Expresionismul abstract american

● Perioada anilor 1940-1950

● Limbaj abstract (nu figurativ)
● Resping standardele de reprezentare tradiţionale
● Pun accent pe spontaneitate şi gest
● Exprimă experienţe subiective individuale
● O perspectivă spre lumea interioară

CONTEXT ISTORIC

Impactul psihologic în urma bilanţului uman, material şi economic al celui de-al

doilea Război Mondial este fără precedent în istorie.
La sfârşitul războiului, SUA cumulează supremaţia militară, avansul tehnologic
şi ştiinţific, bogăţia economică.

New York-ul se află înaintea Parisului, ca pol artistic cosmopolit. Numeroşi artişti
de avangardă europeni, foarte mulţi suprarealişti şi-au găsit aici refugiul, în 1940.
De altfel bazele expresionismului abstract au fost puse de imigranţi europeni ce
fugeau de politicile fascismului şi nazismului.
Hans Hofmann,
Hans Hofmann, un artist considerat pionier al curentului, profesor de pictură Effervescence (oil,
influent, era din Germania; în timp ce Willem de Kooning a venit din Olanda, India ink, casein,
Arshile Gorky din Armenia și Mark Rothko din Letonia and enamel on
plywood panel,
Școala din New York cuprinde spectrul larg de stiluri și dezvoltări artistice 54.375” x 35.875”,
substanțiale care au apărut în New York City în anii de după cel de-al Doilea 1942)
Război Mondial.
CONTEXT POLITIC
© Estates of Andre
Expresionismul abstract american își trage rădăcinile din experiențele Breton, Jacqueline
Suprarealismului european, ajuns cunoscut în America odată cu valul de artiști Lamba and Yves
Tanguy. All rights
refugiați din fața nazismului și instabilității politice europene. Teoriile reserved. DACS, London
suprarealiste despre subconștient, practica dicteului automat și încercările de a 2022

elibera spiritul creator individual de constrângeri intelectuale și morale, au fost

principalele elemente ce au maturizat arta abstractă americană.

Deși nu a existat o singură mișcare din care să fi apărut expresionismul abstract,

suprarealismul este adesea citat ca o influență centrală. Pe măsură ce
fascismul s-a răspândit în Europa în anii 1930, mulți artiști importanți au evadat
la New York. Printre aceștia s-au numărat figuri influente din cadrul mișcării
suprarealiste, cum ar fi Max Ernst, Yves Tanguy și André Breton.

Interesul suprarealiştilor pentru subconştient şi starea de vis au avut un efect

direct asupra abordării spontane a creaţiei a expresionismului abstract. Acest
lucru este poate cel mai evident în picturile lui Jackson Pollock, o ramură a
noțiunii suprarealiste de „automatism”.

Statele Unite erau în plină expansiune atât economic, cât și cultural, cu New
York-ul în centrul său.

Fondarea Muzeului de Artă Modernă în 1929 a deschis calea pentru ca

modernismul să fie susținut instituțional în întreg orașul.
CONTEXT POLITIC

Războiul Rece a continuat în anii 1950 și tensiunile dintre SUA și Uniunea

Sovietică au escaladat, cultura a devenit un pivot pentru guvernul SUA.

Mulți au susținut că arta modernă a fost o întruchipare a libertății și că

expresionismul abstract, în special, cu accent pe exprimarea individuală, a fost o
soluție perfectă pentru estetica rigidă și structurile politice ale comunismului.

Deși expresioniștii abstracti nu erau ei înșiși politici, opera lor a fost cooptată de
guvern. Pe tot parcursul Războiului Rece, MoMA, cu ajutorul CIA, a făcut eforturi
pentru recunoașterea globală a picturii americane.
O expoziție influentă marca MoMA, The New American Painting, a făcut un
turneu în Europa între 1958-1959, incluzând Berlin, Milano, Paris și Londra.

Deloc neglijabil în geneza artei abstracte americane a fost programul

guvernamental Federal Art Project (parte din Work Progress Administration),
născut din politicile New Deal ale administrației F.D.Roosevelt, menite să
combată efectele marii crize economice a anilor 1929-1933.

