РОССИЙСКИЙ ЦЕНТР НАУКИ И КУЛЬТУРЫ ПРЕДСТАВЛЯЕТ

CENTRUL RUS DE ȘTIINȚA ȘI CULTURA PREZINTA

Известные художники России

Renumiți pictori ai Rusiei

București 2018 1
 Содержание

Cuprins

Андрей Рублев 3 Архип Куинджи 12

Andrei Rubliov Arhip Kuinji

Иван Айвазовский 4 Михаил Врубель 13

Ivan Aivazovski Mihail Vrubel

Алексей Саврасов 5 Борис Кустодиев 14

Alexei Savrasov Boris Kustodiev

Иван Шишкин 6 Василий Кандинский 15

Ivan Șișkin Vasili Kandinski

Иван Крамской 7 Константин Коровин 16

Ivan Kramskoi Konstantin Korovin

Константин Маковский 8 Николай Рерих 17

Konstantin Makovski Nikolai Roerich

Виктор Васнецов 9 Александр Дейнека 18

Viktor Vasnețov Alexandr Deineka

Илья Репин 10 Илья Глазунов 19

Ilia Repin Ilia Glazunov

Василий Суриков 11
Vasili Surikov

2
 Андрей Рублев
Andrei Rubliov
(1360-1430)
Rubliov iconograf și pictor, călugăr la
Mănăstirea „Sfânta Treime”, cunoscută şi
sub denumirea de „Lavra Sfântului Serghie
de Radonej”, precum și la Mănăstirea
„Spaso-Andronikov”.
Lucrările lui Andrei Rubliov aparțin celor
mai mari realizări ale artei ruse și universale,
întruchipând înțelegerea frumuseții
spirituale și a forţei morale a omului Sfintei
Rusii. Pictorul a conferit textului biblic un
profund conţinut poetic şi filosofic. Lăsând
la o parte canoanele tradiţionale, el a așezat
în centrul compoziţiei sale potirul (simbol
al jertfei supreme), iar contururile acestuia
le-a repetat și în contururile îngerilor de-a
dreapta şi de-a stânga acestuia. Îngerul din
centru (simbolizându-l pe Hristos) ocupă
locul jertfei și este evidențiat de contrastul
expresiv al culorilor vișiniu întunecat și
azuriu, orchestrat de o combinație rafinată
dintre ocru auriu, trandafiriu șters
și verde. Armonia dintre toate
elementele de formă reprezintă
expresia artistică a ideii principale a
„Sfintei Treimi”, respectiv jertfa de
sine ca cea mai înaltă stare de spirit,
cea care creează armonia păcii și a
vieții.
În anul 1405, împreună cu iconarii Teofan Grecul
și Prohor din Gorodeţ, Rubliov a pictat Catedrala
„Buna Vestire” din Kremlinul Moscovei (frescele
nu s-au păstrat), iar în anul 1408, împreună cu
Daniil Ceornâi și cu alți maeștri iconari, Catedrala
Adormirii Maicii Domnului din Vladimir (cu
fresce conservate parțial), realizând, de asemenea,
icoane pentru monumentalul iconostas cu trei
niveluri al catedralei, ceea ce a reprezentat o etapă
importantă în formarea specificului rusesc în
pictura iconostasului.
Dintre frescele
realizate de Rubliov la
Catedrala Adormirii
Maicii Domnului,
cea mai importantă
compoziție este
„Judecata de Apoi”,
în care tradiționala
scenă a Judecății a fost
transformată într-o
sărbătoare luminoasă
a triumfului Dreptății Divine. Lucrările lui
Andrei Rubliov din Vladimir indică faptul că, la
acel moment, creația lui ajunsese la maturitate.
Războaiele din vremea sa veneau în contradicție
cu idealul armonios al omului, format în perioada
anterioară; aceasta a avut un impact asupra
creației lui Rubliov. Coloristica icoanelor târzii
este mult mai sumbră; în unele icoane este
amplificat începutul decorativ, în altele apar,
dimpotrivă, tendințe arhaice. De asemenea, îi mai
sunt atribuite unele lucrări, autorul cărora este
încă necunoscut: frescele de la Catedrala
Adormirii Maicii Domnului din Gorodok,
Zvenigorod , icoana „Fecioara din Vladimir” ,
Catedrala Adormirii Maicii Domnului din
Vladimir, „Mântuitorul”, unele icoane din
ansamblul icoanelor Praznicelor Împărătești
(„Bunavestire”,„Nașterea Domnului”,
„Întâmpinarea Domnului”, „Botezul Domnului”,
„Învierea lui Lazăr”, „Schimbarea la Față”) din
o Catedrala Bunavestire
din Kremlinul Moscovei,
parte dintre miniaturile
din Evangheliarul
„Hitrovo”.
3
 Иван Айвазовский
Ivan Aivazovski
(1817-1900)
Cel mai celebru pictor rus
de peisagistică marină s-a
născut pe 17 iulie 1817, în
orașul Feodosia. Încă din
adolescență s-a remarcat
prin picturile sale și, în
urma eforturilor unor
persoane interesate de talentul său, a
fost înscris la Academia de Arte, în anul
1833. Primul său profesor de peisagistică
marină a fost Philippe Tanneur, de la
care a şi preluat tehnicile de pictură, pe
care ulterior le-a abandonat.
Prima sa lucrare de gen a fost „Studiu
de aer deasupra mării”, pictură realizată
în anul 1835, pentru care a primit prima
medalie de argint. De atunci, Aivazovski
s-a dedicat în totalitate acestui gen de
pictură. În acest scop, el va pleca anual în
călătorii, fie în Golful Finic, fie la Marea
Neagră, studiind efectele iluminării
apei și mediul marin, obținând
rezultate excelente. În acest demers, el
a fost ajutat foarte mult de memoria
artistică extraordinară, fiind capabil să
reproducă, chiar după o perioadă lungă
de timp, un moment văzut în natură, în
toată forța și deplinătatea sa inițială.
4
Din lucrările lui Aivazovski menționăm: „Desant
la Subaşi” și „Vedere asupra Sevastopolului”;
„Noapte la Napoli”, „Furtună”, realizate la Roma;
„Corabia piraților cerchezi”, „Liniște pe Marea
Mediteraneană” și „Insula Capri”, premiate la
Expoziția de la Paris din 1843, care i-au adus lui
Aivazovski titlul de academician. În anul 1857, la
expoziția de la Paris, Aivazovski a primit Ordinul
Legiunii de Onoare. Expunerea picturilor sale la
Florența a stârnit încântare; Academia de Arte din
Florența i-a propus să-și realizeze autoportretul,
pentru a fi amplasat în Galeria Palatina, unde se află
portretele celor mai renumiți pictori ai Renașterii. În
timpul războiului ruso-turc din anul 1877, Aivazovski
a realizat o serie nouă de picturi.
Spre sfârșitul vieții, Aivazovski a pictat un tablou
imens, „Prin valuri” , unde este redată mișcarea
maselor de apă. „Sensul
și poezia” nu se regăsesc
doar în peisajele pline
de dramatism ilustrând
furtuni, ci, de asemenea, în
peisajele marine „liniștite”,
cum ar fi tabloul „Marea
Neagră”. Kramskoi scria:
„În acest peisaj marin nu
este nimic altceva decât apă
și cer, însă apa este un ocean nemărginit în mișcare,
sever, infinit, iar cerul este chiar și mai infinit. Este una
dinte cele mai grandioase picturi din câte cunosc”.
Aivazovski a depus eforturi pentru înfrumusețarea
orașului Feodosia. Cu ajutorul său, în oraș au fost
construite Muzeul de Arheologie, școala şi clubul;
