Perioada baroca in muzica

De Mitrache Narcisa-Elena - 9A

Despre perioada barocă a muzicii

Perioada barocă a muzicii a avut loc între 1600 și 1750. A fost precedată de epoca
Renașterii și urmată de epoca clasică. Stilul baroc s-a răspândit în toată Europa de-a
lungul secolului al XVII-lea, cu compozitori baroci notabili care au apărut în Germania,
Italia, Franța și Anglia.

Era barocă nu se limiteaza la muzică. Pictura barocă ( de maeștri precum

Caravaggio și Peter Paul Rubens ), sculptură barocă ( condusă de Gian Lorenzo Bernini ),
și arhitectura barocă ( în special în biserica catolică ) au fost alte forme celebre ale artei
baroce în secolele XVII și XVIII. Termenul baroc se poate referi la toate aceste forme de
artă pe lângă muzică.
Compararea unora dintre cele mai mari capodopere ale istoriei muzicale cu o perlă
neajunsă ne poate părea astăzi ciudată, dar pentru criticii din secolul al XIX-lea care au
aplicat termenul, muzica din epoca lui Bach și Handel a sunat excesiv de ornamentată și
exagerată. După ce și-a vărsat conotațiile derogatorii, “ baroc ” este acum pur și simplu
un captiv convenabil pentru una dintre cele mai bogate și mai diverse perioade din istoria
muzicii.

Pe lângă producerea celei mai vechi muzici europene familiare pentru majoritatea
dintre noi, inclusiv Canonul lui Pachelbel și The Four Seasons de Vivaldi, epoca barocă
ne-a extins foarte mult orizonturile. Acceptarea teoriei secolului al XVI-lea a lui Copernic
potrivit căreia planetele nu s-au rotit în jurul pământului a făcut ca universul să fie un loc
mult mai mare, în timp ce activitatea lui Galileo ne-a ajutat să facem cunoștință mai bună
cu cosmosul. Progresele tehnologice, cum ar fi invenția telescopului, au făcut ca ceea ce
se credea a fi finit să pară infinit. Marii gânditori precum Descartes, Hobbes, Spinoza și
Locke au abordat marile întrebări ale existenței. Genii precum Rubens, Rembrandt și
Shakespeare au oferit perspective unice prin arta lor. Națiunile europene s-au implicat din
ce în ce mai mult cu comerțul exterior și colonizarea, aducându-ne în contact direct cu
părți ale globului care anterior nu erau cunoscute. Iar creșterea unei noi clase de mijloc a
inspirat viața într-o cultură artistică dependentă mult timp de capriciile bisericii și ale
curții.
 O scurtă istorie a muzicii baroce

După înființarea sa în Italia, muzica barocă s-a extins în toată Europa datorită
compozitorilor precum Johann Sebastian Bach și George Frideric Handel.

Originea în Italia: epoca barocă timpurie a muzicii centrată în Italia.

Compozitorii italieni cu sediul la Roma și împrejurimile sale au compus muzică care s-a
bazat pe tradițiile epocii Renașterii, dar și-a extins granițele armonice și ornamentale.
Printre compozitorii baroci italieni notabili se numără Alessandro Scarlatti ( și fiul său
Domenico Scarlatti ), Antonio Corelli și Claudio Monteverdi. Antonio Vivaldi a fost
ultimul compozitor baroc italian major. A lucrat în epoca barocă ulterioară,
suprapunându-se cu George Frideric Handel și Johann Sebastian Bach.
Influența germană: Pe măsură ce muzicienii au călătorit în toată Europa, stilul
baroc a prins, iar noii compozitori au adăugat elemente noi. Compozitorul englez Henry
Purcell și compozitori francezi precum Jean-Baptiste Lully și Jean-Phillippe Rameau au
făcut mărci, dar școala germană de muzică barocă a fost cea mai influentă. Georg Philipp
Telemann, Michael Praetorius, Johann Pachelbel și, mai ales, Johann Sebastian Bach au
ajutat la definirea perioadei înalte a barocului. Un alt german proeminent a fost George
Frideric Handel, deși și-a petrecut aproape întreaga carieră în Anglia.
Sfârșitul unei ere: sfârșitul perioadei baroce este legat de moartea lui Bach în
1750. A doua jumătate a secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea au
marcat perioada clasică, unde compozitori precum Wolfgang Amadeus Mozart și Franz
Joseph Haydn au construit pe temelia pusă de compozitori baroci.