Arta abstractă a fost receptată ca prima mare avangardă autentic americană și

pentru că avea trăsături ce păreau să reflecte idealurile spiritului american: era
monumentală, idealistă și era rezultatul exprimării creative a libertății
individuale.

Federal Art Project (1935–1943) a fost un program New Deal pentru a finanța artele vizuale din Statele
Unite. A fost unul dintre cele cinci proiecte federale ale proiectului numărul unu sponsorizate de Works Sigla FAP
Progress Administration (WPA) și cel mai mare dintre proiectele de artă New Deal.Proiectul Federal de
Artă WPA a înființat peste 100 de centre comunitare de artă în toată țara, a cercetat și documentat
designul american, a comandat un corp semnificativ de artă publică fără restricții la conținut sau
subiect și a susținut aproximativ 10.000 de artiști și meșteșugari în timpul Marii Depresiuni.
ORIGINI

Unele din cele mai ilustre episoade ale existenței artei abstracte sunt
legate de Avangardele din Rusia, Dada, Bauhaus și de neoplasticismul
olandez (De Stijl).

Artiștii care făceau parte din mișcarea de Stijl au vrut să exprime un nou ideal utopian, al
Piet Mondrian, Still
armoniei și al ordinii spirituale. Ei suportau abstracția pură în artă, și universalitatea prin
Life with Gingerpot
reducerea la elementele esențiale a formei și a culorii — adică, simplificau compozițiile 2, 1912
vizuale la linii sau forme doar în direcțiile verticale și orizontale, și foloseau doar cele trei
culori primare: roșu, albastru și galben, în afară de alb și negru.

Filosofia neoplatonică a matematicianului M. H. J. Schoenmaekers, care a inventat termenul

neoplasticism, a influențat semnificativ mișcarea de Stijl.

Piet Mondrian,
Composition with
Piet Mondrian, Large Red Plane,
Broadway Yellow, Black,
Boogie-Woogie, Gray, and Blue,
1943 1921
ORIGINI

Arta abstractă modernă, așa cum e ea înțeleasă și definită azi, a apărut

în cultura europeană pentru prima dată în 1913, odată cu acuarela
intitulată „Studiu VII” a lui W. Kandinski

Hilma af Klint, o artistă suedeză, a realizat prima sa lucrare în această

manieră încă din 1906).

„Studiu VII” - W. Kandinski,

1913

Hilma af Klint
1907 The
Large Figure
Paintings No
5
A apărut și s-a dezvoltat la New York -singurul nucleu regional și cultural,
arta abstractă americană se naşte cu 2 direcţii distincte.

1.„Action painting”, pictura gestuală, influențată de expresionism și

suprarealism, era înregistrarea fidelă a variațiilor emoționale ale
artistului și o diagramă a mișcărilor sale spațiale.

Pollock, de exemplu întindea pânza pe jos și lăsa culorile să curgă pe suprafață,

într-o nouă tehnică denumită „dripping” (picurare). Pensula lui Pollock nici măcar
nu mai atingea suprafața picturală, ci era condusă de „dansul” artistului în spațiul
delimitat de marginile suprafeței de lucru. La fel se întâmplă și la Willem de
Kooning sau Franz Kline, pentru care pictura devenise spontaneitate spațială și
explozie emoțională, înregistrată gestualist pe pânză prin mari tușe colorate.

2.„Colour field painting”, așa cum a numit-o Clement Greenberg*, a

Jackson Pollock,
fost o artă descinsă din abstracțiunea geometrică a Bauhaus, De Stijl Convergence
sau a avangardelor din Rusia, raționalistă și sistematică. Artiști ca Mark 1952
Rothko sau Barnett Newman încercau să elimine ideea de formă din
suprafața picturală și lucrau în câmpuri cromatice ample, plate și
uniforme.

*Clement Greenberg, scriind ocazional sub pseudonimul K. Hardesh, a fost un eseist

american cunoscut în principal ca critic de artă strâns asociat cu arta modernă americană
de la mijlocul secolului al XX-lea și un estetician formalist.