în anul 1880 a fost deschisă galeria de artă. Aici,
precum și în atelierul pictorului, numeroşi pictori -
L. Lagorio, A. Kundzi, K. Bogaevski, M. Voloshin și
alții - au acumulat experiențe utile. Galeria de artă, în
baza testamentului, a trecut în proprietatea orașului.
În prezent, aici se află cea mai mare colecție de picturi
ale maestrului.
 Алексей Саврасов
Alexei Savrasov
(1830-1897)
Este un remarcabil pictor
peisagist rus, unul dintre
membrii fondatori ai
Asociației Pictorilor
Itineranţi. S-a născut
într-o familie renumită de
comercianți.
De tânăr, viitorul artist p l a s t i c
demonstrează calități remarcabile pentru
pictură. Împotriva dorinței tatălui său,
Savrasov pleacă la Moscova în anul 1844,
unde se înscrie la școala de pictură şi
sculptură. În anul 1848, în rapoartele
Consiliului Societății de Artă din Moscova
este menționat numele celui mai bun
student la peisagistică şi perspectivă: A.K.
Savrasov.
Primele peisaje ale lui
Savrasov sunt legate de
tradițiile școlii academice.
Lucrările lui din tinereţe,
„Vedere asupra Moscovei de
pe Colinele Vorobiovî” (1848),
„Vedere asupra Kremlinului
pe vreme rea” (anul 1851) au
fost influențate de romantism.
Totuși, peisajele surprind viața,
observațiile fine ale pictorului,
sentimentele sale sincere.
Savrasov a fost bun prieten cu Perov, fondatorul
Asociația Pictorilor Itineranţi. Perov l-a ajutat cu
schiţele pentru siluetele edecarilor, în tabloul „Volga
la Iurieveţ”. Savrasov, în schimb, l-a ajutat cu pictura
peisajului din două tablouri celebre ale lui Perov,
„Păsărarul” și „Odihna vînătorilor”.
Pentru arta rusă, perioada anilor `60 ai secolului ai
XIX-lea a fost momentul de afirmare a caracterului
național în pictura peisagistică. Savrasov a redat
cu talent împrejurimile Moscovei în lucrări
precum „Vedere asupra satului Kunţevo” , „Peisaj de
seară”, „Aspecte rurale” .
Cea mai importantă lucrare a lui Savrasov din
anii ’60 ai secolului al XIX-lea a fost tabloul „Insula
Elanilor”, premiată cu locul întâi la concursul
Societății Iubitorilor de Artă din
Moscova.
„Insula Elanilor” reprezintă
perioada de înflorire a creației
sale. În anii următori au apărut
cele mai valoroase lucrări ale
sale.
Peisajul „S-au întors corbii”
este cel mai reușit tablou al
său. „Copacii, apa, aerul și
sufletul, toate acestea există în acest
tablou”, scria Kramskoi. „Coloritul ușor și subtil,
construit pe combinațiile tonurilor de gri, maro, alb
și albastru, transmit culoarea gingașă, primăvăratică,
sidefie. Ce simplu!”, scria Levitan. Dar în această
simplitate se simte delicatețea, bunătatea sufletului
pictorului, căci toate acestea îi sunt scumpe și aproape
de inimă. Tabloul „S-au întors corbii” a contribuit
la succesul primei expoziții a Asociaţiei Pictorilor
Itineranţi. De atunci, Savrasov rămâne strâns legat de
activitatea artistică dedicată acestei Asociații.
Discipolul său,
pictorul Levitan,
scria: „Odată cu
Savrasov, s-a născut
lirica în pictura
peisagistică și iubirea
nemărginită pentru
pământul natal. Într-
adevăr, Savrasov a pus
bazele peisagisticii în
pictura rusă și, fără
îndoială, acest merit
al său nu va fi
contestat niciodată.“ 5
 Иван Шишкин
Ivan Șișkin
(1832-1898)
Șișkin, în ciuda
aparențelor, şi-a câștigat
popularitatea datorită
peisajelor sale neutre, însă
foarte gustate de public,
peisaje care au dovedit că
Șișkin este o adevărată
legendă a acestui gen de pictură.
Probabil, aici se poate vorbi despre o
afinitate interioară a elementului poetic
pentru tradițiile eposului eroic din
folclorul rus, o deschidere și o forță a
sentimentului național specific artei sale.
Chiar la începutul carierei sale artistice,
Șișkin nota în albumul său că
„cel mai important
lucru pentru un pictor
de peisaje este un studiu
pertinent şi adecvat
al naturii". El nu a
abandonat niciodată
acest principiu. Spre
sfârșitul vieții, pictorul
se adresa studenților,
vorbindu-le despre misterele încă
neînțelese ale naturii, despre viitoarea
înflorire a picturii peisagistice ruseşti,
deoarece el considera că „Rusia este o
țară a peisajului".
6
Picturile sale au fost acceptate ca dezvăluiri ale
peisagisticii ruseşti, fiind opuse dogmatismului inert
al școlii academice. „Pădurea de pini” (1872) este
un „portret” foarte studiat al pădurii de pe malurile
fluviului Kama, locuri cunoscute artistului încă din
copilărie. Lucrările lui Șișkin se caracterizează prin
integritatea lor artistică indivizibilă. Nici fluturele
zburând pe fondul unei păduri dese, nici urșii care
se uită cu poftă la un stup de albine dintr-un pin,
nici florile pestrițe de câmp și nici marea de secară
aurie nu sunt nicidecum disonante; dimpotrivă, toate
sunt pictate cu o atenție desăvârşită. Este o lume vie
a naturii, înfățișată în întregimea ei, în deplinătatea
manifestărilor sale.
În tablourile pictorului se exprimă elocvent
trăsăturile fundamentale ale peisajului rus, în
combinațiile sale caracteristice de verticale și
contururi puternice, cu
armonia calmă dintre
pământ și cer. Imaginea
naturii patriei este redată
în tabloul „Grâul" unde
pare că lumea este redusă
la „elementele primare"
ale vieții (pământul roditor,
cerul și omul) și, în același
timp, această imagine
este redată în mod exhaustiv. În pânza „În mijlocul
văilor deschise", stejarul gigant se înalţă frumos și
eroic, în el fiind concentrată toată puterea ţinuturilor
strămoşeşti. El este asociat cu arborele veșnic al vieții,
cu stejarul vechi al prințului Andrei Volkonski din
romanul „Război și Pace” sau cu prototipul său dintr-
un cântec popular. O astfel de mobilitate a limitelor
imaginii nu vine dintr-o lipsă
de precizie, ci, mai degrabă,
de la o „elementaritate" plină
de grație, care face posibilă
interpretarea imaginii ca un
simbol realist.
Un critic necunoscut,
contemporan cu pictorul,
vorbea despre expoziția
lui Șișkin astfel: „El evită cu mare
atenție tot ceea ce poate ridica în mod artificial poezia
naturală la rang de motiv pictural". Motivul artei sale
a fost imaginea patriei, a naturii rusești, pe care a
redat-o în lucrările sale în deplinătatea puterii sale, în
frumusețea ei naturală și nobilă.
 Иван Крамской
Ivan Kramskoi
(1837-1887)
Kramskoi este un
