURA POPULARA DESPRE TABLOU:

• La sfârșitul secolului al XX-lea, The Scream a fost imitat, parodiat și (după expirarea drepturilor de autor) complet copiat, ceea ce a condus la dobândirea unui statut
iconic în cultura populară. A fost folosit pe coperta unor ediții ale cărții lui Arthur Janov din 1970 The Primal Scream . [58]
• În 1983–1984, artistul pop Andy Warhol a realizat o serie de serigrafii copiend lucrări ale lui Munch, inclusiv The Scream . Intenția sa declarată a fost să
desacralizeze pictura transformând-o într-un obiect reproductibil în masă. Munch începuse deja acest proces, totuși, făcând o litografie a lucrării pentru reproducere.
Tratamentul ironic și ireverent de către Erró a capodopera lui Munch în picturile sale acrilice The Second Scream (1967) și Ding Dong (1979) este considerată o
caracteristică a artei post-moderne . [59] Expresia lui Kevin McCallister ( Macaulay Culkin) din posterul filmului Home Alone a fost inspirat de The Scream . [ necesită citare ]
• Masca Ghostface purtată de principalii antagonişti ai seriei Scream de filme de groază se bazează pe pictură. A fost creat de Brigitte Sleiertin de la compania de
costume Fun World pentru piața de Halloween , înainte de a fi descoperit de Marianne Maddalena și Wes Craven pentru film. [60]
• Principalii antagoniști extratereștri reprezentați în serialul BBC din 2011 al Doctor Who , numit „ The Silence ”, au o apariție bazată parțial pe The Scream. [61]
•
În 2013, The Scream a fost unul dintre cele patru tablouri pe care serviciul poștal norvegian le-a ales pentru o serie de timbre care marchează 150 de ani de la nașterea
lui Edvard Munch. [62] În 2018, duo-ul norvegian de comedie Ylvis a realizat un musical bazat pe furtul picturii cu Pål Enger, care a furat-o în 1994. [63]
• Un grup de resurse pentru pacienți pentru nevralgia trigemenului (care a fost descrisă ca fiind cea mai dureroasă afecțiune existentă) a adoptat, de asemenea, imaginea
ca simbol al afecțiunii. [64]
• În cele mai multe randări, emoji -ul U+1F631 😱 FACE SCREAMING IN FEAR este făcut să semene cu subiectul picturii. [65]
NUMARUL 4: FATA CU TURBAN

• Această pictură este semnată „IVMeer”, dar nu este datată. Este neclar dacă această pictură a fost sau nu
comandată; iar dacă da, de către cine. În orice caz nu a fost concepută ca un portret convențional. [3] În
schimb, Vermeer a încercat să surprindă momentul în care această fată —a cărei identitate este incertă,
dar care se crede că a fost Maria(Maertge), fiica lui Vermeer (lucru fals deoarece aceasta avea doar 11
ani la momentul pictării tabloului - vezi prefața cărții de Tracy Chevalier - Fata cu cercel de perlă -
prefață de Mircea Mihăieș) — își întoarce capul spre cineva pe care tocmai l-a remarcat.
• La sfatul lui Victor de Stuer, care a încercat mulți ani să preîntâmpine vânzarea în străinătate a lucrărilor
rare ale lui Vermeer, A. A. des Tombe a cumpărat lucrarea la o licitație ținută la Haga în 1881 pentru
doar doi guldeni și 30 de cenți. În acel moment, starea picturii era foarte gravă. Des Tombe nu a avut
moștenitori și a donat această lucrare împreună cu alte picturi muzeului Mauritshuis, în 1902.
POZE CU PICTURA
 NUMARUL 5:SARUTUL (GUSTAV KLIMT)