Barnett Newman,
Onement VI , 1953
1.„Action painting”

Așa cum scria criticul Harold Rosenberg, care a inventat termenul

„action painting” într-un articol din 1952 pentru Art News, „Ceea ce
trebuia să apară pe pânză nu era o imagine, ci un eveniment”.

În cadrul acestui subset, fiecare artist avea un stil de semnătură.

Jackson Pollock și-a creat faimoasele picturi prin tehnica dripping ,

turnând vopsea direct pe o pânză aranjată pe podea. El evită pensulele
pentru unelte precum bețe , mișcându-le pe suprafața picturii într-un
mod ritmic, fluid. Jackson Pollock

Tehnica favorită a lui Willem De Kooning de la sfârșitul anilor 1950,

numită „full arm sweep” de către criticul Thomas Hess, a fost
caracterizată prin mișcări largi de vopsea care au rezultat într-o
abstractizare totală.

Helen Frankenthaler, pe de altă parte, a inventat tehnica „soak-stain”,

prin care vopsea diluată a fost aplicată pe o pânză netratată.
Helen Frankenthaler și-a întins pânzele pe podea, permițând vopselei să
se înmoaie în ţesătură. Ea manipula apoi vopseaua cu pensule, role sau
răsturnând pânza în diferite moduri.

Willem de Kooning,
Woman, III
1950-52
2.„Colour field painting”

În cartea sa Abstract Expressionism, savantul Ivring Sandler îi clasifică

pe Mark Rothko, Clyfford Still și Barnett Newman drept „pictori de
câmpuri de culoare”.
Acești artiști au folosit suprafeţe mari de culoare pentru a exprima
emoția unui peisaj interior.

Helen Frankenthaler este artista care face în cariera sa tranziția de la

Action Painting la Color Field.

Clyfford Still,
PH-389, 1963–66

Mark Rothko.
Helen Frankenthaler, Untitled. 1968
Pink Field, 1962
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Jackson Pollock,
Number 28, 1950
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Willem de Kooning
Untitled
1976

Willem de Kooning,
Untitled XVI (1976)
 Mark Rothko
Artiști reprezentativi Untitled
1968

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Mark Rothko, Untitled (Rust,

Blacks on Plum), 1962.

Din punct de vedere istoric funcția tablourilor mari este reprezentarea unei lumi
grandioase. Motivul pentru care le pictez, totuși... este tocmai pentru că vreau să
fiu foarte intim și uman. A picta o imagine mică înseamnă a te plasa în afara
experienței tale, a privi o experiență ca pe o vedere stereopticon sau cu o sticlă
reducătoare. Oricum ai picta imaginea mai mare, ești în ea.
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Stilul individual poate fi văzut pentru prima dată în seria murală Hot Jazz, pe care a
pictat-o pentru Bleecker Street Tavern din Greenwich Village în 1940.[6]

pensule rapide și rudimentare.

Stilul personal pe care l-a dezvoltat în această perioadă, folosind forme simplificate, a
devenit din ce în ce mai abstract. Multe dintre figurile pe care le-a descris se bazează pe
locomotive, peisaje dure și forme mecanice mari ale comunității sale natale, miniere de
cărbune din Pennsylvania.

Franz Kline
Untitled, 1957
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Arshile Gorky
Garden in Sochi
c. 1943
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

După întoarcerea sa în 1953, Twombly a servit în armata SUA ca criptolog, activitate care
a lăsat o amprentă distinctă asupra stilului său artistic. Din 1955 până în 1959, a lucrat la
New York, unde a devenit o figură proeminentă printre un grup de artiști, printre
care Robert Rauschenberg, cu care împărțea un studio și Jasper Johns. Expunerea
la școala emergentă din New York a eliminat aspectele figurative din opera sa, încurajând
o formă simplificată de abstractizare. A devenit fascinat de arta tribală, folosind
limbajul pictural de la începutul anilor 1950 pentru a invoca primitivismul, inversând
evoluția normală a școlii din New York. Twombly a dezvoltat curând o tehnică de desen
gestual caracterizată prin linii subțiri albe pe o pânză întunecată care par a fi
zgâriate pe suprafață. El a aplicat bitum pe pânză într-un mod rapid și grosier, făcând
pictura tactilă și marcată cu liniile sale energice și gestuale, care aveau să devină stilul său
semnătură. A încetat să mai facă sculpturi în 1959 și nu a reluat sculptura până în 1976.