Cine au fost principalii compozitori baroci și de unde erau?

Multe dintre personalitățile bine cunoscute din prima parte a perioadei baroce
provin din Italia, inclusiv Monteverdi, Corelli și Vivaldi. ( Până la mijlocul secolului al
XVIII-lea, accentul nostru se îndreaptă către compozitorii germani Bach și Handel. )
Multe dintre formele identificate cu muzica barocă au originea în Italia, inclusiv cantata,
concerto, sonata, oratorio și operă. Deși Italia a jucat un rol esențial în dezvoltarea acestor
genuri, noile concepte despre ceea ce însemna să fie o națiune au sporit imperativul unui
stil național “. ” Diferențele dintre națiuni sunt adesea audibile în muzică din perioadă, nu
numai în modul în care a fost compusă muzica, ci și în convențiile de performanță;
deosebit de evident a fost contrastul dintre Italia și Franța. În timp ce anumite țări pot
părea să pretindă o piesă mai mare din experiența noastră de muzică barocă astăzi, fiecare
națiune a jucat un rol. În timp ce muzicienii și compozitorii au călătorit în toată Europa și
și-au auzit muzica reciproc, noile convenții pe care le-au întâlnit au făcut impresii subtile
asupra lor. Unii dintre cei mai cunoscuți compozitori din perioadă includ următoarele:
Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico și Alessandro Scarlatti
Franța: Couperin, Lully, Charpentier și Rameau
Germania: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel și Bach
Anglia: Purcell

Care este filozofia muzicii baroce?

Deși o singură filozofie nu poate descrie 150 de ani de muzică din toată Europa,
mai multe concepte sunt importante în perioada barocă. O credință în muzică ca un
instrument puternic de comunicare

Unul dintre curenții filozofici majori ai muzicii baroce provine din interesul
renascentist pentru ideile din Grecia antică și Roma. Grecii și romanii credeau că muzica
este un instrument puternic de comunicare și poate stârni orice emoție în ascultătorii săi.
Ca urmare a renașterii acestor idei, compozitorii au devenit din ce în ce mai conștienți de
puterea potențială a muzicii, și au cultivat credința că propriile compoziții ar putea avea
efecte similare dacă ar emula corect muzica antică. După cum a descris un spectacol la
sfârșitul secolului al XVI-lea, savantul umanist francez Artus Thomas,

Am auzit de multe ori despre Sieur Claudin Le Jeune ( care are, fără să vrea să
ușureze pe nimeni, i-a depășit cu mult pe muzicienii de veacuri trecute, în înțelegerea
acestor lucruri) că a cântat un aer ( pe care l-a compus în părți )…și că atunci când acest
aer a fost repetat la un concert privat, a determinat un domn de acolo să pună mâna în
brațe și să înceapă să înjure cu voce tare, astfel încât părea imposibil să-l împiedice să
atace pe cineva: după care Claudin a început să cânte un alt aer ... ceea ce l-a făcut pe
domn la fel de calm ca înainte. Acest lucru mi-a fost confirmat de mai mulți care au fost
acolo. Aceasta este puterea și forța melodiei, ritmului și armoniei asupra minții.

În 1605, compozitorul italian Claudio Monteverdi a definit de fapt o practică “ ” și

“ secundă ”: în primul, armonia și contrapunctul au avut prioritate asupra textului; în al
doilea, nevoia de a exprima sensul cuvintelor a depășit orice altă preocupare. În baroc,
spiritul celei de-a doua practici — folosind puterea muzicii de a comunica — a ajuns să
domine epoca.
 Orice discuție despre filozofia artistică a unui compozitor baroc ar trebui să fie
temperată, cel puțin ușor, de realitatea vieții lor. În vremurile moderne, artiștii își câștigă
frecvent viața producând exact genul de artă pe care sunt mutați să o creeze. În
consecință, ne gândim adesea la artist — și la gradul de inspirație artistică — ca punct de
plecare pentru o operă de artă. Cu toate acestea, în mare parte din epoca barocă,
compozitorii au câștigat o muzică de scriere vie doar dacă au avut norocul să fie pe
salariul unei instituții politice sau religioase. Prin urmare, nevoile muzicale ale acestei
instituții au dictat muzica pe care compozitorul a produs-o. Bach a scris numărul de
cantate pe care le-a făcut, de exemplu, nu neapărat pentru că a găsit forma inspirată, ci
din cauza cerințelor liturgice ale bisericii din Leipzig care l-au angajat. Când este privită
în această lumină, muzica barocă poate oferi o fereastră fascinantă în istorie.