• Sărutul (în germană Der Kuss) este un tablou ce a fost făcut de pictorul austriac simbolist
Gustav Klimtîntre anii 1907 și 1908, reprezentând punctul culminant al „perioadei de aur”,
perioadă în care a pictat o serie de lucrări într-un stil auriu similar acestui tablou. Fiind un
pătrat perfect, pânza descrie un cuplu îmbrățișat, trupurile lor învelite în robe elaborate fiind
decorate într-un stil influențat de stilul contemporan cu tabloul, numit Art Nouveau, de
Mișcarea artistică Arts and Crafts și de forme ale curentelor artistice de dinainte. Lucrarea este
realizată cu vopsea de ulei cu straturi aplicate de frunze de aur, un aspect care îi conferă
aspectul remarcabil de modern, dar și de evocator. Pictura se află în Galeria Belvedere din
Viena, Austria. Tabloul este considerat un simbol al Vienei și este una dintre cele mai
cunoscute lucrări ale lui Klimt.
POZE CU ARTA LUI KLIMT
NUMARUL 6:NASTEREA LUI VENUS(SANDRO
BOTTICELLI)
• Nașterea lui Venus (Afrodita) (în italiană: Nascita di Venere [ˈnaʃʃita di ˈvɛːnere]) este o pictură
realizată de Sandro Botticelli în anul 1484, aflată la Galeria Uffizi, Florența. Este o reprezentare a
zeiței Venus, născută din spuma mării, ca femeie matură (numită Venus Anadyomene).
• Ca model i-a servit și în această pictură frumoasa italiană Simonetta Vespucci.
• Potrivit legendei mitologice zeița Venus (Afrodita) s-ar fi născut în locul numit „Petra tou Romiou“
(„Stânca Grecului“) pe țărmul sudic al insulei Cipru unde sunt așa-numitele „Stâncile Afroditei”. In
acest loc unde ar fi căzut în apa mării înspumate organele genitale ale zeului Uranus, amputate de fiul
său, Cronos. Din ele s-ar fi născut, in valurile mării învolburate, zeița dragostei Venus (Afrodita).
• Legenda constituie tema mai multor tablouri pictate de artiști renumiți.
POZE CU VENUS
NUMARUL 7:CINA CEA TAINA (LEONARDO DA
VINCI)
• Lucrarea măsoară 460 x 880 cm și a fost executată în tempera și ulei, aplicate pe un strat dublu de ipsos, în perioada cuprinsă între 1494 și
1497. Pictura reprezintă scena biblică a Ultimei Cine a lui Iisus Hristos, așa cum este descrisă în Evanghelia după Ioan (13:21), redând
reacțiile diferite ale apostolilor săi, după ce Isus anunțase că unul dintre discipolii săi îl va trăda. Forma definitivă a fost precedată de studii
amănunțite, schițele corespunzătoare s-au păstrat și se găsesc în Muzeul Albertina din Viena, la "Accademia" din Veneția și în "Royal
Library" din castelul Windsor.
• Tehnica folosită de Leonardo, lucrând pe tencuială uscată cu materiale asemănătoare picturilor pe lemn, s-a dovedit neadecvată, rezultatul
fiind că, după puțin timp, vopseaua a început să se desprindă, fapt atestat într-o scrisoare a lui De Beatis din 1517, adresată cardinalului
din Aragona. În cursul secolelor, pictura a fost de mai multe ori restaurată, rezultatele fiind mai degrabă negative, întunecându-se suprafața
pictată. Călugării dominicani au distrus peretele inferior, deschizând o ușă chiar la mijloc, eliminând astfel picioarele lui Iisus. Ultima
restaurare, începută în 1948 și terminată la 28 mai 1999, a reînnoit pigmentul colorant milimetru cu milimetru, restituind și consolidând
astfel ceea ce mai rămăsese din pictură și readucând la vedere aspecte dotate de o luminozitate și prospețime neașteptate. În august 1943,
în urma unui bombardament aerian, tavanul încăperii se prăbușește dar pictura rămâne ca prin minune intactă, protejată doar de câțiva saci
cu nisip.
• În 1980, împreună cu biserica și cu mănăstirea dominicană, opera lui Leonardo a fost declarată de către UNESCO patrimoniu al umanității.
TABLOUL ARATA CAM ASA:
NUMARUL 8:ARANJAMENT IN GRI SI NEGRU
(JAMES WHISTLER
• Profesorii principali ai artistului au fost Camille Corot și Gustave Courbet. Dar totuși, rolul decisiv pentru el l-a
jucat arta japoneză din epoca Edo și stilul Ukiyo-e. Whistler nu a acceptat pe deplin ideea impresionistă. Așadar,
avea o opinie excelentă despre aer liber: credea că scrierea din natură este cea mai bună în cameră. O importanță
deosebită a fost acordată tonalității. Gândit cu atenție, trebuia să corespundă perfect ritmurilor liniilor. În aceasta,
artistul a văzut cheia muncii de succes.
• „Aranjamentul în gri și negru nr. 1: portretul mamei” de Whistler este unul dintre cele mai frapant tablouri ale
artei americane. Stratul de vopsea din el este atât de subțire încât textura pânzei este vizibilă prin ea. Accentul în
portret este pus pe imaginea capului – chipul femeii și șapca ei sunt scrise cu lovituri lungi și măturate.
• Lui Whistler îi plăcea să-i înfățișeze pe un fundal neutru în plină creștere, astfel încât nimic să nu distragă atenția
sau să interfereze cu concentrarea asupra personajului. Mai mult, toate portretele sale sunt realizate în încăperi
complet lipsite de peisaje. Artistul umple spațiul cu lumină și aer, pictând fundalul în culori strălucitoare.
POZE CU PICTURA ACESTUIA
NUMARUL 9:GUERNICA (PABLO PICASSO)

• Guernica este o pictură de 349,3 x 776,6 cm realizată în 1937 de pictorul Pablo Picasso.
• Guernica este dedicat orașului basc Guernica, bombardat de aviația germană în timpul
războiului civil din Spania. Această operă marchează începutul angajării politice a
artistului.
• Guernica a fost expusă la Prado, după revenirea acesteia în Spania de la Museum
of Modern Art din New York, în urma restaurării democrației, dar a fost mutată ulterior
la Museo Reina Sofia, unde a fost găsit un spațiu expozițional mai mare pentru imensa
pânză.
PICTURA LUI PICASSO
NUMARUL 10: O DUMINICA DE VARA PE INSULA
GRAND JATTE (GEORGES CERA)
• Pictura lui Georges Seurat „Duminică pe insula Grand Jatte” a fost scrisă într-o tehnică complet
revoluționară pentru acea vreme – punctillismul. Această tehnică se bazează pe proprietățile anatomice ale
ochiului uman și nu implică amestecarea culorilor, în schimb, fiecare culoare este aplicată într-o perie
separată și doar considerate ca un întreg, ele reprezintă o imagine semnificativă.
• șa cum se întâmplă de obicei cu multe inovații, imaginea a provocat răspunsuri contradictorii atât din partea
spectatorilor, cât și a criticilor. Artistul nu a atras chipurile oamenilor, deși siluetele sunt exacte și clare. Din
această cauză, se pare că Sera a descris în imagine nu oameni, ci manechine fără chip. Această caracteristică
a stilului pictorului inovator nu a găsit nici o recunoaștere fără echivoc a publicului. Georges Cera a explicat-
o astfel: tabloul său poartă o semnificație spirituală profundă, iar orice lucru pământesc, inclusiv fața lui, nu
contează. Imaginea transmite esența: parizienii se odihnesc în locul lor preferat pentru plimbările
duminicale, dar concretitatea este inutilă.
POZA CU PICTURA RESPECTIVA