Cy Twombly
1928 - 2011
Untitled

signed Cy Twombly and inscribed Roma

(on the verso)
pencil, wax crayon and acrylic on paper
sheet: 70.1 by 99.5 cm. 27½ by 39¼ in.
Executed in 1963.
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Helen Frankenthaler (1928-2011)

Provincetown Window, 1963-64

Helen Frankenthaler (1928-2011)

Provincetown Window, 1963-64

Asociată inițial cu expresionismul abstract datorită concentrării ei pe forme latente

din natură, Frankenthaler este identificată cu utilizarea formelor fluide, a maselor
abstracte și a gesturilor lirice.
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

După ce și-a dezvoltat stilul de semnătură în San Francisco între 1946 și 1950, în timp
ce preda la California School of Fine Arts, Still este considerat unul dintre cei mai
importanți pictori Color Field - picturile sale non-figurative sunt neobiective și în
mare măsură preocupate de juxtapunerea diferitelor culori. și suprafețe într-o
varietate de formațiuni. Spre deosebire de Mark Rothko sau Barnett Newman,
care și-au organizat culorile într-un mod relativ simplu (Rothko sub formă de
dreptunghiuri nebuloase, Newman în linii subțiri pe câmpuri vaste de culoare),
aranjamentele lui Still sunt mai puțin regulate. De fapt, el a fost unul dintre
puținii pictori care a combinat practicile picturilor Color Field cu cele ale
picturilor gestuale, de acțiune. Strălucirile sale de culoare zimțate dau impresia că
un strat de culoare a fost „smuls” de pe tablou, dezvăluind culorile de dedesubt. Un alt
punct de plecare cu Newman și Rothko este modul în care este așezată vopseaua pe
pânză; în timp ce Rothko și Newman au folosit culori destul de plate și vopsea relativ
subțire, Still folosește un impas gros, provocând o varietate subtilă și nuanțe care
strălucesc pe suprafețele picturii. Lucrările sale mari de maturitate amintesc de forme
naturale și fenomene naturale în cele mai intense și mai misterioase lor; stalagmitele
antice, cavernele, frunzișele, văzute atât în întuneric, cât și în lumină, conferă operei
sale bogăție poetică și profunzime. Până în 1947, a început să lucreze în formatul
pe care îl va intensifica și perfecționa pe tot parcursul carierei sale - un câmp de
culori la scară largă aplicat cu cuțite de paletă.
Clyfford Still, 1951
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Interesul lui Krasner pentru sine, natură și viața modernă sunt teme care apar de
obicei în lucrările ei.[24] Ea a fost adesea reticentă în a discuta despre iconografia
operei sale și, în schimb, a subliniat importanța biografiei sale, deoarece a susținut
că arta ei s-a format prin personalitatea ei individuală și starea ei emoțională.

Lee Krasner
Shattered Light, 1954

Lee Krasner
Combat
1965
 Barnett Newman,
Artiști reprezentativi Onement, I
1948
Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile
Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter
Newman a realizat, de asemenea, o serie de litografii, cele 18 cânte (1963–64) care,
potrivit lui Newman, sunt menite să fie evocatoare pentru muzică. A realizat și un
număr mic de gravuri.

Onement I, este primul tablou realizat de Newman, care

conține dispozitivul pentru care avea să devină celebru și
ceea ce a devenit ulterior cunoscut sub numele de
„fermoar”.