Care sunt caracteristicile muzicii baroce?

Noul interes pentru posibilitățile dramatice și retorice ale muzicii a dat naștere
unei bogății de noi idealuri sonore în perioada barocă.

Contrastul ca element dramatic

Contrastul este un ingredient important în drama unei compoziții baroce.
Diferențele dintre tare și moale, solo și ansamblu ( ca în concertul ), diferite instrumente
și timbre joacă un rol important în multe compoziții baroce. Compozitorii au început, de
asemenea, să fie mai exacti cu privire la instrumentare, specificând adesea instrumentele
pe care trebuie cântată o piesă în loc să permită interpretului să aleagă. Instrumente
strălucitoare precum trompeta și vioara au crescut și în popularitate.

Monodie și apariția basso continuo

În epocile muzicale anterioare, o piesă de muzică avea tendința de a consta dintr-o
singură melodie, poate cu un acompaniament improvizat, sau mai multe melodii cântate
simultan. Până în perioada barocă, conceptul de “ melodie ” și “ armonie ” au început cu
adevărat să fie articulate. Ca parte a efortului de a imita muzica antică, compozitorii au
început să se concentreze mai puțin pe polifonia complicată care a dominat secolele al
XV-lea și al XVI-lea și mai mult pe o singură voce cu un acompaniament simplificat, sau
monodie. Dacă muzica a fost o formă de retorică, așa cum indică scrierile grecilor și
romanilor, este necesar un orator puternic — și cine este mai bun pentru slujbă decât un
solist vocal? Noua fuziune dintre expresia sentimentului și cântăreața solo vine cu voce
tare și clară în prefața lui Monteverdi la Combattimento di Tancredi e Clorinda din a opta
sa carte a madrigalelor ( 1638 ), în care scrie: “ Mi s-a părut că pasiunile sau afecțiunile
principale ale minții noastre sunt trei la număr, și anume mânia, echanimitatea și
smerenia. Cei mai buni filozofi sunt de acord, iar însăși natura vocii noastre, cu
intervalele sale înalte, joase și mijlocii, ar indica la fel de mult. ” Cele mai vechi opere
sunt o ilustrare excelentă a acestei noi estetice.

Alături de accentul pus pe o singură melodie și linie de bas a venit practica basso
continuo, o metodă de notare muzicală în care sunt scrise melodia și linia de bas și
umplutura armonică indicată într-un tip de shorthand. După cum a explicat muzicianul
italian Agostino Agazzari în 1607:

Întrucât adevăratul stil de exprimare a cuvintelor a fost găsit în cele din urmă, și
anume, prin reproducerea sensului lor în cel mai bun mod posibil, care reușește cel mai
bine cu o singură voce ( sau nu mai mult de câteva ), ca în aerul modern al diferiților
oameni capabili, precum și practica constantă la Roma în muzica concertată, Spun că nu
este necesar să obții un scor ... Un bas, cu semnele sale pentru armonii, este suficient. Dar
dacă cineva mi-ar spune că, pentru a juca lucrările vechi, pline de fugue și contrapuncte,
un bas nu este suficient, răspunsul meu este că lucrările vocale de acest fel nu mai sunt
utilizate.