renumit artist plastic și
teoretician al artei, un
reprezentant de seamă al realismului
rus, în perioada de glorie a acestui
curent. Este liderul ideologic al
mișcării democratice în arta rusă din
perioada anilor 1860-1880. S-a născut
într-o familie de burghezi
săraci. Între 1857-1863 a
studiat la Sankt Petersburg;
şi-a manifestat opoziţia faţă
de arta academică, a inițiat
„revolta celor paisprezece“,
care s-a încheiat cu părăsirea
Academiei de Arte Frumoase
a absolvenților care au
organizat un Atelier al
Artiștilor Plastici. Fiind sub influența
ideilor revoluționare ale democraților
ruși, Kramskoi considera că artistul
are o datorie morală şi civică faţă
de societate. Kramskoi a cultivat
principiile realismului în artă,
principiul ideologic și identitar al
artei. A devenit unul dintre
principalii creatori și ideologi ai
Grupului Pictorilor Itineranţi
(Grupul Peredvijnicilor).
A realizat o galerie de portrete ale unor reprezentanți
remarcabili ai culturii ruse din a doua jumătate
a secolului al XIX-lea, o serie de tablouri care
încorporează idealurile morale şi etice cele mai înalte. În
1869 a primit titlul de academician. Kramskoi constată
necesitatea unor schimbări iminente în societate şi leagă
de aceste schimbări sfârșitul unei perioade în arta rusă,
precum și începutul unei alte epoci în dezvoltarea artei
naționale.
Între anii 1863-1868, a predat la școala de desen a
Societății pentru Încurajarea Artelor. A creat o galerie
de portrete ale celor mai mari scriitori, oameni de
știință, artiști și activişti civici: Lev Tolstoi, Şâ şkin,
Tretiakov, Saltâkov-Şcedrin ,
toate fiind expuse în Galeria
„Tretiakov”. Aceste tablouri
se caracterizează printr-o
simplitate expresivă a
compoziției, printr-o claritate
a desenului și prin efectul
modelator al efectelor de
clar-obscur, subliniind rolul
esențial al caracteristicilor
psihologice profunde în compunerea portretului.
Vederile democratice ale lui Kramskoi şi-au găsit
cea mai strălucitoare expresie în portretele de țărani,
unde se reflectă bogăția spirituală și demnitatea
omului din popor și, uneori, o expresie matură a unui
anumit protest social („Pădurarul“, „Mina Moiseev“,
„Țăran cu căpăstru,“).
Continuând tradiția
umanistă a marelui artist
plastic, A. A. Ivanov,
Kramskoi tratează tema
religioasă într-o cheie
morală și filosofică,
dându-i o semnificație
contemporană.
De-a lungul carierei sale,
artistul a primit frecvent comenzi pentru tablouri pe
teme religioase, ele fiind una dintre principalele surse
de venit pentru Kramskoi.
Astfel, se poate spune fără exagerare că Ivan Kramskoi
a fost un reprezentant remarcabil al vieții culturale a
Rusiei anilor `60-`80 ai Secolului al XIX-lea. Artist
talentat, critic fin, fondator al Atelierului Artistic din
Sankt-Petersburg, Kramskoi a insuflat idei generoase
unei întregi generații de artişti, stabilind noi direcţii de
dezvoltare a artei ruse, cum ar fi portretul realist. 7
 Константин Маковский
Konstantin Makovski
(1839-1915)
Makovski a fost interesat
de desen. Primele lecții de
pictură le ia de la pictorul
V.A. Torpinin; la vârsta de
15 ani, tânărul Makovski
realizează prima sa pictură
de gen: „Băiat vânzând
kvas”. Viitorul pictor a beneficiat de o
atmosferă creativă, în casa părintească
venind deseori în vizită oameni de artă:
scriitorul N. Gogol, actorul M. Şcepkin,
precum și compozitorul M. Glinka.
Deseori, se organizau serate literare și
chiar sesiuni de desen. La încheierea
studiilor, Makovski primeşte medalia
de argint. De asemenea, datorită picturii
sale „Serată literară”, îi este recunoscut
statutul de pictor gradul III.
8
În 1873, Konstantin Makovski primeşte
titlul de academician, pentru pictura sa,
„Iubitorii de privighetori”. Anterior, în anul
1872, el este primit în rândul pictorilor itineranţi
și îşi expune picturile în diverse expoziții.
Ulterior, Makovski s-a alăturat grupului de
conducere al Consiliului Asociaţiei Pictorilor
Itineranţi, începând cu anul 1874. Între anii
1872-1918, participă frecvent la expozițiile
Pictorilor Itineranţi.
Picturile lui Makovski redau viața obișnuită
a tuturor treptelor societății. În picturile sale,
el a portretizat atât negustori și bogătaşi, cât şi
beţivi sau oameni săraci. A pictat scene din viaţa
de zi cu zi: „Prepararea dulceţii” și „Prieteni şi
amici”. În plus, tematica socială nu-i era deloc
străină artistului: „În vizită la săraci» (1874),
„Așteptarea” (1875) și
pictura „Condamnatul” .
Creaţia pictorului a
fost puternic influențată
de situația complexă
social-politică din Rusia.
La limita dintre secolele
al XIX-lea și al XX-
lea, Makovski a pictat
mai multe tablouri,
cu subiecte complexe și chiar tragice. Astfel, el
s-a raportat la cele mai importante evenimente
ale vremii, catastrofa de la Hodânka și tragicele
evenimente din 1905. Tabloul „Serata“, pe care
pictorul l-a terminat în 1897, a fost prima lucrare
care a reprezentat un cerc revoluționar. La fel
de populare au devenit tablourile „Nevinovată"
(1879) și „Interogatoriul revoluționarului" (1904).
Makovski a fost un adevărat pictor de gen. Astfel,
în multe dintre lucrările sale, el a descris mișcarea
revoluționară ca pe o realitate crudă. Pentru
cei ce-i privesc tablourile, revoluţia îşi pierde
farmecul, nu mai pare un ideal romantic.
Pictorul a ilustrat adesea operele unor poeți și
scriitori, mai ales cele ale lui Lermontov și Puşkin.
În plus, el a colecționat o serie de tablouri pe teme
patriotice, cum ar fi apărarea Sevastopolului.
Makovski a devenit faimos nu doar ca artist.
Era un excelent gravor în aquaforte, a folosit
şi acuarele. Unii dintre elevii săi au devenit,
la rândul lor, pictori renumiți: V. Bakșeev și
Arhipov.
 Виктор Васнецов Arta lui Vasnețov a dat naștere unor discuții
Viktor Vasnețov incitante. Mulți au văzut în ea începutul unei noi
(1842-1926) direcții cu adevărat naționale în pictura rusă. Însă
cei mai mulți considerau că picturile sale nu erau
interesante, precum şi că încercările de a revigora
stilul bizantin și vechi rusesc erau sortite eşecului.
Mai târziu, Mihail Nesterov a scris: „Zeci de artiști
ruşi remarcabili îşi găsesc inspiraţia în această
adevărată sursă națională: talentul lui Viktor
Vasneţov”.