Barnett Newman,
Vir Heroicus Sublimis,
1951
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Kenneth Noland (10 aprilie 1924 – 5 ianuarie 2010) a fost un pictor american. A fost
unul dintre cei mai cunoscuți pictori americani din domeniul culorilor, deși în anii 1950
era considerat un expresionist abstract, iar la începutul anilor 1960 era considerat
un pictor minimalist. Noland a contribuit la stabilirea mișcării Washington Color
School. În 1977, a fost onorat de o retrospectivă majoră la Muzeul Solomon R.
Guggenheim din New York, care apoi a călătorit la Muzeul Hirshhorn și Grădina de
Sculptură din Washington, D.C. și la Muzeul de Artă din Toledo din Ohio, în 1978. În
2006, picturile lui Noland Stripe au fost expus la Tate din Londra.
Kenneth Noland, 1924-2010; That, 1958-59;
oil on canvas
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Mercier Philip „Merce” Cunningham (16 aprilie 1919 – 26 iulie 2009) a fost un
dansator și coregraf american care a fost în fruntea dansului modern american de mai
bine de 50 de ani. A colaborat frecvent cu artiști din alte discipline, inclusiv muzicienii
John Cage, Brian Eno și artiștii grafici Robert Rauschenberg, Bruce Nauman,
Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Frank Stella și Jasper Johns; și designerul de
modă Rei Kawakubo. Lucrările pe care le-a produs împreună cu acești artiști au avut
un impact profund asupra artei avangardiste dincolo de lumea dansului.
Stella și-a început angajamentul extins cu imprimarea la mijlocul anilor 1960, lucrând mai
întâi cu maestrul tipograf Kenneth Tyler la Gemini G.E.L. Stella a produs o serie de
printuri la sfârșitul anilor 1960, începând cu o imprimare numită Quathlamba I în 1968.
Printurile abstracte ale Stella au folosit litografie, serigrafie, gravură și litografie offset.

În 1967, a proiectat decorul și costumele pentru Scramble, o piesă de dans de

Merce Cunningham. Muzeul de Artă Modernă din New York a prezentat o retrospectivă
a lucrării lui Stella în 1970, făcându-l cel mai tânăr artist care a primit una.[8] În deceniul
următor, Stella a introdus relieful în arta sa, pe care a ajuns să o numească pictura
„maximalistă” pentru calitățile ei sculpturale. Pânzele modelate au căpătat forme și
mai puțin obișnuite în seria Poligonului excentric și au fost introduse elemente de colaj,
bucăți de pânză fiind lipite pe placaj, de exemplu. Opera sa a devenit, de asemenea,
mai tridimensională, până la punctul în care a început să producă piese metalice
mari, independente, pe care, deși sunt pictate, ar putea fi considerate sculptură.
După ce a introdus lemnul și alte materiale în seria Polish Village , creată în înalt relief, a
început să folosească aluminiul ca suport principal pentru picturile sale. Pe măsură ce anii
1970 și 1980 au progresat, acestea au devenit mai elaborate și mai exuberante. Frank Stellas "Lettre sur les aveugles I,"
Într-adevăr, minimalismul său anterior [mai mult] a devenit baroc, marcat de forme 1974
curbate, culori Day-Glo și pensule mâzgălite.
Artiști reprezentativi Ellsworth Kelly

Cité, 1951
Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile
Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Ellsworth Kelly,
Spectrum II, 1966–67
Arta abstractă europeană și-a găsit propriile metode creative,
independente de experimentul american, dar cu rezultate similare.

În Franța au apărut Tașismul (din fr. tache=pată) și Arta Informală, al

cărei nume ne dezvăluie mare parte din programul ei artistic.

Repertoriul unor artiști europeni, ca Antoni Tapies, Jean Dubuffet,

Georges Mathieu, Pierre Soulages, se concentra de asemenea pe
culoare, textură, pe destructurarea geometriei compoziționale, pe
explorarea materialității tactile a obiectului pictural și pe calitatea
expresivității gestuale. Un artist aparte, ce amesteca experimentele de
purificare cromatică cu acționismul și happeningul, a fost Yves Klein
(acesta lucra aproape exclusiv într-o ton de albastru despre care
pretindea că el îl descoperise și îl botezase „albastru Klein”).