Deoarece basso continuo, sau bass-ul minuțios, a rămas practică standard până la
sfârșitul perioadei baroce, epoca este uneori cunoscută sub numele de “ vârsta basului
minuțios. ”

Diferite sunete instrumentale

După ce a fost ignorată de zeci de ani, muzica barocă a devenit din ce în ce mai
populară în ultimii cincizeci de ani. Ca parte a acestui nou interes, savanții și muzicienii
au petrecut nenumărate ore încercând să-și dea seama cum ar fi putut suna muzica pentru
publicul din secolele XVII și XVIII. Deși nu vom putea niciodată să recreăm o
performanță cu precizie, munca lor a descoperit mai multe diferențe majore între
ansamblurile baroce și cele moderne:

pitch: În 1939, orchestrele moderne au convenit să acorde un ’ = 440hz ( nota A

înclinată la 440 de cicluri pe secundă ), care a înlocuit un pas anterior mai mic ( a ’ =
435hz ) adoptat în 1859. Cu toate acestea, înainte de 1859, nu exista un standard de pitch.
Nota la care se adună ansamblurile baroce, prin urmare, a variat foarte mult în momente
diferite și în locuri diferite. Drept urmare, muzica notată pe un scor ar fi putut suna cu o
jumătate de ton mai mică decât cum ar fi interpretată în mod tradițional astăzi. În efortul
de a permite această discrepanță, multe ansambluri baroce își ajustează reglarea la
repertoriul interpretat: a ’ = 415hz pentru muzica barocă târzie, a ’ = 392hz pentru muzica
franceză, a ’ = 440 hz pentru muzică italiană timpurie și un ’ = 430 hz pentru repertoriu
clasic.

timbru: În timp ce majoritatea instrumentelor dintr-un ansamblu baroc sunt

familiare, există mai mulți membri proeminenți care nu mai sunt prezentați în
ansamblurile moderne. Clapicul a fost instrumentul principal de tastatură ( și un membru
important al grupului continuu ) și instrumente importante în secolele XVI și XVII
precum lăutul și violul, a continuat să fie utilizat. Variațiile instrumentelor încă populare
astăzi au dat și ansamblului baroc un sunet diferit. Instrumente cu coarde precum vioara,
viola și violoncelul au folosit șiruri intestinale, mai degrabă decât șirurile înfășurate în
metal cu care sunt strânse astăzi, de exemplu, oferindu-le un ton mai dulce și mai dulce.

tehnica performanței: Un scor baroc conține puține informații ( dacă există )

despre elemente precum articularea, ornamentația sau dinamica și astfel ansamblurile
moderne trebuie să își aleagă propriile alegeri în cunoștință de cauză înainte de fiecare
performanță. Diferențele mecanice între instrumentele baroce și cele moderne sugerează,
de asemenea, că instrumentele mai vechi ar fi sunat diferit, astfel încât ansambluri
precum Music of the Baroque își ajustează adesea tehnica pentru a permite acest lucru.
Deoarece arcurile baroce și moderne sunt diferite din punct de vedere structural, de
exemplu, jucătorii de coarde care folosesc arcuri moderne folosesc adesea un atac mai
blând asupra șirului și crescendosului și diminuendosului pe note mai lungi. Tratatele de
performanță din secolele XVII și XVIII implică, de asemenea, că vibrato-ul degetelor ( o
tehnică în care un jucător de coarde își înfige vârful degetului pe coardă pentru a îmbogăți
tonul ) a fost folosit cu mod redus pentru momente expresive, în timp ce vibrato-ul
arcului ( a fost în general preferată o mișcare ondulantă a arcului ).

Ce forme muzicale au ajuns să definească epoca barocă?

În timp ce formele din epocile anterioare au continuat să fie utilizate, cum ar fi