Vasneţov este un renumit pictor, grafician,

arhitect, ilustrator şi, de asemenea, portretist,
monumentalist, autor de pictură tematică,
decorator de teatru. S-a născut în satul
Lopial din gubernia Viatka, în familia unui Creaţia lui Vasneţov a influențat şi artiști din
preot. Au fost șase copii la părinţi, printre perioada modernistă, în special pe cei din „Cercul de
care şi Apollinari Vasneţov, artist plastic la Abramţevo”, organizat de Mamontov, fiind unul
şi el, specializat în reconstrucţia istorică a dintre organizatori şi, totodată, participant activ
imobilelor din Moscova de dinaintea epocii pe durata anilor `80. Vasneţov a realizat costumele
lui Petru I. și decorurile pentru spectacolele de la teatrul lui
Întâi, a studiat la Seminarul Teologic Mamontov. În 1881 a construit, împreună cu V.
din Viatka. Între 1868-1875 a studiat la Polenov, o biserică în stil rusesc, în satul Abramţevo.
Academia de Arte din St. Petersburg. În Mai târziu, el a proiectat și a realizat numeroase
1876 merge la Paris, iar apoi în Italia. Din clădiri: o casă particulară şi un
1874 participă constant la expozițiile atelier-studio, galeria
Grupului Pictorilor Itineranţi de artă a lui Țvetkov
(Grupul Peredvijnicilor). de pe Precistenskaia,
În 1892 a primit titlul de fațada sediului
academician. La fel ca mulți alţi principal al Galeriei
artiști ruși ai vremii, el a căutat Tretiakov, etc.
să depăşească canoanele artei În perioada
academice. 1885-1896 el a
Din 1878 se stabileşte la Moscova, lucrat la fresca din
unde realizează cele mai renumite incinta Catedralei
picturi ale sale și unde îşi defineşte Sfântului Vladimir
direcția ilustrativ-folclorică a din Kiev. Abordarea
propriei creaţii. Contemporanii temelor religioase a continuat în mozaicurile
au fost uimiți de uriaşele sale tablouri pe realizate pentru biserica Înălțării Sf. Cruci din
teme istorice, subiecte din basmul şi eposul Sankt-Petersburg, în frescele şi mozaicurile din
popular, „După bătălie”, „Viteazul”, etc. biserica Nașterii Sf. Ioan Botezătorul, etc.
9
 Илья Репин
Ilia Repin
(1844-1930)
Repin s-a născut în familia unui colonist
militar. De la vârsta de 13 ani, a început
să studieze pictura în orașul său natal,
avându-l ca profesor pe iconograful
I.M. Bunakov. Repin ajunge la Sankt
Petersburg și studiază la Şcoala de Artă de
pe lângă Bursa de Valori, unde îl cunoaşte
pe Kramskoi, care-i devine mentor. În
1863 îşi îndeplinește dorința de a studia la
Academia de Arte Frumoase, unde face
progrese serioase în domeniul picturii. În
1869 primeşte primul său premiu: „Mica
medalie de aur", pentru pictura „Iov și
prietenii săi".
În 1870, cu ocazia unei călătorii pe Volga,
face schițe, pe baza cărora va realiza
tabloul „Edecarii de pe Volga“, la comanda
Marelui Duce Vladimir Alexandrovici.
Pictura are un succes extraordinar, este
impresionantă prin expresivitatea sa, prin
elaborarea personajelor și persuasiunea
surprinzătoare. Lucrările au durat trei ani.
Următorul premiu al artistului este Marea
Medalie de Aur, pentru pictura „Învierea
fiicei lui Iair". Totodată, Repin obţine
dreptul la șase ani de studii în străinătate, în
Italia și în Franța. Această etapă este finală
în educația sa de artist plastic. Revine în
Rusia în anul 1876.
10
În 1882, pictorul se mută la St. Petersburg, unde
devine membru activ al Asociației Pictorilor Itineranţi,
devenind liderul unei școli de pictură realistă. Însă
în 1887 el părăseşte asociaţia, deoarece consideră
că Itineranţii sunt mult prea preocupaţi de sine și
nu doresc să primească noi membri în rândurile lor.
Unul dintre cele mai renumite portrete ale sale este
cel al compozitorului Modest Mussorgski. Potrivit
contemporanilor compozitorului, pictorul a reușit să
transmită atât esenţa, caracterul, cât şi aparența lui
Musorgski.
Repin a creat portrete de
grup spectaculoase, cum
ar fi „Compozitori slavi"
(1871-1972), „Reuniunea
solemnă a Consiliului de
Stat" (1901-1903), la care
a lucrat împreună cu Boris
Kustodiev și Ivan Kulikov,
la comanda guvernului rus.
Repin reuşeşte să plaseze
60 de personaje pictate pe o
pânză imensă.
În 1893 Repin devine membru cu drepturi depline
al Academiei de Arte. Între 1894-1907 a fost profesor
principal, iar între 1898-1899 a fost rectorul
Academiei.
În 1917 Repin a pictat o nouă versiune a „Edecarilor"
numită „Gunoiul imperialismului", salutând, astfel,
revoluția. Mai târziu, locuind în afara Rusiei sovietice, în
Finlanda, pe domeniul său „Penatî” din Kuokkalla, el și-a
exprimat în mod repetat opoziția față de noul regim
sovietic, denunțând „teroarea roșie” și noua ortografie
a limbii ruse.
Între 1922-1925 Repin a pictat unul dintre cele mai
reuşite tablouri ale sale pe teme religioase, „Golgota",
impregnat de o tragedie fără speranță. În ciuda
invitațiilor primite la cel mai înalt nivel (prin scrisoarea
adresată lui de către mareşalul Voroșilov din 1926),
artistul nu s-a întors în patrie, deși el dăruise Uniunii
Sovietice picturile sale, pentru a fi expuse în muzee şi a
menţinut o legătură strânsă cu studenții și prietenii săi.
 Василий Суриков În 1890 începe o nouă etapă în creaţia lui
Vasili Surikov Surikov, una de maturitate. Amploarea şi polifonia
compoziţiei, luminozitatea și bogăția culorilor
(1848-1916) caracterizează tabloul intitulat „Cucerirea
fortăreței de zăpadă” (1891), care redă imaginea
unei întreceri tradiționale din timpul sărbătorii
Masleniţei; „Cucerirea Siberiei de către Ermak”
(1895) ilustrează confruntarea dintre cazacii
lui Ermak şi populaţiile băştinaşe siberiene;
dramatismul momentului și curajul oşteanului
rus se reflectă în pictura „Traversarea Alpilor de
către Suvorov" (1899). Tot lui Surikov îi datorăm
o serie de portrete în acuarelă.