Unul dintre cei mai importanți artiști abstracți încă activi astăzi, este
germanul Gerhard Richter. Opera sa oscilează între o pictură
hiperrealistă și una pur abstractă. Deși complet nonfigurativă și aparent
extrasă din experiența expresionismului abstract, pictura lui Richter este
rezultatul unor calcule precise și a unor manipulări ingenioase a
suprafeței și a materiei picturale. Gerhard Richter
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

De-a lungul vieții sale, Antoni Tàpies a fost asociat cu o serie de mișcări, cum ar fi Art
Informal și Haute Pâte sau Matter Painting.A devenit parte a grupului de avangardă
Dau al Set în 1948, care era un grup care avea legături puternice cu suprarealismul.
Primele lucrări ale sale au fost suprarealiste, dar în 1953 a început să lucreze în arta
abstractă. Aici devine o parte a mișcării Art Informal și începe să lucreze cu media
mixtă. Art Informal în Europa a fost echivalentul expresionismului abstract din America.
Acesta a fost printre cele mai răspândite stiluri de artă în Europa postbelică. În cadrul
acestei mișcări se află categoria Pictura materiei. Concentrarea sa pe utilizarea
obiectelor ciudate subminează complet actele de artă plastică tradițională. Unele dintre
cele mai faimoase și originale lucrări ale lui Tàpies se încadrează în acest gen. Ele
sunt caracterizate prin utilizarea prafului de marmură și a argilei pe care le-a amestecat
cu vopselele sale, precum și prin încorporarea obiectelor găsite, cum ar fi sfoara, hârtie
și pânză. La sfârșitul anilor 1960 și la începutul anilor 1970, Tàpies a început să fie
influențat de mișcarea artei pop. Din această cauză, el a început să folosească obiecte
mai mari, cum ar fi piese de mobilier, în lucrările sale.
Antoni Tapies, 1950-60
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter Georges Mathieu, Torque (1965)

Mathieu manipula pensule, flanele sau picta direct din tub. A fost
pionier în tehnicile de picurare în unele dintre lucrările sale timpurii,
ca în Evanescence 1945).

Viteza lui de execuție a devenit foarte repede stilul lui de

semnătură. În 1959 a pictat tabloul de 2,5x6 metri Le Massacre
de la Saint-Barthélemy (Masacrul de ziua Saint-Bartholomew)
în mai puțin de jumătate de oră, însoțit de bateristul de jazz
Kenny Clarke. „Nu am pictat repede din lipsă de timp sau ca să
bat recorduri, ci pur și simplu pentru că nu aveam nevoie de mai
mult timp pentru a face ceea ce trebuia să fac și invers, un timp mai
îndelungat ar fi încetinit gestul, introducând îndoieli, ar fi afectat
puritatea loviturilor, cruzimea formelor, unitatea operei de artă.”
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter
Soulages este cunoscut drept „pictorul negrului”, datorită interesului său pentru culoare
„atât ca culoare, cât și ca non-culoare. Când lumina se reflectă pe negru, îl transformă
și îl transmută. Deschide un câmp mental propriu. ." El a văzut lumina ca pe un
material de lucru; striațiile suprafeței negre a picturilor sale îi permit să reflecte
lumina, permițând negrului să iasă din întuneric și să intre în luminozitate,
devenind astfel o culoare luminoasă.
Pierre Soulages,Peinture 18
Mars 2010

Pierre Soulages
Lithograph No. 3
(1957)
Artiști reprezentativi

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Arta lui Dubuffet prezintă în primul rând exploatarea plină de resurse a materialelor
neortodoxe. Multe dintre lucrările lui Dubuffet sunt pictate în vopsea în ulei
folosind un impasto îngroșat cu materiale precum nisip, gudron și paie, dând
lucrării o suprafață cu textura neobișnuită. Dubuffet a fost primul artist care a folosit
acest tip de pastă îngroșată, numită bitum. În plus, în picturile sale anterioare, Dubuffet a
respins conceptul de perspectivă în favoarea unei prezentări mai directe, bidimensionale
a spațiului. În schimb, Dubuffet a creat iluzia perspectivei prin suprapunerea
grosieră a obiectelor în planul imaginii. Această metodă a contribuit cel mai direct la
efectul înghesuit al lucrărilor sale.