motetul sau dansurile particulare, interesul pentru muzică ca formă de retorică a stârnit
dezvoltarea de noi genuri, în special în domeniul muzicii vocale. Multe dintre formele
asociate cu epoca barocă ies direct din acest nou impuls dramatic, în special opera,
oratoriul și cantata. Pe tărâmul muzicii instrumentale, noțiunea de contrast și dorința de a
crea forme pe scară largă au dat naștere concertului, sonatei și suitei.
 Opera: o dramă care este cântată în primul rând, însoțită de instrumente și
prezentată pe scenă. Operele alternează de obicei între cântecul recitativ, asemănător
vorbirii, care avansează complotul și ariile, melodii în care personajele exprimă
sentimente în anumite puncte ale acțiunii. Corurile și dansurile sunt, de asemenea,
frecvent incluse. Apariția genului la începutul secolului al XVII-lea este adesea asociată
cu activitățile unui grup de poeți, muzicieni și savanți din Florența, cunoscut astăzi sub
numele de Camerata florentină. Prima operă supraviețuitoare a fost Dafne a lui Jacopo
Peri, bazată pe un libret de Ottavio Rinuccini și interpretată la Florența în 1598; cea mai
veche operă interpretată și astăzi este Orfeo ( 1607 ) de Claudio Monteverdi. Subiectele
primelor opere sunt preluate din mitul grecesc, reflectând alianțele strânse ale genului cu
încercări de recreare a muzicii și dramei culturilor antice, și au fost efectuate exclusiv în
cercuri aristocratice pentru oaspeții invitați.
Oratorio: o dramă muzicală extinsă cu un text bazat pe subiecte religioase,
destinat performanței fără peisaj, costum sau acțiune. Oratorio însemna inițial o sală de
rugăciune, o clădire situată în apropierea unei biserici care era concepută ca un loc pentru
experiențe religioase distincte de liturghie. Deși există precedente ale secolului al XVI-
lea pentru oratoriu în repertoriul motet și madrigal, oratoriul ca gen muzical distinct a
apărut în mijlocul acusticii excelente a acestor spații la începutul anilor 1600. Până la
mijlocul secolului al XVII-lea, oratorii erau efectuate în palate și teatre publice și creșteau
din ce în ce mai asemănător cu operele, deși subiectul, divizarea în două părți ( mai
degrabă decât trei acte ) și absența acțiunii etapizate încă o diferențiază. Unii dintre
compozitorii asociați genului în Italia includ Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti și
Antonio Vivaldi.
Cantata: an extended piece consisting of a succession of recitatives and set
pieces such as arias, duets and choruses. Originating in early 17th century Italy, the
cantata began as a secular work composed for solo voice and basso continuo, most likely
intended for performance at private social gatherings. Many of these works were
published, suggesting that they were performed by professional musicians and amateurs
alike. By the middle of the century cantatas were published less frequently, suggesting
that performances were increasingly being done by professionals. By the end of the 17th
century, cantatas began incorporating the da capo aria and often had orchestral
accompaniments. Major composers in the Italian cantata genre include Luigi Rossi,
Antonio Cesti, Alessandro Stradella, and in the first half of the 18th century Alessandro
Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello and Johann Adolf Hasse. Outside of Italy, the
expanding genre of the Lutheran motet began incorporating many elements of the Italian
cantata, especially techniques of dramatic expression like recitative and aria. Bach’s
many cantatas show the wide ranging influence of their Italian counterparts.
 Sonata: Folosit pentru a descrie mai multe tipuri de piese în epoca barocă,
termenul sonat a desemnat cel mai frecvent o lucrare în mai multe mișcări pentru unul
sau mai multe instrumente ( cel mai frecvent viori ) și bassocontinuo; o sonată pentru
două viori sau alte instrumente treble plus bass a fost numită de obicei un trio sonata.
Până în anii 1650, sonatele erau adesea clasificate fie ca sonate da chiesa ( “ sonate
bisericești ” ), de obicei cuprinse din patru mișcări care alternează între tempo-uri lente și
rapide și se desfășoară în biserică, sau sonate da camera ( “ sonata de cameră ” ), care a
constat dintr-o serie de dansuri asemănătoare cu suita. Exemple de ambele tipuri pot fi
găsite în lucrările Corelli de la sfârșitul secolului al XVII-lea. În secolul al XVIII-lea,
Telemann, Bach și Handel au scris numeroase sonate modelate pe sonatele lui Corelli da
chiesa. Creșterea proeminenței sonatelor solo pentru instrumentele de la tastatură începe
târziu în perioada barocă, inclusiv cele pentru organ ( Bach ) și clavecin ( Handel,
Domenico Scarlatti ). Alte exemple celebre de sonate solo includ lucrările lui Bach pentru
vioară și violoncel neînsoțit.
Concert: derivat din concertarul italian ( pentru a se uni, uni ), concertul a
luat mai multe forme în perioada barocă. Până la începutul secolului al XVIII-lea, un
concert a fost pur și simplu o compoziție care a unit un ansamblu divers format din voci,
instrumente sau ambele. Lucrările sacre pentru voci și instrumente au fost adesea numite
concerte, în timp ce lucrări seculare similare au fost, în general, denumite arie ( airs ),
cantate sau musiche. În timp ce concertele sacre la scară largă pot fi găsite în lucrările lui
Claudio Monteverdi, compoziții mai intime pentru una până la patru voci, instrumente
continuo și instrumente solo suplimentare au fost mult mai frecvente. În Germania,
exemple minunate ale concertului sacru pot fi găsite în lucrările lui Johann Hermann
Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt și Heinrich Schütz ( în special Kleine
geistliche Concerte, sau “ Concerte sacre mici, ” din 1636 – 39 ).