Vasili Ivanovici Surikov a fost membru

al Academiei de Științe din St. Petersburg
(din anul 1893). El provine dintr-o familie
de cazaci din Siberia. Între 1869-1875 a
studiat la Academia de Arte Frumoase
din Petersburg; în 1877, Surikov s-a
stabilit la Moscova, iar în 1881 s-a
alăturat Asociației Pictorilor Itineranţi,
fiind membru al Uniunii Artiștilor Ruși. Pictor remarcabil, Surikov are un talent artistic
Prima sa creaţie semnificativă se natural, originalitatea și energia specifice unui
intitulează „Dimineața execuției siberian. A fost unul dintre cei care au modificat
arcașilor” (1881), care a atras imediat radical orientările picturii ruse și au scos la
atenția publicului iubitor de artă. suprafață adevăratele valori ale istoriei rusești.
În picturile sale, Surikov înfățișează Spre deosebire de mulți alți artiști ai acestei epoci,
momente critice ale istoriei Rusiei și Surikov nu a lăsat un număr mare de picturi în
personalități istorice reale. Picturile lui urma sa. M. Voloşin a realizat o monografie
Surikov redau, cu intensitate emoțională despre Surikov și, în 1913, a consemnat în textul
unică, o largă tematică de conflicte conversațiilor sale cu artistul intonațiile, gândurile și
sociale sau personale: „Menșikov la amintirile lui Surikov.
Berezov" (1887), care îl portretizează
pe fostul favorit al ţarului Petru I,
acum căzut în dizgrație, precum și
„Boieroaica Morozova" (1887), o pictură
grandioasă, în care autorul descrie
refuzul credincioșilor de rit vechi de
a accepta reforma bisericească a lui
Nikon, refuz ilustrat de atitudinea dârză
a personajului personal, boieroaica
Morozova.
11
 Архип Куинджи
Arhip Kuindji
(1842-1910)
Arhip Kuindji s-a născut pe 27 ianuarie
1841, în Mariupol, în timpul Imperiului
Rus. Provine dintr-o familie rusă cu
rădăcini greceşti. Tatăl lui Kuindji a fost
cizmar. Rămas orfan de mic, tânărul nu avut
parte de educație. Se presupune că, până la
vârsta de zece ani, a mers la școala primară
grecească. Tocmai la această vârstă s-a
manifestat și pasiunea sa pentru desen. Un
vânzător de pâine din Feodosia l-a sfătuit pe
Arhip să meargă să învețe de la renumitul
pictor Ivan Aivazovski. Kuindji a plecat
în Feodosia pe jos, petrecându-și aproape
întreaga vară acolo, însă marele maestru
nu a apreciat pozitiv talentul tânărului. La
începutul anilor 1860 vine la Petersburg,
intenționând să intre la Academia de arte,
însă nu reușește să devină student aici.
În anul 1868, prezentând la un concurs
pictura „Satul tătar în
lumina lunii, pe țărmul
sudic al Crimeei”, este
numit artist liber și începe
să frecventeze cursurile de
la Academie, ca voluntar.
În 1872, pentru pictura
„Peisaj de toamnă”,
pictorul primește titlul de
artist de prim rang.
12
În 1873 Kuindji a prezentat, în cadrul Societății de
Promovare a Artei, tabloul „Zăpadă”, pentru care a
primit medalia de bronz, la expoziția internațională
de la Londra din 1874. În același an prezintă la Viena
pictura sa, „Priveliște asupra Insulelor Valaam”, iar
în Petersburg prezintă lucrarea „Lacul Ladoga”.
În anul 1877 Kuindji devine membru al grupului
Itineranţilor. În 1878 și-a prezentat picturile
„Pădurea” și „Seară în Malorusia”, iar în 1879 a
tablourile „Nord”, „Pâlcul de mesteceni” și „După
furtună”. În același an, Kuindji a renunțat să mai
participe la expozițiile acestui grup.
În anul 1880, în cadrul Societății de Promovare a
Artelor, pictorul a organizat expoziția unuia din
tablourile sale, denumit „Noapte pe Nipru”, care a
avut un succes nemaiîntâlnit, fiind expus în același an
la Paris.
În 1881, tot pe cont propriu, Kuindji expune „Pâlcul
de mesteaceni”, tablou care s-a bucurat de același succes
ca şi precedentul, iar în 1882 artistul expune „Niprul
dimineața”, împreună cu „Pâlcul
de mesteaceni” și
„Noaptea pe Nipru”.
După această expoziție
și până la sfârșitul
vieții, Kuindji nu și-a
mai expus nicăieri
picturile, iar până în
1890 nici nu le-a mai
arătat cuiva.
Kuindji a predat la Academia de Arte din
Petersburg, din 1892 ca profesor, iar din 1894
ca şef al atelierului de peisagistică. În 1897 a fost
eliberat din funcție, pentru susținerea protestelor
studențești. Acesta a fondat Societatea Artiștilor
Plastici în anul 1909, denumită ulterior Societatea
A.I. Kuindji.
Deși a devenit milionar, Arhip Kuindji a continuat să
aibă un stil de viață extrem de modest, însă a cheltuit
sume mari pentru promovarea
tinerilor pictori fără posibilități
materiale. În anul 1904 A.I.
Kuindji a dăruit Academiei de
Arte 100.000 de ruble, pentru
înmânarea a 24 de premii
anuale, iar în 1909 donează
Societății cu același nume
150.000 de ruble, precum și
posesiunile sale din Crimeea.
 Михаил Врубель
Mihail Vrubel
(1856-1910)
Mihail Vrubel s-a
născut pe 17 martie
1856, în oraşul Omsk,
în familia unui jurist
militar. A început să
picteze la vârsta de șapte ani, lua uneori
şi lecții de pictură. La dorința tatălui său, a
absolvit Facultatea de Drept a Universității
din St. Petersburg. În toamna anului 1880
a fost admis la Academia de Arte. În 1884
Vrubel pleacă la Kiev, pentru a participa
la restaurarea Mănăstirii „Kirilovski”,
care data din secolul al XII-lea, precum și
pentru a picta frescele Catedralei Sfântului
Vladimir. La Kiev a pictat tablourile „Fată
pe fundal de covor persan”, „Poveste
orientală” (ambele în 1886). Un loc deosebit
îl ocupă lucrările la iconostasul bisericii
Mănăstirii „Kirilovski”. Pentru realizarea
icoanei, Vrubel a călătorit la Veneția,
pentru a studia frescele.
La Kiev, artistul a abordat pentru prima
dată tema Demonului, imagine devenită
laitmotiv în opera lui Vrubel. Schițele
picturilor, făcute pentru Catedrala
Sfântului Vladimir, au fost considerate
necanonice de către comisie, astfel că
participarea lui Vrubel la lucrări a fost
refuzată.
În 1889 artistul ajunge la Moscova; aici îl întâlnește
pe mecenatul S.I. Mamontov, în casa căruia locuieşte
și lucrează la „Demonul şezând” (1890), precum şi
la ilustrațiile pentru ediția jubiliară a operei lui M.I.
Lermontov (1891).
Vrubel a creat o serie de panouri decorative romantice:
„Veneția” , „Spania”, tripticuri pentru conacele lui
A.V. și S.T. Morozov, tabloul „Micula Selianinovici”
și „Prințesa Visurilor”, pentru expozița din Nijni
Novgorod din 1896. Inspirația lui Vrubel provenea, în
cea mai mare parte, din muzică, sub influența căreia au
fost concepute mai multe dintre lucrările sale, inclusiv
sculpturile din majolică pe tema operelor „Snegurocika”
și „Sadko”, panoul decorativ „Bogatârul” şi Prinţesa
Lebădă”. Pânzele „Sirena”, „Panul”, „Noapte” și, de
asemenea, „Demonul înfrânt”
(1902), sunt creaţii simboliste.
Vrubel a refăcut de mai multe