Din 1962 a produs o serie de lucrări în care s-a limitat la culorile roșu, alb, negru și
albastru. Spre sfârșitul anilor 1960 s-a orientat din ce în ce mai mult către
sculptură, realizând lucrări din polistiren pe care apoi le-a pictat cu vopsea
vinilică.
Jean Dubuffet, Fête villageoise, November 5, 1976, acrylic and collage on paper
mounted on canvas, 8' 2" x 10' 7-3/4" (248.9 cm x 324.5 cm)
Jean Dubuffet, Site
Inhabited by
Objects,1965
Artiști reprezentativi
Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile
Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter
Între 1947 și 1948,[6] Klein și-a conceput Monotone Symphony
(1949, în mod oficial Monotone Silence Symphony) care a
constat dintr-un singur acord susținut de 20 de minute, urmat de
o liniște de 20 de minute[7][8] - un precedent al picturilor sale
monocrome și a exemplului muzicienilor minimali,în special
muzica de drone a lui La Monte Young și 4′33″ a lui John
Cage.
Yves Klein, 'Untitled, Anthropometry, c.1960
Yves Klein,
Anthropometry:
Princess Helena
1960
 Gerhard Richter, September (Ed. 139) 2009, print
Artiști reprezentativi between glass, 66 x 89.8cm

Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile

Gorki, Cy Twombly, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Lee Crasner,
Barnett Newman, Keneth Noland, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Antoni
Tapies, Georges Mathieu, Pierre Soulages, Jean Dubuffet, Yves Klein,
Gerhard Richter

Gerhard Richter, Germany b.1932 / Ella (903-1)

2007 / Oil on canvas
 Charlie Parker & Miles Davis, New York, 1949
Surse de inspiraţie -muzica Jazz (William Gottlieb Collection)
Bebop şi Generaţia Beat (Beat Generation)

Mulți artiști expresioniști abstracti s-au inspirat de jazz, al cărui etos de

formă liberă, improvizațională, a oglindit principiile mișcării artistice. În
titlurile picturilor lor și în propriul lor comentariu, expresioniștii abstracti
au făcut referire frecventă la jazz.

Willem De Kooning și-a comparat tehnica cu cea a lui Miles Davis,

spunând: „Miles Davis îndoaie notele. Nu le cântă, le îndoaie. Eu îndoi
vopseaua.”

Pollock a fost, de asemenea, un fan de jazz, iar lirismul genului apare în

multe dintre lucrările sale. Soția sa, artista Lee Krasner, a spus odată că
„intră în ritmul de a asculta discuri de jazz – nu doar zile în șir – zi și
noapte, zi și noapte, timp de trei zile consecutive, până când îmi venea
să mă urc pe acoperiș!

Muzica se reflectă în literatura fiecărei epoci din istoria americană, iar

coloana sonoră, într-adevăr bătăile inimii Beat Generation a fost jazzul
modern.

Charlie Parker, Max Roach, Miles Davis, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk
și alți giganți au oferit ritmul lucrării și un model pentru stilul de viață al
Beats, care au adoptat limbajul „hepcat” al muzicienilor.
Surse de inspiraţie -muzica Jazz
Bebop şi Generaţia Beat (Beatniks)

Elementele centrale ale culturii Beat sunt respingerea valorilor narative

standard, realizarea unei căutări spirituale, explorarea religiilor
americane și orientale, respingerea materialismului economic,
portretizările explicite ale condiției umane, experimentarea cu droguri
William S. Burroughs
psihedelice și eliberarea și explorarea sexuală.

Howl (1956) de Allen Ginsberg

Naked Lunch (1959) de William S. Burroughs
On the Road (1957) de Jack Kerouac

sunt printre cele mai cunoscute exemple de literatură Beat.

Allen Ginsberg Jack Kerouac