Mai târziu în secolul al XVII-lea, concertul a început să-și asume definiția

modernă: o lucrare multimovement pentru solistul instrumental ( sau un grup de soliști )
și orchestră. Luându-și atenția din canzonas și sonatele de la sfârșitul secolului al XVI-lea
și al XVII-lea, care au folosit cu mare efect grupuri de instrumente contrastante, concerto
grosso alternează un grup mic de soliști cu un ansamblu mai mare. Lucrările lui Corelli,
în special Op. Colecția 6, oferă poate cele mai cunoscute exemple ale concertului grosso
de la sfârșitul secolului al XVII-lea. În timp ce lucrările lui Corelli au fost emulate în
secolul al XVIII-lea, în special în Op. 6 colecție, multe exemple din secolul al XVIII-lea
ale concertului grosso arată influența crescândă a concertului solo ( de exemplu,
Concertele de la Brandenburg din J. S. Bach ).
 Suită: Pe baza împerecherii tradiționale a dansurilor din Renaștere, suita a
fost prima lucrare cu mai multe mișcări pentru instrumente. Suita era în esență o serie de
dansuri în aceeași cheie, majoritatea sau toate sub formă de două părți. În jurul mijlocului
secolului al XVII-lea în Germania, secvența de allemande, courante, sarabande și gigue a
devenit relativ standard, deși alte mișcări de dans, cum ar fi allemande sau courantes
suplimentare, bourreés, gavotele și minuetele au fost adesea introduse. Majoritatea
apartamentelor au început, de asemenea, cu o mișcare introductivă, cum ar fi un preludiu,
ouverture sau fantasia. Pentru mulți compozitori baroci, diferitele dansuri întruchipau
personaje specifice. În Der volkommene Capellmeister ( Directorul muzical complet ),
1739, teoreticianul german Johann Mattheson a oferit o listă cu personajul fiecărui dans:
minuetul era “ moderat, ” gavotte “ bucurie jubilantă,” bourreé “ conținut, ” courante “
hope, ” sarabande “ ambition ” și gigue ar putea semnifica o serie de emoții care variază
de la furie la zbor. Apartamentele baroce au fost notate atât pentru instrumente solo, cât și
pentru orchestră; cele scrise pentru unul sau două instrumente de melodie și continuo sunt
uneori intitulate sonata da camera. Apartamentele franceze pentru tastatură sunt uneori
numite ordres ( ca în lucrările lui François Couperin, care a inserat multe mișcări non-
dans, inclusiv schițe de caracter evocatoare ale personalului instanței.

Era barocă în epoca modernă

Deși perioada barocă s-a încheiat în urmă cu peste 250 de ani, vestigiile epocii pot
fi auzite peste tot. Unele dintre cele mai influente și iubite compoziții sunt interpretate în
mod regulat în săli de concerte, iar o mulțime de înregistrări fac barocul disponibil la
cerere. Multe dintre genurile muzicale încă folosite astăzi, precum oratoriul, concertul și
opera, au avut originea în perioada respectivă. Compozitori din secolul al XX-lea,
precum Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky și Benjamin Britten, au adus un omagiu
barocului în lucrările lor. Influența sa poate fi auzită chiar și în afara tărâmului muzicii de
artă: libera circulație între solo și grup în jazz este uneori comparată cu muzica barocă, iar
fragmentele lui Bach și Vivaldi apar frecvent în solo-urile chitariștilor de heavy metal. Iar
spiritul barocului — o credință neclintită în puterea muzicii de a atinge viața oamenilor
— a schimbat istoria muzicii pentru totdeauna.