ori această ultimă pictură, ca
și cum ar fi vrut să transmită
ceva important posterităţii.
Din 1902 începe o perioadă
îndelungată de afecțiuni
mintale. În rarele momente
de luciditate, artistul desena
portrete, natură moartă, reuşind să creeze una dintre
cele mai reuşite lucrări ale sale, pastelul „Perla” (1904).
Portretul poetului V.I. Briusov a rămas
neterminat, Vrubel pierzându-şi vederea în timpul
lucrului la acesta.
Vrubel este unul dintre puținii artiști cu adevărat
geniali. Tablourile lui sunt adevărate nestemate ale
talentului, aducând cu ele inspirație și poezie în pictura
plictisitoare și tristă a vremii sale. Dacă în timpul vieții
Vrubel a fost persecutat și judecat (să ne amintim
episodul cu Repin, căruia Vrubel i-a spus în faţă: „Dvs. nu
știți nici măcar să desenați”), astăzi Vrubel ocupă cel mai
înalt loc în panteonul picturii ruse.
Unul din cei mai tragici
artiști ruși, căruia i se spunea
„creatorul artei”, fiind
apropiat de natură prin
viziunile sale nocturne.
Pentru imaginea Demonului,
Alexandre Benois a spus: „Se
crede că Prințul Lumii a pozat
pentru acest artist... Nebunia
sa a reprezentant inalul
așteptat al demonismului său”.
13
 Борис Кустодиев
Boris Kustodiev
(1878-1927)
S-a născut în familia unui profesor de
seminar teologic. A fost instruit în această
instituție, iar la vârsta de 15 ani începe
să studieze pictura cu pictorul Pavel
Alekseevici Vlasov, care îi este profesor
timp de trei ani.
În anul 1896, Kustodiev se înscrie la
Academia de Arte Frumoase din Sankt
Petersburg, unde studiază sub îndrumarea
lui Ilia Repin. Kustodiev s-a remarcat
imediat ca un portretist foarte talentat, însă,
pentru competiția principală a Academiei
de Arte, el decide să aleagă un subiect de
gen. Îi este încredințată participarea la
lucrarea lui Repin, „Reuniunea Consiliului
de Stat“. Tânărul artist realizează schițele
după model. Pe Kustodiev îl așteaptă gloria
de portretist genial; totuşi, el va alege o cale
diferită. În 1903 el absolvă Academia de
Arte cu medalia de aur. Medalia i-a oferit
artistului dreptul de a face un tur al Rusiei
și al Europei.
Una dintre cele mai bune lucrări ale
lui Kustodiev este „Iarmarocul” (1906).
O anume monumentalitate a personajelor
se remarcă în portretele negustorilor:
este vorba de personajele feminine, un
fel de zeițe ruse care triumfă asupra lumii
și care au absorbit toate culorile ei
14 („Frumoasa”, 1915, „Negustoreasa la
ceai”, 1918, etc.).
La începutul anului 1906, Boris Kustodiev pictează
o serie de tablouri care ilustrează tema sărbătorilor
țărăneşti, a vieţii de zi cu zi a comercianților și
burghezilor. Picturile lui Kustodiev din această
perioadă se caracterizează prin luminozitate,
multitudinea de culori, realismul și o anumită emfază.
Creativitatea artistului se schimbase. Autorul se
îndepărtează de viaţă și transformă imagini, dându-
le o notă tot mai accentuat teatrală. Personajele sale
sunt colective, cumulând diferite clase ale societății.
La începutul secolului al
XX-lea, artistul cunoaște
consacrarea. Lucrările
sale sunt prezentate la
expozițiile asociației
„Lumea artei” din St.
Petersburg și la expozițiile
Uniunii Artiștilor Ruşi din
Moscova. Portretul de grup
al membrilor „Lumii artei“,
început de Kustodiev, a
rămas neterminat. În 1916
pictorul nu a mai putut să meargă, deplasându-se
într-un scaun cu rotile. A petrecut mai multe luni în
spital; datorită memoriei sale vizuale fenomenale,
a făcut o mulțime de schițe. A creat celebrul tablou
„Masleniţa” (1916), o lucrare cu efecte stereoscopice
uimitoare, cu o acoperire panoramică a spațiului. De
asemenea, pictorul a lucrat foarte mult pe schițe de
peisaje şi costume pentru producții teatrale.
În anii de după Revoluția din 1917, Kustodiev a
creat postere și picturi pe teme revoluționare. A
participat la decorarea oraşului St. Petersburg,
pentru aniversarea evenimentelor din octombrie.
Într-o bună zi, a fost vizitat de marele compozitor
rus Şaliapin. Portretul marelui solist de operă,
realizat în 1922, a fost ultima lucrare importantă a
lui Kustodiev.
 Василий Кандинский
Vasili Kandinski
(1855-1944)
S-a născut în familia negustorului
Vasili Silvestrovici Kandinski. În
1871, familia lui s-a stabilit
în Odessa, iar viitorul
pictor a absolvit gimnaziul
și a primit, de asemenea, o
educație artistică și muzicală. În
1885-1893 (cu o întrerupere între
1889-1891) Kandinski a studiat la
Facultatea de Drept a Universității din
Moscova, unde a studiat economia și
dreptul. În 1889 şi-a întrerupt studiile şi
a participat la o expediție etnografică în
gubernia Vologda. În 1893, Kandinski a
absolvit Facultatea de Drept.
Apoi, a lucrat ca director artistic la
tipografia „Kuşnerevski” din Moscova
(1895). Kandinski a ales cariera de artist
plastic relativ târziu, la vârsta de 30 de ani.
În 1896, el se stabilește la München și
rămâne în Germania până
în anul 1914. În 1900 se
înscrie la Academia de
Arte din München, unde
studiază împreună cu
Franz von Stuck. În 1901
Kandinski pune bazele
Asociației artiștilor plastici
„Falanga” şi înființează o
școală unde preda chiar el.
Între 1910 și 1912 a participat la expoziții ale asociației de
artă „Valetul de caro». În decursul acestor ani, el elaborează
un concept inovator privind utilizarea „ritmică” a culorii în
pictură.
În 1909, Kandinski a fondat „Noua asociație de artă din
Munchen”; în 1911 el a organizat almanahul și grupul
„Călărețul albastru”, ai cărui membri erau pictori
expresioniști celebri, Franz Mark, Alexei Iavlenski,
Marianna Veriovkina, precum și Paul Klee. Atunci a avut
şi prima sa expoziție personală. În anul 1914, artistul s-a
întors la Moscova. În următorii ani a realizat picturi
realiste și semi-abstracte, în special peisaje. După revoluția
din 1917, Kandinski s-a implicat activ în
activitatea obștească.
În 1918 se implică în organizarea
protejării monumentelor, participă
la înființarea Muzeului de Arte
Plastice și a Academiei Ruse de
Arte. Între anii 1918-1919, el a
fost membru al consiliului artistic
al Departamentului Artelor
Plastice de pe lângă Ministerul
Educației şi Culturii. Între
anii 1919-1921 a fost Președinte
al Comisiei de Achiziții, consultant științific și
șef al unui atelier de reproduceri, profesor onorific la
Universitatea din Moscova. De asemenea, Kandinski a fost
ales vicepreședinte al Academiei de Stat de Arte Plastice.
În această perioadă, el a continuat să picteze: compoziții
decorative pe sticlă, „Amazoana” (1918) și „Amazoana în
munți” (1919). În decembrie 1921, Kandinski pleacă să
organizeze departamentul din Berlin al Academiei Ruse de
Stat de Arte Plastice. Cu această ocazie, el a participat la
prima expoziție de artă rusă din Germania. Ulterior, el nu
a mai revenit în Rusia.
La Berlin, Vasili Kandinski a început să predea pictura
și a devenit un proeminent teoretician al școlii „Bauhaus”.
Curând, Kandinski s-a bucurat de o recunoaștere
internațională, fiind unul dintre reprezentanții de seamă
ai artei abstracte. În 1928,
artistul a primit cetățenia
germană, însă când naziștii
au venit la putere în 1933, el
a emigrat în Franța. Din 1933
până în 1944 a locuit la Paris,
participând activ la mișcarea
artistică internațional. În
1939, Vasili Kandinski a
primit cetățenia franceză.
15
 Константин Коровин
Konstantin Korovin
(1861-1939)
Korovin este
unul din primii
impresioniști ruși,
pictor de teatru,
pedagog și scriitor.
Provine dintr-o
familie de creștini ortodocși de rit vechi,
fiind nepotul lui Mihail Emelianovici
Korovin, comerciant de prim rang. A fost
crescut într-o casă primitoare de
cunoscutul pictor Ilarion Prianişnikov,
membru al „Asociaţiei Peredvijnicilor”.
Talentul artistic și educaţia aleasă pe care
au primit-o frații Korovin, Konstantin şi
Serghei, o datorează mamei lor, Apollinaria
Ivanovna (născută Volkova),cu rădăcini
aristocratice. În ciuda sărăciei lucii,
Konstantin se străduiește să-și urmeze
fratele mai mare și ajunge
la Școala de Pictură din
Moscova, intrând în mediul
marilor pictori ruși. Curând,
Konstantin Alekseevici, alături
de un alt pictor talentat,
Valentin Serov, pleacă în
ținuturile nordice ale Rusiei.
Astfel, iau naștere câteva
minunate lucrări peisagistice
ale lui Korovin.
16
La începutul secolului al XX-lea, el activează în teatru,
creând costume și decoruri pentru spectacole celebre.
De asemenea, se implică în elaborarea unor producții
de operă și balet. În timpul Marelui Război pentru
Apărarea Patriei, Korovin s-a aflat la Statul Major
al Armatei, angajat să consilieze militarii în ceea ce
privește camuflarea trupelor pe teren.
La Expoziția Rusă din 1896 de la Nijni Novgorod,
Konstantin Alekseevici participă la decorarea
„Pavilionului Nordului”, în stilul vechilor construcții
din nordul Rusiei. În interiorul pavilionului se
afla o serie de panouri decorative care descriu
viața Nordului rusesc. Mai târziu, Korovin se
implică în proiectarea, construcția și decorarea
departamentului de artizanat și
a pavilionului Asiei Centrale de la
Expoziția de la Paris.
După vizitarea Franței, Korovin
începe o nouă etapă în creația
sa artistică, fiind încântat de
lucrările impresioniștilor francezi,
de tehnica lor de transfer a
culorii, de impresiile create de
tonuri. În timpul călătoriei prin
nordul Rusiei, Korovin este
fascinat de frumusețile naturii și
pictează natura nordică, culorile, aerul, schimbările
meteorologice rapide, toate reflectând viziunea lui
Korovin asupra impresionismului. Fiecare dintre
schițele sale nordice este o experiență unică. Lucrările
sale din această perioadă au fost remarcate de marele
mecenat şi colecționar Pavel Tretiakov, fondatorul
Galeriei „Tretiakov”. El va achiziţiona pentru galerie
tabloul „Iarnă în Laponia”.
De-a lungul anilor, Konstantin Korovin s-a implicat
activ în viața artistică rusă, participând la diferite
cercuri, expoziții și asociații. De asemenea, predă la
Școala de Pictură din Moscova.
Revoluția din octombrie 1917 nu
l-a afectat pe pictor, el rămânând în
Rusia. S-a implicat în conservarea
și inventarierea monumentelor
de artă, a organizat licitații și
expoziții. Konstantin Korovin
a organizat diverse licitații,
veniturile obținute fiind destinate
prizonierilor politici. Însă în
1922 el a plecat în străinătate,
stabilindu-se în Franța, la Paris.
 Николай Рерих
Nikolai Roerich
(1874-1947)
Nikolai Roerich, un mare
pictor, critic de artă, scriitor,
arheolog și personalitate a
timpului său, s-a născut la
Sankt Petersburg. În copilărie,
Nikolai citea mult și îi plăcea
istoria. În 1891, sculptorul
Mihail Mikeşin, prieten de familie, a
remarcat talentul artistic al băiatului și
aplecarea sa pentru pictură, devenind primul
lui profesor.
Roerich a studiat la Sankt Petersburg, la o
școală gimnazială, apoi a absolvit Facultatea
de Drept a Universității din Sankt Petersburg
și secţia de pictură a Academiei de Arte
Frumoase, în clasa lui Arhip Kuindji. Din
această perioadă datează legăturile sale
strânse cu artistul și criticul muzical
Vladimir Stasov, compozitorul Nikolai
Rimski-Korsakov, cu Alexandr Glazunov,
Anatoli Liadov, Anton Arenski, pictorul Ilia
Repin și alții.
În 1897, tabloul lui Roerich, „Mesagerul", a
fost expus în cadrul unei expoziții studențești
la Academia de Arte Frumoase. Lucrarea
a fost achiziționată de Tretiakov. Roerich
a participat la săpături arheologice, a
călătorit mult prin Rusia, pentru a studia
monumentele artei rusești. A realizat seria
de tablouri, intitulată „Slavii". De asemenea,
a participat la expozițiile Asociației Artiștilor
Plastici „Lumea artei“.
În 1900, Roerich studiază la Paris, în atelierele pictorilor
Pierre Puvis Chavannes și Fernand Cormon. În 1901, el
este numit secretar al Societății pentru Promovarea Artelor
şi, din 1906, este director al Școlii de Artă a Societății. În
1909 devine membru al Academiei Ruse de Arte, iar în
1910 este ales președinte al Asociației „Lumea Artei“.
Roerich a realizat schiţe pentru baletul „Le Sacre du
printemps" şi pentru opera „Cneazul Igor". Cu puțin timp
înainte de primul război mondial, lucrările lui Roerich
capătă semnificații ascunse: „Lupta cu dragonul",
„Flacăra". Personajele unor tablouri sunt sfinţi venerați în
Rusia: tămăduitorul Pantelimon, Serghei din Radonej,
Boris și Gleb.
Revoluția a surprins familia lui
Roerich în Finlanda. De acolo,
Roerich a plecat întâi în Suedia,
apoi la Londra și, ulterior, în SUA.
În urma celor două mari expediții
în Asia Centrală și de Est, Roerich
adună colecții arheologice și
etnografice, iar din 1936 se
stabileşte în India. Împreună cu
soția sa, Elena, a lucrat la teoria
sa filosofică, „Etica vie". Împreună
cu fiul său, Iuri Roerich, a fondat Institutul de Studii
al regiunii Himalaya din Naggar, „Urusvati“.
În această perioadă, el pictează mai ales peisaje montane.
Tema principală a creaţiei sale artistice, în perioada anilor
1920-1940, a fost Orientul. Artistul a creat o serie de
tablouri dedicate „Învăţătorilor Orientului", o altă serie
de tablouri dedicate femeilor (de remarcat tabloul „Maica
Lumii"), tablouri dedicate naturii, monumentelor antice,
legendelor din Himalaya, etc. Căutările sale filosofice au
ajuns în prim plan în arta sa. În total, Nicholas Roerich a
creat peste 7000 de tablouri, unite în cicluri și serii tematice.
În timpul Marelui Război pentru Apărarea Patriei,
Roerich a realizat mai multe tablouri patriotice: „Cneazul
Igor", „Alexandr Nevski", etc. Ani la rând, el a lucrat cu
cei mai buni reprezentanți ai culturii, pentru a institui
așa-numitul „Pact Roerich", un pact pentru protejarea
valorilor culturale. A fost implicat în activități educaționale
în domeniul protecției monumentelor culturale.
17
 Александр Дейнека Perioada represiunilor lui Stalin nu îl afectează în
Alexandr Deineka nici un fel pe artist. În timpul Marelui Război pentru
(1899-1969) Apărarea Patriei, Deineka realizează postere de
propagandă, pentru a menține spiritul de luptă într-
un moment dificil pentru armata sovietică. Artistul
sovietic contribuie, astfel, la victoria asupra nazismului.
Tablourile sunt foarte dramatice și pline de patos.
Cel mai remarcabil dintre tablourile sale din acea
perioadă este „Apărarea Sevastopolului”. Dorind să
arate consecințele devastatoare ale războiului, Deineka
pictează renumitul tablou „Satul ars”. După război,
el își continuă activitatea artistică, devine membru al
Academiei de Arte a URSS.
Spre deosebire de
generația mai în vârstă
de artiști sovietici,
Deineka nu a avut
timp să opteze pentru
curentele moderniste de
la începutul secolului al
Este una dintre cele mai XX-lea. El și-a început
remarcabile figuri ale culturii cariera de artist în timpul
sovietice. S-a remarcat în multe revoluției, de aceea
domenii ale artei, cum ar fi creațiile sale nu conţin
pictura, sculptura și grafica. prea mult simbolism.
Familia sa era modestă, tatăl său era Dimpotrivă, Deineka este un reprezentant al realismului
lucrător feroviar. Cu toate acestea, Deineka socialist. Picturile sale sunt deseori dedicate temelor și
a primit o educație bună pentru vremea activităților revoluționare ale organizațiilor sovietice.
respectivă. În perioada postbelică, Deineka păstrează același nivel
În perioada 1915-1917 a studiat la Colegiul de performanță și măiestrie, însă revine la genurile
de Artă din Harkov. În timpul revoluției, el vechi, probate (viața liniștită, sportul, natura și sănătatea
începe o activitate artistică activă. Lucrează fizică), încetând a extinde limitele creativității sale.
ca fotograf, se ocupă de pedagogie și În 1954, el decorează sala de spectacole a Teatrului
educație. În timpul ofensivei armatei albe, de Operă și Balet din oraşul Celeabinsk, în 1956
participă la luptele pentru apărarea oraşului realizează mozaicul pentru foaierul sălii de festivităţi
Kursk. Din 1919-1920 a servit în rândurile a Universităţii de Stat din Moscova, în
Armatei Roșii ca 1961 lucrează la decorarea Palatului
director artistic, în Congreselor din Moscova, din incinta
departamentul politic. Kremlinului.
La sfârșitul revoluției, Pentru lucrările de mozaic „Bună
se mută la Moscova, dimineaţa” (1959-1960)și „Jucători de
unde îşi desăvârșește hochei” (1959-1960),Deineka primeşte în
educația artistică. În anul 1964 Premiul „Lenin”. În 1969 i s-au
1924 are loc prima sa decernat Ordinul Lenin, Ordinul Drapelului
expoziție personală. În Roșu al Muncii, i se conferă, de asemenea,
anii treizeci abordează titlul de Erou al Muncii Socialiste.
tema aviației: tablourile Pictura lui Deineka, „În spatele cortinei”,
„Tineri piloți” și „Peste a fost vândută la Londra pentru 2,248
Pol spre America”. milioane lire sterline.
18
 Илья Глазунов
Ilia Glazunov
(1930 - 9 iulie 2017)
În copilărie, Glazunov a studiat
la o școală de artă din Petrograd.
În timpul Marelui Război pentru
Apărarea Patriei, părinții și rudele
apropiate ale viitorului artist
plastic au pierit în timpul asediului
Leningradului. În 1942, Ilia, pe
atunci în vârstă de 11 ani, a fost
evacuat din Leningrad în satul
Greblo din regiunea Novgorod.
Întorcându-se la Leningrad în 1944, el se
înscrie la școala medie de pe lângă Institutul
de Pictură, Sculptură și Arhitectură „Repin”
din cadrul Academiei de Arte a URSS, după
care, în 1951, este admis la facultatea de
pictură a Institutului de Pictură, Sculptură și
Arhitectură (în prezent, Institutul Academic
de Stat de Pictură, Sculptură și Arhitectură).
În 1956, fiind încă student, primeşte Marele
Premiu la o competiție internațională la
Praga, care l-a determinat să-şi deschidă
prima expoziție personală la Moscova în
1957. Atunci au fost prezentate patru serii
de lucrări, care au stabilit încă de atunci
principalele direcții ale creației artistului:
„Imagini ale Rusiei”, „Orașul”, „Dostoievski
și clasicii ruși”, „Portret”. În anul 1958 l-a
cunoscut pe poetul Serghei Mihalkov, autor
al versurilor imnului de stat şi, care, potrivit
artistului, a devenit binefăcătorul său.
Între 1960-1970 Glazunov a creat ilustrații pentru
operele clasicilor ruşi Dostoievski, Blok, Kuprin,
Nekrasov, Melnikov-Peciorsky, Nikolai Leskov.
În același timp, el pictează celebrele tablouri care
recreează imaginea veche, de secole, a Rusiei:
„Novgorodul cel Mare“, „Cântec rusesc“, „Orașul
Kitej“ și alte lucrări. Printre lucrările sale pe teme
istorice, un loc special îl ocupă ciclul „Bătălia de pe
Câmpia Kulikovo”. Picturile sale pe teme istorice,
„Boris Godunov” (1967), „Legenda Ţareviciului
Dimitri” (1968), „Prințul Oleg și Igor” (1972), „Ivan
cel Groaznic” (1974), „Dmitri Donskoi” (1979)
combină tehnica picturii în tempera pe o placă
cu incrustații cu sticlă colorată, brocart, metal,
reflectând tehnici vechi ale artei ruse.
Viziunea filosofică a artistului asupra lumii și istoriei
naționale s-a materializat în picturi celebre, cum ar fi
„Misterul secolului
XX“, „Eterna
Rusie“, „Marele
Experiment“,
„Distrugerea unei
biserici în Noaptea
de Paști“. El este
autorul a peste
trei mii de lucrări.
În perioada 1996-
1999, Glazunov a
fost directorul artistic al lucrărilor de restaurare a
Marelui Palat din Kremlin. La aniversarea a 850 de
ani a orașului Moscova, Glazunov a donat orașului
toate operele sale create pe parcursul a peste 40 de
ani de activitate artistică. Artistul a fost un apropiat
al președintelui Rusiei, Vladimir Putin. De asemenea,
a fost membru plin al Academiei de Arte din Rusia,
membru al Academiilor Regale de Arte Plastice din
Madrid și Barcelona.
Numele artistului a fost atribuit unui asteroid.
19
 Vă așteptăm la Centrul Rus de
Știința și Cultura la București

Adresa: Bulevardul Lascăr Catargiu 50, sector 1

Tel: 031 425 44 86
Fax: 031 425 45 60
e-mail: secretariatccr@mail.ru
http://rou.rs.gov.ru/
https://www.facebook.com/CentrulrusdestiintasiculturaBucuresti

Redactori: Dumitru Pahom, Serghei Vîrsta

Traducatori: Serghei Vîrsta, Mihai Lucacs, Cozmiuc Maria Bianca,
Chitu Ionut, Ioana Dascalu, Christian Constantin, Herisanu Cosmina,
Laura Ionela, Simona Elena Carsoache, Galan Nicoleta
Tehnoredactare: Cherednik Anastasia
20